Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Автопортрет в живописи: Автопортрет в Искусстве (7 Известных Автопортретов)

Содержание

Автопортрет в искусстве | Арт студия Богема

Рассматривая первые наскальные рисунки, кроме изображений животных, орудий труда и охоты, мы можем увидеть человеческие фигуры. Среди этих фигур всегда найдется самая крупная и большая, которая будет выделяться на фоне других  — зачастую это автопортрет того умельца, который изображал наскальную картину. Таким образом за счет размера художник выделял себя как главного. 

 

Имея историю со времен наскальных рисунков, автопортрет занимает важное место в художественной культуре. Изучать автопортрет в искусстве интересно и занимательно.

История автопортрета

Мы уже рассмотрели вариант, как мог появится первый автопортрет. К сожалению, доподлинно неизвестно, когда был нарисован первый автопортрет, ведь с самого начала человек пытался изобразить себя. 

Автопортрет — жанр изобразительного искусства, который направлен на изображения художником самого себя.  При этом автопортрет рассказывает нам не только о мастерстве и технике художника, мы можем увидеть, как себя воспринимает художник, увидеть личность и ее особенности. 

Классификация автопортретов в искусстве 

Все автопортреты можно разделить на две основные крупные категории — профессиональные и личностные. Профессиональные автопортреты позволяют увидеть художника за работой, рядом с мольбертом, станком, в руках традиционно кисточки, палитры, на голове может быть берет, одежда в краске. Все элементы в портрете говорят о том, что перед нами художник.

Все остальные портреты можно отнести к категории личностных автопортретов. 

Также существует и другая классификация, которая при этом не отрицает предыдущие разделение. 

  • отдельный (или естественный) — портрет, на котором автор изображен в одиночестве. Других людей на такой автопортрете вы не увидите. Дополнять фигуру художника может домашний питомец, конь, собака.
  • групповой — на картине изображен художник в окружении других людей. Зачастую такие картины более сюжетные и динамичные. Бывают и необычные решение — например художник М. Сарьян на картине “Три возраста” изобразил себя в разных эпохах.
  • вставной — этот вид автопортрета интересен тем, что художник не делает себя главным действующим персонажем картины. Изображение автора второстепенно, зачастую он теряется в большой массе персонажей. Примером может стать изображение С. Боттичели в картине “Поклонения волхвов”, где художник стоит крайним справа.
  • символический (или представительский) — художник изображает себя в нестандартном и необычном образе. Для примера рассмотрим Гогена, который изобразил себя с нимбом.

С какой целью художники пишут автопортреты? 

Причин написания автопортрета может быть несколько. Первая и весьма практичная — наработать навык создания портретов. Не всегда перед тобой может быть натурщик, который сможет позировать тебе, пока ты не отработаешь технику. Вторая — осмысление себя как личности, рассказ о себе истории. Некоторые считают, что в написании автопортретов есть доля самолюбования, но мы считаем, что всё же практические причины превалируют над нарциссизмом. 

Также автопортрет может рассказать многое о быте художника, его взгляд на мир, мировоззрение, идеологические и философские идеи. 

Известные автопортреты в искусстве 

Одним из самых плодовитых на автопортреты был Ван Гог. Он написал большое количество портретов последний год своей жизни. Таким образом он возможно понять себя, разобраться с депрессией и побороть тяжелое ментальное заболевание. К сожалению, художник не смог справится с жизненными трудностями, но оставил нам бесконечное количество своих шедевров, которые помогают понимать его жизнь и мышление. 

Немало автопортретов написала мексиканская художница Фрида Кало. Наполненные национальным колоритом, они отлично передают характер художницы, её стойкость, её страдания и борьбу. Несомненно, автопортреты рассказывают личную историю.

Радуют своей легкостью портреты русской художницы Зинаиды Серебряковой. Они писала себя не только за работой, в её работах много личностного, её автопортреты, как и все работы, светлые, несмотря на сложную жизнь, она всегда писала радостные картины. 

Автопортреты могут быть совершенно разными, но самое важное для нас в них — это история, которую автор таким образом рассказывает нам.

Топ-7 экспериментальных автопортретов в истории живописи – ARTandYou.ru

Особую роль автопортрет начал играть с эпохи Возрождения,  как следствие растущего самосознания личности художника.  С тех самых пор он мог принимать различные формы, но прочно и навсегда укоренился в искусстве. Автопортрет не только своего рода документ, сохраняющий внутренний и внешний облик художника, это, скорее,  экспериментальное изучение собственной личности.  Неслучайно, существует огромное количество автопортретов, изучающих «я» художника через различные роли – Христа, клоуна, жертвы и т.д., а порой и вовсе граничащих с радикальным отчуждением собственного «я». Внимание данной статьи будет обращено как раз на такие автопортреты – исследования, автопортреты – эксперименты, нежели зеркальные изображения художниками самих себя.

Дюрер. Автопортрет в образе Христа (около 1500). Старая Пинакотека Мюнхен.

Иератическая фронтальность  и композиционная близость образам Христа граничит с богохульством, поражая современного зрителя.  В самом же деле, ренессансная переоценка ценностей, согласно которой художник становится не ремесленником, но яркой творческой индивидуальностью прямым образом отразилась в данном автопортрете. Дюрер, в творчестве которого автопортрет занимал не последнее место, всегда был склонен к самолюбованию, в этом же портрете он прямым текстом сравнивает себя творца, с Богом творцом.

Микеланджело. Фрагмент фрески «Страшный суд». (1537-1541) Сикстинская Капелла. Автопортрет на коже Св. Бартоломью.

В центре фрески Микеланджело  «Страшный суд» наш взгляд падает на сцену, символизирующую атрибуты  апостола и мученика Св. Бартоломью.  В своей правой руке он держит нож, при помощи которого согласно легенде с него была заживо снята кожа, в левой  — он держит саму кожу, включающую искривленное муками лицо. Современники отмечали поразительное сходство застывшей в муке гримасы  с упрямым и меланхоличным лицом художника. Более того, их всегда поражал тот факт, что лицо на спущенной коже не несет сходства с лицом святого, сидящего на облаке. Более того, сам апостол демонстрирует безошибочное сходство с известным современником Микеланджело Пьетро Аретино. Те из современников художника, которые заметили это сходство, наверняка также слышали о личностной вражде между угрюмым титаном искусства и интригующим литератором. Сплетня и легенда сошлись воедино.

Караваджо. Давид с головой Голиафа. (1605-1606)

В отличие от Джорджоне, который иллюстрируя этот же сюжет поединка Давида и Голиафа, изобразил себя в роли Давида, Караваджо пишет автопортрет в роли отрубленной головы, поверженного Голиафа.  В этом смысле, автопортрет Караваджо подобно изображению Микеланджело на спущенной заживо коже, решительно выражает  самоосуждение и порицание. Задний фон, что весьма характерно для Караваджо, черный. Все фигуры словно выбрасываются на зрителя из тьмы.   Для эффекта наибольшего отвращения, Караваджо разместил схваченную за волосы, истекающую кровью отрубленную голову на переднем плане максимально близко к зрителю, так словно она сейчас вывалится из картины прямо на нас. В лице поверженного Голиафа, весьма узнаваем сам Караваджо, по-крайней мере в своем нормальном виде, предстающий нам   с других автопортретов. Здесь же, художник обезображивает свои собственные черты, искажая свое лицо в гримасе ненависти и страдания, увековеченной смертью. Глаза закатились, лицо искривилось в результате фатального ранения, рот, застыв в крике агонии, по-прежнему открыт, зубы выбиты, отовсюду хлещет кровь. Зачем Караваджо с таким осуждением и негативом изображает себя омерзительным и поверженным? Сложно сказать однозначно. Представив на мгновение, что автопортреты изначально инициировались, чтобы донести положительное сообщение, каким мог быть положительный посыл этого эксцентричного изображения? Возможно, что в последние годы своей жизни хулиган Караваджо, дискредитированный скандалами и преступлениями, связанными с его именем, пытался вернуть себе добрую репутацию. Возможно, это было публичное извинение за свои поступки.    Его собственная безнравственность, изобретательное бесстыдство, жестокий нрав (напомним в 1606 году его преследовали за убийство), но в тоже время художественный гений – все это в конечном итоге могло послужить мотивом для комплексного самооправдания. Его живописное решение  также может определяться еще и тем, что согласно христианской морали только тот, кто питает отвращение к самому себе и сокрушается в покаянии заслуживает должного возвышения. И только те, кто осознали безобразность, могут понять настоящую красоту.

Джеймс Энсор. Автопортрет с масками. 1899. Королевский музей изящных искусств, Брюссель, Бельгия

Энсор предстает в окружении  масок, при этом его лицо (умышленно или нет) остается открытым взгляду. Фигуры в масках теснятся вокруг него, их бескровные лица и накрашенные губы воплощают наваждение мастера, боящегося быть растоптанным людской массой, поглощенным ее безднами. Цветовая палитра картины как будто «насыщена» непредсказуемой опасностью: плоть, розовая человеческая плоть на ней выглядит, как рана.  С помощью тонкого карандаша и красок ярких прозрачных цветов с вкраплениями сочных, даже ядовитых оттенков, Энсор привносит в композицию ощущение скрытой угрозы. Комический аспект здесь уступает место трагизму смертельной игры с заранее определенным концом: в центре толпы, готовой на все, оскалившейся гримасами, человеку ничего не остается, как только спасаться бегством. И все же на полотне Энсора герой словно находится под защитой своей «нормальности», которая позволяет ему стоять отдельно от ревущих, хохочущих масс. Это гротескное изображение буржуазного мира, его глубины спрятаны под масками, однако именно через них они находят визуальное воплощение.

Эгон Шиле. Мастурбация. Автопортрет. 1911. Графическое собрание Альбертина Вена.

Эгон Шиле один из основоположников жанра обнаженного автопортрета, он написал их более сотни. Шиле, как представитель экспрессионизма рассматривает живопись непосредственно как часть себя и своего мира. Если, у предшествующих ему импрессионистов мир и личность художника находились в гармонии, то в экспрессионизме окружающий мир воспринимается художником, как часть его подсознания, вогнутое зеркало, в отражении которого сосредоточен весь мир и собственное «я». Сам художник  говорил: «Когда я вижу себя целиком, я должен видеть себя и знать, чего я хочу, знать не только, что происходит внутри меня, но и насколько я способен выглядеть, какие средства находятся в моем распоряжении, из каких загадочных субстанций я создан и что из той большей части я воспринимаю и воспринял до сих пор». Вполне может быть, что в рамках данного автопортрета Шиле занимался изгнанием сексуальных демонов и проживал в своей воображении «импульсы, которые не всегда могли удовлетвориться в реальности». Другими словами, изображение своих страстей и желаний означает борьбу с ними.  (ссылка на обнаженный портрет в творчестве Эгона Шиле)

Фрида Кало. Мое рождение. 1932.

Фрида Кало, несколько лет своей жизни прикованная к кровати была вынуждена писать лишь себя, впрочем, и в последующие годы изучение своей собственной личности было основной темой ее работ.  В данной картине художница запечатлевает видение своего собственного рождения. Более того, возможным мотивом к данной теме могло стать  незадолго до этого полученное известие, что сама она детей иметь не может. Лицо матери Фриды закрыто покрывалом не случайно, во время работы над картиной она умерла.  Для Фриды, занятия живописью всегда были своеобразной терапией, при помощи которой она сублимировала многочисленные физические и моральные страдания, выпавшие на ее долю. Перенося их на холст, она словно освобождалась от боли. Тем не менее, тот факт, что творчество Кало – это нечто большее, чем просто субъективное осмысление собственного опыта, не подлежит сомнению.

Фрэнсис Бэкон. Автопортрет 1973.

Бэкон, будучи героем чрезвычайно актуальным своему времени, своим творчеством выражал абсолютную экзистенцию, постоянно находясь в поиске самого себя и смысла своего  существования как представителя человеческого рода. В своих многочисленных интервью, он с сарказмом и презрением осуждал бессмысленность мира, чем снискал титул «экзистенционалиста живописи».  В своем творчестве он ставил вопрос: а возможно ли визуально уловить и зафиксировать моральный упадок, потерянность, тоску и одиночество современной эпохи? Бэкон полагал, что возможно. Одним из примером этих поисков является его автопортрет 1973 года. Художник на нем сидит в пустой комнате. В глаза бросается неестественность его позы. Он скрутил свое тело так, словно его что-то или кто-то мучает, и даже стул  выглядит издевающееся неудобным. Лицо также искривлено, краски растекаются, размазывая череп в какую-то густую массу, при этом волосы, глаза и рот выглядят абсолютно дикими. Детали бросаются нам в глаза, проявляясь в наручных часах, ботинках, четкости остального изображения. Выключатель на стене с вертикальной линией провода играет в картине не менее важную роль, чем фигура на центральном фоне или театральная обстановка вокруг, напоминающая помещение  для реквизита или кулисы.

Автопортрет — HiSoUR История культуры

Автопортрет представляет собой изображение художника, нарисованного, нарисованного, сфотографированного или вылепленного этим художником. Хотя самопортреты были сделаны с самых ранних времен, только в раннем ренессансе в середине 15-го века художники могут быть часто идентифицированы, изображая себя либо как главный предмет, либо как важные персонажи в своей работе. С лучшими и более дешевыми зеркалами и появлением панельного портрета многие художники, скульпторы и гравюры пробовали какую-то форму самопортретов. Портрет мужчины в тюрбане Ян ван Эйк из 1433 года может стать самым ранним известным автопортретом панели. Он написал отдельный портрет своей жены, и он принадлежал к социальной группе, которая начала писать портреты, уже более распространенные среди богатых голландцев, чем к югу от Альп. Жанр почтенный, но только до эпохи Возрождения, с большим богатством и интересом к личности как субъекту, действительно ли он стал по-настоящему популярным.

Типы
Автопортрет может быть портретом художника или портретом, включенным в большую работу, включая групповой портрет. Говорят, что многие художники включали изображения конкретных людей, в том числе и самих себя, рисуя фигуры в религиозных или других типах композиции. Такие картины не предназначались публично, чтобы изображать фактических людей как самих себя, но факты были бы известны в то время художнику и покровителю, создавая точку разговора, а также публичный тест мастерства художника.
В самых ранних сохранившихся примерах средневековой и ренессансной само портретной, исторической или мифической сцены (из Библии или классической литературы) были изображены с использованием ряда фактических лиц в качестве моделей, часто включающих художника, что придавало работе многообразную функцию портрета, автопортрет и история / миф. В этих работах художник обычно появляется как лицо в толпе или группе, часто к краям или углу работы и позади основных участников. Хорошим примером является Rubens’s The Four Philosophers (1611-12). Это завершилось в 17 веке работой Яна де Брая. Было использовано много художественных средств; кроме картин, рисунков и гравюр были особенно важны.

В знаменитом портрете Арнольфини (1434) Ян ван Эйк, вероятно, одна из двух фигур, замеченных в зеркале — удивительно современное тщеславие. Картина Ван Эйка, возможно, вдохновила Диего Веласкеса изобразить себя на виду как художник, создающий Лас Менинас (1656), поскольку Ван Эйк висел во дворце в Мадриде, где он работал. Это был еще один современный расцвет, учитывая, что он появляется как художник (ранее невидимый в официальной королевской портретной живописи) и стоящий рядом с семейной группой короля, которые были основными предметами живописи.

В том, что может быть одним из самых ранних детских портретов, которые сейчас переживают, Альбрехт Дюрер изображает себя как в натуралистическом стиле в качестве 13-летнего мальчика в 1484. В последующие годы он выглядит по-разному как купец на фоне библейских сцен и как Христос.

Леонардо да Винчи, возможно, нарисовал себе картину в возрасте 60 лет примерно в 1512 году. Картинку часто прямо воспроизводят как внешность Да Винчи, хотя это и не ясно.

В 17 веке Рембрандт написал ряд автопортретов. В «Блудный сын в таверне» (c1637), один из самых ранних автопортретов с семьей, картина, вероятно, включает в себя Саскию, жену Рембрандта, одно из ранних изображений члена семьи знаменитого художника. Семейные и профессиональные групповые картины, в том числе изображение художника, стали все более распространенными с XVII века. С более позднего 20-го века видео играет все большую роль в автопортрете и добавляет измерение звука, а также позволяет человеку говорить с нами своим собственным голосом.

Женские художники
Женщины-художники являются заметными производителями автопортретов; почти все значимые художники-женщины оставили пример, от Катерины ван Хемессен до плодовитой Элизабет Виге-Лебрун и Фриды Кало, а также Алисы Нил, Паулы Модерсон-Беккер и Дженни Савилл, которые нарисовали себя в обнаженном виде. Vigée-Lebrun нарисовал в общей сложности 37 автопортретов, многие из которых были копиями более ранних, расписанных для продажи. До 20-го века женщины обычно не могли тренироваться в рисовании обнаженной, что затрудняло их рисование больших фигурных композиций, что побудило многих художников специализироваться на портретной работе. Женщины-художники исторически воплотили в своих портретных портретах ряд ролей. Чаще всего работает художник, проявляющийся в живописи или, по крайней мере, держащий кисть и палитру. Часто зритель задается вопросом, были ли надеты одежда, которые они обычно нарисовали, так как сложный характер многих ансамблей был художественным выбором, чтобы показать свое мастерство на мельчайших деталях.

древность
Изображения художников на работе встречаются в древнегипетской живописи, скульптуре, а также на древнегреческих вазах. Один из первых автопортретов был сделан главным скульптором Фараона Эхнатона в 1365 году до нашей эры. Плутарх упоминает, что древнегреческий скульптор Фидиас включил сходство себя в нескольких персонажах в «Битве амазонок» на Парфеноне, и есть классические ссылки на расписанные автопортреты, ни одна из которых не сохранилась.

Азия
Портреты и автопортреты имеют более продолжительную историю в азиатском искусстве, чем в Европе. Многие в традиции ученого джентльмена довольно малы, изображая художника в большом пейзаже, иллюстрируя стихотворение в каллиграфии о его опыте сцены. Другая традиция, связанная с дзен-буддизмом, создавала живые полукарикатурные автопортреты, в то время как другие по-прежнему были ближе к условностям формального портрета.

Европейское искусство
Освещенные манускрипты содержат ряд очевидных автопортретов, в частности, святых Данстан и Мэтью Парижа. Большинство из них либо показывают художника на работе, либо представляют законченную книгу ни донору, ни священной фигуре, или почитают такую ​​фигуру. Считается, что Орканья нарисовал себя как фигура на фреске 1359 г. [править], которая стала, по крайней мере, по мнению искусствоведов — Вазари записывает ряд таких традиций — обычную практику художников. [Править] для более ранних художников, без какого-либо другого портрета для сравнения, эти описания обязательно скорее умозрительные. Среди ранних автопортретов также есть две фрески Йоханнеса Аквила, одна в Велемере (1378), в Западной Венгрии и одна в Мартьяни (1392), северо-восточная Словения. В Италии Джотто ди Бондоне (1267-1337) включил себя в цикл «видных мужчин» в Неаполитанском замке, Мазаччо (1401-1428) изобразил себя одним из апостолов в картине часовни Бранкаччи и Беноццо Гоццоли включает в себя себя, с другими портретами, в Дворец Медичи Шествие волхвов (1459), его имя написано на его шляпе. Это несколько лет спустя подражает Сандро Боттичелли, как зритель «Поклонение волхвов» (1475), который поворачивается со сцены, чтобы посмотреть на нас. Скульптурные портретные бюсты четырнадцатого века и семья Парлера в Пражском соборе включают автопортреты и являются одними из самых ранних таких бюстов не королевских фигур. Гиберти включил небольшую голову в свою самую известную работу. Примечательно, что самый ранний автопортрет, написанный в Англии, кроме рукописи, представляет собой миниатюру, написанную маслом на панели немецким художником Герлаком Фликке, 1554 год.

Альбрехт Дюрер, 1471-1528, первый плодовитый автопортретист
Альбрехт Дюрер был художником, прекрасно осознающим свой общественный имидж и репутацию, основной доход которого был получен от его старых печатных изданий, все из которых содержат его знаменитую монограмму, которые продавались по всей Европе. Он, вероятно, изображал себя чаще, чем любой художник перед ним, производя по меньшей мере двенадцать изображений, в том числе три масляных портрета и фигуры в четырех алтарях. Самый ранний — рисунок серебряной точки, созданный, когда ему было тринадцать лет. В двадцать два Дюрера нарисовал Автопортрет с Гвоздикой (1493, Лувр), возможно, чтобы отправить его новой невесте. Автопортрет Мадрида (1498, Prado) изображает Дюрера как денди в модной итальянской одежде, отражающей достигнутый к тому времени международный успех. В своем последнем автопортрете, проданном или подаренном городу Нюрнберге, и публично демонстрировался, что было совсем немного портретов, художник изобразил себя с безошибочным сходством с Иисусом Христом (Мюнхен, Альте Пинакотека). Позже он снова использовал лицо в религиозной гравюре, откровенно говоря, «Покров Вероники», собственный «автопортрет» Христа (B.25). Автопортрет в гуаше, который он послал Рафаэлю, не сохранился. На гравюре из бани и рисунка изображены практически обнаженные автопортреты.

Ренессанс и барокко
Великие итальянские художники эпохи Возрождения сделали сравнительно немного официальных портретов, но часто включали себя в более крупные работы. Большинство индивидуальных автопортретов, которые у них остались, были простыми описаниями; зрелища Дюрера редко следовали, хотя спорно приписывал Автопортрет как Давид Джорджоне бы что-то из того же духа, если это автопортрет. Существует портрет Пьетро Перуджино около 1500 (Collegio del Cambio of Perugia), а другой — молодой Пармиджанино, показывающий вид в выпуклом зеркале. Также есть рисунок Леонардо да Винчи (1512) и автопортреты в более крупных произведениях Микеланджело, который дал свое лицо коже святого Варфоломея в Страшном суде Сикстинской капеллы (1536-1541) и Рафаэля которого видели в персонажах Афинской школы 1510 года или с другом, который держит его за плечо (1518). Также примечательны два портрета Тициана как старик в 1560-х годах. Паоло Веронезе появляется как скрипач, одетый в белое в своем браке в Кана, в сопровождении Тициана на бас-гитаре (1562 год). Северные художники продолжали создавать более индивидуальные портреты, часто очень похожие на своих других буржуазных ситтеров. Йохан Грегор ван дер Шардт произвел окрашенный терракотовый бюст сам (c.1573).

Предполагается, что «Аллегория благочестия Тициана» (ок. 1565-70) изображает Тициана, его сына Орацио и молодого двоюродного брата Марко Вечеллио. Тициан также написал поздний автопортрет в 1567 году; очевидно, его первый. Художник барокко Артемисия Гентилески Ла Питтура (Автопортрет как аллегория живописи) представляет собой воплощение классического аллегорического изображения Живописи, увиденного в драматической маске, надетной на шею Гентилески, которую часто рисует Живопись. Ориентация художника на ее работу, вдали от зрителя, подчеркивает драму периода барокко и меняющуюся роль художника от ремесленника до уникального новатора. Караваджо нарисовал себя в Вакхе в начале своей карьеры, затем появляется в штате некоторых из его больших картин. Наконец, глава Голиафа, проведенный Дэвидом (1605-10, Galleria Borghese), принадлежит Караваджо.

Рембрандт и 17-й век в Северной Европе
В XVII веке фламандские и голландские художники рисовали себя гораздо чаще; к этой дате самые успешные художники имели позицию в обществе, где член какой-либо профессии рассмотрел бы свой портрет. Многие также включают их семьи, снова следуя обычной практике для среднего класса. Мэри Бил, Энтони ван Дейк и Питер Пауль Рубенс дали нам многочисленные образы самих себя, последние также часто рисовали его семью. Эта практика была особенно характерна для женщин-художников, включение которых в их семьи часто было преднамеренной попыткой смягчить критику их профессии, отвлекаясь от их «естественной роли» как матерей.

Рембрандт был самым частым автопортретистом, по крайней мере до самого одержимого самосозерцанием, также часто рисовал свою жену, сына и любовницу. В свое время около девяноста картин считались автопортретами Рембрандта, но теперь известно, что его ученики копировали свои собственные автопортреты в рамках их обучения. Современная стипендия сократила количество автографов до более чем сорока картин, а также несколько рисунков и тридцать один гравюры, которые включают в себя многие из самых замечательных образов группы. Многие показывают, что он позирует в квази-историческом причудливом платье или тянет лица к себе. Его картины с маслом прослеживают прогресс от неопределенного молодого человека до мужика и очень успешного портретиста 1630-х годов до проблемных, но массово мощных портретов его старости.

После Рембрандта
В Испании были автопортреты Бартоломе Эстебана Мурильо и Диего Веласкеса. Франциско де Журбаран представлял себя в Евангелии от Луки у ног Христа на кресте (около 1635 года). В 19 веке Гойя рисовал себя много раз. Французские автопортреты, по крайней мере, после того, как Николас Пуссен, как правило, демонстрируют социальный статус художника, хотя Жан-Батист-Симеон Шарден и некоторые другие вместо этого продемонстрировали реальный рабочий костюм очень реалистично. Это было решение, которое должны были сделать все автопортретисты 18-го века, хотя многие рисовали себя как в формальном, так и в неофициальном костюме в разных картинах. После этого можно сказать, что самые значимые художники оставили нам хотя бы один автопортрет, даже после упадка окрашенного портрета с появлением фотографии. Гюстав Курбе (см. Ниже) был, пожалуй, самым креативным автопортретистом 19-го века, а Студия художника и Бонджур, месье Курбе, возможно, являются крупнейшими автопортретами, когда-либо написанными. Оба они содержат много фигур, но прочно сосредоточены на героической фигуре художника.

Продвинутые современные автопортретики
Одним из самых известных и самых плодовитых автопортретистов был Винсент ван Гог, который рисовал и рисовал себя более чем в 43 раза между 1886 и 1889 годами. Во всех этих автопортретах ударяется, что взгляд художника редко направляется на нас; даже когда это неподвижный взгляд, он, кажется, смотрит в другое место. Эти картины различаются по интенсивности и цвету, а некоторые изображают художника с бинтами; представляя эпизод, в котором он разорвал один из своих ушей.

Многие автопортреты Эгона Шиле устанавливают новые стандарты открытости или, возможно, эксгибиционизм, представляя его обнаженным во многих позициях, иногда мастурбируя или с эрекцией, как в Эросе (1911). Стенли Спенсер должен был следовать в этом ключе. Макс Бекманн был плодовитым художником автопортретов, как и Эдвард Мунк, который на протяжении всей своей жизни делал большое количество картин для автопортрета (70), отпечатков (20) и рисунков или акварелей (более 100), многие из которых показали, что его плохо обрабатывают жизни, и особенно женщин. Навязчиво используя автопортрет в качестве личного и интроспективного художественного выражения, был Хорст Янссен, который создал сотни автопортретов, изображающих его широкий спектр контекстов, особенно в отношении болезни, капризности и смерти. В 2004 году в музее Леопольда в Вене параллельно работали работы Эгона Шиле и Хорста Янссена, которые в значительной степени опирались на суеты эротики и смерть в сочетании с неумолимой самопортретой. Фрида Кало, которая после страшной аварии провела много лет прикованных к постели, только для модели, была еще одним художником, чьи автопортреты изображают большую боль, в ее случае физическую, а также умственную. Ее 55 с лишним автопортретов включают в себя многие из себя от пояса, а также некоторые кошмарные представления, которые символизируют ее физические страдания.

На протяжении своей долгой карьеры Пабло Пикассо часто использовал автопортреты, чтобы изобразить себя во многих разных обличьях, переодеваниях и воплощениях его автобиографической художественной персоны. От молодого неизвестного периода «Йо Пикассо» до периода «Минотавр в лабиринте», до «старого кавалера» и «развратных старых художников и модельных» периодов. Часто автопортреты Пикассо изображали и раскрывали сложные психологические идеи, как личные, так и глубокие о внутреннем состоянии и благополучии художника. Другой художник, который на протяжении своей карьеры рисовал интересные личные и раскрывающие автопортреты, был Пьер Боннард. Боннар также нарисовал десятки портретов своей жены Марте на протяжении всей своей жизни. Винсент ван Гог, Пол Гоген, Эгон Шиле и Хорст Янссен, в частности, интенсивно (порой так тревожно) и самооткрывающиеся автопортреты на протяжении всей своей карьеры.

Автопортреты в целом

Художники на работе
Многие из средневековых портретов показывают художника на работе, а Ян ван Эйк, его шапероновая шляпа, имеет части, которые обычно свисают на голове, придавая ему заблуждение впечатление, что он носит тюрбан, по-видимому, для удобства, пока он рисует. В раннем современном периоде все чаще мужчины, а также женщины, которые нарисовали себя на работе, должны были выбирать, показывать ли себя в своей лучшей одежде, в лучшей комнате или изобразить студийную практику реалистично. См. Также Галерея женщин-художников выше.

классификация
Художественный критик Галина Васильева-Шляпина отделяет две основные формы автопортрета: «профессиональные» портреты, в которых изображен художник на работе, и «личные» портреты, раскрывающие моральные и психологические особенности. Она также предлагает более подробную таксономию: (1) «вставляемый» автопортрет, где художник вставляет свой портрет в, например, группу персонажей, относящихся к какой-либо теме; (2) «престижный или символический» автопортрет, где художник изображает себя под видом исторической личности или религиозного героя; (3) «групповой портрет», где художник изображен с членами семьи или другими реальными лицами; (4) «отдельный или естественный» автопортрет, где художник изображен один. Однако можно подумать, что эти классы довольно жесткие; многим портретам удается объединить несколько из них.

С новыми медиа появилась возможность создавать разные виды автопортретов, помимо простой статической живописи или фотографий. Многие люди, особенно подростки, используют сайты социальных сетей, чтобы сформировать свою личную идентификацию в Интернете. Третьи используют блоги или создают персональные веб-страницы, чтобы создать пространство для самовыражения и автопортретов.

Зеркала и позы
Автопортрет предполагает теоретически использование зеркала; стеклянные зеркала стали доступны в Европе в 15 веке. Первые использованные зеркала были выпуклыми, представляя деформации, которые художник иногда сохранял. Картина Пармиджанино в 1524 году. Автопортрет в зеркале, демонстрирует явление. Зеркала допускают удивительные композиции, такие как «Тройной автопортрет» Йоханнеса Гамппа (1646 г.), или совсем недавно, что Сальвадор Дали показал со спины живопись его жены Гала (1972-73). Это использование зеркала часто приводит к тому, что правые художники представляют себя как левые (и наоборот). Обычно окрашенное лицо является зеркальным отражением того, что увидел весь мир, если не использовались два зеркала. Большинство автопортретов Рембрандта до 1660 года показывают только одну руку — ручная роспись остается неокрашенной. Похоже, он купил больше зеркала примерно в 1652 году, после чего его автопортреты стали больше. В 1658 году большое зеркало в деревянной раме сломалось во время транспортировки в его дом; тем не менее, в этом году он завершил свой автопортрет Фрика, его самый большой.

Размер однолистовых зеркал был ограничен до технических достижений, сделанных во Франции в 1688 году Бернардом Перротом. Они также оставались очень хрупкими, а крупные были намного дороже прорациональных, чем маленькие, — обрывы были разложены на мелкие кусочки. Примерно на 80 см, или на два с половиной фута, по-видимому, был максимальный размер до тех пор — примерно размер дворцового зеркала в Лас-Менинасе (выпуклое зеркало в портрете Арнольфини считается историками непрактично большими, одним из которых является Ван Эйк многие хитроумные искажения масштаба). Во многом по этой причине большинство ранних автопортретов показывают художников не более чем на половину длины.

Автопортреты художника на работе были, как уже упоминалось выше, самой распространенной формой средневекового автопортрета, и они по-прежнему пользовались популярностью, причем особенно большое число с 18-го века. В эпоху средневековья и эпохи Возрождения особым типом был художник, изображенный как святой Люк (покровитель художников), изображающий Девы Марию. Многие из них были представлены в местную Гильдию Святого Луки, чтобы быть помещены в их часовню. Известный большой взгляд на художника в его студии — «Студия художника» Густава Курбе (1855), огромная «Аллегория» предметов и персонажей, среди которых художник сидит.

Другие значения, рассказывание историй
Автопортреты многих современных художников и модернистов часто характеризуются сильным смыслом повествования, часто, но не ограничиваясь виньетками из истории жизни художников. Иногда повествование напоминает фантазию, ролевую игру и вымысел. Помимо Диего Веласкеса (в его картине «Лас Менинас»), Рембрандта Ван Рейна, Ян де Брея, Гюстава Курбе, Винсента Ван Гога и Пола Гогена других художников, чьи автопортреты раскрывают сложные рассказы, включают Пьера Боннара, Марка Шагала, Лукиана Фрейда, Аршиле Горький, Алиса Нил, Пабло Пикассо, Лукас Самарас, Дженни Савиль, Синди Шерман, Энди Уорхол, Гилберт и Джордж.

Самореклама
Автопортрет может быть очень эффективной формой рекламы для художника, особенно, конечно, для портретиста. Дюрер на самом деле не интересовался портретами в коммерческих целях, но использовал свои необычные автопортреты, чтобы рекламировать себя как художника, что он был очень утончен в делах. Sofonisba Anguissola рисовала замысловатые миниатюры, которые служили рекламой ее навыков, а также новинок, которые считались таковыми, потому что редкость успешных женщин-живописцев придавала им необыкновенное качество. Рембрандт зарабатывал на жизнь главным образом из портретирования в самый успешный период своей жизни, и, как Ван Дейк и Джошуа Рейнольдс, многие из его портретов, несомненно, предназначались для рекламы его навыков. С появлением регулярных академических шоу многие художники пытались создать незабываемые автопортреты, чтобы произвести впечатление на художественную сцену. Недавняя выставка в Национальной галерее, Лондоне, повстанцах и мучениках, не уменьшилась от комических батосов, которые иногда приводились. Примером 21-го века является Арно Принстет, иначе малоизвестный современный художник, который создал хорошую рекламу, предпринимая каждый день рисовать свой автопортрет. С другой стороны, некоторые художники изображали себя так же, как и другие клиенты.

Диагностика автопортрета
Некоторые художники, страдающие неврологическими или физическими заболеваниями, оставили собственные портреты, которые позволили более поздним врачам попытаться проанализировать нарушения психических процессов; и многие из этих анализов вошли в учебники по неврологии.

Автопортреты художников, страдающих психическими заболеваниями, дают уникальную возможность врачам исследовать самовосприятие у людей с психическими, психическими или неврологическими нарушениями.

Российский сексолог Игорь Кон в своей статье о мастурбации отмечает, что привычка мастурбации может быть изображена в произведениях искусства, особенно в картинах. Так австрийский художник Эгон Шиле изобразил себя настолько занятым в одном из своих автопортретов. Кон замечает, что эта картина не изображает удовольствия от мастурбации, а чувство одиночества. Создания Шиле анализируются другими исследователями с точки зрения сексуальности и особенно педофилии.

Коллекции
Одна из самых выдающихся и старейших коллекций автопортретов находится в Коридоре Вазари из галереи Уффици во Флоренции. Первоначально он был сборником кардинала Леопольдо де Медичи во второй половине XVII века и поддерживался и расширялся до настоящего времени. В основном это не для всеобщего просмотра, хотя некоторые картины показаны в главных галереях. Многие известные художники не смогли противостоять приглашению пожертвовать автопортрет коллекции. Он включает более 200 портретов, в частности, Пьетро да Кортона, Чарльза Ле Бруна, Жан-Батиста-Камиля Коро и Марка Шагала. Другие важные коллекции размещены в Национальной портретной галерее (Великобритания) в Лондоне (с различными сателлитными загородными площадками в другом месте) и Национальной портретной галереей в Вашингтоне, округ Колумбия.

Поделиться ссылкой:

  • Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
  • Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

Related

Автопортрет в живописи | About ART

Винсент Ван Гог. Автопортрет. 1889г.

Винсент Ван Гог. Автопортрет. 1889г.

Этот автопортрет был в жизни Ван Гога последним, он написал его незадолго до своего самоубийства.

Упоминания о автопортретах были найдены еще в Древней Греции и Египте. Тогда художники изображали себя как часть какого-либо исторического события. Большую популярность этот жанр получил в эпоху возрождения, при этом многие критики того времени считали это крайней степенью самолюбия.

Джорджоне. Автопортрет. 1510г.

Джорджоне. Автопортрет. 1510г.

АВТОПОРТРЕТ  — изображение самого себя. Как правило, это живописное изображение. Автопортреты бывают: скульптурные, литературные, кинематографические, фотографические, также бывает одиночные, групповые.

Рафаэль Санти. Автопортрет с другом. 1518г.

Рафаэль Санти. Автопортрет с другом. 1518г.

История изобразительного искусства насчитывает сотни авторов, которые оставили о себе память в живописи, написав собственные портреты.

Одним из первых художников, выбравших жанр автопортрета как центральный в своей работе, стал Альбрехт Дюрер. Он написал 50 картин со своим изображением.

Альбрехт Дюрер. Автопортрет. 1500г.

Альбрехт Дюрер. Автопортрет. 1500г.

Его примеру последовала Фрида Кало, она создала около 55 своих автопортретов.

Фрида Кало. Автопортрет в терновом ожерелье с колибри. 1940г.

Фрида Кало. Автопортрет в терновом ожерелье с колибри. 1940г.

Считается, что творческая личность мыслит по-другому, поэтому с психологической точки зрения художник отличается от остальных. В истории были художники, которые страдали неврологическими и психическими болезнями. Автопортреты, которые были сделаны ими, изучают до сих пор в поиске разгадки тайны личности.

Автопортрет — это не просто перенос своего изображения на холст, это возможность увековечить себя и перенести свое впечатление о времени, в котором жил художник.

#искусство #живопись #автопортрет #ФридаКало #Джорджоне #Дюрер

#жанры_живописи_АА #живопись_АА #культура #интересное #ВанГог #РафаэльСанти

#about_art #art #picture #graphic

Живописный автопортрет в изобразительном искусстве Алтая второй половины xx в Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

Е.В. Орловская

Живописный автопортрет в изобразительном искусстве Алтая второй половины XX в.

Одной из важнейших проблем современности является проблема становления и самореализации личности. Её определение как важнейшей жизненной ценности имеет огромное значение для духовно-нравственного воспитания и, следовательно, для самоопределения человека в социуме.

Выявляя степень изученности проблемы, мы приходим к выводу, что многомерность феномена личности в равной мере исследуют философия, социальные и естественные науки. Современные ученые выстраивают концепцию личности на основе разнообразных подходов и методологических установок. Однако необходимо заметить, что если в философии, психологии, социологии и других смежных науках проблема личности разработана достаточно широко, то в искусствоведении к исследованию личностных аспектов художественного образа обращаются немногие ученые и освещают эти вопросы в основном в контексте разработки общих теоретических проблем искусства.

В современном искусствознании наблюдается пристальный интерес к проблеме самоидентификации творческой личности. Наиболее адекватной формой самовыражения художника как личности является автопортрет, в котором в полной мере проявляется диалектика внутреннего состояния творческой личности.

В изобразительном искусстве Алтая второй половины XX в. автопортрет занимает далеко не последнее место. Многие художники обращаются к этому непростому жанру и пробуют осмыслить свой внутренний мир через художественный образ. Автопортреты алтайских художников немногочисленны, но достаточно разнообразны.

Развитие жанра автопортрета в алтайском изобразительном искусстве во второй половине XX в. происходило в тесной связи с исторической и социокультурной обстановкой в регионе посредством ассимиляции традиций западноевропейского и отечественного автопортрета. Спецификой региона к середине XX в. являлось отсутствие своей художественной школы и национальных традиций в портретной живописи. Если в алтайском пейзаже к этому времени сложились вполне определенные художественные традиции, то автопортрет как жанр не получил подобной разработки в искусстве Алтая и не имел самостоятельного значения. Выпускники художественных училищ и вузов страны съезжались в Алтайский край из различных регионов, воплощая в творчестве локальные черты своей учебной школы. Эти черты постепенно сглаживались

по мере погружения художников в природное, историко-культурное и художественное пространство Алтая. Тем не менее концентрация и взаимообусловленность многообразных эстетических установок повлияли на развитие в алтайском изобразительном искусстве второй половины XX в. автопортретов практически всех существовавших в данный период в российском искусстве стилей и направлений: реалистический, авангардный, романтический, наивный.

Раскрытие формальных признаков автопортретов алтайских художников проводилось автором на основе классификационной схемы, включающей такие параметры, как форма произведения, его формат, вид, характеристика по количеству фигур и композиционному построению.

Использование прямоугольной или квадратной формы холста в автопортретах напрямую связано с ориентацией алтайских художников на реалистическое направление в искусстве. Овальная и круглая форма, а также овал, вписанный в прямоугольник, свойственны произведениям романтического направления, так как оптически напоминают зеркало, являющееся предметом ретрансляции внутреннего мира человека в окружающую сферу. Ярким примером романтического автопортрета и по содержательным, и по формальным признакам является автопортрет О.А. Кипренского, написанный в 1820 г.

Анализ произведений по формальным признакам позволяет выявить преобладание станкового и малоформатного автопортрета в алтайской живописи (И.А. Леденева, Л.С. Кульгачева, Н.Г. Акимова и др.). Именно такие формы дают возможность глубже раскрыть внутренний мир, выразить специфическими художественными средствами (построение композиции, пространственные соотношения, колористический строй и др.) состояние художника. Небольшой размер полотна (в отличие от крупноформатных работ) позволяет оптически добиться «близости» к зрителю, не подавлять его, а вступать в равноправный диалог.

Наряду с разработкой станкового и малоформатного автопортрета художники обращались и к крупному формату. Крупноформатные произведения характерны для творчества В.Ф. Добровольского,

A.П. Ботева и И.Р. Рудзите. Учитывая многолетнюю работу в области монументально-декоративного искусства, можно понять закономерность в обращении

B.Ф. Добровольского к крупной изобразительной форме в автопортрете (автопортреты 1961 г., 1989 г.).

В творчестве А.П. Ботева отмечается тенденция к слиянию жанров: объединение структурно-жанровых элементов портрета-картины и картины-портрета являются для него основными творческими задачами. И.Р. Рудзите обращается к воплощению ретроспективной тенденции в автопортрете («Портрет в стиле Ренессанса», 1971 г). Крупный формат произведений способствует усилению значительности замысла и претворению в портрете традиций искусства Возрождения с его ориентацией на большую форму и представления о человеке как высшей ценности бытия. Стремление к монументализации является и отражением эпохи с характерным желанием представить значимость человека-художника, его самоценность, его немаловажное значение в социуме как духовного носителя высоких идеалов и моральных ценностей.

Для крупноформатных произведений, сочетающих элементы автопортрета и жанровой картины, закономерным является обращение алтайских художников к многофигурным композициям, что свидетельствует прежде всего о проявлении западноевропейских и русских традиций включения своего изображения в жанровую картину (А.П. Ботев. «Жаркое лето в Горячем Ключе», «Диалог») либо о попытке создания концептуального автопортрета с индивидуальной трактовкой определенных явлений жизни (И.С. Хай-рулинов. «Автопортрет с внучкой»). Но подобные композиции не имеют в алтайском искусстве доминирующего значения и ограничиваются единичными случаями.

В алтайской живописи второй половины XX в. отмечены автопортреты практически всех композиционных схем (головные, оплечные, погрудные, поясные, поколенные). Причем обозначить преобладающее значение какой-либо композиционной схемы достаточно сложно, так как в алтайском автопортрете все возможные постановки получают активную разработку. Использование той или иной схемы зависит от индивидуальности художника, конкретности образа и меры самовыражения в автопортрете. Это можно проследить на примере творческих исканий одного и того же художника. Так, например, автопортреты Л.С. Кульгачевой не отличаются однообразием композиционных схем: художница выбирает тот или иной ракурс в зависимости от выражаемого конкретного состояния (автопортрет 1991 г. — головное изображение, автопортрет 1988 г. — погрудное, автопортрет 1995 г. -поколенное и т.д.).

Исключение составляют композиционные схемы с постановкой фигуры в рост: их использование в алтайском автопортрете является единичным. Изображение себя в рост художником А.П. Ботевым («Жаркое лето в Горячем Ключе», «Диалог») связано с расширением замысла и жанровой трактовкой автопортрета. В остальных случаях художники ограничиваются поколенным изображением.

В любом портрете и автопортрете главным способом выражения духовного мира и психологического состояния человека является тщательная проработка художником лица и всех составляющих его элементов. Основную смысловую нагрузку образа несет изображение глаз человека. Не случайно еще в древнеегипетской культуре глаза воспринимались как духовная субстанция человека, их отображению уделялось большое внимание. В этом отношении интересно построение композиционной схемы в автопортрете А.В. Нижегородцева (1988 г.). Верхним краем рамы художник как бы «обрезает» изображение лица, оставляя на холсте только нижнюю часть. Выражение творческой сущности автора в данном произведении идет не через взгляд как основной компонент образной структуры любого портрета, а через позу, руки, мимику лица. Сочетание в автопортрете традиционной изобразительной структуры и экспрессионизма, главной целью которого является выражение субъективного духовного мира человека как единственной реальности, является попыткой художника преодолеть традиционные ограничения в портретном жанре. Эти искания в 80-е гг. XX в. были закономерным явлением в изобразительном искусстве России и возникали как противоположное явление «суровому стилю» с его бескомпромиссным и последовательным обращением к жизненной реальности. Логичным следствием этого оказалось стремление искать такие экспрессивно-изобразительные приемы и средства, с помощью которых можно было бы достаточно полно, разносторонне и многозначно выразить сложную философскую содержательность образа.

В алтайском изобразительном искусстве не получают широкого распространения репрезентативные автопортреты. Тем не менее к разряду этих произведений можно отнести такие работы, как «Портрет в стиле Ренессанса» И.Р. Рудзите, «Художник (Автопортрет)» А.Ф. Песоцкого. Черты репрезентативной трактовки можно обнаружить и в автопортрете В.Ф. Добровольского (1989 г.), и в «Автопортрете вечернем» И.Л. Леденевой. Все эти произведения объединяют такие признаки репрезентативности, как стремление к представлению человека в полноте всей его характеристики и утверждение социального престижа портретируемого. Однако названные произведения дают основания к их трактовке и как психологических портретов, акцентирующих внимание на внутреннем самоощущении художника. Это проявляется в напряженном колорите портретов, остром проницательном взгляде художников, ярком выражении чувства собственного достоинства.

Наибольшее предпочтение художники Алтая отдают камерному и интимному типу портретирования. При классификации автопортретов мы были склонны разделять понятия «камерный» и «интимный» автопортрет, хотя в искусствоведческой науке эти понятия

относительно других жанров часто тождественны. Интимный автопортрет ориентирован на узкий круг близких людей и представляет человека в обыденном облике. Произведения этого типа обычно несут на себе отчетливую печать субъективного выражения автора, его личного переживания. Автопортрет в большей степени относится именно к этой разновидности. Камерный тип портрета выходит за рамки обыденности, предполагает более широкий круг зрителей и нацелен на диалог с ними.

Обращаясь к исследованию композиционных схем автопортретов алтайских художников, необходимо отметить их выраженную константность. Основными видами алтайского автопортрета являются традиционные, устоявшиеся варианты автопортретных композиционных построений, такие как «чистая» автопортретная форма, которая основана на изображении одной фигуры художника крупным планом в неопределенной среде; автопортрет-картина, являющаяся однофигурной композицией с хорошо разработанной сюжетной основой и автопортрет в сюжетной картине, представляющий художника ключевой фигурой замысла (см. : Ляшко А.В. Автопортрет как феномен самосознания культуры : автореф. дис. … канд. культурологии. СПб., 2001. С. 11). В большинстве автопортретов художники используют «чистую» форму, заключающую в своих границах только фигуру художника крупным планом в образно неопределенной среде.

Применение художниками Алтая такой композиционной формы, как автопортрет-картина, представляющей собой однофигурную композицию с хорошо разработанной сюжетной основой, свидетельствует об ассимиляции традиций русской живописной школы XIX в. (например «Автопортрет с кистями и палитрой на фоне окна с видом на Кремль» В.А. Тропинина. 1844 г.). В алтайском изобразительном искусстве к подобной композиционной схеме обращаются такие художники, как А.П. Ботев, А.В. Нижегородцев, В.Ф. Добровольский, Л.Н. Пастушкова, И.А. Леденева и др. Художник на автопортрете предстает во взаимодействии с природой, архитектурой или миром вещей. Выбор сопутствующих образу элементов, как правило, не случаен: в создании цельного художественного образа они помогают полнее и глубже выразить внутреннюю сущность автора, его отношение к окружающему миру.

Соотнесение компонентов содержательной структуры с художественным образом дает возможность классифицировать алтайские автопортреты по определенной типологии, включающей в себя шесть основных форм: автопортрет-самосозерцание, автопортрет-самовыражение, автопортрет-самоописание (героической и социально-бытовой направленности), автопортрет-исповедь, автопортрет-тематическая картина.

Автопортрет-самосозерцание получает наибольшее распространение в алтайской живописи. Сущ-

ностью данного вида автопортретирования является сосредоточенность автора на определенном психологическом состоянии в конкретном временном отрезке. Типичным для данного автопортрета является ощущение зеркального отображения образа автора в художественном преломлении. Показательным в этом отношении является автопортрет Н.Г. Акимовой (1996 г.). Используя классическую постановку фигуры в три четверти с небольшим поворотом головы, художница смотрит прямо на зрителя. Но спокойный, внимательный взгляд не содержит открытого декларирования творческих принципов и жизненной позиции. Это сосредоточенное изучение себя в зеркале, попытка вглядеться в собственные глаза, проанализировать свой внутренний мир. Н.Г. Акимова достигает цельности художественного образа в автопортрете при помощи комплексного использования выразительных средств. В первую очередь этому активно способствует построение симметричной композиции, центральное место в которой и большую часть полотна занимает сама модель. Рельефность объемной формы передается при помощи тонального контраста и использования светотеневых рефлексов. Сине-голубые оттенки фона дают ощущение мягкости и доброжелательности характера Н.Г. Акимовой. В целом автор не использует в палитре ярких цветовых сочетаний, но приглушенный контраст теплых и холодных цветов позволяют выразить натуру художницы, воплотив ее в художественном образе.

Помимо работы Н.Г. Акимовой, к типу автопор-трета-самосозерцания можно отнести автопортреты Л.С. Кульгачевой различных лет (1978, 1988, 1989, 1991, 1995 гг.), А.П. Фризена, В.В. Бооса и других художников.

Автопортрет-самовыражение получает воплощение в алтайском изобразительном искусстве главным образом в 80-е гг. XX в., что связано с возможностью самоопределения художников в новых условиях существования, формулирования через автопортретный образ новых творческих принципов. В данном виде автопортретирования отчетливо проявляются попытки осознать собственное мироощущение и донести его до зрителя через образный диалог.

Показательными примерами обозначенного типа являются «Автопортрет в шляпе» и «Автопортрет в белом» Л.С. Кульгачевой, выполненные в один год -1989. В этих портретах много общего: одинакова форма и художественно-образные элементы самовыражения, которые проявляются в постановке фигуры, нечеткости прорисовки лица, аксессуарах. Лицо для художницы не является главным средством в передаче внутреннего состояния и духовного мира. Основной акцент делается на образную цельность и внутреннюю динамику образа. Все составляющие структурные элементы этих автопортретов несут равную по значимости нагрузку в создании художественного образа. Фон

активен и является существенным, неотъемлемым компонентом характеристики образа. Значительность и внутренняя гармония образа творческой личности раскрываются в композиции, которая основана на взвешенности, строгой продуманности архитектоники образа. Силуэт модели вписывается в композиционную пирамиду с правильными геометрическими пропорциями. Строгость этой композиционной схемы смягчается введением такого элемента, как шляпа с большими волнистыми краями, что придает образу романтичность и женственность. Использование в композиции диагонального направления, основанного на такой закономерности, как более быстрое зрительное восприятие окружающего предметного мира слева направо, выражается в зрительном проведении диагонали от выступающего первого плана в нижнем левом углу картины к верхнему правому. Это способствует усилению восприятия динамичности образа, а также увеличивает ощущение глубины пространства. Все средства выразительности в автопортрете направлены на подчеркивание чувства собственного достоинства, значительности творческой натуры.

Различия в рассмотренных автопортретах Л.С. Куль-гачевой обнаруживаются в колористическом строе. Колорит «Автопортрета в белом» светел, ярок, внутренне динамичен и основан на сочетании трех цветов -белого, светло-коричневого и зеленого. В «Автопортрете в шляпе» короткие энергичные мазки белой, зеленой, коричневой, желтой и черной красок органически вплетаются в цветовой строй портрета, сообщая образу гармоническую слаженность и цельность. Примечательна в данном автопортрете своеобразная лепка живописной формы: энергичные, отрывистые мазки создают плотную, пастозную фактуру, усиливающую материальную осязаемость образа.

К подобному типу автопортрета-самовыражения принадлежат также автопортреты живописцев А.В. Нижегородцева, Е.Н. Кузнецова, И.А. Леденевой и др.

Автопортрет-самоописание социально-бытовой направленности в алтайском изобразительном искусстве разрабатывается многими художниками, в частности В.Ф. Добровольским, Л.Н. Пастушковой, И.А. Леденевой, А.П. Фризеном, А.В. Нижегородцевым (автопортрет 1983-1987 гг.), Н.А. Ивановым. Наряду с автопортретом-самосозерцанием данный изобразительный тип является наиболее излюбленной формой автопортрета в алтайской живописи.

Характерной чертой автопортрета-самоописания социально-бытовой направленности является актуализация частной формы жизни человека. В нем акцентируется место человека в социальной иерархии, используется вневременное пространство, первостепенную роль в котором играет не конкретное событие или временной отрезок эпохи, а окружение человека, его быт. В данной типологии наибольший интерес

представляет автопортрет В.Ф. Добровольского, написанный в 1989 г. Этот автопортрет создавался художником в пору творческой зрелости и наивысшего расцвета его яркого и многогранного таланта; здесь в художественном образе преобладает интеллектуальная характеристика. Благодаря тщательной проработке цветом и светотенью лицо доминирует в портрете. Оно приковывает внимание. Взгляд художника направлен не в себя, а открыт зрителю, как бы высказывая жизненную позицию и творческие принципы. В композиционном решении художник пользуется традиционными для западноевропейского и русского портретного искусства приемами постановки фигуры (поворот в три четверти, взгляд направлен прямо на зрителя). Большой смысловой нагрузкой наделил живописец руки, изобразив их спокойно лежащими на коленях. В.Ф. Добровольский обращается к символам и знакам своей профессии: в правой руке он держит кисть, в композицию включен мольберт. В портрете присутствуют и другие символы, раскрывающие мироощущение художника и ценности, которым он поклоняется: он изобразил себя в уютной домашней обстановке на фоне небольшой иконы, в окружении букетов цветов; осенний букет как бы свидетельствует о зрелом возрасте художника, белые хризантемы своей пышностью символизируют расцвет таланта, творческих сил, полноту жизни. Символика и повествовательность, характеризующие данный тип автопортрета, выступают в автопортрете В.Ф. Добровольского в полной мере как подведение своеобразного итога определенного периода жизни художника.

При всей сложности характера самовыражения художники Алтая обращаются и к типу автопортрета-исповеди, особенностями которого являются глубокий внутренний диалог с самим собой, соотнесение своего внутреннего облика с высшими ценностями жизни, изображение момента философского размышления. Так, «Автопортрет в первый день нового года» А.П. Ботева решен в форме портрета-картины, большую роль в котром играет сюжетно-повествовательное начало. Сложному психологическому подтексту соответствует гибкая, тонкая живопись. Основу образной структуры составляет четкий рисунок, гармоничный колорит, основанный на локальной цветовой гамме с доминированием красно-коричневого цвета с различными градациями и оттенками. Портрет отличается скульптурной четкостью и ясностью формы. Сосредоточенный взгляд художника, направленный в сторону (не в зеркало, а на самого себя), глубокие складки на лбу, непринужденная поза стоящего перед пустым мольбертом человека — все это попытки подчеркнуть состояние сложных раздумий художника, способ выражения своего духовного потенциала.

Обращение к философским размышлениям можно наблюдать и в погрудном автопортрете В.Н. Пелёвина, где особая духовность автора раскрывается через ассо-

циативные образы, представленные во вневременной, ирреальной, отвлеченно-символизированной среде.

Автопортрет-тематическая картина находит свое выражение в произведениях А.П. Ботева («Жаркое лето в Горячем Ключе», «Диалог»), И.С. Хайру-линова («Автопортрет с внучкой»). В них содержатся такие характерные признаки данного типа, как наличие хорошо разработанного сюжета с многофигурной композицией, центральное место в котором занимает образ художника.

Автопортрет-самоописание героической направленности с характерным выражением идей будущего, исторического значения, славы, подвига не получает в алтайском изобразительном искусстве распространения. Объяснение данному факту мы находим в специфике регионального искусства, ориентированного главным образом на отображение окружающей жизни. Поднятие «больших» героических тем в различных

жанрах, в том числе в автопортрете, было не характерно для художников Алтая и компенсировалось разработкой эпической тематики в алтайском пейзаже.

Таким образом, анализ количественного соотношения использования алтайскими художниками тех или иных компонентов содержательной структуры с художественным образом позволяет выявить преобладание камерных форм автопортрета в алтайской живописи. В широком смысле это обусловлено назначением автопортрета: в большей степени он служил не выражению глубоких философских размышлений или «глобальных» тем, а средством обобщения и представления своего облика (внешнего и внутреннего) и выражения творческих принципов. Это подтверждается выходом во второй половине XX в. на ведущие позиции в живописном портрете реалистического автопортрета-самосозерцания и автопортрета-само-описания социально-бытовой направленности.

Автопортрет в мировом изобразительном искусстве.

Автопортрет — (от греч. autos-сам и франц. portrait — портрет, англ. self-portrait, франц. autoportrait, нем. Selbstbildnis) — живописное, графическое или скульптурное изображение художника, выполненное им самим при помощи одного зеркала или системы зеркал. Содержит оценку своей личности, своей роли в общественной жизни и искусстве, декларацию своих творческих принципов. Художник может быть представлен в разных обличьях, в разных одеждах.

Автопортрет требует от художника искусства самопознания. Автопортрет можно встретить во всех видах искусства: литературе, музыке, изобразительном искусстве.
Считается, что жанр автопортрета получил развитие в эпоху Возрождения. До появления абстракции автопортрет создавался при помощи зеркал — только так можно изобразить себя, если сам себя не видишь. Это своего рода нарциссизм: отражение формируется по желанию автора таким, каким он хочет видеть себя.


Helmut Newton

Художники античности, создавая автопортрет, отлично передавали внешнее сходство, но внутренний, духовный мир был им недоступен. Для эпохи христианства характерно стремление к покаянию, исповедь. В автопортрете появляются мотивы самокритичности. В эпоху Возрождения формируются жанровые особенности автопортрета. Вам наверняка хорошо известны автопортреты таких художников, как Леонардо да Винчи, Тинторетто, Эль-Греко, Рембрандта, Рубенса, Тициана, Ван-Гога, Пикассо и многих других.

В автопортрете можно увидеть много интересного относительно отношения человека к себе, видения своих качеств, способностей, внешности, социальной значимости и эмоциональной самооценки. Автопортрет — это осмысление своего духовного склада, постижение своего характера, своих привязаностей и склонностей, своих достоинств и недостатков, своих воззрений на мир, человека, природу, самокритичность.

Жанр автопортрета очень популярен в фотографии. Фотографировать себя, когда только появился жанр фотографии, было очень не просто. Современная техника делает возможность самовыражения через автопортрет намного проще. Труднее заглянуть в самого себя, проанализировать самого себя, оказаться по ту сторону камеры и оказаться в роли изучаемого. Взгляд на себя со стороны очень не прост.


André Kertész

Один из вариантов наблюдения за собой со стороны — съемка через зеркало. Зеркало часто использовалось художниками в рисовании автопортрета, оно служило реалистическим отражением для рисования с натуры, оно помогало художнику показать себя в ролевом образе. Как только мы начинаем примерять на себя роли, мы или уходим в этот процесс и остаемся в образе или начинаем освобождаться от ролей и убираем один за другим фильтры, через которые мы смотрим на реальность.

Второй путь — это изучение, нахождение внутренней точки отсчета, внутренней сути самого себя.


Brassaï

Еще технический вопрос — что можно назвать автопортретом? Что, если спуск затвора фотокамеры нажимает рука другого человека? Кто автор снимка? Любой снимок, режиссером которого был сам фотограф, можно считать автопортретом. Современные технические возможности таковы, что в помощи посторонних нет необходимости.


Marianne Breslauer

Как подготовить съемку и с чего начать? Как и в любом другом жанре фотографии — с создания образа и композиции. Подумайте, что вы хотите показать зрителю. Серьезного молодого человека в полный рост в деловом костюме, пробуждение юной девушки в романтическом окружении подушек и шелкового белья на кровати, задумчивое настроение у окна с видом на окружающий вас мир или нечто абстрактное с бабочками, сердечками и феями. Прежде чем снимать, подумайте, как вы ходите себя показать и с помощью каких средств вы можете передать это настроение.

Итак, первое — концепция и идея снимка .

Как только вы определили тему вашего снимка, вы можете перейти в ее реализации. В первую очередь вам нужно решить, с каким реквизитом вы будете работать и где вы будете снимать (определить место съемки ). Фотография — это рисование светом. Поэтому следующий шаг — выбор и подготовка освещения (свет из окна, естественный свет на улице или вспышки) . И, наконец, подготовка оборудования для съемки .


Ré Soupault

Оборудование

Камера

Оптимально иметь цифровую камеру с таймером (с задержкой на несколько секунд) и автофокусом, в случае если вы снимаете со студийным светом, необходима возможность синхронизации с ним.

Объектив

Выбор фокусного расстояния зависит от масштабов портрета. Оптимально иметь портретный мягко-рисующий объектив.

Штатив

Для съемки автопортрета вам обязательно понадобится штатив. Можно использовать любую другую поверхность для установки фотоаппарата, но только с помощью штатива вы гарантированно получите резкие снимки.

Свет

Вы можете снимать на улице с естественным светом. Здесь вам понадобится отражатель и в некоторых случаях диффузор-рассеиватель. В качестве отражателя могут служить белые стены и другие белые поверхности. При съемке со светом из окна так же желательно использование отражателя (альтернатива — белые стены и поверхности). Если вы хотите снимать со студийным светом, вам необходимо иметь вспышки и синхронизатор.

Дистанционное управление

При съемке на цифровую камеру может быть достаточного встроенного таймера автоспуска, но если вы фокусируетесь не вручную, то автофокусировка будет происходить при нажатии на кнопку спуска камеры. Автофокус может ошибаться и резкость может оказаться не на глазах, а где-то в другом месте.

Гораздо удобнее пульт дистанционного управления. При помощи пульта вы получите большую мобильность: вам не нужно будет бегать между камерой и местом съемки для того, чтобы сделать один кадр (бег полезен для здоровья, но приятного в беге туда сюда мало вы не сможете как следует сконцентрироваться на настроении и образе). Кроме того, пульт маленький и во время съемки его просто спрятать в руке или кармане. Лучше всего подходят радиопульты или ИК-пульты. Вы не будете связаны проводами с камерой и у них дальность действия в пределах десятка метров. Так же можно воспользоваться спусковым тросиком.

Richard Avedon

Советы по съемке автопортрета

Фокусировка

Один из вариантов — камера в режиме автофокуса фокусируется заранее на то место, где предполагается расположение лица. На месте лица может находится любой предмет. Затем автофокус отключается или камера переводится в режим фокусировки неподвижного объекта (то есть отключается следящий автофоку, не забудьте отключить и все стабилизаторы и гироскопы на объективе). Фокусировка должна быть на глаза и портреты лучше всего снимать с малой глубиной резкости. Но в случае автопортрета малая ГРИП почти невозможна, поэтому диафрагма должна быть от f\8 и уже. Для того, чтобы камера могла нормально фокусироваться, на лице должно быть достаточное количество света.

Варианты съемки

Есть много вариантов съемки автопортрета. Первый, который мы часто видим в соц. сетях. “Фотограф” берет камеру и снимает себя на вытянутой руке. Дружеские шаржи-автопортреты, снятые таким образом, нам всем известны.

Второй способ — съемка отражения в зеркале. При съемке с зеркалом вы можете контролировать позу, выражение лица, взгляд и пр.

Самый сложный и интересный способ съемки автопортрета — съемка с предварительной подготовкой. Для этого вы готовите место съемки, ставите камеру на штатив, заранее компонуете кадр, готовите свет, выбираете экспозицию. Конечно, для установки света и определения экспозиции лучше иметь помощника.

Как правило при съемке автопортрета нужно контролировать результаты после того, как вы отсняли несколько кадров. То есть вы снимаете несколько кадров, смотрите на результаты, вносите поправки в композицию кадра, позу, свет, экспозицию и пр. и снимаете дальше. В композиции очень важно, чтобы ваша поза была удобной и натуральной. Если вы снимаетесь сидя, найдите опору для ног и рук (подушки, книги, подлокотники и пр.) Взгляд при съемке не обязательно должен быть направлен в камеру. Все зависит от вашей задумки и от того, хотите ли вы вести прямой диалог со зрителем, смотря в камеру или вы хотите показать себя в раздумьях, мечтах, воспоминаниях.

Съёмка автопортрета — сложный, но очень увлекательный и интересный процесс. Вы учитесь понимать себя.


Willy Ronis



Ugo Mulas


Ed van der Elsken


Stanley Kubrick


Lee Friedlander


Cecil Beaton


Lee Friedlander

Автопортрет Автопортрет

Портрет художника, выполненный им самим (большей частью при помощи одного или нескольких зеркал). В автопортрете художник выражает своё самосознание, оценку собственной личности и творческих принципов, порой соотносит свою личность с судьбой целого поколения и класса. Изображение художником самого себя известно уже в античном (Фидий) и средневековом (скульпторы XIV в. Аврам в Новгороде и П. Парлерж в Чехии) искусстве. Живописцы итальянского Раннего Возрождения (Мазаччо, Д. Гирландайо, С. Боттичелли, Лука Синьорелли и др.) часто вводили автопортрет в религиозные композиции. Автопортрет как разновидность портретного жанра (см. Портрет) сложился в XVI в. В искусстве Высокого Возрождения (Рафаэль, А. Дюрер) он свидетельствовал о возросшем общественном значении художника, о росте его самосознания. Живописцы Позднего Возрождения (Тициан, Тинторетто) раскрывали в автопортрете драматическую судьбу творческой личности. Для автопортретов маньеризма характерны замкнутость, усложнённость внутреннего мира мастера (Понтормо, Пармиджанино). Психологическая глубина и напряжённость присущи автопортретам- исповедям Рембрандта, отражающим конфликт художника с окружавшей его социальной средой; утверждением чувства собственного достоинства проникнуты произведения Н. Пуссена и П. П. Рубенса. Художники XVIII в. (Ж. Б. С. Шарден, Дж. Рейнолдс) наряду с социальной характеристикой подчёркивали в автопортрете значение частной жизни человека, его пристальное внимание к себе. Большое место автопортрет занимает в искусстве романтизма (Ф. О. Рунге, О. А. Кипренский и др.), представители которого утверждали ценность творческой личности и её богатой духовной жизни. На рубеже XIX-XX вв. автопортреты часто избираются для выражения личного мироощущения, собственной живописно-пластической концепции мастера (П. Сезанн), его внутренней духовной напряжённости (В. ван Гог, М. А. Врубель). В прогрессивном реалистическом искусстве XX в. (К. Кольвиц, Д. Ривера, Р. Гуттузо), в том числе в советском искусстве (С. Т. Конёнков, М. С. Сарьян, П. П. Кончаловский), лучшие автопортреты выражают единство личного и общенародного, осознание художником своего общественного назначения. Литература: Автопортрет в русском и советском искусстве. Каталог выставки. Авт. вступ. ст. И. М. Гофман, М., 1977; Gasser M., Das Seibstbildnis, Z., 1961.

Источник: «Популярная художественная энциклопедия.» Под ред. Полевого В.М.; М.: Издательство «Советская энциклопедия», 1986.)

автопортре́т

Портрет, в котором художник изображает сам себя, обычно используя для этого зеркало. Особенность автопортрета прежде всего в том, что он «говорит» со зрителем от первого лица – о времени и о себе; это монолог художника: сокровенная исповедь или активное утверждение своего творческого кредо, самоирония или спокойное повествование. Предание об одном из первых автопортретных изображений дошло до нас из античности: древнегреческого скульптора Фидия обвинили в кощунстве за то, что он посмел изобразить себя в виде бога в рельефной сцене битвы с амазонками на щите статуи Афины. Известны лишь единичные примеры скульптурных автопортретов (автопортрет чешского архитектора и скульптора П. Парлера в соборе Св. Вита в Праге, 14 в.). Подавляющее большинство автопортретных изображений – живописные или графические произведения.

Эпоха Возрождения – время пробуждения личностного самосознания – стала временем рождения портрета (а вместе с ним и автопортрета) как самостоятельного жанра. Для Раннего Возрождения характерны в основном «скрытые автопортреты» в композициях на темы Священной истории или мифологии (Мазаччо , Д. Гирландайо, С. Боттичелли ). В пёстрой толпе людей, изображённых в их картинах, выделяется один, пристально смотрящий прямо на зрителя, – это сам художник, участник и свидетель события. Идеал прекрасной и гармонической личности в «Автопортрете» Рафаэля (1510), безграничное могущество мысли в графическом «Автопортрете» Леонардо да Винчи (1514) – таковы ключевые образы Высокого Возрождения. Позднее Возрождение – время утраты светлых идеалов – рождает образы могучие и трагические (автопортрет Микеланджело в «Страшном суде» на стене Сикстинской капеллы, 1535-41), зыбкие и изменчивые («Автопортрет в выпуклом зеркале» Пармиджанино, ок. 1524 г.) и откровенно эпатажные («Медуза» Караваджо , 1598-99, где художник придаёт автопортретные черты отрубленной голове Горгоны). Мастера Северного Возрождения часто «зашифровывают» свои автопортретные изображения. В «Чете Арнольфини» Яна ван Эйка фигура художника едва видна в выпуклом зеркале, висящем на стене. Ниже – надпись: «Здесь был ван Эйк». Великий немецкий мастер А. Дюрер одним из первых создал целую галерею автопортретов (самый известный, 1500 г., написан в иконографии образов Христа).


В 17 в. появляется новая автопортретная тема – художник за работой («Мастерская художника», или «Аллегория живописи», Я. Вермера Делфтского , ок. 1675). В «Менинах» Веласкеса (1656) эта тема перерастает в подлинный гимн живописи, её безграничным возможностям. Сокровенными беседами с самим собой стали автопортреты для Рембрандта , создавшего более 100 своих изображений. Стремление познать душу человека в её динамике, изменчивости унаследовали от Рембрандта и развили в своём искусстве мастера романтизма (Т. Жерико , Э. Делакруа , О. А. Кипренский , К. П. Брюллов ). Автопортретное начало пронизывает творчество П. А. Федотова . Черты художника можно узнать в героях многих его картин и рисунков. Автопортреты передвижников (В. Г. Перова , И. Н. Крамского ) властно взывают к гражданской совести зрителя. Рубеж 19–20 вв. – время яркого расцвета автопортрета. Работы М. А. Врубеля , В. А. Серова , М. В. Нестерова , И. И. Машкова , К. С. Малевича и др. отражают сложную картину художественной жизни этого времени, напряжённые поиски нового живописного языка, созвучного эпохе.

Андрей Зейгарник. Автопортрет

Жанр автопортрета

Не секрет, что многие начинающие фотографы берут в руки камеру, чтобы просто фиксировать отдельные моменты своей жизни, места, которые они посещают, близких и друзей. По мере накопления опыта и знаний интерес к этому частично или даже полностью оказывается замещён другими целями: профессиональными или/и творческими. Рано или поздно, фотограф задаёт себе вопрос «Зачем я это делаю?», на который ответить не так-то просто. С одной стороны, нас увлекает сам процесс. С другой — нам хотелось бы, чтобы кто-то другой это мог оценить.


Фотография становится деятельностью, в основе которой лежит самовыражение и, как говорят психологи, самоактулизация. Cамовыражение — это стремление человека выразить себя, свой внутренний мир, свою индивидуальность в той или иной деятельности (например, в фотографии). Самоактулизация — нечто большее, это стремление человека к личностному росту, реализация потребности к совершенствованию, поиск себя и своего места в мире.

Но может ли человек выражать себя (и тем более расти над собой), не понимая, кто он есть, не прислушиваясь к себе, не позволяя себе осознанно быть тем, кто он есть? Думаю, что это по большей части невозможно. В том или ином виде каждый из нас ведёт разговор с самим собой, и самое продуктивное — пытаться задавать себе вопросы осознанно и явно. По сути это и есть источник интереса у наиболее развитой части фотографов не к фиксации реальности, а к самопознанию, рефлексии, попыткам разобраться прежде всего в себе самом. Документальность фотографии отходит на второй план, а разговор с самим собой на глазах у других людей выходит на первый, более значимый план. Пожалуй, наиболее непосредственной и прямой формой самовыражения и, возможно, наиболее мощным средством рефлексии посредством фотографии можно считать жанр автопортрета.

Francesca Woodman. From Angel Series, 1977

Francesca Woodman, 1979

Francesca Woodman. From Angel Series, 1979


Francesca Woodman

Francesca Woodman


Francesca Woodman

Интересные примеры автопортретов в живописи

Ниже я привожу автопортреты фотографов и художников, которые мне кажутся интересными по той или иной причине. Конечно же, на полноту здесь рассчитывать не приходится. Это просто некоторые отдельные автопортреты.

Каземир Малевич, Автопортрет, 1910

Каземир Малевич, Автопортрет, 1933.
Сравните с предыдущим: впечатляющие изменения в том, как человек видит себя и что переживает.


Caravaggio в David with the head of Goliath (1605-1610) изобразил себя в виде головы Голиафа

Cristofano Allori, Judith with the Head of Holofernes (1613) тремя годами позже тоже отрубил себе голову.


Vincent van Gogh сделал 37 автопортретов за период с 1886 по 1889. Во всех случаях взгляд художника не обращён к зрителю, он все время смотрит куда-то ещё. На некоторых портретах он изображён с повязкой, закрывающей якобы порезанное им самим ухо. Вопрос, действительно ли он порезал свое ухо — предмет дискуссий, но факт остаётся фактом: в изобразительной плоскости он нанёс себе увечье.


Parmigianino, Self-portrait in a mirror. Выполнен на выпуклой поверхности.

Lovis Corinth, 1896.

Gerhard Richter, Court Chapel, Dresden, 2000 (80 cm x 93 cm, oil on canvas)
Это не любительская фотография, которая сделана не в фокусе, а автопортрет выполненный маслом на холсте.

Jeff Koons, автопортрет с экзотическим названием «Илона жопой вверх » написан масляными чернилами. Картина имеет впечатляющий размер 243.5 х 366 см и находится в частной коллекции.

Felix Nussbaum, Self-portrait with Jewish identity card.
Редкий случай автопортрета, который не нуждается в специальном исследовании, чтобы понять, что он выражает.

Egon Schiele.
Творчество Schiele — объект многочисленных исследований психологов и сексологов. На этом автопортрете он изображён в момент мастурбации. Российский психолог И.С. Кон считает, что художник передаёт этой картиной не удовольствие от мастурбации, а чувство одиночества.


James Ensor, Self-portrait among masks. James Ensor: «For me the mask stands for freshness of tone, exaggeration of expression, splendour of decor, grand unexpected gesture, unhibited movement, exquisite turbulence».

Марк Шагал, Автопортрет с семью пальцами, 1913.
По одной версии, это буквальное выражение поговорки на идише, означающей «очень быстро работать». По другой, в 7-ми пальцах читается менора. Есть также свидетельство жены Шагала, по словам которой, «Марк всегда испытывал суеверную любовь к числу семь, потому что родился в 7 день седьмого месяца 1887 года».

Автопортрет Amy Winehouse , выполненный её собственной кровью. Amy Winehouse нарисовала себя кровью, когда проводила время в компании Peter Doherty . В каком году это было, не уточняется, однако известно, что во время работы над рисунком певица разговаривала по телефону со своим отцом. Об этом эпизоде музыкант сам рассказал журналистам. Peter Doherty сам практиковал такие рисунки и возможно Amy сделала такой рисунок под его влиянием.

Интересные примеры автопортретов в фотографии

Nadar, Self-portrait series, 1860s

Сергей Прокудин-Горский, 1912

Richard Avedon

Lee Miller

Ré Soupault

Édouard Boubat

Walker Evans

Imogen Cunningham

Helmut Newton

Lee Friedlander

Cecil Beaton

Diane Arbus

André Kertész

Hunter S. Thompson

Brassaï

Lee Friedlander

Marianne Breslauer

Robert Mapplethorpe

Paolo Roversi

Ed van der Elsken

Frédéric Boissonnas

Florence Henri

Toni Frissell

Astrid Kirchherr

Weegee

Bill Brandt

Annie Leibovitz

Stanisław Ignacy Witkiewicz

Willy Ronis

Sally Mann

Helmut Newton

Ilse Bing

Helmut Newton

Jeanloup Sieff

Hannah Höch

André Kertész

Lee Miller

Frank Horvat

Irving Penn

Lee Friedlander

Jenifer Beals

Jenifer Beals

Интересные подборки фотографических автопортретов можно найти по ссылкам.

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

Автопортрет в изобразительном искусстве

Виды автопортрета

История

Античность

Изображения художников за работой встречаются в древнеегипетской живописи, а также на древнегреческих вазах. Одно из первых упоминаний об автопортрете конкретного художника встречается у древнегреческого философа и биографа Плутарха (ок. — ок. ), который пишет о том, что живший за несколько веков до него древнегреческий скульптор Фидий (ок. до н. э. — ок. до н. э.) включил самого себя в число персонажей композиции «Битва амазонок» в Парфеноне . Битва греков с амазонками была высечена на щите статуи Афины, а также на западной стене храма.

Эпоха Возрождения

Более пятидесяти автопортретов написал Альбрехт Дюрер ( -). Первый (рисунок серебряным карандашом) был создан, когда художнику было тринадцать лет. Двадцатидвухлетний Дюрер изображен также на «Автопортрете с гвоздикой » (1493, Лувр). Мадридский «Автопортрет » (1498, Прадо) изображает Дюрера человеком солидного достатка, добившимся признания. На следующем «Автопортрете » художник изобразил себя в образе Христа (Мюнхен, Старая Пинакотека).

Барокко

Большое количество автопортретов написал Рембрандт ( -). Художнику одно время приписывалось около 90 картин, содержащих его собственное изображение. Однако, как показал анализ, 20 «автопортретов» на самом деле были выполнены другими художниками. Отвергнут был, например, «автопортрет», приобретенный Штутгартской галереей в 1962 году. Недавно был обнаружен самый маленький автопортрет Рембрандта, составляющий восемь дюймов в высоту и около семи дюймов в ширину.

Постимпрессионисты

Ван Гог написал более двадцати автопортретов, причём всего за два года.

Среди рекордсменов по количеству автопортретов Фрида Кало . Она писала сама себя 55 раз.

Фотопортреты


Широко распространены два способа получения фотоавтопортретов: фотографирование своего отражения в зеркале, и фотографирование себя с фотоаппарата на вытянутой руке- селфи (по современному)

Напишите отзыв о статье «Автопортрет»

Литература

Искусствоведение

  • Г. Л. Васильева-Шляпина. Автопортретный жанр в мировом изобразительном искусстве. Вестник КрасГУ. ().

Психология самовосприятия

  • Wegner DM (2003) The mind’s self-portrait. Ann N Y Acad Sci 1001: 212-225. Автопортрет личности. Психология и нейронауки приближаются к пониманию разума и сознания. Между тем, каждый человеческий разум содержит автопортрет, содержащий самооценку мыслительных процессов. Этот автопортрет полагает, что действия человека управляются мыслями и, таким образом, тело управляется сознанием. Автопортрет приводит к убеждению, что мы сознательно желаем что-то делать. Исследования показывают, что такой автопортрет является карикатурой на функции мозга, но в то же время он является основой ощущения авторства и ответственности за собственные действия.
  • Позднее автор вернулся к этой теме в своей книге «В поисках себя (личность и её самосознание)», М., Политиздат, 1984 .

Автопортреты в неврологии

  • Tielsch AH, Allen PJ (2005) Listen to them draw: screening children in primary care through the use of human figure drawings. Pediatr Nurs 31(4): 320-327. Посмотрите, как они рисуют: диагностика детей по рисункам людей. Этот обзор литературы фокусируется на методе рисования людей в качестве метода диагностики. Детские рисунки могут распознать умственные расстройства. Авторы описывают использование автопортретов для диагностики эмоциональных расстройств у детей от 6 до 12 лет. Хотя эта методика не позволяет поставить окончательный диагноз, она полезна для распознавания проблем.
  • Morin C, Pradat-Diehl P, Robain G, Bensalah Y, Perrigot M (2003) Stroke hemiplegia and specular image: lessons from self-portraits. Int J Aging Hum Dev 56(1): 1-41. Гемиплегия после инсульта и зеркальное изображение: уроки, почерпнутые из автопортретов. Больные с гемиплегией имеют разнообразные проблемы самовосприятия, которые обусловлены неврологическими поражениями представления тела, либо психологическими проблемами с восприятием собственного я.

Автопортреты в литературе

Примечания

Ссылки

Жанры
Типы фотоаппаратов
Термины
Производители
Техника

Отрывок, характеризующий Автопортрет

– О! что говоришь! сказал другой. – Куда он поедет? Тут ближе.
Ростов задумался и поехал именно по тому направлению, где ему говорили, что убьют.
«Теперь всё равно: уж ежели государь ранен, неужели мне беречь себя?» думал он. Он въехал в то пространство, на котором более всего погибло людей, бегущих с Працена. Французы еще не занимали этого места, а русские, те, которые были живы или ранены, давно оставили его. На поле, как копны на хорошей пашне, лежало человек десять, пятнадцать убитых, раненых на каждой десятине места. Раненые сползались по два, по три вместе, и слышались неприятные, иногда притворные, как казалось Ростову, их крики и стоны. Ростов пустил лошадь рысью, чтобы не видать всех этих страдающих людей, и ему стало страшно. Он боялся не за свою жизнь, а за то мужество, которое ему нужно было и которое, он знал, не выдержит вида этих несчастных.
Французы, переставшие стрелять по этому, усеянному мертвыми и ранеными, полю, потому что уже никого на нем живого не было, увидав едущего по нем адъютанта, навели на него орудие и бросили несколько ядер. Чувство этих свистящих, страшных звуков и окружающие мертвецы слились для Ростова в одно впечатление ужаса и сожаления к себе. Ему вспомнилось последнее письмо матери. «Что бы она почувствовала, – подумал он, – коль бы она видела меня теперь здесь, на этом поле и с направленными на меня орудиями».
В деревне Гостиерадеке были хотя и спутанные, но в большем порядке русские войска, шедшие прочь с поля сражения. Сюда уже не доставали французские ядра, и звуки стрельбы казались далекими. Здесь все уже ясно видели и говорили, что сражение проиграно. К кому ни обращался Ростов, никто не мог сказать ему, ни где был государь, ни где был Кутузов. Одни говорили, что слух о ране государя справедлив, другие говорили, что нет, и объясняли этот ложный распространившийся слух тем, что, действительно, в карете государя проскакал назад с поля сражения бледный и испуганный обер гофмаршал граф Толстой, выехавший с другими в свите императора на поле сражения. Один офицер сказал Ростову, что за деревней, налево, он видел кого то из высшего начальства, и Ростов поехал туда, уже не надеясь найти кого нибудь, но для того только, чтобы перед самим собою очистить свою совесть. Проехав версты три и миновав последние русские войска, около огорода, окопанного канавой, Ростов увидал двух стоявших против канавы всадников. Один, с белым султаном на шляпе, показался почему то знакомым Ростову; другой, незнакомый всадник, на прекрасной рыжей лошади (лошадь эта показалась знакомою Ростову) подъехал к канаве, толкнул лошадь шпорами и, выпустив поводья, легко перепрыгнул через канаву огорода. Только земля осыпалась с насыпи от задних копыт лошади. Круто повернув лошадь, он опять назад перепрыгнул канаву и почтительно обратился к всаднику с белым султаном, очевидно, предлагая ему сделать то же. Всадник, которого фигура показалась знакома Ростову и почему то невольно приковала к себе его внимание, сделал отрицательный жест головой и рукой, и по этому жесту Ростов мгновенно узнал своего оплакиваемого, обожаемого государя.
«Но это не мог быть он, один посреди этого пустого поля», подумал Ростов. В это время Александр повернул голову, и Ростов увидал так живо врезавшиеся в его памяти любимые черты. Государь был бледен, щеки его впали и глаза ввалились; но тем больше прелести, кротости было в его чертах. Ростов был счастлив, убедившись в том, что слух о ране государя был несправедлив. Он был счастлив, что видел его. Он знал, что мог, даже должен был прямо обратиться к нему и передать то, что приказано было ему передать от Долгорукова.
Но как влюбленный юноша дрожит и млеет, не смея сказать того, о чем он мечтает ночи, и испуганно оглядывается, ища помощи или возможности отсрочки и бегства, когда наступила желанная минута, и он стоит наедине с ней, так и Ростов теперь, достигнув того, чего он желал больше всего на свете, не знал, как подступить к государю, и ему представлялись тысячи соображений, почему это было неудобно, неприлично и невозможно.
«Как! Я как будто рад случаю воспользоваться тем, что он один и в унынии. Ему неприятно и тяжело может показаться неизвестное лицо в эту минуту печали; потом, что я могу сказать ему теперь, когда при одном взгляде на него у меня замирает сердце и пересыхает во рту?» Ни одна из тех бесчисленных речей, которые он, обращая к государю, слагал в своем воображении, не приходила ему теперь в голову. Те речи большею частию держались совсем при других условиях, те говорились большею частию в минуту побед и торжеств и преимущественно на смертном одре от полученных ран, в то время как государь благодарил его за геройские поступки, и он, умирая, высказывал ему подтвержденную на деле любовь свою.
«Потом, что же я буду спрашивать государя об его приказаниях на правый фланг, когда уже теперь 4 й час вечера, и сражение проиграно? Нет, решительно я не должен подъезжать к нему. Не должен нарушать его задумчивость. Лучше умереть тысячу раз, чем получить от него дурной взгляд, дурное мнение», решил Ростов и с грустью и с отчаянием в сердце поехал прочь, беспрестанно оглядываясь на всё еще стоявшего в том же положении нерешительности государя.
В то время как Ростов делал эти соображения и печально отъезжал от государя, капитан фон Толь случайно наехал на то же место и, увидав государя, прямо подъехал к нему, предложил ему свои услуги и помог перейти пешком через канаву. Государь, желая отдохнуть и чувствуя себя нездоровым, сел под яблочное дерево, и Толь остановился подле него. Ростов издалека с завистью и раскаянием видел, как фон Толь что то долго и с жаром говорил государю, как государь, видимо, заплакав, закрыл глаза рукой и пожал руку Толю.
«И это я мог бы быть на его месте?» подумал про себя Ростов и, едва удерживая слезы сожаления об участи государя, в совершенном отчаянии поехал дальше, не зная, куда и зачем он теперь едет.
Его отчаяние было тем сильнее, что он чувствовал, что его собственная слабость была причиной его горя.
Он мог бы… не только мог бы, но он должен был подъехать к государю. И это был единственный случай показать государю свою преданность. И он не воспользовался им… «Что я наделал?» подумал он. И он повернул лошадь и поскакал назад к тому месту, где видел императора; но никого уже не было за канавой. Только ехали повозки и экипажи. От одного фурмана Ростов узнал, что Кутузовский штаб находится неподалеку в деревне, куда шли обозы. Ростов поехал за ними.
Впереди его шел берейтор Кутузова, ведя лошадей в попонах. За берейтором ехала повозка, и за повозкой шел старик дворовый, в картузе, полушубке и с кривыми ногами.
– Тит, а Тит! – сказал берейтор.
– Чего? – рассеянно отвечал старик.
– Тит! Ступай молотить.
– Э, дурак, тьфу! – сердито плюнув, сказал старик. Прошло несколько времени молчаливого движения, и повторилась опять та же шутка.
В пятом часу вечера сражение было проиграно на всех пунктах. Более ста орудий находилось уже во власти французов.
Пржебышевский с своим корпусом положил оружие. Другие колонны, растеряв около половины людей, отступали расстроенными, перемешанными толпами.
Остатки войск Ланжерона и Дохтурова, смешавшись, теснились около прудов на плотинах и берегах у деревни Аугеста.
В 6 м часу только у плотины Аугеста еще слышалась жаркая канонада одних французов, выстроивших многочисленные батареи на спуске Праценских высот и бивших по нашим отступающим войскам.
В арьергарде Дохтуров и другие, собирая батальоны, отстреливались от французской кавалерии, преследовавшей наших. Начинало смеркаться. На узкой плотине Аугеста, на которой столько лет мирно сиживал в колпаке старичок мельник с удочками, в то время как внук его, засучив рукава рубашки, перебирал в лейке серебряную трепещущую рыбу; на этой плотине, по которой столько лет мирно проезжали на своих парных возах, нагруженных пшеницей, в мохнатых шапках и синих куртках моравы и, запыленные мукой, с белыми возами уезжали по той же плотине, – на этой узкой плотине теперь между фурами и пушками, под лошадьми и между колес толпились обезображенные страхом смерти люди, давя друг друга, умирая, шагая через умирающих и убивая друг друга для того только, чтобы, пройдя несколько шагов, быть точно. так же убитыми.
Каждые десять секунд, нагнетая воздух, шлепало ядро или разрывалась граната в средине этой густой толпы, убивая и обрызгивая кровью тех, которые стояли близко. Долохов, раненый в руку, пешком с десятком солдат своей роты (он был уже офицер) и его полковой командир, верхом, представляли из себя остатки всего полка. Влекомые толпой, они втеснились во вход к плотине и, сжатые со всех сторон, остановились, потому что впереди упала лошадь под пушкой, и толпа вытаскивала ее. Одно ядро убило кого то сзади их, другое ударилось впереди и забрызгало кровью Долохова. Толпа отчаянно надвинулась, сжалась, тронулась несколько шагов и опять остановилась.
Пройти эти сто шагов, и, наверное, спасен; простоять еще две минуты, и погиб, наверное, думал каждый. Долохов, стоявший в середине толпы, рванулся к краю плотины, сбив с ног двух солдат, и сбежал на скользкий лед, покрывший пруд.
– Сворачивай, – закричал он, подпрыгивая по льду, который трещал под ним, – сворачивай! – кричал он на орудие. – Держит!…
Лед держал его, но гнулся и трещал, и очевидно было, что не только под орудием или толпой народа, но под ним одним он сейчас рухнется. На него смотрели и жались к берегу, не решаясь еще ступить на лед. Командир полка, стоявший верхом у въезда, поднял руку и раскрыл рот, обращаясь к Долохову. Вдруг одно из ядер так низко засвистело над толпой, что все нагнулись. Что то шлепнулось в мокрое, и генерал упал с лошадью в лужу крови. Никто не взглянул на генерала, не подумал поднять его.

Зачем художники создают автопортреты? Во–первых, это отличный способ получше познакомиться с собственным «я» и выразить себя, во–вторых — отточить мастерство, когда рядом нет модели.
Что перевешивает на чаше весов истории? Ведь некоторые портреты так и остались иллюстрациями к биографии, в то время как другие стали знаковыми шедеврами.

1. Леонардо да Винчи. Туринский автопортрет

Считается, что художник выполнил его в 60–летнем возрасте. Штриховка выполнена тонкими линиями слева направо — это характерный почерк да Винчи. Работа нарисована сангиной (материал, напоминающий красно–коричневый уголь) на бумаге. Идентификация проведена в XIX веке: рисунок соспоставили с портретом Платона на фреске Рафаэля «Афинская школа», прототипом для которого был Леонардо.
Тем не менее, некоторые искусствоведы продолжают доказывать, что туринский автопортрет — всего лишь качественная подделка под да Винчи. Однако железных фактов в поддержку своего мнения они не предоставили.
Где хранится: Королевская библиотека в Турине.
Кстати, существует теория, что великую Мону Лизу Леонардо да Винчи срисовал с себя, предав собственным чертам мягкости. К такому мнению ученые склоняются, сравнивая красавицу из Лувра с туринским автопортретом.

2. Автопортрет Дюрера

Сохранилось 17 автопортретов немецкого мастера Ренессанса, однако самым популярным является тот, что датирован 1500–м годом.


Лицу преданы божественные, иконографические черты. Художнику на время написания было 28 лет. В то время портреты «фас» в Европе были редкостью. В Италии их практически полностью сменили работы с поворотом головы в три четверти.
К слову, Дюрер одним из первых дал толчок к переоценке статуса художника. В то время в Германии рисунок считался ремеслом, и ставить автографы на работах было не принято. Дюрер всегда подписывал картины полным именем. Кроме того, он является первым европейским художником, написавшим автобиографию, и крупнейшим мастером ксилографии.
Где хранится: Старая пинакотека Мюнхена.

3. Караваджо. Предполагаемый автопортрет в образе Бахуса


Гений реализма всю жизнь рисовал автопортреты: его черты можно узнать в лице казненного на картине «Давид с головой Голиафа», в проходном персонаже на картине «Мученичество апостола Матфея», и даже в лике медузы Горгоны. Но в главной роли он предстает только в образе Бахуса!

Где хранится: Галерея Боргезе, Рим

4. Винсент Ван Гог. Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой

Написан в Арле на пике развития психологического расстройства. Картина была нарисована через несколько дней после того, как Ван Гог поссорился с другом Гогеном, запустил ему в голову стаканом, а после в приступе гнева отрезал сам себе мочку уха.
Где хранится: Частная коллекция Ниархоса, Чикаго

5. Поль Гоген. Автопортрет художника на фоне желтого Христа

Один из главных представителей постимпрессионизма и отец символизма нередко рисовал себя — как и его товарищ Ван Гог. Самые популярные автопортреты: с палитрой (1893 г), в шляпе (1893 г) и с «желтым Христом» (1889−1890 гг.). На последней за спиной мастера находится любимая работа, давшая начало символизму.
Где хранится: Музей д‘Орсе, Париж

6. Пьер Огюст Ренуар. Последний автопортрет

Потрясающий импрессионист, автор новаторского для своего времени портрета актрисы Жанны Самари, прожил долгую жизнь и на старости влюбился в юную натурщицу (об этом снят фильм «Ренуар. Последняя любовь»). На последнем автопортрете (1910 г.) живописец выглядит абсолютно счастливым. На тот момент ему было без малого 70 лет.
Где хранится: частная коллекция

7. Автопортрет Модильяни

Работы художника отличаются самобытным авторским стилем — его невозможно спутать не с кем. Как ни странно, ловелас и покоритель сердец редко рисовал себя. Широко известен только один портрет, выполненный в 1919 году, меньше чем за год до смерти автора.
Где хранится: музей современных искусств в Сан–Пауло, Бразилия

8. Френсис Бэкон, Автопортрет № 1

Среди десятков автопортретов этот — чуть ли не единственный, у которого есть туловище. Интересно, что оно «позаимствовано» у другого художника, Люсьена Фрейда (к такому выводу пришли исследователи аукциона Сhristie’s).
Этот коллега — излюбленная модель Бэкона. На сегодня триптих «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда» является самым дорогим произведением искусства из когда–либо проданных. Рекорд установлен в ноябре 2013 года на Сhristie’s: работа ушла с молотка за 142,4 млн долларов.

Где хранится: центр Помпиду

9. Автопортрет Рембрандта

Написан в 1640 году, в зените славы, когда знатные богатые голландцы буквально заваливали художника заказами. Рембрандт решил увековечить собственную состоятельность и признание: на картине он сидит в чинной позе, одетый в дорогие платья. Этой работой автор хотел поставить себя в одну линию с Дюрером, Тицианом и Рафаэлем, которых очень уважал. В целом в своих картинах он нередко «соревновался» с Тицианом: брал типичные для коллеги сюжеты и переигрывал в своем стиле.
Где хранится: Национальная галерея, Лондон
В автопортрете 1640 года повторена классическая позы персонажей Дюрера и Тициана: все они правой рукой опираются на парапет. Согласно рентгенограмме, первоначально на парапете была левая рука Рембрандта.

10. Пабло Пикассо. Автопортрет в голубой период

Испанец рисовал себя на протяжении всей жизни. Сущствуют десятки автопортретов Пикассо — от крайне реалистичных до тех, что идеально вписываются в каноны кубизма. Интересно, что на самом известном автопортрете «голубого» периода художник меньше всего похож на себя.
Где хранится: Музей Пикассо, Барселона

АВТОПОРТРЕТ В ЖИВОПИСИ (ГОЛЛАНДСКИЕ ХУДОЖНИЦЫ ХХ ВЕКА. «ARTI ET AMICITIAE» — «ИСКУССТВО И ДРУЖБА»)

Вчера отмечала свой день рождения мой давнишний друг по Ли.ру Муромлена. Елена является поклонницей изобразительного искусства Нидерландов, настоящей «голландской всезнайкой»! Пишу об этом абсолютно без иронии, а с искренним восхищением преданностью этому огромному пласту мировой живописи, с радостью за то, что в своем дневнике Елена публикует интересные и подробные материалы о художниках, и с благодарностью за эти замечательные материалы. Спасибо, Елена, за нашу виртуальную дружбу, за то, что мы часто взаимодействуем в работе над постами, посвященными голландцам. Традиционно желаю Вам удачи и вдохновения!!! Вчера не успел отредактировать биографические данные, поэтому сегодня все же решил поместить несколько автопортретов голландских женщин-художниц первой половины ХХ века, которые внесли и огромный, и скромный вклад в развитие голландской живописи! Конечно, слава их знаменитых предшественниц Золотого века, да и современников, коллег-мужчин как-то затмила их творчество, но любителям живописи все же известна хотя бы часть этих имен, каждое из которых достойно отдельного рассказа.

Тереза Шварц
Thérèse Schwartze

20 декабря 1851 — 23 декабря 1918

Thérèse Schwartze (Dutch, 1851-1918) Zelfportret. 1917 г. Rijksmuseum, Amsterdam

Голландская художница-портретистка.
Тереза родилась в Амстердаме, в семье голландского художника-портретиста немецкого происхождения Йохана Георга Шварца (Johan Georg Schwartze, 20 октября 1814 – 28 августа 1874), который и давал первые уроки рисования дочери. У девочки было две сестры – младшая Джорджина, которая впоследствии стала скульптором, и старшая Клара Терезия (по-домашнему – Трес), которая была тоже художницей, да я дочь ее, племянница Терезы — Лиззи Ансинг, тоже посвятила жизнь живописи. Как говорится, налицо целая династия.

Окончив школу, Тереза в 1876 году отправилась в Мюнхен, где в течение года занималась у живописцев Габриэля Макса (Gabriel Cornelius Ritter von Max, 23 августа 1840 — 24 ноября 1915) и Франца фон Ленбаха (Franz von Lenbach, 13 декабря 1836 — 6 мая 1904). В Мюнхене девушке пришлось нелегко, особенно пережить зиму, она практически не участвовала в художественной жизни города, проводя почти все свое время в мастерской, где зимой даже окна часто замерзали. Поэтому через год Тереза вернулась в Амстердам. Но, понимая, что нужно продолжать образование, в 1879 году девушка уехала в Париж, где стала ученицей академистов Жана-Жака Эннера (Jean-Jacques Henner, 5 марта 1829 — 23 июня 1905) и Леона Бонна (Leon Joseph Florentin Bonnat, 20 июня 1833 – 8 сентября 1922), который открыто восхищался талантом художницы. Вернувшись на родину, Шварц очень быстро стала пользоваться спросом у богатой элиты города, которые заказывали ей свои портреты.
В 1906 году художница вышла замуж за журналиста и редактора Антона ван Дейла (Anton van Duyl, 8 декабря 1829 — 22 июля 1918), с которым прожила в браке 12 лет. Художница активно занималась творчеством, супруг писал для нидерландских и британских журналов и газет. Шварц была одной из немногих голландских женщин-художниц, которые были удостоены заказом на автопортрет для галереи Уффици во Флоренции. В конце 1910-х годов Тереза много времени и внимания уделяла своему больному супругу, с которым у нее была большая разница в возрасте. Сама она в это время уже была больна, но пыталась скрыть это от мужа. 22 июля 1918 года Антон ван Дейл скончался, это стало огромным ударом для художницы, она перестала заниматься творчеством и даже не заходила в мастерскую. Ее собственная болезнь также подорвала силы художницы, и 23 декабря 1918 года Тереза Шварц тихо скончалась.

Сюзи Бисхоп-Робертсон
Suze Bisschop-Robertson

17 декабря 1855, Гаага – 18 октября 1922, Гаага

Suze Bisschop-Robertson (Dutch, (1856-1922) Zelfportret.

Голландская художница.
Сюзи родилась в Гааге, где с 1875 по 1877 год училась в Королевской академии художеств в женском классе. Ее педагогом был художник и скульптор Ян (Йохан) Филипп Кулман (Jan (Johan) Philip Koelman, 11 марта 1818 – 10 января 1893). После получения диплома преподавателя рисования в средней школе, художница отправилась работать по специальности в Роттердам, а в 1882 году переехала в Амстердам и поступила на вечернее отделение амстердамской Академии художеств. Решив посвятить свою жизнь живописи, Сюзи уже в 1883 году решила отказаться от преподавания. Уже в мае 1883 года она представила свой «Натюрморт с овощами» на Международной выставке в Амстердаме. В 1884 году художница вернулась в Гаагу, и между 1884 и 1889 годами часто посещала сельскую местность, села Бларикум и Ларен, где активно занималась творчеством и писала жанровые сцены и натюрморты.
В 1892 году Робертсон вышла замуж за художника Ричарда Бисхопа (Richard Bisschop, 1849-1926), который специализировался на изображении церковных интерьеров. Художница стала членом художественной студии «Pulchri» в Гааге («pulchri» с латыни – «изучение красоты»), образованной в 1847 в доме художника Ламберта Гарденберга, как ответ на растущее недовольство среди молодых художников в Гааге недостаточностью возможностей для обучения и развития. Членами студии с каждым годом становилось всё больше художников, которые имели возможность встречаться, показывать свои работы, обменяться мнениями. Рост числа участников побудил организаторов студии в 1901 году арендовать целое здание в городе. Сюзи была также членом Общества художников «Искусство и дружба» (Arti et Amicitiae).
Рождение в 1894 году дочери на несколько лет прервало художественную карьеру Бисхоп-Робертсон, но с начала 1900-х годов художница снова активно занялась живописью. Основными темами Сюзи были: женщины за работой, интерьеры старых домов и сюжетные сценки в крестьянских дворах. Ужасы Первой мировой войны произвели на художницу такое глубокое впечатление, что в конце 1910-х она перестала рисовать. Сюзи Бисхоп-Робертсон умерла в Гааге в 1922 году в возрасте 67 лет.

Мария Виллемина Вандссхер
Marie Willemina Wandscheer

19 ноября 1856, Амстердам – 18 сентября 1936, Эде

Marie Wandscheer (Dutch, 1856-1936) Zelfportret.

Голландская художница.
Мария родился в семье директора судоходной компании Иоганна Христиана Фредерика Вандссхера и его жены Анны Кристины Пилгер. У Марии были старшая сестра Иоганна София Хендрика (род. 1854), младшая сестра Иоганна Маргарита (род. 1858) и брат Йохан Хендрик Мартин (род. 1863). В 19 лет девушка стала брать уроки у художника Валентейна Бинга (Valentijn Bing, 1812-1895), а в 1876 году поступила в Королевскую академию изящных искусств в Амстердаме, который окончила в 1886 году. Ее педагогом был профессор Август Аллебе (August Allebé, 19 апреля 1838 — 10 января 1927), который с 1880 года был в должности ректора Академии.
Во время своего длительного обучения, поскольку недостатка в деньгах на учебу не было, Мария познакомилась со многими художницами, которые были членами группы «The Amsterdamse Joffers». Женщины-художницы еженедельно встречались, чтобы рисовать, показывать свои работы друг другу и обсуждать их. Они были известны своим стилем, продолжающим традиции импрессионистов, все были членами художественного общества «Arti et Amicitiae» и Гильдии Святого Луки, а многие из них были ученицами Аллебе. Среди известных членов этой группы были Коба Ритсема (Coba Ritsema, 1876-1961), Лиззи Ансинг (Lizzy Ansingh, 1875-1959), Мария ван Регтерен Альтена (Marie van Regteren Altena, 1868-1958), Нелли Боденхайм (Nelly Bodenheim, 1874-1951), Якоба Сури (Jacoba Surie, 1879-1970), Анс ван ден Берг (Ans van den Berg, 1873-1942), Сюзи Бисхоп-Робертсон (Suze Bisschop-Robertson, 1855-1922) и Бетси Вестендорп-Осик (Betsy Westendorp-Osieck, 1880-1968).
До 1892 семья художницы жила в Амстердаме, где Мария занималась живописью и работала в здании ратуши «Новый Амстел». В мае 1896 года родители с четырьмя детьми решили переехать в небольшой городок Эде, где поселились на «Вилле Хьюго». В этом доме семья Вандссхер будет жить до 1947 года. В 1897 году умирает глава семейства, в следующем – брат художницы, холостой Йохан в возрасте 36 лет, мать Анна Кристина Пилгер умирает в 1912 году. И три незамужние сестры Вандссхер остаются в Эде сами вместе с экономкой Миной, которая прослужила в этой семье более 50 лет.
В период с 1893 по 1902 год на вилле Зоннеберг в Эде жил художник и гравёр Виллем Витсен (Willem Witsen, 13 августа 1860 — 13 апреля 1923). Вместе с писателем Виллемом Клосом он часто бывал в гостях у сестер, с Марией они позировали друг другу, художница брала у Виллема Витсена уроки езды на велосипеде, но личные отношения у них не сложились.

Willem Witsen (Dutch, 1860-1923) Portrait of Marie Willemina Wandscheer.

В Эде в полной мере проявился талант Марии, сформиравалась специализация. Художница писала натюрморты, в основном цветочные, но также показала себя отличной портретисткой. Ее младшая сестра Маргарита (в семье ее называли Ита) тоже занималась живописью, но она была менее известна, чем Мария. Сестры на протяжении многих лет экспонировались на выставках в Амстердаме и Гааге, правда, в самом Эде выставка прошла лишь однажды. Сестры, получив родительское наследство, не нуждались в деньгах, поэтому их многочисленные работы продавались за небольшие суммы и имелись чуть ли не в каждом доме Эде и окрестностей.
Мария была членом нескольких объединений художников – «Arti et Amicitiae» и Гильдия святого Луки в Амстердаме и общества «Живопись» в Дордрехте.
Мария Вандссхер умерла 18 сентября 1936 года и была похоронена в Эде. Через три года не стало сестры Софи. Маргарита покинула этот мир в 1947 году, прервав династию Вандссхеров. Интересно, но ретроспективная выставка Марии Вандссхер была организована в Эде только в 1973 году, а следующая – спустя 33 года.

Нелли (Иоханна Корнелия Германа) Боденхейм
Nelly (Johanna Cornelia Hermana) Bodenheim

27 мая 1874, Амстердам – 7 января 1951, Амстердам

Jacoba Johanna (‘Coba’) Ritsema (Dutch, 1876-1961) Portret door Nelly Bodenheim (Dutch, 1874-1951).

Голландская художница, график и декоратор.
Нелли получила образование в Академии изящных искусств в Амстердаме, где училась у художника-портретиста, поэта и художественного критика Яна Питера Вета (Jan Pieter Veth, 18 мая 1864 — 1 июля 1925). Возможно, именно Вет повлиял на то, что Боденхейм в своем творчестве занималась книжными иллюстрациями, цветными литографиями и черно-белыми силуэтами, плакатами и открытками, сотрудничая, например, с детским журналом «Наш дом» Генриетты Дитц и Катарины Леопольд. Отмечу, что историки считают Нелли Боденхейм одной из самых известных фигур в группе женщин-художниц «The Amsterdamse Joffers».

Thérèse Schwartze (Dutch, 1851-1918) Portret door Nelly Bodenheim (Dutch, 1874-1951).

Лиззи (Мария Элизабет Георгина) Ансинг
Lizzy (Maria Elisabeth Georgina) Ansingh

13 марта 1875, Утрехт — 14 декабря 1959, Амстердам

Betsie Westendorp-Osieck (Dutch, 1880-1968) Portret van Lizzy Ansingh. 1916 г.

Голландская художница.
Лиззи родилась в семье фармацевта Эдзарда Виллема Ансинга и художницы Клары Терезии Шварц. Дед девочки — Иоганн Георг Шварц был художником, тетя Тереза Шварц – тоже, кстати, именно тетя, а не мать, давала Лиззи первые уроки рисования. Историки пишут, что девочка жила со своей тетей Терезой с 17-летнего возраста на протяжении 16 лет (1892-1908), именно тетя рассмотрела в Лиззи талант, посещала с ней музеи и выставки как дома, так и за рубежом, познакомила с творчеством как французских импрессионистов и лично со знаменитыми голландскими художниками Брайтнером, Мондрианом и Марисом.

Thérèse Schwartze (Dutch, 1851-1918) Portrait of Lizzie Ansingh. 1902 г. Rijksmuseum, Amsterdam, Netherlands

С 1893 по 1897 год девушка брала уроки живописи у известного художника Герарда Хендрика Корнелиуса Овермана (Gerhard Hendrik Cornelius Overman, 13 июля 1855 – 4 марта 1906). В 19 лет, параллельно с занятиями у Овермана, Лиззи поступила в Королевскую академию изобразительных искусств в Амстердаме, где ее педагогами были не менее известные живописцы – профессора Август Аллебе (August Allebé, 19 апреля 1838 — 10 января 1927), Карел Дак (Carel Lodewijk Dake, 1886-1946) и Николас ван дер Вай (Nicolaas van der Waay, 15 октября 1855 — 18 декабря 1936). В Академии Ансинг много копировала греческие и римские статуи, которые помогали ей изучать анатомию и пробовать себя в портретном жанре. Историю искусства Лиззи изучала на лекциях известного искусствоведа Альберта Плассхарта.

Lizzy Ansingh (Dutch, 1875-1959) Self-Portrait.

Но главное, что окончив Академию в 1897 году, Ансинг познакомилась и подружилась со многими студентками и уже выпускницами, которые чуть позже организуют женскую художественную группу «The Amsterdamse Joffers», членом которой станет и Лиззи. Кроме того. Художница была членом объединения художников «Arti et Amicitiae» и Гильдии святого Луки, которые, кстати, существуют и сейчас.

Jacoba Johanna (‘Coba’) Ritsema (Dutch, 1876-1961) Portret door Maria Elisabeth Georgina (‘Lizzy’) Ansingh. 1905 г.
Maria Elisabeth (Lizzy) Georgina Ansingh, 1875-1959) Zelfportret.

После окончания Академии Лиззи начала рисовать портреты, натюрморты и тропических птиц. В 1899 году она написала портрет матери, который получил признание критики и публики на выставке Гильдии святого Луки в 1900 году. Но больше всего художнице нравилось рисовать кукол, и эта тема поощрялась Терезой Шварц, с которой Лиззи продолжала тесно общаться. С начала 1900-х годов Ансинг изображение кукол сделала главной темой своего творчества. Причем, историки называют «кукольную живопись» художницы уникальным жанром в истории голландского искусства, поскольку Лиззи изображала и представляла кукол не только как игрушки, но и как одушевленные объекты. Куклы на картинах изображали человеческие добродетели и пороки (1914 году была создана серия «Семь смертных грехов»), композиционно куклы даже представляли жанровые сценки. Например, в 1918 году, когда скончалась Тереза Шварц, Лиззи написала в память о ней картину «Похороны», а в 1936 году была создана картина «Свадьба куклы».

Maria Elisabeth (Lizzy) Georgina Ansingh, 1875-1959) Self-Portrait.
Maria Elisabeth (Lizzy) Georgina Ansingh, 1875-1959) Self-Portrait.

Помимо живописи, Лиззи Ансинг также написала две книги для детей «Маленькая корзина с фруктами» (1927) и «У тети Тор день рождения» (1950). Вторую книгу проиллюстрировала подруга Лиззи – Нелли Боденхайм. Писала художница и стихи, которые в 1956-1957 годах публиковались в литературном журнале «Maatstaf», издала путевые зарисовки «Художественные сокровища из Прадо». А еще в 1930 году попробовала себя в качестве иллюстратора, оформив книгу Марии ван Зеггелен.
Умерла Лиззи Ансинг 14 декабря 1959 года в Амстердаме.

Эльза Берг
Else Berg

19 февраля 1877 — 19 ноября 1942

Else Berg (Dutch, 1877-1942) Zelfportret. 1917 г. Jewish Historical Museum, Amsterdam

Голландская художница польско-еврейского происхождения.
Эльза родилась в Верхней Силезии, когда она была частью Германии. Где и у кого училась девушка, как она оказалась в Голландии неизвестно, но с самого начала творческой жизни Берг, как художница, пользовались успехом. В 1909 году Эльза познакомилась и вскоре вышла замуж за голландского художника и графика еврейского происхождения Момми (Самуэля Лезера) Шварца (Samuel Leser (Mommie) Schwarz, 28 июля 1876 — 19 ноября 1942), выходца из городка Зютфен. Супруги много путешествовали по стране и за границу, вместе и по отдельности. Картины и рисунки, созданные этой семейной парой, показывают творческое влияние, которое они оказывали друг на друга. Начиная с 1914 года, Эльза и Момми часто проводили время в районе Берген в Северной Голландии, где была основана колония художников, проповедующих экспрессионизм в голландской живописи. Поэтому часто Берг и Шварца называют представителями Бергенской школы. Супруги также активно участвовали в художественной жизни Амстердама. Надо отметить, что творчество Шварца в полной мере оценили только в конце 1920-х годов, когда художнику исполнилось пятьдесят лет.
После начала Второй мировой войны и оккупации Голландии художникам запретили выставлять свои работы. Эльза и Момми вдвоем решили не уезжать из Амстердама, не прятаться, как евреи, в подполье и отказались носить звезду Давида на одежде. 12 ноября 1942 года Берг и Шварц были арестованы немцами и депортированны через голландский транзитный лагерь Вестерборк в концлагерь Освенцим. Сразу же по прибытии 19 ноября 1942 Эльза и Момми были убиты.
После войны творчество этих художников было почти забыто, и только в последние годы наблюдается возобновление интереса к их сохранившимся картинам. Об этом говорит, например, большая ретроспективная выставка «Художественная пара голландского авангарда», организованная в 2012 году Еврейским историческим музеем. На выставке было представлено более восьмидесяти картин и рисунков Эльзы Берг и Момми Шварца из собраний самого музея и частных коллекционеров. К выставке была выпущена большая иллюстрированная монография-каталог, написанная Линдой Хорн.

Якоба (Коба) Сури
Jacoba (Coba) Surie

9 мая 1879, Амстердам – 2 мая 1970, Амстердам

Jacoba Surie (Dutch, 1879-1970) Zelfportret. 1919 г.

Голландская художница и график.
Странно, но об этой художнице известно совсем немного. Родилась Коба в Амстердаме, училась в Королевской академии изобразительных искусств в Амстердаме, сначала в 1901-1906 годах у голландского скульптора еврейского происхождения, одного из создателей современной школы скульптуры в Нидерландах – Иосифа Мендеса да Коста (Joseph Mendes da Costa, 1863-1939), затем в 1908-1910 годах – у уже известной своей тёзки Якобы Йоханы (Кобы) Ритсема (Jacoba Johanna (Coba) Ritsema, 26 июня 1876 — 13 декабря 1961). Ритсема родилась в художественной династии, окончила в 1897 году Академию в Амстердаме, специализировалась на портретах и натюрмортах, была членом нескольких художественных объединений, обладательницей наград Всемирной выставки в Брюсселе (1910), Международных выставок в Амстердаме (1912, 1923) и Королевской медали ь королевы Вильгельмины. Сури также писала портреты, фигуры в интерьере и натюрморты, в основном, с дарами моря. Пробовала художница себя также в технике офорта и литографии. В 1913 году Коба получила первое место на конкурсе Виллинка ван Коллена, а в 1929 году ей была вручена Королевская медаль Вильгельмины. Сури побывала в Италии и Франции, но с 1911 года до самой смерти проживала и трудилась в Амстердаме. Художница была членом известной женской голландской группы «De Amsterdamse Joffers», Общества голландского искусства, Гильдии святого Луки и объединения «Arti et Amicitiae».

Харлей Тороп
Charley Toorop

24 марта 1891, Катвейк — 5 ноября 1955, Берген

Charley Toorop (Dutch, 1891-1955) Zelfportret. 1928 г. Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

Голландская художница и литограф, дочь голландского символиста Яна Торопа. Ее полное имя – Анна Каролина Понтифекс Фернхаут-Тороп (Annie Caroline Pontifex Fernhout-Toorop). Трем поколениям семьи Тороп я посвящал серию материалов в своем дневнике, поэтому пройдусь «пунктирно» по биографии художницы.
Детство Харлей провела в Катвейке на семейной вилле «Барни», но после развода родителей мать в 1902 году увезла дочь в Англию. Сначала девочка была увлечена музыкой, занималась вокалом и игрой на скрипке. Музыкальные занятия продолжились во время посещения в Париже в 1903 году, и после возвращения на родину. Но в 1905 году Харлей забросила музыку и решила стать, как отец, художницей. Первые уроки она брала у отца, затем посещала занятия у художника Бреммера (1871-1956), но профессионально Тороп нигде не училась, и биографы называют ее самоучкой.
Уже с января 1905 года вместе с отцом Харлей летом выезжала на плэнер в Домбург, где находилась международная колония художников. Знакомство и дружба с художниками Бергенской школы, среди которых были Лео Гестель, Дирк Филарски и Пит Уигман, помогли формированию индивидуального стиля художницы, в котором она использовала принципы люминизма. Первую большую картину девушка написала в 1909 году, а в 1911 году продемонстрировала свои работы друзьям отца в его мастерской.
В мае 1912 года художница вышла замуж за философа Хенка Фернхаута (Henk Fernhout), в этом же году родила сына Эдгара (Edgar Fernhout, 1912–1974), который стал художником, а в следующем году сына Джона (John Fernhout, 1913–1987), ставшего кинорежиссером, но в 1917 году брак художницы распался.
В 1910-х годах Тороп изучает принципы экспрессионизма, начинает экспериментировать с цветами, пишет пейзажи, портреты и автопортреты и экспонируется на выставках современного искусства и Общества независимых в Амстердаме. Между 1915 и 1919 годами художница часто переезжала, жила в Ларене, Амстердаме и Утрехте. В 1916 году Харлей Тороп стала членом группы художников «Сигнал» (The Signal), которых считают приверженцами Бергенской школы. В 1920 году художница побывала в бельгийском городе Боринаж (Borinage), где изучала творчество Ван Гога, в 1919-1921 годах часто посещала Париж, где познакомилась и подружилась с земляками Бартом ван дер Леком и Питом Мондрианом. Кстати, официально впервые Тороп выставилась именно в Париже в 1921 году. С 1924 года художница каждое лето проводила в Весткапелле рядом с городом Валхерен, где писала типажи крестьян, наполняя работы, по мнению искусствоведов, «суровой монументальной экспрессией». После знакомства с кинорежиссером Ивенсом и переезда в 1926 году в Амстердам, творчество Тороп попадает под влияние кинематографа, она часто изображает на картинах фигуры, стоящие словно под лучами софитов на съемочной площадке. Среди друзей художницы были видные интеллектуалы того времени – поэты Адриан Роланд Холст и Хенни Марсман, художник Пит Модриан, скульптор Джон Рёдекер, архитекторы Ритвельд и Куид, и даже анархист Артур Ленинг.
Творчество Харлей Тороп расцветает в полную силу в 1930-е годы, она пишет много женских фигур, ню и автопортреты в реалистическом стиле. После 1945 года Тороп испытывала все больше симпатий к коммунизму, в 1947 году она вступила в компартию Нидерландов. Харлей Тороп умерла 5 ноября 1955 года в Бергене, в своем доме под названием «Шестерня», который сама спроектировала и построила много лет назад. Самые известные работы Тороп находятся в музее Креллер-Мюллера в городе Оттерло. Искусствовед Мария Босма написала о жизни и творчестве Тороп книгу, а в августе 2008 года организовала ретроспективную выставку художницы в Музее современного искусства в Париже.

Грета (Маргарета Корнелия) Брюгом
Greta (Margaretha Cornelia) Bruigom

26 мая 1894, Дельфт – 26 ноября 1935, Гаага

Margaretha Cornelia (Greta) Bruigom (Dutch, 1894-1935) Self-Portait with a Green Parrot.

Голландская художница.
Увы, информации о Брюгом в Сети практически нет…

Рахиль Бас
Rachel Baes

1 августа 1912, Брюссель — 8 июня 1983, Брюгге

Rachel Baes (Belgian, 1912-1983) Self-Portrait. 1949 г.

Бельгийская художница-сюрреалист.
Рахиль родилась в Брюсселе в семье художника, пейзажиста и портретиста Эмиля Баса (Émile Baes, 1879/1889-1954), который с детства обучал дочь рисованию. Но в дальнейшем Рахиль специального образования так и не получила, хотя сам Эмиль Бас учился в Академии изящных искусств в Брюсселе у бельгийского живописца Жозефа Сталларта (Joseph Stallaert, 1823-1903), а потом у Бонна и Кабанеля в Париже.
В 1929 году, в возрасте 17 лет, Бас, благодаря протекции отца, выставила свои картины на Салоне Независимых в Париже и получила первое признание, как художник. Во Франции молодая художница стала членом группы сюрреалистов, которая была организована Рене Магриттом. Рахиль была знакома с Андре Бретоном, Жаном Кокто, Максом Эрнстом и Полем Элюаром.
В 1936 году художница позракомилась с бельгийским политиком, юристом и военным Йорисом ван Севереном (Joris van Severen, 1894 – 20 мая 1940), и у них начался четырехлетний роман. Северен был членом бельгийского парламента, в октябре 1931 года он создал и возглавил крайне правую партию – Союз германской национальной солидарности ДИНАСО (Verbond van Dietsche Nationaal-Solidaristen), превратив ее практически в филиал германской разведки, хотя и пытался вести самостоятельную политику противодействия откровенному диктату Берлина. После начала второй мировой войны Йорис был арестован бельгийской полицией, объявлен шпионом и расстрелян во Франции. Личные отношения с «врагом народа» запятнали репутацию художницы. После войны Рахиль продолжала заниматься творчеством и участвовать в выставках, но после 1961 года отошла от общественной жизни и жила очень уединенно в Брюгге. В 1965 году она написала биографическую книгу о Северене «Йорис ван Северен, моя душа». После смерти художницы в 1983 году, по ее завещанию, Рахиль Бас была похоронена в городке Аббевилль, рядом с могилой ван Северена.

Источники – Википедия, сайт Нидерландского института истории искусства, сайты 1, 2, 3.

Самая смелая форма искусства? Блог Artweb

Холли Дафферн в How To


Автопортреты очень интересны. Многие из нас рисовали их. Легче и удобнее дотянуться до зеркала, чем долго усадить кого-то другого. Тем не менее, образ, который мы видим, всегда перевернут, и наши собственные идеи и предубеждения о себе могут помешать созданию великой картины.

Фото iStock.com/delamofoto

Когда вы рисуете автопортрет, должны ли вы рисовать лицо, которое, по вашему мнению, видит мир, или пытаться запечатлеть глубины себя, которые часто остаются скрытыми? Ваш автопортрет будет просто упражнением или станет частью вашей коллекции? Если есть интерес, вы бы продали его или это показалось бы вам слишком личным? Все эти вопросы делают автопортрет очень сложной картиной для реализации.

Так что же делать?

Любой опытный художник знает, что вам нужно наблюдать за вещами, прежде чем вы сможете рисовать или рисовать их. Самая сложная часть автопортрета — это смотреть на себя. Большинство из нас может смотреть в зеркало, чистя зубы, или проверять одежду перед выходом из дома, но мы редко сосредотачиваемся на своем лице. Даже человек с макияжем может выделить свои черты по отдельности, а не осматривать лицо целиком.

Прежде чем писать автопортрет, изучите форму и форму и постарайтесь дистанцироваться от реальности лица перед вами.

Винсент Ван Гог — Автопортрет без бороды (изображение в свободном доступе)

Запечатлеть выражение лица и характер может быть особенно сложно, когда вы делаете автопортрет. Зеркала могут ограничивать и предлагать только несколько решений. Сядьте неподвижно, чтобы освещение было равномерным, и попросите друга сфотографировать, как вы разговариваете, чтобы запечатлеть изменения в выражении вашего лица. В качестве альтернативы вы можете использовать камеру с интервальной съемкой, чтобы собрать несколько разных лиц. Чтобы запечатлеть свое истинное сходство, вам понадобятся естественные выражения лица, а не что-то наигранное или надуманное.

Может возникнуть соблазн попытаться украсить собственное лицо, скрыть морщинки «гусиных лапок» или смягчить темные участки. Прежде чем начать, примите решение представить именно то, что вы видите. Точно так же не подчеркивайте недостатки и не подчеркивайте особенности, которые кажутся вам менее подходящими. Будьте настоящими и честными. Не позволяйте портрету быть откровением (низкой) самооценки, рассматривайте его как этюд. Со временем ваши портреты могут превратиться в произведения, посвященные теме самовосприятия, но прежде чем вы приступите к чему-либо в таком ключе, жизненно важно научиться рисовать или рисовать себя с поразительной физической точностью.

Рембрандт – Автопортрет с двумя кругами (изображение в свободном доступе)

При работе с автопортретами важно не рассматривать первый сложный автопортрет как окончательную картину. Даже если вы безмерно этим гордитесь, подумайте, как еще можно интерпретировать свое лицо. Такие художники, как Рембрандт, написали такое количество автопортретов, что мы действительно можем извлечь из них его личность. Они демонстрируют его физическое сходство, а также огромное чувство духа; исполнение картин тоже очень показательно.Вы можете поиграть с медиа или добавить символические объекты в манере Фриды Кало.

Автопортрет часто можно отличить по тому, как он выделяется на фоне портретов других людей. Они как бы раскрывают больше, кажется, что расстояние между холстом и человеком меньше, а честность громче, чем когда-либо.

Фото iStock.com/Jenny Fay

Именно интимность автопортрета делает его очень трудным, а также таким полезным. Конечно, автопортрет технически сложен.Большинство из нас предпочитает рисовать с натуры, а это то, что мы никогда не сможем сделать, когда рисуем сами. Использование зеркала предполагает изменение фокуса с зеркала на холст, что означает, что у нас никогда не будет статичной модели, но мы также можем обнаружить, что наша техника рисования становится более ограничивающей, поскольку движение и свобода запрещены. Помимо практических элементов, так трудно посмотреть себе в глаза и сказать: «Вот я» в смелом шквале краски: «Это я в моем самом обнаженном состоянии». Наличие технических способностей, художественной чувствительности и творческой честности для создания достойного автопортрета является важным моментом в карьере любого художника.

Гюстав Курбе – Автопортрет, Мужчина с трубкой (изображение в свободном доступе)
Просто хотел сказать, какая у вас фантастическая система поддержки/информации. Я только что прочитал информационный бюллетень о законе об авторских правах на изображения, и он очень информативен… спасибо!»
Мишель Уоллингтон

Арт-объект Страница

Хотя его карьера была короткой, всего 10 лет, Винсент Ван Гог оказался исключительно плодовитым и новаторским художником.В то время как он экспериментировал с различными предметами — пейзажем, натюрмортом, портретной живописью — именно его автопортреты стали определять его как художника. Как и его предшественник Рембрандт ван Рейн, Ван Гог был преданным и пытливым практиком в искусстве автопортрета. Он написал не менее 36 автопортретов, предприняв свои первые набеги сразу после прибытия в Париж в марте 1886 года и выполнив свои последние, кульминационные работы во время своего пребывания в приюте Сен-Поль-де-Мавзоль в Сен-Реми.Полотно «Вашингтон» — один из самых последних автопортретов, написанных Ван Гогом.

В первые месяцы своего добровольного интернирования в приюте художник мало интересовался фигурной живописью и сосредоточился на окружающем пейзаже. Но в начале июля 1889 года, рисуя на полях возле приюта, Ван Гог перенес тяжелый нервный срыв, который мог быть симптомом эпилепсии. Выведенный из строя на пять недель и сильно расстроенный пережитым, художник удалился в свою мастерскую, отказываясь выходить даже в сад.Эта картина — первая работа, которую он создал после того, как оправился от этого эпизода. В письме своему брату Тео, написанном в начале сентября 1889 года, он заметил:

Говорят — и я очень хочу в это поверить, — что познать себя трудно, — но и рисовать себя тоже нелегко. Итак, в данный момент я работаю над двумя своими портретами — из-за отсутствия еще одной модели — потому что времени больше, чем я немного поработал с фигурой. Одну я начал в тот же день, когда встал; Я был худым и бледным, как привидение.Он темно-фиолетово-синий, а голова беловатая с желтыми волосами, поэтому он имеет цветовой эффект. Но с тех пор я начал еще один, длиной в три четверти на светлом фоне. [1]

Этот автопортрет представляет собой особенно смелую картину, очевидно выполненную в один присест без последующей ретуши. Здесь Ван Гог изобразил себя за работой, одетый в свой художественный халат, с палитрой и кистями в руке, этот образ он уже принял на двух более ранних автопортретах. В то время как сама поза и пристальный взгляд художника вряд ли уникальны — стоит только подумать о иногда бескомпромиссных автопортретах Рембрандта — навязчивое и навязчивое качество изображения отличается.Темно-сине-фиолетовый цвет халата и земли, ярко-оранжевый цвет его волос и бороды создают поразительный контраст с желто-зеленым цветом его лица и усиливают изможденность его болезненного цвета лица. Динамичная, даже бешеная манера письма придает его изображению необыкновенную непосредственность и выразительность. По своей абсолютной интенсивности он резко контрастирует с другим автопортретом, написанным им в то же время (Музей д’Орсе, Париж), в котором художник выглядит более спокойным и выдержанным.Тем не менее, Ван Гог предпочел картину Вашингтона как ту, которая отразила его «истинный характер».

(Текст Кимберли Джонс, опубликованный в каталоге выставки Национальной художественной галереи, Art for the Nation , 2000)

Примечания

1. Письмо №. 604, Полное собрание писем Винсента Ван Гога , 3 тома. (Лондон, 1958), 3:201-202. 2. Письмо №. W14, Ван Гог 1958, 3:458.

Автопортреты Ван Гога

Уровень: 5–8 

Студенты изучат автопортреты и письма Винсента Ван Гога, чтобы лучше понять историю жизни и личность художника.Затем они нарисуют два автопортрета в стиле Ван Гога, чтобы показать две части своей личности, и напишут письмо с описанием той, которая лучше всего раскрывает их «истинный характер». Этот урок также содержит возможности для интеграции французского языка.

Винсент Ван Гог
Голландский, 1853–1890
Автопортрет , 1889
холст, масло, 57.2 x 43,8 см (22 1/2 x 17 1/4 дюйма)
Национальная художественная галерея, собрание мистера и миссис Джон Хэй Уитни

Связь с учебным планом

  • Словесность
  • Иностранный язык (французский)

Материалы

  • Smart Board или компьютер с возможностью проецирования изображений из слайд-шоу
  • Фотография ученика (скажите ученикам за несколько дней до начала урока, что им нужно будет принести свою фотографию)
  • Копировальный аппарат
  • Ножницы
  • Подложка из бумаги или картона
  • Клей
  • Темпера, плакат или масляная краска/пастель
  • Письменные принадлежности

Вопрос для разминки

Почему художники делают автопортреты?

Фон

Вы думаете «безумный гений», когда слышите имя Винсент Ван Гог? Вы не одиноки.Жизнь Ван Гога осложнялась ранними неудачами, личными странностями и поставленным во взрослом возрасте эпилепсией. Но он также преуспел в пугающем достижении — стал великим художником. При жизни Ван Гога почти не ценили; он продал только одну картину. Однако спустя столетие после его смерти картины Ван Гога с изображением подсолнухов, его фактурные пейзажи, его насыщенные портреты и автопортреты — все выразительные и эмоциональные по цвету, с густой и энергичной кистью — входят в число самых узнаваемых картин на планете.

Рембрандт ван Рейн
Голландский, 1606–1669
Автопортрет , 1659
Холст, масло, 84,5 x 66 см (33 1/4 x 26 дюймов)
Национальная художественная галерея Эндрю У. Меллона Коллекция

Ван Гог написал этот автопортрет вскоре после нервного срыва в приюте в Сен-Реми.Хотя за свою короткую жизнь в 37 лет он написал не менее 36 автопортретов, он чувствовал, что именно этот портрет отражает его «истинный характер». На этом портрете он представился признанным художником, которым, как он полагал, стал, несмотря на отсутствие продаж. Он придал себе серьезное выражение, позу в три четверти и реквизит — кисти, палитру и мольберт, — которые Рембрандт и другие великие художники прошлого использовали в своих автопортретах. Ван Гог видел такие классические автопортреты в Лувре в Париже.Связывая себя с великими художниками прошлого, Ван Гог выражает желание, чтобы его воспринимали всерьез как художника. Кажется, он демонстрирует, хотя и ненадолго, новую уверенность в себе.

В то время как композиция этого автопортрета предполагает уверенность в себе, выражение Ван Гога и беспокойная манера письма предполагают напряжение и даже беспокойство. Выстраивание на холсте ритмичных рисунков толстыми мазками: точки, короткие полоски, параллельные метки, выстроенные прямо, расходящиеся от точки или растекающиеся по холсту, метки в форме запятых, закрученные мазки, наклонные линии и множество перекрестных штриховок. , он передает нервную энергию.Поместив дополнительные цвета (красно-зеленый, оранжево-синий, желто-фиолетовый) рядом друг с другом, он заставил холст вибрировать.

Управляемая практика

Как вы думаете, что Ван Гог говорит зрителю этим автопортретом? Чтобы помочь обдумать этот вопрос, попросите учащихся нарисовать речевой пузырь на распечатанных копиях изображения и заполнить то, что, по их мнению, должно быть в речевом пузыре Ван Гога.

Винсент Ван Гог
Голландский, 1853–1890
Автопортрет, 1889
холст, масло, 65 x 54.5 см
© Музей Орсе

Ван Гог написал еще один автопортрет вскоре после этого (см. слева). Ван Гог говорит, что ему было спокойнее на голубом фоне. Вас это удивляет? Если вы думали, что кружащийся фон может указывать на то, что он был более расстроен или нервничал, вы не одиноки. Ван Гог сравнивал. Темные водовороты краски, зеленоватый оттенок кожи и горящий взгляд делают ранний портрет более взволнованным.

Чтобы лучше познакомить учащихся с Ван Гогом и его творчеством, прочитайте следующие отрывки из его писем, а затем продемонстрируйте слайд-шоу «Ван Гог» в Национальной художественной галерее. Пока они слушают письма и рассматривают произведения искусства, попросите их записать свои идеи в ответ на эти два вопроса: Каковы наиболее отличительные черты произведений Ван Гога? Как элементы его биографии отражаются в его стиле живописи?

«Выразить любовь двух влюбленных браком дополнительных цветов, их смешением и противопоставлением, таинственной вибрацией родственных тонов.Выразить мысль чела сиянием светлого на мрачном фоне. . ». — Сентябрь 1888 г.

«Лучшие изображения и с технической точки зрения наиболее полные, если смотреть с близкого расстояния, представляют собой всего лишь цветные пятна, расположенные рядом, и производят впечатление только на определенном расстоянии». — ноябрь 1885 г.

«Вместо того, чтобы пытаться точно воспроизвести то, что у меня перед глазами, я использую цвет более произвольно, чтобы выразить себя, более сильно.— Август 1888 г.

«Это . . . цвет, который предполагает пыл, темперамент, любые эмоции». — Сентябрь 1888 г.

«Хочу написать портрет знакомого художника. . . За головой, вместо обычной стены убогой комнаты, я рисую бесконечность, простой фон богатейшей синевы. . . а яркая голова на насыщенно-голубом фоне приобретает таинственный эффект, как звезда на небе, в глубине лазури». — Август 1888 г.

«Это умственное упражнение, чтобы сбалансировать шесть основных цветов — красный — синий — желтый — оранжевый — фиолетовый — зеленый — это требует работы и сухих расчетов.. .”—Июль 1888

«Итак, я попытался выразить, так сказать, силы тьмы в низеньком трактире, с помощью мягкого . . . зеленый и малахитовый, контрастирующий с желто-зеленым и резким сине-зеленым, и все это в атмосфере, похожей на чертову печь, бледной серы». — Сентябрь 1888 г.

«Я работаю над портретом матери, потому что черно-белая фотография меня так раздражает. То матери. . . будет пепельно-серый на зеленом фоне, платье карминное.. . Я не знаю, будет ли это похоже на нее, но я хочу создать впечатление окрашивания в блондинку. . . она снова будет очень густой пастой». — Октябрь 1888 г.

Слайд-шоу: Ван Гог в Национальной художественной галерее

предыдущие слайды Ван Гог в Национальной галерее искусств Уроки и мероприятия

Винсент Ван Гог
Голландский, 1853–1890
Автопортрет , 1889
холст, масло, 57.2 x 43,8 см (22 1/2 x 17 1/4 дюйма)
Национальная художественная галерея, собрание мистера и миссис Джон Хэй Уитни

Ван Гог в Национальной галерее искусств Уроки и мероприятия

Винсент Ван Гог
Голландия, 1853–1890 гг.
Цветочные клумбы в Голландии, c. 1883
холст, масло на дереве, 48,9 х 66 см (19 1/4 х 26 дюймов)
Национальная художественная галерея, собрание г-наи миссис Пол Меллон

Ван Гог в Национальной галерее искусств Уроки и мероприятия

Винсент Ван Гог
Голландия, 1853–1890
Урожай — равнина Ла Кро , 1888
тростниковое перо и коричневые чернила поверх графита на бумаге, 24,2 x 31,9 см в.)
Faille 1970, no. 1486
Национальная художественная галерея, Собрание мистера и миссисПол Меллон, в честь 50-летия Национальной художественной галереи

Ван Гог в Национальной галерее искусств Уроки и мероприятия

Винсент Ван Гог
Голландский, 1853–1890
Мусме , 1888
холст, масло, 73,3 x 60,3 см (28 7/8 x 23 3/4 дюйма)
Национальная художественная галерея, Честер Дейл

Ван Гог в Национальной галерее искусств Уроки и мероприятия

Винсент Ван Гог
Голландия, 1853–1890
Сельский дом в Провансе , 1888
холст, масло, 46.1 x 60,9 см (18 1/8 x 24 дюйма)
Национальная художественная галерея, Коллекция Эйлсы Меллон Брюс

Ван Гог в Национальной галерее искусств Уроки и мероприятия

Винсент Ван Гог
Голландцы, 1853–1890
«Ребенок Рулена» , 1888
холст, масло, 35 x 23,9 см (13 3/4 x 9 7/16 дюйма)
Национальная художественная галерея, коллекция Честера Дейла

Ван Гог в Национальной галерее искусств Уроки и мероприятия

Винсент Ван Гог
Голландия, 1853–1890
Оливковый сад , 1889
холст, масло, 73 x 92.1 см (28 3/4 x 36 1/4 дюйма)
Национальная художественная галерея, Коллекция Честера Дейла

Ван Гог в Национальной галерее искусств Уроки и мероприятия

Винсент Ван Гог
Голландия, 1853–1890
Зеленые пшеничные поля, Овер , 1890
холст, масло, 72,39 × 91,44 см (28 1/2 × 36 дюймов)
Национальная художественная галерея, собрание г-на , и миссис Пол Меллон

Ван Гог в Национальной галерее искусств Уроки и мероприятия

Винсент Ван Гог
Голландский, 1853–1890
Др.Гаше (Человек с трубкой) , 1890
офорт, 18,2 x 15 см (7 3/16 x 5 7/8 дюйма)
Faille 1970, no. 1664
Национальная художественная галерея, Собрание Розенвальда

Ван Гог в Национальной галерее искусств Уроки и мероприятия

Винсент Ван Гог
Голландия, 1853–1890
Розы , 1890
холст, масло, 71 x 90 см (27 15/16 x 35 7/16 дюйма))
Национальная художественная галерея, Дар Памелы Гарриман в память об У. Аверелле Гарримане

Ван Гог в Национальной галерее искусств Уроки и мероприятия

Винсент Ван Гог
Голландцы, 1853–1890
Девушка в белом, 1890
холст, масло, 66,7 x 45,8 см (26 1/4 x 18 1/16 дюйма)
Национальная художественная галерея, Честер Дейл Коллекция

следующие слайды

Деятельность

Студенты сделают два автопортрета в образе Ван Гога в разные дни, чтобы показать две разные стороны или настроения своих личностей.

В качестве разминки перед основным заданием попросите учащихся изобразить эмоции в физическом плане. Каждый учащийся должен нарисовать колесо и обозначить каждую часть или треугольник колеса разными эмоциями, например гневом или счастьем. Попросите учащихся использовать цвета и формы в каждом разделе, которые, по их мнению, соответствуют этой эмоции — например, сектор гнева колеса может быть заполнен красным цветом и четкими линиями. После завершения учащиеся могут использовать свои колеса в качестве ориентира при создании собственных автопортретов, демонстрирующих различное настроение.

  1. Ученики (или учителя) сделают ксерокопию своей фотографии (например, школьной или спортивной). Возможно, они захотят увеличить его, чтобы было достаточно места для мазка «Ван Гога».
  2. Используя один цвет разных оттенков, учащиеся раскрашивают весь фоновый лист, используя мазки кисти, как у Ван Гога.
  3. Затем учащиеся вырежут свой фотокопированный портрет — и лицо, и одежду — чтобы сделать силуэт. Этот вырез будет наклеен на окрашенный фон.
  4. Наконец, учащиеся будут использовать дополнительный цвет к своему фону, чтобы закрасить свое фотоизображение, используя различные типы кистей различных оттенков, добавляя белый или черный. Например, если их фон желтый, их портрет должен быть окрашен пурпурным, красным вместо зеленого, оранжевым вместо синего или наоборот.
  5. В другой день учащиеся создадут второй автопортрет, следуя тем же инструкциям, но изменив цвета и типы мазков, чтобы показать другую сторону своей личности.

Расширение

Ван Гог написал подробные письма (см. другие выдержки), в которых анализировал свои мысли о своей работе. Он даже написал письмо своему брату Тео о двух автопортретах, представленных в разделе «Управляемая практика».

«Тео:

Говорят — и я охотно в это верю, — что познать себя трудно, но и нарисовать себя тоже нелегко. Пока же я работаю над двумя своими портретами, так как других моделей у меня нет, ибо пора мне написать несколько фигур.Одну из них я начал в первый же день, когда встал; Я был худым и бледным, как привидение. Он темно-сине-фиолетовый, голова беловатая с желтыми волосами, другими словами, эффект цвета. Но с тех пор я начал еще один, длиной в три четверти на светлом фоне. Вы увидите, когда поставите портрет на светлом фоне, который я только что закончил. . . что теперь я выгляжу более здравомыслящим, даже более того. Я склонен думать, что портрет скажет вам, насколько я лучше моего письма, и это вас успокоит.. . .

Всегда ваш,
Винсент.

Или пусть учащиеся прочитают письмо на французском языке:

«Мой дорогой друг,

On dit—et je le crois fort volontiers—qu’il est difficile de se connaître soi-même—mais il n’est pas aisé non plus de se peindre soi-même. Ainsi je travaille à deux portraits de moi dans ce moment—faute d’autre modele—parce qu’il est plus que temps que je fasse un peu de shape. L’un je l’ai start le premier jour que je me suis levé, j’étais maigre, pale comme un diable.C’est bleu violet foncé et la tête blanchâtre avec des cheveux jaunes, donc un effet de couleur. Mais depuis j’en ai recommencé un de trios-quarts sur found clair. . . . tu verras ceci quand tu mettras le портрет sur fon clair que je viens de terminer. . . qu’à present j’ai l’air plus sain qu’alors et même beacoup. Je suis même porté à croire que le портрет te dira mieux que ma lettre comment je vais et que cela te rassurera . . . .

т. а. т.,
Винсент».

Учащиеся напишут письмо другу о автопортрете, который, по их мнению, лучше всего отражает их «настоящий характер».Предложите учащимся рассказать своему другу, почему они создали свой автопортрет на основе этой конкретной фотографии, и объяснить причины использования определенных цветов и типов мазков. Наконец, учащиеся расскажут, что этот портрет говорит о них самих и как он отвечает на вопрос «Кто я?»

VA:Cr3.1.6  Подумайте, передает ли личный рисунок предполагаемое значение, и внесите соответствующие изменения.

VA:Re7.1.5  Сравнить собственную интерпретацию произведения искусства с интерпретацией других.

VA:Re7.2.6  Анализ того, как визуальные компоненты и культурные ассоциации, предлагаемые изображениями, влияют на идеи, эмоции и действия.

VA:Re8.1.6  Интерпретировать искусство, различая релевантную и нерелевантную контекстную информацию и анализируя предмет, характеристики формы и структуры, а также используя средства массовой информации для определения передаваемых идей и настроения.

 

Как нарисовать автопортрет

21 апр. 2020 г.

в комиссиях по изобразительному искусству, Обучение

Как нарисовать Автопортрет

Изобразительное искусство и живопись с натуры:

 

На протяжении веков художник увлекался рисованием людей, лиц, автопортретов и фигур.Жизнь — это постоянное вдохновение, а портретная живопись — это то, что я делаю в первую очередь для себя. Я стараюсь рисовать именно то, что хочу, что меня вдохновляет в данный момент. Могут ли они продаваться или нет, это не влияет на то, что я рисую. Я считаю, что это действительно упражнение в смотрении, рассказывании историй и рисовании, которое не может конкурировать с другими областями живописи, такими как натюрморты или пейзажи. Как и многие художники до меня, я часто обращаюсь к автопортретам, когда у меня нет моделей. Это позволяет вам проявлять творческий подход и пробовать вещи, которые в противном случае могут быть более сложными при использовании модели.Если вы сможете устроиться поудобнее и научиться рисовать автопортреты, вы сможете с удовольствием возвращаться к этому снова и снова. Этот блог — не столько строгое «как сделать», сколько способ вдохновить вас и показать вам процесс, чтобы вы могли попробовать. Я включил несколько советов и вещей, на которые следует обратить внимание или которых следует избегать, чтобы сделать процесс немного проще. Я надеюсь, вам понравится.

 

Автопортреты являются фаворитами коллекционеров. Это не только из-за воздействия и мастерства живописи, но и из-за их истории и того, как они были написаны, почему.Для серьезного коллекционера это часть жизни художника. Кто бы отказался от возможности приобрести Рембранта или Автопортрет Ван Гога, я знаю, что не стал бы! Есть несколько примечательных автопортретов, которые со временем вдохновляли художников, поэтому ниже приведены некоторые из моих любимых, которые заставят вас задуматься.

 

 

 

 

Творческий блок:

 

Великое искусство не обязательно заставляет вас чувствовать себя хорошо или счастливо. Я всегда думаю, что если она меня увлекает, и я в конечном итоге стою перед ней зачарованно какое-то время, я считаю, что это успешная работа.Иногда эти работы могут быть светлыми, красочными и душевными, но могут быть и мрачными. Многие из самых известных картин на самом деле весьма притягательны. Возьмем, к примеру, Эдуарда Мунка, «Крик». Или почти любое из произведений Караваджо. Лучшие художники всегда бросали вызов нашему вниманию, предлагая нам рассматривать искусство как нечто большее, чем просто украшение из цветов и веселья для нашей стены.

 

Моя последняя картина, о которой я пишу здесь, относится к творческому блоку.Креативный блок — это реально, если ты художник, писатель и музыкант. Вдохновил нарисовать что-то другое и новое, но до этого не доходит. Многие креативщики борются с депрессией из-за творческого блока. Давно хотел воплотить это в картину. Это картина о сомнениях в себе, ожиданиях и творческой борьбе. Все это является частью того, чтобы быть творческим человеком и быть почти профессиональным прокрастинатором, это действительно то, что я испытываю.

 

Я выбрал довольно театральный образ для этого портрета.Желание, чтобы повествование происходило через сами фигуры, а не через сцену или различные добавленные атрибуты. Она написана недавно — фактически на прошлой неделе, — в период карантина из-за пандемии вируса короны, которая коснулась всех нас во всем мире. Мир. В то время как большинство людей на планете Земля практикуют социальное дистанцирование, атмосфера на картине кажется довольно подходящей. Темное пространство вокруг фигур добавляет ощущение одиночества, которое, я думаю, находит отклик у всех нас в это время.

 

 

Как нарисовать автопортрет и что вам понадобится:

 

  • 2 мольберта, 1 для холста и 1 для зеркала.
  • Зеркало
  • Холст, доска или поверхность для рисования/рисования на выбор.
  • Тележка для официантов очень удобна для перемещения. Входить и выходить из техники размера прицела, которая может быть сложной в зависимости от позы, становится намного проще, если ваше оборудование маневренное.
  • Немного клейкой ленты, чтобы отметить пол, на котором вы стоите, чтобы вы могли легко повторить позу.
  • Остальное такое же, как и в любом другом проекте, который вы можете рисовать или рисовать.

 

 

Освещение:

 

Живопись с натуры — это освещение, которое может быть прекрасным, если вы умеете им управлять. Для портрета в помещении, где вы хотите рисовать в «живой» манере, я рекомендую северный свет, который исходит из окна. В идеале один, начинающийся примерно в 2 метрах от пола. Создав эту настройку, свет будет наиболее ярким на чертах, которые выступают дальше всего (или находятся ближе всего к свету) — обычно на носу и лбу.Иерархия тонов и бликов создается с помощью хороших теней для контраста в области глазниц, под носом и под подбородком.

Как вы можете видеть на фотографии выше, я использую пространство с высокими окнами и загораживаю нижнюю половину с помощью импровизированной занавески. Если бы я мог, я бы заблокировал свет немного выше, но в данном случае это было невозможно.

 

 

 

Как нарисовать автопортрет — руками:

 

Если вы художник-правша, изобразить правую руку, держащую что-то, может быть довольно сложно.Это требует большого терпения. Лучший совет, который я могу дать, — внимательно следить за положением позы и объектами на ладони, прежде чем начать. Как только вы сможете повторить это, легко начните рисовать. Вы можете использовать некоторые референсы, такие как малярный скотч на объектах и ​​т. д. и т. д. Если вы рисуете прямым способом, руки могут просто потребовать немного больше «рисования», прежде чем вы начнете наносить много краски. Это избавит вас от необходимости слишком часто перемещать краску. На самом деле нет правильного или неправильного подхода, и у каждого свой «стиль», так что делайте то, что вам удобнее.

 

 

 

Устранение неполадок автопортрета:

 

  • Пропорции, пожалуй, одна из главных вещей, на которые люди спотыкаются, пытаясь создать портрет любого типа. Один трюк, который вы можете использовать, чтобы начать работу, — это сделать контрольные отметки на краю холста, ближайшем к вашей голове. Отметьте верхнюю часть головы, подбородок, ноздри и уши. Теперь убедитесь, что все они выровнены (с вашим отражением) одновременно, прежде чем продолжить.Постоянно отстраняясь от своей картины, вы можете видеть картину в целом. Это повысит ваши шансы обнаружить любые ошибки, связанные с пропорциями.
  • Зеркало отдаляет предметы и затрудняет различение деталей. Это здорово для начала, так как вы можете сосредоточиться на общих измерениях и более широкой картине. Когда вам понадобится больше деталей, пододвигайте зеркало ближе. Сделайте , а не , переместите свое положение стоя, так как это изменит свет на вашем лице и все запутает.Продолжая перемещать зеркало вперед и назад, вы сможете по-новому взглянуть на картину, и вы сможете замечать и исправлять любые ошибки по мере их возникновения.
  • Всегда держите зеркало в вертикальном положении, чтобы высота не менялась при перемещении вперед и назад.

 

Таймлапс видео:

Просто нажмите кнопку воспроизведения, чтобы увидеть первые 9 дней рисования примерно за 3 минуты.

 

 

Свежий взгляд:

Ниже представлено изображение картины в конце таймлапса.

К этому моменту я рисовал уже 9 дней подряд. Мы арендовали студию, и я не хотел терять время, поэтому я рисовал днем, а вечером Алисия позировала для своего портрета, пока было еще светло. Нам обоим нужно было несколько дней отдыха. Сделать перерыв в своих собственных условиях, как правило, хорошая идея, во всяком случае, это позволяет вам «по-новому взглянуть», когда вы вернетесь к живописи, и поможет вам решить, что нужно сделать, или наоборот.

 

Свежая краска:

В этот момент я знаю, что все будет более или менее сухим, когда я вернусь, поэтому, если я не уверен или недоволен какой-либо своей работой, я соскребаю ее и полностью перекрашиваю.В этом случае я был недоволен портретом Алисии, и я начал возиться с несколькими ошибками, которые поставили под угрозу работу кисти, которую я хотел, так что это было соскоблено. Я перебронировал место в студии на следующие выходные, что дало мне еще 3 дня подряд, чтобы перекрасить портрет Алисии.

 

Внизу: картина с первой попыткой портрета Алисии перед тем, как ее соскоблили.

 

Внизу: Фрагмент портрета Алисии после перекраски.

 

 

Рабочий большой:

 

Работа в больших масштабах может быть очень сложной, но не менее полезной. Одна вещь, которую нужно учитывать, это то, откуда зритель будет смотреть на вашу картину. Как правило, чем больше холст, тем дальше от него будет стоять зритель, чтобы охватить всю сцену. Имея это в виду, как правило, чем больше я работаю, тем свободнее я позволяю своей работе становиться, сосредотачиваясь на общем влиянии, а не на мельчайших деталях.

Раньше я писал автопортреты, но никогда не делал двойных портретов. Для начала я использовал зеркало, чтобы нарисовать Алисию. Глядя на наше совместное отражение в зеркале, убеждаясь, что размер ее фигуры соответствует моему размеру. Как только я сделал основную часть рисунка и проверил размеры, я переключился на рисование, как обычно.

Время от времени я возвращался к использованию зеркала, чтобы проверить общие тона и цвет. Когда я рисовал Алисию во всем черном, ее кожа казалась довольно яркой по сравнению с ее одеждой.Таким образом, когда я ставлю себя рядом с ней в зеркало, пока рисую, это означает, что я также могу сравнивать оттенки ее кожи с моей белой рубашкой и сохранять все тона относительно друг друга с целью сохранения определенной глубины.

 

Как нарисовать автопортрет в меньшем масштабе

 

Начать с малого и простого может быть лучшим способом укрепить уверенность и проверить процесс. На создание моего самого первого автопортрета у меня ушло две недели, так что не торопитесь и наберитесь терпения.В меньшем масштабе все может быть намного проще, а ваши ошибки обходятся гораздо дешевле. Вот видео из предыдущего прошлогоднего проекта, показывающее, как настроить автопортрет в натуральную величину, используя технику в натуральную величину. Этот был покрашен примерно за 4 дня, если я правильно помню.

Если вы хотите узнать больше о методе размера прицела, я рассказываю об этом в некоторых из моих предыдущих блогов, но я также нашел эту короткую новостную статью о Чарльзе Сесиле и его методе обучения, где я учился во Флоренции.Вы можете посмотреть видео здесь, а также подписаться на ателье в Instagram.

 

 

Спасибо

Надеюсь, вам понравилось читать. Если у вас есть какие-либо вопросы о том, как нарисовать автопортрет, пожалуйста, оставьте комментарии ниже.

 

Сообщение в Instagram: @danieljamesyeomans

Живопись против правды! Мы не всегда такие щеголеватые. На самом деле я ношу свою одежду для рисования, и если вы присмотритесь, то увидите, что она вся в краске.Недавно на задней панели появилась дыра, которую слишком неловко, чтобы с ней что-то делать. Я буду прятаться за своими картинами, пока магазины снова не откроются. Забавно, что чувство волнения, которое вы испытываете, когда холст пуст, примерно равно тому, что вы заканчиваете его. Все, что между ними, просто похоже на битву.

Чтобы следить за моими живописными проектами, вы можете подписаться на меня в Instagram

Чтобы получить всю информацию о предстоящих выставках и другие советы художникам, вы можете подписаться на Easel Editorial.

 

Анализ 100 картин, биография, цитаты и искусство


Мексиканская художница Фрида Кало известна своими автопортретами, болью и страстью, а также смелыми, яркими цветами. Она известна в Мексике за внимание к мексиканской и местной культуре и феминистками за ее изображение женского опыта и формы.

Кало, перенесшая в детстве полиомиелит, в подростковом возрасте чуть не погибла в автобусной аварии.Она получила множественные переломы позвоночника, ключицы и ребер, раздробление таза, сломанную ступню и вывих плеча. Она начала сильно сосредотачиваться на рисовании, пока выздоравливала в гипсе. За свою жизнь она перенесла 30 операций.

Жизненный опыт является общей темой около 200 картин, эскизов и рисунков Кало. Ее физическая и эмоциональная боль ярко изображены на холстах, как и ее бурные отношения. со своим мужем, коллегой-художником Диего Риверой, за которого она дважды выходила замуж.Из ее 143 картин 55 автопортретов.

Опустошение ее тела в результате автобусной аварии подробно показано в «Сломанной колонне». Кало изображена почти обнаженной, с разрезом посередине. ее позвоночник представлен сломанной декоративной колонной. Ее кожа усеяна ногтями. Она также оснащена хирургическим корсетом.

Я пишу автопортреты, потому что я так часто бываю одна, потому что я тот человек, которого я знаю лучше всего.» — Фрида Кало

Первым автопортретом Кало стал «Автопортрет в бархатном платье», написанный в 1926 году.Он был написан в стиле мексиканских художников-портретистов XIX века. на которых большое влияние оказали мастера европейского Возрождения. Она также иногда рисовала у мексиканских художников, используя фон из завязанных драпировок. Автопортрет — Время летит (1929), Портрет женщины в белом (1930) и «Автопортрет, посвященный Льву Троцкому» (1937 г.) — все они имеют этот фон.

В своем автопортрете «Время летит» Кало использует народный стиль и яркие цвета.Она носит крестьянскую одежду, а красный, белый и зеленый на картине — цвета мексиканского флага.

При жизни автопортрет — тема, к которой всегда возвращается Фрида Кало, как художники всегда возвращались к любимым темам — Винсент Ван Гог Подсолнухи, Рембрандт, его Автопортрет, и Клод Моне с его водяными лилиями.

Фрида и Диего: Любовь и боль

У Кало и Риверы были бурные отношения, отмеченные множеством романов с обеих сторон.Автопортрет с остриженными волосами (1940), изображена Кало в мужском костюме, с ножницами в руках, с упавшими волосами вокруг стула, на котором она сидит. Это представляет собой время, когда она стригла волосы, которые любил Ривера, когда у него были романы.

Картина 1937 года «Память, сердце» показывает боль Кало из-за романа мужа с младшей сестрой Кристиной. Большое разбитое сердце у ее ног показывает силу страданий Кало. Фрида Кало и Диего Ривера развелись в 1939 году, но через год воссоединились и снова поженились.Две Фриды (1939) дважды изображают Кало вскоре после развода. Одна Фрида в костюме из мексиканского региона Теуана, представляющего Фриду, которую любил Диего. Другая Фрида носит европейское платье как женщина, которую Диего предал и отверг. Позже она возвращается в Теуану. платье в «Автопортрете в образе техуаны» (1943) и «Автопортрет» (1948).

Доколумбовые артефакты были обычным явлением как в доме Кало/Ривера (Диего собирал скульптуры и идолы, а Фрида собирала драгоценности), так и в картинах Кало.Она носила украшения этого периода. в «Автопортрете — Время летит» (1926), «Автопортрет с обезьяной» (1938) и «Автопортрет с косой» (1941) и др. Другие доколумбовые артефакты можно найти в «Четырех жителях Мехико» (1938 г.), «Девушка в маске смерти» (1938) и «Автопортрет с обезьянками» (1945).

Моя картина несет в себе послание боли.» — Фрида Кало

Сюрреалист или реалист?

Фрида Кало участвовала в «Международной выставке сюрреализма» в 1940 году в Galeria de Arte, Мексикано.Там она выставила две свои самые большие картины: «Две Фриды» и Раненый стол (1940). Сюрреалист Эндрю Бретон считал Кало сюрреалисткой, но Кало отвергала этот ярлык, говоря, что она просто нарисовала свою реальность. Однако в 1945 году, когда дон Хосе Доминго Лавин попросила Фриду Кало прочитать книгу Зигмунда Фрейда «Моисей и монотеизм», чьи работы по психоанализу сюрреалистичны. на основе — и расписать свое понимание и интерпретацию этой книги. Фрида Кало нарисовала Моисея, и эта картина была признана вторым призом на ежегодной художественной выставке во Дворце искусств. Беллас Артес.

Кало не продала много картин за всю свою жизнь, хотя иногда она писала портреты на заказ. У нее была только одна персональная выставка в Мексике при жизни, в 1953 году, всего за год до ее смерти в возраст 47 лет.

Сегодня ее работы продаются по очень высоким ценам. В мае 2006 года автопортрет Фриды Кало «Корни» был продан за 5,62 миллиона долларов на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке, установив рекорд как самый дорогой Латиноамериканские работы, когда-либо приобретаемые на аукционах, также делают Фриду Кало одной из самых продаваемых женщин в искусстве.

Широко известная своими марксистскими взглядами, Фрида вместе с революционером-марксистом Че Геварой и небольшой группой современных деятелей стала контркультурным символом 20-го века и создали наследие в истории искусства, которое продолжает вдохновлять воображение и разум. Родившаяся в 1907 году и умершая в возрасте 47 лет, Фрида Кало добилась известности еще за свою короткую жизнь, простиравшуюся далеко за пределы Мексики. хотя ничего подобного культовому статусу, который в конечном итоге сделал бы ее матерью селфи, ее неизгладимый образ узнаваем повсюду.

В музее Фриды Кало в Мехико ее личные вещи выставлены по всему дому, как будто она все еще там жила. Кало родилась и вырос в этом здании, чьи кобальтовые стены уступили место прозвищу Голубой дом. Она жила там с мужем несколько лет и умерла там. Объект является самым популярным музеем в Район Койоакан и один из самых посещаемых в Мехико.

10 лучших автопортретов в искусстве | Art

Хокни безжалостен в своих автопортретах; он никогда не позирует и не пытается хорошо выглядеть. Что он делает, так это записывает акт автопортрета — факт художника, смотрящего в зеркало и пытающегося записать то, что он видит, — и придает ему нарочито неуклюжую материальную правду. При этом он рисует идеал честного наблюдения.

Автопортрет в выпуклом зеркале (ок. 1524 г.) Пармиджанино. Фотография: Heritage Images/Getty Images

Не только современные художники изображают себя заставляющими задуматься способами.В начале 16 века Пармиджанино смотрел на себя в выпуклое зеркало и рисовал свое искаженное отражение, свою огромную руку близко к поверхности картины, его лицо в фокусе селфи-подобного пузырькового изображения, в котором время и пространство искажаются. головокружительно. Эта ранняя картина является темой великой поэмы Джона Эшбери «Автопортрет в выпуклом зеркале».

Пикассо всегда изображал себя с большими глазами, которые, кажется, поглощают смотрящего, настаивая, даже когда он превращается в нарисованный объект, что это он, а не вы, смотрит.Эти глаза никогда не были больше — или смелее — чем на этой лишенной иллюзий, атеистической картине художника, потрепанного временем и осознавшего близость собственной смертности.

Отражение с двумя детьми (Автопортрет) (1965) Люсьена Фрейда. Фотография: Mondadori через Getty Images

Художник — колоссальная фигура отца на этой непростой картине. В зеркале он затмевает своих крошечных детей. Это картина отчужденного и тревожного самосознания. Зеркала были важным инструментом автопортрета со времен Пармиджанино.В этой и других картинах Фрейда этот технический факт предстает тревожно явным, поскольку художник холодно смотрит на свое отраженное изображение. Как будто он рисует чудовищного незнакомца. Автопортрет Фрейда наиболее остро раскрывает его острое чувство дискомфорта от того, что он человек.

Стриженные волосы Фриды Кало парят на этой сказочной картине, словно живое существо. Она действительно отрезала волосы? Грубая реальность встречается с причудливой сюрреалистичностью в искусстве Кало. Она написала этот автопортрет после развода с Диего Риверой, за которого вскоре после этого снова выйдет замуж.Он вызывает в памяти католические образы как длинноволосых магдалин, так и подвижниц-мучениц. Кало — мученица любви, о чем свидетельствует текст песни, написанной на картине: «Посмотри, если я любил тебя, то это было из-за твоих волос…»

Автопортрет с двумя кругами (ок. 1665–1669) Рембрандта. Фотография: English Heritage

Стоять перед этой картиной означает быть тщательно изученным и признанным недостаточным. Рембрандт смотрит на вас глазами, которые являются темными порталами сознания, памяти и времени. Он остановился в процессе рисования, одетый в мантию мастера.Загадочные круги позади него представляют мир, который он создает. Богатство красок как-то второстепенно по отношению к шокирующему, неоспоримому ощущению того, что перед тобой вырисовывается реальный человек. Рембрандт — маг; его заклинание исцеляет и вдохновляет.

Автопортрет как аллегория живописи (1638-39) рояби Артемизия Джентилески. Фотография: Royal Collection

В древнегреческой мифологии музы – женщины. Для художницы XVII века Артемизии Джентилески, одной из немногих женщин, сделавших успешную карьеру в искусстве в Европе раннего Нового времени, это была возможность.Там, где художник-мужчина может изобразить себя, изображая женщину, одетую как муза, или с изображением музы позади него, Джентилески может показать себя, олицетворяющую живопись. Тем не менее любое принятие подчиненной аллегорической роли резко противоречит ее жесткому, мускулистому образу. Живопись — женщина, живопись — герой, живопись — рабочий.

Концепция автопортрета демонтирована в работах Синди Шерман, которые изображают художницу, но никогда не раскрывают ее «настоящую» личность. Ее искусство — это маскарад, бесконечная череда ролей, изображающих ее то героем, то чудовищем.Этот образ взят из раннего и самого поэтичного сериала Шерман, в кинематографическом черно-белом, в котором она представляет себя персонажем Хичкока или фильма нуар в американском пейзаже, где все может случиться.

Автопортрет с Саскией (1636) Рембрандта. Фотография: Heritage Images/Getty Images

На этой гравюре художник позволяет нам увидеть все – как он работает и как он живет. На самом деле искусство и жизнь для Рембрандта восхитительно неразделимы. Он счастливо сидит дома со своей женой Саскией, их взаимное довольство очевидно.Его затененное лицо и рисующая рука созерцают совместный образ в зеркале, раскрывающем искусство не как отдалённую формальную деятельность, а как часть жизни.

У меня есть все (2000) Трейси Эмин. Фотография: Neville Elder/Sygma/Corbis

Автопортрет принимает новые формы в искусстве Трейси Эмин. Это радостное селфи было сделано после того, как она прославилась благодаря «Моей кровати», которая вошла в шорт-лист премии Тернера в 1999 году. «Моя кровать» сама по себе является экспрессионистским, готовым автопортретом. Искусство Эмина — это все о ней.Вот что делает его сильным — потому что, когда все сказано и сделано, ее собственная жизнь — чертовски хорошая тема.

Еще 10 лучших произведений искусства

10 лучших гульфиков в искусстве
10 лучших древнегреческих произведений искусства

Художники объясняют, почему они пишут автопортреты

Друг-фотограф спросил: «Почему художники всегда пытаются делать автопортреты? Я имею в виду, что с этим делать? Я никогда не пытался фотографировать себя в портрете… в основном потому, что знаю, что результаты будут шокирующе реальными! Может быть, поэтому художники, которые рисуют, так стремятся делать сами… Я полагаю, вы можете рисовать то, что, как вы надеетесь, увидят другие, а не то, что они на самом деле делают. Как вы думаете, так вы выглядите или вы надеетесь, что другие увидят это? Простите на секунду мою арт-философию, но я всегда задавался вопросом об этих вещах».

Многие люди рисуют автопортреты, потому что это означает, что у них всегда есть модель, которая не будет жаловаться на результат после завершения сеанса рисования. Мы разместили вопрос на форуме живописи, чтобы узнать, что думают другие художники.Вот некоторые из ответов:

«Если вы не можете уловить сущность самого себя, как вы сможете уловить сущность кого-то другого?» — Бриджитброу

«Вы всегда можете позировать для себя, и это один из способов занять себя, если вы не делаете ничего другого. Это также способ наметить свой прогресс, чтобы увидеть, как далеко вы продвинулись, если вообще продвинулись, с момента, когда вы в последний раз делали это ». — Тафта

«Я считаю, что тем самым вы показываете миру, как вы воспринимаете себя.Некоторые мастера были шокированы своей законченной работой и шокировали мир искусства». — Аннастеф

«Лично я думаю, что я слишком чертовски уродлив (хе-хе), чтобы изобразить это на холсте. Я лучше нарисую что-нибудь красивое. Просто шучу….но говоря об уродстве….многие автопортреты именно такие. Это окно в душу. Восприятие, не обязательно подобие, если только вы не делаете это, чтобы практиковать свои навыки». — Рути

«Автопортреты, как известно, трудно продать.При этом найти (бесплатную) модель всегда сложно, если только у вас нет очень хороших или очень самовлюбленных друзей! Я всегда нахожу, что работа с зеркалом дает вам «качество пристального взгляда», поэтому фотография крупным планом — хороший ориентир, чтобы помочь с автопортретом в сочетании с зеркалами», — Moondoggy.

«Мне очень нравится смотреть на автопортреты великих художников. Я думаю, рисовать себя — одна из самых сложных вещей, особенно если художник честен. Я также думаю, что это должно стать лучшим произведением, даже если другие с вами не согласны.Ведь ты лучше всех знаешь себя. Я подозреваю, что труднее всего быть честным, не наряжаться и не притупляться. Если вы можете сделать это для себя, вы можете сделать это для других.

Я сделал один автопортрет, и все говорят, что это не я. Я не такой уж старый и не такой уродливый… Они могут быть правы, но в то время я чувствовал себя одновременно и старым, и уродливым, и это обязательно вышло». — Тема

«Я сделал [автопортрет] около шести месяцев назад, и мне это действительно понравилось. И это было похоже на меня.… Я думаю, что когда я буду делать следующий, я попробую другой носитель. … Я хочу попробовать что-то другое и подтолкнуть себя — как в технике, так и в восприятии предмета. Сделайте следующий немного более резким, чем предыдущий». — Терри

«Где еще вы можете заставить кого-то смотреть достаточно долго, чтобы вы могли понять основы глаз, носа, рта, волос и т. д. Вы можете просто выбросить их, когда захотите, и не чувствовать себя плохо по этому поводу. . После этого я стал намного лучше рисовать портреты.Не делайте этого один раз, хотя это лучше, чем ничего!» — Мсюнелл

«Для того, кто действительно хочет учиться, это лучшее упражнение, потому что, когда вы рисуете кого-то, кого хорошо знаете, зачастую это сложнее, чем рисовать человека, которого вы совсем не знаете. Я рекомендую использовать зеркало и поместить небольшое пятно цвета, чтобы помочь вам смотреть в том же направлении, когда вы смотрите на свой лист бумаги». — Джоанна Дюшен

«Самая важная причина в том, что творческий процесс — это процесс самопознания и реализации, а не просто техническое ноу-хау.Это делает живопись очень интроспективной формой искусства, поскольку одним из требований к великому искусству должна быть индивидуальность и уникальность стиля, и хотя это не единственные необходимые сильные стороны, любой серьезный художник, который держал в руках кисть, скажет вам, что хотел бы рисовать свой предмет так, как никто другой до них не делал.

Существует уникальная психологическая вещь, которая происходит, когда вы смотрите в свои глаза и лицо и рисуете свой собственный портрет. Ваше собственное лицо внезапно становится зеркалом вашей души, настоящего вас, и когда вы рисуете, происходят странные вещи.Я бы порекомендовал ее всем, кто ищет приз «познай себя». Делайте это часто, и вы будете поражены тем, что узнаете о себе.

Другая очевидная причина заключается в том, что не каждый художник имеет доступ или может позволить себе хороших моделей, а любое лицо лучше, чем отсутствие лица, если вы хотите рисовать портреты», — Гэри О.

.

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

2019 © Все права защищены. Интернет-Магазин Санкт-Петербург (СПБ)