Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Эгина рембрандт картина фото: Картина Даная, Рембрандт, 1636

Содержание

картины. Картины Рембрандта с названиями. Художник Рембрандт

Рембрандт Ван Рейн, картины которого можно увидеть во многих музеях мира, сегодня известен каждому человеку на Земле. Страх и радость, удивление и негодование в его работах отражаются так натурально, что не поверить им невозможно. Бешеная популярность, трагическая судьба и печальный закат жизни до сих пор остаются поводом для сплетен и философских рассуждений.

Юность

Художник Рембрандт родился в семье пекаря в 1606 году в голландском городе Лейден, располагавшемся на берегу Рейна. Очень рано он почувствовал в себе художественный талант. Проучившись несколько лет дома, юноша поехал в Амстердам брать уроки у знаменитого живописца Ластмана. Обучение продлилось недолго, и в 19 лет Рембрандт возвращается обратно в Лейден. В это время он пишет портреты своих родных и близких, а также большое внимание уделяет автопортретам. До наших дней сохранилось немало работ автора, где он изображает себя в различных образах.

Признание

Однажды начинающий художник получает отличный заказ от гильдии хирургов. Так появляется работа «Урок анатомии». Картина приносит Рембрандту признание. Он сразу же получает более пятидесяти заказов на портреты вельмож и амстердамской знати. Одновременно с популярностью растет и благосостояние мастера. Он начинает коллекционировать антиквариат и старинные костюмы. Он приобретает шикарный дом, который наполняет изысканной старинной мебелью и предметами искусства.

Саския

В 28 лет Рембрандт, картины которого становятся все более популярными, женится на богатой девушке Саскии. Женился он по любви и не только сохранил, но и приумножил капитал своей любимой. Рембрандт боготворил свою супругу, часто изображая в различных образах в своих работах. Одна из самых известных картин художника «Автопортрет с Саскией» показывает счастливого Рембрандта со своей молодой женой. В это же время художник получает заказ на серию работ с библейским сюжетом. Так появляются картины Рембрандта с названиями «Жертвоприношение Авраама» и «Пир Валтасара». Также к этому периоду относится одна из самых известных работ мастера «Даная». Картина переписывалась художником несколько раз и имеет несколько авторских вариантов.

Закат жизни

Беззаботное время художника длилось недолго. Не всем нравилась манера Рембрандта изображать человека таким, какой он есть. После написания картины «Ночной дозор» разразился невероятный скандал. На холсте появились посторонние лица. Возможно, причина была в том, что в разгар работы умирает его возлюбленная Саския от туберкулеза. На картине вместе с фигурами стрельцов виден силуэт девушки, так напоминающей жену мастера. Популярность автора начинает падать. Новых заказов почти не появляется. Потеряв свой дом и все свое имущество, Рембрандт, картины которого обретают новый, философский смысл, начинает изображать простых людей и своих близких. Он много пишет образ сына, а также людей, которые окружают его в последние годы жизни. В это время рождаются картины Рембрандта с названиями «Портрет старика в красном», «Портрет сына Титуса за чтением» и другие работы. В конце жизни из-под пера мастера появляется еще один шедевр — «Возвращение блудного сына». На этой картине мастер изображает себя вечным странником, который вынужден скитаться по трудным дорогам изменчивой славы. В 1969 году, похоронив сына с его невестой, Рембрандт сам умирает, навсегда оставив в этом мире свой творческий след. Сегодня картины художника занимают почетное место в любом крупном музее мира.

Самые известные картины Рембрандта. «Урок анатомии» (1632 г.)

Эта картина является первым крупным заказом, полученным Рембрандтом после его переезда в Амстердам. На полотне запечатлено вскрытие тела, проведенное доктором Тульпом. Доктор держит с помощью щипцов сухожилия руки, показывая своим ученикам, как сгибаются пальцы. Подобные групповые портреты именно в то время были очень популярны среди гильдий врачей. Правда, как правило, члены группы позировали для них, усевшись в ряд. Рембрандт, картины которого отличались естественностью и реализмом, изобразил учеников в тесном кружке, внимательно вслушивающимися в слова доктора Тульпа. Бледные лица и сам труп яркими светлыми пятнами выделяются на мрачном и темном фоне картины. Работа принесла Рембрандту первую популярность, после чего заказы посыпались на автора с невероятной скоростью.

«Автопортрет с Саскией» (1635 г.)

За всю свою жизнь Рембрандт написал невероятное количество автопортретов. Эта картина является одной из самых известных. Здесь изображено ликование художника от счастья обладания любимой. Эмоциональное состояние живописца отражается в открытом взгляде персонажей, в сияющем лице Рембрандта, словно захлебывающегося от счастья и благополучия. Впрочем, в портрете таится и скрытая провокация: ведь художник изображает себя в образе того самого «блудного сына», пирующего с обычной куртизанкой. Как же сильно отличается «блудный сын» на этом автопортрете от того, которого знают зрители по одноименной картине!

«Даная» (1636 г.)

Самая известная из картин Рембрандта. Написана она по мотивам мифа о матери Персея, Данае. По легенде отец девушки узнал, что умрет от сына собственной дочери, и заточил ее в подземелье. Зевс проник к узнице в виде дождя из золота, после чего родился Персей. Картина привлекает к себе необычным колоритом, характерным для творчества художника. В центре располагается нагая женщина, тело которой освещается ярким солнечным светом. В этом образе Рембрандт, картины которого зачастую изображают близких ему людей, запечатлел образ своей любимой жены Саскии. Образ ангелочка был приписан после смерти супруги. Кажется, что он вечно плачет по судьбе усопшей. Рембрандт долго переписывал свое любимое детище, изменяя настроение картины в соответствии со своими ощущениями. Сочетание мерцающих тонов и золотых бликов поражает своей утонченностью и великолепием.

Удивительна и драматична судьба картины, как и история жизни самого художника. Шедевр после смерти автора сменил немало владельцев. После приобретения работы Екатериной II «Даная» заняла почетное место в знаменитой коллекции «Эрмитажа». В 1985 году в музее произошел неприятный случай, который едва не лишил мир возможности созерцать творение Рембрандта. Один сумасшедший подошел к картине и выплеснул на нее кислоту. Краска немедленно начала пузыриться. Но злоумышленнику и этого показалось мало: он успел сделать на холсте пару надрезов ножом, пока его не остановили. Повреждения затронули около 30% шедевра. Маньяком оказался некий Бронюс Майгис, позже проведший 6 лет в психиатрической клинике. Реставрация картины длилась 12 лет. Сейчас она демонстрируется в «Эрмитаже» под бронированным стеклом, защищающем шедевр от вандалов. Интересен и еще один факт. Произведение искусства и его репродукции часто снимают в фильмах. Например, «Даная» появляется в сериале «Бандитский Петербург» как картина Рембрандта «Эгина».

«Ночной дозор» (1642 г.)

Картина была заказана Рембрандту начальником стрелковой дивизии. На холсте изображена рота ополченцев, которая отправляется в поход. Мушкетеры, подбадриваемые барабанной дробью, изображаются наряду с солдатами различного социального статуса и возраста, готовыми к бою. Всех их объединяет мужественность и патриотический порыв. Работа отличается тщательностью в прорисовке всех образов и деталей. Картина Рембрандта «Ночной дозор» вызывает у зрителей, рассматривающих ее, полное ощущение реальности всего происходящего. Автор постарался не только показать внешние особенности всех персонажей, но и раскрыть внутренний мир каждого солдата. Апофеозом картины выступает триумфальная арка – символ былых успехов и предвестник новой славной победы. С помощью колоритных цветов (золотой, черный и желтый) зрителю раскрывается энергия, драматизм и торжественность настроения военных. Характер и судьба каждого персонажа читаются благодаря кисти известного художника.

Существует немало версий по поводу девочки, изображенной почти в центре картины. Она отличается от всех яркими красками и ангельской внешностью. Возможно, это некий талисман ополченцев. По другой версии девочка – образ любимой жены автора, ушедшей в иной мир в самый разгар написания картины. Как известно, работа не пришлась заказчикам по душе. После того как они выкупили картину, они варварски обрезали холст и повесили его в зале для пиров.

«Возвращение блудного сына» (1666-1669 гг.)

Картина Рембрандта «Возвращение блудного сына» является одной из самых ярких вершин творчества известного художника. Написана она была в последние годы жизни мастера. Это время, когда он был совсем старым и немощным, нуждался и голодал. Тема блудного сына неоднократно и ранее возникала в творчестве художника. Эта работа является заключением, подведением итогов многолетних творческих скитаний знаменитого автора. Картина излучает все тепло и глубину рембрандтовской палитры. Мерцающие краски и изящная игра света и тени подчеркивают образы главных героев. В облике почтенного старца и его блудного сына выражается целая гамма разнообразных чувств: раскаяние и любовь, милосердие и горечь запоздалого прозрения. По мнению искусствоведов, в «Возвращении» раскрылся весь психологический талант живописца. Он вложил в свое детище весь свой накопленный творческий опыт, всю страсть, все свое вдохновение.

Заключение

Трудно даже предположить, какими изобразил Рембрандт картины, описание которых представлено в этой статье. Сколько лет прошло уже со дня их создания, сколько копоти от сальных свечей покрыло их за три века истории! Мы можем только догадываться, как они выглядели в дни их рождения. Между тем и по сей день миллионы поклонников таланта знаменитого живописца в разных музеях мира приходят посмотреть на его шедевры.

Картина Рембрандта «Даная» | Блог о янтаре на сайте yantar.ua

  1. Картина Рембрандта «Даная»
  2. Репродукции картины Рембрандта

Голландский художник Харменс ван Рейн Рембрандт создал множество произведений художественного искусства, вдохновленных античной мифологией. Но вершиной его творчества стала картина «Даная», в которой поэзия одухотворяет приземленность, создавая изумительный пример всепобеждающей любви.

Картина Рембрандта «Даная»

В основу изображения лег миф о заточении Данаи собственным отцом, царем Акрисием. Ему было предсказано, что он погибнет от руки внука, поэтому он решился на такой жестокий шаг, дабы оградить дочь от замужества. Но даже темница не смогла помешать Зевсу проникнуть в заточение и раствориться с Данаей в любви. В виде золотого дождя он попал в обитель принцессы. С его появлением вся комната приняла одухотворенный вид, и изображение ясно передает золотые краски, озаряющие помещение и вещи. Изображение Данаи, списанное со знакомой Рембрандта, далеко от канонов женской красоты, особенно в наши дни, но оно подкупает своей правдивостью и естественностью. Мелкие детали придают изображению оттенок задушевной интимности и дают зрителю возможность почувствовать себя на месте событий, стоящим за занавесом вместо служанки. Будучи мастером создания портретов-биографий, в данной картине Рембрандт умело раскрыл не только описание жизни Данаи, но и ее внутренний мир и переживания.

Картина Рембрандта «Даная» — изображение чистой, всепобеждающей любви и счастья. Полотно обладает особым колоритом и игрой светотени. Золотое мерцание штор, покрывал, кровати создает атмосферу одухотворенности и изысканности.

Рембрандт, 1636—1647. Холст, масло. 185 × 203 см


(Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург)

Репродукции картины Рембрандта

Сама по себе классическая живопись высоко ценится среди любителей и знатоков искусства. Оригинально украшенная копия известной картины – это новаторское решение для современного интерьера в классическом стиле. Репродукции картины Рембрандта, инкрустированные янтарем, уникальны по своей живописности, насыщенности красок, благодаря поразительно обширной гамме оттенков янтаря.

С помощью самоцвета можно придать изображению реалистичности, жизненности и глубины, и «Даная» является отличным примером. Освещение, игра света, которые придают даже репродукциям неповторимости и загадочности.

Картина из янтаря «Даная» от ТМ Янтарь Полесья

Украшенные янтарем картины и панно – необычный подарок дорогому человеку. Это не обязательно могут быть члены семьи. Вы уважаете и цените своего шефа, партнера или друга – сделайте ему приятный и незабываемый подарок в виде картины. И даже если человек совершенно далек от искусства, не разбирается в игре красок, светотени и прочем, он не удержится от того, чтобы не поставить ваш подарок на видное место в своем офисе или доме. Картины из янтаря добавят помещению оригинальности, а его владельцу солидности.

Такие подарки практичны и долговечны, поэтому не стоит беспокоится об их будущем – они многие годы будут радовать и дарить тепло и уют хозяевам дома.

Популярные товары

621 грн

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669)

Рембрандт
• Рембрандт Харменс ван Рейн (1606—1669) —
голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий
мастер светотени, крупнейший представитель золотого века
голландской живописи]. Он сумел воплотить в своих
произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой
эмоциональной насыщенностью, которой до него не
знало изобразительное искусство. Работы Рембрандта,
чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности,
открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих
переживаний и чувств.
• Рембрандт Харменсзон («сын Хармена») ван Рейн родился 15
июля 1606 года (по некоторым данным, в 1607) в многодетной
семье состоятельного владельца мельницы Хармена
Герритсзона ван Рейна в Лейдене. Семья матери даже
после Нидерландской революции сохраняла
верность католическому вероисповеданию.
«Аллегория музыки» 1626

В Лейдене Рембрандт посещал латинскую школу при университете, но наибольший интерес
проявлял к живописи. В 13 лет его отдали учиться изобразительному искусству к лейденскому
историческому живописцу Якобу ван Сваненбюрху, католику по вере. Исследователям не
удалось найти работы Рембрандта, относящиеся к этому периоду, поэтому вопрос о влиянии
Сваненбюрха на становление творческой манеры Рембрандта остаётся открытым: слишком
мало известно сегодня об этом лейденском художнике.
В 1623 году Рембрандт учился в Амстердаме у Питера Ластмана, прошедшего стажировку
в Италии и специализировавшегося на исторических, мифологических и библейских сюжетах.
Вернувшись в 1627 году в Лейден, Рембрандт вместе с другом Яном Ливенсом открыл
собственную мастерскую и начал набирать учеников. За несколько лет он приобрел широкую
известность.
Ластмановское пристрастие к пестроте и детальность в исполнении оказало огромное
влияние на молодого художника. Оно явственно сквозит в его первых сохранившихся
произведениях — «Побиении камнями св. Стефана» (1629), «Сцене из древней истории»
(1626) и «Крещении евнуха» (1626). В сравнении с его зрелыми работами они необычайно
красочны, художник стремится тщательно выписать каждую деталь материального мира, как
можно достовернее передать экзотическую обстановку библейской истории
. Почти все герои предстают перед зрителем наряженными в причудливые восточные
наряды, блистают драгоценностями, что создаёт атмосферу мажорности, парадности,
праздничности («Аллегория музыки», 1626; «Давид перед Саулом», 1627).
«Христос во время шторма на море Галилейском» (1633)

«Христос во время шторма на море Галилейском» (1633). Единственный
морской пейзаж Рембрандта был выкраден в 1990 году из музея Изабеллы
Гарднер и до сих пор находится в розыске
Итоговые произведения периода — «Товит и Анна», «Валаам и ослица» —
отражают не только богатую фантазию художника, но и его стремление как
можно выразительнее передать драматичные переживания своих героев.
Подобно другим мастерам барокко, он начинает постигать значение резко
вылепленной светотени для передачи эмоций. Его учителями в отношении
работы со светом были утрехтские караваджисты, но ещё в большей степени
он ориентировался на произведения Адама Эльсхаймера — немца,
работавшего в Италии. Наиболее караваджистские по исполнению полотна
Рембрандта — «Притча о неразумном богаче» (1627), «Симеон и Анна в
Храме» (1628), «Христос в Эммаусе» (1629).
К этой группе примыкает картина «Художник в своей мастерской» (1628;
возможно, это автопортрет), на котором художник запечатлел себя в
мастерской в момент созерцания собственного творения. Холст, над которым
ведётся работа, вынесен на первый план картины; в сравнении с ним сам
автор кажется карликом
В 1629 году художника заметил секретарь принца Оранского Константин
Гюйгенс — известный в то время поэт и меценат. В одном из писем того
времени Гюйгенс превозносит Ливенса и Рембрандта как многообещающих
молодых художников, а полотно Рембрандта «Иуда, возвращающий тридцать
серебреников» он сравнивает с лучшими произведениями Италии и даже
античности. Это Гюйгенс помог Рембрандту связаться с богатыми клиентами и
заказал ему несколько религиозных полотен для принца Оранского.
Таким изобразил себя Рембрандт в возрасте 23 лет

В 1631 году Рембрандт перебрался в Амстердам, где свойственная
эстетике барокко динамичность и внешняя патетика полотен сыскали ему
множество состоятельных почитателей, подобно Гюйгенсу увидевших в нём
нового Рубенса. Год спустя Ливенс закрыл лейденскую мастерскую и уехал
в Англию, где попал под влияние ван Дейка, потом, до возвращения на
родину в 1644 году, работал в Антверпене.
Период переезда в Амстердам ознаменовался в творческой биографии
Рембрандта созданием множества этюдов мужских и женских голов, в
которых он исследует своеобразие каждой модели, экспериментирует с
подвижной мимикой лиц. Эти небольшие произведения, впоследствии
ошибочно принимавшиеся за изображения отца и матери художника, стали
настоящей школой Рембрандта-портретиста. Именно портретная живопись
позволяла в то время художнику привлечь заказы состоятельных
амстердамских бюргеров и тем самым добиться коммерческого успеха.
В первые амстердамские годы видное место в творчестве Рембрандта
занимает жанр автопортрета; изображая себя в фантастических одеяниях и
замысловатых позах, он намечает новые пути развития своего искусства.
Иногда пожилые персонажи этюдов, наряженные художником в роскошные
восточные костюмы, преображаются его воображением в библейских
персонажей; таков задумчивый «Иеремия, оплакивающий разрушение
Иерусалима» (1630). Для штатгальтера Фридриха-Генриха Оранского он
создаёт парные полотна «Воздвижение креста» (1633) и «Снятие с креста»
(1632/1633), вдохновлённые многофигурными гравюрами Рубенса.
«Пир Валтасара» (1635)

Картина «Пир Валтасара» была написана Рембрандтом между 1633 и 1634 годами. На данный
момент полотно храниться в Национальной галерее Лондона. Картина написана в эпоху
барокко и относится к ярчайшим произведениям Рембрандта, связанным с историческим
наследием человечества.
Сюжет картины достаточно прост. Перед зрителем предстает во всей красе легенда о
последнем царе Вавилона – Валтасаре. Валтасар был жестоким завоевателем, ему и его
предкам удалось подчинить своей воле множество народов и стран. Никто не мог
противостоять силе Вавилона, никто, кроме персов, чьи войска в это время возглавил весьма
умелый воитель по имени Кир.
Персидская армия освободила покоренные народы и те восстали против Вавилона.
Советники Валтасара советовали ему убежать из столицы и укрыться в одном из убежищ, но
гордый и упрямый царь не согласился и в момент, когда его город осаждали враги, устроил
большой пир, на который пригласил всех знатных горожан и вельмож.
В разгар пира, когда вино лилось рекой, а от кушаний буквально ломились столы, на стене
пиршественной залы появилась странная надпись – «Мене, текен, упарсин», означавшая
следующее: «Царствие твое измерено, взвешенно и отдано персам». Момент появления этой
надписи и был запечатлен Рембрандтом.
В центре картины сам царь Валтасар, оторвавшийся от богатого стола, чтобы взглянуть на
стену позади себя, на которой в ярком солнечном свете рука невидимого человека чертит
приговор его царству и ему самому. Одеяния царя роскошны, отовсюду свисают золотые цепи
и украшения, на голове, укутанной в восточный тюрбан, сверкает инкрустированная
драгоценными каменьями, корона.
Валтасара окружают испуганные придворные, на лицах женщины и мужчины, хорошо
видимых зрителю, явственно читается непонимание и ужас. Женщина, повернутая к зрителю
спиной, настолько испуганна, что вино, которое она должна была вылить в кубок, льется
прямо на пол.
Общий облик картины достаточно мрачный, но вместе с тем в ней присутствует некая
надежда на светлое будущее, которое обещает Бог.

Сюжет картины с непосредственным появлением мистической руки был взят
Рембрандтом из ветхозаветной книги пророка Даниила. После смерти
царя Набонида власть в Вавилоне перешла к его сыну — Валтасару. По этому
поводу было устроено богатое пиршество, которое длилось много дней. В это
время мидяне и персы подошли к стенам Вавилона и начали осаду города.
Когда для всего множества наложниц, вельмож и гостей не хватило посуды,
царь распорядился принести золотые ритуальные приборы из
разграбленного ещё Навуходоносором храма в Иерусалиме. После такого
кощунства на стене появилась человеческая рука, которая начала выводить
письмена. Опомнившись от ужаса, Валтасар созвал гадателей, мудрецов и
чернокнижников и приказал им расшифровать послание. Однако никто из них
с поставленной задачей не справился. После этого мать царя посоветовала
ему обратиться к человеку по имени Даниил. Прорицатель расшифровал
таинственное послание: Мене, мене, текел, упарсин. Даниил поведал, что за
неугодные Богу деяния и осквернение святынь Валтасара настигнет погибель,
а царство его будет разделено между мидянами и персами. В ту же ночь
город был взят штурмом.

Полотно выполнено в свойственных творчеству художника жёлтых, коричневых и золотистых
тонах. Группу пирующих он специально выделил с помощью придания им свечения, которое
поглощает тьма, распространяющаяся от таинственной надписи. В картине «Пир Валтасара»
Рембрандт тонко передал эмоции, которые испытывают все участники. Достаточно
реалистично изображены изумление и страх, подчёркнутость выражения лиц динамичным
фоном. Рембрант, например, изобразил вино выплескивающимся из священных сосудов,
добавив тем самым символизма своей работе. В свойственной ему классической манере
исполнения художник выстраивает композицию, где в центре картины — Валтасар, а вокруг
него жена, наложницы, слуги, жрецы и охранники. Появление мистической руки вызывает
неподдельный глубокий ужас на лицах всех присутствующих, а сам царь словно прикрывается
рукой от опасности. Следуя моде тех времен Рембрандт изобразил свою жену на полотне, где
ей была отведена роль жены Валтасара (женщина с кудрявыми волосами, серьгами и
ожерельем из жемчуга).
Особенное расположение букв знаменитой огненной надписи, появившейся на стене, не
случайно. В то время одним из близких друзей Рембрандта был еврей Манассе бен Исраэле,
которого художник часто изображал на своих этюдах. Именно он подсказал художнику, как
следует расположить текст надписи на полотне. Таинственную надпись на иврите художник
изобразил не горизонтальными строками справа налево (как того требует еврейская
письменность), а пятью столбцами, где на последнее слово приходятся два столбца. Если бы
слова были написаны обычным образом — вавилонским толкователям не стоило бы труда
прочесть их. Однако в самой Библии указанно, что надпись была зашифрована, а тайну шифра
Бог открыл одному лишь пророку Даниилу.
• На картине мы видим типичную для Рембрандта игру
света, льющегося из разных источников, и ощущаем
повышенный драматизм, достигающий вершины
эмоционального накала в перепуганном выражении
лица Валтасара и той самой, ослепительно сияющей на
стене надписи «сочтено, взвешено, разделено».
• Необычайно выразительна поза женщины, которую
Валтасар, похоже, пытается заслонить рукой от
источника таинственного света. Подобной позы мы не
видели ранее и не увидим более картинах Рембрандта.
В ужасе отпрянув, женщина опрокидывает бокал: мы
видим выливающеея на рукав ее платья вино…

Слава о Рембрандте как о незаурядном мастере распространилась по
Амстердаму после завершения им группового портрета «Урок анатомии
доктора Тульпа» (1632), на котором внимательные хирурги не были
выстроены в параллельные ряды обращённых к зрителю голов, как то было
принято в портретной живописи того времени, а строго распределены в
пирамидальной композиции, позволившей психологически объединить всех
действующих лиц в единую группу. Богатство мимики каждого лица и
драматическое использование светотени подводит итог под годами
экспериментирования, свидетельствуя о наступлении творческой зрелости
художника.
Первые годы в Амстердаме были самыми счастливыми в жизни Рембрандта.
Состоявшийся в 1634 году брак с Саскией ван Эйленбюрх открывает перед
художником двери особняков зажиточных бюргеров, к числу которых
принадлежал её отец — бургомистр Леувардена. Заказы сыплются к нему
один за другим; не менее полусотни портретов датируются именно первыми
годами пребывания Рембрандта в Амстердаме. Особенно благоволили к нему
консервативные меннониты.
«Блудный сын в таверне»

Рембрандт и Саския на картине «Блудный сын в таверне» (1635) Время создания картины
относится к самому счастливому периоду жизни Рембрандта, когда он добился популярности
как художник, количество заказов на его картины возросло, появились ученики. Он был
счастлив и в семейной жизни, и решил создать портрет своей семьи. Это единственная
картина Рембрандта, на которой он изобразил себя с Саскией (есть ещё офорт «Автопортрет с
Саскией», датируемый 1636 годом).
Существует версия, что первоначально на картине были и другие персонажи, но потом
художник решил оставить только себя и Саскию, и холст с левой стороны был обрезан самим
Рембрандтом.
К теме блудного сына художник вернется год спустя в офорте «Возвращение блудного сына»,
и 31 год спустя — в финальной картине «Возвращение блудного сына».
Картина иллюстрирует рассказ из Евангелия от Луки 15:13: «По прошествии немногих дней
младший сын, собрав всё, пошел в дальнюю сторону и там расточил имение своё, живя
распутно».
На картине Рембрандт играет роль блудного сына, расточающего «имение своё с
блудницами», элегантно одетого в камзол со шпагой, шляпу с пером, высоко поднимающего
хрустальный бокал с вином. На коленях у него сидит Саския, тоже в богатой одежде в роли
блудницы. На столе видно блюдо с павлином, символом тщеславия.
Несмотря на веселье, изображённое на картине, Рембрандт всё же одной деталью напомнил,
какое продолжение имеет библейская история. На стене видна грифельная доска — символ
того, что рано или поздно за всё придётся платить.

«Блудный сын в таверне» («Автопортрет с Саскией на коленях») — знаменитый автопортрет
Рембрандта с женой Саскией, на котором они представлены героями библейской притчи о
блудном сыне. Экспонируется в Дрезденской галерее (Германия). Время создания картины
относится к самому счастливому периоду жизни Рембрандта, когда он добился популярности
как художник, количество заказов на его картины возросло, появились ученики. Он был
счастлив и в семейной жизни, и решил создать портрет своей семьи. Это единственная
картина Рембрандта, на которой он изобразил себя с Саскией (есть ещё офорт «Автопортрет с
Саскией», датируемый 1636 годом). Существует версия, что первоначально на картине были и
другие персонажи, но потом художник решил оставить только себя и Саскию, и холст с левой
стороны был обрезан самим Рембрандтом.
К теме блудного сына художник вернется год спустя в офорте «Возвращение блудного сына»,
и 31 год спустя — в финальной картине «Возвращение блудного сына». Картина иллюстрирует
рассказ из Евангелия от Луки 15:13: «По прошествии немногих дней младший сын, собрав
всё, пошел в дальнюю сторону и там расточил имение свое, живя распутно». На картине
Рембрандт играет роль блудного сына, расточающего «имение своё с блудницами»,
элегантно одетого в камзол со шпагой, шляпу с пером, высоко поднимающего хрустальный
бокал с вином. На коленях у него сидит Саския, тоже в богатой одежде в роли блудницы. На
столе видно блюдо с павлином, символом тщеславия. Несмотря на веселье, изображенное на
картине, Рембрандт всё же одной деталью напомнил, какое продолжение имеет библейская
история. На стене видна грифельная доска — символ того, что рано или поздно за всё
придётся платить.

Материальное благосостояние Рембрандта позволило ему приобрести
собственный особняк, который он наполнял скупленными им у антикваров
предметами искусства. Это были не только картины итальянских мастеров и
гравюры, но также античная скульптура, оружие, музыкальные инструменты.
Для изучения великих предшественников ему не было нужды выезжать из
Амстердама, ибо в городе тогда можно было увидеть такие шедевры,
как тициановский «Портрет Джероламо (?) Барбариго» и портрет Бальтазаре
Кастильоне кисти Рафаэля.
К числу наиболее значительных портретов тех лет принадлежат изображения
Саскии — иногда в домашней обстановке, лежащей в постели, иногда в
роскошных одеяниях (кассельский портрет, 1634) и театрализованных
обличьях («Саския в образе Флоры», 1634). В 1641 году у них родился
сын Титус; ещё трое детей умерли в младенчестве. Избыток жизненных сил
художника в годы брака с Саскией с наибольшей бравурностью выражен в
картине «Блудный сын в таверне» (1635). Иконография этой прославленной
работы восходит к моралистическим изображениям разврата блудного
сына из библейской притчи
Саския умерла через год после рождения сына, и в жизни Рембрандта
начался период непрерывных личных утрат.
«Даная» (1636—1647)

«Даная» в 1985 году подверглась вандальному нападению, но была
восстановлена советскими реставраторами. «Даная» (1636—1647) —
картина Рембрандта из коллекции Эрмитажа, написанная по мотивам
древнегреческого мифа о Данае, матери Персея.
Когда царь древнегреческого города Аргоса узнал о пророчестве, согласно
которому ему суждено умереть от руки сына Данаи, своей дочери, он
заключил её в подземелье и приставил к ней служанку. Однако
бог Зевс проник к Данае в виде золотого дождя и совокупился с ней, в
результате чего Даная родила сына Персея.
Классический сюжет картины — явление Зевса в виде золотого дождя к
находящейся в заключении девушке. К этому сюжету обращались такие
знаменитые художники, как Тициан, Корреджо, Госсарт, Климт.
Молодая обнажённая женщина в постели освещена потоком тёплого
солнечного света, падающего через сдвинутый служанкой полог. Женщина
приподняла голову над подушкой, протянув правую руку навстречу свету,
пытаясь как бы почувствовать его своей ладонью. Её доверчивый взгляд
обращён в сторону света, губы чуть приоткрылись в полуулыбке. Спутанная
прическа, примятая подушка — всё говорит о том, что ещё минуту назад,
раскинувшись в дремотной неге, женщина смотрела сладкие сны в своей
роскошной постели
Даная. Фрагмент: лицо женщины
Даная. Фрагмент: кольцо на безымянном пальце
левой руки
Даная. Фрагмент: правая рука обращена навстречу
свету
Даная. Фрагмент: над изголовьем кровати — золотой младенец с
крылышками, на лице которого застыло страдание

Обнажённое тело молодой женщины привлекает внимание мягкими
контурами, игрой света и тени. Беззащитность и мягкость чувствуется во всей
её фигуре, которая, несмотря на несоответствие современным канонам,
является символом женственности и красоты.
В отличие от произведений других художников, на картине отсутствует
золотой дождь, символизирующий Зевса, и взгляд Данаи направлен не вверх,
как можно было бы ожидать, а в сторону протянутой руки.
Руки женщины украшены браслетами, а на левой руке на безымянном пальце
надето кольцо, которое может трактоваться как обручальное, хотя это идёт
вразрез с сюжетом древнегреческого мифа.
Над изголовьем кровати младенец с крылышками, на лице которого застыло
страдание.
Искусствоведы долгое время предлагали различные толкования картины.
Чувственность, с какой изображена женщина; её лицо, наделённое ярко
индивидуальными чертами; отсутствие золотого дождя, который стал
непременным атрибутом в произведениях на этот сюжет, вызывали сомнения
в том, что главная героиня рембрандтовского полотна Даная. Высказывались
предположения, что на картине
представлена Агарь, Лия, Рахиль, Далила, жена Потифара или Вирсавия. По
мнению Вильгельма фон Боде, это изображение Сарры, которая
ожидает жениха. Как считал Эрвин Панофский, крылатый мальчик — Эрот, а
его связанные руки указывают на «вынужденное целомудрие». По
Панофскому Рембрандт заменил традиционный золотой дождь золотым
светом, следовательно, женщина — Даная.

Картину «Даная» Рембрандт начинает писать в 1636 году, через 2 года после
своей женитьбы на Саскии ван Эйленбюрх. Художник нежно любит свою
молодую жену, часто изображая её на своих картинах. Не стала исключением
и «Даная», написанная Рембрандтом не для продажи, а для своего дома.
Картина оставалась с художником вплоть до распродажи его имущества
в 1656 году. Долгое время оставалось загадкой, почему сходство с Саскией не
так очевидно, как на других картинах художника 1630-х годов, а
использованный им стиль местами более походит на творения более
позднего периода его творчества.
Лишь сравнительно недавно, в середине XX века, при помощи
рентгенографии удалось найти ответ на эту загадку. На рентгеновских снимках
сходство с женой Рембрандта более явное. Оказывается, картина была
изменена после смерти супруги художника (1642), в то время, когда он
состоял в интимных отношениях с Гертье Диркс. Черты лица Данаи на картине
были изменены таким образом, что совместили в себе обеих любимых
женщин художника.
Кроме того, рентгеноскопия показала, что на первоначальном изображении
присутствовал золотой дождь, льющийся на Данаю, а взгляд её был
направлен вверх, а не в сторону. У ангела в изголовье кровати было
смеющееся лицо, а правая рука женщины была повёрнута ладонью вверх.

Даная в России
После распродажи имущества Рембрандта след картины теряется. Лишь в XVIII веке «Даная»
обнаруживается у знаменитого французского коллекционера Пьера Кроза́. После смерти
Кроза (1740) большинство картин досталось трём его племянникам: Луи Франсуа, Жозефу
Антуану и Луи Антуану. Когда российская императрица Екатерина II начала подбирать картины
для Эрмитажа, она попросила своего хорошего знакомого Дени Дидро помочь ей с подбором
материалов для коллекции. Дидро обратил внимание на часть коллекции Кроза,
находившуюся у барона Луи Антуана, которая и была приобретена Екатериной в 1772 году у
наследников скончавшегося в 1770 году барона. В числе приобретённых картин были
«Даная» Рембрандта и «Даная» Тициана.
Вандализм
В субботу 15 июня 1985 года в зал Рембрандта в Эрмитаже вместе с экскурсией пришёл
житель Литвы 48-летний Бронюс Майгис, который спросил у работниц музея, какая из картин
в этом зале наиболее ценная. После этого он подошёл к «Данае» и, достав из-под полы
склянку, выплеснул её содержимое прямо в центр холста. Краска немедленно начала
пузыриться, менять цвет — в склянке была серная кислота. Майгис также достал нож и успел
дважды порезать картину. Позже экспертиза признала Майгиса невменяемым
Он сначала объяснял свой поступок политическими убеждениями (якобы был литовским
националистом), потом обычным женоненавистничеством, а затем стал твердить об обычном
желании привлечь к себе внимание. По решению Дзержинского суда 26 августа 1985 года
Майгис был признан душевнобольным (диагноз — вялотекущая шизофрения) и отправлен в
психиатрическую лечебницу города Черняховск, где провёл 6 лет, затем отправлен в
аналогичное заведение в Литве, откуда был выпущен вскоре после распада Советского Союза

Реставрация
Первыми откликнулись специалисты Ленинградского технологического
института, дали совет смывать водой, и одновременно — директор
Эрмитажа академик Б. Б. Пиотровский позвонил директору Института
химии силикатов имени И. В. Гребенщикова академику М. М. Шульцу и
послал за ним машину, а тот ещё по телефону дал первые рекомендации:
смывать обильно водой, держа картину в вертикальном положении, а
затем, приехав вскоре в музей, консультировал реставраторов уже на месте.
Он, вероятно, принадлежал к немногим химикам, которым на собственном
опыте одновременно была хорошо известна техника масляной живописи и
химизм процессов, протекавших на поверхности повреждённого
произведения и в зонах соединения лакового и красочного слоёв, грунта и
холста.
Многие эксперты не верили в успех, считая, что картина утрачена навсегда.
Утраты живописи составили 27 %. Весь центр картины состоял из смешения
бурых рельефных пятен, набрызгов, вертикальных натёков и утрат.
Работа над восстановлением мирового шедевра началась в тот же день.
Через полтора часа промывания водой удалось остановить действие кислоты,
после чего картину укрепили раствором из рыбного клея и мёда, чтобы
предотвратить отслоение слоёв краски при высыхании. Через три дня была
создана специальная государственная комиссия, которая рассматривала пути
дальнейшего восстановления картины: оставить изуродованное полотно как
есть или же восстановить картину, фактически сделав её копию. В результате
было принято решение восстановить утраты, удалить следы кислотной
реакции, в максимальной степени сохраняя рембрандтовскую живопись.

Реставрация началась в Малой церкви Зимнего дворца, где были созданы
подходящие для картины климат и освещение. В течение полутора лет над
полотном работали реставраторы Эрмитажа Евгений Герасимов, Александр
Рахман, Геннадий Широков и Татьяна Алёшина. После укрепления красочного
слоя и грунта и подведения нового дублировочного холста, под микроскопом
удалялись следы кислотной реакции. Следующим этапом было тонирование с
использованием техники масляной живописи, аналогичной авторскому
стилю. Одним из важных условий реставрации стало требование
возможности возврата к первоначальному варианту, для чего тонирование
отделялось от оригинальной живописи слоем лака.
Окончательно реставрация закончилась лишь спустя 12 лет, в 1997 году, с тех
пор картина демонстрируется в зале голландской и фламандской школ на
втором этаже главного здания Эрмитажа. Для предотвращения актов
вандализма в настоящее время картина защищена бронированным стеклом.
Вокруг картины «Даная» под изменённым названием «Эгина» построен
сюжет книги Андрея Константинова«Вор» («Журналист-2»), по мотивам
которой снята первая часть телесериала «Бандитский Петербург» — «Барон».
Упоминается то, что картина была облита серной кислотой, и процесс её
реставрации. Также вокруг «Данаи» построен сюжет книги Владимира
Соловьёва «Похищение Данаи». История картины описывается в
«Исторических миниатюрах» Валентина Пикуля.

Знаменитая «Даная» (1636/1643) вся лучится светом. «Похищение
Европы» (1632) и «Похищение Ганимеда» (1635) — также обычные сюжеты
итальянской живописи — совершенно преображены Рембрандтом путём
введения, в первом случае, голландского пейзажа, во втором — иронической
трактовкой легендарного юноши-красавца как младенца с искажённым
гримасой ужаса лицом.
Как и в годы работы с Ластманом, творческое воображение Рембрандта
требует библейских сюжетов с относительно неразработанной иконографией.
В «Пире Валтасара» (1635) на лицах персонажей картины написан
неподдельный ужас, впечатление тревоги усиливается драматичным
освещением сцены. Не менее динамично «Жертвоприношение Авраама»
(1635) — застывший в воздухе нож придаёт сцене непосредственность
фотографического изображения. Более поздняя версия этой композиции
из Мюнхена— пример того, как качественно копировали картины Рембрандта
его подмастерья.
Эффекты света и тени Рембрандт разрабатывал и в офортах(«Христос перед
Пилатом», 1636), которым нередко предшествовали многочисленные
подготовительные рисунки. На протяжении всей последующей жизни офорты
приносили Рембрандту не меньший доход, чем собственно живопись. Как
офортист он особенно славился применением сухой иглы, динамичного
штриха и техники затяжки.
Рембрандт. «Ночной дозор» (1642)

«Ночной дозор» (1642) рембрандта стала переломной в творчестве художника. А кроме того,
она скрывает немало тайн, которые до сих пор пытаются разгадать искусствоведы.
Выставлено это произведение в Голландии в государственном музее. Поэтому, к сожалению,
не каждый может увидеть это замечательное творение, которое создал Рембрандт — «Ночной
Дозор». Фото, изображающее эту картину, никогда не передаст всю красоту и неповторимость
созданного шедевра, а лишь представляет обычную копию. Роковое произведение автора,
практически сломавшее его жизнь Довольно многие старинные произведения великих
авторов выглядят сегодня намного темнее, чем в то время, когда создавались. Копоть от
каминов и практически постоянно зажженных свечей оказывали свое негативное влияние на
многие шедевры
Ночной дозор» — это одна из самых известных работ, и написана она была известным
художником в тысяча шестьсот сорок втором году. Изначально имела совсем другое
название. Сам творец назвал ее «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга
Кока и лейтенанта Виллема Ван Рейтенбюрга». До этой картины Рембрандт Ван Рейн славился
своим великолепным мастерством, и к нему достаточно часто обращались многие очень
богатые люди с разнообразными заказами. Но это произведение полностью изменило его
жизнь. Какое впечатление производит картина на первый взгляд, или Ее первая загадка В
роковом произведении, которое создал Рембрандт Ван Рейн («Ночной дозор»), есть персоны,
изображенные именно на переднем плане. Это капитан, идущий в черном костюме и с
красной перевязью. А также лейтенант, шагающий рядом с ним, который одет в золотистый
камзол. И сразу же удивляет впечатление разгульного балагана происходящего вокруг. Все это
как-то очень плохо вяжется с ее серьезным названием «Ночной дозор».

Оказалось, что так произведение обозначили гораздо позже, аж в девятнадцатом веке. Когда
картина уже изрядно потемнела от прошедшего времени. Глядя на ее темный колорит,
никому и в голову не пришло, что художник Ван Рейн, как выяснилось, изображал солнечный
день. И только в тысяча девятьсот сорок седьмом году, когда реставрировалась картина
«Ночной дозор» Рембрандта, специалисты обратили внимание на то, как падают тени у
персонажей. Так и выяснилось, что на самом-то деле это дневной дозор. И описанное
действие происходит около полудня. Однако это не единственный секрет, присутствующий в
произведении. Шедевр, который создал Рембрандт – «Ночной дозор» — описание картины и
дальнейшее ее исследование раскроет еще несколько загадок.
Популярная стилистика написания картин семнадцатого века В семнадцатом веке были очень
популярны групповые портреты. Определенный коллектив скидывался равными долями и
оплачивал работу художника. Но каждый хотел быть увековечен на равных правах с коллегой.
Ну и конечно, крупным планом. Заказ от стрелковой роты Рембрандт Ван Рейн получил,
поскольку очень славился мастерством портретной живописи.
Каждый член обратившейся группы заказчиков внес свою долю в оплату работы Ван Рейна. И
сейчас, глядя на картину, можно легко догадаться, почему его клиенты остались недовольны.
Если не считать капитана с лейтенантом, шагающих на переднем плане, все остальные
фигуры кажутся второстепенными. Какой-то массовкой на заднем плане. Конечно, они
остались обижены, платили-то все поровну. Безутешное горе художника и последующие
неприятности Недовольство заказчиков бросило очень серьезную тень на статус Рембрандта.
Ему перестали давать заказы. Он оказался непопулярен и не востребован для богатой
публики. Для любого художника это было бы серьезным ударом. А для Ван Рейна оказалось
двойным. Так как именно в тот год, когда была написана картина «Ночной дозор»,
Рембрандта постигло неутешное горе — умерла его жена Саския.
• До конца, в общем-то, так и непонятно, почему художник
отступил от канонов и пошел против своих заказчиков. Есть
версия, что виной всему больное воображение Рембрандта Ван
Рейна.
• А по другой версии, картина отражает заказное убийство
прежнего капитана роты, место которого занял Кок в черном. А
некоторые эксперты считают, что эта картина — дружеская шутка
над неопытными членами роты. Дело в том, что к моменту,
когда была написана картина, стрелковые роты были уже чисто
номинальными. В них вступали зажиточные граждане, чтобы
иногда с честью выходить на парад. Для жителей того времени
было очевидно, что именно то, как изображены эти мушкетеры,
явно показывает, что с мушкетами они обращаться не умеют.
• Единственное противоречие вызывает золотистая карлица,
являющаяся композиционным центром, который представляет
данная картина
• Она кажется карлицей: ростом с ребенка, но с
лицом молодой женщины, с лицом Саскии, жены
художника… Рембрандт начал писать «Ночной
дозор» счастливым семьянином, а закончил
вдовцом.
Это милое личико в толпе вояк – может быть,
последний портрет любимой, личная нота в
заказной работе.
На поясе у девочки подвешена тушка белого петуха
с крупными когтистыми лапами.

Эту деталь трактуют как символическое изображение провизии отряда, которой заведует
маркитантка, но возможно — это скрытая шутка, основанная на игре слов: на голландском
языке слова «коготь» и мушкет звучат похоже, а мушкетеров называют кловенирами
(«klovenier»).
Существует мнение, что скрещенные лапки петуха — герб добровольной городской гвардии.
Поэтому здесь художник Рембрандт, картины которого всегда полны глубокого смысла,
показывает куриные лапки. То ли издевается, то ли намекает на распространение
фривольного поведения. Поскольку эти птицы были символом девиц легкого поведения.
Ясно, что девочка не может быть второстепенным персонажем, иначе она не стала бы
световым центром картины. С ней соперничает по освещенности только фигура лейтенанта в
светло-желтом костюме, но в то время как лейтенант всего лишь интенсивно освещен,
девочка словно сама излучает свет!
Что хотел этим выразить художник, который «ставил» свет, как театральный режиссер,
воплощая в световых акцентах высший смысл картины?
В сюжете и деталях «Ночного дозора» многое не ясно (по подсчетам искусствоведов, число
загадок превышает сотню!), но думается, что загадочность полотна не только в этом:
тревожная недосказанность свойственна картине как таковой. Кажется, что в ней самой
скрыто нечто таинственное, подобно тому, как почти полностью скрыты фигуры людей на
заднем плане, в затененной глубине холста.
• Кубок в руках девочки — символ
благосклонности судьбы. Девочка в желтом
вполне может быть также пародией на
маскотту — живой талисман, который стрелки
брали с собой на войну.
Карнавализация образа и символа в данном
случае достигается вводом фигуры ехидно
смеющегося мальчика, со всех ног убегающего
куда-то (левый нижний угол). В руках сорванца
тоже кубок — намек на то, что воинское
счастье незадачливых стрелков уже утеряно.
• Перчатка в руке Кока свидетельствует о
рассеянности ее владельца. Если
приглядеться, то можно заметить, что Кок в
правой одетой в перчатку руке держит
вторую правую перчатку! Безусловно, это
добавляет комичности всей сцене.
• Коротышка за спиной капитана Кока, по мнению Кэрролл,
представляет собой маску комедийного Капитана-испанца (это
личное имя, как Петрушка) народного театра XVII–XVIII
столетий. На нем штаны по моде XVI века и старый испанский
шишак, который голландцы никогда не носили.
Шлем увенчан дубовым венком, полагавшимся за доблесть. Но
доблестью здесь и не пахнет, напротив, этот чудак умудрился не
справиться со своим мушкетом и дал залп в толпе (за головой
Кока) — хорошо, что никого не убило. На сцене такой Капитан
обычно корчил страшные рожи и угрожающе размахивал
оружием, но в конце концов ретировался. Фигура коротышки и
вторая правая перчатка Кока создают карнавальный контекст, в
котором претензии позирующих кловениров предстать бравым
воинством лишаются всякого основания.
• Запал в руке мушкетера, насыпающего порох на
ружейную полку, — свидетельство его неумения
обращаться с оружием. Кэрролл обратила внимание на
то, что стрелок держит фитиль в слишком опасной
близости от горючей смеси.
Точно так же, как это показано в популярном
руководстве по обращению с оружием
(«Вапенханделинге», 1607), в разделе «Неправильно».
Таким образом, всякому человеку, хорошо знакомому с
военным делом, становилась понятна боевая ценность
этого ополченца.

Левая рука мушкетера в красном — еще одна аллюзия на карнавальную культуру. У стрелка
шесть пальцев (!), как и у некоторых театральных кукол той эпохи, изображающих шутов.
Тень от левой руки капитана ложится прямо на гениталии лейтенанта Рейтенбурга. Многие
полагают, что это намек на гомосексуальные отношения между двумя командирами. Точно ли
они были таковы, нам неизвестно. Но с точки зрения Михаила Бахтина, занимавшегося
исследованием смеховой культуры, подобный жест унижает того, к кому обращен.
Еще одна интересная деталь, Рембрандт исхитрился отчасти изобразить себя на оригинале
картины «Ночной дозор» между двумя мушкетерами – один из которых в шляпе, другой в
кирасе, а расположены они позади всех участников, он нарисовал только часть своего лица с
глазом, ухом и шляпой.
В своей картине «Ночной дозор» Рембрандт фрагментарно вырисовывает историю заказного
убийства лейтенанта Виллема ван Рейтенбурга. Все жесты и позы, каждого из 34 персонажей
картины, при более детальном рассмотрении их зрителями, указывают на заказчиков
убийства.
Один из персонажей картины, который расположен в правой ее части (если лицом ко
зрителю), указывает правой рукой на двух богатых аристократов лидирующих кланов
Амстердама (они, соответственно, стоят на левом краю картины) — это и есть заказчики
убийства.

Именно после этой, обличающей достопочтенных горожан в преступлении и пошла полоса
финансовых неудач Рембрандта. К концу жизни ситуация с заказами на картины у Рембрандта
становилась все хуже, выставляли требования кредиторы, в конечном итоге он распродал все
свое имущество, переехал на окраину Амстердама и умер уже будучи совсем разоренным.
Яркая, живая, завораживающая картина привела в восторг современников (но не заказчиков,
оставшихся крайне недовольными результатом), но особенно ею восхищалось следующее
поколение.
Тридцать шесть лет спустя Самуэль ван Хоогстратен пишет в своем трактате: «Рембрандт
великолепно выполнил свою задачу в картине с амстердамскими гвардейцами, хотя многие
полагают, что это большое полотно он написал, руководствуясь собственным взглядом на
вещи, а не правилами создания портретов, подобных тому, что был ему заказан.
Но сколько бы ни критиковали это произведение, ему поистине суждено пережить все те
картины, что берутся с ним соперничать, ибо оно так хорошо по замыслу, так совершенно по
исполнению, в нем столько огня, столько движения, что все картины рядом с ним выглядят
игральными картами».

• Монументальное создание Рембрандта, запечатлевшее внезапное
выступление в поход стрелковой роты, возглавляемой её
командирами, решено им как массовая сцена, пронизанная
движением толпы конкретных и безымянных персонажей и
построенная на мерцающем контрасте ярко освещенных цветовых
пятен и затенённых зон. Создающая впечатление разнобоя и
напряжённости случайность запечатленной на полотне ситуации
вместе с тем проникнута торжественностью и героическим подъёмом,
сближается по своему звучанию с исторической композицией.
• Столь смелое сочетание группового портрета с военными
воспоминаниями Нидерландской революции отпугнуло некоторых
заказчиков. Биографы Рембрандта спорят о том, насколько неуспех
«Ночного дозора» (именно такое ошибочное название впоследствии
получила картина, до реставрации 1940-х гг. скрытая под
потемневшим лаком и копотью) повлиял на дальнейшую карьеру
художника. По всей вероятности, распространённая легенда о
провале этой работы не имеет под собой серьёзных
оснований. Конспирологическая версия истории «Ночного дозора»
приведена в фильмах британского режиссёра Питера
Гринуэя «Ночной дозор» (2007) и «Рембрандт. Я обвиняю!» (2008).

Каковы бы ни были причины охлаждения амстердамской публики к
Рембрандту, результатом перемены во вкусах стало угасание его славы и
постепенное обнищание. После «Ночного дозора» в мастерской Рембрандта
остаются единичные ученики. Его прежние подмастерья, позаимствовав и
развив какую-либо одну черту раннего Рембрандта, становятся более
удачливыми и востребованными художниками, чем их учитель. Особенно
характерен в этом отношении Говерт Флинк, в совершенстве освоивший
внешнюю бравурность динамичных рембрандтовских полотен 1630-х
гг. Лейденец Герард Доу — один из первых учеников Рембрандта — всю
жизнь оставался под влиянием ластмановской эстетики полотен вроде
«Аллегории музыки» 1626 года. Фабрициус, который работал в мастерской
около 1640 года, охотно экспериментировал с перспективой и разрабатывал
высветленные фоны, что принесло ему незаурядный успех в Делфте
То, что в продолжение 1640-х годов от Рембрандта отворачиваются заказчики
и оставляют ученики, объясняется не столько неоднозначной оценкой
«Ночного дозора», сколько общим поворотом живописной моды в сторону
скрупулёзной детализации, к которой сам Рембрандт был наиболее склонен в
ранние годы. Логика творческого развития вела художника в прямо
противоположном направлении. С годами он стал отдавать предпочтение
смелым мазкам кисти и резким контрастам света и тени, скрадывающей
почти все фоновые детали.
• Сведений о частной жизни Рембрандта в 1640-е годы в
документах сохранилось мало. Видимо, художник продолжал
жить на широкую ногу, как прежде. Семейство покойной
Саскии высказывало озабоченность тем, как он распорядился
её приданым. Няня Титуса, Гертье Диркс, подала на него в суд за
нарушение обещания жениться; ради улаживания этого
инцидента художнику пришлось раскошелиться].
• В конце 1640-х Рембрандт сошёлся со своей молодой
служанкой Хендрикье Стоффелс, образ которой мелькает во
многих портретных работах этого периода: «Флора» (1654),
«Купающаяся женщина» (1654), «Хендрикье у окна» (1655).
Приходской совет осудил Хендрикье за «греховное
сожительство», когда в 1654 году у неё с художником родилась
дочь Корнелия. В эти годы Рембрандт отходит от тем, имеющих
грандиозное национальное либо общечеловеческое звучание.
Живописные работы этого периода немногочисленны.
Автопортрет (1640)
Саския в красной шляпе (1633/1634)
• Художник часто изображал Саксию в своих произведения.
Изысканные черты лица, красота и великолепие этой женщины
пленили художника. Он изобразил портрет в профиль, подчеркивая
каждую черту лица, женственность и идеал образа. Яркая красная
шляпа с перьями, накидка все это атрибуты роскоши того времени.
Волосы убраны, украшения свисают на шее и ушах, нет ничего
лишнего, в этой женщине все идеально.
• Рембрандт наряжает свою жену в дорогие ткани, которые покрыты
необычными и великолепными узорами корсеты. Автор рисует ее в
широких с перьями шляпы, покрывает ее в ослепительно сияющие
плащи, ее шею украшают ожерелья, а руки изящными браслетами.
• Любимую супругу автор писал то в образе неприступной
аристократки, наряжая ее в меха и бархат, то беспечной и
заигрывающей кокеткой, которая улыбается из-под своей нарядной
шляпы. Обыденная и тусклая одежды, которые носили голландские
женщины в те времена не для нее. В процессе написания портрета
автор заостряет свое внимание на аксессуарах, углубляется в детали
костюма. Великолепный шедевр будет восхищать еще многие
поколения.
Титус в красном берете (1658)
Гертье Диркс? (1644)
Хендрикье Стоффелс (1655)
«Святое семейство» (1645, Эрмитаж)

«Святое семейство» (1645, Эрмитаж). вятое семейство – великое
произведение Рембрандта
Картина «Святое семейство» была написана в 1645 году. Если верить
источникам, то в это время в жизни великого художника наступает
спокойствие – рождается его сын Титус. Благодаря личным переживаниям на
свет появляется картина, потрясающая зрителя миролюбием и тишиной.
Теперь в его работах наблюдается меньше церковности и пышности. Он
уделяет внимание интимным сценам, которые преследуют его повседневно.
Рембрандт нарочно уходит от религиозной темы и представляет зрителю
обычную жизнь людей, далекую от будущих мучений, выпавших на долю
Иисуса.
Критики обращают огромное внимание на светотени. Поскольку Рембрандт
был мэтром изображения света и теней, то эта картина нуждается в
подробном рассмотрении источников освещения. Первый – очаг, который
бросает теплые лучи на лицо мирно спящего младенца, слева – небесный
свет, освещающий ангелов. Этот свет отражается не только на колыбели, он
озаряет лицо Богоматери, которая отвлекается на несколько секунд, чтобы
поправить красное одеяло своему ребенку. Этот момент идеально отражает
диалог земного и небесного. Третий источник освещает Иосифа, работающего
с топором. Именно свет объединяет семью в единую, нерушимую ячейку.
«Святое семейство» — доказательство того, что божий дар может снизойти на
любую семью.

Искусствоведы подчеркивают, что «Святое семейство» существенно отличается от картин,
написанных ранее. Здесь нет активного сюжета, все полотно пропитано спокойствием и
умиротворением. Первый взгляд падает на соломенную колыбельку, в которой спит
маленький Иисус. Сегодня его не заботят религиозные догмы, не будущая судьба великого
мученика. Его лицо безмятежно, что позволяет зрителю угадывать его спокойный сон. Мать
наклонилась к нему, чтобы проверить все ли в порядке и не мешает ли младенцу свет,
падающий от камина.
Лишь внимательное рассмотрение картины позволяет разглядеть Иосифа, который что-то
стругает на заднем плане. Рядом с ним множество инструментов, что доказывает его
хозяйственность. Седая борода практически сливается с деревом, показывая насколько у
человека непростая жизнь.
Эта картина могла бы отражать обычное течение жизни каждой семьи, но, чтобы показать
зрителю особенность этого семейства Рембрандт размещает в левой части пухлых
ангелочков, спускающихся на Землю. К ним обращен особый свет – божественный. Благодаря
этому мы понимаем, что перед нами не просто младенец, спящий в кроватке, а воплощение
Бога на Земле. Мать является воплощение нежности. На самом деле, ей совершенно
безразлично, кто это дитя. Для нее это центр вселенной.
Картина окутана тишиной и спокойствием. Глядя на нее невозможно представить, что спустя
годы Иисус пройдет через ад на Земле во имя донесения правды обычному народу.

В годы жизненных невзгод внимание художника привлекают пейзажи с
нахмуренными облаками, шквальным ветром и прочими атрибутами
романтически взволнованной природы в традициях Рубенса и Сегерса. К
жемчужинам рембрандтовского реализма принадлежит «Зимний пейзаж»
1646 года. Однако вершиной мастерства Рембрандта-пейзажиста были не
столько живописные работы, сколько рисунки и офорты, такие как
«Мельница» (1641) и «Три дерева» (1643). Он осваивает и другие новые для
себя жанры — натюрморт (с дичью и освежёванными тушами) и конный
портрет (хотя, по общему мнению, лошади Рембрандту никогда не
удавались).
Поэтическое истолкование в эти годы получают сцены повседневной
домашней жизни, каковы два «Святых семейства» 1645 и 1646 годов. Вкупе с
«Поклонением пастухов» (1646) и «Отдыхом на пути в Египет» (1647) они
позволяют говорить о наметившейся у Рембрандта тенденции к идеализации
патриархального уклада семейной жизни. Эти работы согреты тёплыми
чувствами родственной близости, любви, сострадания]. Светотень в них
достигает невиданного прежде богатства оттенков. Колорит особенно тёплый,
с преобладанием мерцающих красных и золотисто-коричневых тонов.
Девушка, купающаяся в реке (Хендрикье Стоффельс)
Урок анатомии доктора Тульпа
• В 1653 году, испытывая материальные трудности, художник
передал почти всё своё имущество сыну Титусу, после чего в
1656 году заявил о банкротстве. После распродажи в 1657—
1658 годах дома и имущества (сохранился интересный каталог
художественного собрания Рембрандта) художник перебрался
на окраину Амстердама, в еврейский квартал, где провёл
остаток жизни Самым близким к нему человеком в те годы, повидимому, оставался Титус; именно его изображения наиболее
многочисленны. На одних он предстаёт принцем из волшебной
сказки, на других — сотканным из солнечных лучей ангелом.
Смерть Титуса в 1668 году стала для художника одним из
последних ударов судьбы; его самого не стало годом позже.
«Матфей и ангел» (1661). Возможно, моделью для ангела являлся Титус.

Отличительная черта рембрандтовского творчества 1650-х годов — ясность и
монументальность крупнофигурных композиций. Характерна в этом отношении работа
«Аристотель с бюстом Гомера», исполненная в 1653 году для сицилийского аристократа
Антонио Руффо и проданная в 1961 году его наследниками на аукционе Метрополитенмузею за рекордную на тот момент сумму в два с лишним миллиона долларов. Аристотель
погружён в глубокое раздумье; внутренний свет, кажется, исходит от его лица и от
бюста Гомера, на который он возложил свою руку].
Если на полотнах 1650-х годов число фигур никогда не превышает трёх, то в последнее
десятилетие своей жизни Рембрандт возвращается к созданию многофигурных композиций.
В двух случаях это были крупные и престижные заказы. Монументальная героическая картина
«Заговор Юлия Цивилиса» (1661) создавалась для новой Амстердамской ратуши, но по какимто причинам не удовлетворила заказчиков и не была оплачена. Фрагмент картины,
сохранившийся в Стокгольме, поражает суровым реализмом и неожиданными вспышками
светлых красок на фоне окружающей тьмы. Групповой портрет «Синдики» (1662), несмотря на
естественность поз, оживлённость мимики и спаянность композиционного решения,
представляет собой шаг назад по сравнению с бескомпромиссным натурализмом «Ночного
дозора». Зато все требования заказчиков были выполнены.
Последние два десятилетия жизни Рембрандта стали вершиной его мастерства как
портретиста. Моделями выступают не только товарищи художника (Николас Брейнинг,
1652; Герард де Лересс, 1665; Йеремиас де Деккер, 1666), но и безвестные солдаты, старики и
старухи — все те, кто, подобно автору, прошёл через годы горестных испытаний. Их лица и
руки озарены внутренним духовным светом. Парадный портрет Яна Сикса (1654),
натягивающего на руку перчатку, выделяется редкостной гармонией колорита,
широтой мазков. Внутреннюю эволюцию художника передаёт череда автопортретов,
раскрывающая зрителю мир его сокровенных переживаний. К серии автопортретов
примыкает вереница изображений умудрённых жизнью апостолов; нередко в лице апостола
угадываются черты самого художника.
Рембрандтовские старики
Сильно повреждённая картина «Артаксеркс, Аман и Эсфирь» (1660,
ГМИИ им. Пушкина)
• Художественный гений Рембрандта развивался по восходящей. Его
последние работы представляют собой уникальное явление в истории
живописи. Секрет их липких, как бы стекающих по холсту красок до
сих пор не разгадан. Фигуры монументальны и нарочито приближены
к передней плоскости холста. Художник останавливается на редких
библейских сюжетах, поиск соответствий которым в Библии до сих
пор занимает исследователей его творчества. Его влекут такие
моменты бытия, когда человеческие переживания проявляются с
наибольшей силой.
• Глубокое драматическое напряжение свойственно таким работам, как
«Артаксеркс, Аман и Эсфирь» (1660) и «Отречение апостола Петра»
(1660). По технике исполнения им созвучны последние картины,
объединённые семейной темой: неоконченное «Возвращение
блудного сына» (1666/1669), семейный портрет
из Брауншвейга (1668/1669) и т. н. «Еврейская невеста» (1665).
Датировка всех этих произведений условна, обстоятельства их
создания окружены тайной. Исследователи с трудом подбирают слова
для описания их густых «переливающихся и тлеющих в золотистой
мгле красок».
«Возвращение блудного сына» (1666/1669, Эрмитаж

На картине изображён финальный эпизод притчи, когда блудный сын возвращается домой,
«и когда он был ещё далеко, увидел его отец его и сжалился; и, побежав, пал ему на шею и
целовал его», а его старший праведный брат, остававшийся с отцом, осердился и не хотел
войти.
Сюжет привлекал внимание знаменитых предшественников Рембрандта: Дюрера, Босха, Луку
Лейденского, Рубенса.
Это самое большое полотно Рембрандта на религиозную тему.
На небольшой площадке перед домом собрались несколько человек. В левой части картины
изображён спиной ко зрителю коленопреклонённый блудный сын. Его лица не видно, голова
написана в profil.
Отец нежно касается плеч сына, приобнимая его. Картина — классический пример
композиции, где главное сильно сдвинуто от центральной оси картины для наиболее точного
раскрытия основной идеи произведения. «Главное в картине Рембрандт выделяет светом,
сосредотачивая на нём наше внимание. Композиционный центр находится почти у края
картины. Художник уравновешивает композицию фигурой старшего сына, стоящего справа.
Размещение главного смыслового центра на одной трети расстояния по высоте соответствует
закону золотого сечения, который с древних времен использовали художники, чтобы
добиться наибольшей выразительности своих творений».
Бритая, будто у каторжника, голова блудного сына и его потрёпанная одежда свидетельствуют
о падении. Воротник хранит намёк на былую роскошь. Туфли изношены, причем трогательная
деталь — одна упала, когда сын становился на колени. В глубине угадывается крыльцо и за
ним отцовский дом. Мастер поместил главные фигуры на стыке живописного и реального
пространств (позднее холст был надставлен внизу, но по замыслу автора его нижний край
проходил на уровне пальцев ног коленопреклонённого сына). «Глубина пространства
передаётся последовательным ослаблением светотеневых и цветовых контрастов, начиная от
первого плана. Фактически она строится фигурами свидетелей сцены прощения,
растворяющимися постепенно в полумраке». «Перед нами децентрализованная композиция
с главной группой (узлом события) слева и цезурой, отделяющей её от группы свидетелей
события справа. Событие заставляет по-разному реагировать участников сцены. Сюжет
строится по композиционной схеме „отклик“».
Женщина в левом верхнем углу
• Помимо отца и сына на картине изображены ещё 4 персонажа. Это
тёмные силуэты, которые с трудом различимы на тёмном фоне, но кто
они такие — остаётся загадкой. Некоторые называли их «братьями и
сёстрами» главного героя. Характерно, что Рембрандт избегает
конфликта: в притче говорится о ревности послушного сына, а
гармония картины ничем не нарушена.
• Сотрудник Эрмитажа Ирина Линник считает, что полотно Рембрандта
имеет прообраз в гравюре на дереве Корнелиса Антониссена (1541
год), на котором коленопреклоненный сын с отцом также
изображены в окружении фигур. Но на гравюре эти фигуры
надписаны — Вера, Надежда, Любовь, Покаяние и Правда. В небесах
на гравюре на греческом, иврите и латыни написано «Бог». Рентген
эрмитажного полотна показал первоначальное сходство картины
Рембрандта с деталями упомянутой гравюры. Тем не менее, прямую
аналогию провести нельзя — на картине есть только отдалённое
сходство с одной из аллегорий Антониссена (самая дальняя и почти
исчезающая в темноте), которая напоминает аллегорию Любви, и,
вдобавок, имеет красный медальон в форме сердца. Возможно, это
изображение матери блудного сына.
Второстепенные персонажи в правой части картины

Две фигуры на заднем плане, расположенные в центре (судя по всему,
женская, возможно — служанка или ещё одна персонифицированная
аллегория; и мужская), труднее поддаются отгадке. Сидящий молодой
человек с усами, если следовать сюжету притчи, может быть вторым,
послушным братом. Существует предположения, что на самом деле второй
брат — это предыдущая «женская» фигура, обнимающая колонну. Причём,
может быть, это не просто колонна — по форме она напоминает
столп Иерусалимского храма и может вполне символизировать собой столп
Закона, и то, что праведный брат за ней прячется, приобретает
символическое звучание.
Внимание исследователей приковывает фигура последнего свидетеля,
расположенная в правой части картины. Она играет важную роль в
композиции и написана почти так же ярко, как основные действующие лица.
Его лицо выражает сочувствие, а надетый на него дорожный плащ и посох в
руках наводят на мысль, что это, также как и блудный сын, одинокий
странник. Израильская исследовательница Галина Любан считает, что этот
образ связан с фигурой Вечного Жида. По другим предположениям — именно
он старший сын, что не совпадает с возрастной характеристикой
новозаветного персонажа, хотя он также бородат и одет, как отец. Впрочем,
эта богатая одежда — также опровержение версии, поскольку согласно
Евангелию, услышав о возвращении брата, он прибежал прямо с поля, где,
вероятней всего, был в рабочей одежде. Некоторые исследователи
усматривают в этой фигуре автопортрет самого Рембрандта.
• Флейтист
• Существует и версия, что две фигуры в правой части
картины: юноша в берете и стоящий мужчина — это те
же самые отец и сын, которые изображены на другой
половине, но только до ухода блудного сына из дома
навстречу кутежам. Таким образом, полотно как бы
совмещает два хронологических плана. Высказывалось
мнение, что эти две фигуры — изображение мытаря и
фарисея из евангельской притчи.
• В профиль в виде барельефа с правой стороны от
стоящего свидетеля изображён музыкант, который
играет на флейте. Его фигура, возможно, напоминает о
музыке, которая через несколько мгновений заполнит
звуками радости дом отца.

Обстоятельства написания полотна загадочны. Как считается, оно написано в последние годы
жизни художника. Изменения и исправления первоначального замысла картины, заметны на
рентгенограмме.
Именно эта воображаемая сцена и легла на полотно. Мастер идеально передал отеческие
чувства и раскаяние сына. Молодой человек изображен стоящим на коленях перед своим
родителем, прижимаясь бритой головой к отцовскому телу. Одежда его грязна и оборвана,
она носит следы былого блеска и роскоши, но видно, что молодой человек упал на самый низ
человеческих грехов и не смог оттуда подняться. Ноги его исходили немало дорог. Об этом
говорят стоптанные туфли, их уже и обувью нельзя назвать – один башмак просто не
держится на ноге. Лицо сына скрыто, живописец его изобразил так, чтобы зритель сам
догадался, какие чувства могут быть отображены на лице молодого человека.
Главная фигура произведения – отец. Его фигура чуть наклонена к сыну, руками он нежно
сжимает плечи сына, голова чуть наклонена влево. Вся поза этого старика говорит о
страдании и горе, которое он испытывал все те годы, пока сын отсутствовал в доме. Этими
движениями он как бы прощает сына, его возвращение для отца — великая радость. Отец
смотрит на коленопреклоненного отрока и улыбается. Его лицо безмятежно и старик
счастлив. Интерьер угла дома: резные барельефы, колонны; одеяние старца: красный плащ и
парчовые рукава в его прорезях – говорят о хорошем достатке дома, богатстве и достоинстве
здесь собравшихся.
С остальными четырьмя фигурами эксперты до конца так и не разобрались. Версии
значительно разнятся. Одним из предположений считается, что сидящий молодой человек с
усами и в щегольской шляпе, украшенной пером – старший брат блудного. Возможно и так,
поскольку его выражение лица говорит об осуждении и он не участвует в примирении
родственников.
• Техника Рембрандта
• Рембрандт полностью сосредоточен на
передаче внутреннего мира своих героев. Это
отражается на его технике. Мы не видим
стандартной цветовой гаммы. Мы видим
сплав красных, коричневых и золотистых
оттенков.
• Мазки краски наложены порывисто, как будто
небрежно. Художник не скрывает их. Никакой
прилизанности.
• Необычна и светотень на картине. Главные
герои освещены неярким источником света.
Самое яркое пятно – лоб отца. Вокруг
полумрак. Который переходит почти в
кромешную темноту на заднем плане. Такие
переходы от света к тени добавляют
эмоциональности.
• Рембрандта не волновала внешняя красота
человека. Его Блудный сын истерзан жизнью
по-настоящему. Его вид неприятен. Дыра на
спине. Стертые ноги. Голый череп.
• Личная трагедия Рембрандта
• Рембрандт создал “Блудного сына” сразу
после постигшей его трагедии. Умер его сын
Титус. Ему едва исполнилось 26 лет.
• Он был рождён от его первой жены. Любимой
Саскии. Которая скончалась, когда мальчику
было 10 месяцев. Ребёнок был очень
желанным. До него пара потеряла трёх детей
ещё в младенчестве.
• Титус был очень любящим сыном. Он верил в
гений отца. И делал все, чтобы отец
продолжал творить.
Рембрандт. Титус в образе монаха. 1660 г. Музей
Рейксмюсеум, Амстердам.

После того, как кредиторы отобрали у Рембрандта дом и его богатую
коллекцию, пришлось переселиться на окраину города.
Едва подросший Титус организовал предприятие по продаже картин. Картины
отца продавались плохо. Сын торговал картинами других художников. Чтобы
отец спокойно работал в своей мастерской.
И вот Титус умер от чахотки.
Только работа могла спасти Рембрандта от полного безумия. Отогнать мысли
о самоубийстве.
Он решил написать Блудного сына. Как оплот своей мечты. Однажды вновь
обнять своего сына. Немощный, старый, больной. Каким был на тот момент
сам Рембрандт. Способный лишь на лёгкое прикосновение. Но лишь бы
обнять.
Глубина отцовской любви передана через кисть и краски. Мы сопереживаем
Рембрандту. Хотя об этом и не догадываемся. Но эти бессознательные чувства
притягивают наши взгляды к картине ещё сильнее…
“Надо умереть несколько раз, дабы так рисовать” Ван Гог (о Рембрандте).
• Активное действие отсутствует, статичные, внешне сдержанные
персонажи, подчас окутанные сиянием парчовых одежд, выступают
из окружающего их затенённого пространства. Господствующие
темные золотисто-коричневые тона подчиняют себе все краски, среди
которых особая роль принадлежит горящим изнутри, подобно
тлеющим углям, оттенкам красного. Густые рельефные мазки,
пронизанные движением светоносной красочной массы, сочетаются в
затенённых зонах с написанными тонким слоем
прозрачными лессировками. Фактура красочной поверхности
произведений позднего Рембрандта кажется мерцающей
драгоценностью. Волнующая человечность его образов отмечена
печатью таинственной красоты.
• На кёльнском автопортрете 1662 года черты автора искажены горькой
усмешкой, а на последних автопортретах 1669 года
(галерея Уффици, Лондонская Национальная галерея и Маурицхёйс)
он, несмотря на бросающуюся в глаза физическую немощь, спокойно
смотрит в лицо судьбе. Рембрандт скончался 4 октября 1669 года в
Амстердаме. Похоронили его в амстердамской церкви Вестеркерк.
Всего за свою жизнь Рембрандт создал около 350 картин, более 100
рисунков и около 300 офортов. Достижения Рембрандтарисовальщика не уступают его достижениям в области живописи;
особенно ценятся его поздние рисунки, выполненные тростниковым
пером.

Человечеству понадобилось два столетия, чтобы в полной мере оценить значение творчества
Рембрандта. Хотя ещё Джованни Кастильоне и Джованни Баттиста Тьеполо вдохновлялись его
офортами, смелость Рембрандта-живописца и меткость его наблюдений в качестве
рисовальщика впервые получили признание в XIX веке, когда художники реалистической
школы Курбе (а в России — передвижники) противопоставили его глубоко прочувствованную
поэзию света и тени беспрекословной чёткости и ясности французского академизма.
Ещё сто лет назад самым большим собранием рембрандтовских полотен мог
похвастаться Императорский Эрмитаж, однако в XX веке часть этого собрания была
распродана, некоторые картины были переданы в Пушкинский музей, авторство других было
оспорено. В течение всего XX века голландцы вели кропотливую работу по скупке полотен
Рембрандта и их возвращению на родину; в результате этих усилий наибольшее число картин
Рембрандта можно ныне увидеть в амстердамском Рейксмюсеуме. Одна из центральных
площадей Амстердама, Botermarkt, в 1876 году получила современное название Площадь
Рембрандта в честь великого художника. В центре площади находится памятник Рембрандту.
В амстердамском доме художника с 1911 года также действует музей, где выставлены
преимущественно офорты. В 2009 году именем художника был назван кратер на
планете Меркурий, являющийся одним из самых больших в Солнечной системе.
Работники Государственного музея в Амстердаме решили принести искусство Рембрандта
поближе к людям. В апреле 2013 года они «оживили» картину «Ночной дозор», создав целый
спектакль, и перенесли его действие на территорию большого торгового центра.
31 октября 2013 года в городе Йошкар-Оле (Республика Марий Эл) был установлен бронзовый
памятник Рембрандту (скульптор — Андрей Ковальчук).
«Прощание Давида с Ионафаном»

Великий голландский художник Рембрандт Харменс ван Рейн был большим мастером
изображения человеческих эмоций и переживаний. Жанрово работы мастера весьма
разнообразны, но на какую бы тему он не писал, глубины людских страстей всегда были для
него первостепенны. Одним из учителей Рембрандта был Питер Ластман – и он оказал
наибольшее влияние на стиль своего ученика. Именно от него юный автор перенял
своеобразную пестроту изображения и внимание к мелким деталям. В своем раннем
творчестве Рембрандт стремился как можно достовернее и тщательнее выписать все мелочи
и частности на картинах. Также одной из особенностей художника является пристрастие к
автопортретам. В молодости он много изображал себя в этюдах к картинам, в самых
замысловатых одеяниях и причудливых позах. Позднее на очень многих полотнах Рембрандт
также давал персонажам свое собственное лицо.
На картине «Прощание Давида с Ионафаном» творец изобразил библейскую сцену,
описанную в Первой Книге Царств. Согласно Ветхому Завету, Ионафан был сыном царя Саула
и другом царя Давида. Изначально юный Давид, которому еще в младенчестве предсказали
небывалое величие и трон, служил при Сауле, первом царе народа Израиля. В это время он
сдружился с Ионафаном (Ионатаном), сыном Саула. Победы Давида над филистимлянами в
качестве полководца и убийство Голиафа стали затмевать славу самого Саула, после чего
завистливый царь разгневался на своего верного воина. Боясь, что в дальнейшем Давид
займет его место, Саул пытался убить его дважды; уже не скрывая ревности и вражды, он
открыто метнул в Давида копье. Полководец вынужден был бежать в Раму.

Отношения Давида и Ионафана считаются идеальным примером библейской дружбы.
Именно царский сын дважды спасал Давида от смерти, вызывая гнев своего отца. Прекрасно
понимая, что в будущем он будет должен, вопреки родству, уступить Давиду трон – он
радостно соглашался быть вторым после своего ближайшего друга. На картине мы видим
прощание двух близких людей перед бегством Давида, у священного камня Азайль. К
зрителю обращено только суровое лицо Ионафана – Давид изображен со спины, в отчаянии
припавший к груди друга. Считается, что эмоционально на написание картины Рембрандта
подвигла смерть его супруги Саскии. Давид, чьего лица мы не видим, фигурой и почти
белыми волосами напоминает девушку; Ионафану же Рембрандт придал свои собственные
черты. Известно, что изначально картина выставлялась в черной, траурной раме, что
подтверждает данную версию.
Общий золотистый тон, в котором написаны герои полотна, контрастирует с мрачным
коричневатым фоном. Дружбу героев, их преданность друг другу художник видит, как бы
освещенную золотым сиянием; но вот реальность, разлучающая двух мужчин, темна и
беспощадна. Нежный и светлый образ плачущего Давида, облаченного в розоватые одежды,
притягивает взгляд; Ионафан, богато одетый в светло-зеленое, серьезный и мрачный,
находится немного в тени. Полотно проникнуто запредельной тоской и горестью. Картина
«Прощание Давида с Ионафаном» Рембрандта была приобретена Петром Великим для своей
коллекции и на данный момент находится в Эрмитаже. Оно стало первым полотном,
приехавшим в Россию из Европы.
Флора
• “Саския Флора” считается одной из самых загадочных, обаятельных и
романтических натур художника. Она была написана маслом на
холсте в 1634 году. Здесь чётко прослеживается перо и
индивидуальность творца, которого можно отличить на фоне других,
не менее талантливых личностей.
• Это портрет его дамы сердца, на которой он женился в этом же году.
Саския представлена во всех своих прелестях: молодость, цветение,
невинность, романтичность и лёгкость натуры. Передать такие чувства
и состояние души трудно и кропотливо. Богатая одежда того времени
показана в полном соответствии с эпохой, цветы, которыми украшена
голова добавляют праздничности и торжественности образу.
Солнечный свет дополняет всю гамму красок, позволяя им
переливаться в новых и неожиданных вариациях. Здесь нет ничего,
чтобы отворачивало от восприятия образа, наоборот, хочется
смотреть, смотреть и смотреть.
• В наше время вряд ли можно встретить столь чистое и
невинное создание, мысли, которой открыты нашему взору как
на ладони. Любимая жена внесла в обыденную и скучную
жизнь Рембрандта лучик света, который круто перевернул его
настроение и состояние души. Она муза, которая его
вдохновляла на шедевры живописного искусства, которые
стали грандиозным открытием для всего мира. Он любил
наряжать свою жену в бархат, парчу, жемчуга и кричал
окружению и миру, какой подарок ему преподнесла судьба.
• Автор много раз изображал Саскию, но эта картина превосходит
все его творения вместе взятые.
• Картина находится в Государственном Эрмитаже в городе
Санкт-Петербурге, любой желающий может насладиться
творением великого мастера с большой буквы этого слова.

Задумчивое, но, несомненно, счастливое лицо девушки вполне соответствует чувствам
невесты. Она теперь не резвое дитя, беззаботно смотрящее на Божий мир. Перед ней
серьезная задача: она избрала новый путь и многое-многое приходится ей передумать и
перечувствовать, прежде чем она вступит во взрослую жизнь. Увитые цветами головной
убор и жезл, безусловно, указывают на Флору, древнеримскую богиню весны. Наряд
богини написан с удивительным мастерством, но подлинное величие таланта Рембрандта
проявляется в выражении нежности, которое художник придал ее лицу.
Любимая жена внесла в одинокое жилище скромного художника свет счастья и сердечного
довольства. Рембрандт любил наряжать Саскию в бархат, шелк и парчу, по обычаю того
времени, осыпал бриллиантами и жемчугом, с любовью наблюдая, как выигрывает ее
прелестное, молодое лицо от блестящего наряда, как свежий цвет его эффектно
выделяется на темном фоне вишневого бархата, какой матовой белизной отливает
жемчужная нить, вьющаяся среди золотистых волос.
Саския была не только гением-вдохновителем мужа, его утешением среди неудач и забот,
но оказалась еще и великолепной моделью. Рембрандт много раз изображал ее: цветущую
и веселую, элегантно одетую — как на дрезденском портрете, чопорную и подтянутую — как
на официальном портрете из Кассельского музея, или же в наряде Флоры — особенно
любимый в то время сюжет, трижды воплощенный Рембрандтом.

Хотя общепринято мнение, что на портрете изображена Саския, Эрмитаж на своем сайте
указывает о существующих сомнениях по этому вопросу: «Долгое время считалось, что здесь
художник запечатлел свою юную супругу. Действительно, в лице героини есть известное
сходство с Саскией. Кроме того, постановка фигуры и поворот головы молодой женщины
характерны для портретных композиций. Однако подобная модель изображена живописцем
еще в нескольких картинах на разные сюжеты. Вероятно, в ней воплощено представление
Рембрандта о женской красоте. Оно было далеким от классических норм. Основа
сложившегося у мастера идеала — облик его соотечественниц.
Разные версии возникали относительно того, что за персонаж представлен на этом полотне.
Неоднократно менялось и название картины. Так, одно время она называлась „Дама в
костюме пастушки“. В искусстве Голландии этого времени возникла мода на пасторальные
сюжеты, которой мог следовать художник. Однако в данном случае отсутствуют те детали, что
считались обязательными в костюме пастушки — декольте, соломенная шляпка. Между тем
пышный венок и увитый растениями посох служат здесь, скорее всего, атрибутами Флоры —
римской богини весны и цветов. На заднем плане также видны растения, вьющиеся,
вероятно, по стенам грота. В 1630—1640-е гг.
Рембрандт исполнил немало так называемых тронье. Среди них есть и изображения моделей
в фантастических одеяниях. Как и в таких работах, роскошный костюм Флоры не имеет ничего
общего ни с голландской модой того времени, ни с античными одеждами. Он был создан
воображением художника, вдохновленного, возможно, театральными постановками. С
виртуозной тонкостью переданы шелк плаща и восточная (вероятно, турецкая) ткань рукавов,
жемчужина на груди, серебряные пряжки на плече. Краски, положенные то тонко, то густо,
образуют живую, подвижную фактуру. Так от года к году манера мастера становилась все
более свободной».
Жертвоприношение Исаака
Юная Саския

Женские образы в сериале «Бандитский Петербург» | Блогер erikaret на сайте SPLETNIK.RU 28 июля 2020

Сериал «Бандитский Петербург» вышел на экраны в 2000 году и снискал огромную популярность у зрителей, став «культовым» отечественным кинопродуктом.

Основная жанровая тема это криминал 90-х с элементами детектива. При этом в фильме большое внимание и целые отдельные сюжетные линии посвящены любовным взаимоотношениям героев. Женские персонажи в сериале помогли разбавить побоища, перестрелки и «терки», чувственностью и красотой.

Одни героини становились для участников сериальных событий спасательным кругом. Другие представляли собой роковых женщин, кардинально меняющих судьбы героев. Вспомним самые яркие женские образы.

 

Лидия Поспелова, следователь прокуратуры (Евгения Крюкова)

Первый фильм из цикла «Бандитский Петербург» носит название «Барон».

Журналист Обнорский (Александр Домогаров) проводит собственное расследование о том, как из Эрмитажа пропадают предметы искусства, а на их месте появляются копии. О хищениях из государственного музея журналисту поведал вор в законе «старых понятий» по кличке «Барон», который спрятал картину «Эгина» у своей гражданской жены искусствоведа Ирины. Проводя свое сенсационное расследование Обнорский сталкивается с проблемой в лице главного криминального авторитета города Антибиотика, которому нужно найти «Эгину» как можно раньше, а заодно избавиться от незадачливого и неподкупного журналиста. Чтобы найти картину, спасти свою жизнь и жизнь жены покойного Барона, умершего в камере, Обнорский вынужден, в прямом смысле, бегать от купленных сотрудников милиции и прокуратуры.

Кстати, считается, что прототипом «Эгины» является работа Рембрандта «Даная»

По слухам, в 90-е в Эрмитаже действительно случались хищения предметов искусства, а затем продавались в частные коллекции за большие деньги.

Судьба сводит Обнорского с следователем прокуратуры Лидией Александровной Поспеловой. Она одна из немногих сотрудников внутренних органов, оставшаяся верной своему делу. Неподкупная, принципиальная Лидия Александровна фактически спасает Обнорскому жизнь. Между следователем и журналистом завязываются романтические отношения и недолгое время он скрывается у нее в доме.

Когда представляешь вот каким должен быть идеал сотрудника милиции сразу представляется героиня Евгении Крюковой.

За подчеркнуто строгим внешним видом скрывается очень мягкая и добрая женщина. Немного перейду на приторную лирику, но в ее глазах можно утонуть, а вдумчиво пристальный взгляд только добавляет образу прелести.

 

Екатерина Званцева, возлюбленная «Адвокатов» (Ольга Дроздова)

Вторым фильмом из цикла «Бандитский Петербург» стал фильм «Адвокат».

Вообще многие помнят «Бандитский Петербург» именно по этой части сериала, во многом благодаря «любовному треугольнику» между давними студенческими друзьями. В красавицу Катю были влюблены Сергей Челищев (Дмитрий Певцов) и Олег Званцев (Алексей Серебряков) . Пути троицы разошлись еще в начале 80-х. Катя вышла замуж за очень обеспеченного человека и уехала в Москву, Олег отслужил в Афганистане, а Сергей начал строить трудовой путь в городской прокуратуре.

Но, чередой событий они снова пересекаются в 1992 году. По стечению обстоятельств Катя становится женой Олега Званцева, а Сергей Челищев, мечтая найти убийц своих родителей, сам того не замечая с головой погружается в криминальной мир города, во главе с уже упомянутым Антибиотиком.

Стараниями Кати Сергей Челищев из простого следователя прокуратуры превращается в самого настоящего «мачо», наводящего страх и ужас на конкурентов.

Сама того не желая Катя становится для «Адвокатов» роковой любовью.

Когда сериал только вышел на экраны образы героини не обсуждал только ленивый. Эффектная женщина с локонами каштанового цвета, строгими костюмами, подчеркивающими фигуру сделал из Ольги Дроздовой одну из самых желанных женщин российского кино.

Пара Челищев-Званцева очень полюбилась поклонникам сериала и эта любовная история выглядела довольно достоверно. Наверное, во многом, благодаря тому, что Ольга Дроздова и Дмитрий Певцов, на момент съемок, уже были мужем и женой. Поэтому понять где проходит грань между актерской игрой и реальными чувствами довольно сложно.

 

Екатерина Званцева (Анна Самохина)

Екатерине Званцевой чуть ли не единственной из героев сериала удается спастись от всемогущего Антибиотика.

Но роль «жены Адвокатов» в следующих фильмах Ольга Дроздова исполнять отказалась. В одном из интервью Дмитрий Певцов объяснил решение жены отказаться от дальнейших съемок неприятным инцидентом, который произошел непосредственно во время съемочного процесса. По словам Певцова его жену укусила собака и никто из режиссерской группы не оказал ей должной помощи, хотя по словам актера, его супруге пришлось долго лечиться и принимать сильнейшие антибиотики.

В общем, дело прошлое, но место Кати Званцевой пустовало. Вначале его заняла Ксения Раппопорт, кстати коренная петербурженка. А затем ее сменила красавица советского кино Анна Самохина.

Насколько сильно я люблю эту актрису настолько же считаю нелепым менять актеров уже известных полюбившихся героев. Хотя, некая схожесть между Самохиной и Дроздовой во внешности все-таки прослеживается. Тем не менее, считаю, что роль Кати больше подходит Ольге Дроздовой.

 

Анастасия Тихорецкая, народный судья и жена полковника Тихорецкого (Олеся Судзиловская)

Насколько же хорошо Олесе Судзиловской даются роли роковых женщин. От такой действительно можно голову потерять.

Анастасия Тихорецкая классический пример женщины стервы, которая перешагнет через все и вся ради своей цели.

Добрый, мягкий и простодушный опер Саша Зверев влюбляется без памяти в жену своего начальника. Он видит ее не иначе как будущей супругой. Для Тихорецкой же это не более чем мимолетная интрижка. При встрече с красивой блондинкой Зверев еще не догадывался насколько сильно она перевернет его жизнь и совсем не в лучшую сторону.

Ее самой заветной мечтой является безбедная жизнь, желательно в другой стране. И ради осуществления своей мечта она будет идти по головам. В первую очередь по головам своих любовников.

Это тот случай когда попадание в образ просто в десятку. Нордическая внешность Судзиловской и работа костюмеров и гримеров помогли воссоздать образ «Снежной королевы» новой формации.

Но так ли хорош успех любой ценой? Как говорится: «Жизнь — это большой супермаркет. Бери, что хочешь, но в конце всегда будет касса»

Краткая биография рембрандта, творчество, интересные факты. Рембрандт – все, что надо знать о знаменитом голландском художнике Рембрандт интересные факты о картинах

рембрандт Харменс ван Рейн, великий голландский художник и офортист.

Родился в Лейдене в семье мельника. Дела отца в этот период шли хорошо, и он смог дать сыну лучшее, чем у других детей, образование. Рембрандт поступил в Латинскую школу. Учился плохо и хотел заниматься живописью. Тем не менее школу закончил и поступил в Лейденский университет. Через год начал брать уроки живописи. Первым его учителем был Я. ван Сваненбург. Пробыв в его мастерской более трех лет, Рембрандт отправился в Амстердам к историческому живописцу П. Ластману. Он оказал сильное влияние на Рембрандта и научил его гравировальному искусству. Полгода спустя (1623) Рембрандт вернулся в Лейден и открыл собственную мастерскую.

Голландия в начале XVII века, освободившись от испанского владычества, переживала общественный подъем. Здесь при республиканской форме правления существовала относительная свобода взглядов. Голландское искусство того времени было проникнуто демократическими тенденциями, наиболее полно выразившимися в бытовом жанре. В этой атмосфере творчество художника стало необыкновенно актуальным. К 1628 Рембрандт был уже сложившимся художником и имел учеников. Им создано множество картин: это и портреты семьи, и заказные работы, и сцены из библейской истории — «Давид и Саул» (ок. 1630), «Динарий кесаря» (1629).

В конце 1631 Рембрандт переселился в Амстердам. Удивительно быстро приобрел популярность, получал многочисленные заказы на портреты. Продолжал совершенствоваться, рисуя с натуры и гравируя интересные типы. В эту пору жизни им был написан «Урок анатомии» (1632. Гаага).

В деловых вопросах Рембрандту помогал торговец произведениями искусства Хендрик ван Эйленбурх, на чьей племяннице художник женился в 1634. Среди картин этого периода выделяется знаменитая «Даная» (1636). К концу 1630-х относятся пейзажные работы художника.

Десятилетие с 1632 по 1642 годы является в полном смысле слова счастливым периодом в жизни Рембрандта. Молодому мастеру сопутствуют слава и удача. Он завален заказами, в мастерскую стекаются ученики. Личная жизнь Рембрандта также складывается очень счастливо благодаря женитьбе на богатой сироте, дочери недавно скончавшегося бургомистра Лейвардена — Саскии ван Эйленбург. Благополучие и веселие входят в дом вместе с молодой женой. Радостное настроение, владеющее художником, находит свое выражение в ряде его картин, особенно же в «Автопортрете с Саскией» (Дрезден, Картинная галерея). Держа на коленях молодую жену, художник как бы обращается к зрителям, приглашая их принять участие в его радости. Блестяще выполненные портреты, нарядные костюмы и околичности подчеркивают праздничный характер сцены. Другие портреты Саскии, в которых художник не устает повторять черты лица молодой жены, наряжая ее в богатые фантастические одежды или представляя в виде богини цветов (см. «Флора»), свидетельствуют о безудержной жажде красоты и счастия, которые владеют им в те годы. Особый интерес к внешней характеристике образа сказывается и в манере исполнения. С большим вниманием и тщательностью пишет художник богатые ткани, пышные одежды и драгоценности, украшающие молодую женщину. Роскошь окружающей обстановки, служащей богатым обрамлением для ее миловидного лица, передается со свойственным ранним вещам использованием всего богатства красок палитры.

То же стремление к парадности и красочности проявляется во многих автопортретах художника. Рембрандт теперь часто изображает себя в нарядных одеждах и, несколько облагораживая черты лица, придает своему внешнему облику известную представительность.

Подражая представителям респектабельного общества, Рембрандт занялся коллекционированием произведений искусства. Это дало повод родственникам жены (два брата Саскии были юристами) возбудить против него дело, обвинив в растрате наследства Саскии. Однако в тот период Рембрандт получал очень высокие гонорары и многое мог себе позволить. Так в 1639 он купил себе роскошный дом в богатом районе. Некий рубеж в творчестве Рембрандта отмечает неудача большой заказной картины «Ночной дозор» (1642).

Творческие устремления Рембрандта и его эволюция в течение тридцатых годов подводят художника к решению задачи, которая встала перед ним при получении заказа на групповой портрет амстердамских стрелков, предназначенный для украшения зала их собраний. Эта колоссальная по своим размерам картина (3,59X4,38 м) явилась как бы заключительным аккордом предшествующего развития художника, высочайшей вершиной, достигнутой искусством его времени в создании исторической композиции. Она далеко переросла рамки обычного портрета; Рембрандт дал принципиально новое решение темы, имевшей за собой почти вековую традицию.

Групповой портрет, в котором ярко проявился корпоративный дух голландцев, возник еще в XVI веке, но особенно развился после завоевания независимости. Создание подобных изображений, которые в Северных Нидерландах заменяли собой декоративную стенную живопись, требовало преодоления больших трудностей. Они не должны были превратиться в бытовые сцены, но вместе с тем необходимо было достичь объединения портретируемых в единую группу. В течение почти столетнего развития этого наиболее национального из жанров голландской живописи постепенно выработались два различных типа подобных изображений. Один — выделение праздничной стороны передаваемой сцены; художники объединяли стрелков за пиршественным столом. Обращение ряда участников в сторону зрителя должно было подчеркнуть портретный характер картины. Подобные оживленные сцены пиршеств членов стрелковых обществ были чрезвычайно распространены в Гаарлеме. Они нашли свое наилучшее художественное воплощение в картинах Франса Гальса. Другой тип группового портрета был тот, к которому пришли живописцы Амстердама. Они исходили главным образом из стремления показать деловую связь между членами корпорации, их боевую готовность. Корнелис Кетель в XVI веке, Томас де Кейзер в XVII веке создали торжественный, несколько застылый групповой портрет стрелков с выделенными в центре капитаном, лейтенантом, знаменоносцем и симметрично расположенными по их сторонам прочими членами гильдии. Все они одинаково были повернуты в сторону зрителя, отчего картина производила впечатление сопоставления в одной композиции ряда индивидуальных портретов.

Рембрандта не могло удовлетворить подобное решение проблемы. Свою картину он построил, исходя из стремления связать в едином действии людей, вдохновленных общей для всех идеей. Дана массовая сцена, где впервые в живописи получила яркое выражение сила человеческого единения. В этом принципиально новом взгляде на проблему группового портрета — огромное революционное значение «Ночного дозора». В картине нашел свое воплощение героический дух голландского народа в решающий момент его истории.

До сих пор не решен окончательно вопрос о том, была ли картина заказана для увековечения торжественной встречи Марии Медичи во время ее визита в Амстердам в 1636 году или, как предполагают некоторые ученые, она явилась иллюстрацией к трагедии поэта Вонделя «Геисбрехт ван Амстель».

Однако основной характер сцены ясен для каждого взирающего на эту колоссальную картину. Прозвучал боевой сигнал. Возглавляемые капитаном и лейтенантом стрелки строятся, выходя из-под темной арки ворот. Гремит барабанная дробь, заряжаются ружья, подымаются знамена. Охвативший всех порыв по-разному претворяется в многочисленной массе людей. Художник объединил всех в общем действии, показав вместе с тем индивидуальные варианты единой темы. Перешагнув за рамки обычного группового портрета, Рембрандт дал полное динамики и напряженности действие. Пафос революционных лет нашел свое художественное воплощение в этом изображении выступления стрелков, воодушевленных единой целью.

В позднейшее время холст был обрезан со всех сторон, причем пострадала преимущественно левая часть, где картина лишилась нескольких фигур, а также верх, где теперь не видно завершения арки. Композиция была нарушена. Сделанная в XVII веке копия лучше показывает первоначальный замысел художника. Фигуры капитана и лейтенанта, занимающие теперь центральное положение, были первоначально несколько сдвинуты вправо. Композиция представлялась более уравновешенной, благодаря выдвинутым на первый план боковым фигурам, и вместе с тем более динамичной вследствие сильно выраженного движения вперед центральной группы.

Представителям гильдии стрелков, позировавшим просто для группового портрета, казалась странной попытка художника превратить групповой портрет в жанровую картину. Впрочем, последние исследования говорят, что конфликта не было. Наоборот, 18 заказчиков заплатили художнику 1600 гульденов — сумму, которую за год получал известный профессор университета.

В 1642 Саския умирает. Из четырех детей от этого брака мать пережил только сын Титус. В конце того же года Рембрандт взял в дом домопровительницу — молодую вдову Гертье Диркс. В 1642-49 он пишет мало заказных работ; главным образом изображения посвящены темам простого человека. Несколько раз написал «Святое семейство». В 1646 вновь вернулся к картине «Даная», для которой ему позировала Саския. Фигура Саскии на картине была записана фигурой Гертье Диркс. В 1649 она покинула дом и ее сменила Гендрике Иегерс, по прозвищу Стоффельс. Диркс обвинила художника в нарушении обещания жениться, но благодаря стараниям Рембрандта суд приговорил ее к тюремному заключению. У Гендрике и Рембрандта родилась дочь Корнелия.

В 1653, после поражения Голландии в англоголландской морской войне, в стране начался экономический кризис. Заказы бюргерства стали редкими, уменьшилось число учеников, а на художнике еще висел не выплаченный до конца долг за покупку дома. Рембрандт объявил себя неплатежеспособным и попросил о передаче своего состояния кредиторам. Таким образом он избежал банкротства и долговой тюрьмы. В декабре того же года Титус и Гендрике основали компанию по продаже произведений искусства. Рембрандта они взяли на работу в качестве «советника». Это было юридической уловкой, благодаря которой удалось обойти постановление Гильдии Св. Луки о том, что обанкротившийся художник не может работать в городе и получать с этого доход.

Работы 50-х «Вирсавия (1654), «Аристотель» (1653), гравюры «Жертвоприношение Авраама» (1655) и «Отречение апостола Петра» (1660) демонстрируют человека слабого, опутанного противоречиями, потерянного, но призванного к любви, величию и силе. Несмотря на трудности, художник много работал, но вкусы публики изменились. Широкое сочное письмо Рембрандта при таинственном скрытом освещении больше не устраивало любителей искусства. Тем не менее он продолжал выполнять заказы амстердамского магистрата, писал портреты ведущих предпринимателей. Его посетил Козимо Медичи, будущий герцог Тосканы.

Постепенно произведения Рембрандта приобретают мрачные тона, обнажая глубинный эмоциональный смысл сюжета, а в портретах появляется все возрастающая меланхолия. Но искусство мастера достигает наибольших высот. Он пишет для себя, и среди этих его картин «Ассур, Аман и Эсфирь» (1660) и «Возвращение блудного сына» — высочайшие достижения мировой культуры.

В 1660 Рембрандт женился на Гендрике, но в 1663 она умерла в возрасте 40 лет. В 1662 художник создал последнюю заказную работу «Групповой портрет синдиков суконного цеха», явившуюся высшим его достижением в жанре группового портрета.

В 1668 умер его единственный сын после шести месяцев супружества. Несмотря на свалившиеся на художника беды, работы 1660-х продолжают тему человеческих возможностей и человеческого совершенства. Особенно остро эта духовная мощь чувствуется в облике слепого Гомера (1663), смертельно больного художника Г. де Лересса (1665) и др. В период между 1629 и 1669 Рембрандт создал ряд картин на религиозные темы и около 60 автопортретов, около 300 офортов и более 1000 рисунков.

Ряд автопортретов шестидесятых годов показывает болезненное одутловатое лицо преждевременно состарившегося человека. Рембрандт не льстит себе, он беспощаден в фиксировании принесенных годами разрушений. Но испещренное морщинами некрасивое лицо с толстым носом и запавшим ртом все озарено вдумчивым серьезным взором. В последнем автопортрете, написанном художником в 1669 году (Гаага, Маурицхейс), так же беспощадно вскрыты приметы старости — глубокие складки, редкие седые волосы, ореолом окружающие голову, полный печали взгляд, направленный на зрителя, и глубоко проникающий в душу. В этом взоре то понимание, та мудрость и та любовь к человеку, которые великий сын голландского народа пронес через всю свою жизнь и которые вдохновляли его на создание величественных произведений поздних лет, таких, например, как написанная в последние годы жизни картина „Возвращение блудного сына».

Портрет саскии

10 ИНТЕРЕСНЕЙШИХ ФАКТОВ ИЗ ЖИЗНИ
РЕМБРАНДТА И ЕГО КАРТИН

Вспомним основные вехи его биографии.
Еще раз полюбуемся его картинами.

И сразу — вопрос на засыпку: как звали Рембрандта?
Ответ под катом.

Рембрандт Харменсзон ван Рейн родился 15 июля 1606 года в многодетной семье состоятельного владельца мельницы Хармена Герритзона ван Рейна в голландском городе Лейдене.

В 13 лет он был отдан учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбюрху.
В 1623 году Рембрандт переезжает в Амстердам и занимается у Питера Ластмана, прошедшего стажировку в Италии, где в те годы как раз процветало Высокое Возрождение.

Вернувшись в родной город, Рембрандт совместно с другом Яном Ливенсом открыл собственную мастерскую и начал набирать учеников. Всего за несколько лет он завоевал известность, далеко першагнувшую границы его страны.
В 1631 году мастер переезжает в Амстердам, с которым связывает всю свою дальнейшие судьбу. Здесь он переживает любовь и утраты, блеск и нищету, здесь же уходит из жизни.
Искусствоведам понадобилось 2 столетия, чтобы в полной мере оценить значение творчества Рембрандта.

Интересные факты

1. Ещё сто лет назад в российском Императорском Эрмитаже находилось самое большое в мире собрание рембрандтовских полотен. Но увы! События новейшей истории изменили эту ситуацию. Часть этого собрания была распродана, некоторые картины были переданы в Пушкинский музей, авторство других было оспорено. В течение всего XX века голландцы вели кропотливую работу по скупке полотен Рембрандта и их возвращению на родину; в результате этих усилий наибольшее число картин Рембрандта можно ныне увидеть в амстердамском Рейксмюсеуме.
2. Одна из центральных площадей Амстердама, Botermarkt в 1876 году получила современное название Площадь Рембрандта (нидерл. Rembrandtplein) в честь великого художника. В центре площади находится памятник Рембрандту.

3. В амстердамском доме художника с 1911 года также действует музей, где выставлены преимущественно офорты.

4. Работники Государственного музея в Амстердаме решили принести искусство Рембранта поближе к людям. В апреле 2013 года они «оживили» картину «Ночной дозор», создав целый спектакль и перенесли его действие на территорию большого торгового центра.

5. Покушение на «Данаю».
Здесь нагая дама!

15 июня 1985 года, в летнюю погожую субботу, в ленинградском «Эрмитаже» было, как обычно, многолюдно. Но в зале, посвященном работе голландского художника Рембрандта, посетителей было очень немного. Группа экскурсантов под руководством гида находилась где-то неподалеку, но к Рембрандту еще не подошла.
Зато возле картины «Даная» остановился невысокий и явно немолодой мужчина. Вначале он осмотрелся и радостно потер руки: рядом с ним не было абсолютно никого. Потом расстегнул пуговицы пиджака, извлек откуда-то из подмышки литровую банку, наполненную бесцветной жидкостью, поставил ее у ног. После этого он достал нож и полоснул картину два раза. По бедру и животу Данаи. Затем трижды плеснул на нее серной кислотой.

На громкий крик смотрительницы зала прибежал сотрудник вневедомственной охраны, которому удалось повалить и обезвредить злоумышленника. На картину было страшно смотреть. Краска на ней кипела. Темная пена стекала с холста на пол, оставляя на раме, стене и на паркете большие бурые пятна, похожие на кровь. В первые минуты лицо, улыбка Данаи еще были видны, но вскоре нетронутым остался только плачущий Амур.

Музейщики тут же принялись звонить химикам — как остановить кипение краски? Выяснив, что разъедающим веществом была соляная кислота, химики посоветовали смыть ее водой. Картину сняли, вынули из раны и стали осторожно промывать водой. Химический процесс на полотне остановился, но последствия оказались ужасающими. И все-таки о том, чтобы отказаться хотя бы от попытки восстановить шедевр, не могло быть и речи. Конечно, пришлось собрать лучших реставраторов страны. В специальном помещении, только при определенном дневном освещении, по 4 часа в день они трудились над искалеченной картиной. Иногда работать приходилось под микроскопом — особыми инструментами удаляли натеки, выравнивали тонировки и лаковые покрытия.

По мнению реставраторов, спасти свое творение помог… сам мастер. Старая школа голландской живописи предусматривала толстые слои краски, плотный грунт и лак. Но, несмотря на все усилия, картину удалось восстановить лишь частично. На это ушло целых шесть лет. «Даная» вернулась к зрителям — но уже не совсем той, какой ее написал Рембрандт.

Преступником, совершившим акт вандализма, оказался житель Прибалтики — Бронюс Майгис. Журналистам он охотно поведал свою биографию, в которой присутствовали и служба в армии, и работа на шахте. Именно с шахты он вывез несколько килограммов взрывчатки — аммонита. Майгис работал на Каунасском заводе радиотехники, когда его здоровье стало заметно ухудшаться. Начались проблемы со зрением. Он стал добиваться инвалидности, но врачи не находили для этого оснований. Тогда мужчина обиделся и решил отомстить. Известно, как он уничтожал «Данаю», но мало кто знает, что к его ногам была прикреплена взрывчатка, которую он намеревался применить в следующем зале. Взорваться должны были произведения Леонардо да Винчи.

6. Кто изображен на картине? Нам эта картина известна, как «Даная». Между тем на родине художника при виде этого шедевра чаще всего произносят другое слово — Саския. Именно так звали 21-летнюю красавицу, которую в 1634 году, молодой 27-летний начинающий портретист Рембрандт привел в одну из Амстердамских церквей, чтобы поставить роспись в книге актов. Она — дочь бургомистра города Лаувардена, он — сын мельника из Лейдена. Ее очень не хотели отдавать за него, еще бедного и незнаменитого.

Сколько им отмерит Бог счастья? Тогда они еще не подозревали, что ужасно мало. Спустя восемь лет, в июне 1642 года, неутешный вдовец войдет в церковь Аудекерк вслед за гробом любимой женщины. Чахотка. Восемь лет безбрежного счастья. Четыре беременности, роды. Только один ребенок, последний, выживет, вытянув из матери во время ее беременности последние соки жизни. Карандашный набросок портрета жены художника, сделанный им самим на третий день после свадьбы. И эта картина — «Даная», которую гений кисти закончил спустя два года после свадьбы, в 1636 году.

7. Одну из наиболее известных своих картин — «Ночной дозор», Рембрандт совершенно не писал как «ночной дозор». Художнику было поручено изобразить на картине стрелковую роту Франса Баннинга Кока, где его солдаты должны выходить на залитую солнцем площадь под развевающимися флагами, что в 1642 году художник и сделал.
Но когда полотно обнаружили много времени спустя в XIX веке, на нем было столько копоти и лака, что ни у кого из исследователей не вызвало никаких сомнений, что действие на картине разворачивается поздней ночью. Так картина и получила название — «Ночной дозор» как и известна она во всем мире. И только во время реставрации картины в 1947 году и выяснилась правда.
8. Интересна и сама история написания картины «Ночной дозор»
Поначалу она планировалась стать групповым портретом, по заказу Стрелкового общества. Картину планировали повесить в парадном зале этого Стрелкового общества. Всего на ней должно было быть изображено 18 человек, каждый из которых должен был оплатить свою часть гонорара художнику за работу. Ради целостности картины художник решил отступить от правил и написал вместо указанных 18 человек — 34 фигуры. Правила же требовали написание парадных портретов именно по количеству лиц заказавших портрет. В результате на картине часть изображенных стрелков оказалась на заднем плане и лица некоторых стали вообще неузнаваемы, что конечно не понравилось заказчикам. Картину повесили не туда куда планировали ранее и даже пришлось обрезать ее края. А деньги художнику за такую картину очень долго не хотели отдавать

9. 18 марта 1990 года произошло самое крупное ограбление музея в истории США. Пострадала коллекция замечательного музея Изабеллы Стюарт Гарднер в Бостоне. В этот день в музей проникли злоумышленники в полицейской форме и вынесли с собой тринадцать экспонатов, включая бесценный «Концерт» Вермеера, три полотна Рембрандта (включая его единственный морской пейзаж),



а также работы Мане, Дега и Говарта Флинка.
Это было одно из самых громких и дерзких ограблений XX века, которое до сих пор остаётся нераскрытым.

10. В 2009 году именем художника Рембрандта был назван кратер на планете Меркурий, являющийся одним из самых больших в Солнечной системе.

(Статья скомпилирована из материалов, помещенных в Интернете в свободном доступе).

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669) — голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи.

Биография Рембрандта ван Рейна

Рембрандт Харменс ван Рейн родился в голландском городе Лейден в 1606 году 15 июля. Отец Рембрандта был зажиточным мельником, мать – хорошо пекла, была дочерью пекаря. Фамилия «ван Рейн» означает дословно «с Рейна», то есть с реки Рейн, где у прадедов Рембрандта стояли мельницы. Из 10 детей в семье Рембрандт был самым младшим. Другие дети пошли по стопам родителей, а Рембрандт избрал другой путь – художественный, и получил образование в Латинской школе.

В возрасте 13 лет Рембрандт начал учиться рисовать, а также поступил в городской университет. Возраст тогда никого не смущал, главное в то время были знания на уровне. Многие ученые предполагают, что Рембрандт поступил в университет не для того, чтобы учиться, а чтобы получить отсрочку от армии.

Первым учителем Рембрандта был Якоб ван Сваненбюрх. В его мастерской будущий художник провел около трех лет, затем переехал в Амстердам на учебу к Питеру Ластману.

С 1625 по 1626 гг. Рембрандт вернулся в свой родной город, и завел знакомства с художниками, и некоторыми учениками Ластмана.

Все же после долгих раздумий Рембрандт решил, что карьеру художника надо делать в столице Голландии, и снова перебрался в Амстердам, и женился на богатой горожанке Саскии ван Эйленбург, а полотно «Урок анатомии доктора Тюлпа» принесло молодому живописцу всеобщее признание.

Творчество Рембрандта ван Рейна

Для мастера началось самое благополучное в его жизни десятилетие. У него появилось множество учеников (школа Рембрандта).

В этот период им написаны такие шедевры, как «Автопортрет с Саскией» (1635 г.) и «Даная» (1636 г.).

Чрезвычайно жизнерадостное искусство Рембрандта 30-х гг. сочетает в себе опыт мастеров Возрождения и барокко и новаторский подход к классическим сюжетам.

Период успехов внезапно завершился в 1642 г.: великолепная работа «Ночной дозор» — групповой портрет членов Стрелковой гильдии Амстердама — была отвергнута заказчиками, не оценившими новаций художника и подвергшими его резкой критике.

Рембрандт практически перестал получать заказы, его покинули почти все ученики. В том же году скончалась Саския.

С 40-х гг. Рембрандт отказался в творчестве от театральных эффектов, в его живописи усилилось мистическое, созерцательное начало. Нередко художник обращался к образу своей второй жены — Хендрикье Стоффельс.

Глубиной, спокойствием и эмоциональной насыщенностью отмечены картина «Святое семейство» (1645 г.), серия автопортретов, лучшие пейзажи. Но неудачи продолжали преследовать Рембрандта: в 1656 г. он был объявлен несостоятельным должником, имущество распродано с аукциона, а семья перебралась в скромный дом в еврейском квартале Амстердама.

Заказанное ратушей полотно «Заговор Юлия Цивилиса» (1661 г.) разделило судьбу «Ночного дозора». В 1663 г. художник похоронил жену и сына.

Несмотря на ухудшение зрения, Рембрандт продолжал писать картины. Своеобразным итогом его творчества стал холст «Возвращение блудного сына» (1668-1669 гг.).

Автопортреты Рембрандта запечатлели почти все этапы его жизни и стадии творческого пути. Они замечательны сами по себе, так как позволяют нам проследить развитие мастера, а также потому, что многие более поздние художники – от сэра Джошуа Рейнолдса до Марка Шагала – пробовали подражать примеру Рембрандта в надежде понять что-то о самих себе.

Картина Рембрандта «Портрет Якоба де Гейна III» занесена в Книгу рекордов Гиннеса как наиболее часто похищаемое произведение искусства в мире. Картина была украдена и найдена четыре раза. Ей даже дали прозвище «Рембрандт на вынос». Портрет хранится в Лондоне, в галерее Далвич.

Часть картин художника Рембрандта, в том числе известные «Даная», «Жертвоприношение Авраама» и «Немилость Амана», хранятся в Государственном Эрмитаже (Санкт-Петербург). В 1985 году душевнобольной плеснул на «Данаю» серную кислоту. Реставрация шла долгих 20 лет. Теперь «Данаю» можно увидеть лишь за толстым слоем защитного стекла.

«Исследовательский проект Рембрандт» — это группа ученых, анализирующих наследие великого художника. Проект работает с 1968 года.

До этого времени считалось, что кисти художника принадлежит 800 картин. Проект эту цифру опроверг: после тщательных исследований оказалось, что их всего около 350.

Остальные написаны учениками Рембранда, а также художниками, на которых повлиял Рембрандт. Например, знаменитый «Мужчина в золотом шлеме» из Берлинской картинной галереи, долгое время считавшийся работой мастера, оказался картиной другого неизвестного художника.

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: place-fact.com ,

Если вы нашли неточности или желаете дополнить эту статью, присылайте нам информацию на электронный адрес [email protected]сайт, мы и наши читатели будем вам очень благодарны.

сайт информационно-развлекательно-образовательный сайт для любых возрастов и категорий интернет пользователей. Здесь и дети, и взрослые с пользой проведут время, смогут повысить свой уровень образования, прочесть любопытные жизнеописания великих и известных в разных эпохах людей, посмотреть фотоматериалы и видео из частной сферы и общественной жизни популярных и именитых личностей. Биографии талантливых актеров, политиков, ученых, первооткрывателей. Мы представим Вам с творчество, художников и поэтов, музыку гениальных композиторов и песни знаменитых исполнителей. Сценаристы, режиссеры, космонавты, физики-ядерщики, биологи, атлеты – множество достойных людей, оставивших отпечаток во времени, истории и развитии человечества собраны воедино на наших страницах.
На сайт Вы узнаете малоизвестные сведения из судеб знаменитостей; свежие новости из культурной и научной деятельности, семейной и личной жизни звезд; достоверные факты биографии выдающихся жителей планеты. Все сведения удобно систематизированы. Материал подан в простом и понятном, легком для чтения и интересно оформленном виде. Мы постарались, чтоб наши посетители получали здесь необходимую информацию с удовольствием и большим интересом.

Когда хочется узнать подробности из биографии известных людей, нередко начинаешь выискивать информацию из множества справочников и статей, разбросанных по всему интернету. Теперь, для Вашего удобства, все факты и наиболее полные сведения из жизни интересных и публичных людей собраны в одном месте.
сайт подробно расскажет о биографии знаменитых людей оставивших свой отпечаток в человеческой истории, как в глубокой древности, так и в нашем современном мире. Тут можно больше узнать о жизни, творчестве, привычках, окружении и семье Вашего любимого кумира. Об истории успеха ярких и неординарных людей. О великих ученых и политиках. Школьники и студенты почерпнут на нашем ресурсе необходимый и актуальный материал из биографии великих людей для различных докладов, рефератов и курсовых.
Узнавать биографии интересных людей, которые заслужили признание человечества, занятие часто очень увлекательное, так как истории их судеб захватывают не меньше иных художественных произведений. Для кого-то такое чтение может послужить сильным толчком для собственных свершений, даст веру в себя, поможет справиться с непростой ситуацией. Встречаются даже заявления, что при изучении историй успеха других людей, в человеке помимо мотивации к действию, проявляются и лидерские качества, укрепляется сила духа и упорство в достижении целей.
Интересно почитать и размещенные у нас биография богатых людей, чья стойкость на пути к успеху достойна подражания и уважения. Громкие имена прошлых столетий и нынешних дней всегда будут вызывать любопытство историков и обычных людей. А мы поставили своей целью удовлетворить такой интерес в полной мере. Хотите блеснуть эрудицией, готовите тематический материал или просто интересно узнать все об исторической личности – заходите на сайт.
Любители почитать биографии людей могут перенять их жизненный опыт, научиться на чьих-то ошибках, сравнить себя с поэтами, художниками, учеными, сделать важные для себя выводы, самосовершенствоваться, используя опыт неординарной личности.
Изучая биографии успешных людей, читатель узнает, как были сделаны великие открытия и достижения, давшие шанс человечеству взойти на новую ступень в своем развитии. Какие препятствия и сложности пришлось преодолеть многим известным людям искусства или ученым, знаменитым врачам и исследователям, бизнесменам и правителям.
А как увлекательно окунуться в историю жизни какого-либо путешественника или первооткрывателя, представить себя в качестве полководца или бедного художника, узнать историю любви великого правителя и познакомиться с семьей давнего кумира.
Биографии интересных людей у нас на сайте удобно структурированы так, чтоб посетителям не составляло труда найти в базе сведения о любом нужном человеке. Наша команда стремилась к тому, чтоб Вам понравилась и простая, интуитивно ясная навигация, и легкий, интересный стиль написания статей, и оригинальный дизайн страниц.

Имя: Рембрандт (Рембрандт Харменс ван Рейн)

Возраст: 63 года

Деятельность: художник, гравёр, крупнейший представитель золотого века голландской живописи

Семейное положение: вдовец

Рембрандт: биография

Рембрандт Харменс ван Рейн – известнейший живописец, офортист и рисовальщик «Золотого века». Всеобщее признание и слава, резкое падение и нищета – так можно охарактеризовать биографию великого гения искусства. Рембрандт стремился через портреты передать душу человека, о многих произведениях художника, овеянных тайной, до сих пор ходят слухи и догадки.

Начало 17 века было спокойным для Нидерландского государства, которое обрело независимость республики в момент революции. В стране развивались промышленное производство, сельское хозяйство и торговля.


В старинном городе Лейдине, находящемся в провинции Южная Голландия, в домике на Ведештеге прошло детство Рембрандта, родившегося 15 июля 1607 года.

Мальчик рос в многодетной семье, в которой был шестым ребенком. Отец будущего художника Хармен ван Рейн был состоятельным человеком, владевшим мельницей и солодовней. Помимо прочего в имуществе ванн Рейна было еще два дома, а также он получил значительное приданое от жены Корнелии Нелтье, поэтому большая семья жила в достатке. Мать будущего художника была дочерью пекаря и разбиралась в кулинарии, поэтому семейный стол изобиловал вкусными яствами.

Несмотря на достаток, семья Хармена жила скромно, соблюдая строгие католические правила. Родители художника даже после Нидерландской революции не изменили своего отношения к вере.


Автопортрет Рембрандта в 23 года

Рембрандт трепетно относился к своей матери в течение всей жизни. Это выражается в портрете, написанном в 1639 году, на котором изображена мудрая старушка с добрым и немного грустным взглядом.

Семейству были чужды светские мероприятие и роскошная жизнь состоятельных людей. Стоит предположить, что по вечерам ван Рейны собирались за столом и читали книги и библию: так делало большинство нидерландских граждан во времена «Золотого века».

Ветряная мельница, которой владел Хармен, находилась на берегу Рейна: перед взором мальчика открывался красивый пейзаж лазурной реки, которую освещают лучи солнца, пробирающиеся сквозь небольшое окошко постройки и проходящие сквозь туманы мучной пыли. Возможно, за счет детских воспоминаний будущий художник научился искусно владеть красками, светом и тенью.


В детстве Рембрандт рос наблюдательным мальчиком. Просторы улиц Лейдина давали источники вдохновения: на торговых рынках можно было встретить непохожих друг на друга людей разных национальностей и учиться набрасывать их лица на бумаге.

Первоначально мальчик ходил в латинскую школу, но учеба его не интересовала. Юный Рембрандт не любил точные науки, отдавая предпочтение рисованию.


Детство будущего художника было счастливым, так как родители видели увлечения сына, и, когда мальчику исполнилось 13 лет, его отдали обучаться к нидерландскому художнику Якобу ван Сваненбургу. Из биографии первого учителя Рембрандта известно мало, у представителя позднего маньеризма не сохранилось огромного художественного наследия, из-за чего проследить влияние Якоба на формирования выработки стиля Рембрандта практически невозможно.

В 1623 году юноша отправляется в столицу, где вторым его учителем становится живописец Питер Ластман, обучавший Рембрандта полгода живописи и гравюре.

Живопись

Обучение у наставника проходило успешно, впечатленный картинами Ластмана юноша быстро освоил технику рисования. Яркие и насыщенные краски, игра теней и света, а также скрупулезная проработка даже самых мелких деталей флоры – вот, что передал Питер именитому ученику.


В 1627 году Рембрандт возвращается из Амстердама в родной город. Уверенный в своих способностях художник вместе с другом Яном Ливенсом открывает собственную школу живописи, которая в короткие сроки приобрела популярность среди голландцев. Ливенс и Рембрандт шли вровень друг с другом, порой молодые люди тщательно работали над одним полотном, вкладывая в рисунок часть собственного стиля.

Двадцатилетний молодой художник успел приобрести славу за счет своих детализированных ранних работ, в число которых входят:

  • «Побиение камнями святого апостола Стефана» (1625),
  • «Паламедеи перед Агамемноном» (1626),
  • «Давид с головой Голиафа» (1627),
  • «Похищение Европы» (1632),

Юноша продолжает черпать вдохновение на улицах города, гуляя по скверам, дабы встретить случайного прохожего и запечатлеть его портрет резцом на деревянной дощечке. Также Рембрандт делает серии гравюр с автопортретами и портретами многочисленных родственников.

Благодаря таланту молодого живописца, Рембрандта заметил поэт Константин Хейгенс, который восхищался полотнами ван Рейна и Ливенса, называя их многообещающими художниками. «Иуда возвращает тридцать сребреников», написанное нидерландцем в 1629 году, он сравнивает со знаменитыми полотнами итальянских мастеров, но находит недочеты в рисунке. Благодаря связям Константина Рембрандт вскоре обзаводится богатыми почитателями искусства: из-за посредничества Хейгенса принц Оранский заказывает у художника несколько религиозных работ, таких как « перед Пилатом» (1636).

Настоящий успех к художнику приходит в Амстердаме. 8 июня 1633 года Рембрандт знакомится с дочерью богатого бюргера Саскией ван Эйленбюрх и завоевывает прочное положение в обществе. Большинство полотен художник написал, находясь в столице Нидерландов.


Рембрандт вдохновлен красотой своей возлюбленной, поэтому часто пишет ее портреты. Спустя три дня после свадьбы ван Рейн изобразил женщину серебряным карандашом в шляпе с широкими полями. Саския появлялась на картинах нидерландца в уютной домашней обстановке. Образ этой пухлощекой женщины появляется на многих полотнах, например, загадочная девочка на картине «Ночной дозор» сильно напоминает возлюбленную художника.

В 1632 году Рембрандта прославила картина «Урок анатомии доктора Тульпа». Дело в том, что ван Рейн отошел от канонов стандартных групповых портретов, которые изображались с лицами, повернутыми к зрителю. Крайне реалистичные портреты доктора и его учеников сделали художника знаменитым.


В 1635 году написана знаменитая картина по библейскому сюжету «Жертвоприношение Авраама», которую по достоинству оценили в светском обществе.

В 1642 году ван Рейн получил заказ от Стрелкового общества на групповой портрет, чтобы украсить полотном новое здание. Картина ошибочно получила название «Ночной дозор». Она была запачкана сажей, и только в 17 веке исследователи пришли к выводу, что действие, разворачивающееся на полотне, происходит в дневное время.


Рембрандт досконально изобразил каждую деталь мушкетеров, находящихся в движении: будто бы в определенный момент остановилось время, когда ополченцы выходили из темного дворика, чтобы ван Рейн запечатлел их на полотне.

Заказчикам не понравилось, что нидерландский живописец отошел от канонов, которые развивались в 17 веке. Тогда групповые портреты были парадными, а участники изображались анфас без какой-либо статики.

По мнению ученых, эта картина и послужила поводом для банкротства художника в 1653 году, так как отпугнула потенциальных клиентов.

Техника и картины

Рембрандт считал, что истинная цель художника заключается в изучении натуры, поэтому все картины живописца получались, чересчур фотографичными: нидерландец старался передать каждую эмоцию изображенного человека.

Как и у многих талантливых мастеров эпохи «Золотого века», у Рембрандта прослеживаются религиозные мотивы. На полотнах ван Рейна нарисованы не просто запечатленные лица, а целые сюжеты со своей историей.

На картине «Святое семейство», которая была написана в 1645 году, лица персонажей естественны, нидерландец будто бы желает с помощью кисти и красок перенести зрителей в уютную атмосферу простой крестьянской семьи. На работах ван Рейна нельзя проследить некой помпезности. говорил, что Рембрандт писал Мадонну в виде нидерландской крестьянки. Действительно, на протяжении всей жизни художник черпал вдохновение от окружающих людей, не исключено, что на полотне убаюкивает младенца женщина, срисованная со служанки.


Картина Рембрандта «Святое семейство», 1646 год

Как и многие деятели искусства, Рембрандт полон загадок: после смерти творца исследователи долго размышляли по поводу тайн его полотен.

Например, над картиной «Даная» (или «Эгина») ван Рейн работал 11 лет, начиная с 1636 года. На холсте изображена юная дева после пробуждения от сна. Сюжет основан на древнегреческом мифе о Данае, дочери царя Аргосского и матери Персея.


Исследователи полотна не понимали, почему обнаженная дева не похожа на Саскию. Однако после рентгеновского снимка стало понятно, что первоначально Даная была нарисована в образе Эйленбюрх, но после смерти жены ван Рейн вернулся к картине и изменил черты лица Данаи.

Также среди искусствоведов ходили споры по поводу героини, изображенной на холсте. Рембрандт не подписал название картины, а трактовку сюжета затруднило отсутствие золотого дождя, по легенде в виде которого Зевс явился к Данае. Также ученых смущало обручальное кольцо на безымянном пальце девушки, что не согласовывалось с древнегреческой мифологией. Шедевр Рембрандта «Даная» находится в российском музее Эрмитаже.


«Еврейская невеста» (1665) – еще одна загадочная картина ван Рейна. Такое название полотно получило в начале 19 века, однако до сих пор неизвестно, кто изображен на холсте, ведь молодая девушка и мужчина одеты в старинные костюмы, напоминающие библейскую одежду. Также популярна картина «Возвращение блудного сына» (1669), которая создавалась 6 лет.


Фрагмент картины Рембрандта «Возвращение блудного сына»

Если говорить о стиле написания полотен Рембрандтом, то художник использовал минимум красок, при этом умудрялся делать картины «живыми», благодаря игре света и теней.

Ван Рейну также удачно удается изобразить мимику лица: все люди на полотнах великого живописца будто живые. Например, в портрете старика – отца Рембрандта (1639) видна каждая морщинка, а также мудрый и грустный взгляд.

Личная жизнь

В 1642 году от туберкулеза умирает Саския, у возлюбленных был сын Титус (трое других детей скончались в младенческом возрасте), с которым Рембрандт поддерживал дружеские отношения. В конце 1642 года художник встречается с молодой особой Гертье Диркс. Родители Саскии были огорчены тем, как вдовец распоряжался приданым, живя в роскоши. Позже Диркс подает в суд на своего возлюбленного за то, что тот нарушил обещание взять ее в жены. От второй женщины у художника родилась дочь Корнелия.


Картина Рембрандта «Саския в образе богини Флоры»

В 1656 году Рембрандт из-за материальных трудностей объявляет себя банкротом и уезжает в уединенный домик на окраине столицы.

Жизнь ван Рейна не шла по нарастающей, а наоборот, уходила в упадок: счастливое детство, богатство и признание сменились ушедшими заказчиками и нищенской старостью. Настроение художника прослеживается на его полотнах. Так, живя с Саскией, он пишет радостные и солнечные картины, например, «Автопортрет с Саскией на коленях» (1635). На полотне ван Рейн смеется искренним смехом, а лучезарный свет озаряет комнату.


Если раньше картины художника были детализированы, то на этапе позднего творчества Рембрандт использует широкие мазки, а солнечные лучи заменяются тьмой.

Картина «Заговор Юлия Цивилиса», написанная в 1661 году, не была оплачена заказчиками, потому что лица участников заговора не проработаны скрупулезно, в отличие от предыдущих работ ван Рейна.


Картина Рембрандта «Портрет сына Титуса»

Незадолго до смерти, живя в бедности, в 1665 году Рембрандт пишет автопортрет в образе Зевксиса. Зевкис – это древнегреческий живописец, который скончался ироничной смертью: художника развеселил написанный им же портрет Афродиты в образе старухи, и он умер от смеха. На портрете Рембрандт смеется, художник не постеснялся вложить в полотно долю черного юмора.

Смерть

Рембрандт предал земле своего сына Титуса, который скончался от чумы, в 1668 году. Это печальное событие резко ухудшило душевное состояние художника. Ван Рейн умер 4 октября 1669 года и был похоронен в нидерландской церкви Вестеркерк в Амстердаме.


Памятник Рембрандту на площади Рембрандта в Амстердаме

При жизни художником было написано около 350 полотен и 100 рисунков. Человечеству понадобилось два века, чтобы по достоинству оценить этого великого художника.

Бетт Мидлер спросила: «Что не так с этой картинкой?» Ответ был универсальным: ничего

Что не так с этой картинкой? Как и, казалось бы, забытое искусство, которое он запечатлел, это подлежит обсуждению.

Бетт Мидлер задала этот вопрос в Твиттере, поделившись изображением трех молодых девушек, собравшихся на скамейке в нью-йоркском Метрополитен-музее. Она знала ответ еще до того, как попросила его: их спины обращены к «Эгине, которую посетил Юпитер», картине художника 18-го века Жана-Батиста Греза, поскольку вместо этого они сосредоточенно смотрят в свои телефоны.

Они далеки от школьников из «Выходного дня Ферриса Бьюллера», которые целый день пялились на картины в Художественном институте Чикаго.

Но людей больше заботило то, что Мидлер пристыдил молодых людей в музее за то, что они выглядели менее чем прикованными к картине обнаженной женщины 250-летней давности.

«В этой картине нет ничего плохого, поскольку мы не знаем ее предыстории», — возразила автор Катрина Рэй-Саулис. «Они могли связаться со своими родителями, проведя там несколько часов.Они могут читать об истории искусства на сайте музея. Мы слишком много на себя берем, если нас это расстраивает.»

Ее комментарий отразил волну реакции, которая встретила первоначальный твит Мидлера.

Возможно, девочки, утомленные после дня, проведенного в одной из крупнейших художественных галерей мира, берут столь необходимую передышку в галерее европейских картин, прежде чем отправиться обратно, чтобы познакомиться с другими произведениями искусства, предположил один из пользователей.

Или, может быть, они просто не интересовались многовековым искусством? Комик Джабуки Янг-Уайт заявил, что трио разговаривало по своим телефонам, потому что «классическое искусство так быстро устаревает.»

Или, может быть, критика звезды была неверна — эти устройства содержат больше информации о рассматриваемых произведениях искусства , чем этикетки, наклеенные рядом с ними.

«Метафора нашего века»

Критика Мидлера знакома миллениалам и представителям поколения Z — молодые люди проводят слишком много времени со своими устройствами.

Изображение, которым она поделилась, похоже на то, что вызвало те же дебаты в 2016 году. На нем группа школьников смотрит в свои телефоны спиной к «Ночному дозору» Рембрандта в Рейксмузеуме в Амстердаме.

Критики того времени назвали это «метафорой нашего века».

Позже было высказано предположение, что дети использовали приложение музея для выполнения школьного проекта.

Мидлер не ответила на критику, и неясно, сама ли она сделала это фото. (Иногда своими твитами она вызывает споры в сети, хотя они часто нацелены на президента Дональда Трампа.)

Глаз смотрящего

Шри Сринивасан, приглашенный профессор цифровых инноваций в Школе журналистики Университета Стоуни-Брук, руководил разработкой приложения для смартфонов Метрополитен-музея во время своего пребывания там на посту директора по цифровым технологиям.Он сказал, что жалобы на то, что телефоны мешают посещению музеев, «ничего не значат».

По его словам, для музеев важно дать людям возможность расслабиться, освежиться и восстановить силы. Разрешение людям где-то подключать свои телефоны и подключаться к бесплатному Wi-Fi не гарантирует, что они будут использовать его для изучения искусства перед ними, но опять же, нет никаких правил, определяющих, как люди относятся к музеям.

«Ничто не говорит о том, что ваши посетители должны реагировать на предписанный вами способ взаимодействия с искусством», — сказал он.«Пока люди находятся в вашем пространстве, у вас есть шанс помочь им связаться».

Шринивасан отметил, что девушки на фотографии, которой поделился Мидлер, не препятствуют обзору картины и не фотографируют ее (иногда вместо противоречит музейным правилам).

Более того, по его словам, ориентированное на телефон поведение не ограничивается молодежью.

«Я могу показать вам множество бумеров, которые делают то же самое. Я не вижу в этом никакой проблемы».

Музеи делают ставки на технологии

Политика посещения музеев изменилась вместе с привычками посетителей, и галереи все чаще используют мобильные устройства.Если аудиотуры предоставляют одно дополнительное средство взаимодействия, телефоны открывают другое.

Приложение Rijksmuseum позволяет пользователям прокладывать собственный маршрут по музею, искать изображения по исполнителю или ключевому слову и читать историю каждого произведения искусства. Smartify, приложение, которое называет себя «Shazam мира искусства», позволяет пользователям сканировать произведение искусства, чтобы узнать о нем больше.

Веб-сайт Метрополитена, тем временем, предоставляет более подробное описание произведения искусства — вызывая споры о сюжетах картин, например, , — чем это было бы возможно на музейной этикетке.

Поэтому, хотя неясно, искали ли девушки на фотографии Мидлера в Интернете дополнительную информацию или нет, ясно, что существует потребность в более подробной информации, чем может предоставить плакат.

Музей Пушкина Фотогалерея Брайана МакМорроу на pbase.com

год нашей эры

Зима в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва

Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина

Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина

Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина

Планировка ГМИИ им. А.С. Пушкина — Первый этаж

Итальянский дворик, ГМИИ

Большинство скульптур в ГМИИ им. Пушкина являются гипсовыми копиями

Москва дек05 175.JPG

Давид Микеланджело

Давид Микеланджело — лицо крупным планом, ГМИИ

Тыльная сторона Давида

Жермен Пилон «Вьерж де Долер» (Лувр)

Донателло «Давид» (Барджелло)

Донателло «Давид» (Барджелло)

Петр Фишер — Король Теодорих (Король Теодорих, предок Максимилиана) 1514

Петер Фишер — Король Артур (Король Артур, предок Максимилиана) 1514 (Инсбрук)

Андреа Вероккио «Давид» (Национальный музей, Флоренция)

Одна из картинных галерей первого этажа ГМИИ

Томмазо Салини «Христос в терновом венце» 1610

Бернардо Строцци «Ванитас» или «Старая кокетка» 1637

Гверчино (Джованни Франческо Бербьери) ул.Себастьян 1642

Каналетто (Джованни Антонио Канал, 1697–1768) «Возвращение Буцентавра на пирс у Палаццо Дукале» 1728–29

Николя де Ларжильер (1656-1746) Портрет дамы

Антонио Переда-и-Сальгадо (1608-1678) Мария Магдалина Кающаяся

Якоб Йорданс (1593-1678) — Сатир и Крестьянин 1621-23

Хендрик Тербругген (1588-1629) Пастух С. Флейтой 1627

Рембрандт (1606-1669) Портрет пожилой женщины

Фердинано Бол (1616-1680) Иуда и Фамарь 1653

Якоб Йорданс (1593-1678) Одиссей в пещере Полифема 1635

Греческий двор, заполненный в основном гипсовыми слепками произведений из других музеев

Асклепий (Галерея Уффици, Флоренция)

Фидий — Амазонка Маттеи (Музей Ватикана)

Аполлон из Тибра (Национальный музей, Рим)

Фидий — Афина Лемния (Дрезден)

Зевс (Дрезден)

Зевс (Дрезден)

Кефисодот Старший — Эйрена с Плутосом (Мюнхенская глиптотека)

Афина (Музей Ватикана)

Перикл

Афина

Тесей и Минотавры, Рим, 1 в.

Тесей и Минотавры, Рим, 1 век н.э.

Афина

Греческий двор — крыльцо кариатид, Афинский Акрополь

Ахеменидская столица (Лувр)

Спящая Ариадна (Музей Ватикана)

Гроб Ташета, период Птолемеев, Египет

Галерея древних цивилизаций

Галерея древних цивилизаций

Галерея древних цивилизаций

Галерея древних цивилизаций

Галерея древних цивилизаций

Христос-Пантократор, Византия, 15 век.

Мозаика Голова Богородицы, Рим, 13 век

Круг Коппо ди Марковальдо, Богородица с младенцем на троне ок. 1260

Бьяджо Д’Антонио (1446-1508) Мадонна с младенцем и ангелом

Деталь Ангела Бьяджо Д’Антонио

Последователь Бернардино Бутиноне, Богородица с младенцем под аркой, конец 15 — начало 16 века.

Гилио Романо (1499-1546) Женщина за туалетом, 1520

Последователь Яна Йоста ван Калькара, Рождество (Святая ночь) 1520

Последователь Яна Йоста ван Калькара, Рождество (Святая ночь) 1520

Лукас Кранах Старший (1472-1553) Богородица с младенцем

Лукас Кранах Старший (1472-1553) Фрагмент картины «Плоды ревности» 1530

Иоахим Беккелер (1530-1574) Рыночная сцена 1564

Ганс Вредеман Де Врис (1527-1604) Соломон и царица Савская

Студия Аньоло Бронзино (1503-1572) Козимо Медичи, великий герцог Тосканы (1519-1574)

Аньоло Бронзино (1503-1572) Святое семейство с младенцем св.Иоанн Креститель (Мадонна Строганова)

Париж Бордоне (1500-1571) Дама с розой

Джулио Чезаре Прокаччини (1570-1625) Погребение

Венецианец, начало 16 века, Богородица с младенцем

Якопо Пальма Il Vecchio (1480-1528) Мадонна с младенцем и святыми (Sacra Conversazione)

Джованни Баттиста Чима да Конельяно (1459-1517) Оплакивание мертвого Христа с монахом-кармелитом

Портреты Файюм (1-4 С)

Портреты Файюма (1-4 века)

Давид Микеланджело, ГМИИ

Галерея итальянского искусства от лестницы до 2 этажа

Еще копии древнегреческих древностей на 2 этаже ГМИИ

Курос (Глиптотека Мнхен)

Галерея древнегреческой скульптуры ГМИИ им. Пушкина

Гипсовые слепки большинства известных скульптур Древней Греции

Шуазель-Гуфье Аполлон (Британский музей)

Падший воин с восточного фронтона храма Афины Афайи на Эгине (Мюнхенская глиптотека)

Геракл с восточного фронтона храма Афины Афайи на Эгине (Мюнхенская глиптотека)

Аполлон Кифароэд Помпейский (Национальный археологический музей, Неаполь)

Фронтон храма Афины Афии, Агины (Глиптотека, Мюнхен)

Фронтон храма Афины Афии, Агины (Глиптотека, Мюнхен)

Воин с восточного фронтона храма Афины Афайи на Эгине (Мюнхенская глиптотека)

Воин с восточного фронтона храма Афины Афайи на Эгине (Мюнхенская глиптотека)

Павший воин с восточного фронтона храма Афины Афайи на Эгине (Мюнхенская глиптотека)

Воины с восточного фронтона храма Афины Афайи на Эгине (Мюнхенская глиптотека)

Тиранициды Гармодия и Аристогитона (Национальный археологический музей Неаполя)

Аристогитон старший, бородатый (Национальный археологический музей Неаполя)

Гармодий и Аристогейтон убили тирана Гиппарха в Афинах, 514 г. до н.э.

Гармодиос (Национальный археологический музей Неаполя)

Метатель диска (Национальный музей, Рим)

Метатель диска (Национальный музей, Рим)

Дискобол (Национальный музей, Рим)

Афина (Музей Ватикана)

Марсий (Музей Ватикана)

Молодежь из Субиако (Национальный музей, Рим)

Москва дек05 339.JPG

Гестия Джустиниани (Музей Торлония, Рим)

Гермес (Музей Ватикана)

Танцующая женщина из Геркуланума (Национальный археологический музей, Неаполь)

Танцующая женщина из Геркуланума (Национальный археологический музей, Неаполь)

Ника, богиня Победы (Археологический музей, Олимпия)

Эрос Соранцио (Эрмитаж)

Эрос Соранцио (Эрмитаж)

Древнегреческая галерея ГМИИ

Древнегреческая галерея ГМИИ

Древнегреческая галерея ГМИИ

Идолино, юный спортсмен (Уффици, Флоренция)

Идолино, юный спортсмен (Уффици, Флоренция)

Амазонка Скиарра, раненая Амазонка (Берлин)

Юный спортсмен (Дрезден)

Юный спортсмен (Дрезден)

Юный спортсмен (Дрезден)

Диадумен, спортсмен с поясом победы (Национальный археологический музей, Афины)

Диадумен, спортсмен с поясом победы (Национальный археологический музей, Афины)

Кинискос (Британский музей)

Бегущая дева (Музей Ватикана)

Искусство Эгейского мира и Древней Греции, 2-й этаж, ГМИИ им. Пушкина

Галерея греческого искусства позднего классицизма и эллинистического периода (гипсовые слепки)

Галерея греческого искусства позднего классицизма и эллинистического периода (гипсовые слепки)

Торс Бельведер (Музей Ватикана)

Пракситель — Афродита Книдская (Капитолийский музей, Рим)

Гермес с младенцем Дионисом (Археологический музей, Олимпия)

Пракситель — Отдыхающий сатир (Капитолийский музей, Рим)

Лисипп — Отдыхающий Гермес (Национальный археологический музей, Неаполь)

Умирающая Галлия (Музей Капитолия, Рим)

Умирающая Галлия (Музей Капитолия, Рим)

Лисипп — Апоксиомен (Музей Ватикана, Рим)

Венера Милосская (Лувр)

Фавн Барберини, Спящий сатир (Glytotek Munich)

Галл, убивающий свою жену и себя (Рим)

Галл, убивающий свою жену и себя (Рим)

Наказание Дирсе, быка Фарнезе (Национальный археологический музей, Неаполь)

Аполлон Бельведерский (Музей Ватикана)

Аполлон Бельведерский (Музей Ватикана)

Ланкун (Музей Ватикана)

Ланкун (Музей Ватикана)

Мелеагр (Музей Ватикана)

Артемида, Диана Версальская (Лувр)

Мавзолеи (Британский музей)

Аполлон Сауроктонос (Музей Ватикана)

Аполлон Сауроктонос (Музей Ватикана)

Галерея искусств Древнего Рима — гипсовые слепки

Нил (Музей Ватикана)

Нил (Музей Ватикана)

Август из Прима Порта (Музей Ватикана)

Агриппа Младший (Национальный археологический музей, Неаполь)

Юнона Соспита (Музей Ватикана)

Тиберий (Лувр)

Нерва (Музей Ватикана)

Галерея европейского средневекового искусства

Москва 05 декабря 494.JPG

МоскваDec05 495.JPG

МоскваDec05 498.JPG

МоскваDec05 504.JPG

Копия мозаики «Ангел» (Церковь Сан-Витале, Равенна)

Мозаичная копия «Император Юстиниан со свитой» (церковь Сан-Витале, Равенна)

Галерея искусств итальянского Возрождения

Скульптуры Микеланджело — муляжи — 2-й этаж ГМИИ им. Пушкина

Микеланджело (Академия, Флоренция)

Микеланджело — Флорентийская Пьета (Соборный музей, Флоренция)

Микеланджело — Умирающий раб (Лувр)

Микеланджело — Мятежный раб (Лувр)

Микеланджело — Моисей (Церковь св.Петр в цепях, Рим)

Микеланджело — Моисей (Церковь св. Петра в цепях, Рим)

Микеланджело — Могила Гильяно Медичи (Церковь Сан-Лоренцо, Флоренция)

Микеланджело — Скорчившийся юноша (Эрмитаж)

Микеланджело — Пьяный Вакх (Барджелло)

Купидон «Неизвестный мастер круга Микеланджело» (Музей Виктории и Альберта)

Микеланджело — Брут (Барджелло)

Микеланджело — Пьета (Св.Петра, Ватикан)

Микеланджело — Мадонна Брюгге (Onze Lieve Vrouw Kerk, Брюгге)

Микеланджело — Мадонна Брюгге (Церковь Богоматери, Брюгге)

Kunstareal в Мюнхене — POI

Kunstareal (нем. [ˈkʊnst.aʁeˌaːl], «район искусств») — музейный квартал в центре Мюнхена, Германия.

Зона искусств


Состоит из трех галерей «Пинакотека» (Старая пинакотека, Новая пинакотека и Пинакотека модерна), Глиптотеки, Государственного антикензамлунгена (оба музея специализируются на греческом и римском искусстве), Ленбаххауса, Музея Brandhorst (частное собрание современного искусства) и несколько галерей.Также Staatliche Sammlung für Ägyptische Kunst (государственная коллекция египетского искусства) была перемещена в Kunstareal в 2013 году. История музеев в этом районе Мюнхена началась в 1816 году с возведения Глиптотеки на Кёнигсплац и завершилась новым здание Египетского музея (2012 г.) и пристройка Ленбаххауса (2013 г.).
Недалеко от Пинакотеки модерн неоклассический Дворец Дюркхайм (построенный в 1842–1844 гг.) Временами служил зданием, призванным приблизить искусство к посетителям, а примыкающий Тюркентор (1826 г.) — ворота снесенной королевской казены. , станет витриной для временного современного искусства.По состоянию на 2009 год обсуждается общий план проекта, чтобы обеспечить интеграцию различных музейных зданий и улучшить доступ к художественному району из центральной части города.

Музеи


Довольно монолитное строение Старой пинакотеки содержит сокровищницу произведений европейских мастеров 14-18 веков. Коллекция отражает эклектичные вкусы Виттельсбахов на протяжении четырех столетий и распределена по школам на двух этажах. Основные экспозиции включают «Христоподобный автопортрет» Альбрехта Дюрера, его «Четыре апостола», картины Рафаэля «Святое семейство Каниджани» и «Мадонна Темпи», а также автопортрет Питера Пауля Рубенса «Жимолость Бауэр» и его двухэтажный «Судный день».В галерее находится одна из самых полных в мире коллекций Рубенса. «Мадонна с гвоздикой» — единственная картина Леонардо да Винчи в немецкой галерее.
Новая пинакотека особенно известна своей обширной коллекцией картин импрессионистов Пьера-Огюста Ренуара, Эдуарда Мане, Клода Моне, Поля Сезанна, Поля Гогена, Эдгара Дега, Винсента Ван Гога и многих других.
Пинакотека модерна объединяет Баварскую государственную коллекцию современного искусства, Национальную коллекцию произведений на бумаге и Музей дизайна и прикладного искусства с Музеем архитектуры Мюнхенского технического университета в одном здании и считается одной из самых важных и популярные музеи современного искусства в Европе.Здесь находится действительно самая большая коллекция промышленного дизайна. Коллекция работ на бумаге варьируется от шедевров Альбрехта Дюрера, Рембрандта, Микеланджело и Леонардо да Винчи до Поля Сезанна, Анри Матисса, Пауля Клее и Дэвида Хокни.
Он принадлежит близлежащему Staatliche Graphische Sammlung München, всемирно известному собранию из 400 000 гравюр, гравюр и рисунков, относящихся к эпохе Возрождения. Коллекция современного искусства содержит большую коллекцию картин Пабло Пикассо, Макса Бекмана и художников Die Brücke.
Перед Первой мировой войной в Мюнхене работала группа художников «Синий Райтер». Многие из их работ теперь можно увидеть в Ленбаххаусе.

Современный музей Брандхорста посвящен творчеству Энди Уорхола и Сая Твомбли.
Важная коллекция греческого и римского искусства хранится в Глиптотеке и Staatliche Antikensammlung (Государственное собрание древностей). Королю Людвигу I удалось приобрести для Глиптотеки такие известные произведения, как Медуза Ронданини, Фавн Барберини и фигуры из храма Афайи на Эгине.Всемирно известная коллекция старинной керамики является выдающейся. В музее Abgüsse klassischer Bildwerke представлены самые известные в мире древнегреческие и римские скульптуры в виде гипсовых слепков.
Kunstareal был дополнительно расширен за счет завершения Staatliche Sammlung für Ägyptische Kunst (Египетский музей). В этом музее представлены экспонаты из всех периодов истории Древнего Египта, а также рельефы из Ассирии и лев из Вавилонских ворот Иштар.
Рядом с Kunstareal находится несколько музеев естественных наук Баварского государства, таких как Палеонтологический музей Мюнхена, Геологический музей и Рейхс-дер-Кристалл, являющийся публичной частью Mineralogische Staatssammlung Muenchen (Баварское государственное собрание минералогии).

Внешние ссылки

Kunstareal München
Reich der Kristalle (музей минералов)

Источник:

Википедия

.

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.