Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Ансель адамс фотографии в высоком качестве: Ансел Адамс | Мир сквозь призму

Содержание

Ансель Адамс – мастер черно-белых пейзажей / Фотографы / Дневники фотографов

Почему за 60 лет эволюции фотокамер никто не смог повторить то, что сделал Ансель Адамс в 1940?

У Анселя не было Фотошопа. Как ему удалось? Было множество попыток, некоторые удачные, как у Джека Дикинга (Jack Dykinga), но никто не смог повторить.

Почему фотографы, имея точные координаты пейзажей Анселя и Джека и делая точно такие же снимки, получают что-то похожее на оригиналы, но совершенно не вызывающее эмоций? Это не шутка.

Куча тупиц пользуются услугами астрономов, чтобы предсказать время и место, где раз в 20 лет можно сделать удачный снимок. И конечно они ничего не получают, потому что искусство это больше, чем они думают. Превосходные фотографы делают снимки основываясь на вдохновении, а не дублировании. Почему после часов обработки изображения в Фотошопе, оно выглядит даже хуже чем до обработки, хотя всем известно, что Фотошоп творит чудеса? Может, потому что это глаза, терпение и опыт художника делают фото, а не его инструменты. Даже Ансель сказал: «Единственный важный компонент камеры — это двенадцать дюймов позади неё.»
источник

осторожно, траффик!

Когда речь заходит о пейзажах в фотоискусстве, то на память первым делом приходит имя выдающегося американского фотографа Анселя Адамса (Ansel Adams). Его черно-белые снимки стали классикой пейзажной фотографии, до сих пор не потеряв своей актуальности и особого художественного видения. Не самый большой ценитель цветной фотографии Ансель Адамс всю свою жизнь создавал великолепные черно-белые изображения, которые отличались выразительностью и эмоциональной окраской. И хотя в его послужном списке числится немало потрясающих фотографий людей, архитектуры и различных объектов, именно пейзажные фотоснимки сделали его по-настоящему знаменитым. Да и сам он отмечал, что самым трудным жанром в фотоискусстве, требующим от фотографа недюжинного мастерства и терпения, является пейзаж. Ведь для того, чтобы запечатлеть величие природы или выразить собственный художественный замысел в пейзаже, фотографу приходится учитывать множество мельчайших деталей: погоду, облака в воздухе, освещение, блеклые цвета, экспозицию. Только терпеливо ожидая и изучая каждую мелочь, уловив нужный момент, фотограф может получить действительно запоминающийся кадр. Поэтому Ансель Адамс с самого начала своей творческой деятельности стремился постигать основы техники фотографического искусства, а в дальнейшем не боялся экспериментировать и постоянно совершенствовал свое мастерство. Однако, серьезный подход к технике фотографии – лишь один из ключей к успеху Анселя Адамса. Он, также как и всякий выдающийся художник, обладал собственным художественным чутьем и видением, которое можно найти практически в каждой его работе. Сочетание тонкого художественного таланта и совершенного технического мастерства сделали его одним из самых известных фотографов-пейзажистов XX века.

А все начиналось в Сан-Франциско, где он родился и получил прекрасное музыкальное образование. Долгое время Ансель Адамс и не помышлял о карьере фотографа, поскольку фотография для него поначалу была просто увлечением. Все свободное время он уделял именно музыке. Кстати, любовь к музыке возможно научила его тому, что в основе любого творческого мастерства лежит техника. Как и в музыке для того, чтобы добиться совершенства, фотограф должен постоянно упражняться, осваивая на практике все технические элементы. Вторым важным фактором, повлиявшим на его становление в качестве фотографа, стала удивительная природа Калифорнии, а именно национальный парк Йосемити, куда он еще подростком ходил с простеньким фотоаппаратом. Скалистые горы Сьерра-Невады и живописная долина Йосемити предопределили его творческий путь, научив пристально вглядываться в скрытые формы живой природы. Именно здесь во многом сформировался особый подчерк Анселя Адамса с резкой фокусировкой, сдержанностью и строгостью в деталях.  

 

В 1930 году, познакомившись с работами Пола Странда, он наконец решается профессионально заняться фотоискусством, предпочтя фотографию карьере пианиста. Уже через два года Ансель Адамс вместе с другими фотографами создает группу «Ф-64», основными принципами которой было абсолютное стремление к точности и резкая фокусировка изображения. На творческие взгляды Адамса повлияло и последующее знакомство с одним из «пионеров» фотографии Альфредом Стиглицом. Встреча со Стиглицом вселила дополнительную уверенность в Адамса, подтвердив верность его идеалам в фотоискусстве.  С этого момента началась активная творческая деятельность Анселя Адамса, его безустанный поиск фотографических объектов, которые могли бы стать предметом выражения его собственных художественных взглядов.   

 

Для съемки пейзажей помимо высокого технического мастерства, позволяющего добиться большей выразительности изображения, по мнению Адамса, фотограф должен научиться переводить яркие цвета в различные оттенки серого, видеть объекты в качестве совокупности определенных тонов. Но самое главное – это то, чтобы получаемая фотография была не просто фиксированием действительности, а несла с собой мироощущение и художественный взгляд фотографа. В таких известных работах Анселя Адамса, как «Вид на Сьерра-Неваду из Лон-Пайна», «Осенняя луна» или «Монолит: лицо Полукупола» заключено умение фотографа «видеть и находить» объекты для съемки. При съемке пейзажей Адамс никогда не хватался за фотоаппарат при каждом удобном случае, он, как хороший охотник, терпеливо выжидал, просчитывая и анализируя каждую деталь. Изучал обстановку, прикидывал в уме возможные варианты съемки, пристально следил за эффектами естественного освещения, и только после этого выбирал самый подходящий и нужный момент для съемки. Именно подготовленность, терпение и творческий подход к процессу съемки являются основополагающими факторами в работе Анселя Адамса. Ему принадлежит и получившая широкое распространение так называемая «зонная система», которая ориентирована на то, чтобы получаемый отпечаток полностью отображал диапазон тонов снимаемого объекта.  При этом диапазон тонов, то есть соотношения яркостей, определяется фотографом в ходе экспонирования и получения негатива. Например, для того, чтобы понизить контрастность на снимке потребуется негатив с уменьшенным диапазоном тонов. Внесение изменений в воспроизведение яркостей снимаемого объекта обеспечивается уменьшением или увеличением времени экспонирования негатива, а также изменением времени его проявления. «Зонная теория» Анселя Адамса, таким образом, призвана расширить возможности фотографа для воплощения его художественных замыслов.  

 

Помимо активной фотографической деятельности, Ансель Адамс не забывал делиться своим опытом и с молодыми фотографами. В 40-е годы он организовал кафедру фотографии при Калифорнийской школе изящных искусств, а также начал вести регулярные семинары и кружки в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Кроме того, он опубликовал целый ряд пособий и книг по фотографии с теоретическими основами, снимками и его собственными взглядами на фотографию: «Основы фотографии», «Фотографический справочник», «Фотографирование при естественном освещении», «Моя камера в национальных парках» и др.

Безупречное техническое мастерство, безусловно, является ярким подчерком Анселя Адамса на протяжении всей его творческой карьеры. Однако, сам он не ставил технику фотоискусства во главу угла. Он никогда не гнался за новинками или новыми технологическими решениями, хотя и работал долгое время консультантом в компании «Поляроид». Наоборот, он считал, что определенные ограничения в использовании фотографической техники, позволяют расширить грани таланта фотографа и развить его художественные способности. Как не переставал повторять Ансель Адамс, качество и сложность оборудования не идут ни в какое сравнение с художественным взглядом фотографа, его способностью выразить собственное мироощущение в фотографии. Именно этому принципу он и следовал в течение всей своей жизни.

При подготовке статьи использовались фотографии с сайта The Ansel Adams Gallery

Источник: Фотобарахолка — история фотографии, фотография в лицах ( при перепечатке ссылка на источник обязательна)

некоторые из работ:


The Tetons and the Snake River, Grand Teton National Park, Wyoming, 1942


Bridalveil Fall, c. 1927


Monolith, Face of Half Dome, Yosemite National Park, 1927


Frozen Lakes and Cliffs, Sequoia National Park, California, 1932


Trees and Snow, 1933


Rocks and Grass, Moraine Lake, 1936


Half Dome, Merced River, Winter, Yosemite National Park, California, c. 1938


Moonrise over Hernandez, New Mexico, 1941


Canyon de Chelly National Monument, Arizona, 1942


Clearing Winter Storm, Yosemite Valley, California, 1942


Close-up of leaves in Glacier National Park, 1942


Mount Williamson, Sierra Nevada, from Manzanar, California, 1944


Winter Sunrise, Sierra Nevada from Lone Pine, California, 1944


Nevada Fall, Rainbow, Yosemite National Park, California, 1947


Mount McKinley and Wonder Lake, Mount McKinley National Park, Alaska, 1948


Sand Dunes, Sunrise, Death Valley National Park, California, c. 1948


Autumn Moon, the High Sierra from Glacier Point, Yosemite National Park, California, 1948


Yosemite Valley, Thunderstorm, 1949


Rain, Beartrack Cove, Glacier Bay National Monument, Alaska, 1949


Bridalveil Fall, c. 1952


Aspens (Horizontal), Northern New Mexico, 1958


Aspens (Vertical), Northern New Mexico, 1958


Redwoods, Bull Creek Flat, Northern California, 1959


Road after Rain, Northern California, c. 1960


Moon and Half Dome, Yosemite National Park, California, 1960


Aspens


El Capitan Fall


El Capitan, Sunrise

И напоследок несколько фотографий мастера.


© Mimi Jacobs


Autobiography Cover, 1984. © Jim Alinder


Full length portrait taken along cliffs of Big Sur, Calif, 1980

Информация об авторе.

источник

Ансель Адамс – мастер черно-белых пейзажей / Фотографы / Дневники фотографов

Почему за 60 лет эволюции фотокамер никто не смог повторить то, что сделал Ансель Адамс в 1940?

У Анселя не было Фотошопа. Как ему удалось? Было множество попыток, некоторые удачные, как у Джека Дикинга (Jack Dykinga), но никто не смог повторить.

Почему фотографы, имея точные координаты пейзажей Анселя и Джека и делая точно такие же снимки, получают что-то похожее на оригиналы, но совершенно не вызывающее эмоций? Это не шутка.

Куча тупиц пользуются услугами астрономов, чтобы предсказать время и место, где раз в 20 лет можно сделать удачный снимок. И конечно они ничего не получают, потому что искусство это больше, чем они думают. Превосходные фотографы делают снимки основываясь на вдохновении, а не дублировании. Почему после часов обработки изображения в Фотошопе, оно выглядит даже хуже чем до обработки, хотя всем известно, что Фотошоп творит чудеса? Может, потому что это глаза, терпение и опыт художника делают фото, а не его инструменты. Даже Ансель сказал: «Единственный важный компонент камеры — это двенадцать дюймов позади неё.»
источник

осторожно, траффик!

Когда речь заходит о пейзажах в фотоискусстве, то на память первым делом приходит имя выдающегося американского фотографа Анселя Адамса (Ansel Adams). Его черно-белые снимки стали классикой пейзажной фотографии, до сих пор не потеряв своей актуальности и особого художественного видения. Не самый большой ценитель цветной фотографии Ансель Адамс всю свою жизнь создавал великолепные черно-белые изображения, которые отличались выразительностью и эмоциональной окраской. И хотя в его послужном списке числится немало потрясающих фотографий людей, архитектуры и различных объектов, именно пейзажные фотоснимки сделали его по-настоящему знаменитым. Да и сам он отмечал, что самым трудным жанром в фотоискусстве, требующим от фотографа недюжинного мастерства и терпения, является пейзаж. Ведь для того, чтобы запечатлеть величие природы или выразить собственный художественный замысел в пейзаже, фотографу приходится учитывать множество мельчайших деталей: погоду, облака в воздухе, освещение, блеклые цвета, экспозицию. Только терпеливо ожидая и изучая каждую мелочь, уловив нужный момент, фотограф может получить действительно запоминающийся кадр. Поэтому Ансель Адамс с самого начала своей творческой деятельности стремился постигать основы техники фотографического искусства, а в дальнейшем не боялся экспериментировать и постоянно совершенствовал свое мастерство. Однако, серьезный подход к технике фотографии – лишь один из ключей к успеху Анселя Адамса. Он, также как и всякий выдающийся художник, обладал собственным художественным чутьем и видением, которое можно найти практически в каждой его работе. Сочетание тонкого художественного таланта и совершенного технического мастерства сделали его одним из самых известных фотографов-пейзажистов XX века.

А все начиналось в Сан-Франциско, где он родился и получил прекрасное музыкальное образование. Долгое время Ансель Адамс и не помышлял о карьере фотографа, поскольку фотография для него поначалу была просто увлечением. Все свободное время он уделял именно музыке. Кстати, любовь к музыке возможно научила его тому, что в основе любого творческого мастерства лежит техника. Как и в музыке для того, чтобы добиться совершенства, фотограф должен постоянно упражняться, осваивая на практике все технические элементы. Вторым важным фактором, повлиявшим на его становление в качестве фотографа, стала удивительная природа Калифорнии, а именно национальный парк Йосемити, куда он еще подростком ходил с простеньким фотоаппаратом. Скалистые горы Сьерра-Невады и живописная долина Йосемити предопределили его творческий путь, научив пристально вглядываться в скрытые формы живой природы. Именно здесь во многом сформировался особый подчерк Анселя Адамса с резкой фокусировкой, сдержанностью и строгостью в деталях.  

 

В 1930 году, познакомившись с работами Пола Странда, он наконец решается профессионально заняться фотоискусством, предпочтя фотографию карьере пианиста. Уже через два года Ансель Адамс вместе с другими фотографами создает группу «Ф-64», основными принципами которой было абсолютное стремление к точности и резкая фокусировка изображения. На творческие взгляды Адамса повлияло и последующее знакомство с одним из «пионеров» фотографии Альфредом Стиглицом. Встреча со Стиглицом вселила дополнительную уверенность в Адамса, подтвердив верность его идеалам в фотоискусстве.  С этого момента началась активная творческая деятельность Анселя Адамса, его безустанный поиск фотографических объектов, которые могли бы стать предметом выражения его собственных художественных взглядов.   

 

Для съемки пейзажей помимо высокого технического мастерства, позволяющего добиться большей выразительности изображения, по мнению Адамса, фотограф должен научиться переводить яркие цвета в различные оттенки серого, видеть объекты в качестве совокупности определенных тонов. Но самое главное – это то, чтобы получаемая фотография была не просто фиксированием действительности, а несла с собой мироощущение и художественный взгляд фотографа. В таких известных работах Анселя Адамса, как «Вид на Сьерра-Неваду из Лон-Пайна», «Осенняя луна» или «Монолит: лицо Полукупола» заключено умение фотографа «видеть и находить» объекты для съемки. При съемке пейзажей Адамс никогда не хватался за фотоаппарат при каждом удобном случае, он, как хороший охотник, терпеливо выжидал, просчитывая и анализируя каждую деталь. Изучал обстановку, прикидывал в уме возможные варианты съемки, пристально следил за эффектами естественного освещения, и только после этого выбирал самый подходящий и нужный момент для съемки. Именно подготовленность, терпение и творческий подход к процессу съемки являются основополагающими факторами в работе Анселя Адамса. Ему принадлежит и получившая широкое распространение так называемая «зонная система», которая ориентирована на то, чтобы получаемый отпечаток полностью отображал диапазон тонов снимаемого объекта.  При этом диапазон тонов, то есть соотношения яркостей, определяется фотографом в ходе экспонирования и получения негатива. Например, для того, чтобы понизить контрастность на снимке потребуется негатив с уменьшенным диапазоном тонов. Внесение изменений в воспроизведение яркостей снимаемого объекта обеспечивается уменьшением или увеличением времени экспонирования негатива, а также изменением времени его проявления. «Зонная теория» Анселя Адамса, таким образом, призвана расширить возможности фотографа для воплощения его художественных замыслов.  

 

Помимо активной фотографической деятельности, Ансель Адамс не забывал делиться своим опытом и с молодыми фотографами. В 40-е годы он организовал кафедру фотографии при Калифорнийской школе изящных искусств, а также начал вести регулярные семинары и кружки в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Кроме того, он опубликовал целый ряд пособий и книг по фотографии с теоретическими основами, снимками и его собственными взглядами на фотографию: «Основы фотографии», «Фотографический справочник», «Фотографирование при естественном освещении», «Моя камера в национальных парках» и др.

Безупречное техническое мастерство, безусловно, является ярким подчерком Анселя Адамса на протяжении всей его творческой карьеры. Однако, сам он не ставил технику фотоискусства во главу угла. Он никогда не гнался за новинками или новыми технологическими решениями, хотя и работал долгое время консультантом в компании «Поляроид». Наоборот, он считал, что определенные ограничения в использовании фотографической техники, позволяют расширить грани таланта фотографа и развить его художественные способности. Как не переставал повторять Ансель Адамс, качество и сложность оборудования не идут ни в какое сравнение с художественным взглядом фотографа, его способностью выразить собственное мироощущение в фотографии. Именно этому принципу он и следовал в течение всей своей жизни.

При подготовке статьи использовались фотографии с сайта The Ansel Adams Gallery

Источник: Фотобарахолка — история фотографии, фотография в лицах ( при перепечатке ссылка на источник обязательна)

некоторые из работ:


The Tetons and the Snake River, Grand Teton National Park, Wyoming, 1942


Bridalveil Fall, c. 1927


Monolith, Face of Half Dome, Yosemite National Park, 1927


Frozen Lakes and Cliffs, Sequoia National Park, California, 1932


Trees and Snow, 1933


Rocks and Grass, Moraine Lake, 1936


Half Dome, Merced River, Winter, Yosemite National Park, California, c. 1938


Moonrise over Hernandez, New Mexico, 1941


Canyon de Chelly National Monument, Arizona, 1942


Clearing Winter Storm, Yosemite Valley, California, 1942


Close-up of leaves in Glacier National Park, 1942


Mount Williamson, Sierra Nevada, from Manzanar, California, 1944


Winter Sunrise, Sierra Nevada from Lone Pine, California, 1944


Nevada Fall, Rainbow, Yosemite National Park, California, 1947


Mount McKinley and Wonder Lake, Mount McKinley National Park, Alaska, 1948


Sand Dunes, Sunrise, Death Valley National Park, California, c. 1948


Autumn Moon, the High Sierra from Glacier Point, Yosemite National Park, California, 1948


Yosemite Valley, Thunderstorm, 1949


Rain, Beartrack Cove, Glacier Bay National Monument, Alaska, 1949


Bridalveil Fall, c. 1952


Aspens (Horizontal), Northern New Mexico, 1958


Aspens (Vertical), Northern New Mexico, 1958


Redwoods, Bull Creek Flat, Northern California, 1959


Road after Rain, Northern California, c. 1960


Moon and Half Dome, Yosemite National Park, California, 1960


Aspens


El Capitan Fall


El Capitan, Sunrise

И напоследок несколько фотографий мастера.


© Mimi Jacobs


Autobiography Cover, 1984. © Jim Alinder


Full length portrait taken along cliffs of Big Sur, Calif, 1980

Информация об авторе.

источник

Ансель Адамс: черно-белая природа Америки

Ансель Адамс — легенда в мире фотографии. Он снимал преимущественно природу Америки, много снимков мастера посвящено парку Йосемити, красота которого удивляла фотографа. Адамсу принадлежат некоторые открытия в мире фотографии. Так, работая с Фредом Арчером, они вместе создали систему зонирования.

Секрет уникальных снимков Адамса в использовании широкоформатных камер. Работать с ними было нелегко: такие камеры приходилось долго устанавливать и настраивать, а пленка к ним была дорогим удовольствием. Но для мастера было важно сделать снимки высокого качества.

Результат работы всегда поражал, снимки в высоком разрешении без единого дефекта, на которых можно заметить малейшие детали объекта съемки.

Природа на фотографиях Адамса разнообразна, он не был приверженцем каких-то однотипных сюжетов. На фото можно увидеть рощу в темноте или голые камни, и в то же время на других снимках появлялись целые долины с озерами и реками, окруженными деревьями.

На снимках Адамса можно ощутить дух Америки. Он проявляется в природе парка Йосемити и других красивых мест, в каньонах и долинах с дымкой облаков, а также в длинных дорогах с белой разметкой, уходящих куда-то вдаль. На отдельных фотографиях можно даже увидеть людей, хотя Адамс не специализировался на такой съемке.

Фотографа привлекала съемка как крупным, так и общим планом. Запечатлев какую-то местность, он мог остановить внимание на отдельном цветке.

Альбомы, составленные из снимков Адамса, воспевают горы, озера и белые облака. Единственное, чего практически нет в его фотографиях, так это движения, буйства природы.

Природа фотографа спокойная и умиротворенная, хотя в ней присутствует некое внутреннее движение. Она словно одухотворена невидимым гением. Наверное, именно поэтому снимки мастера произвели впечатление на огромное количество людей. Сегодня их можно найти на открытках, конвертах, в альбомах и на календарях.

Фотограф и его творчество узнаваемы в Америке. На работы Адамса ориентируются новички, которые только начинают фотографировать природу.

Неизвестно, как выглядели бы фото мастера в цветном варианте. Принято считать, что фотограф смог выразить в черно-белом формате то, что другим не удается передать даже с помощью цветной фотографии. Игра света и тени в его работах удивительна, они больше похожи на картины, чем на фото, сделанные в начале 20 века.

Чёрно-белые работы этого фотографа в наши дни, когда с экранов и фотоальбомов льются яркие краски, по-прежнему впечатляют и эстетикой, и перспективой, и потрясающими ракурсами.

Даже не верится, что эти фотографии были сделаны в эпоху, когда фотографам приходилось устанавливать громоздкие аппараты на верх легковых автомашин, чтобы сделать серию уникальных снимков. А результат – получилось ли задуманное? – можно было увидеть только после проявки плёнки в лаборатории и 8 – 10-часовой обработки фотографии.

В те годы мастера пользовались очень умеренным профессиональным арсеналом. Пейзажисты выезжали на природу с форматными камерами – большими, неуклюжими, тяжёлыми. Попробуй-ка водрузить их на пригорок, скалу или на верх автомобиля! Настроек – минимум: скорость спуска затвора плюс изменение размера отверстия диафрагмы.

Да и достичь мест, запечатлённых на снимках Адамса, было намного трудней, чем современному туристу или фотографу. Каждый выезд на природу, особенно в горы, был сложен и опасен.

Но и сейчас, глядя на фотографии Анселя Адамса, мы испытываем чувство благоговения перед величественными пейзажами. Такие шедевры, как «Луна и Полукупол», «Каньон-де-Шей», «Восход солнца зимой в Сьерра-Неваде», «Моно лейк», отправленный к звёздам «Парк Гранд-Титон и Снейк-Ривер» и многие другие открыли новую эпоху в искусстве фотографии.

В чём секрет эстетического воздействия этих фотографий? Возможно, в особом взгляде Анселя Адамса, умевшего найти нужный ракурс для того, чтобы запечатлеть не просто пейзаж – а саму суть величественной красоты земной природы.

Американская пейзажная фотография / Потребитель

Открытие нового, равно как и познание того, что стало историей, одинаково увлекательно и, по сути, является одним и тем же процессом. Галерея Классической Фотографии, недавно открывшаяся в Москве, еще раз подтвердила это мнение.

Ansel Adams. El Capitan, Winter. 1950

Ансел Адамс. Эл Кэпитан, зима. 1950

Собственность Галереи Классической Фотографии

 

Первым экспозиционным проектом, осуществленным галереей, стала выставка «Американская пейзажная фотография. Ансел Адамс и его ученики», которая состоит из работ легендарного американского пейзажиста и его последователей. Работы, представленные на выставке, являются оригинальными серебряно-желатиновыми отпечатками самих мастеров и позволяют детально изучить особенности ручной печати каждого из них.

В истории мировой культуры школа американского фотографического пейзажа занимает одну из прекраснейших страниц. Главной персоной этой изобразительной традиции стал величайший американский фотограф Ансел Адамс (Ansel Easton Adams, 1902–1984). В его творчестве нашли отражение важнейшие тенденции, взгляды на природу фотографии и новаторские изобразительные стратегии американской фотографии первой половины XX века.

Фотографы США, активно включившиеся в международное художественное течение пикториальной светописи, достаточно быстро ощутили потребность в том, чтобы позволить фотографии выглядеть именно как фотография, а не быть похожей на картину или гравюру. Эта тенденция, представляющая род художественной практики, будет названа «прямой фотографией» (straight photography).

«Прямая фотография» как способ художественного высказывания очень быстро приобретает широкий круг последователей, в числе которых можно обнаружить и Альфреда Стиглица. Серия фотографий облачного неба «Эквиваленты», созданная этим мастером, стала своеобразным предчувствием той личностно-объектной связи, которая окажется очень важной для понимания фотографий Ансела Адамса и его учеников.

Когда Адамсу исполнилось 14 лет, родители подарили ему камеру «Кодак» модели Box Brownie. Фотоаппарат обеспечивал съемку 100 кадров на пленке с бумажной основой. Адамс делает свои первые снимки в национальном парке Йосемити в горах Сьерра-Невада, с которым впоследствии будет тесно связана его фотографическая жизнь. В 15 лет Ансел начинает работать в фотолаборатории Сан-Франциско. Тогда же он приступает к чтению журналов по фотографии, посещает клубы любителей фотосъемки и фотовыставки. Он увлекается альпинизмом и вместе со своим дядей Фрэнком и зимой, и летом ходит в горы Сьерра, развивая навыки, которые пригодятся ему позже при съемке в тяжелых погодных условиях на большой высоте.

В 17 лет он вступает в экологическую группу, занимающуюся защитой и охраной памятников природы, и останется ее членом на всю жизнь. Именно в штаб-квартире Sierra Club в 1928 году состоялась первая выставка фотографий Ансела Адамса.

Параллельно с занятиями фотографией, носившими на тот момент еще любительский характер, Адамс делает карьеру концертного пианиста. Но, увидев в 1930 году в Таосе (штат Нью-Мехико) работы Пола Стренда, решает отказаться от профессиональных занятий музыкой в пользу фотографии. Фотографические произведения Адамса несут свое-образную музыкальную гармонию, сам автор сравнивает негатив с нотами, а отпечаток — с исполнением, стремясь к максимально чистому и ясному звучанию тона. В 1932 году Адамс выступает основателем группы «f/64», в состав которой, кроме него, входят Эдвард Уэстон (Edward Weston), Имоджен Каннингем (Imogen Cunningham), Уиллард Ван Дайк (Willard Van Dyke), Сонья Носковяк (Sonya Noskowiak), Джон Пол Эдвардс (John Paul Edwards) и Генри Свифт (Henry Swift). Группа выбирает себе названием термин, обозначающий число диафрагмы, доступное на крупноформатной камере (8×10 дюймов), при которой получается оптимально четкое изображение. Члены группы сознательно отрицали любые манипуляции при печати, демонстрируя подчеркнутое уважение фотографа к объекту и вместе с тем стремление отмежеваться от утрачивающей свою актуальность эстетики пикториальной (pictorial — живописный, изобразительный) фотографии. Несмотря на непродолжительность существования группы «f/64», она остается одним из самых передовых фотографических сообществ американской фотографии 1930-х годов.

Публикация нескольких иллюстрированных книг и персональная выставка An American Place, открывшаяся в 1936 году в галерее Альфреда Стиглица, приносит Анселу Адамсу интернациональную известность.

За год до этого, в 1935 году, Адамсу перешел в наследство фотобизнес зятя Гарри Беста, который существует и сейчас под именем «Галерея Ансела Адамса» (www.anseladams.com).

Во время Второй Мировой войны, шокированный действиями, предпринятыми администрацией США против американцев японского происхождения, Адамс посещает лагерь Манзанар (Manzanar War Relocation Center), где создает серию фотографий, впервые продемонстрированную в МоМА и затем опубликованную в форме книги.

Адамс — не только блестящий фотограф и преподаватель, но и всесторонний знаток фототехнологии, работающий с самыми разными камерами и процессами. Совместно с Фредом Арчером (Fred Archer) Адамс стал создателем так называемой зонной системы (zone system) — техники, позволяющей переводить видимый свет в систему плотностей на негативе и бумаге и дающей фотографу возможность лучше контролировать процесс получения конечного изображения.

Ежегодные семинары, проводимые Анселом Адамсом в национальном парке Йосемити, начиная с 1946 года привлекают внимание фотографов, становящихся адептами его творческого метода. Они, так же как и Адамс, выбирают для себя манеру «прямой фотографии»: крупноформатную камеру, ручную черно-белую печать с негатива и классическое композиционное построение. Это позволяет говорить о формировании пейзажной школы Ансела Адамса.

Ярчайшими представителями этой школы стали Клайд Батчер, Боб Колбренер, Джефф Никсон, Алан Росс, Джон Секстон, Джоди Форстер, Джон Уимберли. Каждый из этих авторов — продолжатель прекрасной традиции американской пейзажной фотографии.

Одним из самых верных последователей и соратников Ансела Адамса был Алан Росс (Alan Ross, род. 1948), получивший широкую известность как фотограф, педагог и специалист в области черно-белой ручной печати. Алан Росс был ассистентом Ансела Адамса (в 1974–1979) и принимал непосредственное участие в издании его книг и преподавании в Йосемити. Именно Росс получил право делать отпечатки с 24 негативов, отобранных лично Адамсом (Limited Edition, Yosemite).

Алан Росс считает себя классическим фотографом, но вовсе не пуристом стиля. Он смог сформулировать собственную систему философских воззрений на фотографию как один из инструментов самовыражения. В этой системе есть место различным фотографическим практикам и подходам в получении изображения и работе над ним. Этот фотограф не отрицает выразительных качеств цифровых технологий — главным для него является способность правильного выбора инструмента для выражения идеи.

Сам автор выбрал для себя крупноформатную камеру, ручную печать и жанр пейзажа, который воспринимает как аллегорию своего внутреннего пространства.

Росс перенял некоторые приемы и изобразительные стратегии Ансела Адамса: например, использование классической композиции, традиционно применяемой в изображении пейзажа, когда все три плана создают иллюзию и символизируют бесконечность пространства. При этом значение получает содержание каждого из этих планов, являющихся своеобразными изобразительными фразами, которые составляют общее визуальное высказывание. Росс также отличается исключительным вниманием к техническому исполнению отпечатка, что позволило ему добиваться драматических контрастов и акцентировать на них внимание зрителя.

Фотографическая судьба Боба Колбренера (Bob Kolbrener, род. 1949) также тесно связана с национальным парком Йосемити, Анселом Адамсом и его творчеством.

Колбренер занимался любительской фотографией уже около пяти лет, когда в 1968 году посетил галерею Best Studio (ныне Галерея Ансела Адамса). По его собственному признанию, он был ошеломлен увиденными там работами. Монументальные и философские пейзажи Адамса, цельные и будто наполненные воздухом, произвели столь сильное впечатление на молодого фотографа, что он принял решение посвятить свою фотографическую карьеру ландшафтам американского Запада.

Через год Боб Колбренер вернулся в Йосемити студентом ежегодных семинаров, проводившихся Анселом Адамсом, и впоследствии он неоднократно принимал в них участие.

Педагогическая карьера Колбренера началась в 1973 году с преподавания фотографии на летних курсах, а в 1977 году Ансел Адамс пригласил его в качестве инструктора на свой весенний семинар. С 80-х годов Колбренер стал консультантом в области фотографии Вашингтонского университета, университета Миссури и Художественного музея Сент-Луиса.

Его произведения представляют собой прекрасные образцы классической американской пейзажной фотографии, обладающие тонким внутренним равновесием. Съемки на крупноформатную камеру, ручная проявка и печать на баритовой фотобумаге, отказ от таких манипуляций, как осветление или затемнение отпечатка, делает этого фотографа одним из самых верных последователей Ансела Адамса.

Джон Секстон (John Sexton, род. 1953) проработал рядом с Адамсом почти десять лет — сначала уборщиком, а потом личным ассистентом и консультантом. Он помогал готовить к изданию знаменитую трилогию «Камера», «Негатив», «Отпечаток» и стал не только признанным экспертом в технике съемки, обработки негативов и ручной печати, но и выдающимся фотографом.

В своих работах он продолжает прославление американских ландшафтов, сделавшее его знаменитейшим и влиятельнейшим фотографом не только США, но и всего мира. Именно творческое видение Адамса легло в основу фотографического эпоса о просторах североамериканского континента, а принципы группы «f/64» стали образцом стремления фотографов к решению истинных задач искусства силами фотографии.

Стоит отметить, что Джон Секстон избирателен в своих сюжетах: в конце XX века невозможно ходить теми же тропами. Его первые успешные серии, вошедшие в книги «Тихий свет» (Quiet light, 1990) и «Слушайте деревья» (Listen to the Trees, 1994), имеют гораздо более камерный взгляд на природу, потрясая не меньше, чем драматические ландшафтные снимки его коллег и даже его учителя. В 1990-е годы он занялся новым проектом. Его серия «Места силы» (Places of Power, 2000) посвящена теперь не природному, а индустриальному ландшафту. Серия, выросшая из фотографий электростанций и дамб, показывает нам помимо прочего не менее важный, чем скалы и каньоны национальных парков, объект — космический челнок «Шаттл».

Фотограф Джефф Никсон (Jeff Nixon, род. 1945), который начал снимать в 1960-е и на долгие годы оказался в окружении Ансела Адамса и его учеников, черпает вдохновение для создания своих черно-белых пейзажей все в тех же местах — в горах, скалах, лесах, каньонах и прериях американского Запада. Не избегает он и берега океана и, изредка, городских ландшафтов. Однако, за исключением дорог и зданий, его пейзажи пустынны и девственны, как они и предстали американским колонистам сотни лет назад.

Не столь важно, что мы видим в кадре: лесистый склон долины Йосемити или безвестную, гонимую ветрами песчаную дюну в Долине Смерти, — на отпечатках Джеффа Никсона это будет почти сказочный, безукоризненный ландшафт, представленный нам во всей композиционной завершенности и взвешенном соотношении темных и светлых тонов.

Природа, изображаемая Никсоном, предстает перед зрителем идиллическим миром, в котором все совершенно, и особое место в этой совершенной среде играет свет. Именно он рисует ландшафт, выявляет специфические свойства объектов, наделяя их таинственным мерцанием.

Его произведения порой воскрешают в памяти работы Ансела Адамса, однако композиции Никсона легче и подвижнее.

Семинары и выставки Джеффа Никсона проходят по всей территории США. Фотограф постоянно преподает в Калифорнии, продолжая дело учителя. Вместе с Джоном Секстоном он работал в Фонде прав на публикации Ансела Адамса (Ansel Adams Publishing Rights Trust). Никсон до сих пор остается другом и помощником его семьи и других учеников.

Джон Уимберли (John Wimberley, род. 1945) сделал свои первые фотографии — снимки воздушных операций — во время службы на флоте в 1960-х годах, где работал специалистом по авиационной технике. После увольнения из армии он недолгое время практиковался в цветной пейзажной и стрит-фотографии, занимался документированием хиппи-движения в Калифорнии.

В феврале 1969 года Уимберли работал над серией фотографий деревьев в каньоне Дель Пуэрто (Калифорния). Именно эта съемка стала тем опытом, который глубоко изменил вектор его творчества: он перешел от цветной фотографии к черно-белой и, решив сконцентрироваться на том, что представлялось ему духовными составляющими мира, углубился в изучение психологии, мистики и религии. В 1973 году состоялась первая выставка его работ.

Сосредоточившись на съемке пейзажей в 70–80-е годы, Джон Уимберли делал снимки мест, служивших для него своеобразными источниками энергии и силы, возвращаясь к ним на протяжении двадцати пяти лет.

Его работы привлекли к себе широкое внимание критиков и публики. А совместный выставочный проект с Анселом Адамсом утвердил Джона Уимберли в статусе незаурядного пейзажиста.

Решив посвятить себя фотографии, Джоди Форстер (Jody Forster, род. 1948) едет в Йосемити, чтобы посетить знаменитые семинары Ансела Адамса. Для съемок в Мексике и штате Феникс Джоди Форстер переезжает в 1976 году в Аризону. Пейзажи, созданные в эти годы, отличает своеобразный парадокс. При кажущейся монументальности ландшафт, изображенный на фотографиях, воспринимается скорее локально, как нечто освоенное, где и художник, и зритель чувствуют себя комфортно. Композиции его можно назвать классическими, но далеко не статичными.

И лучший тому пример — кадры, снятые в 1978 году в Широк (Нью-Мексико), которые сделали Форстера по-настоящему знаменитым. Фотографии треугольных скал, считающихся священными у индейцев племени навахо, стали впоследствии наиболее часто публикуемыми из его снимков. Почти геометрическая форма скал, повторяющаяся неоднократно на плоскости кадра, образует сложную динамичную композицию. Ощущение пространства в сочетании с легко читаемой фактурой скал превращает эти произведения в небольшое графическое переживание.

Джоди Форстер возвращается на одно и то же место съемки по нескольку раз. Затем проводит часы в темной комнате, пытаясь воссоздать настроение и энергию ландшафта. Его фотографии содержат богатый словарь визуальных элементов, которые помогают автору описать взаимодействие природных форм друг с другом.

Выпускник архитектурного факультета Калифорнийского политехнического университета Клайд Батчер (Clyde Butcher, род. 1942) уже несколько лет занимался фотографированием архитектурных моделей, когда посетил галерею Ансела Адамса в Йосемити. Творчество Адамса оказало сильное влияние на Батчера и побудило его обратиться к жанру пейзажа. Съемки экосистем Флориды с течением времени принесли Батчеру известность и привлекли к нему внимание Комитета по управлению водными ресурсами и Комитета археологии и истории, которые предложили ему принять участие в крупных федеральных проектах. За более чем тридцать пять лет он запечатлел на пленке нетронутые уголки дикой природы. Особое место в его архиве занимают снимки национальных парков Ever Glades и Big Cypress Swamp (штат Флорида).

Клайд Батчер использует фотографию в качестве инструмента социального моделирования, способного воздействовать на зрителя и поднимать актуальные вопросы, связанные с охраной окружающей среды.

Широкую известность Батчеру принесли фотографии американских ландшафтов, выполненные крупноформатной камерой и отпечатанные большими размерами (до 2×5 м), позволяющие максимально точно передать не только детали и фактуру, но и уникальный характер того или иного пейзажа.

Так же как и сам Ансел Адамс, названные фотографы обращаются к теме пейзажа и связанным с ним аспектам. Магистральной темой их творчества становится пространство естественной природной среды.

Беспрецедентная выставка «Американская пейзажная фотография. Ансел Адамс и его ученики» не только говорит о преемственности творческих поколений и личной апробации классических образцов, но и предлагает задуматься о взаимопроникновении классики и современности.

Благодарим Галерею Классической Фотографии за предоставленные для публикации снимки.

Адрес Галереи Классической Фотографии: Москва, Саввинская наб., д. 23, корп. 1

Тел. (495) 510-77-13, 510-77-14

Время работы: среда — воскресенье, с 12 до 21 часа.

Дополнительная информация: www.classic-gallery.ru

Ansel Adams. Yosemite Valley, Winter. 1938

Ансел Адамс. Долина Йосемити, зима. 1938

Собственность Галереи Классической Фотографии

Ansel Adams. Moon and Half Dome. 1960

Ансел Адамс. Луна и половина купола. 1960

Собственность Галереи Классической Фотографии

 

John Wimberley. Misty Landscape With Pool. 1984

Джон Уимберли. Таинственный пейзаж. 1984

Собственность Галереи Классической Фотографии

Ansel Adams. Cathedral Peak and Lake. 1938

Ансел Адамс. Соборный пик и озеро. 1938

Собственность Галереи Классической Фотографии

Ansel Adams. Apalachicola. 1998

Ансел Адамс. Апалачикола. 1998

Собственность Галереи Классической Фотографии

Clyde Butcher. Deadlakes. 1997

Клайд Батчер. Мертвые озера. 1997

Собственность Галереи Классической Фотографии

 

Alan Ross. Lagoon, Pfeiffer Beach. 1975

Алан Росс. Пфайффер Бич. 1975

Собственность Галереи Классической Фотографии

 

John Wimberley. Carmel Valley From Hall’s Ridge. 1993

Джон Уимберли. Долина Кармэл, вид с вершины холма. 1993

Собственность Галереи Классической Фотографии

John Sexton. Oaks at Dusk, Carmel Valley, CA. 1988

Джон Секстон. Дубы в сумерках, долина Кармэл. 1988

Собственность Галереи Классической Фотографии

Оригинальная статья на btest.ru

Топ лучших фотографов. Самые лучшие фотографы россии

Сегодня мы с вами займемся разбором фотографий, которые были сделаны признанными мэтрами фотоискусства. 10 великих фотографов. 10 известных фотографий.

Филипп Халсман и его «Dali Atomicus», 1948

У гениального художника должен быть гениальный портрет. Возможно, Халсман руководствовался именно этим. Быть может, был вдохновлен к тому времени незавершенной работой Дали Leda Atomica, которую можно разглядеть на фото, быть может хотел перенести сюрреализм в фотографию… В любом случае, ему понабились студия, дополнительные источники искусственного света, несколько ассистентов, которые выплескивали воду из ведер, успокаивали между дублями кошек и удерживали в воздухе стулья, 6 часов работы, 28 дублей и, конечно, сам Сальвадор Дали.

«Dali Atomicus», Филипп Халсман, 1948

Совет: Не бойтесь делать большое количество дублей – какой-нибудь из них обязательно окажется удачным.

Ирвинг Пенн и его «Девушка в постели», 1949

Несмотря на кажущуюся на первый взгляд незамысловатость данного снимка, он завораживает. Не так ли? Да, пожалуй, все творчество этого гениального фотографа можно описать его же словами: «Если я смотрю на какой-либо предмет в течение некоторого времени, то зрелище зачаровывает меня. Это и есть проклятье фотографа». И эту зачарованность объектом съемки он умел передавать как никто другой. Естественный свет из окна, модель, созерцательная позиция автора – и, в данном случае, шедевр готов.

«Девушка в постели», Ирвинг Пенн, 1949

Совет: : Чтобы красиво сфотографировать кого-либо или что-либо, надо влюбиться в объект съемки.

Ричард Аведон и его «Джуди», 1948

Практически все фото Ричарда Аведона показывают яркие, но мимолетные мгновения, которым мы обычно не уделяем много внимания. Но иногда именно такие моменты могут открыть душу человека.

«Джуди», Ричард Аведон, 1963

Совет: Если вы хотите стать хорошим фотографом, пробуйте себя в разных жанрах – это поможет вам найти свою нишу в фотографии.

Ансель Адамс и его «Титоны и Змеиная река», 1942

Рассказывая о великих фотографах и их работах, мы не можем обойти стороной создателя системы зонной экспозиции и известного автора книг о фотографии, Анселя Адамса. Давайте взглянем на одну из его работ: «Титоны и Змеиная река».

Помимо интересной композиции, вы можете видеть как умело Адамс использует свою систему выбора идеальной экспозиции снимка. Если вы приглядитесь, то сможете увидеть каждую из 10 зон от абсолютно черного до белого.

«Титоны и Змеиная река», Ансель Истон Адамс, 1942

Совет: даже работая с цифровой камерой не игнорируйте традиционные рекомендации. Не всегда можно положиться на автоматическую экспозицию.

Генри Картье-Брессон

Естественно этот пост просто не мог быть полным без Генри Картье-Брессона. Легендарный фото-репортер, создатель агенства «Magnum Photos», говорил: «Я не люблю организовывать события и управлять ими. Это ужасно. Мы не можем сымитировать реальную жизнь. Я обожаю правду и снимаю только правду.» Мы можем думать о фотографии Брессона бесконечно, но еще полезнее прочесть его книги «Решающий момент» и «Воображаемая реальность» («The Decisive moment» и «Imaginary reality» в издании на английском языке).

Совет: Дождавшись удачного момента, не упустите его!

Альфред Эйзенштадт и его «День победы на Таймс Сквер»

Альфред Эйзенштадт стал известен благодаря фото моряка, целующего свою девушку. Одно фото, снятое в поворотный момент сделало его настоящей звездой. И не имеет никакого значения, что фото нерезкое. У фотографа получилось чудесно передать атмосферу.

«V-J Day in Times Square», Alfred Eisenstaedt, 1945

Совет: Всегда носите камеру с собой.

Эрнст Хаас

Эрнст Хаас — это пионер цифровой фотографии. Его известные цитаты:

  • Фотография — это выражение ваших идей и чувств. Если высокому нет места в вашей душе, вы никогда не заметите их во внешнем мире.
  • Красота говорит сама за себя. Когда процесс достигает своего пика, я делаю снимок.
  • Я не делаю снимки новых интересных объектов. Я стараюсь найти что-то новое в знакомых вещах.
  • Когда появилась фотография, родился новый язык. Теперь мы можем говорить о действительности языком действительности.
  • Тип вашей камеры ничего не значит. Любая камера может запечатлеть то, что вы видите. Но вы должны видеть .
  • Есть только вы и ваша камера. Все правила и ограничения — в вашей голове.
  • Скажите мне, что вы видите, и я скажу кто — вы.

Эрнст Хаас. Остров Кюсю, Япония, 1981

Совет: красота повсюду. Найдите и почувствуйте её.

Юсуф Карш и его портрет Уинстона Черчиля

Юсуф Карш — известный канадский фотограф, известный портретами видных политических деятелей. Необычна история этого фото. После речи в нижней палате парламента, британский премьер-министр вошел в комнату для переговоров и увидел фото оборудование. Он разрешил сделать всего одно фото и зажег сигару. Неизвестно точно почему фотограф подошел к Черчилю и вынул сигару из его рта, но именно это сделал Карш. Он вернулся к своему фотоаппарату и сделал снимок.

Фото демонстрирует все навыки Юсуфа Карша. Он сумел создать впечатление глубины и пространства с помощью света, идеальной позы и жеста. Результат — это драматический, обворожительный портрет, ярко показывающий внутреннюю силу британского премьера.

Портрет Уинстона Черчиля, Юсуф Карш, 1941

Совет: не бойтесь провоцировать ваших моделей показать себя. Вы можете увидеть скрытое ото всех.

Гийон Мили

Гийон стал популярным фотографом благодаря уникальной смеси «алгебры и гармонии» в своих фотографиях и эффекта остановившегося мгновения. Возможно, световые рисунки получили популярность именно благодаря Мили. Гийон практиковался в разных сферах, постоянно экспериментируя. Однако, одна вещь оставалась неизменной. Его способность запечатлеть грацию и драму текущего момента.

«Пабло Пикассо осваивает световую живопись». Гийон Мили, 1949

Совет: не забывайте, что фотография — это не только привлекательный рисунок. Эксперименируйте с фокусом, экспозицией и выдержкой.

Уильям Смит

Мы решили упомянуть этого пресс-фотографа в конце статьи по определенной причине. Его слова должны стать лозунгом любого, кто хочет стать хорошим фотографом: «У фотографии нет конца. Как только я достигаю высшей точки мастерства, еще более высокий пик показывается вдали. И я снова в пути.»

Уильям Смит «Доктор Цериани с раненым ребенком», 1948

Совет: никогда не останавливайтесь в достижении целей. Снимайте не камерой, а душой.

Всегда анализируйте работы известных мировых фотографов как можно подробнее. Впитывайте их опыт и замечайте какие выражения они используют. Однажды вы заметите как это знание впитывается в ваши собственные фотографии и становится качеством вашей работы.

Вообще-то рейтинги – вещь не благодарная и очень субъективная. Подводя лучших из лучших в рейтинговые списки, мы все равно пользуемся каким-то своим внутренним камертоном. Мы тоже решили сделать свой собственный рейтинговый список 10 величайших советских фотографов, по версии сайта .

Сразу отметим, что в списке будут присутствовать несколько фотографов, которые работали задолго до образования Союза Советов, однако, их влияние на развитие фотографии, как советской, так и мировой, настолько велико, что ни сказать о них было просто нельзя. И еще, учитывая субъективность данного списка, мы постарались отразить в нем ярчайших представителей в каждом отдельном фотографическом жанре.

Первое место нашего рейтинга, бесспорно, принадлежит . Это величайший деятель культуры и искусства. Его влияние на развитие советского искусства невозможно переоценить. Он сконцентрировал на себе все изобразительное искусство молодой страны советов – был и скульптором, и художником, и графическим дизайнером, и фотографом. Считается одним из основателей конструктивизма. Родченко – фигура универсальная и многогранная. Он стал действенным импульсом для развития фотографии и дизайна. Его приемами конструктивного построения фотографии пользуются, как канонами.

На второй позиции разместился русский фотограф начала 20-го века – Георгий Гойнинген-Гюне. Не смотря на то, что всю свою профессиональную жизнь и деятельность Георгий провел во Франции, Англии и США, но все-таки, по происхождению он русский. И в данном случае он служит примером, того, как выходцы из России добивались признания и успеха за рубежом. Георгий является одним из величайших модных фотографов 20-30-х годов. К 1925 году становиться главным фотографом французского Vogue. В 1935 – американского Harper `s Bazaar. В 1943 – выходят две его книги, после чего все его фотографическое внимание концентрируется на Голливудских знаменитостях.

Вклад Сергея Прокудин-Горского в развитие фотографического искусства – велик. Прокудин-Горский был химиком и фотографом, и занятие одни помогало усовершенствовать – второе. Вошел в историю, как первый экспериментатор, предложивший возможность создания цветной фотографии в России. Метод обретения фотографии цвета, которым пользовался Прокудин-Горский, был не нов. Его еще в 1855 году предложил Джеймс Максвелл, он включал в себя наложение трех негативов, где каждый пропускается через фильтр определенного цвета – красный, зеленый и синий. Три эти негатива накладываясь друг на друга, в проекции дают цветное изображение. Сегодня, благодаря Прокудину-Горскому у нас есть возможность увидеть Россию начала 20-го века в цвете.



Продолжает нашу десятку великих – советский военный фотограф, автор двух величайших, знаковых фотографии Великой отечественной войны – «Первый день войны» и «Знамя над Рейхстагом» – Евгений Халдей. Как военный фотограф, Халдей прошел всю Великую отечественную, и наиболее значимые его работы были сделаны в период с 1941 по 1946 года. Фотографии Халдея переполнены чувством исторической важности. Не секрет, что многие работы фотографа, в том числе и работа «Знамя над Рейхстагом» были постановочными. Халдей считал, что фотография должна максимально полно передать дух времени и события, потому, спешка была ни к чему. К созданию каждый работы автор подходил ответственно и основательно.


Продолжает наш список классик фотографической публицистики – Борис Игнатович. Игнатович был близким другом и соратником Александра Родченко, вместе с которым в конце 20-х годов организовал фотографическое объединение Группа «Октябрь». Это было время стремлений и поиска новых форм. Творческие люди, как правило, плодотворно занимались в нескольких направлениях одновременно. Вот и Игнатович – был и фотографом, и фотокорреспондентом, и документалистом в кино, и журналистом, и иллюстратором.



Далее следует величайший советский фотопортретист – . Наппельбаум вошел в историю фотографии, как непревзойденный студийный фотограф-портретист. Наппельбаум – мастер композиционного решения, удивительно и самобытно подходил к световой композиции, при которой, всё внимание зрителя аккумулируется на портретируемом. Как и в случае с , через студию которого прошли все зарубежные знаменитости 20 века, так и сквозь объектив Наппельбаума прошли величайшие представители страны советов, вплоть до Владимира Ильича Ленина. Наппельбаум пользовался огромной успехом и популярностью хорошего фотографа. Примечательно, что именно его пригласи сфотографировать место смерти великого русского поэта – Сергея Есенина.

Продолжает нашу десятку великих советских фотографов первый русский фотограф-пейзажист – Василий Сокорнов. Один из первых пейзажистов, который на фотоаппарат запечатлел красоту Русской природы, и в первую очередь Крыма, был художник, по образования, и фотограф, по призванию – Василий Сокорнов. Работы Сокорнова пользовались огромной популярностью уже при жизни фотографа. Так же как и работы , который всю свою жизнь фотографировал природу Виржинии, работы Сокорнова, в основной своей массе, посвящены Крыму. Они печатались в журналах и открытками разлетались по всей России. Сегодня считается, основным летописцем Крымской природы первых десятилетий 20-го века.

Основоположник Русской, советской публицистической, социальной фотографии – Максим Дмитриев, занимает восьмую позицию нашего рейтинга. Жизнь и творчество Дмитриева – это история невероятного взлета и такого же невероятного падения. Выходец из Тамбовской губернии, ученик церковно-приходской школы, к началу 1900-х годов, Дмитриев становиться ведущим фотографом Москвы. Основатель фотоателье, через которое проходят ведущие люди времени – Иван Бунин, Федр Шаляпин, Максим Горький. Но мы любим и помним Дмитриева за его летописные фотографии Поволжья. В них сосредоточена самобытная и жизнь и уклад России, умело подмеченный гениальным фотографом. Падением Дмитриева стал приход к власти большевиков и повсеместное раскулачивание. К началу 30-х годов, фотоателье художника была отобрано, вместе с более чем семью тысячами великолепных краеведческих фотографий.




В своем рейтинге мы не могли не написать о единственном советском представителе в фотографическом агентстве – . Уже само нахождение Пинхасова в агентстве, говорит само за себя. Знаковый фотограф-документалист, Пинхасов в совершенстве владеет жанром репортажной уличной съемки, камерой, композицией, светом и цветом.




Завершает нашу десятку, если можно так сказать, гламурный советский фотограф – Валерий Плотников. Плотников – автор портретов советских икон 20-го века, таких как – Владимир Высоцкий, Анастасия Вертинская, Сергей Параджанов. Ни один советский журнал, не выходил без авторских работа Плотникова.



Профессия фотографа сегодня является одной из самых массовых. Пожалуй проще здесь было бы стать лучшим из лучших в начале или середине XX века. Сегодня, когда каждый второй или третий фотограф, ну по-крайней мере себя таковым считает, критерии хорошей фотографии, на первый взгляд, размыты. Но это только на первый, поверхностный взгляд. Стандарты качества и установка на талант никуда не делись. Всегда нужно держать перед глазами своего рода эталон, пример, на который можно было бы равняться. Мы подготовили для вас список 20 лучших фотографов мира, который станет отличным камертоном…

Александр Родченко

Фотограф-революционер. Родченко для фотографии значит столько же, сколько Эйзенштейн для кинематографа. Он работал на стыке авангарда, пропаганды, дизайна и рекламы.

Все эти ипостаси составляли неразрывное единство в его творчестве.




Переосмыслив все жанры, что существовали до него, он совершил своего рода великий перелом в искусстве фотографии и задал курс всему новому и прогрессивному. Знаменитые фотографии Лили Брик и Маяковского принадлежат его объективу.

  • А еще он автор знаменитой фразы “Работать для жизни, а не для дворцов, храмов, кладбищ и музеев”.

Анри-Картье Брессон

Классик уличной фотографии. Уроженец Шантелуп, департамента Сены и Марны во Франции. Начинал как художник, рисующий в жанре “сюрреализм”, но этим его достижения не исчерпываются. В начале 30-х годов, когда в его руки попала знаменитая «Leica», он навеки влюбился в фотографию.

Уже в 33-м году прошла выставка его работ в «Julien Levy», галерее Нью-Йорка. Он работал с режиссером Жаном Ренуаром. Особенно ценятся уличные репортажи Брессона.



Особенно современники отмечали его талант оставаться незаметным для фотографируемого.

Поэтому в глаза бросается непостановочный, достоверный характер его фотографий. Как настоящий гений, он оставил плеяду талантливых последователей.

Антон Корбайн

Пожалуй, для фанатов западной рок-музыки это имя — не пустой звук. Вообще, один из самых известных фотографов мира.

Самые оригинальные и незаурядные фотографии таких групп, как: Depeche Mode, U2, Nirvana, Joy Division и других сделаны Антоном. Он же является оформителем альбомов группы U2. Плюс снял клипы для ряда команд и исполнителей, среди которых: Coldplay, Том Уэйтс, Ник Кейв, легенда кантри Johnny Cash, мастодонты трэш-метала Metallica, певицы Roxette.



Критики отмечают оригинальность стиля Корбайна, у которого, впрочем, сонмы подражателей.

Мик Рок

Бывают фотографы-папарацци, без спросу вторгающиеся в личную жизнь звезд и безжалостно оттуда вышвыриваемые. А бывают такие, как Мик Рок.

Что это значит? Ну как вам сказать. Помните Дэвида Боуи? Вот Мик — единственный из людей с объективом наперевес, кто был вхож в личное пространство открывателя новых музыкальных горизонтов, трикстера и марсианина от рок-музыки. Фотоработы Мика Рока — это своего рода кардиограмма периода творчества Боуи с 1972 по 1973, когда Зигги Стардаст еще не вернулся обратно на свою планету.


В тот период и ранее Дэвид и его соратники усиленно работали над образом настоящей звезды, который в результате стал явью. По бюджету работы Мика недорогие, но производящие впечатление. “Всё было создано на очень маленьких средствах с дымом и зеркалами”, — вспоминал Мик.

Георгий Пинхасов

Оригинальный фотограф своего поколения, член агентства Magnum, выпускник ВГИКА. Именно Георгий был приглашен Андреем Тарковским на съемочную площадку фильма “Сталкер” в качестве репортера.

В годы Перестройки, когда в приоритете среди продвинутых фотографов был жанр “ню”, Георгий одним из первых обратил внимание на важность репортажного снимка. Говорят, что он сделал это с подачи Тарковского и Тонино Гуэрры.



В результате сегодня его снимки той повседневности — не только шедевры, содержащие в себе подлинность, но и важнейшие свидетельства той эпохи. Одним из известных циклов Георгия Пинхасова являются “Тбилисские бани”. Георгий отмечает важную роль случайности в искусстве.

Энни Лейбовиц

Важнейшее имя для нашего списка лучших фотографов. Энни сделала своим главным творческим принципом погружение в жизнь модели.

Один из самых знаменитых портретов Джона Леннона сделан ею, причем довольно спонтанно.

“Я тогда еще не умела управлять моделями, просить их сделать то, что мне нужно. Я просто замеряла экспозицию и попросила Джона на секунду глянуть в объектив. И щелкнула…”

Полученный результат сразу попал на обложку Rolling Stone. Последняя фотосессия в жизни Леннона была также проведена ею. То самое фото, на котором обнаженный Джон калачиком свернулся вокруг Йоко Оно, облаченной во все черное. Кто только не попадал в объектив камеры Энни Лейбовиц: беременная Деми Мур, Вупи Голдберг, купающаяся в молоке, Джек Николсон, в домашнем халате играющий в гольф, Мишель Обама, Наталья Водянова, Мэрил Стрип. Всех и не перечислить.

Сара Мун

Настоящее имя — Мариэль Хаданг. Родилась в Париже 1941, во время режима Виши ее семья переезжает в Англию. Начинала Мариэль как модель, позируя для разных изданий, потом попробовала себя по ту сторону объектива и вошла во вкус.

Можно отметить ее чуткую работу с моделями, так как об их профессии Сара знала не понаслышке. Ее работы отличаются особенной чувственностью, у Сары отмечают талант особенно чутко передавать женственность своих моделей.

В 70-е годы Сара уходит из модельной сферы и обращается к черно-белой художественной фотографии. В 1979 году снимает экспериментальное кино. Впоследствии работала в качестве оператора на съемочной площадке фильма “Лулу”, который получит в 1987 году премию Венецианского кинофестиваля.

Салли Ман

Еще одна женщина-фотограф. Уроженка Лексингтона, штат Вирджиния. Практически никогда не уезжала из родных мест. С 70-х принципиально работает только на Юге Соединенных штатов.

Снимает только летом, все остальные сезоны занимается проявкой фотографий. Излюбленные жанры: портрет, пейзаж, натюрморт, архитектурная фотография. Любимая цветовая гамма: черно-белая. Прославилась Салли фотографиями, где запечатлены члены ее семьи — муж и дети.

Главное, что отличает ее работы — простота сюжетов и интерес к повседневной жизни. Салли и ее муж относятся к поколению хиппи, что стало фирменным стилем их жизни: жизнь вдали от города, огород, независимость от социальных условностей.

Себастьян Сальгадо

Магический реалист от фотографии. Все свои чудесные образы он черпает из реальности. Говорят, что красота в глазах смотрящего.

Так вот, Себастьян способен разглядеть ее в аномалиях, несчастьях и экологических катастрофах.



Вим Вендерс, выдающийся режиссер “Немецкой новой волны”, на протяжении четверти века исследовал творчество Сальгадо, результатом чего стал фильм “Соль Земли”, получивший специальный приз на Каннском фестивале.

Уиджи (Артур Феллиг)

Считается классиком криминального жанра в фото. В период его активного творчества ни один городской инцидент — от драки до убийства, не оставался без внимания Уиджи.

Он опережал своих конкурентов, а порой поспевал на место преступления даже раньше, чем полицейские. Помимо криминальной тематики, специализировался на репортажах о повседневной жизни трущоб мегаполиса.

Его фотографии легли в основу нуара Жюля Дассена Naked City, а еще Уиджи упоминается в “Хранителях” Зака Снайдера. А еще известный режиссер Стэнли Кубрик в юности учился у него искусству фотографии. Посмотрите ранние фильмы гения, они определенно сделаны под влиянием эстетики Уиджи.

Ирвин Пенн

Мэтр в портретном жанре. Можно отметить у него ряд излюбленных приемов: от съемок моделей в углу комнаты до использования однотонного белого или серого фона.

Также Ирвин любил фотографировать представителей различных рабочих профессии в их униформе и с инструментами наперевес. Родной брат режиссера “Нового Голливуда” Артура Пенна, известного своими “Бонни и Клайдом”.

Диана Арбус

Имя, полученное при рождении — Диана Немерова. Ее семья эмигрировала из Советской России в 1923 году и поселилась в одном из кварталов Нью-Йорка.

Диану отличала тяга к нарушению общепринятых норм и к совершению экстравагантных поступков. В 13 лет, вопреки воле родителей, она вышла замуж за Алана Арбуса, начинающего актера и взяла его фамилию. Через некоторое время Алан оставил подмостки и занялся фотографией, приобщив к делу жену. Они открыли фотостудию и разделили обязанности. Творческие разногласия привели к разрыву в 60-х. Отстояв свои творческие принципы, Диана стала культовым фотографом.



Ее как художника отличал интерес к уродцам, карликам, трансвеститам, слабоумным. А также к обнаженной натуре. Больше узнать о личности Дианы можно, посмотрев картину “Fur”, где её отлично сыграла Николь Кидман.


Евгений Халдей

Очень важный для нашего списка фотограф. Благодаря ему запечатлены ключевые события первой половины XX века. Будучи еще подростком, он выбрал стезю фотокорреспондента.

Уже в 22 года он сотрудник “Фотохроники ТАСС”. Делал репортажи о Стаханове, запечатлел строительство Днепрогэс. Проработал военным корреспондентом всю Великую отечественную войну. Пройдя от Мурманска до Берлина со своей верной камерой “Leica”, он сделал ряд фотографий, благодаря которым мы сегодня может хоть немного представить военные будни.

В око его объектива попала Потсдамская конференция, водружение красного знамени над Рейхстагом, акт капитуляции фашистской Германии и другие важнейшие события. В 1995-м, за два года до смерти Евгений Халдей получил титул Рыцаря ордена искусств и литературы.

Марк Рибу

Мастер репортажного жанра. Первая его знаменитый снимок, напечатанный в Life — “Маляр на Эйфелевой башне”. Признанный как гений фотографии, Рибу отличался скромным характером.

Он старался оставаться незаметным как для фотографируемых, так и для своих почитателей.


Наиболее известен снимок девушки-хиппи, протягивающая солдатам, стоящим с автоматами наперевес, цветок. Есть у него и цикл фотографий из повседневной жизни СССР 60-х и еще масса всего интересного.

Ричард Керн

И еще немного рок-н-ролла, тем более, что это основная тема данного фотографа, наряду с насилием и сексом. Считается одним из важнейших фотохудожников для нью-йоркского андеграунда.

Запечатлел многих известных, можно сказать — экстремально известных музыкантов. В их числе абсолютный монстр и трансгрессор панк-музыкант GG Allin. Керн также сотрудничает с мужскими журналами, куда поставляет свои эротические работы.

Но подход его далек от общепринятого глянцевого. В свободное от фотографии время занимается съемкой клипов. В числе групп, с которыми Керн сотрудничал — Sonic Youth и Marilyn Manson.


Томас Моркес

Хочется спокойствия, безмолвия, а может и безлюдья? Тогда это одна из самых подходящих кандидатур. Томас Моркес из Чехии — Фотограф-пейзажист, избравший своей темой обаяние осенней природы. В этих снимках есть все: романтика, грусть, торжество увядания.

Один из эффектов снимков Томаса — желание выбраться подальше от городского шума в какие-нибудь такие дебри и поразмышлять о Вечном.


Юрий Артюхин

Считается лучшим фотографом диких животных. Является научным сотрудником лаборатории орнитологии в Тихоокеанском институте географии РАН. Юрий страстно любит птиц.


Именно за фотографии пернатых он удостаивался (и не раз) самых различных наград не только в России, но в мире.

Хельмут Ньютон

Как насчет жанра “ню”? Отличный, очень тонкий и деликатный жанр, в котором есть свои мастера.

Своими работами прославился Хельмут весь мир. Его негласным девизом стало выражение “Sex sells”, что значит “секс помогает продавать”.

Лауреат престижнейших конкурсов, в их числе наград — французский “Орден искусств и литературы”.


Рон Галелла

Охватив различные направления фотографии, нельзя не сказать о пионере такого сомнительного и в то же время важного для понимания современного мира жанра, как папарацци.

Вы, наверное, знаете, что это словосочетание пошло от фильм Федерико Феллини “Сладкая жизнь”. Рон Гарелла относится к тем фотографам, которые не будут спрашивать разрешения на съемки, а напротив — будут подлавливать звезд, когда они к этому и не готовы в общем-то.

Джулия Робертс, Вуди Аллен, Аль Пачино, Софи Лорен — вот далеко не полный список тех, кого своевольно подловил Рон. Однажды Марлон Брандо настолько осерчал на Рона, что с ходу выбил ему несколько зубов.

Ги Бурден

Один из важнейших фотохудожников, которые нужны для правильного понимания мира моду, ее истоков и эстетики. Сочетает в своих работах эротизм и сюрреализм. Один из самых копируемых, имитируемых фотографов мира. Эротичен, сюрреалистичен. Сейчас — спустя четверть века после его смерти — всё более актуален и современен.

Первые снимки он опубликовал в середине 50-х годов. Фотография была, мягко говоря вызывающими.Девушка в изящной шляпке на фоне телячьих голов, выглядывающих из витрины мясной лавки. В течение последующих 32 лет Бурден регулярно поставлял занятные снимки в журнал Vogue. Что его отличало от многих коллег, так это то, что Бурдену была предоставлена полная творческая свобода.

Годом возникновения фотографии считают 1939 год. С того времени техника фотографии и сама концепция кардинально видоизменилась. Независимо от того, когда был сделан фотоснимок, некоторые из них оставили незабываем след в истории. Представляем вашему вниманию самые знаменитые фотографии.

Фотограф National Geographic Стив Маккарри, запечатлел на своем знаменитом фото афганскую девушку. В 2002 году девушку нашли и стало известно ее имя — Шарбат Гула (Sharbat Gula). В 1985 году фотография девочки-беженки появилась на обложке National Geographiс после чего получил всемирную известность и стала символом страдания беженцев во всем мире.

Фотография Легендарной Ливерпульской Четверки было сделано 8 августа 1969 года. Фото создавалось как обложка к последнему 12-му альбому группы. И что интересно ровно 6 минут понадобилось для этого кадра. Впечатлительные фанаты увидели в фото множество знаков, которые подтверждали смерть Пола Макартни. По их убеждению, на фото двойник музыканта, а сам Пол погиб. Сама фотокомпозиция — это символическая подача похорон. Закрытые газа музыканта, он идет босиком и не в ногу с другими участниками. Пол был левшой, и не может держать сигарету в правой руке. Ну и сама сигарета — это знак гвоздя в крышку гроба. Но в действительности фотография символизировала только одну смерть. The Beatles находились в процессе распада коллектива. 12-ый альбом последняя совместная работа.

Фотография носит название Мучения Омаиры. Девочка, Омаира Санчаз оказалась в ловушке, зажатая бетонной стеной в последствии извержения вулкана Невадо дель Руиз (Колумбия) в 1895 году. В течении 3 дней спасатели пытались спасти ребенка. Фотография сделана за несколько часов до ее смерти.

Фотография Джона Леннона и Йоко Оно, стала знаменита тем, что была сделана за несколько часов до убийства музыканта. Фото стало обложкой журнала Rolling Stone. Снимок принадлежит известному американскому фотографу Анни Лейбовиц, которая работала с Rolling Stone c 1970 года.

Mike Wells, Великобритания. Апрель 1980 года. Район Карамоджа (Karamoja), Уганда. Умирающий от голода мальчик и миссионер.

За этот снимок фотограф Кевин Картер был награжден Пулицеровской премией. Фото носит название «Голод в Судане». После того, как 26 марта 1993 года фотография была опубликована в журнале New York Times она стала символом трагедии Африки. Наверное у каждого возникает вопрос что же случилось с девочкой дальше? Почему ей не помогли? ЕЕ судьба не известна. Кевин Картер не помог умирающей девочке. В 1994 году автор фото покончил с жизнью.

«Рейн II», автор работы Андреас Гурски. Снимок сделан в 1999-м году. На фотографии изображен Рейн между дамбами под пасмурным небом. Интересным фактом является то, что фотография была сделана с помощью фотошопа. Гурски удалил
электростанцию, портовые сооружения и выгуливающего собаку прохожего. На аукционе «Christie’s» в Нью-Йорке за снимок отдали $4 338 500. Это самая дорогая фотография в истории.

Альберт Эйнштейн с высунутым языком. Причиной такого поступка ученного было его отношение к назойливым журналистам и фотографам. Фото сделано на праздновании 72-го дня рождения ученого в 1951 году. Фотография является своеобразным символом и визитной карточкой Альберта Эйнштейна, способного шутить и радоваться.

Швейцария. На фото последствия ледяного дождя. Если не принимать во внимание сколько разрушений принес этот дождь, данное явление необычайной красоты.

Легендарное фото «Обед на небоскребе». На стройке небоскреба одиннадцать работников обедают на высоте 200 метров. Никто из них не выражает даже грамма беспокойства. В ранних публикациях имя фотографа не указано. Но некоторые эксперты утверждают, что автором работы является Люис Хайн. В его портфолио множество снимков строительства Рокфеллер-центра.

Эта удивительная фотография была сделана в 1948 году без применения фотошопа и технологий. Называть ее принято Дали и кошки. Фотограф Филлип Халсман дружил с Дали на протяжении 30 лет.

Фотография является самым растиражированным снимком за всю историю. Создатель шедевра — Альберто Корда. Фото с Че Гевару превратилось в своеобразный бренд. Изображение кубинского революционера можно встретить на всеобразных предметах: одежда, посуда, значки и т.д.

25 ноября 1963 год. Похороны президента Джона Кеннеди и день рождения его сына. На фото Джон Кеннеди-младший отдает честь гробу своего отца.

Овечка Долли — первый в мире успешно клонированный млекопитающий. На свет Долли появилась 5 июля 1996 года в результате эксперимента Яна Вилмута и Кейта Кэмпбелла. Жизнь ее продлилась 6,5 лет. В 2003 году Долли усыпили, и её чучело выставлено в Королевском музее Шотландии.

Мальчик с гранатой в руке. Работа фотографа Дианы Арбус. На фото сын тенисиста Сидни Вуда, Колин Вуд. В правой руке мальчик держит игрушечную гранату. Кажется, что ребенок страшно напуган, но на самом деле фото долго не получалось и мальчик в истерике закричал «Снимай уже!». $408,000 в 2005 году неизвестный коллекционер заплатил за фото.

Старик и собака встретились после торнадо в США в марте 2012 года.

Солдат народной освободительной армии Судана на репетиции парада ко дню независимости. Сильное фото.

В данном разделе представлены в большом количестве портфолио знаменитых, креативных и лучших фотографов современности.

12-03-2018, 22:59

Вашему вниманию предлагается подборка удивительных работ, после просмотра которых обязательно появится мысль о процессе съемки и реалистичности. Фотограф по имени Михаил Загорнацки впервые взял в руки собственный фотоаппарат в 2011 году. Процессом обучении фотографии занимался самостоятельно. Главными направлениями являются концептуальные и файн-арт фотографии. В последних проектах абсолютно отсутствуют элементы фотошопа.
Мастер любит создавать свои творения в реальном времени, без штучных добавок. Перед новым проектом требуется много времени для подготовки нужного реквизита и составления творческого плана. Объектив камеры показывает исключительно истинную красоту.

7-03-2018, 20:14

Если Вы когда-то будете в графстве Глостершир, обязательно посетите живописную деревушку под названием Байбери. Знаменитый художник и поет по имени Уильям Моррис, назвал это место самой удивительной английской деревней. Многие туристы согласны с данным мнением по сей день. Пейзажи деревни можно увидеть на внутренней обложке британского паспорта.
Общее количество населения деревни составляет около шестисот человек. На протяжении многих веков поддерживалась аутентичная атмосфера, даже не смотря на частые приезды туристов. Байбери – типичная английская деревня. Сейчас численность жителей составляет около 600 человек. Через территорию селения протекает река Колн.

5-01-2018, 18:25

Сегодня мы хотим представить работы талантливой женщины-фотографа по имени Энн Гайер. Недавно, она представила свою оригинальную серию фотографий. Главным источником вдохновения выступили домашние животные и очаровательный осенний листопад.
Искусством фотографии Энн начала интересоваться ещё в детстве. Девочка наблюдала за своим отцом-фотографом, который создавал интересные работы. Но окончательное увлечение началось где-то семь лет тому назад. Первоисточником для вдохновения стала первая собака Синди. Больше удивительных фотографий Вы сможете посмотреть благодаря нашей сегодняшней статье.

15-12-2017, 22:16

Сегодня мы познакомим Вас с работами молодого, но очень талантливого фотографа по имени Крейг Барроуз. Он фотографирует различные цветы и растения, применяя современную технику UVIVF. Все тонкости процесса создания новых работ точно неизвестны. Мастер выделяет флуоресцентное свечение в своих работах с помощью УФ-света. В процессе съемки в объективе происходит блокировка ультрафиолетового излучения.
На данный момент Барроуз имеет в своем арсенале только отдельные цветы и растения, но ближайших планах аналогичные работы с целыми садами. Для крупных работ будут применяться 100-ваттные прожекторы. Детальные фотографии ищите в сегодняшних материалах!

15-12-2017, 22:16

Сегодняшняя подборка фотографий расскажет все секреты путешествия Пэтти Уэймайр на остров под названием Бартер. Находится эта местность у берегов далекой Аляски. Главной целю было сфотографировать чудесных белых медведей в снежной местности. Но после прибытия на место, Пэтти не застала ожидаемого снега, даже ещё не начал формироваться морской лед. Задуманные идеи фотографий пришлось отложить, а местные хозяева морских льдин безмятежно лежали на песчаном берегу. Такая грустная картина должна послужить для каждого из нас наглядным примером воздействия человечества на окружающую атмосферу. Больше фотографий ищите в материалах нашей сегодняшней статьи.

23-06-2017, 12:45

Наш сегодняшний материал расскажет о творчестве фотографа-самоучки по имени Даниел Жежиха. В своих работах он использует технику минимализма и классической черно-белой фотографии. Именно в таких оттенка передаются все тонкости фотографии.Родом Даниел из небольшого города Крупке, который находится недалеко от Теплице. Всё детство он очень любил путешествия и окружающую природу. Первое увлечение фотографией началось именно в различных путешествиях, в которых мальчик делал снимки на мыльницу.
Первая мысль о профессиональном занятии фотосъемкой пришла в 2006 году, после чего был куплен фотоаппарат Pentax. С тех самых пор Жежиха погружен в мир съемок полностью!

22-06-2017, 12:18

Профессиональный фотограф по имени Елена Чернышова работает в жанре документалистики. Родом из Москвы, но на данный момент живет и работает во Франции. Изначально Елена закончила факультет архитектуры, но поработав по специальности пару лет решила заняться чем-нибудь другим. Идея стать фотографом появилась после путешествия на велосипеде от Тулы до Владивостока, такое огромное расстояние она преодолела за 1004 дня.
Много работ Чешнышовой можно увидеть в известных мировых издательствах. Свою новую серию под названием «Зима», она посвятила шикарной красоте русской зимы. В каждой из работ очень тонко передается вся атмосфера этой дивной поры года.

21-06-2017, 10:14

Чистое звёздное небо становится редким явлением для жителей современных мегаполюсов, а ночное звездное небо всегда являлось великой тайной для человека, и всегда человек хотел узнать, что там над небом, во вселенной, усыпанной мириадами звезд. Финский фотограф Оскар Кесерчи увлекается фотографией звёздного неба. Большую часть года в Финляндии стоят холода. По ночам температура опускается до 30 градусов мороза.
Синие оттенки фотографий как раз удачно передают ощущение морозных финских ночей, считает Оскар. Именно звездной ночью можно испытать особые ощущения, которые погрузят в мир фантазии. Серия фотографий мастера представлена в нашем обзоре!

Смотрите также — ,

О пейзажной фотографии, глубине резкости, реальном разрешении и камерах разных размеров

Часть 1


Одно из обязательных свойств пейзажной фотографии — высокая резкость по всему полю кадра. Не зависимо от того, где находится предмет, на переднем или заднем плане, он должен быть в фокусе. Так мы смотрим на пейзаж в натуре, автоматически «подстраивая» фокусировку глаза, и того же требуем от фотографии.

Камера Canon PowerShot G2, f=9 мм (экв. 43 мм), d/8. Только принудительно установив минимальную диафрагму, можно получить резкий снимок по всему кадру если в видоискатель видно пространство от собственных ног и до горизонта.

Чтобы пейзажная фотография воспринималась естественно, нужно обеспечить высокую резкость по всему полю кадра. Характеристика, описывающая зависимость резкости от дистанции до камеры и положения зоны фокусировки — глубина резкости. Ее определяют несколько факторов (подробнее о глубине резкости в описании Программы расчета глубины резкости, статье «Из жизни пчел, или о макросъемке на природе и глубине резкости» и в Общем FAQ по цифровой фотографии). Чем короче фокусное расстояние объектива (при постоянстве прочих факторов), тем выше глубина резкости. Чем меньше диафрагма (при постоянстве прочих факторов), тем острее конус лучей, формирующих точку изображения в плоскости фокусировки и выше глубина резкости. Чем меньше увеличение изображения (при постоянстве прочих факторов), тем больше глубина резкости. Чем больше дистанция наводки на резкость (при постоянстве прочих факторов), тем выше глубина резкости.

Но четкость и детализация на снимке обусловлены не только эффектом глубины резкости (фактически, эффектом ошибки фокусировки). Разрешение объектива падает к краю кадра, а аберрации усиливаются. В расчетах увеличения снимка (или расчетах масштаба просмотра) нужно опираться не на идеальный центр, а на плохой край, чтобы неидеальность оптики не стала явно заметной. А раз так, то и расчет глубины резкости следует вести исходя не из максимального разрешения в центре кадра, а из разрешения на краю.

Шкалы глубин резкости можно найти на любом приличном объективе, а иногда и на фотоаппарате. Сейчас их «встраивают» в функции цифровых камер как некоторые производители, так и разработчики альтернативных прошивок. При этом, прежде чем ними пользоваться, нужно проверить (по допустимому кружку нерезкости), соответствуют ли эти шкалы вашей камере (предполагаемому масштабу просмотра / печати или максимуму детализации, который еще можно выжать из камеры).

Снимать пейзаж без учета глубины резкости — пустая трата времени. Отпечаток пейзажной фотографии с явным нефокусом производит неприятное впечатление, которое не оправдать даже «творческим замыслом». Глубина в пейзажном снимке передается перспективой, изменением контраста и оттенка по мере удаления от переднего плана к заднему. Способ выделения планов фокусировкой (как в портретной фотографии) почти не применяется. Исключение, когда имеется близкий передний план и удаленный задний, а между ними пустота. Тогда можно сфокусироваться на переднем плане и при умеренных значениях диафрагменного числа подчеркнуть глубину перепадом по резкости между планами, симулируя небольшим падением резкости толщину слоя воздуха или плотности дымки на заднем плане.

Canon EOS300D, f=18 мм, f/d=7,1 (гиперфокальное расстояние чуть больше 2 м).При наводке на резкость по ближайшим веткам дерево попадает в зону резкости, а задний план оказывается слегка размыт. Это не мешает восприятию, так как среднего плана фактически нет.

Фотографы, снимки которых стали известными, да и просто те, кто зарабатывал фотографией на жизнь хорошо представляли себе техническую сторону своего ремесла. Классик пейзажной фотографии — Ансель Адамс. К сожалению, у меня нет его книг по съемке, обработке и печати (The Camera, The Print, The Negative и прочих). Поэтому о технологии его работы могу судить по косвенным данным. На сайте PBS, в разделе, посвященном документальному фильму об Адамсе, можно найти список аппаратуры, которым он пользовался. В нем форматные камеры: 8×10 дюймов с оптикой диапазона 6 3/4 —10 дюймов, 4×5 дюймов с оптикой 4-12 дюймов и панорамная камера 7×17 дюймов. Судя по имеющимся у меня копиям отпечатков, многие снимки сделаны нормальными (фокусное расстояние объектива примерно равно диагонали кадра) и широкоугольными объективами (фокусное расстояние меньше диагонали кадра).

В 1932 году фотографы из Сан-Франциско (в их числе и Адамс) организовали объединение f.64. Среди основных принципов, которым должны были следовать фотографы группы — «чистая фотография». Это принцип, в частности, противопоставлялся пикториализму, привносящему в фотографию эстетику живописи. f.64 означало наименьшую диафрагму, которая могла быть установлена в используемых фотографами группы объективах камер. Так же она означала стремление получить на снимках наибольшую глубину резкости, чтобы эффект малой глубины резкости не влиял на «чистоту фотографии». (Однако, большие числа не должны вводить в заблуждение. f/64 на камере с размером кадра 4×5 дюймов при сопоставлении с современными компактами соответствуют по глубине резкости f/2,8-f/4! Так что владельцы компактов автоматически, но формально, попадают в f/64.)

При анализе глубины резкости удобно пользоваться такой величиной, как гиперфокальное расстояние. Это величина, называемая еще «началом бесконечности», определяется как дистанция, на которой предметы еще воспринимаются резко при наводке объектива на бесконечность:

H = f*f/(k*d),

где f — фокусное расстояние объектива, k — диафрагменное число, d — диаметр кружка рассеяния.

Простая закономерность получается, если представить масштабную ситуацию. Предположим, что у нас имеется камера с некоторым разрешением и ее масштабная копия в масштабе N с тем же разрешением. У копии будет объектив с фокусным расстоянием N*f, для сохранения разрешения придется взять диаметр кружка рассеяния N*к. Тогда, чтобы у копии гиперфокальное расстояние не изменилось, нужно изменить ее диафрагменное число в N раз. Так, к примеру, диафрагму зеркалки с полноразмерной матрицей придется уменьшить (закрыть) на 1 ступень, чтобы она имела такую же глубину резкости (гиперфокальное расстояние), как зеркалка с матрицей в 1,4—1,5 раза меньшей и «эквивалентным» объективом. Например, между 12 Мп камерой 4×5 дюймов и APS зеркалкой с диагональю в 6 раз меньшей будет разница в диафрагменном числе в 6 раз (f/64 станет f/11).

Для пейзажной фотографии (дистанция наводки на резкость существенно больше фокусного расстояния), через гиперфокальное расстояние можно вычислять переднюю aп и заднюю aз границы резкости при наводке объектива на дистанцию a по формулам:

aп = H*a/(H+a)

aз = H*a/(H-a)

Если a=H то дистанция до переднего резкого плана будет равна половине гиперфокального расстояния, а задний план уходит в бесконечность.

При пейзажной фотографии гиперфокальное расстояние задает и высоту (h), на которую должна быть установлена камера при съемке. В случае, когда съемка ведется с горизонтальной поверхности, дистанция до ближнего плана, попадающего в кадр, легко вычисляется. Она равна высоте камеры над поверхностью, умноженной на отношение половины вертикальной стороны кадра (s) к фокусному расстоянию (f). Чтобы резким было все поле кадра, дистанция до переднего плана должна быть не меньше половины гиперфокального расстояния (при фокусировке на гиперфокальное расстояние H/2), а высота камеры h > s*H/2f. Если удовлетворить условие не получается, придется заваливать камеру назад или поднимать над поверхностью (судя по документальным снимкам, Ансель Адамс иногда снимал с крыши своего автомобиля).

Для вычисления гиперфокального расстояния помимо однозначно определяемых величин f и k, нужно еще задать величину кружка рассеяния d. Кружок рассеяния в этом случае выполняет роль допустимой ошибки, в пределах которой промах в фокусировке не будет заметен.

Нахождение кружка нерезкости для глаза по мире. Пока толщина штрихов (белых или черных) меньше половины диаметра кружка нерезкости, штрихи кажутся постоянной толщины и сливаются. Когда толщина штрихов становится больше радиуса кружка нерезкости, глаз начинает их различать.

Традиционно кружок рассеяния приравнивается кружку нерезкости и определяется из условий просмотра изображения, формируемого оптической системой на экране (к примеру, на матовом стекле форматной камеры). В этом случае он определяется разрешающей способностью глаза. Если рассматривать изображение на дистанции ясного зрения 25 см, то практически найденный кружок рассеяния будет равен 0,1 мм (теоретический, вычисляемый, к примеру, из соображений расстояния между соседними светочувствительными элементами в наиболее «плотной» области сетчатки дает величину в 1 угловую минуту для различения двух одинаковых стимулов, разделенных контрастным им по яркости стимулом). Что означает эта величина? Любой кружок-стимул с диаметром меньшим 0,1 мм на дистанции больше 25 см человек воспринимает, как точку. Если рассматривать штриховую миру из черных штрихов на белом фоне, то глаз на дистанции 25 см различит соседние белые штрихи, если между их центрами будет не менее 0,1 мм (это, к примеру, для печати соответствует «плотности» пикселей 20 на мм или 500 на дюйм!).

Таким образом, диаметр кружка нерезкости (или линейное разрешение глаза) есть обратная величина разрешения, если за критерий разрешения выбирать начало различения штрихов (при самом малом контрасте наблюдаемой картинки). В пределах этого кружка нерезкости можно ошибаться в фокусировке, не боясь, что глаз ошибку заметит.

Постановка процедуры измерения, различие в возможностях зрения разных наблюдателей сильно влияют на величину разрешающей способности глаза, которая используется для определения кружка нерезкости. В фотографии, чаще всего, используется именно величина 0,1 мм для кружка нерезкости при дистанции просмотра 25 см, теоретической величиной считается 0,07 мм, а наибольшей еще допустимой практически 0,3 мм («Справочник Фотолюбителя», «Искусство», 1961). Как видно, произвол не малый. Поэтому при вычислении глубины резкости или использовании шкалы глубины на объективе нужно помнить о том, что цифры эти несколько условны. Одно дело, если в процессе съемки мы используем миру, как объект и так определяем глубину резкости камеры с объективом, другое — если снимается реальный пейзаж. Гиперфокальное расстояние по еще допустимому максимальному кружку рассеяния, применимому к пейзажу, будет втрое больше рассчитанного для кружка 0,1 мм. Но это произвол не мешает сравнивать камеры между собой, если для вычислений мы используем общий критерий.

Как определить кружок рассеяния для цифровой камеры? Можно выбрать в качестве него, к примеру, размер пикселя. Тогда ошибка в фокусировке слабо изменит изображение — будет лишь слегка понижен контраст самых высоких частот (что на фоне неидеальной оптики будет незаметно). Чтобы оставаться в рамках предположений, заложенных в процедуру вычисления гиперфокального расстояния, при определении кружка нерезкости нужно исходить из а) реального разрешения системы матрица-объектив и б) критерия «различимые в идеале штрихи становятся неразличимыми при самой большой ошибке фокусировки».

В случае корректной фокусировки и идеальной оптики сигнал на выходе будет ступенькой (картинка слева). Если ошибка в фокусировке превратит точку в пятно диаметром с толщину изображения штриха, то сигнал на выходе еще будет описывать характер снимаемого объекта (картинка в центре). Если кружок рассеяния из-за ошибки фокусировки станет размером с два штриха, штрихи миры различить уже не удастся (картинка справа). Кружок нерезкости диаметром в два штриха (черный и белый), хорошо различимых при идеальной фокусировке, и можно принять за кружок рассеяния для вычисления гиперфокального расстояния.

Дискретная природа сенсора не позволяет безошибочно распознавать проекции штрихов миры, если их плотность совпадает с плотностью элементов матрицы. В зависимости от взаимного положения изображений штрихов на матрице и элементов матрицы сигнал то представляет собой гребенку, то постоянен («серый», когда штрихи точно попадают на границу между элементами матрицы) по пространству. Чтобы дискретная природа матрицы существенно не искажала сигнал, плотность ячеек должна быть как минимум вдвое больше плотности штрихов на изображении миры. Однако, просто чтобы распознать все штрихи, достаточно и меньшей плотности.

Многочисленные испытания хороших цифровых камер для системы «матрица-объектив» дают величину разрешения до 0,8 линии/пиксель для центра кадра и от 0,6 линии/пиксель для края. Величина эта для центра кадра обусловлена при самых открытых диафрагмах именно дискретной структурой матрицы и определяется по границе, за которой муар уже не заметен. Причем, при диафрагмировании из-за дифракционных эффектов разрешение по центру с некоторой величины диафрагмы (для компактов уже со второй-третье ступени после самой открытой, для зеркалок с f/11-f/16) начинает падать, а разрешение по краю сначала растет, а затем падает, как и разрешение по центру.

При желании обеспечить равную по полю кадра резкость, что принципиально для пейзажной съемки, возьмем для определенности в качестве разрешения величину ~0,7 линии/пиксель или ~1,5 пикселя на линию, что в пересчете на линейное разрешение для штриховой миры даст ~3 пикселя между изображениями соседних штрихов. Эту величину и примем за диаметр кружка рассеяния. Он и соответствует критерию, когда штрихи миры хорошо различимой в фокусе, на границе глубины резкости перестают быть различимыми.

Упоминавшееся падение разрешения с диафрагмированием обусловлено дифракционным рассеянием на отверстии диафрагмы объектива. Идеальный объектив имеет наибольшее разрешении при самой открытой диафрагме. Чтобы снизить влияние аберраций и выровнять разрешение по полю кадра приходится диафрагму уменьшать, примерно, до f/5 для компактов и до f/8-f/16 для APS и полноразмерных камер. При этом разрешение по центру уже начинает падать.

Угловое расстояние первого дифракционного минимума для точечного объекта наблюдения и кругового отверстия — 1,22 l/d (радиус кружка Эйри), где l — длина волны (для расчетов, обычно, выбирают линию паров ртути e — 546,1 нм), d — диаметр диафрагмы. Линейное, для случая проецирования на экран, находящийся на дистанции фокусного расстояния (система сфокусирована на бесконечность), 1,22lf/d =1,22lk. Если расстояние между краями изображения двух соседних штрихов, еще не искаженного дифракцией, в плоскости пленки или матрицы будет около 1,22lk, то эти же штрихи «размытые» дифракцией будут уже почти неразличимы (контраст от первоначального ~1/4). В идеале (идеальная оптика, изображение каждого штриха попадает на отдельную ячейку, электроника восстанавливает изображение по малоконтрастной картинке) это расстояние можно приравнять элементу матрицы. Отсюда не сложно сделать вывод, до какой величины можно повышать плотность ячеек на матрице при желании использовать это для повышения разрешения.

диафрагменное число, k22,85,6811 16223264
Предельный размер элемента матрицы, 1,22 lk, мкм1,31,93,75,3

7,3

10,714,721,342,6

В предельном случае, когда на камере будет установлен объектив f/2, использовать ячейки с размером менее 1,3 микрон с целью повышения детализации изображения будет бесполезно. Однако, повышение детализации — цель не единственная. К примеру, более плотная матрица будет точнее регистрировать цвет, если после записи снимка его принудительно уменьшать или, что то же самое несколько соседних элементов матрицы с разными цветными фильтрами записывать как один пиксель.

По данным в таблице можно судить и о реальном разрешении камер при диафрагмировании. Так компактная камера с матрицей 1/1,7 дюйма и размером ячейки 1,9 мкм потеряет половину разрешения при f/8, а ее кадр по информационной емкости станет эквивалентным 3 Мп снимку идеальной камеры (или 3х1,5х1,5 ~ 7 Мп реальной). С APS матрицей это произойдет при f/16, с полнокадровой — при f/22—f/32.

Как только радиус кружка Эйри станет размером с элемент матрицы, разрешение будет определять не плотность светочувствительных элементов, а этот дифракционный кружок. Постоянное до этого линейное разрешение в ~3 пикселя при уменьшении отверстия диафрагмы начнет расти (разумеется, обратная величина — разрешение в линиях на миллиметр или на пиксель — падать) и будет при выборе критерия высокого контраста (когда совпадают не минимуму и максимум соседних кружков Эйри, а их минимумы) определяться зависимостью ~2,44*lk.

Фрагменты снимков миры, сделанных при разных диафрагмах. Масштаб 1:1. Дифракция существенно снижает разрешение. Степень ее влияния можно оценить по изменению радиуса, с которого различимы штрихи. При этом для малых диафрагм этот радиус нужно отсчитывать не с окружности, за которой все штрихи различимы (как обычно мы и поступаем при тестировании камер, красная окружность), а с окружности, на которой только появляется муар (мы бы не могли различить муар, если бы дифракция «размыла» штрихи, его образующие).

Мы (с Владимиром Родионовым, автором идеи этой статьи) сравнили возможности, которые представляют для пейзажной фотографии разные камеры. Были испытаны 12-ти мегапиксельные компакты и зеркалки Canon: EOS 5D, EOS 450D, PowerShot A650 IS (с альтернативной прошивкой, позволяющей снимать в RAW) и PowerShot G9. В таблице приведены важные для оценки «пейзажных» возможностей характеристики камер (размер кадра в пикселях может не совпадать с заявленным производителем, так как указано разрешение, которое позволяет получить программа Raw Therapee из RAW файлов камер; впрочем, различие это не существенное):

КамераКадр, пиксРазмер матрицы, ммДиагональ матрицы, ммРазмер элемента, мкм
Canon EOS 5D4378×291235,8×23,9438,2
Canon EOS 450D4282×284822,2×14,8

26,7

5,2
Canon PowerShot A650 IS4016×30087,6×5,79,51,9
Canon PowerShot G9 IS4024×30167,6×5,79,51,9

К названным камерам (при использовании с зеркалками соответствующей оптики) применим масштабный принцип. И чтобы сохранить гиперфокальное расстояние придется увеличивать диафрагменное число EOS 5D в 43/9,5=4,5 раза, EOS 450D в 26,7/9,5=2,8 раза по отношению к установленному на «маленькие» камеры. И оптимальная диафрагма (с точки зрения постоянства разрешения по полю кадра) для компактов f/5 превратится в f/22 на EOS 5D и f/14 на EOS 450D. При этом выдержки удлинятся, примерно, в 20 и 8 раз соответственно (что в отсутствие штатива придется компенсировать увеличением светочувствительности в то же количество раз). Для форматной камеры 4×5 дюймов с диагональю 162 мм масштабный коэффициент составит 162/9,5=17, а f/5 превратится в ~f/85, если разрешение снимка будет эквивалентно всего 12 Мп!

Можно ли утверждать (при таком подходе, то есть для пейзажной фотографии), что в одном классе (цифровые камеры) большие камеры хуже маленьких? Конечно нет. Преимущество компактов для пейзажной съемки было бы реальным, если бы размер ячейки у них изначально не был в те же 20 (для полноразмерных матриц) и 8 (для матриц APS размера) раз по площади меньше, что можно считать в первом приближении эквивалентным более высокой светочувствительности в «больших » камерах. Однако, если света много и шумы матриц не велики, то компактные камеры действительно, в некотором смысле, лучше подходят для пейзажной фотографии (а именно, для получения большей глубины резкости при достаточно коротких выдержках).

Продолжение статьи во второй части.

Ансель Адамс Черно-белый фотограф природы

Горный фотограф и мастер света

Вид на реку Снейк Ансела Адамса

Тетоны и река Снейк (1942) Ансель Адамс

Ансель Адамс. Человек, которого многие фотографы называют Святым Анселем. Не потому, что он был совершенен, а потому, что он показал способ вывести фотографию природы за пределы репродукции и сделать ее настоящей формой искусства. Адамс показал нам, что с помощью искусства творческой обработки мы можем передать эмоции, которые мы, как фотохудожники, испытывали в момент захвата изображения.Вот лишь некоторые его мысли о творческой фотографии природы и немного истории человека.

«Мысленным взором я визуализирую, как на отпечатке появится то или иное… зрелище и ощущение. Если меня это волнует, есть большая вероятность, что получится хорошая фотография. Это интуитивное чувство, способность, которая приходит с большой практикой». Ансель Адамс

«Я уверен, что следующим шагом будет электронное изображение, и я надеюсь, что доживу до него.Я верю, что творческий взгляд будет продолжать функционировать, какие бы технологические инновации ни развивались». Ансель Адамс

«Самый важный компонент камеры – это двенадцать дюймов позади нее». Ансель Адамс

Ансель Адамс, человек, в наибольшей степени ответственный за освобождение фотографа для создания искусства, а не просто для фотосъемки в 19 ​​веке, за ними последовали фотографы Карлтон Уоткинс, Эдверд Мейбридж и Джордж Фиске.

Работа Анселя Адамса отличается от их работ своим интересом к преходящему и эфемерному. Он фотографировал в разное время дня и года, улавливая меняющийся свет и атмосферу пейзажа. Его грандиозные, очень подробные изображения возникли из-за его интереса к окружающей среде. Его черно-белые фотографии не были чистыми документами, а отражали возвышенное переживание природы как духовного места.

По мере ухудшения состояния окружающей среды на Западе в течение 20-го века его фотографии демонстрируют стремление к сохранению природы.

Искусствовед Джон Шарковски писал: « Ансель Адамс точнее, чем любой другой фотограф до него, настроился на визуальное понимание особого качества света, падающего на определенное место в определенный момент. Для Адамса природный ландшафт — это не фиксированная и твердая скульптура, а нематериальное изображение, такое же преходящее, как свет, который постоянно переопределяет его.Эта чувствительность к специфике света была мотивом, который заставил Адамса разработать свою легендарную фотографическую технику. [128]

В 1955 году Эдвард Стейхен выбрал Адамса Mount Williamson для всемирной выставки Музея современного искусства The Family of Man , которую увидели девять миллионов посетителей. Размер 10 на 12 футов ( 3,0 на 3,7 м), это была самая большая гравюра на выставке, представленная от пола до потолка на видном месте в качестве фона для раздела «Отношения», как напоминание о существенной зависимости человечества от земли. несмотря на его яркое и заметное изображение, Адамс выразил недовольство «грубым» увеличением и «плохим» качеством отпечатка.

Сьерра-Невада и фотография консерваторов

Летом Адамс часто участвовал в выездных мероприятиях Sierra Club High Trips в качестве оплачиваемого фотографа группы; а в остальное время года основная группа членов Клуба регулярно общалась в Сан-Франциско и Беркли. В 1933 году у него родился первый ребенок Майкл, а через два года — Энн. [63]

В 1930-х годах Адамс начал использовать свои фотографии в целях сохранения дикой природы.Частично его вдохновило растущее вторжение в Йосемитскую долину коммерческой застройки, включая бильярдный зал, боулинг, поле для гольфа, магазины и автомобильное движение. Он создал книгу ограниченным тиражом Sierra Nevada: The John Muir Trail в 1938 году в рамках усилий Sierra Club по обеспечению признания Кингз-Каньона национальным парком. Эта книга и его свидетельство перед Конгрессом сыграли жизненно важную роль в успехе этих усилий, и Конгресс объявил Кингз-Каньон национальным парком в 1940 году.

Джорджия О’Киф и Орвилл Кокс, Национальный памятник Каньон-де-Челли, Аризона, 1937 год

В 1935 году Адамс сделал много новых фотографий Сьерра-Невады; и один из его самых известных, Clearing Winter Storm, , изображал всю долину Йосемити, когда зимний шторм утих, оставив свежий снежный покров. Он собрал свои последние работы и провел персональную выставку в галерее Штиглица «Американское место» в Нью-Йорке в 1936 году. Выставка оказалась успешной как у критиков, так и у покупателей и принесла Адамсу высокую оценку уважаемого Штиглица.В следующем году негатив для «Очистка Зимнего шторма » был почти уничтожен, когда загорелась фотолаборатория в Йосемити. С помощью Эдварда Уэстона и Чарис Уилсон (будущей жены Уэстона) Адамс потушил пожар, но тысячи негативов, в том числе сотни никогда не печатавшихся, были утеряны.

Стилл Адамс сделал свою фотографию краеугольным камнем всемирного природоохранного движения, которое прочно укоренилось в 1960-х годах. Сегодня мы, фотографы, любящие горы, должны быть благодарны человеку, которого в шутку называем Святым Адамсом.

От Фонда национальных парков об Анселе Адамсе

Известный фотограф Ансель Адамс, несомненно, входит в число великих имен, связанных с нашими национальными парками и охраной природы в Америке. Его работа со Службой национальных парков и Сьерра-клубом сильно повлияла на его артистизм (и наоборот!), что привело к созданию одних из самых знаковых изображений парков на сегодняшний день.

Наиболее известен своими фотографиями национального парка Йосемити. Именно работа Адамса 1927 года «Монолит, лицо полукупола» способствовала его карьере как коммерческого фотографа, так и художника.Его талант навсегда переопределил фотографию как самостоятельный вид искусства.

Хотя Адамс был глубоко привержен развитию движения за сохранение, его страсть к защите интересов на этом не закончилась. Он был известен как неоднозначная и неоднозначная фигура, стремившаяся повлиять на социальные и политические изменения своего времени.

Ансель Адамс, любезно предоставлено NPS

Во время Второй мировой войны Адамс посетил и сфотографировал лагерь для интернированных в Мансанаре, Калифорния (ныне известный как Национальный исторический комплекс Мансанар).Этот опыт открыл ему глаза на несправедливость, творимую против американцев японского происхождения, — непопулярное мнение среди нации, находящейся в состоянии войны.

Ближе к концу своей жизни, когда Адамс оглядывался на свои поездки в Мансанар, он чувствовал, что «…с социальной точки зрения это самое важное, что я сделал или могу сделать, насколько я знаю».

Глядя в будущее и приветствуя следующий век Службы национальных парков, мы отмечаем вклад человека, который своим искусством пленил воображение нации.Его фотографии вдохновляли страсть к путешествиям и любопытство и способствовали делу, которое он так страстно поддерживал.

Национальный памятник Каньон-де-Челли

Ансель Адамс, любезно предоставлено Национальным архивом

Озеро Макдональд в Национальном парке Глейшер

Ансель Адамс, любезно предоставлено Национальным архивом Архив

Мы долго будем помнить о важности мастерства Анселя Адамса в увековечивании в кино наших национальных триумфов и невзгод.Будь то посвящение национального парка Кингз-Каньон в 1940 году, за которое он горячо выступал, или его фотодокументация Мансанара, его наследие в рассказывании наших национальных историй через его образы будет жить.

Вспоминая Ансела Адамса через жизнь одного ученика

Ансел Адамс родился 20 февраля 1902 года в Сан-Франциско, Калифорния. Выдающийся фотограф и защитник окружающей среды, он наиболее известен своими культовыми черно-белыми снимками американского Запада.

Несколько уединенное детство Адамса привело его к тому, что он находил большую радость в природе, часто совершая длительные прогулки в диких уголках Золотых Ворот. Он проводил значительное количество времени в Йосемити и Сьерра-Неваде каждый год с 1916 года до своей смерти в 1984 году.

В 1919 году он вступил в Sierra Club, что оказалось очень важным для его раннего успеха в качестве фотографа. Его первая полностью визуализированная фотография, Monolith, Face of Half Dome , сделанная в 1927 году во время похода в Йосемити, была изображением, которое оказало на него большое влияние в будущем.

Единый с силой американского пейзажа, известный своим терпеливым мастерством и вневременной красотой своих работ, фотограф Ансель Адамс был дальновидным в своих усилиях по сохранению диких и живописных уголков этой страны как на пленке, так и на фотографиях. Земля. Привлеченный красотой памятников природы, он сам рассматривается экологами как памятник, а фотографами как национальное учреждение. Именно благодаря его предвидению и силе духа так много Америки было спасено для будущих американцев.— Президент Джимми Картер

Вскоре после этого он начал следовать стилю «прямой фотографии», что означало, что он пытался изображать сцены реалистично и с большой детализацией, не манипулируя объектом в камере или в фотолаборатории. Его фотогруппа Group f/64 привлекла внимание всей страны к этому стилю фотографии в начале 1930-х годов.

Неутомимый активист, фотографии Ансела Адамса стали символами Дикой Америки, пробуждая эмоциональные переживания природной красоты, воплощенной в дикой природе, которую он запечатлел на пленку.Некоторые критикуют его за то, что он фотографирует идеализированную версию дикой природы, которой больше не существует; однако многие места, которые он сфотографировал, — это те самые места, которые благодаря его стараниям теперь сохранены навеки.

Инфракрасная фотография Анселя Адамса

Многие люди знакомы с культовыми работами Анселя Адамса. Его замечательные черно-белые пейзажи и его усилия по сохранению сохранились еще долго после него, но есть один аспект его фотографии, о котором сегодня никто не слышал: его инфракрасные работы.

Современный цифровой век сделал инфракрасную фотографию более доступной и относительно простой, чем когда-либо прежде. Только в последние несколько лет инфракрасное излучение стало более популярным в творческом секторе; тогда как десятилетия назад, когда Ансель был в расцвете сил, это было чрезвычайно редко. В честь его 120-летия мы взяли интервью у его бывшего ученика, чтобы погрузиться в его другую сторону.

«Инфракрасный свет не был популярен. Инфракрасный был просто «трюком». Никто этого не понимал», — говорит Лори Кляйн, опытный инфракрасный фотограф и бывшая ученица Ансела Адамса.«Честно говоря, инфракрасное излучение было чем-то вроде ублюдка, потому что его было очень сложно сделать. В то время вы не могли заниматься инфракрасным излучением, если вы действительно не посвятили себя этому и не изучили техническую часть».

Будучи студенткой биомедицинского факультета Рочестерского технологического института, Лори узнала об инфракрасном диапазоне. Изо всех сил пытаясь понять интенсивные технические аспекты биомедицины, она была на грани провала программы. К счастью для нее, у нее был поддерживающий наставник, который заметил ее интерес к инфракрасному излучению. Он согласился сдать ее, если она продолжала учиться либо у Майнора Уайта, либо у Ансела Адамса.

Сначала у Лори сложилось впечатление, что инфракрасное излучение используется только в диагностических и исследовательских целях, но после некоторых собственных исследований она обнаружила, что Ансел снимает пейзажи в инфракрасном диапазоне. Сама увлекаясь пейзажной фотографией, она в конечном итоге выбрала его своим следующим наставником.

Фотография Лори Кляйн

Летом 1973 года в Йосемити юная Лори и ее одноклассники изучали инфракрасное излучение с великим Анселем Адамсом на одном из его семинаров.Узнав от своего кумира и увидев, как он создает свои работы, она влюбилась в инфракрасный пейзаж. Тогда она знала, что это то, чем она хотела заниматься, но понятия не имела, куда в конечном итоге приведет это путешествие.

«В то время это было не просто инфракрасное излучение, это было его страстью, и это было то, как он помогал людям понять, что такое природа и что мы не должны ее разрушать. И та духовная магия, которая была в его фотографиях с инфракрасным излучением, — вот что я хотел сделать», — вспоминает Лори.

Как и памятники природы, которые он фотографировал, Ансель Адамс был больше, чем жизнь. Его щедрая, харизматичная личность могла осветить комнату, и это отразилось и на его учении. У него был дух добродушного ребенка, но он также был известен как перфекционист.

У Ансела Адамса было много разных качеств, но, прежде всего, его самой впечатляющей чертой была безмерная страсть ко всему, что он делал. Его страсть к земле была настолько сильна, что с возрастом он даже стал походить на нее.

«Мы сидели посреди Йосемити, и он разговаривал со мной один на один. У него были очень артритные пальцы», — вспоминает Лори. «Я просто помню, как он указывал пальцами на разные вещи, и как его тело выглядело так, будто оно было частью природы».

«Он был таким страстным человеком в техническом и художественном смысле, а также в отношении земли».

Техническое мастерство мастера фотографии

У технического мастера Ансела были свои правила.Технологии были важным компонентом его работы, и он придерживался мнения, что вы должны изучить правила фотографии, прежде чем сможете их нарушить.

Ансел Адамс имел возможность предварительно визуализировать свои изображения как в черно-белом, так и в инфракрасном диапазоне. Его культовый монолит , лицо полукупола изначально был снят с желтым фильтром, но это не дало точного изображения, которое он себе представлял. Затем он переделал фотографию, используя вместо этого красный фильтр, чтобы затемнить небо и подчеркнуть возвышающуюся скалу.

«Эта фотография представляет собой мою первую сознательную визуализацию; мысленным взором я увидел (с разумной полнотой) окончательное изображение, сделанное с красным фильтром…» — заявил Ансель. «Красный фильтр сделал то, что я ожидал».

Эта визуализация привела к разработке системы зон, его знаменитого и очень сложного метода измерения деталей в тенях и деталей в светах. Правильная экспозиция и сохранение как можно большего количества деталей были ключом к созданию исключительных изображений, которые он делал, наряду со знанием того, как передать свою любовь и страсть к пейзажу и своему искусству.

«Дело в том, что у вас отвисла челюсть, потому что там были все разные зоны, и это было так пышно», — говорит Лори. «Это было очень захватывающе».

Его неослабевающее увлечение техническим аспектом фотографии заставило Лори представить, как бы он отнесся к различным инструментам инфракрасной съемки и постобработки, доступным нам сейчас.

«Думаю, ему бы это до бесконечности понравилось», — говорит Лори. «Но я также думаю, что это никогда не будет компромиссом в технической части.

Поскольку Адамс был черно-белым фотографом, маловероятно, что он интересовался цветными инфракрасными фильтрами. Его работа в инфракрасном диапазоне была снята в основном с длиной волны 720 нм, но Лори считает, что ему бы очень хотелось поэкспериментировать со всем этим. Что наиболее важно, однако, он, безусловно, настоял бы на изучении всех правил новой технологии, прежде чем приступить к созданию своей собственной.

Пожалуй, музыка — самое выразительное из искусств. Тем не менее, как фотограф, я считаю, что творческая фотография, когда она практикуется с точки зрения присущих ей качеств, также может открывать бесконечные горизонты смысла.— Ансель Адамс

Во время семинара 1973 года Ансель велел своим ученикам ходить с пустыми вырезками слайдов, чтобы научить их обрамлению. Подавляющая красота природы, особенно в Йосемити, может сильно затруднить составление эффектного образа. Это упражнение помогло Лори понять ограничения и огромные возможности ее камеры.

«Я узнал от него, что кадрирование происходит в камере, а не кадрирование позже», — говорит Лори. «Люди делают это сейчас, это похоже на то, как вы делаете это, когда находитесь в поле? Когда вы получаете этот удар, когда вы получаете образ, когда вы чувствуете…

«Это сочетание видения и чувства.Вот где вы знаете, где обрезать. Потому что позже вы кадрируете в фотолаборатории или за компьютером, а ощущения нет».

Ансель часто говорил, что на вашей фотографии должно быть все по одной из двух причин: композиция или содержание. По его словам, если что-то не подпадало ни под одну из этих двух категорий, то этого не было на фотографии.

Фотография Лори Кляйн

Путешествие длиною в жизнь в фотографии

Помимо учебы с ним, Лори обнаружила, что различные этапы ее пути постоянно указывали на Ансела Адамса.После семинара Лори взяла урок истории фотографии у Бомонта Ньюхолла, известного историка фотографии и друга Ансела Адамса. Не зная, что делать дальше, она провела некоторое время на Западе. В конце концов, она вернулась на Восточное побережье, где устроилась преподавать старшеклассникам.

«Я поняла, что это было еще одно путешествие, которое вдохновило меня с Анселем, потому что он был так увлечен обучением и обменом информацией, системой зон и техническими аспектами», — говорит она.

Она решила поступить в аспирантуру, чтобы больше погрузиться в пейзажную фотографию.Она поступила в Университет Огайо, где у нее была возможность обучать студентов во время учебы.

«У меня было два замечательных учителя, оба фотографы природы, — говорит Лори. «Один из них учился с Майнором Уайтом и знал Анселя, так что снова это вернулось. Это был очень маленький мир. Гораздо меньше, чем сейчас. Всегда казалось, что есть связь с Анселем, с Майнором, с людьми, которыми я действительно восхищался».

«Неважно, чем вы в конечном итоге занимаетесь, у вас должна быть страсть.Вы также должны иметь визуальное мастерство. И он это сделал».

После окончания аспирантуры она вернулась в Коннектикут и продолжила преподавать.

«Я преподавала в колледже в Коннектикуте, и одна из моих учениц захотела научиться раскрашивать вручную», — говорит она. «Berol, которая является Prismacolor, жила в моем родном городе, и я поговорил с ними, и они захотели спонсировать меня. Инфракрасный свет является одним из лучших средств для ручной окраски, потому что вы вручную окрашиваете блики. А что такое инфракрасный? Это все основные моменты.

Со временем она открыла школу и собственную галерею. Она выставляла фотографии Ансела Адамса в своей галерее и учила тому, чему научилась у него в школе.

После развода ей стало трудно одновременно вести школу и галерею, будучи мамой-домохозяйкой, поэтому она начала заниматься свадебной фотографией. Лори знала, что в том, что она делала, нет ничего уникального. Она больше не хотела просто запечатлевать моменты на свадьбе; она хотела заниматься искусством.Именно тогда она начала создавать инфракрасные раскрашенные вручную изображения для своих клиентов.

«Работа стала настенным искусством для большинства людей», — говорит она. «Я был в журналах; Я на обложках книг. Все было основано на том, чему меня научил [Ансель]».

Если работы Ансела Адамса и учат нас как фотографов, так это тому, насколько важно понимать техническую сторону ремесла. Должны быть детали в тенях и детали в светах, даже в цифровом виде. Если на фотографии нет этих деталей, ваш глаз не может оставаться в этих местах.

«Его материал был настолько насыщенным, что в нем было так много нюансов, — говорит Лори. «Средние тона, черный… это как: «Боже мой, как ты это понимаешь? Как вы видите это в цветной сцене?» Он мог предварительно визуализировать цвет в черно-белый и инфракрасный. Абсолютно инфракрасный. И я также думаю, что именно поэтому он так хорошо работал с инфракрасным излучением, потому что у него была техническая часть. Потому что инфракрасное излучение во многом связано с техникой».

Живая дань уважения Анселу Адамсу

В то время как Ансель Адамс не занимался портретной съемкой, Лори Кляйн стала известна тем, что фотографировала женские формы на фоне пейзажа.Она разделяла страсть Анселя к пейзажу и научилась у него тому, как находить сцену. Оттуда она научилась размещать людей на сцене и находить взаимосвязь между людьми и пейзажем.

«Причина, по которой моя работа отличается от работ большинства людей в этом жанре, заключается в том, что пейзаж был самым важным, и тогда я знала, куда поместить людей», — говорит она. «Так что дело было не в людях, а затем я окружил их пейзажем. И это было полностью из-за него.И я все еще делаю это. Я до сих пор его преподаю и продолжаю говорить о нем, как могу, потому что считаю, что нам нужен наставник, даже если он наставник на расстоянии…

«Дело в том, что у него хороший состав и у него была страсть. Многие люди этого не делают, и они учатся у людей, которые этого не делают, и это нехорошо».

Фотография Лори Кляйн

Ансель Адамс, пожалуй, самый влиятельный фотограф, которого когда-либо видел этот мир. Его работа отвечает за сохранение многих из самых красивых уголков дикой природы в Америке.

Однако, кроме его наиболее известных произведений, большая часть других его работ осталась незамеченной для большинства публики. О его работах в инфракрасном диапазоне известно очень мало, даже в наш цифровой век, когда практически все можно найти в Интернете. Поскольку инфракрасная фотография была таким нишевым жанром, использование инфракрасного излучения Анселем в основном ограничивалось этим сообществом.

Кажется, что эта информация в значительной степени была утеряна веками; даже учреждения, наиболее осведомленные обо всем, что связано с Анселем Адамсом, незнакомы с его инфракрасной работой.Мы можем только надеяться, что всплеск инфракрасной фотографии в последние годы приведет к раскрытию большего количества информации в этой области его жизни.


Об авторе : Алексис Хартман — менеджер и писатель. Мнения, выраженные в этой статье, принадлежат исключительно автору.

Ансель Адамс | Widewalls

Ansel Адамс был культовым американским фотографом, известным своими монументальными черно-белыми снимками национальных парков и пейзажей. Отличающиеся необычайной ясностью и глубиной, его фотографии являются одними из самых узнаваемых изображений в мире , широко перепечатанными в многочисленных журналах, журналах и на обоях. Как защитник окружающей среды Ансель Адамс использовал свои изображения, чтобы вербовать и вдохновлять людей на экологическую активность и сохранение природы и дикой природы. В основном он фотографировал природу американского Запада, Гранд-Каньон в Аризоне и свой любимый Йосемитский национальный парк . Адамс был членом группы f/64 , ассоциации американских фотографов, которые делали детализированные и реалистичные работы.


Ансель Адамс — Вечер, озеро Макдональд, Национальный парк Глейшер (слева), 1942 год / Восход луны, Эрнандес, Нью-Мексико (справа), 1941 год

Ранние годы, юность и землетрясение, которое скосило нос

Ансел Адамс родился в Сан-Франциско в 1902 году в богатой семье среднего класса. Он был единственным ребенком, и его родители продолжали работать в лесопилке, которую унаследовал его отец. В 1906 году юный Ансель Адамс пережил сильное землетрясение, к счастью, у него остались лишь несколько царапин и кривой нос, что позже стало его личной очаровательной чертой.Он вырос в доме возле Золотых ворот. Его семья изо всех сил пыталась поддерживать определенный образ жизни, к которому они привыкли. У Адамса были няня и частный репетитор. Его родители верили в традиционное воспитание и были довольно сдержанными и эмоционально ограниченными. Кривой нос был для него признаком индивидуальности и в сочетании с его консервативным воспитанием и природной застенчивостью мешал ему адаптироваться. Наряду с сентиментальными причудами у него также была дислексия, и это было основной причиной, по которой отец забрал его из школы. школе и занимался с ним дома.С раннего возраста Адамс проявлял большой интерес к проведению времени на свежем воздухе. Учитывая, что он обучался на дому, он почти каждый день проводил на улице, путешествуя пешком и совершая длительные прогулки на природе, глядя на песчаные дюны Золотых Ворот. Его энтузиазм и интеллект зажгли артистическую искру, и когда ему было двенадцать лет, он начал играть на фортепиано. Сначала он был самоучкой, позже занимался с репетитором. До восемнадцати лет он считал себя пианистом, музыкантом, но позже сменил музыкальную карьеру на фотографию.

Адамс предпочитал чистую, прямую технику, которая требовала прозрачных линз и хороших инструментов
Ансель Адамс фотографирует в парке Йосемити

Мастер современной фотографии

Поняв, что упорный труд и самодисциплина могут воплотить мечты в жизнь, он начал немного больше заниматься своим хобби. Первой камерой, которую он использовал, была Kodak No. 1 Box Brownie, а первым пейзажем, который он сфотографировал, была Йосемитская долина . Это было его любимое место в стране, и вскоре после прекращения музыкальной карьеры он познакомился с влиятельными людьми, которые оказались владельцами жилых комплексов в Йосемити и основателями самого раннего движения за защиту окружающей среды в Америке.Клуб, в который он вступил, когда подружился с этими солидными людьми, назывался Sierra Club , и в 1922 году он опубликовал свои первые фотографии в их журнале. Его первая выставка также состоялась под эгидой Sierra Club в 1928 году. Самая большая перемена в его жизни произошла, когда он встретил фотографа Пола Стрэнда, чей стиль был более реалистичным и ясным, чем живописный стиль, который предпочитал Адамс в то время. Он переключился на чистую прямую технику, которая требовала метода прозрачных линз.Приняв разные способы, он также научился овладевать навыками, необходимыми в темной комнате. В 1932 году он присоединился к группе f / 64 , которую он частично перепутал с коллегой и коллегой-художником Эдвардом Уэстоном. Группа просуществовала недолго, но их влияние в то время было огромным. После коллективной выставки прямой фотографии Адамс провел свою первую персональную музейную выставку. Его любовь к Йосемити была связана не только с природой, он встретил там свою прекрасную жену, Вирджинию Бест, которая также была фотографом.Она унаследовала фотостудию Best от своего отца, и они с Адамсом продолжали там работать.

Философия искусства Адамса вдохновила многих современных художников
Ансель Адамс – Тетоны и река Снейк, 1942 г.

Философия искусства, ремесел, культовых образов и система зон

У него был своеобразный подход к довольно общей философии искусства. Он почти религиозно проповедовал, что настоящий художник должен открывать красоту в мире, знакома эта красота или неизвестна.После открытия необходимо сделать качественное фото, а затем поделиться красотой. Когда люди смотрят на чудеса природы или на красоту простого весеннего дождя, их сердца и умы почти мгновенно находят вдохновение для следующего творения или просто для удовольствия. Целью Адамса было вызвать эти чувства у других. Его самая сложная и известная работа — это снимок The Tetons and the Snake River , сделанный в 1942 году в национальном парке Гранд-Титон на северо-западе штата Вайоминг.Подобно другим шедеврам Анселя, это масштабное монохроматическое изображение отображает любовь художника к красоте, гармонии и природе . Хорошо сформированное изображение подчеркивает великолепную интуицию Адамса в сборке сцен и прекрасное чувство чего-то более высокого, изображая поворотную реку Снейк на фоне горного хребта Тетон. Адамс также постоянно работал над совершенствованием своих технических знаний. Зональная система, разработанная Анселем Адамсом и Фредом Арчером, коллегой-фотографом, известным своими портретами голливудских кинозвезд, представляет собой метод определения правильной экспозиции в различных условиях работы, начиная с самых сложных условий освещения, таких как контровое освещение, абсолютная разница между светом и т. и теневые области сцены, а также многие сопутствующие условия.Основываясь на постулатах сенситометрии, Zone System работает таким образом, что делит сцену на 10 зон по тональной шкале. Хотя расчеты в основном проводились для черно-белой листовой пленки, этот метод также можно использовать для цветной рулонной пленки и даже для цифровой фотографии.

Все изображения © Ansel Adams

8 уроков, которым Ансель Адамс может научить вас о фотографии

Ансель Адамс — один из титанов истории фотографии.Когда я начинал как фотограф, меня в первую очередь интересовала пейзажная фотография. Я изучал и потреблял работу Адамса.

Что меня больше всего привлекло в его работах, так это минимализм, дзен и ощущение спокойствия от его фотографий. Я рано узнал, что Ансел Адамс не просто «делал» фотографии — он «создавал» свои фотографии благодаря своей обширной работе в темной комнате.

Кроме того, от него я стала больше ценить природу. Всю свою жизнь он агитировал в поддержку дикой природы — политически и с помощью своих фотографий.

В Интернете есть много подробных биографий Ансела Адамса, поэтому я не буду здесь слишком много рассказывать о его истории или прошлом. Вместо этого я хотел посвятить этот пост практическим советам и урокам, которые я извлек из него, и тому, как я применил эти теории к своей личной фотографии.

Даже если вы не фотограф-пейзажист, личная философия Анселя Адамса может помочь вам во всех жанрах фотографии и в жизни.

1. «Вы не фотографируете, вы делаете это»

Ансел Адамс известен своей «системой зон» — сложным методом передачи «идеального» монохроматического отпечатка.

Он был известен тем, что сказал, что вы не просто «делаете» фотографии — вы «делаете» фотографии.

Он рассматривал фотографию как вид искусства. Щелчка затвора было недостаточно, чтобы сделать изображение. Также приходилось проводить время в фотолаборатории, чтобы воплотить в жизнь увиденное и прочувствованное в реальной жизни.

Поэтому Ансель Адамс провел бессчетное количество часов в фотолаборатории, всегда пытаясь сделать «идеальный» отпечаток.

Пункт выдачи:

Я также считаю, что то же самое и в нашей фотографии — щелчка затвора недостаточно.Нам нужно использовать методы постобработки, чтобы создать определенную эстетику, настроение и эмоции на наших фотографиях.

Однако есть тонкая грань. Многие современные фотографы проводят слишком много времени в «цифровой фотолаборатории» и пытаются отшлифовать какашки до произведений искусства. Независимо от того, насколько хороши ваши методы постобработки, если ваши фотографии не очень хороши с самого начала, они не станут лучше.

Дерьмо в, дерьмо.

Однако это не означает, что вы вообще не должны обрабатывать фотографии.Распространенное заблуждение в фотографии (особенно среди новичков) заключается в том, что постобработка ваших фотографий каким-то образом является «читерством».

Я думаю, что у всех нас, как у фотографов, есть определенное видение фотографий, которые мы хотели бы сделать. Попробуйте предварительно визуализировать фотографии, которые вы хотите сделать , до того, как вы их сделаете. После этого приложите все усилия, чтобы «сделать» свои фотографии.

2. Знай, где стоять

«Хорошая фотография — это знать, где стоять». – Ансель Адамс

В пейзажной фотографии положение решает все.То, где вы находитесь по отношению к вашему пейзажу, будет определять вашу перспективу, настроение фотографии, а также композицию.

Я знаю, что некоторые из самых выдающихся фотографов-пейзажистов отправятся в поход с 50-фунтовым снаряжением, просто чтобы получить наилучшую позицию. Они будут использовать широкоугольные объективы и отправятся в места, куда никто другой не осмелится отправиться.

То же самое относится к любой форме фотографии.

В уличной фотографии можно выделить две вещи (кредит Дэвида Херна из Magnum):

  1. Где стоять
  2. Когда щелкнуть затвор

Не ленись, когда стреляешь.Уметь двигать ногами. А вместо зум-объективов я рекомендую использовать «ножной зум».

Перемещая ноги и занимая лучшее положение, вы будете создавать более уникальные и креативные образы. Не только это, но и тренируйтесь приседать, двигаясь влево, вправо, а иногда даже на цыпочках. Попробуйте прогуляться, чтобы получить очень высокие перспективы, и иногда лягте на живот или спину, чтобы получить очень низкие перспективы.

3. Сфотографируйте, как это ощущается (а не как выглядит)

Восход луны, Эрнандес, Нью-Мексико / Ансель Адамс

Как фотографы, мы забываем, что искусство больше связано с эмоциями, которые оно вызывает у зрителя, а не с тем, как оно выглядит.

В фотографии легко забыть об этом моменте. Почему? Камера известна тем, что является наиболее наглядной формой создания изображений.

Однако, если мы хотим сделать более эффектные изображения, мы должны сосредоточиться на том, чтобы фотографировать то, как сцена воспринимается, а не то, как она выглядит. Ансель Адамс рассказывает, почему он решил сфотографировать свой знаменитый снимок «Восход луны, Эрнандес, Нью-Мексико» на очень темном небе:

«В моем «Восходе луны, Эрнандес, Нью-Мексико» есть эмоции и ощущение, которые создал во мне опыт наблюдения за настоящим восходом луны, но это совсем не реалистично.Если просто щелкнуть камерой и сделать простой отпечаток с негатива, получится совершенно другая — и обычная — фотография. Люди спрашивали меня, почему небо такое темное, думая в буквальном смысле. Но темное небо было таким, каким оно было ». – Ансель Адамс

Пункт выдачи:

Что касается вашей фотографии, какие эмоции вы пытаетесь вызвать у зрителя? Вы пытаетесь показать им красоту, грусть, меланхолию, волнение или страдание на своих фотографиях? Какие чувства у вас вызывают ваши фотографии? С каким чувством вы хотите, чтобы ваш зритель ушел?

Мы можем создать определенную эмоцию или чувство на наших фотографиях с помощью различных методов и техник.Если мы фотографируем пейзажи, мы должны искать свет, туман, дым, туман или другие природные красоты. И то, как мы впоследствии обработаем наши фотографии, резко изменит эмоции.

Если вы снимаете людей или на улицах, обратите внимание на язык тела, зрительный контакт или жесты рук.

Наконец, стреляйте сердцем. Когда вы находитесь на улице, не думайте только о композиции и кадрировании. Фото со своими эмоциями и всей душой. Таким образом, вы сможете лучше передать свои чувства через фотографии.

4. Предварительно визуализируйте свои фотографии

Исходя из предыдущего пункта, Ансель Адамс всегда пытается предварительно визуализировать свои фотографии. Он не только смотрит на то, что его объект находится перед ним, но и пытается предварительно визуализировать, как будет выглядеть финальное фото.

Энсел Адамс также рассказывает, что если он предварительно визуализирует что-то захватывающее, из него может получиться хорошая фотография:

« В моем воображении я визуализирую, как конкретное откровение зрения и чувства появится на отпечатке .Если я смотрю на вас, я могу продолжать видеть вас как личность, но у меня также есть привычка переходить от этого сознательного пространственного присутствия к фотографии, соотнося вас в вашем окружении с образом в моем сознании. Если то, что я вижу в своем воображении, волнует меня, есть большая вероятность, что из него получится хорошая фотография . Это интуитивное чувство, а также способность, которая приходит с большой практикой. Некоторые люди никогда не могут получить это». – Ансель Адамс

Пункт выдачи:

Мы все сталкивались с этим, особенно когда начинали заниматься фотографией: мы видим волнующую нас сцену и нажимаем кнопку спуска затвора.Мы смотрим на наш ЖК-экран и сильно разочаровываемся. То, что мы видели на нашем ЖК-экране, не соответствовало тому, что мы видели в реальной жизни.

Чтобы стать лучшим фотографом, нужно лучше передать то, что вы видите в реальной жизни, и отразить это на фотографии.

Это происходит путем улучшения вашей композиции, понимания ваших технических настроек, понимания вашей камеры, а также знания того, где стоять, когда нажимать и как выполнять пост-обработку ваших фотографий.

Интуиция в фотографии приходит с большой практикой.Чем больше изображений вы снимаете, чем больше вы изучаете их постфактум, получаете отзывы и критику от своих коллег, тем больше вы усваиваете предварительную визуализацию и выясняете, как вы хотите, чтобы ваши окончательные изображения выглядели и ощущались.

5. Не обращайте внимания на критику

Даже у такого авторитетного человека, как Ансель Адамс, при жизни были критики и «ненавистники». С большим успехом приходит больше зависти и больше негативной критики со стороны других.

Как Ансел Адамс справился со своими критиками? Он их просто проигнорировал:

«Критики никогда не довольны тем, что завоевывает популярность. Некоторые говорят, что я просто фотограф открыток. Я даже не отвечаю им . Другие зашли слишком далеко и дали моим работам всевозможные мистические интерпретации. Очень мало критиков, которые поняли мою работу или оценили ее справедливо».

Адамс продолжает, рассказывая о том, насколько поверхностными могут быть критики и насколько они нелепы:

«Как правило, критики ни в чем не разбираются; они поверхностны.На самом деле это не имеет значения. Художественные критики в большинстве своем представляют собой нелепую кучку. В целом, я полагаю, что меня уважают критики и другие фотографы, но я также раздражаю многих молодых людей. Совершенно естественно, что они выступают против того, что они считают моими консервативными представлениями о фотографии».

Пункт выдачи:

Несмотря ни на что, вы никогда не сможете угодить своей фотографии на 100% своей аудитории. На самом деле, я думаю, что стать великим художником значит не идти на компромисс со своим видением.Чем более новаторским вы будете в своей фотографии, тем больше людей вы будете сбивать с толку, расстраивать и отталкивать.

Все это часть фотографического процесса и поиск собственного голоса в фотографии.

Если вы начинаете получать негативную критику от других, считайте это признаком успеха. В конце концов, если вы никто, никто и никогда не будет критиковать вашу работу (даже ваша мама).

6. По технике и фотографии

Больше всего меня поразило то, насколько Ансел Адамс был взволнован будущим фотографии, особенно ее технологической стороной.

Часто я (и мои друзья-хипстеры) романтизирую прошлое фотографии. Мы одержимы старыми технологиями, съемкой на пленку и печатью в фотолаборатории.

Однако даже Ансель Адамс (мастер фотолаборатории) был в восторге от будущих цифровых технологий. Он поделился своим мнением о том, что цифровая фотография улучшит изображения, а также даст еще лучшие результаты:

«Электронная фотография скоро превзойдет все, что у нас есть сейчас. Первым продвижением будет исследование существующих негативов.Я считаю, что электронные процессы улучшат их. Я мог получать превосходные отпечатки со своих негативов, используя электронику. Потом придет время, когда вы сможете сделать всю фотографию в электронном виде. С чрезвычайно высоким разрешением и огромным контролем, который вы можете получить с помощью электроники, результаты будут фантастическими. Хотел бы я снова быть молодым!»

Нам повезло, что в настоящее время мы живем с цифровыми технологиями. Я уверен, что если бы Ансель Адамс все еще существовал сегодня, он бы использовал лучшие технологии, которые мог себе позволить.

Ансель Адамс также (правильно) предсказывает будущее фотографии:

«Для меня будущее изображения будет в электронной форме. Вы увидите совершенно красивые изображения на электронном экране. И я бы сказал, что это было бы очень красиво. Они будут почти такими же близкими, как лучшие репродукции».

Пункт выдачи:

В настоящее время вы живете в лучшем поколении для фотографии. У нас есть доступ к удивительным цифровым технологиям, которые могут помочь нам создать тот образ, который мы хотим.У нас есть мощные компьютеры, смартфоны и камеры, которые расширяют наши возможности.

Мы можем поделиться своими фотографиями с миллионами (или даже миллиардами) людей по всему миру. Вместо того, чтобы желать, чтобы мы родились в другом веке, давайте будем благодарны за то, что у нас есть, и сделаем все возможное из того, что можем.

7. О музыке и фотографии

Что меня больше всего интересует в Анселе Адамсе, так это его любовь к музыке. Изначально его целью в жизни было стать классическим пианистом, но вместо этого он решил заняться фотографией.Ансел Адамс рассказывает, как он впервые заинтересовался фотографией:

«В 1930 году я был в Таосе, и Пол Стрэнд показал мне свои негативы. Они были такими великолепными, они подтвердили мое желание, и я сказал: «Вот и все». Я хочу быть фотографом». Некоторые друзья сказали: «О, не бросай музыку. Камера не может выразить человеческую душу». Единственный аргумент, который у меня был для этого, заключался в том, что, может быть, камера не может, но я мог бы попробовать через камеру».

Несмотря на негативные отзывы друзей, он все равно решил заняться фотографией.И, кроме того, изучение музыки дало ему дисциплину в фотографии:

«В любом случае, это сработало. У меня как будто был глаз, и все прошло очень гладко. У меня не было проблем со взломом. Я прогрессировал. Изучение музыки дало мне прекрасную основу для изучения фотографии . Я был бы настоящим Неряшливым Джо, если бы у меня не было этого. Поэтому, прежде чем я узнал об этом, я сделал несколько работ и начал добиваться успеха. И вот я».

Энсел Адамс также рассказывает о том, как музыка привила ему невероятную трудовую этику:

«Ну, в музыке у вас есть эта абсолютно необходимая дисциплина с самого начала.И вы конструируете различные формы и контролирующие значения. Ваши записи должны быть точными, иначе играть бесполезно. Случайного приближения не бывает».

Пункт выдачи:

Жизнь часто принимает неожиданные повороты. Мы начинаем колледж, думая, что станем врачом, а заканчиваем тем, что изучаем социологию и становимся фотографами. Иногда мы занимаемся каким-то видом искусства и в конце концов открываем для себя другую форму искусства.

Возьмите свой прошлый опыт, увлечения и хобби и объедините их со своей фотографией.

Как ваше увлечение ремонтом автомобилей может изменить ваш подход к фотографии? Как ваш опыт в театре, танцах, музыке или скульптуре может повлиять на вашу фотографию?

Как ваша личность, прошлая учеба в университете или жизненный опыт могут повлиять, мотивировать или сделать вашу фотографию более творческой?

Часто это называют «перекрёстным опылением» — взять два разных направления искусства, объединить их и создать нечто совершенно уникальное.

Это то, что сделал Ансель Адамс, и это можете сделать и вы.

8. Сделайте фотографии похожими на фотографии

Фотографы пытались сделать свои фотографии похожими на картины. Они использовали мягкий фокус, рассеянный свет и текстурированную бумагу. Они назвали это «пикториализмом».

Ансел Адамс и «группа f/64» восстали против этого представления. Ансель Адамс описывает ниже, в чем заключалась миссия «группы f/64» и насколько она была революционной:

«Это была преданность прямому принту, бумажным поверхностям без текстур, которые бы конфликтовали с текстурой изображения.Это была вера в резкость всей фотографии. Хорошее ремесло, одним словом. F/64 — это небольшая диафрагма камеры, обеспечивающая большую глубину резкости и резкость. Это была концентрация на образах, которые не были сентиментальными или аллегорическими».

Адамс продолжает рассказ о том, как рабочая философия «группы f/64» была «анти-пикториализмом»:

«Это была реакция, сильная реакция на фотохудожников, которые работали изо всех сил, чтобы фотография выглядела чем угодно, только не фотографией.Пытаясь проявить творческий подход, они ретушировали и рассеивали изображения. Отвратительные вещи! Это были те, кого Уэстон называл пушистиками. Они выйдут на улицу и найдут какого-нибудь старого бомжа с спутанной бородой, достанут табличку со шрифтом Брайля и заставят старика положить пальцы на шрифт Брайля. Его усаживали в старое кресло, и он смотрел сквозь облако сигаретного дыма, освещенное прожектором. Название будет «Мои глаза видели славу». Это должно было быть сделано тысячу раз.Были и слизистые обнаженные тела. Эти фотографии были ужасно надуманными, поверхностными работами, ужасным настроением — просто ужасными вещами, в которых полностью отсутствовала творческая напряженность, то самое, что нас так волновало».

Ансель Адамс и его группа пытались создать фотографии, которые выглядели бы как фотографии. Фотографии без каких-либо ухищрений. То, что они называли «прямыми» изображениями — фотографии, которые были прямыми.

Они будут использовать острые линзы вместо линз с мягким фокусом. Они верили в осветление и затемнение своих фотографий (увеличение контраста или яркости в определенных областях), но не настолько, чтобы это делало фотографию слишком «мечтательной».

Пункт выдачи:

Одним из великих достижений группы f/64 и Анселя Адамса является то, что они сделали фотографию приемлемой.

Во времена Ансела Адамса фотография не считалась «настоящим» видом искусства. Это было зарезервировано только для художников.

Поэтому, когда фотографы начинали, они хотели, чтобы их фотографии воспринимались как «искусство» — и поэтому пытались сделать свои фотографии похожими на картины. Или пытались сделать их фотографии , а не похожими на фотографии.

К счастью, мы живем во времена, когда фотография (наконец-то) признана «настоящим» искусством (по крайней мере, в большинстве художественных кругов). У нас есть музеи, галереи и школы, посвященные фотографии.

Я думаю, главный вывод заключается в том, что мы должны быть благодарны за фотографию — за то, что она есть, вместо того, чтобы желать того, чем она не была.

Не проводите аналогии фотографии с другими видами искусства и не говорите, что она «лучше» или «низше» в определенных отношениях. Фотография – это то, что есть. Относитесь к этому как к отдельной форме искусства.

И будем благодарны за великую честь фотографировать.

Заключение

Ансель Адамс и его камера

Ансель Адамс вновь укрепил мою веру в цифровую фотографию и в то, как новые технологии помогли нам в фотографии. Кроме того, он научил меня тому, как важно предварительно визуализировать, прежде чем делать фотографии, а не просто делать случайные снимки.

Ансель Адамс также научил меня снимать сердцем и эмоциями, а не просто фотографировать, как что-то выглядит, но как это ощущается.

Ансель Адамс — один из самых известных фотографов в истории, и он останется им. Он дожил до 80 лет и всю жизнь жил творческой жизнью. Хотя он и добился коммерческого успеха, в жизни он пришел гораздо позже.

Его страстью было делать фотографии, демонстрирующие красоту природы, информировать других о важности сохранения природы и посвятить свою жизнь созданию самых красивых отпечатков.

Его философия и образы могут вдохновить всех нас, независимо от того, в каком жанре фотографии мы снимаем.

Спасибо за ваши прекрасные изображения, Ансель, и за ваше наследие.

Интервью с Анселом Адамсом

Учитесь у мастеров фотографии

Если вы все еще голодны учитесь у всех мастеров фотографии >

75 Цитаты Анселя Адамса для лучшей пейзажной фотографии

Ищете лучшие цитаты Анселя Адамса? Тогда вы пришли в нужное место. Ниже мы составили список из 75 цитат и высказываний мастера пейзажной фотографии, собранных из книг, интервью и документальных фильмов на протяжении многих лет.

Если вам понравилась эта статья или она оказалась полезной, мы будем признательны, если вы поделитесь ею с другими фотографами.

Если вы поклонник Анселя Адамса и пейзажной фотографии, мы также рекомендуем ознакомиться с нашей статьей «Цитаты о природе и пейзажной фотографии».

Ansel Adams Quotes

Фотография — это больше, чем просто средство фактической передачи идей. Это творческое искусство.

Фотография как мощное средство выражения и коммуникации предлагает бесконечное разнообразие восприятия, интерпретации и исполнения.

На фотографию обычно смотрят, но редко.

Не все верят картинам, но люди верят фотографиям.

Я не знаю никого, кому нужен критик, чтобы понять, что такое искусство.

Фотографировать правдиво и эффективно — значит видеть под поверхностью и фиксировать качества природы и человечества, которые живут или скрыты во всех вещах.

Фотография – это исследование как внешнего, так и внутреннего мира.Первый опыт работы с камерой предполагает взгляд на мир за пределами объектива, уверенность в том, что инструмент «схватит» что-то «увиденное». Термины «снять» и «снять» не случайны; они представляют отношение завоевания и присвоения. Только когда фотограф перерастает в восприятие и творческий порыв, термин определяет состояние сопереживания между внешним и внутренним событиями.

Я считаю, что фотография — это инструмент для выражения нашей позитивной оценки мира.Инструмент для обретения абсолютного счастья и веры.

Я, наверное, боюсь, что некоторые зрители не поймут мою фотографию, поэтому я продолжаю делать ее действительно менее понятной, пишу о ней в оправдание.

Мы должны помнить, что фотография может вместить ровно столько, сколько мы в нее вложили, и никто никогда не использовал все возможности носителя.

Фотография как мощное средство выражения и коммуникации предлагает бесконечное разнообразие восприятия, интерпретации и исполнения.

Когда слова станут непонятны, я сфокусируюсь на фотографиях. Когда образы станут неадекватными, я буду довольствоваться тишиной.

Ансель Адамс о том, что делает фотографию отличной

Для хороших фотографий нет правил, есть только хорошие фотографии.

Фотография — это больше, чем средство для фактической передачи идей. Это творческое искусство.

На жалобу «На этих фотографиях нет людей» я отвечаю: «Всегда есть два человека: фотограф и зритель.”

Великолепная фотография — это фотография, которая полностью выражает то, что человек чувствует, в самом глубоком смысле, по поводу того, что фотографируется.

Строго говоря, фотография никогда не может быть абстрактной, ибо камера не способна к синтетической интеграции.

Фотография – это не случайность, это концепт. Он существует в момент или до момента экспонирования негатива.

Я вообще не могу выразить словами внутренний смысл картинок.Некоторые из моих друзей могут на очень мистическом уровне, но я предпочитаю говорить, что если я что-то сильно почувствую, я сделаю фотографию, которая будет эквивалентна тому, что я видел и чувствовал.

Я могу смотреть на художественную фотографию и иногда слышать музыку.

Фотография — это инструмент любви и откровения, который должен заглянуть под поверхность и зафиксировать качества природы и человечества, живущие во всех вещах.

(Искусство) — это как получение, так и дарение красоты; выворачивание на свет внутренних складок сознания духа.Это воссоздание на другом плане реальностей мира; трагические и чудесные реальности земли и людей и всех их взаимосвязей.

Я знаю некоторые фотографии, которые экстраординарны по своей силе и убедительности, но в фотографии трудно преодолеть поверхностную силу или сюжет; концепция и утверждение должны быть достаточно убедительны сами по себе, чтобы победить в драматической и неотразимой предметной ситуации.

Великолепная фотография — это полное выражение того, что человек думает о том, что сфотографировано, в самом глубоком смысле, и, таким образом, это истинное выражение того, что вы думаете о жизни во всей ее полноте.

Фотографировать правдиво и эффективно — значит видеть под поверхностью и фиксировать качества природы и человечества, которые живут или скрыты во всех вещах.

Впечатлений недостаточно. Дизайн, стиль, техника — этого тоже недостаточно. Искусство должно идти дальше впечатления или самораскрытия. Искусство, говорил Альфред Штиглиц, есть утверждение жизни. А жизнь, или ее вечное свидетельство, повсюду.

Некоторые фотографы воспринимают реальность так же, как скульпторы берут дерево и камень и навязывают им господство своей мысли и духа.Другие более нежно подходят к реальности, и фотография для них — инструмент любви и возвышения.

Настоящую фотографию не нужно объяснять, ее нельзя передать словами.

Уроки пейзажной фотографии

Хороший фотограф знает, где стоять.

Плохая погода способствует хорошей фотографии.

Фотографируйте не только то, что видите, но и то, что чувствуете.

На некоторых фотографиях преобладает сущность света и пространства; в других — субстанция камня и дерева и светящаяся настойчивость растущих вещей.

Благодаря мудрости, накопленной с течением времени, я обнаружил, что любой опыт — это форма исследования.

Блокнот. Ни один фотограф не должен быть без него.

Акцент на технике оправдан лишь постольку, поскольку он упростит и прояснит изложение концепции фотографа.

Визуализировать изображение (полностью или частично) означает ясно видеть в уме до экспонирования непрерывную проекцию от составления изображения до окончательного отпечатка.

Я часто думал, что если бы фотография была трудной задачей в прямом смысле этого слова — имея в виду, что создание простой фотографии требует столько же времени и усилий, как создание хорошей акварели или гравюры, — значительное улучшение общего объема производства. Абсолютная легкость, с которой мы можем создать поверхностный образ, часто приводит к творческой катастрофе.

Я обычно сразу узнаю потенциальный образ, и я обнаружил, что слишком много внимания к таким вопросам, как общепринятая композиция, может ослабить первую инклюзивную реакцию.

«Пулеметный» подход к фотографии, при котором делается много негативов в надежде, что один из них будет хорошим, губителен для серьезных результатов.

Вы не фотографируете, вы делаете.

Пейзажная фотография — это высшее испытание для фотографа, а часто и величайшее разочарование.

Двенадцать значимых фотографий за один год — хороший урожай.

Адамс о поиске объекта

Я никогда не знаю заранее, что буду фотографировать.Я выхожу в мир и надеюсь, что наткнусь на что-то, что меня обязательно заинтересует. Я пристрастился к найденному объекту. Я не сомневаюсь, что буду продолжать фотографировать до последнего вздоха.

Иногда я попадаю в места как раз тогда, когда Бог готов, чтобы кто-то щелкнул затвором.

Когда я буду готов сделать фотографию. Я думаю, что совершенно очевидно вижу перед своим мысленным взором что-то, чего нет буквально в истинном значении этого слова.Меня интересует то, что создается изнутри, а не просто извлекается извне.

Я уверен, что следующим шагом будет электронное изображение, и я надеюсь, что доживу до него. Я верю, что творческий взгляд будет продолжать функционировать, какие бы технологические инновации ни развивались.

Просто посмотрите проницательным взглядом на окружающий вас мир и доверьтесь своим реакциям и убеждениям. Спросите себя: «Эта тема побуждает меня чувствовать, думать и мечтать? Могу ли я визуализировать отпечаток — мое личное заявление о том, что я чувствую и хочу передать — от предмета передо мной?

Мысленным взором я представляю, как на отпечатке появится то или иное… зрелище и ощущение.Если меня это волнует, есть большая вероятность, что получится хорошая фотография. Это интуитивное чувство, способность, которая приходит с большой практикой.

Помните: каждое совпадение потенциально значимо. От того, насколько высок ваш уровень осознания, зависит, сколько смысла вы извлекаете из своего мира. Фотография может научить вас повышать уровень осознания.

Штиглиц никогда бы не сказал, что одни объекты мира более или менее прекрасны, чем другие — телеграфные столбы, например, по сравнению с дубами.Он принял бы их такими, какие они есть, и использовал бы наиболее подходящие объекты, чтобы выразить свои мысли и передать свое видение.

Ни один человек не имеет права диктовать, что другие люди должны воспринимать, создавать или производить, но всех следует поощрять к раскрытию себя, своих восприятий и эмоций и укреплению доверия к творческому духу.

Нет ничего хуже четкого изображения размытого понятия.

Я знаю важность хорошо обученного осознания «моментов» и мгновенной и интуитивной реакции фотографа.Всем должно быть очевидно, что фотографы, чьи изображения обладают характером и качеством, достигли их только благодаря постоянной практике и полной преданности своему делу.

Ансель Адамс Цитаты о природе

Я намерен представить посредством фотографии интуитивные наблюдения за миром природы, которые могут иметь значение для зрителей.

В природе нет форм. Природа — это обширная, хаотичная коллекция форм. Вы как художник создаете конфигурации из хаоса.Вы делаете официальное заявление там, где его изначально не было. Все искусство — это сочетание внешнего события и внутреннего события… Я делаю фотографию, чтобы дать вам эквивалент того, что я чувствовал. Эквивалент по-прежнему лучшее слово.

Каким бы искушенным вы ни были, нельзя отрицать большую гранитную гору — она безмолвно говорит с самой сердцевиной вашего существа.

В выразительной фотографии можно раскрыть как величественные, так и сокровенные аспекты природы.

Оба могут вызывать непреходящие утверждения и открытия и, несомненно, могут помочь зрителю в его поиске отождествления с огромным миром природной красоты и чудес, окружающим его.

Мифы и верования — это героическая борьба за постижение истины в мире.

Как рыбак зависит от рек, озер и морей, а фермер от земли в своем существовании, так и человечество в целом зависит от красоты окружающего мира в своем духовном и эмоциональном существовании.

Йосемитская долина для меня всегда восход солнца, мерцание зеленого и золотого чуда в огромном здании из камня и пространства.

Ужасно, что нам приходится бороться с собственным правительством, чтобы спасти окружающую среду.

Давайте оставим нашим детям прекрасное наследие. Обратимся к ним и скажем: это вы наследуете: храните его хорошенько, ибо оно гораздо дороже денег. Уничтоженная красота природы не может быть возвращена ни за какие деньги.

Я верю, что мир непостижимо прекрасен – бесконечная перспектива волшебства и чудес.

Фотолаборатория и типография

Негатив сравним с партитурой композитора, а оттиск с его исполнением. Каждое выступление отличается тонкими способами.

Эти люди снова живут в печати так же интенсивно, как шестьдесят лет назад, когда их образы запечатлевались на старых высохших пластинах… Я хожу по их переулкам, стою в их комнатах, сараях и мастерских, заглядываю в их окна и выглядываю из них. .Любые они в свою очередь, кажется, знают обо мне.

Осветление и затемнение — это шаги, которые помогут исправить ошибки, допущенные Богом при установлении тональных отношений.

Я ожидаю удалиться в мелкозернистый рай, где температура всегда постоянна, где образы скользят перед глазами в непрерывном каскаде форм и значений.

Все, что я могу сделать в своем письме, это стимулировать определенные мысли, пояснить некоторые технические факты и датировать свою работу.Но когда я проповедую резкость, яркость, масштаб и т. д., я просто произношу слова, потому что никакие слова не могут в действительности описать те термины и качества, которые необходимы для фактической печати, чтобы сказать: «Вот оно».

Черно-белая фотография

Наша жизнь временами кажется исследованием контрастов… любовь и ненависть, рождение и смерть, правильное и неправильное… все, что мы видим в абсолютном черном и белом. Слишком часто мы не осознаем, что именно оттенки серого добавляют глубины и смысла резкости этих крайностей.

На цветной фотографии человек видит иначе, чем на черно-белой… Короче говоря, визуализация должна быть модифицирована спецификой используемого оборудования и материалов.

Ансель Адамс Цитаты на камеру

Жизнь — это твое искусство. Открытое, осознанное сердце — это ваша камера. Единство с вашим миром — это ваш фильм. Твои сияющие глаза и легкая улыбка — твой музей.

Инструментом является фотограф, а не камера.

Жизнь — это твое искусство. Открытое, осознанное сердце — это ваша камера. Единство с вашим миром — это ваш фильм. Твои сияющие глаза и легкая улыбка — твой музей.

Я всегда удивляюсь, когда вижу несколько камер, кучу объективов, фильтров, измерителей и т.д., тарахтящих в мягком мешке с кучей мусора и пыли. Иногда профессионал — худший преступник!

Камера [35 мм] предназначена для жизни и для людей, стремительных и напряженных моментов жизни.

Просто фотоаппаратом не сфотографируешь. Вы привносите в акт фотографии все фотографии, которые вы видели, книги, которые вы читали, музыку, которую вы слышали, людей, которых вы любили.

Самым важным компонентом камеры являются двенадцать дюймов позади нее.

Какая ваша любимая цитата Ансела Адамса?

У вас есть любимая цитата Ансела Адамса из списка? Дайте нам знать в разделе комментариев ниже.

Не забудьте добавить эту страницу в закладки или распечатать ее и обращаться к ней в следующий раз, когда вам понадобится вдохновение.Кроме того, не забудьте поделиться им с другими через обычные каналы (социальные сети, форумы, веб-сайты и т. д.).

Если вы хотите узнать больше об Анселе Адамсе и его легендарных фотографиях, посетите веб-сайт галереи Ансела Адамса.

Хотите узнать больше мудрых слов от мастеров фотографии? Посетите раздел цитат в Photogpedia, чтобы найти больше замечательных цитат о фотографиях.

Другие статьи с цитатами:

15 лучших цитат Анселя Адамса о фотографии

Анселу Адамсу, одному из самых любимых фотографов Америки, в субботу исполнилось бы 119 лет, поэтому мы подумали, что день его рождения будет подходящим моментом, чтобы поделиться некоторыми из его лучших цитат о фотографии.Знаменитый фотограф-пейзажист и страстный защитник окружающей среды, черно-белые снимки американского Запада, сделанные Адамсом, являются культовыми и представляют собой то, о чем думают многие люди, когда думают о фотографии.

Но Адамс почти так же известен своими словами и идеями, как и своими фотографиями. Член-основатель группы f/64, выступавшей за четко сфокусированные и тщательно составленные изображения, влияние Адамса на поколения фотографов невозможно переоценить. Его работа с Sierra Club и его усилия по сохранению национальных парков США также оказали сильное влияние на экологическое движение, которое ощущается до сих пор

.

С днем ​​рождения, Ансель Адамс! Пусть его слова вдохновят вас пойти и сделать, или, как сказал бы Ансель, сделать замечательных фотографий.

«Хорошая фотография — это знать, где стоять». – Ансель Адамс

«Великая фотография — это фотография, которая полностью выражает то, что человек чувствует, в самом глубоком смысле, по поводу того, что фотографируется». – Ансель Адамс

«Нет ничего хуже, чем четкое изображение размытого понятия». – Ансель Адамс

«Вы не фотографируете, вы делаете это». – Ансель Адамс

«На каждой фотографии всегда два человека: фотограф и зритель». – Ансель Адамс

«Не все верят картинам, но люди верят фотографиям.— Ансель Адамс

«Двенадцать значимых фотографий в любой год — это хороший урожай». – Ансель Адамс

«Самый важный компонент камеры — двенадцать дюймов позади нее». – Ансель Адамс

«Иногда я попадаю в места как раз тогда, когда Бог готов, чтобы кто-то щелкнул затвором». – Ансель Адамс

«Спросите себя: «Эта тема побуждает меня чувствовать, думать и мечтать?» — Ансель Адамс

«На фотографию обычно смотрят — редко смотрят.— Ансель Адамс

«Нет правил для хороших фотографий, есть только хорошие фотографии». – Ансель Адамс

«Пейзажная фотография — это высшее испытание для фотографа, а часто и величайшее разочарование». – Ансель Адамс

«Настоящую фотографию не нужно ни объяснять, ни описать словами». – Ансель Адамс

«Когда слова станут непонятны, я сфокусируюсь на фотографиях. Когда образы станут неадекватными, я буду довольствоваться тишиной». — Ансель Адамс

Ansel Adams Trove для продажи на Sotheby’s

Ansel Adams, Moonrise, Hernandez, New Mexico, 1941
Courtesy Sotheby’s.

Sotheby’s выставил на аукцион крупную коллекцию фотографий Ансела Адамса этой зимой. Более 100 фотографий, посвященных карьере Адамса, будут выставлены на продажу во время выставки «Большое видение: коллекция Дэвида Х. Аррингтона мастера Ансела Адамса», которая состоится 14 декабря в штаб-квартире Sotheby’s в Нью-Йорке.

Коллекция фотографий Адамса была собрана коллекционером и руководителем нефтяной компании Техаса Дэвидом Х. Аррингтоном; это одна из крупнейших частных коллекций работ Адамса. Продажа включает 123 лота и имеет предпродажную оценку в 4 доллара.от 2 до 6,2 млн долларов.

«Если и есть фотограф, который ассоциируется с медиумом и американским пейзажем, то это, вероятно, Ансель Адамс», — сказала Эмили Бирман, глава отдела фотографии Sotheby’s в Нью-Йорке. Самая ценная работа коллекции — 9,25-дюймовая на 12-дюймовая серебряно-желатиновая печатная фотография Адамса Восход луны, Эрнандес, Нью-Мексико , 1941, , одна из самых широко известных фотографий Адамса. По данным Sotheby’s, предлагаемый принт является самым ранним отпечатком изображения, когда-либо поступившим на рынок.Ожидается, что цена составит от 700 000 до 1 миллиона долларов.

«Отпечатки изображения существуют с разных дат. Это негатив, к которому Адамс возвращался на протяжении всей своей карьеры, и значение этой конкретной фотографии двоякое: это самая ранняя печать с негатива, поступившая на рынок; он, несомненно, ранний, судя по его физическим характеристикам, а также его происхождению», — сказал Бирман. Сидни Либес, бывший председатель универмага Сан-Франциско, H.Liebes & Co. приобрела произведение у Адамса примерно в 1941-42 годах; Позже он был куплен Аррингтоном. Самая высокая цена, заплаченная за принт «Восход луны» , составляет 609 600 долларов США, сделанный на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке в 2006 году.

«Чем раньше был сделан отпечаток, ближе к тому времени, когда фотограф сделал негатив, тем обычно фотограф имел в виду, как он должен выглядеть, как фотограф визуализировал конечный результат», — сказал Бирман о настоящем издании. . Описывая гравюру, Бирман отметил «прерывистые белые детали в деталях на переднем плане» среди выдающихся деталей более ранней работы.«У вас есть все тонкости тона, эти великолепные модулированные серые тона, истинные сияющие белые и насыщенные черные», — добавил Бирман. «Это совершенно другое животное», — сказал специалист об отпечатке по сравнению с более поздними негативами изображения Адама.

Еще один топ-лот — Aspens, , Северная Мексика, , напечатанный в 1968 году, оценивается в 250–350 000 долларов. Настоящая работа была представлена ​​​​в обзоре, посвященном художнику в 2016 году в Музее американского искусства Амона Картера в Форт-Уэрте.Ожидается, что крупномасштабная репродукция долины Йосемити (84,75 x 119,75 дюймов), сделанная в середине 1950-х годов для American Trust Company, будет продаваться по цене от 70 000 до 100 000 долларов.

Ансель Адамс, Гранд-Титон и река Снейк, Национальный парк Гранд-Титон, WY

. Несколько работ из коллекции Arrington приобрели непосредственно у потомков фотографов, а другие приобрели в частном порядке. Коллекционер купил одну гравюру с изображением Йосемитской долины, ранее принадлежавшую покровителю Окленда Ричарду Лоренцу, в Bonhams New York в 2008 году за 6000 долларов.Ожидается, что работа будет продана по цене от 70 000 до 100 000 долларов в декабре.

Гранд-Титонс и река Снейк, Национальный парк Гранд-Титонс, Вайоминг, 1942 г., крупномасштабная гравюра, оценивается в 400 000 и 600 000 долларов. Адамс сфотографировал Джексон-Хоул по заказу Министерства внутренних дел. Согласно заявлению Sotheby’s о продаже, это один из менее чем десяти репродукций размером с фреску, воспроизведенных Адамсом. В 2010 году другое крупномасштабное издание этой фотографии было продано на Sotheby’s за 350 000 долларов.В октябре 2013 года работа снова вышла на рынок, где цена подскочила до 401 000 долларов против эстимейта от 2 500 000 до 350 000 долларов.

Продажи корпоративной коллекции Polaroid в июне 2010 года на Sotheby’s, которые принесли 12,4 миллиона долларов, были последним разом, когда значительная коллекция картин Адамса выставлялась на аукцион и устанавливала новый ориентир для художника. Репродукция Адамса размером с фреску Clearing Winter Storm, Yosemite National Park, , вероятно, напечатанная в 1950-х или 1960-х годах, стоила рекордную сумму в 722 500 долларов. Clearing Winter Storm ’, ‘ Yosemite National Park ’ и ‘ California 1938 ’ заработали 559 500 долларов на аукционе Christie’s в пользу Фонда Элтона Джона по борьбе со СПИДом в 2017 году.

Цены на выпуски

Adams сильно различаются в зависимости от даты печати, размера и состояния. В декабре 2019 года Центр творческой фотографии Университета Аризоны, в котором хранится большая часть архива фотографа, продал группу работ из коллекции, чтобы помочь фонду приобретения КПК на Christie’s, получив в общей сложности 1 доллар.

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

2019 © Все права защищены. Интернет-Магазин Санкт-Петербург (СПБ)