Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Энди уорхол работы поп арт: 404 | Артифекс

Содержание

Энди Уорхол — основатель поп-арта

Энди Уорхол, он же Андрей Уорхола – третий сын в семье русинских эмигрантов из Австро-Венгрии родился в 1928 году в Питсбурге. После получения степени бакалавра в области графического дизайна в 1949 году он переехал в Нью-Йорк и начал карьеру рекламщика-оформителя. Через несколько лет его работы были представлены на художественной выставке в Нью-Йорке. А в 1956 году Энди Уорхол получил приз «Клуба художественных редакторов». Благодаря таланту, он за 10 лет достиг успеха и разбогател, его доходы превышали 100 тыс. дол. в год. Но этого было мало, амбициозный Энди мечтал о «высоком искусстве» и о славе.

Начало «высокому искусству» было положено в 1962 году рисунком банки томатного супа «Кэмпбелл», растиражированного трафаретным методом. 32 изображения консервной банки в ярких кислотных тонах, выставленные в музее современного искусства в Лос-Анджелесе, публика моментально раскупила. Так началась эпоха поп-арта. Из вещи ежедневного обихода Уорхол сделал символ эпохи путем многократного размножения. Его творчество было зеркалом, в котором общество массового потребления могло увидеть свою безликость. После «Кэмпбелла» последовала серия работ «Зеленые бутылки кока-колы».


Позже, Уорхол открыл собственную арт-студию, которую назвал просто «Фабрика» (The Factory). Такое название как нельзя лучше отображает суть поп-арта. А именно – создание художественных произведений в промышленных масштабах. Кроме того, «Фабрика» стала местом тусовки нью-йоркской богемы – музыкантов, художников, режиссеров. Туда приходили и всемирно известные творческие люди — Боб Дилан, Джим Моррисон, Сальвадор Дали, Аллен Гинзберг. А для Микки Джаггера из Rolling Stones Уорхолом была создана обложка альбома «Sticky Fingers».

Объектами творческих экспериментов Уорхола стали также портреты известных людей, эстрадных звезд и политиков — Мэрилин Монро, Мика Джаггера, Мао Цзедуна, английской королевы и даже Ленина.

Параллельно созданию объектов поп-арта, Уорхол выступал как режиссер фильмов. Все они сняты в абсурдистском, чисто уорхоловском стиле, абсолютно лишенном сюжета.

Уорхол – самый дорогой из художников 20-го века. Три его картины входят в 25-ку самых дорогих картин мира. «Авария зеленого автомобиля» продана на аукционе за 75 млн. дол., портрет Мерилин Монро — 84 млн. дол., и, наконец, портрет Элвиса Пресли более чем за 100 млн. дол.

3 июня 1968 года Энди Уорхол пережил покушение на свою жизнь — он получил три пулевых ранения в живот. Однако он и здесь остался верным себе — пережив шок и оправившись, он сделал произведением искусства предмет, который его чуть не убил. В 1982 году появилась картина в стиле поп-арт с изображением того самого револьвера. Умер в 1987 году в возрасте 59 лет от последствий ранения. Поскольку популярность Уорхола превышала все разумные пределы, после его смерти, вещи найденные в его квартире, продавались на аукционах в течении 9 дней. Похоронен в Питсбурге в Греко-Католической церкви им. Св. Духа.

как поп-арт превратил культ потребления в художественный язык

Поп-арт, соединивший искусство с поп-культурой, возник после Второй мировой войны. Общество потребления, массмедиа, феминизм, война, пропаганда — неполный список тем, к которым обращались художники в 1960–70-е годы. T&P публикуют отрывок из книги историка искусства Флавии Фриджери «Поп-арт» о знаковых работах и важных фигурах направления. Рекламные объявления и новости о катастрофах в интерпретации Энди Уорхола, пропаганда и ирония из-за железного занавеса, феминистка против Playboy, католическая монахиня против войны и «духовный поп-арт» из Ирана.

Поп-арт зародился в Англии, оправлявшейся от опустошений Второй мировой войны. Реклама, восстанавливая свои позиции в британских массмедиа и на унылых послевоенных улицах Лондона, стремилась подчинить своим чарам начавшее богатеть общество и постепенно создавала новую потребительскую культуру. Начало поп-арту положила британская Независимая группа, основанная в 1952 году. Ее участники — молодые художники Ричард Гамильтон и Эдуардо Паолоцци, архитекторы Питер и Элисон Смитсон, а также писатель Рейнер Бэнем — искали смысл происходивших у них на глазах эпохальных перемен. Группа родилась из их неформального общения в лондонском Институте современного искусства (ICA).

«Чушь!»

На одном из первых собраний Независимой группы Паолоцци показал созданную им серию работ, спроецировав их на большой экран. В этих работах, так же как и в коллажах 1948–1950 годов, он комбинировал фрагменты реклам, иллюстраций из популярной прессы, комиксов и почтовых открыток. Паолоцци, пожалуй, первым привлек внимание к властному воздействию рекламы на потребителя; первоначально задуманные как материал для последующей работы, его коллажи, показанные единомышленникам в ICA, были затем опубликованы в виде серии шелкографий под общим названием «Чушь!».

Чушь! Эвадна в зеленом измерении. Эдуардо Паолоцци. Около 1952 года. В этот коллаж, составленный из журнальных вырезок, Паолоцци ввел образы американской потребительской культуры, в том числе изображения продуктов питания — черничного пирога и хот-дога. В Великобритании карточная система распределения продуктов была отменена только в 1954 году.

Несколько позднее, в 1960-х годах, Энди Уорхол — один из лидеров мирового поп-арта — заявил: «Реклама напоминает орешки, которые ешь и не можешь остановиться». Для Паолоцци эта захватывающая сила рекламы не была секретом уже десятилетием ранее. Об этом свидетельствует его работа «Чушь! Эвадна в зеленом измерении» (около 1952), в которой фрагмент рекламы средств для бодибилдинга объединен с ключевым словом, вырезанным из слогана автомобильной компании Ford: «История — в общем, чушь! Мы хотим жить в настоящем». С точки зрения Паолоцци, настоящее было неразрывно связано с нарастающим потоком образов и с трансформацией опыта человека под воздействием рекламы. Будучи одним из первых примеров комбинации образов современной визуальной культуры, «Чушь!» позволяет считать Паолоцци первооткрывателем всепроникающей силы рекламы, которая стала одной из центральных тем поп-арта.

«129 погибших в самолете!»

Третьего июня 1962 года авиалайнер Boeing 007 компании Air France упал и разбился во время взлета в парижском аэропорту Орли. Все пассажиры, за исключением двух, и члены экипажа погибли. Эта крупнейшая на тот момент авиакатастрофа вызвала переполох в прессе всего мира, и прежде всего в США, так как в числе разбившихся пассажиров оказалось немало представителей художественной элиты Атланты, приехавших в Европу на месяц для осмотра памятников искусства.

129 погибших в самолете! Энди Уорхол. 1962 год

Энди Уорхол воспроизвел первую полосу одной из газет, сообщавших о случившемся, в картине «129 погибших в самолете!» (1962). Черно-белая, как и ее источник — дешевое ежедневное издание, — эта картина решена намеренно нейтрально; лишенная всякого эмоционального комментария, она представляет новость как факт и ничего больше. Говоря о ее создании, Уорхол отметил, что заинтересовался именно такой новостью из-за постоянного присутствия смерти в прессе:

«Думаю, все началось с большой фотографии авиакатастрофы, вернее, с первой полосы газеты, где о ней сообщалось: “129 погибших”. Тогда же я писал своих Мэрилин и вдруг понял: все, что я делаю, связано со Смертью. Было Рождество или День труда — в общем, праздник, — но, стоило включить радио, как оттуда доносилось что-то вроде: «Четыре миллиона погибают». Это стало для меня толчком. Но когда видишь жуткую картину снова и снова, она уже не оказывает никакого действия».

Указание на смерть и на отупляющее воздействие повторяющихся изображений на зрителя действительно роднит эту работу Уорхола с его портретами Мэрилин Монро.

Бунт по-восточноевропейски

«Царит приторное счастье. Никто не хочет дурачиться, все серьезны, сумрачны, мертвы. Жизнь куда-то исчезла…» Эта выдержка из манифеста польских художников Ежи Рышарда (Юри) Зелинского и Яна Добковского (Добсона) «Нео-нео-нео» хорошо отражает подрывной характер их творчества. Зелинский, один из немногих восточноевропейских художников, проявивших интерес к поп-арту в период его активности, выказал немалую смелость, противопоставив поп-эстетику насаждавшемуся из СССР социалистическому реализму.

Без бунта. Ежи Рышард «Юри» Зелински. 1970 год. Зелинский подражал в своих картинах упрощенной плоскостной эстетике восточноевропейского плаката.

Вызвавшая широкий резонанс картина Зелинского «Без бунта» (1970), вопреки своему ироничному названию, ярко демонстрирует бунтарский характер искусства и жизни художника. Он изобразил сверхкрупным планом часть лица с закрытыми глазами и высунутым языком, который свисает за пределы холста. При ближайшем рассмотрении этот «портрет» четко выражает взгляды Зелинского на свободу и бунт. Глаза имеют форму двух орлов на фоне закатного солнца (таков символ основания Польши, который лег в основу герба страны). Проступающая в солнцах зелень выявляет негативный подтекст картины, как и гвоздь, которым прибит к полу ярко-красный язык, сделанный из подушки. Эта ясно читающаяся метафора выражает острый политический посыл работы Зелинского, который выступил с открытым художественным обвинением в адрес социалистической Польши. Если большинство произведений, рассмотренных в этой главе, являются лишь репликами по поводу политических событий, то картина «Без бунта» является примером политического орудия, призывающего к реальному действию.

«Монахиня-модернистка»

Для многих стало сюрпризом участие в движении поп-арта монахини Сестры Кориты. Представленная публике в 1967 году популярным журналом Newsweek как «монахиня-модернистка», пламенная католичка Корита Кент, еще будучи подростком, вступила в орден Непорочного Зачатия. Затем, получив магистерскую степень по истории искусства в Университете Южной Калифорнии, она стала художником и занялась экспериментальным творчеством на пересечении живописи, фотографии и графического дизайна. Шелкографии Сестры Кориты принесли известность ей самой и художественному отделу ее ордена, в котором она занималась преподаванием.

Новости недели. Сестра Корита Кент. 1969 год. Сестра Корита черпала материал для своих работ из ведущих периодических изданий — журналов Newsweek, Life, Time и др. Католичка по убеждениям, по характеру и энергии она была образцовой политической активисткой.

Под влиянием бурной гражданской активности 1960-х годов — движений за права афроамериканцев и женщин, антивоенных протестов и т. д. — Сестра Корита решила выразить волновавшие ее чувства в актуальной и доходчивой форме. Комбинируя готовые образы из массмедиа со своими собственными высказываниями, облеченными в броскую психоделическую типографику, она создала множество работ, которые, благодаря легкости тиражирования, широко распространялись в недорогих копиях на общественных мероприятиях и благотворительных ярмарках. Впечатленная наводнившей страну инфографикой и рекламой, Корита активно использовала в своем творчестве слоганы крупных компаний, в том числе Pepsi и Coca-Cola. Она заявляла:

«Язык знаков бесконечно богат. Наши автострады (сами по себе мощные символы) полнятся фразами вроде «Холодная, прозрачная, желанная вода», «Самое лучшее для вас каждое утро», «Удачного дня!», «Кетчуп Del Monte заставляет фрикадельки петь» и т. п., которые воспринимаются почти как современные псалмы. Их разнообразие бесконечно, и они становятся неплохим символом вечности — нашей бесконечной игры».

Стыкуя священное с обыденным, Корита перекидывала мост между религиозными догматами и рекламой. Один из авторов газеты New York Times тонко подметил: «Сестра Корита сделала для хлеба и вина то же, что Энди Уорхол сделал для томатного супа». В политически ориентированной работе Новость недели (1969) флуоресцентные цветовые заливки приковывают внимание к фотографиям эпизодов Вьетнамской войны из журналов Newsweek и Life. Вскоре просветительская и обличительная энергия Сестры Кориты показалась ордену Непорочного Зачатия слишком радикальной, и в 1969 году кардинал Джон Макинтайр обвинил ее в «герилье с кистью в руках».

«Жизнь с поп-культурой»

«Магазин»
Проект художника Класа Олденбурга, представляющий собой помещение в доме 107 по 2-й Восточной улице Нью-Йорка, оформленное как реальный магазин.

Самопровозглашенными лидерами немецкого поп-арта стали в начале 1960-х годов Герхард Рихтер, Конрад Люг и Зигмар Польке. «Поп-арт не является американским изобретением, — заявляли они. — Мы не должны видеть в нем импортный товар. Это искусство способно дать в нашей стране органичные и самостоятельные всходы». Подобно многим художникам, работавшим в поп-стилистике за пределами Америки, Рихтер, Люг и Польке стремились утвердить свою независимость от властных заокеанских авторитетов. И все же выставка Рихтера и Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капиталистического реализма» (1963) имела много общего с «Магазином» Олденбурга.

Расположившись на территории мебельного магазина в Дюссельдорфе, художники концептуально переосмыслили его пространство и устроили в нем свои пародийные гостиные и спальни. В центре экспозиции сами Рихтер и Люг, одетые в безупречные костюмы, сидели, соответственно, на диване и в кресле, а эти предметы мебели были установлены на белых пьедесталах, как подобает скульптурам. Перед этими живыми статуями стоял телевизор, по которому шли новости об отставке канцлера ФРГ Конрада Аденауэра. На «экономическое чудо», свершившееся в Германии при Аденауэре, и направлялась критика Рихтера и Люга. Подрыв потребительских норм, приличествующих мебельному магазину, привел к принудительному закрытию выставки через два часа после ее начала, и тем не менее она ознаменовала зарождение «капиталистического реализма» — немецкого варианта поп-арта, занявшего четкую позицию в отношении общества, экономики и политики. […]

Плейбои и их партнерши

«Playboy задумывался не как издание для богатых бездельников: мы понимали, что экономический бум в послевоенной Америке позволит едва ли не любому мужчине быть причастным тому, что в нашем журнале именуется жизнью плейбоя, — если, конечно, он готов предпринять необходимое для этого усилие».

Так в 1964 году высказался в одной из публикаций на страницах мужского журнала о стиле жизни его основатель Хью Хефнер. Playboy предоставил всем мужчинам доступ не только к ослепительным обнаженным красоткам, но и к серьезным обзорам моды, прозы и поэзии. Предлагаемые за скромную цену в 50 центов (именно столько стоил журнал в 1953 году, когда начал выходить в свет), эротика и наслаждение стали ходким товаром. В соответствии с обещанием Хефнера свою долю «жизни плейбоя» получил каждый мужчина, и развороты с обнаженными женщинами в призывных позах (в числе которых была, например, Мэрилин Монро) быстро сделались основным привлекательным элементом журнала. Женщины были главными героинями Playboy, но его целевую аудиторию составляли мужчины, отводившие своим партнершам место предметов вожделения на глянцевых страницах.

Гарем. Марта Рослер. 1966-1972 годы

Марта Рослер в фотомонтаже «Гарем» из серии «Прекрасное тело, или Красота не ведает боли» (1966–1972) выступила с ироническим протестом против этой иерархии, собрав множество вырезок с моделями Playboy в своеобразное «стадо», послушное глазам зрителя. Эта работа ярко продемонстрировала стандартизацию эротизма на страницах мужского журнала: все женщины, вне зависимости от цвета их кожи и любых других особенностей, позируют одинаково, с расчетом на сексуальные запросы клиента. Таким образом, женское тело оказывается обыкновенным товаром. Подвергнув критике ставку Playboy на мягкую порнографию в ущерб индивидуальности женщин, Рослер привлекла внимание к стандартам красоты, насаждаемым всеми массмедиа в целом. Истинным сюжетом «Гарема» и других фотомонтажей из той же серии стал культивируемый мужчинами и для мужчин идеал женщины, предполагающий броский макияж, затейливую прическу, хирургические «усовершенствования» тела и т. д. Признанный сегодня классикой феминистского искусства, «Гарем» указал на крайне противоречивые взаимоотношения между женской наготой и ее представлением в массмедиа.

Женщина с пылесосом, или Чистка поп-арта. Марта Рослер. 1966-1972 годы. Один из главных смысловых элементов этой работы — протест против представления о женских обязанностях по уборке дома.

Не обошла вниманием Рослер и тему недооценки женщин в мире искусства, в том числе и в поп-арте. Их роль в этом направлении считалась критиками и историками второстепенной вплоть до самого последнего времени. Вспоминая свой личный опыт художницы, близкой к поп-арту, Рослер отмечала: «Женщинам не было места в поп-арте. выражение особой, „сугубо“ женской субъективности просто не допускалось». Как явствует из этого проницательного свидетельства, за женскую субъективность отвечали поп-артисты-мужчины, «лучше» знавшие, как следует обыгрывать или критиковать стереотипные женские образы. В фотомонтаже «Женщина с пылесосом, или Чистка поп-арта» (1966–1972) Рослер весьма саркастически высказалась по поводу этой маргинализации женщин в сохраняющем патриархальную основу обществе. Представленная в центре этой работы элегантная молодая женщина выполняет свои домашние обязанности в окружении произведений мужчин-героев поп-арта: искусством занимаются мужчины, а уделом женщин остается пылесос.

«Персидский поэт»

Тенденция к пересмотру и переработке исторического наследия заявила о себе в 1960-х годах во всем мире. Потребность по-новому взглянуть на шедевры и памятники, авторитет которых стал казаться многим обременительным и не вполне обоснованным, чувствовалась всюду. Художники черпали в творениях прошлого материал для переработки и вместе с тем искали новый язык, способный их оживить.

Ярким примером стремления навести мосты между художественным наследием и современным творчеством является ассамбляж иранского скульптора Парвиза Танаволи «Поэт и возлюбленная царя» (1964–1966). Это яркая полихромная скульптура, собранная из найденных объектов и снабженная механизмом, который периодически приводил некоторые ее части в движение с помощью электропитания. Объединив классическую персидскую тематику с бросовым материалом — металлическими решетками и кустарной мебельной фурнитурой с иранских базаров, — Танаволи смело пошел наперекор страху идолопоклонства, который на протяжении веков сдерживал местную художественную традицию. После обучения в Париже и Милане он вернулся в Тегеран с багажом превосходного знания европейского модернизма и с намерением придать новый импульс иранскому искусству, уставшему от религиозного запрета на изображение.

Поэт и возлюбленная царя. Парвиз Танаволи. 1964-1966 годы. / © Edward and Maryam Eisler (2012). Танаволи создал множество необычных интерпретаций традиционных тем персидской поэзии — например, несчастной любви — в скульптуре, шелкографических картинах, коврах и других техниках.

Вместе с группой единомышленников Танаволи основал движение «Саккахана», за пределами Ирана известное также как «духовный поп-арт». Художники «Саккаханы» свободно комбинировали традиционные мотивы с современными образами. Танаволи часто обращался к любовной истории, занимающей важное место в поэме классика персидской поэзии Низами «Хосров и Ширин» (1175–1191): согласно этой истории, ваятель Фархад должен был прорубить ущелье в горах, чтобы добиться руки армянской принцессы Ширин, которую он безумно любил. Трагическое самоубийство Фархада не позволило влюбленным быть вместе. Танаволи, никогда не пытавшийся представить какой-либо эпизод этой легенды буквально, создал множество ее интерпретаций, в которых невыполнимая задача Фархада оказывается метафорой исторической судьбы Ирана, с трудом ищущего выход из вековой изоляции к современным формам.

Поп-иконоборцы

Прямую художественную атаку на поп-арт предприняли русские художники Виталий Комар и Александр Меламид, придумавшие направление «соц-арт» — причудливый гибрид поп-арта и социалистического реализма. Задуманный с целью протеста против пропагандистской направленности и эстетической косности советского искусства, соц-арт, как недавно отметил Виталий Комар, был для самих художников — его основателей «крайне необходимым средством освобождения от гипноза советской пропаганды — в первую очередь средством самоочищения».

Пост-арт No 1 (Уорхол). Виталий Комар и Александр Меламид. 1973 год. Комар и Меламид принимали участие в знаменитой ныне Бульдозерной выставке 1974 года в Москве. Произведения, выставленные художниками на улице, были сочтены властями слишком дерзкими и разгромлены с применением тяжелой строительной техники.

Если другие художники оглядывались на традиции и шедевры более или менее далекого прошлого, то русский дуэт сосредоточил внимание на искусстве совсем недавнего времени. В 1973 году, к которому относится картина Комара и Меламида «Пост-арт No 1 (Уорхол)», дни славы поп-арта остались позади. Хотя его представители еще сохраняли немалое влияние, их броская фигуративная эстетика уступила лидирующие позиции суровой монументальности минимализма и сухости концептуального искусства. Серию Комара и Меламида «Пост-арт» составили шесть работ, первая из которых представляет собой реплику культовой «Банки супа Campbell» Уорхола, а остальные — аналогичным образом переиначенные версии произведений Роя Лихтенштейна, Джаспера Джонса, Роберта Индианы, Тома Вессельмана и Питера Филлипса. К этим «брендам» поп-арта русские художники подошли откровенно иконоборчески: на своих картинах они представили жалкие останки прославленных образов после гипотетической ядерной катастрофы, побудив зрителя задуматься о том, насколько они могут оказаться недолговечными. Так, «Банка супа Campbell» в версии Комара и Меламида имеет вид лишь фрагментарно сохранившейся обгоревшей фрески. Утратившие целостность и эмблематический для общества потребления глянец, произведения поп-арта зримо входят в сонм равно ничтожных обломков прошлого. […]

Поп-арт и Энди Уорхол: то, чего вы не знали об этом движении

«Поп-арт для всех» от Sobermusings находится под лицензией CC BY 2.0.

Увлекаетесь культурой и поп-артом? Хотите узнать его происхождение? Вы не можете пропустить этот пост!

Яркие и юные цвета, комиксы, реклама и предметы быта … все еще присутствуют в мире искусства. Искусство, известное как поп-арт, зародилось в середине 50-х годов в Соединенном Королевстве., который вскоре переместился в Соединенные Штаты (где он достиг своего пика) в начале 60-х годов.

Происхождение поп-арта: абстрактный экспрессионизм и Джексон Поллок

В первые дни своего существования группа молодых британских художников начала процесс пластического ремонта в ответ на более ранний абстрактный экспрессионизм. Это движение, зародившееся в Соединенных Штатах в 40-х годах, характеризовалось резкими мазками, выполненными с использованием нескольких цветов и без фигурации, что демонстрировало эмоциональную драму того времени. Кроме того, раньше это были картины большого формата, ожидающие своей выставки в галереях и продажи за очень большие деньги. А коллекционирование произведений искусства было синонимом высокого социального статуса.

Среди экспрессионистов выделяет художника Джексона Поллока (1912 — 1956) и его техника капающий, в котором краска может капать на холст или брызгать им.

«MOMA Pollock» от CKH под лицензией CC BY-ND 2.0.

Они жили в алчном мире, одержимом славой, где видение искусства с интеллектуальной точки зрения, смысла произведения приобрело особое значение.

 Подъем поп-арта: восстание против преобладающего абстрактного экспрессионизма

Среди художников, уставших от чрезмерной интеллектуализации искусства и, как следствие, отчуждения от публики, зародилось движение поп-арт. использование простых и простых фигур, ярких, веселых и юных. Это популярное искусство, доступное людям.

Выделяется изображение простых повседневных предметов, отображаемых как потребительские товары, как если бы они были рекламой. Это продукция массового производства, лишенная субъективности, ироничный ответ элитарному и потребительскому обществу того времени. Эта кажущаяся холодность и простота контрастируют с глубоким смыслом, придаваемым работам абстрактных экспрессионистов.

Если и есть ключевая фигура в этом движении, чьи работы все еще в моде, то это, несомненно, Энди Уорхола. (1928-1987). Смелый и дерзкий, Уорхол использовал в своих картинах символы американской культуры, образы, которые сами по себе привлекали внимание: бутылка кока-колы, консервные банки Кэмпбелла и даже сама Мэрилин Монро.

«Музей современного искусства (MoMA)» от wyliepoon имеет лицензию CC BY-NC-ND 2.0.

Однажды он прокомментировал:

Что хорошо в этой стране, так это то, что в Соединенных Штатах зародилась традиция, согласно которой самые богатые потребители покупают по сути то же самое, что и самые бедные. Вы можете смотреть телевизор, вы видите рекламу кока-колы и знаете, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и вы думаете, что можете пить и кока-колу. Очередь — это очередь, и никакие деньги в мире не заставят вас найти лучшую очередь, чем та, которую пьет нищий на углу. Все очереди такие же, и все очереди хорошие. Лиз Тейлор знает это, президент знает это, нищий знает это, и вы это знаете.

Другие художники движения поп-арт: Лихтенштейн и Вессельманн.

Другими художниками того времени, которые также использовали холодные и рациональные фигуры в противовес преобладающему экспрессионизму, были Лихтенштейн и Вессельман.

Рой Лихтенштейн (1923-1967) известен своими масштабными комическими виньетками. обычно используя цифры из рекламных объявлений. Также очень характерно использование звукоподражания в них. Каждый, кто сегодня увидит его работы, обязательно узнает их!

Изображение shogunangel находится под лицензией CC BY-NC-ND 2.0

Том Вессельманн (1931 — 2004) очень популярен своими обнаженными женщинами.нахальный и забавный. В очень определенных формах, но с ограниченными элементами, женское тело представлено без предрассудков, очень просто и холодно, как если бы это был рекламный плакат того времени.

Наверняка вы знаете некоторые из этих работ, ведь они и сегодня в моде!


В Гранатном Дворе открылась выставка «Поп-арт»

18:09, 27.07.2018

Рассказываем, какие работы Энди Уорхола, Алекса Каца и других именитых художников можно увидеть на московском вернисаже.

Поп–арт – последний «большой стиль» в современной истории искусства. 20 июля в Гранатном Дворе открылась выставка лучших произведений классиков этого направления от Энди Уорхола, Тома Вессельмана, Роя Лихтенштейнн, Алекса Каца и Патрика Нагеля.

Художник, скульптор, дизайнер, режиссер, продюсер, писатель, коллекционер Энди Уорхол является одной из самых известных и противоречивых фигур в искусстве второй половины ХХ столетия. Его работы стали олицетворением триумфа и коммерческого успеха американского поп-арта, а имя само по себе превратилось в торговую марку.
Тиражирование однообразных образов – бесконечных рядов кока-колы, банок супа Campbell’s, карандашных долларовых банкнот, портретов Мерилин Монро, Лиз Тейлор, Элвиса Пресли позволило Уорхолу организовать на своей Фабрике (как называл художник мастерскую) настоящее «производство» современного искусства. Посетители московской экспозиции увидят знаменитую работу Энди Уорхола – портрет Мэрилин Монро – в четырех цвета (лимитированный тираж, литография).

Том Вессельман – это к нему, в полной мере, относятся слова «остроумный, молодой, сексуальный». Это время сексуальной революции в Америке и Европе и Вессельман, как никто, передает эту безудержное ликование молодости и неограниченной свободы. Работы Вессельмана входят в собрания самых известных музеев современного искусства мира — Whitney Музея в Нью-Йорке, Художественной Галереи Нового Южного Уэльса, Сиднейского музея современного искусства и других. Любимыми жанрами художника являются ню и натюрморты; в ранних работах Вессельмана — вызывающих коллажах, ассембляжах и инсталляциях* широко используются изображения готовых вещей, повседневных товаров, взятых из рекламных каталогов, часто объединяемые им с изображением женского тела. Мировую известность ему принесла серия «Большие американские обнаженные» (1961 г.), имитирующая стилистику афиш. На выставке представлены две работы автора Bedroom Blond и Eros.

Патрик Нагель, автор, который не вписывается ни в одно точное определение стиля. Одни считают его художником арт-деко, другие относят его к поп-арту. Все, по-своему правы. Художник, ставший известным, благодаря своему многолетнему сотрудничеству с журналом Плейбой. Любимый художник Хью Хефнера. Репродукции его работ висели в каждом баре. Прекрасный рисовальщик, с невероятным чувством цвета и линии. Все его работы проникнуты тонким эротизмом, но никогда не переходящими в пошлость.

Рой Лихтенштейн был мастером стереотипа и самым сложным из известных исполнителей поп дизайна с точки зрения его визуального анализа конвенции и его иронической эксплуатации стилей прошлого. Картины Роя Лихтенштейна, за которые он сейчас известен, стали результатом его долгих поисков и ученичества.

Алекс Кац — американский художник и скульптор, продолжающий фигуративные традиции поп-арта. Прославился больше, чем в натуральную величину портретами. Сегодня это один из самых дорогих современных художников. Аукционный рекорд на его произведения составляет $666 тыс. — столько заплатил частный американский коллекционер за «Голубой зонтик № 2» 1972 года (торги на Christie» s, ноябрь 2001).

Выставка будет работать до 20 августа 2018 с 11.00 до 21.00 ежедневно в
Культурно-выставочным центре Гранатный двор по адресу: Москва, Спиридоновка, 3-5. Билеты можно приобрести в кассах Гранатного двора или на сайте.

Купить Энди Уорхола — 103 Оригинальные работы на продажу

Биография Энди Уорхола

Обладая сверхъестественной способностью проникать в дух времени, Энди Уорхол навсегда изменил ход истории искусства и то, как воспринимается современная жизнь. Используя массовые технологии для изготовления своих работ, художник бросил вызов давно устоявшимся представлениям о природе искусства и упразднил различие между популярной культурой и высоким искусством. Сын чехословацких мигрантов, Энди Уорхол родился в Питтсбурге в 1928 году и учился в Технологическом институте Карнеги, прежде чем переехать в Нью-Йорк в 1949 году.Он быстро сделал себе имя как очень успешный коммерческий художник, работая в Glamour Magazine , где его талант рисовальщика и стилиста был очевиден.

 

Реальное восхождение Энди Уорхола к славе началось с открытия в 1962 году его ныне легендарной студии The Factory — знакового места встречи культовых актеров, музыкантов (таких как Velvet Underground) и причудливых персонажей. За его первыми картинами с дублированными банальными предметами, такими как банки из-под супа и бутылки из-под кока-колы, последовали его картины со знаменитостями.К 1962 году Энди Уорхол понял, что трафаретная печать, к которой до этого относились скептически из-за использования промышленных технологий, может быть использована для производства отпечатков и использоваться как самостоятельный вид искусства. С помощью ассистентов Энди Уорхол изготовил серию цветов, коров, портретов и коробок с известными товарами для дома. Позже он сосредоточится на видеоарте, сняв более 60 фильмов, в одном из которых человек 45 минут ест гриб.

 

Достижение

Энди Уорхола заключалось как в прославлении, так и в высмеивании потребительства и поп-культуры.Он полностью наслаждался атрибутами своего статуса знаменитости, посещая модные ночные клубы, такие как Studio 54, и упиваясь славой, богатством и коммерческим драйвом американской жизни. Тем не менее, его работа выявила очевидное противоречие, поскольку его изображения испорченных поп-икон и изображения брендов изображали общество, одержимое деньгами и знаменитостями. Эта дихотомия существовала на протяжении всей его жизни и творчества.

 

Энди Уорхол, скончавшийся в 1987 году на Манхэттене, считается «вожаком» арт-рынка.Его картина « Silver Car Crash (Double Disaster)», 1963 года, была продана за ошеломляющую сумму в 105 миллионов долларов в 2013 году, и его работы часто попадают в заголовки за то, что бьют аукционные рекорды. Он является основой каждой крупной коллекции по всему миру и представлен в постоянных коллекциях всех известных музеев современного искусства. Недавние выставки его работ прошли в Музее современного искусства в Нью-Йорке, Гуггенхайме в Бильбао и Галерее Гагосяна в Нью-Йорке. Музей Уорхола в Питтсбурге, штат Пенсильвания, хранит самую большую коллекцию произведений искусства и архивных материалов Энди Уорхола.

 

Энди Уорхол, король поп-арта (Вирджини Шредер) — Artspace Warehouse

О

Играя с взаимодействием позитивного и негативного пространства, насыщенных цветов на нейтральном фоне, канадская художница Виржини Шредер создает портреты в стиле поп-арт и культовые образы поп-культуры, которые бросают вызов традиционной живописной репрезентации. Она работает с нуля, добавляя несколько слоев густой акриловой краски на холст, пока не сможет вырезать красочные волнообразные портреты, наполненные эмоциями, а также узнаваемые динамичные объекты, наполненные движением.Ее работы игривы и поэтичны, они создают знаменитые лица известных общественных деятелей и знакомые популярные объекты. Один шаг ближе, и ее работа становится абстрактной. Шаг назад, и появляется иконическое подобие.

Это оригинальное квадратное произведение искусства размером 36 дюймов скреплено проволокой и готово к подвешиванию. Боковые стороны картины прокрашены как продолжение лицевой и не требуют оформления в раму. Он подписан художником внизу и на обороте картины. Бесплатная доставка по району Лос-Анджелеса. Доступный Continental U.S. и глобальная доставка доступны. Сертификат подлинности, выданный художественной галереей, прилагается.

Виржини Шредер — художник-новатор из Квебека, Канада. Ее картины созданы для того, чтобы вдохновлять на новые художественные видения, впечатляя при этом своей потрясающей техничностью. Когда лицо, животное, пейзаж или любой другой предмет удаляются из его линейной структуры, они приобретают совершенно иную форму, новую идентичность и измерение. Его не узнать с первого взгляда; оно проявляется как сам процесс наблюдения.Именно здесь происходит волшебство, поскольку зритель сознательно обнаруживает произведение абстрактного характера в ярком цвете, играющем на напряжении между фигуративным и воображаемым.

Виржини Шредер ищет неструктурированное, новое и в то же время популярное видение и надеется пробудить наши чувства в поисках своих работ. Ее единственные в своем роде работы были выставлены и собраны по всему миру, включая Гонконг, Нью-Йорк и Лос-Анджелес.


Блог Саатчи Искусство

История искусства 101

29 июля 2021 г. Автор: Тесса Лиллис

Американский художник Энди Уорхол широко признан публикой и критиками как ведущая фигура движения американского поп-арта.Очарованный материализмом и средствами массовой информации, Уорхол и его изображения потребительских товаров и знаменитостей коренным образом изменили мир искусства и его отношение к потреблению. От Банки супа Кэмпбелл (1962) до Диптих Мэрилин (1962), трафаретные гравюры, картины и даже скульптуры Уорхола — это иконы, которые продолжают находить отклик и сегодня.

Энди Уорхол, урожденный Эндрю Уорхола в семье иммигрантов из Австро-Венгрии, вырос в Питтсбурге, штат Пенсильвания. Интерес Уорхола к искусству и поп-культуре процветал в детстве, когда из-за неврологического расстройства хореи Сиденхэма он иногда был прикован к постели и развлекался кино и радиопрограммами.Уорхол продолжил изучать коммерческое искусство в Университете Карнеги-Меллона, образование, которое привело его к карьере в рекламе и иллюстрации.

Именно в это время Уорхол начал экспериментировать с шелкографией, техникой, которая теперь является синонимом его творчества. В 1960-х он разработал уникальный, коммерчески обоснованный стиль, выставив банок для супа Campbell’s (1962) в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Многие отреагировали на эти обыденные изображения повседневных предметов шоком и осуждением.Это было неудивительно, учитывая движение абстрактного экспрессионизма, которое предшествовало поп-арту в Соединенных Штатах, форма искусства, философия которой коренилась в отражении чистой, личной психики художников.

Уорхол был первопроходцем в этой области визуального искусства, перенеся одержимость нашей большой культуры славой, богатством и потребительством, которая последовала за Второй мировой войной, в мир искусства. От изображений Элизабет Тейлор до бутылок Coca-Cola Уорхол стирал границы между мейнстримом и изобразительным искусством, зацикливаясь на знаковых американских объектах и ​​символах коммерческой культуры в Соединенных Штатах.

В свое время Уорхола в равной степени хвалили и осуждали критики, причем многие недоброжелатели подчеркивали его скрытые мотивы, направленные на то, чтобы закрепить свой статус знаменитости среди нью-йоркской арт-сцены. Студия Уорхола «Фабрика» внесла свой вклад в эту славу и известность как место проведения некоторых из самых экстравагантных городских вечеринок. Фабрика олицетворяла контркультурную эстетику и была местом для экспериментов — в художественном, социальном и сексуальном плане. Уорхол был известен своей откровенностью в отношении своей сексуальности, и многие ученые утверждают, что этот аспект его жизни сильно повлиял на его творческие результаты, в первую очередь благодаря его гомоэротическим поляроидам и рисункам.

Уорхол в возрасте 58 лет внезапно умер во время восстановления после операции на желчном пузыре в феврале 1987 года. продажи за Triple Elvis (1963), было бесчисленное множество, что укрепило его роль идола поп-арта на американской и международной арт-сцене.

Ота Дэвис III

Коллажные картины Оты Дэвиса III напоминают о современной энергии, присущей движению поп-арт.Его работы пронизаны увлечением славой и современными тенденциями, от интеграции икон знаменитостей до элитных брендов класса люкс. Ота использует яркие цвета и фрагментарные спонтанные узоры, чтобы передать яркость и энергию в своих картинах. Не боясь смешивать изобразительное искусство и потребительские товары, последнее начинание Ота включает в себя печать своих работ на таких товарах, как маски, чехлы для iPhone и холщовые сумки, предприятие, прямо напоминающее собственное исследование Уорхолом массового производства и культуры потребления.Фаворит коллекционеров за его фотореализм и способность улавливать дух времени, Ота также был весьма популярен на рынке NFT. Смотрите больше работ Оты здесь.

Тейлор Смит

Уникальная смесь поп-арта Тейлора Смита сочетает в себе шелкографию, фотографию и живопись. Тейлор использует трафареты для коммерческой упаковки и логотипов роскошных брендов на протяжении всей своей работы, мотивы, которые мгновенно напоминают о влиянии массового производства и коммерциализации в нашем современном обществе.В результате композиции Тейлора представляют собой активные, эклектичные и родственные композиции, которые художник также использует для решения вопросов политики, технологий и науки, особенно фармацевтики. Тейлор широко выставлялся в США и Европе и был получателем гранта Power Plant в 2020 году, финансируемого Фондом визуальных искусств Энди Уорхола. Посмотреть больше работ Тейлора можно здесь.

Техос Фредерик Камиллери

Французский художник Tehos Frederic Camilleri исследует текущие события с помощью ярких композиций и насмешливого отношения.Отпечатки банок с супом Tehos — прямая аллюзия на шелкографию Энди Уорхола; интегрируя образы как политических фигур, таких как Ким Чен Ын, так и популярных персонажей, таких как Микки Маус, зрителю напоминают о влиянии таких фигур и даже самого Уорхола. Техос также завершает эти композиции жестами, нарисованными красными и синими масляными палочками, — торопливым, свободным движением, которое побуждает нас задуматься о влиянии Уорхола на искусство в целом. Всегда экспериментируя, Tehos также перерабатывает поп-мотивы в коллажи, картины и фотографии.Tehos выставляется на международном уровне, с недавними выставками в Дубае, Лондоне и Гонконге. Посмотреть больше работ Техоса можно здесь.

Мэри Лай

Художница и дизайнер из Лос-Анджелеса Мэри Лай обладает уникальным стилем, отличающимся игривостью и поп-музыкой. Опыт Мэри в области графического дизайна и, подобно Уорхолу, профессиональное участие в индустрии моды и дизайне продуктов также способствовали развитию ее художественной практики. Мэри раздвигает границы традиционной фигурации, создавая Лего-подобные фигурки известных людей, намекая на славу и потребительство, ссылаясь на сам бренд Лего.Эти композиции искусно экспериментируют с ностальгией и влиянием детства в отношении культуры знаменитостей. Мэри выставлялась по всей территории США, в том числе в Red Dot Miami Art Basel. Посмотреть другие работы Марии можно здесь.

Любите читать обо всем, что связано с искусством?  Вы можете получать статьи из Canvas, подборки и рассказы о начинающих художниках прямо на свой почтовый ящик. Подпишитесь на информационный бюллетень Saatchi Art .

Инсайдерская информация: поп-исполнитель Энди Уорхол

Родившийся в 1928 году в Питтсбурге, штат Пенсильвания, в семье словаков, Энди Уорхол с юных лет был одаренным художником.Окончив среднюю школу в возрасте 16 лет, в 1945 году Уорхол поступил в Технологический институт Карнеги, где изучал графический дизайн. Отсюда он использовал полученные навыки и продолжил свой путь к чрезвычайно успешной карьере в коммерческой иллюстрации. Ему удалось поработать с такими всемирно известными журналами, как Vogue , The New York и Harper’s Bazaar .

 

Однако Уорхол отошел от коммерческого искусства и действительно проявил инициативу и пошел своим путем.В 1952 году на своей первой индивидуальной выставке в галерее Хьюго в Нью-Йорке он выставил пятнадцати рисунков, основанных на произведениях Трумэна Капоте . К этому моменту стало очевидно, что Уорхол обратил внимание на новых художников, особенно на работы Роберта Раушенберга и Джаспера Джонса, которые вдохновили его на дальнейшее развитие и собственные художественные эксперименты, а также на известное сотрудничество с Жаном-Мишелем Баския.

 

Энди Уорхол был одним из самых влиятельных художников двадцатого века, и легко понять, почему.Он смог вывести вещи из безвестности в области «высокого искусства», чего раньше никогда не было. Его самыми известными работами являются его экранные отпечатки банок супа Cambells, Cadillac и Marlin Monroe (среди других знаменитостей), которые до сих пор продаются за миллионы. Уорхол излучал харизму до самой своей смерти в 1987 году, действительно олицетворяя движение поп-арта, которое происходило в Нью-Йорке в период с 60-х по 80-е годы. Его главным достижением было то, что поп-арт появился в популярной культуре и стал чем-то, к чему люди стремились / принимали его как изобразительное искусство.

 

Работы Энди Уорхола в настоящее время можно увидеть в Музее современного искусства в Нью-Йорке; Музей современного искусства в Лос-Анджелесе; High Museum of Art в Атланте до 3 сентября 2017 г.; и в Мюнхене с 14 июля 2017 года для выставки « писем Энди Уорхолу ».

Вдохновитесь поп-артом Энди Уорхола и ознакомьтесь с творческим приглашением Cadillac x Andy Warhol.

Энди Уорхол в поп-арте

Энди Уорхол был представителем поп-арта середины и конца 1950-х годов.Его работы наполнены красочными повторами, которые весьма своеобразны. Из-за его очевидных личных качеств я хотел бы взять его работу в качестве примера для иллюстрации теорий Бахтина.

Во-первых, почти все работы Энди Уорхола тесно связаны с существующими элементами. Или, другими словами, большая часть его работ построена на существующих символах, таких как Мэрилин Монро, Цзэдун Мао и Банки супа Кэмпбелла. Каждый символ имеет свое уникальное значение в своем контексте.Принимая во внимание, что Энди Уорхол воссоздал их, раскрасив и расположив в определенном порядке. С повторяющимися узорами предыдущие значения этих элементов переворачиваются или добавляются с большей забавой, и, таким образом, передают совершенно новое отношение к искусству и современной жизни. Некоторые критики рассматривают поп-арт как пассивное и безразличное отношение к коммерческому обществу и индустриализации, но я считаю его повторением и разбавлением серьезности. Отсюда и с этой точки зрения диалогизм Бахтина. Творчество Энди Уорхола не изолировано, а имеет тесный диалог с другими символами.Его «высказывание» производилось в процессе взаимодействия с «инаковостью». Хотя другие жанры искусства также могут развиваться из существующих образцов, поп-арт наилучшим образом использует их и максимизирует свои собственные эффекты.

Как сказал профессор Ирвин, «все, что мы выражаем в любой знаковой системе, предполагает, что любое адресуемое выражение может, в свою очередь, дать ответ. (Мартин Ирвин, 2018 г.) «Движение поп-арта — это ответ или бунт против искусства элит. Поп-исполнители, такие как Энди Уорхол, предлагали, чтобы популярное искусство также пользовалось таким же уважением.Популярная культура не такая вульгарная или поверхностная, как кто-то критиковал. Напротив, городская культура и коммерческая культура могут быть отличными составляющими арт-перформанса. Поэтому эстрадные художники создали движение поп-арт. Еще интереснее то, что в конце 1960-х люди устают от сложных элементов и цветов и обращаются к минималистскому искусству, то есть отказываются от ненужных элементов и просто остаются незаменимыми. Оба этих развития искусства указывают на подотчетность смысловых систем, и именно подотчетность заставляет диалог продолжаться без конца.

Из того, что было сказано выше, нередко кажется, что жанры искусства, как предполагается, возникают в правильную эпоху из-за предшествующих жанров и продолжающейся социальной среды. Другими словами, это процесс непрерывных диалогов и ответов с инаковостью. Циркуляция художественного движения указывает на то, что само выражение всегда «встроено в историю выражений», пока оно не будет активировано социальными изменениями. Кроме того, никогда не бывает конца искусству, как нет и завершения ничего не состоявшегося.

Вопросы помогают нам анализировать:

По каким признакам можно сказать, что произведение искусства относится к поп-арту?

Как вы прокомментируете обнаружение в галерее незнакомой картины с указанными выше характеристиками?

Какие эмоции или отношения художники хотят передать этими картинами?

Как критики оценивают эти работы?

Артикул:

Andy Warhol

Мартин Ирвин (2018). Диалог, Диалогика, Диалогизм; Адресность/ответственность; Интертекстуальность

Мартин Ирвин (2018).Ремикс и диалогический двигатель культуры

5 самых известных картин Энди Уорхола

Musement представляет пять самых известных картин Энди Уорхола, которые оставили заметный след в современном искусстве.

Один из самых уважаемых поп-исполнителей в мире, Энди Уорхол является синонимом центра Нью-Йорка, его Фабрики, украшенной оловянной фольгой, и супа Кэмпбелл. Хотя картины были не единственным средством, с помощью которого он выражал себя, они, безусловно, были одними из самых значительных его произведений.Его мгновенно узнаваемое чутье оставило неизгладимый след в искусстве 20-го века, и вот пять его самых известных картин.

1.

Банки для супа Campbell’s , 1962

Художник черпал вдохновение в потребительской культуре и средствах массовой информации, и одним из его самых знаковых образов были банки с популярным супом Кэмпбелл. Он нарисовал 32 полотна, по одному для каждого из 32 ароматов супа, продававшихся в то время, и выставил их все вместе, как будто они выставлены на полке в супермаркете.Увидеть их всех в MoMA.

2.

Мао , 1972

Уорхол был так же вдохновлен знаменитостями, как и культурой потребления, поэтому он изобразил Мао Цзэдуна, коммуниста-революционера, основавшего Китайскую Народную Республику. Создавая свои работы по образцу официального государственного портрета Мао, Уорхол добавлял всплески ярких красок. Многие считают, что это был его способ продемонстрировать свободу выражения мнений, которую Мао не так щедро поощрял среди своих соотечественников. Всего он создал 199 шелкографий, которые выставлены по всему миру.Вы можете полюбоваться одной итерацией в Тейт Модерн в Лондоне.

3.

Мэрилин Диптих , 1962

Уорхол также представил в своих работах голливудскую легенду Мэрилин Монро. Его шелкография содержит 50 одинаковых портретов кинозвезды: 25 цветных слева и 25 черно-белых справа, основанных на рекламном кадре из ее фильма 1953 года « Ниагара ». Он завершил эту работу через несколько недель после ее трагической смерти, и это одна из самых узнаваемых его работ.Вы также можете увидеть это в лондонской галерее Тейт Модерн.

Посмотреть этот пост в Instagram

Сегодня Тейт Модерн исполняется 20 лет. От его выставок, постоянных коллекций до бара на крыше его членов — это определенно мой любимый музей в Лондоне.⁣ ⁣ Я подумал о выставке Энди Уорхола, которую мне не удалось посетить до ее временного закрытия. Не то чтобы нам сейчас нужна еще одна выставка Уорхола, и я был на блестящей выставке в Уитни много лет назад, но я все еще не мог сдержать своего волнения, когда сегодня утром обнаружил видео с выставки.Очевидно. ⁣ ⁣ Эта трафаретная картина «Мэрилин Диптих» (1962 г.) является частью выставки, а также одним из экспонатов музея. Он был завершен вскоре после ее смерти от передозировки барбитуратов. Повторяющиеся изображения Мэрилин Монро, кажется, намекают на ее известность и, как правило, на одержимость людей знаменитостями. Изображения, постепенно исчезающие справа, должны представлять ее смертность. ⁣ ⁣ Для меня эта картина — один из шедевров Уорхола, второй — его «Банки с супом Кэмпбелл» (1962).В то же время это что-то типичное для Мэрилин Монро, наряду с ее сценой в юбке в фильме «Зуд седьмого года» (1955). Идея диптиха, как правило, связана с религиозными картинами или, точнее, с христианскими иконами. Создавая это произведение, Уорхол не только увековечил Мэрилин Монро как икону, но и увековечил себя как величайшую икону поп-арта. ⁣ Я вспомнил его популярную цитату сегодня. «В будущем каждый станет всемирно известным на 15 минут». Спустя 58 лет после того, как эта работа была сделана, это утверждение остается верным.Мы живем в культуре, где люди одержимы идеей стать вирусными, что стало возможным благодаря развитию социальных сетей и реалити-шоу. Действительно ли Уорхол был гением, предсказавшим будущее и преобразившим культуру? Или его увлечение знаменитостями и славой просто принесло ему большую удачу? Мне было интересно, но это, наверное, нечто, если бы это могло заставить зрителей задуматься так глубоко.

Публикация Стефани (@ssteph888) на

4.

Банан , 1967

Простая, но культовая картина Уорхола Banana считается иконой поп-культуры. Он создал этот слегка подрумяненный фрукт для обложки The Velvet Underground & Nico. Самая интересная часть? Он добавил интерактивный фактор! Кожура на самом деле была наклейкой, которую владельцы альбомов могли отклеить, чтобы обнажить фрукт под ней. В конце концов Уорхол включил этот образ в последующие работы.

Посмотреть этот пост в Instagram

Культовый банан Энди Уорхола на альбоме The Velvet Underground, вероятно, был первым разом, когда я обратил внимание на художников, сотрудничающих с обложками альбомов.⁠ ⁠ Эстетика Уорхола настолько безошибочно его — как я мог не заметить? Я рад, что сделал это — это привело к тому, что я открыл глаза. Теперь я наслаждаюсь музыкой не только на слуховом, но и на визуальном уровне. Это более богатый опыт, позволяющий им играть друг с другом, дополнять друг друга и говорить на основные темы. Альбомы как полноценный сенсорный опыт! ⁠ ⁠ Вот подробности об этом по праву известном альбоме и арте. ⁠ ⁠ The Velvet Underground & Nico⁠ Дебютный альбом ⁠ Выпущен в марте 1967, записан в 1966 ⁠ Лейбл: Verve Records⁠ ⁠ Этот альбом был записан во время тура Энди Уорхола Exploding Plastic Inevitable.Уорхол заплатил за сеансы записи, как и Норман Дольф (менеджер по продажам Columbia Records). Колумбия не заинтересовалась. Atlantic Records и Elecktra Reords также отвергли его. С ума сойти, что в то время альбом также игнорировался критиками и плохо продавался. ⁠ ⁠ Энди Уорхол создал на обложке культовый сексуально заряженный банан. Первоначально на обложке была наклейка, которая побуждала владельцев снимать кожицу с изображения, чтобы открыть внутреннюю часть банана. Выполнение наклейки было сопряжено с трудностями и задержало выпуск альбома.Оригинальные альбомы с их наклейками сегодня редки и собираются на рынке. В The Record, NPR есть интересная статья об альбоме и рынке оригиналов, в которой отмечается, что один из них был продан более чем за 25 000 долларов. ⁠ ⁠ Ссылка ниже на статью от 11 марта 2017 г., опубликованную The Record, NPR. ⁠ ⁠ https://www.npr.org/sections/therecord/2017/03/11/519306037/velvet-underground-and-nico-50-years-first-record-800-copies-collection⁠ ⁠ #thevelvetunderground # nico #warhol #andywarhol #warholbanana #velvetunderground #sundaymorning #artandmusic #aheadofitstime #sticker #collectorsitem #banana #loureed #iconic #albumart #popart #albumcoverart #dramafilled #listen #learnmore #behindthemusic

Сообщение, опубликованное Collected Appraisals (@collectedappraisals)

5.

Восемь Элвисов , 1963

Восемь Элвисов , возможно, немного менее известен, чем некоторые другие изображения Уорхола, поскольку он не производился серийно, но он явно отражает его особый стиль. На этой работе высотой 12 футов изображены восемь перекрывающихся полноразмерных изображений Эливс Пресли в спортивной ковбойской одежде. Эта картина, которая сейчас находится в частной коллекции, была продана за 100 миллионов долларов в 2008 году, что сделало Уорхола на тот момент пятым художником, чьи работы были проданы как минимум за эту сумму.

Какой художник Энди Уорхол? – Анита Луиза Арт

Одно из моих любимых направлений в искусстве — поп-арт. Один из моих любимых американских художников — культовый художник Энди Уорхол.

Энди Уорхол — поп-исполнитель; он является одной из главных фигур движения поп-арт. Работы Энди Уорхола исследовали отношения между тем, что известно как массовые популярные культуры того времени, и искусством. Он использовал многие знаковые американские предметы в своем искусстве, а также нарисовал многих знаменитостей.

У Энди Уорхола был талант превращать обыденность в произведения искусства.

Банки с супом Кэмпбелл от Энди Уорхола

Энди Уорхол — поп-исполнитель

Энди Уорхол (1928–1987), урожденный Эндрю Уорхола, был американским художником, режиссером и продюсером, который стал ведущей фигурой в движении изобразительного искусства, известном как поп-арт. Его работы исследуют отношения между художественным самовыражением, рекламой и культурой знаменитостей.

Говоря о поп-арте, Энди Уорхол сказал:

«После того, как вы «получите» папу, вы больше никогда не сможете увидеть вывеску в прежнем виде.И как только вы подумали о папе, вы уже никогда не увидите Америку прежней».

Энди Уорхол

Чтобы узнать больше о поп-арте, вы можете прочитать наш блог Что такое поп-арт простыми словами? нажав здесь.

Нет плитки, Энди Уорхол, 1967 г.

Поп-арт Энди Уорхола

В 1960-х Уорхол начал рисовать знаковые американские предметы, такие как долларовые банкноты, грибовидные облака, электрические стулья, банки супа Кэмпбелл, бутылки из-под кока-колы. Увлеченный Голливудом, он также нарисовал многих знаменитостей, таких как Мэрилин Монро, Элвис Пресли, Марлон Брандо, Тони Донахью, Мухаммед Али и Элизабет Тейлор.Энди Уорхол делал политические заявления, используя газетные заголовки или показывая фотографии полицейских собак, нападающих на протестующих афроамериканцев во время бирмингемской кампании движения за гражданские права. Все эти произведения искусства были частью движения поп-арта 1960-х и 1970-х годов.

Энди Уорхол стал популярным, но противоречивым художником. Говоря об использовании обычных предметов в своих работах, Энди Уорхол сказал следующее:

«Мне просто нравятся обычные вещи. Когда я рисую их, я не пытаюсь сделать их экстраординарными.Я просто стараюсь рисовать их обычными-обычными».

Энди Уорхол

Почему поп-арт стал направлением в искусстве

Поп-арт зародился в конце 1950-х, но своего пика достиг в 1960-х. Это был бунт против доминирующих и традиционных подходов к искусству и культуре того времени.

Этот бунт в искусстве во многом соответствовал многим событиям, которые происходили в культуре как в Великобритании, так и в Соединенных Штатах в то время. На самом деле, 1960-е годы были известны как одно из самых бурных и вызывающих разногласия десятилетий в мировой истории.1960-е годы были отмечены движением за гражданские права, войной во Вьетнаме, антивоенными протестами, политическими убийствами и возникающим разрывом между поколениями.

1960-е были также эпохой Вудстока, рок-н-ролла, Чарльза Мэнсона, наркотиков, секса и хиппи. По мере того, как мир менялся, такие художники, как Энди Уорхол, также меняли взгляды на искусство.

Говоря о 1960-х, Энди Уорхол сказал следующее:

«Думаю, в 1960-е люди забыли, что такое эмоции.И я не думаю, что они когда-либо вспоминали».

Энди Уорхол
Без названия, Энди Уорхол (1972)

Энди Уорхол и движение поп-арта меняют искусство

Энди Уорхол и другие художники поп-арта изменили отношение к искусству благодаря движению поп-арт. Искусство никогда не будет таким, каким оно было до появления этого мощного движения поп-арта.

С появлением движения поп-арт большинство искусствоведов пришли в ужас от перспективы превращения поп-арта в искусство.Поп-арт был острым видом искусства, который раздвигал границы искусства общества.

Поп-арт хотел изменить отношение к искусству, ему было все равно, что о нем думают искусствоведы. Говоря о переменах, Энди Уорхол сказал:

.

«Всегда говорят, что время меняет вещи, но на самом деле вы должны изменить их сами».

Энди Уорхол

Энди Уорхол и другие поп-исполнители решили изменить отношение к искусству. И готовность Уорхола изменить искусство сделала его культовой фигурой в искусстве — даже сегодня.

Способность Энди Уорхола и других художников поп-арта принимать изменения была продемонстрирована на симпозиуме по поп-арту в Музее современного искусства Нью-Йорка в декабре 1962 года. Художники поп-музыки, такие как Энди Уорхол, подверглись нападкам за то, что они извлекали выгоду из потребительства и рыночной культуры в своем искусстве. . Это не помешало Энди Уорхолу или любому другому поп-артисту создавать свои поп-арты.

На самом деле Энди Уорхол сказал, как он относился к искусству и к переменам с помощью искусства:

«Искусство — это то, что вам сойдет с рук.”

Энди Уорхол

Энди Уорхол и уличное граффити.

Многие считают, что поп-арт положил начало уличному искусству или движению граффити. На самом деле, в 1980-х годах нью-йоркский андеграундный граффити-художник Fab Five Freddy отдал дань уважения Энди Уорхолу, нарисовав весь поезд банками супа Кэмпбелл. Многие считают, что Уорхол и другие поп-художники повлияли на появление уличного искусства или граффити.

Многие уличные художники или художники граффити черпали вдохновение непосредственно у поп-исполнителей, таких как Энди Уорхол.Стрит-арт или граффити также имели некоторое сходство с поп-артом в том смысле, что оба они в некотором смысле анти-истеблишмент.

Гёте 1982 Энди Уорхол 1928-1987 КОМНАТЫ ХУДОЖНИКА Приобретено совместно с Национальными галереями Шотландии через пожертвование д’Оффе при содействии Мемориального фонда национального наследия и Художественного фонда 2008 http://www.tate.org.uk/art/ работа/AR00439

Музей Энди Уорхола

Одним из лучших мест, где можно увидеть работы Энди Уорхола и узнать о нем больше, является музей Энди Уорхола в Питтсбурге, штат Пенсильвания.Этот художественный музей находится в Питтбурге, городе, где родился Энди Уорхолс. Он считается одним из самых полных музеев одного художника в мире.

Музей Энди Уорхола — один из четырех музеев Карнеги в Питтсбурге. Музей является совместным проектом Института Карнеги, Dia Art Foundation и Фонда визуальных искусств Энди Уорхола. Музей официально открыл свои двери в 1994 году.

Музей Энди Уорхола открыт для публики в понедельник, среду, пятницу, субботу и воскресенье.Они закрыты в большинство государственных праздников.

Чтобы узнать больше о музее Энди Уорхола, посетите веб-страницу музея Энди Уорхола, нажав здесь.

Энди Уорхол, легендарный поп-исполнитель, прожил сложную и полную вдохновения жизнь. Уорхол оставил нам великое наследие поп-арта. Но он также показал нам, что мы можем быть теми людьми, которые раздвигают границы и работают над изменением отношения к искусству — даже сегодня.

Связанные вопросы

Что такое кубизм в искусстве?

Кубизм — авангардистское направление в искусстве начала 20 века, которое произвело революцию в европейской живописи и скульптуре.Это также помогло вдохновить родственные движения в музыке, литературе и архитектуре. Есть два периода кубизма, называемые аналитическим и синтетическим. Также существует орфизм-кубизм, являющийся ответвлением кубизма.

Вы можете узнать больше, прочитав наш блог The Cubism Art Movement, What You Need to Know, нажав здесь.

Что такое американская готическая живопись Гранта Вуда?

На картине Гранта Вуда «Американская готика» изображен дом в готическом стиле Карпентера со стоическим мужчиной с вилами и женщинами, смотрящими в сторону, нарисованными за пределами их дома.С американской готической живописью связано много двусмысленности, что привело к предположениям о ее истинном значении; вся эта двусмысленность с годами повысила престиж картины. Картина заняла 3-е место на художественном конкурсе Чикагского института искусств.

Вы можете узнать больше, прочитав наш блог 17 фактов об американской готической живописи Гранта Вуда (1930), нажав здесь.

.

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.