Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Конструктивизм картины: Constructivism (Constructivist Art) — History, Artworks, Artists

Содержание

Конструктивизм в живописи: советский плакаты картины

Конструктивизм – стиль живописи, впервые созданный в России в 1913 году, когда русский скульптор Владимир Татлин, во время своего путешествия в Париж, открыл для себя работы Брака и Пикассо. Когда Татлин вернулся в Россию, он начал создавать аналогичные работы. Они стали началом конструктивизма, имевшими особый вид на фоне искусства того времени.

Первые выставки были проведены группой художник смотретьов-авангардистов в Москве, Одессе и Санкт-Петербурге. Конструктивистское искусство началось работами с абстрактными конструкциями. После того, как 1916 году Наум Габо и Антуан Певзнер добавили своеобразный акцент в скульптуру, конструктивизм стал известен во всем мире. Конструктивизм был тесно связан с другим современным движением искусства под названием супрематизм, который стремился «освободить искусство от балласта репрезентативного мира».

Изображения состояли из геометрических фигур, нарисованных на чистой поверхности холста. Термин «конструктивизм» не описывает конкретное движение, это скорее тенденция в пределах области живописи, скульптуры, архитектуры, прикладного искусства. Основной особенностью конструктивизма является то, что он способствовал новому советскому направлению развития искусства, которое использовали художники и для информирования общественности. Наиболее ярко философию стиля передавали плакаты.

Характеристика стиля

Наименование «конструктивизм» было впервые использовано в 1920 году. В работе А.Гана было отмечено, что целью представителей стиля можно назвать выражение материальных и коммунистических ценностей через искусство.

Советский авангард. Запрещенное искусство в СССР.


Советский авангард. 

Двадцатый век – век бурных революционных изменений, век великих революций. Эти глобальные изменения коснулись и искусства. Именно появление новых протестных, нонконформистских направлений в искусстве стало предтечей глобальных изменений в жизни людей.

Даже название этого направления в искусстве «авангард» свидетельствует о непримиримой борьбе, ведь авангард – это передовой отряд войска, идущего в атаку. Главной целью авангардистов было с помощью искусства изменить общество.

Авангард стал продолжением модернизма, возникнувшего в конце ХІХ века. Но если модернизм выступал за мягкое обновление искусства, авангард пошел дальше. Представители этого стиля заняли непримиримую, нонконформистскую позицию. Они отбрасывали все, что было до них.

Представители нового стиля искусства были новаторами также и в политике. Именно во многом они стали носителями тех новых идей, которые привели к краху Российской империи в 1917 году. После Октябрьского переворота именно авангардисты первыми стали на сторону новой власти, именно на их творчество опиралось советское государство в первые годы своего существования. Если в Западной Европе, приблизительно к середине ушедшего века, искусство авангарда сходит на нет вместе с радикальными течениями. В СССР, начиная с 30-х годов, течение подвергается репрессиям со стороны государства.

Давайте разберемся, что такое авангард, познакомимся с основными его направлениями. Главная идея авангарда в живописи, это отход от традиций, применение новых приемов и форм. Как уже упоминалось выше, цель авангарда – была разрушение принятых канонов и радикальные изменения в живописи, а через них влияние на общество в целом. Художники-авангардитсы в своих произведениях хотели показать грубую жизнь, какая она есть, во всех ее проявлениях. Кроме изменений в головах, другой идеей, вдохновляющей представителей этого направления, было развитие научно-технического прогресса. Примечательно и то, что у авангардистов очень часто прогресс совмещается с архаикой, наблюдается некоторый отход к варварской архаичной культуре, в противовес христианским ценностям.

Авангардизм


Авангардизм

Подробности Опубликовано 29.05.2014 13:17 Просмотров: 5722

Слово «авангардизм» пришло в искусство из военной терминологии: французское avant-garde означает: «передовой отряд». Отсюда становится понятно, что применительно к искусству рубежа XIX-XX вв. авангардизм можно считать передовым явлением в искусстве в отношении предшествующего периода.

История термина

Итак, история термина берёт своё начало в военном деле: авангард – отряд, выдвигающийся вперёд по движению войска; передовой отряд.  

Карл Пиппих «В авангарде»

Затем у слова появился политический смысл: в годы Французской революции так назывался якобинский журнал, и в 1794 г. слово стало революционной метафорой. Поскольку в политических процессах значение художника (в широком смысле слова) всё больше обретало ведущую роль, то и творчество сближалось с политическим авангардом, а иногда даже отождествлялось с ним.

Окончательно термин «авангард» в его художественном значении сформировался в начале XX в. и был тесно связан с политикой. Ему был присущ политический радикализм, пришедший из утопических и анархических идей.
Следует отметить, что существует и другой термин, близкий по значению с термином «авангардизм» – «модернизм»(«современный»), но эти термины всё-таки не тождественны.
В советском искусствоведении долго время (почти до 1980-х гг.) авангардизм трактовали как антиреализм.
До сих пор не существует типологии модернизма и авангарда (авангардизма) как литературно-художественных явлений. В общем надо понимать авангардизм как

передовое явление в искусстве, отрывающееся от традиционного. Когда появились новые тенденции в искусстве ( символизм , например) – это уже было проявление авангардизма.

§ 4. Авангардизм в живописи

Янко Слава (Библиотека Fort/Da ) || http://yanko.lib.ru

221

Пикассо, А. Матиссом, Ж. Руо, П. Боннаром, П. Элюаром и др. Франция стала его второй родиной, здесь он создал большое число гравюр, литографий, рисунков, картин, витражей, шпалер, керамических скульптур, рельефов, работал в монументальных видах искусства, занимался мозаикой, керамикой, шпалерами, скульптурой. Шагал оказал колоссальное влияние на все мировое искусство.

474

До конца своих дней Шагал называл себя «русским художником», подчеркивая родовую общность с российской традицией, включавшей в себя и иконопись, и творчество Врубеля, и произведения безымянных вывесочников, и живопись крайне левых. Действие в необычных шагаловских полотнах развертывалось по особым законам, где были сплавлены прошлое и будущее, фантасмагория и быт, мистика и реальность. Визионерская (сновидческая) сущность произведений, сопряженная с фигуративным началом, с глубинным «человеческим измерением», сделала Шагала предтечей таких направлений, как экспрессионизм и сюрреализм. Обыденную действительность на его холстах освящали и одухотворяли вечно живые мифы, великие темы круговорота бытия — рождение, свадьба, смерть.

В первые годы советской власти живопись раскололась на два враждебных лагеря. Один, именовавший себя «левым» искусством, был представлен талантливой плеядой авангардистов, стремившихся внести новое слово в искусство (Кандинский, Малевич, Шагал, Татлин и др.). Другой лагерь, который можно назвать «правым», являл собой сообщество политически ангажированных художников, стоявших на твердых принципах социалистического реализма. В свою очередь «правый» лагерь тоже был неоднороден, и в нем просматриваются по крайней мере два направления.

Стиль авангарда в живописи

Авангард (фр. avant-garde

— передовой отряд), авангардизм — обобщающее название течений в мировом искусстве, возникших на рубеже XIX и ХХ столетий.

Первоначально слово авангард имело военный смысл, позже стало носить политический характер, а в 1825 году, в статье «Художник, ученый и рабочий» Анри Сен-Симона (основателя школы утопического социализма), в союзе художников обрело художественное значение. В этом его значении художник должен был с помощью силы искусства и воображения пропагандировать передовые идеи общества. «Это мы, художники, будем служить вам авангардом». Так, в то время художник выполнял политическую миссию. Политический радикализм был свойственен авангарду вплоть до 1930-х годов.

Свое современное значение авангардизм приобрел в смутную эпоху начала XX столетия. Картины, написанные в стиле авангарда, не признавали общественные ценности и отражали радикальные перемены в общепризнанном искусстве живописи.

Русский авангард развивался с 1907-1914 годов, став плацдармом новаторских течений в живописи. Авангардизм возник в противовес академизму, из-за которого приостановилось на долгие времена развитие живописи. Идеей нового искусства отрицались художественные ценности, передаваемые из поколения в поколение, его роль – разрушение и созидание, его идея – революция форм и цвета. Модернизм в истории изобразительного искусства не что иное как одна из форм авангарда. На разных этапах развития истории живописи авангард носил такие названия как: «свежее искусство», «футуризм», «кубофутуризм», «левое искусство». В ХХ веке авангардизм объединяет различные течения в изобразительном искусстве, которым присущи новые веяния, необычность форм и стилей.

Авангард – новаторское искусство, которое постоянно в движении, в погоне за новым, где разрушаются границы между стилями и жанрами, рушатся общепринятые рамки и устои. Благодаря чему происходило обогащение живописи, появлялись новые стили и жанры. Художниками-авангардистами создано множество неординарных произведений живописи, внесены новые ценности в историю искусства.

Картины в стиле авангарда необычного колорита, образы предметов теряют свое реалистическое исполнение в хаотически разбросанных линиях, дерзких мазках художника. Авангард имеет немало поклонников, видящих в картинах чувственность и эмоции.

Советский авангард. Главные имена.

Классический советский авангард – феноменальное явление начала прошлого века, охватившее все области искусства: от живописи и архитектуры до дизайна и книгопечатания. И откуда теперь черпают вдохновение современные мастера по всему миру, как не из русского авангарда?

Василий Кандинский

В белом II, 1923 год

Только ли импрессионистский «Стог сена» Клода Моне заставил юриста Василия Кандинского заняться живописью профессионально? Вероятно, значение имела и вологодская экспедиция, во время которой он был поражён, оказавшись внутри крестьянской избы-картины, и произведённое мировой наукой открытие о делении атома, предполагающее «разборку» мира на неосязаемые частицы, и опера Вагнера «Лоэнгрин», во время которой Кандинский отчётливо увидел цвета звуков. Каковы бы ни были причины, экс-юрист вошёл в историю мирового искусства как теоретик русского абстракционизма, несмотря на то, что скончался гражданином Франции.

Казимир Малевич

Черный квадрат, 1919 год

Иная метафизика цвета, отказ от буквального восприятия реальности, переход в «чистые» плоскости – теория супрематизма Малевича изначально не нашла понимания среди коллег-кубистов, но это не помешало ей стать мировой концепцией авангардного творчества. «Чёрный квадрат» стал «нулём форм», позволяющим выйти «из круга вещей». Кроме фундаментальных работ по теории супрематизма и признанных мировых шедевров авторству Малевича принадлежит, например, дизайн кружки с квадратной ручкой – очень неудобной, но весьма оригинальной.

Владимир Татлин

Модель памятника III Интернационалу, 1919-1920 годы


конструктивизм стиль интерьера картины, живопись, батик, графика

Конструктивизм – советское авангарное направление в начала 20-х годов. В основе конструктивизма лежит не композиция, как у ряда других направлений, а конструкция. Стиль конструктивизм проник во все области культуры и искусства: живопись, архитектуру, моду и литературу и стал популярен не только в СССР, но и оказал невероятное влияние на развитие мирового искусства.
Конструктивизм в архитектуре преследовал цель создавать жилые и общественные пространства, в которых все будет нацелено на утилитарность и функциональность в использовании. Конструктивизм в дизайне не терпит никаких элементов декора и деталей. Здесь главенствует прямолинейность; формы повторяют геометрические фигуры — квадрат, прямоугольник, треугольник; цвет — простой, чаще всего белый.

по датепо цене

все произведенияв наличиис эссе искусствоведа

холст / масло / 40х70см

купить

холст / масло / 60х50см

купить

холст / масло / 40х50см

купить

холст / масло / 60х70см

купить

холст / масло / 70х80см

купить

холст / смешанная техника / 40х30см

купить

холст / смешанная техника / 120х100см

купить

холст / смешанная техника / 120х100см

купить

холст / смешанная техника / 120х100см

купить

холст / смешанная техника / 140х100см

купить

холст / масло / 90х95см

купить

холст / масло / 80х60см

купить

холст / масло / 75х80см

купить

холст / масло / 70х80см

купить

холст / масло / 60х70см

купить

холст / смешанная техника / 150х160см

купить

Конструктивизм в интерьере рабочего кабинета

Конструктивизм появился еще в прошлом веке. Его зарождение – это вполне оправданная реакция на перенасыщение модерном, а именно чрезмерной элегантностью и вычурностью растительных принтов, завитушек. Приевшейся и гиперболизированный романтизм начал надоедать, поэтому на смену пришла подчеркнутая строгость.

Функциональность, полное подчинение логике и целесообразность лежат в основе стиля. Через призму конструктивизма красота проявляется только в том, что полезно, удобно и комфортно. Все остальное считается ненужным излишеством.

Привлекательность и особенности направления

Может показаться, что это довольно скучный стиль. Он отличается особым видением интерьера, несмотря на свою лаконичность и простоту. Гармония проявляется в сочетании практичности и внешней эстетики вещей. Каждый элемент, каждая деталь интерьера должна не просто украшать его, а выполнять определенную функцию, иметь свое предназначение.

Конструктивизм в интерьере рабочего кабинета может выглядеть очень стильно и необычно благодаря таким приемам как асимметрия, игра светотени, нестандартность сочетания фактур и палитр. Все это помогает оттенить интерьер, построенный на функциональности, особыми нотками индивидуальности и аутентичности.

Отличительные признаки стиля

Конструктивизм можно легко распознать среди многообразия других направлений. Для него характерны:

  • строгость и простота форм;

  • небольшие габариты используемой мебели;

  • предельная ясность функционального назначения предметов;

  • отсутствие сложных принтов и вычурных орнаментов, отделки;

  • достижение эстетических решений за счет контрастности и организованных подсветок;

  • использование лаконичных материалов (кирпича, стекла, дерева).

Как выбрать мебель

Предметы гарнитура объединяются общей идеей функциональности. То есть на первый план выдвигается предназначение изделий, а не их эстетическая составляющая. Но это совершенно не значит, что мебель не должна быть привлекательной внешне. Если вам нужно обставить кабинет, мы предлагаем следующие модели мебели:

Идеален для книг и документов. Верхняя часть представлена открытым стеллажом, а нижняя сделана в виде закрытых отделений. Простые линии и лаконичный дизайн идеальным образом подчеркивают общий дух конструктивизма.

Удобный, вместительный стол с двумя большими выдвигающимися ящиками для хранения документов. Функциональный, но вместе с тем и стильный предмет для вашего кабинета.

Простое и удобное изделие, на котором будет комфортно работать. Сидение и подлокотники сделаны из коричневой кожи. Практичный, но в то же время привлекательный предмет.

Интересное сочетание холодного металла и золотистого тика. Имеется ниша, а также два вместительных ящика.

Станет отличным дополнением письменного стола. Основа изготовлена из массива тика.

Все эти предметы отвечают требованиям конструктивизма, а самое главное, представляют собой практичные и функциональные изделия. Конструктивизм в интерьере рабочего кабинета – залог создания комфортного рабочего места.

Конструктивизм на подиумах Калифорнии | Блоги

 

 

Мать с сыном прогуливались по нью-йоркскому Музею современного искусства и удивлялись, как по воле случая их черно-белые матроски сочетались с двухметровыми картинами Виктора Вазарели и Бриджет Райли.

Этот визит в музей в октябре 2014 года вдохновил румынского дизайнера Камелию Скикос (Camelia Skikos) на создание ее новейшей коллекции осень-зима 2015/16, которая была представлена на неделе моды в Лос-Анджелесе 7 марта.

До запуска своей линии одежды 5 лет назад Камелиа работала главным дизайнером в таких компаниях, как Levi’s и Gap, а также учила модельеров в Академии искусств в Сан-Франциско уже на протяжении 10 лет.

«Дизайн моей одежды берет свои истоки в моем художественном прошлом», — говорит Скикос, закончившая Румынский арт-институт, где она экспериментировала со скульптурой, архитектурой и живописью под влиянием советской культуры.

Камелиа до сих пор рисует. Ее картины выставлялись в бутике и галерее Wonderland в Сан-Франциско вместе с ее дизайнерской одеждой.

«Камелиа часто носит черный цвет. Интересно, что все ее предыдущие коллекции очень яркие и цветные, — говорит владелица Wonderland Ирэн Хернандез (Irene Hernandez). — Но я заметила, что ее картины отражают немного больше самой Камелии. Они обычно черно-белые или в темных тонах, и женщины на них более сексуальные и игривые».

Новая коллекция этого года отражает пристрастие Камелии к живописи под влиянием Вазарели, ее личных картин и конструктивизма времен ее детства в Румынии.

«Это моя самая спокойная коллекция. Контраст черного и белого, никаких ярких цветов, только немного металлических акцентов», — рассказала Скикос.

Новая коллекция не будет цветной, но сохранит узнаваемый стиль дизайнера: четкие архитектурные силуэты и геометрические формы. Асимметричные элементы и линии, так же как и квадратные пропорции, создают целостность в каждом дизайне, напоминая стиль Баухауза.

Главной темой коллекции стала идея контраста.

«Используя геометрические формы и контрастные материалы, как шелк и шерсть, мягкое и твердое, блестящее и матовое, эти вещи раскрывают различные воплощения идеи противоположностей», — сказала Скикос.

Противоположность прослеживается также в контрасте женственных и мужских силуэтов, но впервые коллекция включает не только женскую, но и мужскую одежду. Для создания новой коллекции Скикос сотрудничала со своей студенткой из Академии искусств Дахэ Ким (Dahae Kim), которая после окончания университета успешно запустила свой бренд современной мужской одежды Whichkim.

«Камелиа помогла раскрыть во мне то, что раньше я не решалась попробовать, и это стало превосходным опытом для меня», — сказала Ким, дизайнер мужской половины коллекции.

Каждая новая коллекция Camelia Skikos & Whichkim — это настоящее произведение искусства для мужчин и женщин с утонченным вкусом.

«Мне нравится, когда одежда акцентирует характер людей и подчеркивает их настоящую индивидуальность», — говорит Камелиа Скикос, уверенно глядя из-под длинной черной челки, прямой и броской, как и ее дизайн. 

 

 

Look book-фотограф: Claudia Goetzelmann
Fashion Week-фотограф: Albert Urso
Стилист: Liz Baca
Бижутерия: Tina Frey 

 

 

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

Основные направления авангарда • Arzamas

Разговорный минимум для бесед о русском искусстве XX века

Подготовила Анна Красильщик

Абстрактное искусство

Василий Кандинский. Картина с кругом. 1911 год © Национальный музей Грузии

Одно из основных направлений авангарда. В отличие от тради­ционного искусства не подражает реальности и не воспроизводит ее элементы. Объект абстрактного искусства — инструментарий художника: цвет, линия и форма. Первые абстрактные произведения создал Василий Кандинский в конце 1900‑х — начале 1910‑х; первым абстрактным произведением считается его «Картина с кругом» (1911). В 1912–1915 годах появились абстрактные живо­писные системы лучизма (Ларионов, 1912) и супрематизма (Малевич, 1915).

Авангард

Сначала термин употреблялся в военном деле и по отношению к политическим событиям — до тех пор пока в 1885 году французский критик Теодор Дюре не использовал его в художественной критике. Впрочем, в таком значении слово не прижилось. Лишь в 1950-х годах оно вернулось в искусствоведение благодаря французскому критику Мишелю Сёфору, который впервые назвал авангардом русское искусство начала XX века.

Всёчество

Термин придумал весной 1913 года Илья Зданевич — художник, писатель, издатель и журналист. В основу всёчества легли художественно-эстетические идеи Михаила Ларионова и художников его круга: в каталоге к выставке «Мишень» он признал все существующие стили — кубизм, футуризм, орфеизм и другие. 5 ноября того же года Зданевич публично представил свою концеп­цию в Москве на закрытии выставки Наталии Гончаровой. Лекция называлась «Наталия Гончарова и всёчество». После этого Зданевич отправился в Петер­бург, чтобы и там пропагандировать идеи всёчества на лекциях и в диспутах. Эти выступления носили характерный для авангарда эпатажный характер. Так, в конце выступления «Раскраска лица» 9 апреля 1914 года Зданевич выкрасил лицо черной краской, а 17 апреля того же года на акции «Поклонение башмаку» отрицал все, что считалось прекрасным, и воспел красоту башмака, «красивого, подобно автомобилям и двигателям».     

Заборная живопись

Обращение к сюжетам и стилистике надписей на заборах — одна из характер­нейших особенностей авангарда и неопримитивизма. Особенно заметно это направление в работах Ларионова неопримитивистского периода.

Конструктивизм

Эль Лисицкий. Проект небоскреба у Никитских Ворот, вид с Тверского бульвара © charnelhouse.org

От латинского constructio — «построение». Основные черты конструкти­визма — строгость, лаконизм и геометричные формы. Официально стиль был обозначен в 1922 году в одноименной книге художника и теоретика искусства Алексея Гана. Среди самых известных конструктивистов — Владимир Татлин, Александр Родченко, Варвара Степанова, архитекторы Моисей Гинзбург, Константин Мельников, братья Веснины. Конструктивизм распространился в самых разных сферах художественного творчества: театральных декорациях и костюмах, книжном оформлении, архитектуре и проч.

Космизм

Лазарь Хидекель. Города будущего. Надземный город. 1927 год © newsfeed.kosmograd.com

Философское понятие, возникшее в 1870-е годы и обозначающее философов и ученых, размышлявших о внеземном пространстве и космосе. Развитию космизма способствовало беспредметное, или абстрактное, искусство, а ученики Малевича — художник Иван Кудряшов и архитектор Лазарь Хидекель — развивали космический аспект геометрической беспредметности и идеи космизма.

Кубизм

Жорж Брак. Скрипка и подсвечник. 1910 год © San Francisco Museum of Modern Art

Кубизм сформировался во Франции осенью 1908 года в работах Жоржа Брака и Пабло Пикассо. В Россию он проникает разными путями. Так, художница Александра Экстер регулярно привозит из Парижа разные сведения о новом модном стиле, а в 1908 году коллекционер Сергей Иванович Щукин открывает всем желающим свой особняк в Большом Знаменском переулке. В собрании среди прочего есть работы кубистов, и в галерею регулярно заходят будущие бубновалетцы. В 1912 году в сборнике «Пощечина общественному вкусу» выходит статья художника и поэта Давида Бурлюка «Кубизм». Кубизм, пишет он, подразумевает плоскостное понимание мира или канон сдвинутой конструкции, а его важнейший прием — изображение объекта с нескольких точек зрения. Три года спустя в манифесте «От кубизма к супрематизму» Казимир Малевич определяет сущность направления как «диссонанс», происходящий в результате «встречи двух форм»: «В принципе кубизма лежит еще очень ценная задача, не передавать предметы, а сделать картину. <…> В нашей эре кубизма художник уничтожил вещь как таковую с ее смыслом, сущностью и назначением».

Кубофутуризм

Наталия Гончарова. Фабрика. 1912 год © Государственный Русский музей

Впервые это понятие в 1912 году использовал французский критик Марсель Буланже, а на следующий год термин получает распространение и в русской культуре. К кубофутуристам причисляет себя поэтическо-художественная группа «Гилея», а также художники круга «Союза молодежи». В кубофуту­ристических произведениях мир предстает раздробленным на фрагменты или разобранным на элементы. В ноябре 1913 года кубофутуристическими называет свои работы Малевич в каталоге выставки «Союза молодежи». В 1912–1913 годах появляется кубофутуристичная живопись Наталии Гончаровой («Фабрика»).

Левое искусство

Александр Родченко. Вариант обложки журнала
«Леф»    «Леф» — «Левый фронт», журнал, выходивший в Москве в 1923–1925 годах, главный редактор — Владимир Маяковский. Несколько номеров оформлены Александром Родченко. (шарж на О. Брика). 1924 год
© Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина

Весной 1915 года после Выставки картин левых течений в Петрограде термин «левое искусство» наравне с понятием «футуризм» стал применяться по отношению к новаторскому искусству. В 1917 году были созданы три федерации; одна из них называлась «левой» и объединяла большинство художников-авангардистов. К 1919-му термин меняет свое значение: теперь так называют беспредметников и пролетарских художников. В начале 1920-х последние образуют группировку вокруг журнала «Леф».

Линиизм

Александр Родченко. Линейная конструкция № 108. 1920 год  © monoskop.org

В 1919 году термин изобрел Александр Родченко, обозначив так одно из тече­ний в беспредметном искусстве. «Ввел и объявил линию как элемент конст­рукции и как самостоятельную форму живописи», — писал он в Манифесте раннего конструктивизма.

Лучизм

Михаил Ларионов. Петух (Лучистый этюд). 1912 год © Государственная Третьяковская галерея

Одна из первых систем беспредметной живописи, разработанная Михаилом Ларионовым. Лучизм, считал Ларионов, должен связать в единой гармонии видимый материальный мир и мир духовный. Первые лучистские работы художник создал в 1912 году, и тогда же они были показаны на выставках «Мира искусства». В 1913 и 1914 годах лучистская живопись Ларионова экспонировалась на выставках «Мишень» и «Номер 4». Для реалистического лучизма характерны анималистические сюжеты. Для следующей стадии лучизма — пневмолучизма — использование других техник (например, вставки из папье-маше, знаков вроде нот, крестов и проч.).

Ориентализм

Важная часть программы художников раннего авангарда. Влияние восточного искусства в основном отразилось на теории и манифестах и привлекало худож­ников авангарда скорее сюжетами и темами, чем приемами. Важно было само погружение в атмосферу Востока, а не изучение особенностей искусства. Теоретическое обоснование ориентализма разработали Михаил Ларионов и Илья Зданевич. И как раз любовь к Востоку стала поводом к разрыву Ларио­нова с «Бубновым валетом» — его членов художник обвинял в подража­тельном западничестве. Впрочем, к середине 1910-х тема Востока оказалась забыта, а ориентализм исчерпал себя.

Примитивизм

Михаил Ларионов. Весна. Времена года (Новый примитив). 1912 год © Государственная Третьяковская галерея

Направление раннего русского авангарда (конец 1900-х — начало 1910-х). Среди особенностей примитивизма — инфантильные, детские формы и пропорции фигур, неуклюжая пластика, имитация любительского рисования, наивная сказочность. Принципиальную роль здесь играла опора на национальную традицию, на образцы древнего и народного искусства, прежде всего икона, лубок, скульптурную архаику. Впервые слово было использовано поэтом и критиком Сергеем Маковским в статье о выставке «Голубая роза»: «Они — возвестители того примитивизма, к которому пришла современная живопись, ища возрождения у самых родников — в творчестве непосредственном, не обессиленном тяжестью исторического опыта. <…> Современный сознательный примитивизм, понятый как основная задача, — последняя победа художнического освобождения». Летом 1907 года термин также используется в анонсе выставки Бурлюков в Херсоне.

Супрематизм

Казимир Малевич. Без названия. Около 1916 года © The Solomon R. Guggenheim Foundation Peggy Guggenheim Collection, Venice

Так в декабре 1915 года Малевич охарактеризовал свои работы, показанные на «Последней футуристической выставке „0,10“». Его «Черный квадрат» открыл новое поле опытов — чисто геометрическую беспредметную форму. В начале 1920 года Малевич уехал преподавать в Витебск, и там супрематизм становится основой новой педагогики Уновиса — «Утвердителей нового искусства».

Футуризм

Джакомо Балла. Скорость + звук. 1913–1914 годы © The Solomon R. Guggenheim Foundation Peggy Guggenheim Collection, Venice, 1976

От итальянского futuro — «будущее». Футуризм возник в Италии в 1909 году благодаря Филиппо Томмазо Маринетти и распространился на все области художественного творчества. Основа футуризма — новый язык искусства, соответствующий изменившемуся миру. По свидетельству Давида Бурлюка, русские художники и литераторы начали использовать термин с 1911 года. Сами футуристы, однако, тогда называли себя будущниками или будетлянами. Ближе всего к футуризму были группы «Ослиный хвост» и «Союз молодежи». Особенно популярен в русской живописи футуризм был до 1914 года.  

«Беспредметное искусство. От супрематизма к конструктивизму»

Supremus можно перевести как «превосходство», в контексте искусства, как некий «высший стиль». Супрематизм — это стиль живописи, изобретенный Казимиром Малевичем. Первые картины супрематизма были представлены публики на «Последней футуристической выставке картин ″0,10″» в декабре 1915 года. Однако супрематизм Малевича просуществовал недолго, до 1918 года, когда художник решил больше не заниматься живописью и перешел к теории. В это время набирает силу движение конструктивистов, чьи идеи были востребованы сразу после революции. Пережив свой рассвет в 1920-х в литературе, архитектуре и даже музыке, к концу десятилетия в изменившихся политических условиях конструктивизм «уходит с большой сцены», оставив великолепное наследие из художественных памятников культуры своего времени.

Лектор:

Константин Иванович Плотников – искусствовед, кандидат филологических наук, доцент кафедры гуманитарных дисциплин ИОН РАНХиГС, доцент Гуманитарного факультета НИУ ВШЭ, преподаватель MSCA (Московской Школы Современного Искусства), преподаватель Московской школы фотографии и мультимедиа имени Родченко, член международных организаций EAM (European Network for Avant-Garde and Modernism Studies) и «ASEEES» (The Association for Slavic, East European, & Eurasian Studies). Сфера научных интересов: теория искусства; философия искусства; история, теория и методология авангарда.

Длительность лекции: 1 час 20 минут

Лекция пройдет в рамках просветительской программы выставки «Малевич VS Филонов. Диалог двух школ». 

Мероприятия просветительской программы выставки учитывают меры противоэпидемиологической безопасности, предусмотрен камерный формат и онлайн-трансляции с возможностью общения с ведущим в режиме реального времени.

Приглашаем всех интересующихся изобразительным искусством и историей.

Все лекции серии:

6 декабря  – «Беспредметное искусство. От супрематизма к конструктивизму»

8 декабря  – «Теории авангарда. Как осмысляют радикальные формы в искусстве XX века».

Как присоединиться к Лекторию?

1.      Для очного участия зарегистрируйтесь на платформе Leader-ID и в указанные даты и время, предъявив паспорт на входе, пройдите в «Точку кипения» СевГУ (ул. Университетская, 33, первый этаж).

2.      Для заочного участия зарегистрируйтесь на платформе Leader-ID  и в указанные даты и время, заходите на официальный канал «Точки кипения» СевГУ в Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCrnwwavbp56PETWlNKRBSdw/featured

ссылка на Zoom будет актуализирована перед мероприятием

Что такое конструктивизм? Строим будущее через искусство

Конструктивизм был в равной степени и художественным движением, и общественным движением. Начавшийся в России в 1915 году и закончившийся в конце 1930-х годов, конструктивизм отошел от обычных художественных условностей и вместо этого сосредоточился на создании искусства из сырьевых промышленных материалов. Вдохновленный кубизмом и русским футуризмом, он также служил платформой для выражения революционных и практических целей того периода.

Определение конструктивизма

Конструктивисты отвергли идею о том, что искусство создано исключительно для эстетического созерцания, и вместо этого считали свою работу основанной как на науке, так и на запечатлении красоты.Конструктивизм также опирался на многочисленные перспективы и гибкие формы кубизма и сочетал их с резкими линиями футуризма и акцентом на движении и технологиях.

Возможно, наиболее важно то, что конструктивизм был основан на использовании современных материалов, таких как сталь, стекло и пластик, в качестве форм искусства. Художник исследовал, как сами материалы могут вести себя в произведении искусства, используя их для выражения своих физических возможностей и позволяя им определять окончательную форму произведения искусства. Единство, красота и визуальная привлекательность были переопределены, чтобы включить не только практическое применение работы, но и то, как ее форма и конструкция могут вдохновить на новые функциональные проекты в производстве и социальной организации.

Учитывая свою направленность на интеграцию с практическими и особенно промышленными приложениями, русский конструктивизм нашел выражение в самых разных областях, включая типографику, моду, архитектуру и керамику.

Ранний конструктивизм Владимира Татлина

Владимир Татлин, считающийся основоположником конструктивизма, родился в 1885 году в городе, известном сегодня как Харьков, Украина. Архитектор, художник и скульптор, он был особенно вдохновлен «Конструкцией Натюрморт » Пабло Пикассо (1914), в которой ненужные материалы были объединены в трехмерный кубистический рельеф.

Татлин стремился стереть грань между архитектурой и скульптурой, представляя «реальные материалы в реальном пространстве» и заменяя репрезентативную функцию искусства более практической.

Самые известные его работы — архитектурные. Один под названием Памятник Третьему Интернационалу (1919-20) представляет собой нереализованную модель штаб-квартиры Коммунистического Интернационала. Дизайн сочетает в себе искусство и технологии, эстетику и функциональность, чтобы, по его мнению, отразить сущность идеального коммунистического общества.

Татлин также реализовал свои конструктивистские идеалы в Отделе материальной культуры в Петрограде (1923-1925), где он создал функциональные и адаптируемые модели одежды для рабочего класса. Он также перепроектировал бытовую технику и мебель, чтобы повысить эффективность и универсальность этих продуктов.

Другие конструктивисты

Эль Лисицкий и Александр Родченко сыграли важную роль в развитии конструктивистского графического дизайна, который сочетал простые цветовые палитры и формы для смелых политических заявлений.Лисицкий также сосредоточился на строительстве утопической архитектуры, такой как его нереализованный горизонтальный небоскреб, который, как он утверждал, обеспечил бы лучшую вентиляцию и более естественное движение.

Наум Габо стремился привнести кинетическое движение в свою конструктивистскую скульптуру. Он эмигрировал на Запад в начале Первой мировой войны. Сегодня его помнят за его уникальные движущиеся скульптуры, и ему приписывают знакомство Запада с конструктивизмом.

В 1922 году Лисицкий принес движение в Нидерланды, где он стал одним из основателей Международного конгресса художников-производителей и Международного конструктивистского движения.В 1920-х и 30-х годах конструктивизм жил в городских центрах Германии и Великобритании, прежде чем в 1960-х годах он, наконец, проник в Соединенные Штаты.

Некоторые из этих художников также связаны с движением супрематизма, которое разделяет некоторые художественные и философские элементы с конструктивизмом. Возникнув в 1913 году, это движение стремилось найти «точку разрыва», после которой искусство перестало быть искусством. В результате супрематизм в основном состоит из простых форм, внимания к фактуре краски и холста и использования черно-белых оттенков.Многие из этих элементов были заимствованы художником Александром Родченко, что можно увидеть в его серии Black on Black (1919). Основное отличие от конструктивизма заключается в том, что вместо того, чтобы найти «точку разрыва» в искусстве, конструктивисты хотели в конечном итоге продемонстрировать фундаментальное использование промышленных материалов.

Роль живописи в конструктивизме сильно различалась у разных художников. Конструктивисты пришли к единому мнению, что живопись должна быть устранена как средство искусства и заменена скульптурой или практическим производством.Однако Любовь Попова считала, что живопись могла бы быть включена в движение, если бы такие работы использовались в качестве эскизов для объемных конструкций. В других случаях, например, в серии Родченко « Черное на черном », живопись использовалась, чтобы заявить о себе, по существу сливая искусство с языком, за что в то время также выступали футуристы.

Поздний конструктивизм

К середине 1920-х годов популярность конструктивистской скульптуры и живописи в Советском Союзе начала стремительно падать, поскольку большевистский режим начал борьбу с авангардным искусством.

Однако конструктивизм имел уникальные возможности для развития в этих условиях. Он оставался практикуемой формой искусства в Советском Союзе, выходя за пределы чисто художественных кругов и сочетаясь с советской архитектурой и политической риторикой в ​​официальных пропагандистских плакатах.

Учитывая акцент конструктивизма на функциональности искусства, неудивительно, что это движение оказало длительное влияние на эпоху модернизма. Одним из самых заметных наследий конструктивизма является работа Эль Лисицкого и Александра Родченко с графическим дизайном, типографикой и пропагандистскими плакатами.Этот стиль графического дизайна известен своей эклектичной смесью шрифтов, разных размеров, смелости и засечек, часто в одном слове или предложении. Графический дизайн этих пропагандистских плакатов известен использованием диагональных элементов, а также резких цветов, часто представляющих собой двойной контраст между красным и черным. Если вас попросят изобразить фрагмент советской пропаганды, есть большая вероятность, что такой плакат или произведение искусства были составлены из конструктивистской типографики и дизайна.

Конструктивистский графический дизайн можно увидеть даже в сегодняшней поп-культуре; Плакат Барака Обамы «Надежда» 2008 года Шепарда Фейри, а также плакат Че Гевары «Революция» демонстрируют строгую цветовую палитру и смелые шрифты эпохи конструктивизма.

Художники по всему миру продолжали черпать вдохновение у Татлина и конструктивистского движения на протяжении всего -го -го века. Конструктивизм остается увлекательной формой для художников, которые хотят продолжать раздвигать границы того, что составляет искусство, найти способы, с помощью которых искусство может революционизировать общество.

Вам также может понравиться

Размещено: 4 ноября 2011 г.

Между рядами многоэтажек и многоквартирных домов стоит очаровательный деревянный дом, в котором жил один из самых известных художников России.Виктор Михайлович Васнецов (1848-1926) создавал жанровое, историческое и религиозное искусство. Его дом отражает это, и большинство предметов либо вдохновлены, либо созданы художником. Небольшой бело-зеленый домик […]

Размещено: 4 декабря 2011 г.

Ганс Белтинг начинает свое выступление о средневековых образах Европы «Сходство и присутствие: история образа до эпохи искусства» утверждением: «История образа — это нечто иное, чем история искусства.”[1] История изображения — это история не только изображений, отображаемых в […]

Размещено: 21 февраля 2012 г.

Передвижники, или передвижники, были движением русского реализма, зародившимся в Императорской Академии художеств в 1863 году. Под властью Александра II Россия боролась за серию либеральных реформ, которые были частью более крупного гуманитарного движения. Освобождение крепостных в 1861 году деконструировало большую часть социальных […]

Размещено: 5 марта 2012 г.

Значение Михаила Врубеля в русском искусстве сейчас бесспорно, но при жизни он не добился больших успехов.Его сильно критиковали за грубые, нереалистичные формы, декоративное использование пространства и странные мотивы. Он был символистом и экспрессионистом в то время, когда большинство художников еще придерживались реалистической традиции передвижников. […]

Размещено: 10 марта 2012 г.

Илья Ефимович Репин «широко и справедливо признан выдающимся представителем критического реализма в русском искусстве девятнадцатого века», и при советской власти его часто называли «этическим художником».Другие называют его «ключевой фигурой… русского реализма», а еще при жизни Репин был свидетелем ключевых моментов в истории русского искусства. […]

Краткая история конструктивизма

Все, что вам нужно знать о движении, зародившемся в России в начале 20-го века и оказавшем влияние на современное искусство во всем мире, иллюстрировано лотами из коллекции Hoekstra, выставляемой 30 апреля и 1 мая в Амстердаме

Что понимается под конструктивизмом?

Короче говоря, конструктивизм был особенно строгим направлением абстрактного искусства, возникшего в России примерно в 1913 году вместе с Владимиром Татлиным (1885–1953) и Александром Родченко (1891–1956).Другими известными сторонниками движения были Нуам Габо (1890–1977), Антуан Певзнер (1886–1962) и Эль Лисицкий (1890–1941).

Как сторонники политических идеологий, пропагандируемых русскими революционерами, конструктивисты представляли себе искусство как активного агента социалистического дела. Искусство должно отражать современный индустриальный мир и, прежде всего, быть доступным массам. Участники группы стремились делать искусство, актуальное в быстро меняющемся мире, свободное от академических традиций, лишенное каких-либо эмотивных или субъективных свойств.

Конструктивисты считали свое искусство продуктом промышленного порядка, а не уникальным товаром, и предшественником фабричного массового производства.Они часто исследовали коллективные способы работы и рассматривали создателя объектов как строителя или инженера, а не как индивидуального художника.

Каковы ключевые стили и материалы?

Вообще говоря, конструктивисты стремились вернуть искусство к его материальным основам, сосредоточив внимание на конструкции, а не на концепции объектов.Конструктивисты часто делали работы из скромных, необработанных или промышленных материалов, таких как дерево, железо, стекло и сталь. Для многих их работ, как двухмерных, так и трехмерных по форме, характерны строгие, угловатые геометрические формы.

Так как же конструктивизм повлиял на движения раннего современного искусства?

Хотя конструктивизм был подавлен в России к 1920-м годам, основные члены группы продолжали распространять его идеи в Европе и Америке.Конструктивизм повлиял на многие современные и последующие движения современного искусства, включая Баухаус в Германии, Де Стиль в Голландии и послевоенные коллективы Zero, возникшие по всей Европе в 1950-х и 60-х годах.

Баухаус

С момента своего основания в Веймаре в 1919 году Вальтером Гропиусом и до его последующего закрытия в Дессау в 1933 году Баухаус — немецкая школа, предлагающая классы исполнительского искусства, дизайна, изобразительного и прикладного искусства — была известна своими прогрессивными учениями, пренебрежением к традиционным художественная иерархия и радикальное видение того, что дизайн и производство должны быть объединены.

Известными преподавателями Баухауза были друзья Пауль Клее (1879–1940) и уроженец России Василий Кандинский (1866–1944). Кандинский, поселившийся в Мюнхене в 1896 году, вернулся в Россию после окончания Первой мировой войны, где он столкнулся с идеологией и творчеством конструктивистов.

Вернувшись в 1922 году в Германию, чтобы занять должность в Баухаузе, Кандинский начал отходить от репрезентации и экспериментировать с геометрическими формами абстракции — в его работах этого периода преобладают круги, треугольники, линии и цвет.

Йоост Бальеу (1925-1991), Синтез.констр. WXI_4c , 1960-1969 гг. 100 х 200 х 30 см. Эстимейт: €30 000–50 000. Предложено в разделе «Послевоенное и современное искусство» 30 апреля 2019 года на аукционе Christie’s в Амстердаме

.

Де Стиль

De Stijl, или Стиль, был голландским движением, основанным в 1917 году голландским архитектором, дизайнером, писателем и художником Тео ван Дусбургом.Практики Де Стейла, в том числе Геррит Ритвельд и Вилмош Хузар , находились под сильным влиянием архитектуры и городского планирования и видели в их строгих формах прямых углов и пересеченных линий, усиленных ярким цветом, ответ на геометрическую абстракцию, отстаиваемую в начале 20-го века. художников века.

Движение приобрело и сохранило влияние благодаря первоначально скандальным выставкам его самого известного представителя Пита Мондриана, а также посольской работе Ван Дусбурга, который привнес свои концепции в Баухаус в начале 1920-х годов.

Как развивался конструктивизм после Второй мировой войны?

Послевоенные конструктивисты пошли по стопам манифеста Тео ван Дусбурга 1930 года о конкретном искусстве, который призывал к приверженности рациональной эстетике. Это поколение конструктивистов резко отреагировало на господствующую тогда позицию группы CoBrA, образованной в 1948 году, чьи работы были очень эмоциональными, красочными и выразительными.

Как коллектив, они приняли простую хроматическую палитру, геометрическую абстракцию и, как и их предшественники-конструктивисты начала 20-го века, рассматривали искусство как объективный продукт его материальных составных частей.

Голландская и немецкая нулевые группы

Компания Zero Group была основана в Дюссельдорфе в 1957 году Хайнцем Маком и Отто Пиене. Этот свободный коллектив международных художников, который выставлялся вместе с такими известными именами, как Ив Кляйн, Лучио Фонтана и Жан Тинг, создавал искусство, которое требовало простых форм, цветов и повседневных материалов. Многие художники Zero создавали кинетическое искусство, используя свет, пространство и движение, чтобы задействовать альтернативные способы восприятия.

Герман де Врис (род.1931 г.), V70-27B , 1970 г. 100 х 100 см. Эстимейт: €30 000–50 000. Предлагается в разделе «Послевоенное и современное искусство» с 30 апреля по 1 мая 2019 года на аукционе Christie’s в Амстердаме

.

Голландские художники Nul, среди которых были Армандо, Герман де Врис, Ян Шунховен, Ян Хендериксе и Хенк Петерс, нашли много общего с группой Zero из Дюссельдорфа.Как и их немецкие коллеги, они стремились наполнить окрашенные поверхности ощущением света и движения. Для многих работ художников Зеро характерны монохромная палитра, повторение, серийность и сеткообразные формы.

Британская системная группа

Этот коллектив, в который входили художники Джеффри Стил и Малкольм Хьюз, стремился найти порядок в хаосе, обозначая вероятные закономерности в определенных живописных и скульптурных аранжировках. В 1973 году в амстердамской галерее Swart прошла выставка работ художников System Group, получившая широкое признание.

Известные голландские конструктивисты и художники-геометрики 1960-х и 70-х годов

Расположенная в Амстердаме Galerie Swart, основанная в 1964 году Риекье Сварт, сыграла важную роль в современном коммерческом успехе многих голландских художников-конструктивистов и художников-геометриков в 1960-х и 70-х годах.

«Они хотели построить новое общество, в котором искусство могло бы быть включено в архитектуру и дизайн», — говорит Йетске Хоман ван дер Хайде, председатель Christie’s в Амстердаме.«Однако, в отличие от группы Zero, которая часто использовала старые переработанные материалы, эта группа художников искала новые и инновационные методы создания произведений искусства».

Известные голландские послевоенные конструктивисты включают Боба Бониса, Питера Стрюйкена, Яна Шунховена, Йоста Бальеу и Ада Деккерса.«Сегодня работы Ада Деккерса пользуются большим спросом у коллекционеров послевоенного конструктивистского искусства, — говорит Хоман ван дер Хайде. «В первую очередь потому, что он умер относительно молодым и у него очень ограниченное творчество».

Стилистически его работы максимально минимальны и чаще всего выполнены в одном хроматическом цвете. «Он также экспериментировал с новыми материалами», — добавляет специалист. «Многие из его рельефных работ сделаны из полиэстера».

Шунховен принял более человечную форму конструктивизма, в то время как Стройкен, который воплощал материальное будущее конструктивизма, включил новые технологии в свои компьютерные произведения искусства 1960-х годов, чтобы экспериментировать с цветовыми вариациями и движениями.Его пространственные, световые и звуковые проекты проходят тонкую грань между нефигуративным искусством и декоративным искусством.

Питер Стройкен (род.1939), Structuur II (Структура II) , 1969. Лак на плексигласе. 150 х 150 см. Эстимейт: €12 000–16 000. Предложено в разделе «Послевоенное и современное искусство» 30 апреля 2019 года на аукционе Christie’s в Амстердаме

.

Многие голландские конструктивисты того периода разделяли взгляды, схожие с взглядами современных художников-минималистов и абстракционистов, работавших в Европе и Америке.Международные практикующие конструктивисты включают Бриджит Райли, Франсуа Морелле во Франции, Карла Андре, Агнес Мартин и Сола Левитта в Америке. «Все они разделяли понимание того, что визуальные элементы работы, такие как линия, плоскость, форма и цвет, представляют собой собственную выразительную силу», — говорит Хоман ван дер Хайде.

Выживает ли сегодня конструктивизм?

Абсолютно. Конструктивизм повлиял на многих современных художников, создающих искусство с помощью компьютерных программ, и многие современные абстрактные искусства уходят корнями в конструктивистское движение 1970-х годов.

Как выглядит нынешний рынок искусства, вдохновленного конструктивизмом?

«Интерес к этой сфере растет, — подчеркивает специалист. «Послевоенный конструктивизм представляет собой менталитет определенной группы художников-первопроходцев, работавших в 1960-х и 70-х годах. Коллекционеры всегда заинтересованы в покупке механизмов, которые рассказывают об определенном моменте в прошлом».

Где потенциальные новые коллекционеры могут узнать больше?

Послевоенные художники-конструктивисты, такие как Петер Страйкен и Ад Деккерс, представлены во многих коллекциях немецких и голландских музеев, в том числе в Музее Бойманса ван Бёнингена, а также в международных коллекциях, включая Тейт Модерн в Лондоне и Музей современного искусства в Нью-Йорке.

Зарегистрируйтесь сегодня

Интернет-журнал еженедельно доставляет на ваш почтовый ящик лучшие статьи, видео и новости аукциона

Подписаться

В дополнение к этим постоянным коллекциям, недавние выставки, исследующие сферу искусства, вдохновленного конструктивизмом, в том числе Родченко и Попова: определение конструктивизма   , прошедшая в Тейт Модерн в 2009 году, и Ноль: обратный отсчет до завтра  в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке. в 2015 году вновь пробудился интерес к движению.

Галерея Mayor в Лондоне представляет множество художников, вдохновленных конструктивизмом, и в настоящее время представляет выставку ведущего художника оп-арта Джулиана Станчака, а галерея Denise René в Париже и галерея Borzo в Амстердаме лидируют в этой области.

Конструктивизм — Энциклопедия модернизма Routledge

Обзор

конструктивизм Фаулер, Алан; Розенбаум, Роман; Джонсон, Майкл; Фернандо Кортес Сааведра, Давид; Фаулер, Алан; Розенбаум, Роман; Джонсон, Майкл; Фернандо Кортес Сааведра, Давид

DOI: 10.4324/9781135000356-РЕМО27-1

Опубликовано: 10.01.2016

Получено: 01 апреля 2022 г., с

https://www.rem.routledge.com/articles/overview/constructivism


Обзор

До Второй мировой войны конструктивизм не вызывал особого интереса у британских художников, за исключением тех немногих, кто участвовал в Circle в 1937 году. Circle состоял из публикации и сопутствующей выставки и был первой всеобъемлющей презентацией конструктивистских работ в Лондоне.Он был организован совместно Беном Николсоном (1894–1982), русским скульптором-эмигрантом Наумом Габо и архитектором Лесли Мартином и рекламировался как международный обзор конструктивного искусства.

Британский конструктивизм

До Второй мировой войны конструктивизм не вызывал особого интереса у британских художников, за исключением тех немногих, кто участвовал в Circle в 1937 году. Circle состоял из публикации и сопутствующей выставки и был первой всеобъемлющей презентацией конструктивистских работ в Лондоне.Он был организован совместно Беном Николсоном (1894–1982), русским скульптором-эмигрантом Наумом Габо и архитектором Лесли Мартином и рекламировался как международный обзор конструктивного искусства. После войны в рамках конструктивистской традиции работали три основные группы: конструктивисты (1951–1960), сгруппированные вокруг Виктора Пасмора, британское отделение Groupe Espace (1953–1960) во главе с Полом Везле и Systems Group (1960–1977). ), основанная Малкольмом Хьюзом и Джеффри Стилом. До середины 1960-х годов большинство этих художников придерживались конструктивистской концепции синтеза архитектуры, живописи и скульптуры в создании новой среды для технологического общества.После 1960-х годов от этой утопической концепции отказались, и в центре внимания оказалась внутренняя конструктивная логика отдельного произведения искусства. Хотя групповая деятельность не велась с 1976 года, выжившие художники из групп «Конструктивист» и «Системы» вместе с другими более молодыми художниками по-прежнему работают в конструктивистском режиме.

Марлоу Мосс (1890–1958) была первой художницей-конструктивисткой британского происхождения, хотя в то время, в 1928 году, она жила в Париже, и ее работы не имели большого влияния в Великобритании.В конце 1930-х многие европейские художники, в том числе русский скульптор-конструктивист Наум Габо (1890–1977), приехали в Лондон, спасаясь от нацистского и советского гнета. Подружившись с Беном Николсоном, Габо предложил сотрудничество в создании книги и выставки в качестве обзора международного конструктивного искусства и архитектуры. К ним присоединился архитектор-модернист Лесли Мартин. В их книге Circle , опубликованной в 1937 году, фигурировали 56 участников, 10 из которых были британцами, хотя конструктивистская идентичность некоторых из них была слабой.Деятельность кружка прекратила Вторая мировая война.

В 1951 году Виктор Пасмор (1908–1998) основал группу конструктивистов вместе с художниками Адрианом Хитом, Джоном Эрнестом, Энтони Хиллом, Кеннетом Мартином, Мэри Мартин, Джиллиан Уайз и скульптором Робертом Адамсом. В течение 1950-х годов они участвовали в групповых выставках с другими абстракционистами, организовывали собственные выставки и опубликовали три листовки. Во втором своем листе Пасмор писал, что художник «может практиковать с научной точки зрения… и может строить конструкции в соответствии с объективными принципами» (Бланк No.2, 1952, без страницы). Его ссылка на создание конструкций связана с созданием трехмерных рельефов вместо двухмерных картин, в то время как объективными принципами он указывал на использование математических или геометрических систем для определения структуры арт-объекта. Энтони Хилл стал ведущим представителем этого подхода. Кеннет Мартин различал образы, абстрагированные от мира природы, и конструктивную абстракцию, когда писал: «Это не сведение к простым формам сложной сцены перед нами.Это построение из простых элементов выразительного целого» (примечание без даты, архив Тейт). Группа конструктивистов распалась в конце 1950-х годов, хотя большинство членов продолжали работать в конструктивном режиме до конца своей карьеры.

Groupe Espace, основанная в Париже Андре Блоком в 1951 году, была преемницей довоенного движения De Stijl и Баухауза. Блок пригласил Поля Везеле (1892–1984), который до Второй мировой войны жил в Париже, стать делегатом Groupe London .Она наняла двух архитекторов, двух скульпторов и восемь художников, но не смогла привлечь конструкционистов после неудачной попытки Виктора Пасмора взять на себя руководство группой. На единственной лондонской выставке группы в 1955 году были представлены работы ведущих европейских конструктивистов, а члены группы также принимали участие в зарубежных выставках родительской группы. Везле была больше привержена абстракции в целом, чем конструктивизму, хотя и поддерживала конструктивистскую концепцию синтеза искусств.Самыми известными из других участников были скульптор Джеффри Кларк, художники Вера Спенсер и Чарльз Ховард и архитектор Вивьен Пилли. Марлоу Мосс, вернувшийся в Великобританию, также был членом. Группа прекратила свое существование в 1960 году.

В 1969 году несколько британских художников-абстракционистов, работавших в конструктивистском стиле, выставлялись в Хельсинки на выставке, организованной Джеффри Стилом (1931–) под названием «Systeemi-System: выставка синтаксического искусства из Британии. ” Термин «синтаксический» относится к конструктивистской концепции художественного произведения, построенного из словаря геометрических элементов.Стил и Малкольм Хьюз (1920–1997) пригласили всех художников, участвовавших в работе, создать Группу систем — термин «системы», относящийся к использованию рациональных базовых «правил» (часто математических) при определении структуры художественного произведения. Участниками были Стил, Хьюз, Джин Спенсер, Питер Лоу, Колин Поуп, Майкл Киднер, Питер Седжли и Дэвид Сондерс, а также Уайз и Эрнест из конструктивистов. В течение 1970-х годов они провели три собственные выставки и участвовали во многих других групповых выставках в Великобритании и за рубежом.Группа распалась в конце 1970-х. Тем не менее, все его члены продолжали работать в конструктивистском стиле на протяжении всей своей карьеры, а его оставшиеся в живых входят в число художников, которые до сих пор производят конструктивистские работы.

Конструктивистское искусство представлено гораздо сильнее в континентальной Европе, чем в Великобритании, и большинство конструктивных британских художников считают, что их работы совпадают с работами европейских художников, таких как Макс Билл, Ричард Лозе и Жорж Вантонгерлоо. Художники Systems Group установили тесные связи с аналогичными художественными группами в Германии, Польше, Швейцарии и Италии и выставлялись там гораздо чаще, чем в Великобритании, где американский абстрактный экспрессионизм оказал более сильное влияние, чем более холодные, точные и рациональные характеристики Европейский конструктивизм.

Японский конструктивизм (構成主義, Kōseishugi)

Философия конструктивизма была представлена ​​в Японии Мураямой Томёси (村山 知義, 1901–1977), японским художником, родившимся в Токио и воспитанным матерью-христианкой, участницей пацифистского движения. Хотя изначально его поощряли заниматься акварелью и традиционной японской живописью, Мураяма позже увлекся философией, особенно работами немецких философов Артура Шопенгауэра и Фридриха Ницше. Он обратился в христианство после того, как на него напали сокурсники за распространение пацифистских взглядов его матери.Мураяма поступил в Императорский университет Токио в 1921 году с намерением изучать философию, но вскоре уехал изучать искусство и драму в Берлинский университет им. Гумбольдта, Германия. Он вернулся из Германии в 1923 году, чтобы познакомить Японию с конструктивизмом, и стал одним из лидеров японского авангардного искусства и театрального движения. Мураяма впервые сформулировал свою художественную теорию «сознательного конструктивизма» (意識的構成主義, ishikiteki koseishugi ) в апреле 1923 года. jinsei), который предполагал включение всего спектра человеческих переживаний и эмоций в современную жизнь.

Термин «конструктивизм» возник в абстрактном художественном движении в России, но этот термин используется в Японии в широком спектре академических дисциплин, от искусства до политики, социальных наук и психологии, для обозначения взаимозависимости между человеческим опытом и реальностью. идей, связанных с социальными нормами, интересами и идентичностями. Конструктивизм также превратился в интернациональное эстетическое направление, поддерживающее авангардистскую тенденцию для выполнения конкретных социальных задач и избегания автономии искусства.Это стремление привело к нескольким движениям современного искусства, включая немецкий дизайн Баухауза и японское движение MAVO как потомство, также вдохновленное дадаизмом.

Конструктивисты предложили заменить традиционную заботу искусства композицией и переориентироваться на сам процесс построения. Конструктивисты были вовлечены в строительство нового общества, и именно эта политическая и социальная мотивация привлекла Мураяму и его коллег-конструктивистов к этому жанру и, в частности, к творчеству Василия Кандинского.Позже Мураяма разочаровался в отрыве конструктивизма от реальности и выработал свой собственный стиль, используя коллажи из реальных предметов для вызова конкретных ассоциаций. Он назвал этот метод «сознательным конструктивизмом», который развился в движение MAVO (マヴォ). Японские мавоисты стремились стереть границы между искусством и повседневной жизнью и восстали против условностей, объединив промышленные продукты с живописью или гравюрой в коллаже. Социальная мобилизация была частью движения, которое участвовало в художественных протестах против социальной несправедливости, изображаемой с использованием театральной эротики и высмеивания общественной морали.

Русский конструктивизм

Русский конструктивизм был авангардным движением, возникшим в результате ферментации большевистской революции 1917 года. Отвечая на преобразующий потенциал века машин, конструктивизм помог сформулировать эстетику, вдохновленную машинами и отражающую интересы современное индустриальное общество. Таким образом, он оказал глубокое влияние на модернистскую архитектуру и дизайн на Западе, повлияв как на движение Де Стиль, так и на Баухаус.Конструктивисты считали себя художниками-инженерами, которым поручено строить инфраструктуру нового общества, и движение на короткое время пользовалось поддержкой советского правительства, которое использовало этот современный абстрактный стиль для выражения своих идеалов. Конструктивизм проявлялся во многих областях культуры, в том числе в искусстве, архитектуре, графическом дизайне, театре и кино.

Истоки конструктивизма лежат в дореволюционном творчестве московского художника Владимира Татлина. Он отказался от романтического представления о художнике как о капризном гении и облачился в рабочий комбинезон в знак солидарности с пролетариатом.Вдохновленный кубизмом и итальянским футуризмом, Татлин создавал абстрактные геометрические конструкции или «живописные рельефы», используя промышленные материалы, такие как сталь, железо и стекло. Скульпторы Антуан Певзнер и Наум Габо опубликовали «Реалистический манифест » в 1920 году, в котором сформулировали этот новый подход. Считается, что термин «конструктивизм» произошел от манифеста, хотя были предложены и другие источники. Конструктивизм закрепился как движение в ИНХУКе (Институте художественной культуры) в Москве.Первая рабочая группа конструктивистов была основана здесь в 1921 году, в нее вошли Алексей Ган, Любовь Попова, Александр Родченко, Варвара Степанова и Александр Веснин, все они были приверженцами материалистического и политически ориентированного подхода. Важными отдушинами конструктивизма были журналы ЛЕФ (1923–1925) и Новый ЛЕФ (1927–1929), издаваемые Левым фронтом художников.

Конструктивисты были одними из первых художников, принявших новую эру машин и массового производства.В этот период Россия все еще была в основном сельской, крестьянской страной с небольшой тяжелой промышленностью, но большевистская революция обещала рабочий рай, построенный с помощью устрашающей мощи современных технологий. В этом климате политического рвения машина стала метафорой прогресса, и конструктивисты создали эстетику машины, которая позже была развита в Баухаузе.

Предвидя пролетарскую утопию, многие конструктивисты посвятили себя идеологическому делу большевизма.Они отвергли представление об искусстве как о заповеднике буржуазной элиты и стремились разрушить барьеры между искусством и промышленностью. Пропагандистская ценность их динамичных конструкций и графики была признана государством, и для ее культивирования были созданы многочисленные агентства. Например, Наркомпрос, Народный комиссариат просвещения, был культурно-просветительским министерством, возглавляемым Анатолием Луначарским. Владимир Татлин был назначен директором ИЗО (отдел изобразительного искусства Наркомпроса) и стал ключевой фигурой в реализации ленинского плана монументальной пропаганды.Конструктивистов привлекали для создания агитпроповских (агитационно-пропагандистских) поездов, которые ездили по стране, украшенные яркими графическими рисунками, тем самым донося революционные идеи до преимущественно неграмотного сельского населения России.

Татлин считал, что архитектура связана с инженерией, и видел в архитекторе анонимного работника, служащего обществу. Его дерзкий Памятник Третьему Интернационалу (1919–1920) был задуман как 396-метровая башня из железа, стекла и стали, возвещающая славу революции.Этот дальновидный проект представлял собой союз искусства и строительства — его скульптурная форма из двух переплетающихся спиралей и парящего диагонального компонента была представлена ​​в решетчатой ​​​​конструкции, напоминающей грубую инженерию, а не академическую архитектуру. Башня также функционировала как машина, состоящая из четырех прозрачных объемов, которые вращались с разной скоростью (годовой, месячной, ежедневной и ежечасной). Они предназначались для размещения правительственных учреждений по законодательству, управлению, информации и кинематографии.Высокие затраты и политическая оппозиция помешали Татлину реализовать проект, и была построена только масштабная модель. Впоследствии Татлин направил свои таланты в промышленное производство с ограниченным успехом, создав конструкции для мебели, рабочих комбинезонов и экономичной печи, предназначенной для массового производства.

Первоначально конструктивизм был связан с трехмерными конструкциями, но вскоре эстетика была распространена на другие медиа. Эль Лисицкий создавал наглядную пропаганду, опираясь на идеи футуризма и кубизма.Вдохновленный военными картами, его знаменитый плакат «Бей белых красным клином » (1920) использовал абстрактные образы и диагональные силовые линии для изображения Гражданской войны в России 1917–1922 годов.

Дизайнер Варвара Степанова разработала мощный визуальный стиль для графики, текстиля и одежды. В ее работах широко использовался фотомонтаж, манипулирование найденными фотографическими изображениями для создания резких сопоставлений. Диагональные линии и неустойчивые композиции передавали энергию и динамизм, присущие современности.Ее вклад в публикацию Итоги первой пятилетки (1932) мифологизировал технологические достижения первой сталинской программы экономических реформ.

Принимая большевистскую идеологию, Степанова рассматривала одежду как символ эгалитарных ценностей и инструмент социальной сплоченности. Она разработала рабочую одежду, спортивную одежду и текстиль, многие из которых производились серийно Первой государственной текстильной типографией с 1923 по 1924 год. Основываясь на смелых геометрических силуэтах и ​​абстрактных узорах, конструктивистская одежда механизировала человеческое тело и позиционировала его как биологическая машина, работающая синхронно с индустриальным обществом.

Муж Степановой Александр Родченко был художником и графиком, создававшим пропагандистские плакаты, обложки книг и государственную рекламу в столь же динамичном стиле. В его работах устранены ненужные детали и сделан упор на диагональную композицию. Экспериментировал с фотографией и фотомонтажом, разработал титры к фильму Дзиги Вертова « Киноглаз » (1924). Фотомонтаж был аналогичен монтажу в кино, и такие режиссеры, как Вертов и Сергей Эйзенштейн, начали экспериментировать с методами динамического монтажа, основанными на сопоставлении изображений.К конструктивистским произведениям можно отнести такие фильмы, как «Броненосец Потемкин » Эйзенштейна (1925). Наряду с экспериментами Степановой в дизайне одежды Родченко исследовал концепцию комбинезона, который он считал воплощением одежды рабочего класса. Для максимальной функциональности он включил съемные карманы и рукава, а также подчеркнул конструкцию изделия, подчеркнув детали яркими швами и молниями.

Архитектура была важнейшей областью конструктивистской практики, поскольку это была среда с потенциалом для создания новой инфраструктуры послереволюционной России.Конструктивистская архитектура была разработана Николаем Ладовским, Иваном Леонидовым, Эль Лисицким, Константином Мельниковым и братьями Александром, Леонидом и Виктором Весниными в зданиях, которые подчеркивали функционализм и новые методы строительства, переводя при этом динамизм конструктивистского искусства и дизайна в архитектурные термины. Общественные здания, выставочные проекты и декорации были в центре внимания этих экспериментов, и многие проекты остались незавершенными из-за технологических ограничений той эпохи.

Политическая поддержка конструктивизма пошла на убыль после 1932 года, когда Сталин запретил абстрактное искусство и навязал реакционную доктрину социалистического реализма. Это сильно ограничило конструктивистскую деятельность, хотя некоторые представители продолжали создавать новаторские работы, особенно в области дизайна плакатов и типографики. За пределами России конструктивизм повлиял на широкий круг художников и дизайнеров.


расширить

Александр Родченко, Плакат для московского издательства (1924)

Уругвайский конструктивизм

Уругвайский конструктивизм был динамичной художественной и культурной силой, воплощенной Asociación de Arte Constructivo (1934–1942) (AAC), а затем Taller Torres-García (1942–1965) (TTG) с огромным местным и национальным резонансом, заложившим основу для роста конкретного искусства в Южной Америке в 1950-х годах, а также для развития конструктивистской настенной живописи и концептуального искусства на континенте.

После 43-летнего отсутствия в своей стране Хоакин Торрес-Гарсия прибыл в Монтевидео в 1934 году с намерением основать Школу искусств Уругвая. 25 декабря 1934 года его проект материализовался с первой выставкой ААК, представившей третий вариант национальной панорамы искусств, в котором до того времени доминировали соцреализм и академический натурализм. В группу вошли Хоакин Торрес-Гарсия, Кармело де Арзадун, Хулиан Альварес Маркес, Инес Капрарио, Мария Сара Гумендес, Хорхе Ньето, Эктор Раньи, Лила Ривас, Кармело Ривелло, Аугусто Торрес, Николас Урта, Роза Акле, Альберто Сориано и Мария. Каньисас разработал искусство, основанное на геометрии, фронтальности и использовании индо-американских пиктограмм, под непосредственным влиянием эстетической доктрины мастера Universalismo Constructivo, которая ценила внутреннее качество материалов, таких как дерево, картон, текстиль, камень и металл.В период с 1936 по 1943 год ACC издавал журнал Circulo y Cuadrado , который служил мостом между европейским модернизмом и уругвайским геометрическим и конструктивным искусством, а также был платформой для демонстрации идей ассоциации о древнем индоамериканском искусстве и его иконографии. .

Одновременно с потерей импульса в мультихудожественной деятельности АКК, уже заметной с 1939 года, живописная мастерская ассоциации трансформировалась в ТТГ, которая была официально основана 14 октября 1942 года.Его основателями стали молодые художники нового поколения, в том числе Франсиско Матта, Хулио Альпуи, Гонсало Фонсека, Сома Байтлер, Эдгардо Рибейро, Алсеу Робейро, Эктор Раньи, Луис Жентье, Даниэль де лос Сантос, Луис Сан Висенте и Торрес-Гарсия. сыновья Орасио и Аугусто Торрес. К этим членам в следующие три года добавились еще 42 человека, многие из которых должны были стать признанными художниками в 1950-х годах. В период с мая по июль 1944 года 21 член TTG работал над 35 конструктивистскими фресками для прохода Мартирене в больнице Колония Сен-Буа в Монтевидео, передавая с помощью ярких основных цветов систему сетки и плоскую схематическую фигуру, типичную для AAC.Эта их самая влиятельная работа также ознаменовала активное участие женщин-художников в общественных комиссиях такого масштаба. Отвечая на нападки более консервативных фракций уругвайской критики, TTG издала Removedor , воинственный журнал, посвященный защите конструктивного искусства.

После смерти Торреса-Гарсии ТТГ продолжала функционировать до середины 1960-х годов. Хосе Коллель и Гонсало Фонсека воссоздали утраченные доколумбовые керамические техники, в то время как последний также создавал монументальные цементные скульптуры в Мексике и Соединенных Штатах.Аугусто и Орасио Торрес выполнили заказы на мебель и монументальные кирпичные росписи, и им удалось воссоздать текстуру и качество витража с использованием пластиковых панелей. Дальнейшие отголоски эстетики, продвигаемой ACC и TTG, можно найти в более поздних проявлениях конкретного и конструктивного искусства в Южной Америке.

Дополнительная литература

  • Аллоуэй, Лоуренс (1954) Девять художников-абстракционистов , Лондон: Alec Tiranti Ltd.

  • Бух, Александр (2010) Национальная идентичность и внешняя политика Японии: Россия как «Другой» Японии , Лондон: Routledge.

  • Буланти, Мария Лаура (2008) El Taller Torres-Garcia Y Los Murales Del Hospital Saint-Bois: Testimonios Para Su Historia , Монтевидео: Либерия Линарди и Риссо.

  • Коэн, Жан-Луи и Лоддер, К.(2011) Строительство революции: советское искусство и архитектура, 1915–1935 , Лондон: Королевская академия художеств.

  • Конструкторы> (1951, 1952, 1953) Broadsheets 1, 2, 3 , Лондон: Архив Тейт.

  • Дабровски, Магдалена, Дикерман, Л., Галасси, П., и Родченко, В.А. (1998) Александр Родченко , Нью-Йорк: Музей современного искусства.

  • Фаулер, А.(2007) «Поль Везеле и Grroupe Espace», Burlington Magazine , март: 173-179.

  • Фаулер, А. (2005) «Конструктивизм и системное искусство в Британии», Элементы абстракции , Саутгемптон: Городская художественная галерея Саутгемптона.

  • Фаулер, А. (2008) Рациональная эстетика: The Systems Group и Associated Artists , Саутгемптон: Городская художественная галерея Саутгемптона.

  • Габо, Н., Мартин, Дж. и Николсон, Б. (1937) Circle , Лондон: Faber & Faber.

  • Гоф, Мария (2005) Художник как продюсер: русский конструктивизм в революции , Беркли: University of California Press.

  • Грив, А. (2005) Сконструированное абстрактное искусство в Англии: заброшенный авангард , Нью-Хейвен, Коннектикут: Издательство Йельского университета.

  • Хан-Магомедов, Селим Омарович (1987) Александр Веснин и русский конструктивизм , Лунд: Хамфрис.

  • Ларкинг, Мэтью (2012) «Майо, движение, потрясшее художественную сцену Японии», Japan Times , http://www.japantimes.co.jp/culture/2012/04/26/arts/mavo-the-movement -that-rocked-japans-art-scene-2/#.UjPJHj8wNMI (по состоянию на 14 сентября 2013 г.).

  • Лоусон, Стефани и Таннака, Сейко (2011) «Воспоминания о войне и «нормализация» Японии как международного актора: критический анализ», Европейский журнал международных отношений 17 (3): 405–428.

  • Лоддер, Кристина (1985) Русский конструктивизм , Нью-Хейвен, Коннектикут: Издательство Йельского университета.

  • Марголин, Виктор (1997) Борьба за утопию: Родченко, Лисицкий, Мохой-Надь, 1917–1946 , Беркли: University of California Press.

  • Милнер, Джон (1983) Владимир Татлин и русский авангард , Нью-Хейвен, Коннектикут: Издательство Йельского университета.

  • Пелуффо Линари, Габриэль (1999) Historia de la Pintura Urguaya tomo 2. Entre Localismo Y Universalismo: Representaciones de La Modernidad (1930–1960) [versch. Aufl.] , Монтевидео: изд. де ла Банда Ориентал.

  • Рамирес, Мари Кармен и Буцио де Торрес, Сесилия (ред.) (1992) Эль Таллер Торрес-Гарсия: Школа Юга и ее наследие , Остин: University of Texas Press.

  • Рики, Джордж (1995) Конструктивизм: истоки и эволюция , Нью-Йорк: Джордж Бразиллер.

  • Торрес Гарсия, Хоакин, Диас, Алехандро, Перера, Химена и Торрес, Демиан Диас (2004) Universalimo Constructivo: Óleos, Maderas Y Dibujos; 28 июля 15 декабря 2004 г.: Museo Torres Garcia , Монтевидео: Museo Torres Garcia.

  • Вайзенфельд, Дженнифер (1994) «Сознательный конструктивизм Мэйо: искусство, индивидуализм и повседневная жизнь в межвоенной Японии», Art Journal 55 (3): 64–73.

  • Вайзенфельд, Дженнифер (2002) Майо: японские художники и авангард, 1905–1931 , Беркли: Калифорнийский университет Press.

Понимание искусства русского конструктивизма — Журнал Artsper

Реклама издательства «Книги» с портрета Лили Брик работы Александра Родченко, 1924 г.

Русский конструктивизм — движение, изменившее искусство! Он подчеркивает простые формы и распространяется на многие области искусства.Появившись одновременно с большевистской революцией, она стала синонимом нового мира. Но что такое русский конструктивизм? Вместе с Artsper давайте откроем для себя это важное движение в истории искусства.

Революционное искусство

«Смерть буржуазному искусству! Да здравствует революционное искусство!» Именно в этих терминах более или менее двигались русские художники, основавшие конструктивизм около 1915 года. Чувства были схожи с настроениями художников итальянского футуризма несколькими годами ранее.Они видят в политических потрясениях, волнующих их страну, наступление нового мира. Этот мир будет миром авангардного искусства.

Когда возникло большевистское движение, благодаря таким людям, как Ленин и Троцкий, коммунизм проник в российскую интеллектуальную, рабочую и военную среду. Коммунисты хотят изменить общество и положить конец буржуазии и аристократии.

Классическое искусство воплощает этот древний мир. Он представляет классовый досуг, предназначенный для элиты: буржуазное удовольствие по преимуществу.Поэтому его необходимо изменить!

Над ним работали

художника русского конструктивизма. Это достаточно хорошо проиллюстрировано в Манифесте Реалиста , написанном в 1922 году Наумом Гаубо, одним из основателей движения:

«Сегодня мы провозглашаем художников, живописцев, скульпторов, музыкантов, актеров, поэтов нашим словом и нашим делом… вам, людям, для которых Искусство не простое поле для разговора, а, наоборот, источник истинного возвышения. Мы переживаем расцвет новой культуры и новой цивилизации […], объединяющей народы в единый союз.Война и революция поставили нас перед новыми формами жизни, уже родившимися и действующими. »

Это новое художественное течение имело такой успех у большевиков, что на несколько лет стало официальным искусством русской революции. Художники-конструктивисты были назначены учителями в крупные художественные школы, а их работы выставлялись во многих общественных местах.

Владимир Татлин, модель памятника Третьему Интернационалу, 1919 г.

Принципы русского конструктивизма

Отвергнув художественные формы прошлого, художники-конструктивисты имеют для себя значение только двух течений: кубизма и футуризма.

Первый анализирует, разбирает, фрагментирует и перекомпоновывает объекты, чтобы умножить точки зрения. Второй берет некоторые из этих концепций, но по существу применяет их к современности, скорости и промышленности.

Но они хотят пойти дальше. Субъект отходит на задний план, за форму. Реализм уже не имеет значения, важна только композиция произведения. Фигурализм доживает свои последние часы. Очень скоро такой художник, как Казимир Малевич, ограничился созданием черного квадрата на белом фоне и провозгласил абсолютное превосходство формы.

В «Манифесте реализма» Наум Габо излагает 5 основополагающих принципов русского конструктивизма:

1. Мы отказываемся от цвета как изобразительного элемента […] Мы утверждаем, что тон вещества, то есть его материальное тело, поглощающее свет, является его единственной изобразительной реальностью. »

2. «Мы отказываемся от линии и ее описательной ценности. Мы утверждаем линию только как направление статических сил и их ритм. »

3.«Мы отказываемся от объема как от живописно-пластической формы пространства. Мы утверждаем глубину как единственную изобразительно-пластическую форму пространства».

4. «Мы отказываемся в скульптуре от массы как скульптурного элемента. »

5. «Мы отказываемся от тысячелетнего бреда искусства, который сделал статические ритмы единственными элементами пластического и изобразительного искусства. »

Костюм Любови Поповой, 1922 г.

Плакаты конструктивистов

Наум Габо продолжает в своем манифесте: «Отвес в руке, глаза точные, как линейка, разум, напряженный, как компас… мы строим нашу работу, как вселенная строит свою, как инженер строит свои мосты, как математик формулирует свои орбиты. »

Эти принципы, которые будут применяться в живописи, также широко применяются в мире графики и плаката. Русский конструктивизм также находит одно из своих лучших полей выражения в этом очень красноречивом и ярком графическом стиле. Особенно хорошо это воплотил художник Александр Родченко (1891-1956).

Речевик. Стихи (Оратор. Стих), 1929 г.

Русский конструктивизм и супрематизм

Русский конструктивизм очень близок к другому направлению русского авангарда: супрематизму.Многим историкам трудно отличить одно от другого, потому что они родились в одно и то же время, из одной традиции и воплощены одними и теми же художниками. Оба выступают за превосходство формы. Оба провозглашают конец классического искусства.

Например, Казимир Малевич считается создателем супрематизма, но его также связывают с конструктивистами.

Однако эти два движения отличаются по нескольким пунктам. В супрематизме есть только формы, чистые, аутентичные: крест, квадрат, прямоугольник.Не ищите тему, ее нет! Вернее, да — предмет есть форма для себя и ничего больше. Это очень интеллектуальное искусство. Мы еще не говорим о «концептуальном искусстве», но концепт не за горами…

Наоборот, художники-конструктивисты стараются быть более доступными для публики. Большевизм подразумевает победу пролетариата. Поэтому искусство должно иметь возможность обращаться к пролетариатам.

Благодаря расположению простых, ритмичных геометрических фигур предмет должен оставаться читаемым.Будь то плакаты, декоративно-прикладное искусство или картины, конструктивизм использует простые объемы. Сообщения тоже простые. Это язык рабочих. Это язык промышленности и современности.

Казимир Малевич, Черный квадрат на белом фоне , 1915

Русский конструктивизм и архитектура

Русский конструктивизм – это не только изобразительное искусство. Художники отказываются делать искусство только для стен музеев и коллекционеров. Он должен быть доступен всем и везде!

В танце, музыке, театре и многих других областях эти принципы применяются для создания провокационных и решительно современных произведений.Но именно в архитектуре русский конструктивизм переживет свой наивысший расцвет.

Принципы функционализма и простых линий очень популярны среди архитекторов. Илья Голосов (1883-1945) особенно представитель этого течения. В 1927 году он строит Зуевский рабочий клуб, знаковое здание русского конструктивизма. Вы можете видеть цилиндры, вложенные в прямоугольники и образующие геометрическую гармонию, которая одновременно декоративна и функциональна.

Зуевский рабочий клуб Ильи Голосова, построенный в 1927 году.

Эти заповеди появляются во всем мире одновременно.Будь то в Соединенных Штатах с Фрэнком Ллойдом Райтом, во Франции с Ле Корбюзье, в Германии с Баухаузом или в Италии с фашистской архитектурой… Мы видим повсюду расцвет модернизма. Однако в России подъем коммунизма окажет глубокое влияние на архитекторов. Здания прославляют революцию и режим. Они призваны сублимировать борьбу пролетариата. И это мало-помалу приведет к тому, что мы сейчас называем сталинской архитектурой, к напыщенному модерну, смешивающему классику и модерн в монументальных пропорциях.

Конец конструктивизма

Русский конструктивизм, в конечном счете, довольно неуловимое и гибридное движение. Первоначально сосредоточенный на важности форм и простых линий, он постепенно наполняется концепциями большевизма. Искусство должно быть для людей. Он должен представлять народ. Однако в ходе революции и с приходом к власти Сталина основополагающие принципы русского конструктивизма утратят свою популярность. Это считается слишком интеллектуальным, и художников увольняют с официальных должностей.Наконец, из искусства революционного, ставшего искусством официальным, оно наконец становится искусством подцензурным… Любопытное путешествие! Возможно, они предсказали это в манифесте 1922 года:

.

«Мы не ищем утешения ни в прошлом, ни в будущем. Никто не может сказать нам, каким будет будущее, или с помощью каких инструментов мы можем приблизиться к нему…»

Вам также может понравиться…

Родченко и Попова: определение конструктивизма

Тейт Модерн, Лондон.
12 февраля – 17 мая 2009 г.

МАЙКЛ СПЕНС

Тем не менее, эта великолепно проработанная и развешенная выставка несколько запоздала, поскольку она признает равный статус работ Любови Поповой с работами Александра Родченко в становлении и развитии конструктивистского движения в России. Первое свидетельство таланта Поповой было на Петроградской выставке 1915 года под названием

Выставка футуристов: Трамвай V . Это была выставка, сблизившая Малевича и Татлина; Попова и ее подруга Надежда Удальцова прислали картины, которые они написали во время пребывания в Париже под влиянием кубизма.Здесь работа Поповой Путешественник была особенно высокого качества. Как указывает Камилла Грей, именно Попова была самым выдающимся художником постабстрактных школ в России 1

Находясь под влиянием Малевича и Татлина, она была жизненно важным источником новаторских идей. Она начинала под видом Рабочей группы объективистов , первоначально отдельной от Рабочей группы конструктивистов Родченко , образованной в 1921 году. Здесь ценную роль сыграла художница Варвара Степанова.Напротив, Попова ранее была членом так называемого клуба Левой федерации в Москве вместе с Родченко, включая Татлина, Веснина и других, но еще не Степанова. Однако в 1919 году последний должен был написать «Манифест беспредметного искусства», в 1919 году для выставки Беспредметное искусство и супрематизм . Позже, в 1921 году, Татлин, Родченко, Попова, Степанова и Веснин прочно перегруппировались, к тому времени различные левые художники, отказавшиеся отказаться от станковой живописи, покинули корабль.Таковы были зыбучие пески этого исторического формирующего периода. «Продуктивизм» стал определяющим сигналом для консолидации конструктивизма. Здесь, как показывает выставка, Попова выступала за максимальное цветовое воздействие, а Родченко за структурирование пространства в живописи, к концу 1920-х годов. Проницательно, учитывая политическую атмосферу, они обратились к развитию конструктивистского театра (снова , Татлин, Степанова, Малевич и Родченко вместе).

Как поясняется в каталоге, и Родченко, и Попова фактически отказались от живописи через шесть месяцев после того, как Ленин провозгласил новую экономическую политику, и таким образом они устранили любой риск того, что конструктивистская живопись будет вынуждена уступить место простому товарному производству.В седьмом и восьмом залах выставки: 5×5: Картины и 5×5 Работы на бумаге воссозданы с сентября 1921 года. Седьмой зал фактически представлял собой то, что можно было назвать «Прощанием с живописью». В 1921 году Любовь Попова определила эти события, заявив, возможно, двусмысленно: «Я не думаю, что беспредметная форма есть окончательная форма: это революционное состояние формы». Это последовало за более ранним заявлением Родченко в 1918 году: «Россия родила свое искусство, и имя ему — беспредметность».К 1921 году Попова создала ряд картин под названием « Строительство космических сил », которые представляют собой превосходные парадигмы того, что должно было развиваться. Напротив, картины Степановой этого периода кажутся тусклыми. «Работы на бумаге» Поповой в восьмом зале этой выставки указывают на внешний реальный мир, в котором искусство может играть активную, а не сидячую роль. Художники-станковисты, конечно, выжидали прихода социалистического реализма, который и пришел. Но в это безмятежное лето революционных достижений было принято новое предложение, согласно которому художники должны посвятить себя промышленному производству.Попова вступила в этот новый этап своей творческой жизни, создав образцы тканей и прототипы одежды для фабричного производства, которые были популярны и успешны, и Степанова также была вовлечена в эту деятельность.

Как сказано во введении к каталогу, «Родченко и Попова объединены здесь на основе одинакового формального и теоретического блеска, и каждый из них играет пар роль в определении этого крупного движения в русском и международном модернизме». без давления рыночных ценностей или конкуренции за славу два художника создали беспрецедентный случай гендерной эквивалентности».На выставке представлена ​​картина Поповой «Живописно-архитектурная » (1918 г.) как значительная и блестящая работа, а также ее картина 1921 г. под названием « Пространственно-формальная конструкция ». Это шедевры вместе с сопутствующими графическими работами. Картины Степановой, надо сказать, не принадлежат к той же лиге, хотя ее собственный вклад в конструктивистское движение был существенным как в организационном, так и в творческом плане. Позже Родченко проявляет себя как блестящий графический дизайнер, в частности, о чем свидетельствует его дизайн 1925 года для плаката к фильму «Броненосец Потемкин » Сергея Эйзенштейна.

В каталоге явно и обоснованно говорится о преобладающих гендерных предубеждениях и даже о классовых предрассудках, которые власти были склонны применять к Поповой: отношение, которое Родченко не разделял. Одна из ее учениц даже упомянула, что она говорила о своем собственном приручении, «в какой-то степени женственном ( damsko ) супрематизме». Ее собственные картины были настолько строги в своей геометрической абстракции, что на самом деле невозможно применить общепринятые предположения о мужественности или женственности.В конце 1921 года именно природа конструктивизма и другие его устремления побудили Попову поддержать его, поскольку он позволял более объективное, научное исследование формы, и поэтому гендерная деградация была невозможна. Превосходные примеры коллажей Родченко (около 1923 г.) показаны в изобилии (вероятно, под влиянием аналогичных работ Эдуардо Паолоцци в 1940-х, 1950-х и 1960-х годах) и выражают также его собственное восхищение своими коллегами-женщинами; были также некоторые вдохновляющие киноработы, представленные на нынешней выставке. 2

Жизнь Любови Поповой оборвалась преждевременно и трагически. Ее сын, родившийся в 1918 году, увидел смерть своего отца, ее мужа, искусствоведа Бориса фон Эдинга, в 1919 году от брюшного тифа, через год после рождения сына. Сама Любовь тоже была серьезно ослаблена этим. Затем ее сын умер в мае 1924 года от скарлатины; затем она сама заразилась и умерла от того же через несколько дней в возрасте всего тридцати пяти лет. Как говорит Кристина Киэр в своем эссе «Каталог Его и ее конструктивизм », «мы неизбежно знаем о Поповой гораздо меньше, чем о Родченко».По-видимому, это связано с тем, что «условия познаваемости отсутствуют» из-за непростительного отсутствия документации, отсутствия научных исследований и явной степени шовинистического сопротивления облегчению такой доступности в прошлое. Тем не менее, благодаря своему великолепию, выдержке, подлинной общественной приверженности и, прежде всего, своей интеллектуальной смелости, она все еще остается потерянным героем конструктивизма. Эта замечательная выставка во многом восполнит этот дефицит.Возможно, в эти времена глобального кризиса подобные фундаментальные человеческие характеристики становятся все более важными как напоминания о будущей деятельности.

Ссылки
1. Грей, Камилла, Русский эксперимент в искусстве 1863–1922 гг., Лондон, Темза и Гудзон, 1976 г.
2. Эдуардо Паолоцци, см. -Sauce (1948) Collage и Bunk (Collage, 1952), а также, например, James Joyce: Monument to Trieste (Collage, 1960-62), все они воспроизведены в Spencer, R, Eduardo Paolozzi, Writings and Интервью s , Oxford University Press, Оксфорд/Нью-Йорк, 2000.

Конструктивистское искусство и дизайн. Воображаемая экскурсия в… | Крейг Берри

Воображаемая экскурсия в Восточную Европу.

Написано Крейгом Берри
Дизайнер и писатель

Stedelijk Museum Amsterdam – 100 лет русской революции/Создание нового человека

В последние несколько лет я заметил рост документирования и признания русского и восточноевропейского искусства и дизайн, с большим количеством галерей и музеев, выставляющих недавно обнаруженные коллекции гравюр, плакатов, эскизов и других однодневок.Мы начинаем видеть все больше и больше этих работ в крупных учреждениях, демонстрирующих это культовое движение начала 20-го века. Эта статья направлена ​​на то, чтобы развить тему конструктивистского искусства и дизайна через его историю и некоторые выставки, которые я посетил, посвященные этому движению.

Конструктивистское течение — художественная и архитектурная философия, зародившаяся в России в 1910-е годы, в период консолидации революции 1917 года и новой советской власти, строящей новое коммунистическое общество.Конструктивизм взял идеи из существующих движений, таких как супрематизм, кубизм, футуризм и дадаизм, но вместо того, чтобы использовать традиционную художественную композицию для создания работ и объектов, они заменили это строительством, отсюда и название конструктивизм. Однако это не ограничивалось дизайном, но также искусством, скульптурой, архитектурой, модой и театральным дизайном. В это время в мире достижения в математике и естественных науках, подобные Эйнштейну, потрясли мир искусства, показав, как работают пространство и время; с этим знанием художники создавали менее традиционные и реальные сценарии в искусстве и, в свою очередь, становились более авангардными, абстрактными и футуристическими в своем подходе и эстетике.

Две выставки, которые я посетил в этом году: «Создание нового человека» в Stedelijk (Амстердам) в феврале и «Представь Москву» в новом Музее дизайна (Лондон) в апреле. Обе посвящены русскому искусству, дизайну и конструктивизму, но в различные пути.

Во-первых, The Stedelijk, где выставка «Создание нового человека» была посвящена столетию русской революции посредством обширной презентации плакатов, печатных материалов, фильмов и произведений искусства из коллекции Stedelijk; большое пространство было посвящено выставке, посвященной искусству и дизайну этих плакатов и фильмов как пропаганде.Во-первых, плакат, как средство массовой информации, плакаты были (до сих пор являются) простым и эффективным средством для передачи художниками своих идей, а также для построения и укрепления социалистического общества; художники выбирали различные методы производства, такие как сатирические мультфильмы, методы редактирования фотографий и коллажи, для создания своих работ. Стиль коллажа был эффективным, позволяя использовать фотомонтаж и ранний графический дизайн с точки зрения композиции и использования шрифта.

Конструирование произведений искусства «Новый человек»

Помимо этих больших плакатов, было несколько таблиц, на которых были показаны меньшие отпечатки размером с флаер с использованием этих методов коллажа и фотомонтажа.Несмотря на то, что все они совершенно разные по своему методу и созданы разными художниками и дизайнерами, почти все они имеют единый стиль, а именно: насыщенный красный и черный цвет, черно-белая фотография/фотомонтаж и коллажи фото на фото, фото на тип и тип на типе. Все это имеет ранний модернистский оттенок с использованием шрифта без засечек (и кириллицы), прямых, вертикальных / горизонтальных линий и диагональных углов.

Конструктивистские плакаты и флаеры

Это те, которые выделялись для меня своей общей композицией, и они казались наиболее «конструктивистскими», они кажутся по своей сути смелыми, и ясно, что они передают сильное сообщение, очевидно, я не могу его понять, но Я не думаю, что вам нужно уметь читать его, чтобы увидеть, что он делает заявление.Использование стрелок здесь — сильная форма, особенно в этой пропаганде, она усиливает идею движения вперед как нации и/или движения.

Некоторые из оригинальных плакатов были специально увеличены для выставки, что позволило добиться максимального визуального эффекта. Я подумал, что увеличение этого плаката ниже было отличным решением, поскольку оно только подчеркивало и без того громкое и смелое изображение. Повторение одного и того же слова в концентрических кругах усиливает воздействие, а также использование цвета здесь, который намного более выразительный, чем другие принты и плакаты; он называется «Энтузиазм: Симфония Донбасса», что в сочетании с яркостью цветов создает общее позитивное и поднимающее настроение настроение.

Дзига Вертов: Энтузиазм: Симфония Донбасса – 1931 Дзига Вертов: Энтузиазм: Симфония Донбасса – 1931 (Увеличенный)

Использование блочных кириллических букв очень напоминает мне одного из самых известных русских конструктивистов изображения Александра Родченко, на этом изображена женщина, кричащая «КНИГИ/КНИГИ». Они оба оптимистичны, и у них есть идея прокричать сообщение аудитории, что также проявляется в дальнейших конструктивистских образах.

Александр Родченко: Ленгиз.Книги по всем отраслям знаний – 1924

Подобные конструктивистские плакаты стали своего рода образом или стереотипом русского искусства и дизайна в целом и неоднократно подвергались стилизации для рекламы, а также в качестве визуальных ориентиров для других художников. В приведенном ниже примере водки Stolichnaya используется конструктивистский стиль, чтобы сообщить зрителю, что водка является типично русской.

Stolichnaya Vodka Adverts

Этот стиль также популярен в дизайне как способ выглядеть смелым и важным, выкрикивая сообщение зрителю в пропагандистском стиле, но часто это может выглядеть излишне натянуто, особенно когда это для чего-то, например, для чая, пива. или концерт классической музыки.

Вдохновленный конструктивизмом дизайн

Еще один альбом Франца Фердинанда «You Can Have It So Much Better», который в основном такой же, как на изображении Родченко выше, но заменяет слово «BOOKS» в названии группы. Конечно, это отсылка к великому дизайнерскому движению, но тому, что было в свое время и по его причинам, здесь это просто очевидная плохая копия, я не думаю, что музыка по своей сути конструктивистская, но решать вам. .

Франц Фердинанд: У вас может быть намного лучше – 2005

Уличный художник Шепард Фейри тоже регулярно использует конструктивистский стиль в своих работах, но вместо того, чтобы пытаться выглядеть русским или выглядеть оригинальным конструктивистским образом, он использует форму и обработка, чтобы создать ощущение пропаганды в его работе, когда он использует утверждения, которые он использует, кажется, работает и кажется связным.Использование красного и черного также создает агрессивный и мощный тон, опять же подходящий для заявлений и сообщений внутри.

Шепард Фейри: различные картины

Хотя, несмотря на несколько более оригинальную работу, это изображение Фейри ниже было сделано примерно во время предвыборной кампании Обамы, и вы не можете отрицать, что оно невероятно похоже на оригинальную работу Родченко.

Shepard Fairey — Музей дизайна Say Yes, Imagine Moscow

После выставки я активно искала подобные вещи и когда поехала в Лондон на длинные выходные увидела, что в Музее дизайна проходит выставка о русской архитектуре, дизайне и пропаганде.Это также был повод посетить недавно построенный Музей дизайна.

Выставка «Представьте себе Москву» находилась в подвале музея, что было довольно неудобным местом, а также там не разрешалось фотографировать, поэтому я должен попытаться запомнить ее как можно лучше без изображений, чтобы помочь, хотя Я сделал заметки и сделал несколько подлых фотографий, а также нашел кучу в Интернете.

Пространство было разделено на 7 различных секций, 6 из которых основаны на архитектурных проектах и ​​предложениях, которые так и не были реализованы, а 7-я базировалась на реализованном Мавзолее Ленина, построенном на Красной площади в Москве.Название выставки удачное, поскольку намекает на содержание, оно позволяет представить, какой могла бы быть Москва с этими огромными зданиями внизу.

Мавзолей Ленина, Красная площадь в Москве

Ощущение от выставки было в несколько антиутопическом месте с этими грандиозными и авантюрными архитектурными эскизами, моделями и фотографиями этих нереализованных зданий. Каждое из предложенных зданий было основано на социальных целях, таких как образование, жилье, здравоохранение и т. Д.

Иван Леонидовский институт Ленина – образовательное пространство и библиотека с 15 миллионами книг, которая должна была стать «центром коллективных знаний СССР». Ленин задался целью бороться с неграмотностью в СССР, воспитывая новых советских мужчин и женщин. Огромная сфера на этом эскизе ниже должна была быть аудиторией для образовательных лекций, а башня — библиотекой, разделенной на пять читальных залов. Кроме того, было предложено, чтобы в здании также были залы для научных лекций, планетарий и радиостанция для трансляции событий на весь мир.

Иван Леонидов: Институт Ленина – 1927

Облачное железо Эль Лисицкого — горизонтальный небоскреб для уменьшения скученности. Его концепцией была сеть горизонтальных блоков в Москве, размещенных поверх вертикальных колонн. Горизонтальные секции должны были быть офисами и квартирами, которые должны были быть связаны с транспортными станциями через вертикальные вертикальные колонны. Помимо практического оправдания, Лисицкий хотел дать Москве новый горизонт, чтобы заменить ее старомодное прошлое.

Эль Лисицкий: Облачное железо – 1923–2925

Дворец Советов Бориса Иофана — огромный монумент, который был бы самым высоким зданием в мире; здесь предложенная 100-метровая статуя Ленина составила бы общую высоту здания около 516 метров.Невероятное и драматическое выражение советской власти. Строительные работы были начаты, но остановлены во время Второй мировой войны, несмотря на то, что уже была снесена самая большая церковь города. Вместо этого его фонды были преобразованы в бассейн под открытым небом. Это было бы невероятное здание и дань уважения Ленину, и если бы оно было реализовано, для придания некоторого масштаба статуя Христа-Искупителя в Рио-де-Жанейро была бы крошечной по сравнению с 38 метрами в высоту по сравнению со 100 метрами Ленина.

Борис Иофан: Дворец Советов – 1931–1941

Выставочное пространство, как я уже упоминал ранее, было неуклюже спланировано и несколько вызывало клаустрофобию в подвале, но если подумать, планировка должна была сбить с толку и заманить в ловушку за колоннами и стены, нет четкого маршрута.Куратор выставки утверждает, что макет направлен на создание «удивительного» опыта для посетителя, который не ограничен исторической шкалой времени:

«Спиральная форма требует активного движения и создает удивительные виды между различными экспонатами. Курирование выставки вращается вокруг «фантомов» без какой-либо иерархии или хронологии, которые работают и как серия, и как автономные части».

Наряду с архитектурными эскизами, фотографиями и моделями, которые были квинтэссенцией конструктивистских работ Эль Лисицкого, его почти видели как художника-конструктивиста с его уникальным стилем простых геометрических форм и абстрактных форм с основным цветом.Он смог бросить вызов условностям в искусстве, сочетая архитектуру и плоские формы. Его работа охватывала искусство, графический дизайн, типографику, фотографию и архитектуру с несколько модернистскими идеалами, которые оказали глубокое влияние на более позднее современное искусство, такое как ранние художники Де Стейла и Баухаус.

Его серия «Proun», по его словам, существует «на станции, где человек переходит от живописи к архитектуре». Эти картины сочетали в себе основные формы и смещающиеся оси, достигая высшей точки в нескольких перспективах и интригующих линиях.Эти работы можно считать основополагающими для развития современных абстрактных образов и оказавшими большое влияние на остро индустриальную современную архитектуру.

Эль Лисицкий: Proun 19D – 1920

Влияние Лисицкого на графический дизайн невозможно переоценить. Он был одним из первых художников, которые использовали ограниченную и урезанную палитру основных цветов, черного и белого, текста и основных форм, чтобы рассказывать истории и информировать, а также делать очень мощные политические заявления. Возможно, его самая известная работа «Бей белых красным клином» регулярно появляется на лекциях по истории графического дизайна.Здесь Лисицкий использовал свое несколько фирменное и легко узнаваемое сочетание красного, белого и черного, что усиливает посыл, указанный в названии произведения. Цвета и формы приобретают непосредственно символическое значение и семиотику. Острый красный клин ясно символизирует красноармейцев-революционеров, которые прорывают кольцевую оборону антикоммунистической Белой армии.

Эль Лисицкий: Красным клином побеждай белых – 1919

Я думаю, что этот образ искренне резюмирует конструктивистское движение в искусстве и дизайне, потому что он соответствует этому определению:

«Семенем конструктивизма было желание выразить опыт современной жизни — ее динамизм, ее новые и дезориентирующие свойства пространства и времени.Но также решающим было желание разработать новую форму искусства, более соответствующую демократическим и модернизирующим целям русской революции. Конструктивисты должны были стать строителями нового общества — деятелями культуры наравне с учеными в поиске решений современных проблем».

Конструктивизм, часть I – Умная история

Александр Родченко, Пространственное строительство No. 12 , гр. 1920 г., фанера, алюминиевая краска и проволока, 24 x 33 x 18,5 дюймов (MoMA)

Пространственная конструкция Александра Родченко № .12 — это одна из трехмерных геометрических форм, созданных в результате простого итеративного процесса. Все началось с листа фанеры, вырезанного в виде эллипса. Затем Родченко сделал второй надрез по краю первого, чтобы получилось узкое овальное кольцо. Он продолжал резать все меньшие кольца, пока не достиг центра.

После разрезания кольца были расправлены веером в трехмерные формы, удерживаемые на месте проволокой. Они были покрыты алюминиевой краской и подвешены к потолку для выставки вместе с аналогичными конструкциями, вырезанными из квадрата, круга, треугольника и шестиугольника.Эти визуально сложные скульптуры, созданные с помощью простого процесса, стали результатом стремления русских конструктивистов к созданию рационально произведенных объектов, основанных на фундаментальных законах формы и структуры.

Конструирование нового искусства для новой России

Конструктивисты были группой художников-авангардистов, которые работали над установлением новой социальной роли искусства и художника в коммунистическом обществе Советской России 1920-х годов. Они были привержены применению новых методов творчества, соответствующих современным технологиям и технике, к искусству и, в конечном итоге, к утилитарным предметам.Их общий подход был теоретическим и научным, и они отвергли стереотип художника как интуитивного и вдохновенного.

Они различали композицию, являющуюся результатом интуиции художника, и построение, основанное на научных законах. Пространственных Конструкций Родченко были примерами последних, форм, структурированных логическим умозаключением, а не интуицией. Они считались «лабораторной работой», а не предметами искусства, и предназначались для демонстрации теоретических концепций.

Выставка Обмоху, Москва, 1921

Структура по форме

Сохранилось очень мало работ раннего русского конструктивизма, но фотография с выставки Обмоху (Общество молодых художников), где Родченко выставил свои Пространственные конструкции в 1921 году, показывает разнообразие конструктивистских работ. Большинство использует простые геометрические формы и прямые линии, визуальный язык, который предлагает основные структурные единицы современной инженерии и архитектуры.

В двухмерных работах мазки и рисунки от руки были заменены линиями и формами, созданными линейкой и циркулем.Большинство объемных работ выполнено из дерева, но они имеют однородные гладкие поверхности, напоминающие машинные формы, а не фактуры, созданные рукой художника. Как отмечалось выше, Пространственные конструкции Родченко были покрыты алюминиевой краской, и вполне вероятно, что они были бы сделаны из металла, если бы это было возможно.

Визуальный язык многих работ конструктивистов символизирует современную машинную эру с точки зрения структуры и поверхности. Висячие Пространственные конструкции Родченко представляли собой динамические формы с видимыми конструкциями, а не статичные скульптурные массы на постаментах.Интерес работы заключается отчасти в том, как она демонстрирует систему. Пространственные конструкции Родченко создают сложные смещающиеся узоры твердых плоскостей, пространств и теней, но в основе их лежит простая, легко усваиваемая рациональная система. Признание того, как эта рудиментарная система генерирует сложные визуальные переживания, является частью эстетического удовольствия от работ.

Константин Медунецкий, Пространственная конструкция ( Строительный № 557 ), 1919 г., жесть, латунь, крашеное железо и сталь, 46 х 17.8 x 17,8 см (Художественная галерея Йельского университета)

Материалы и

Фактура

« Пространственная конструкция » Константина Медунецкого тоже была на выставке «Обмоху», но в ней отражены иные темы, чем работы Родченко. Вместо демонстрации рациональной строительной системы в работах Медунецкого показаны контрасты между фасонными металлами. Оловянная S-образная кривая, стальной круг, латунный треугольник и окрашенная в красный цвет железная парабола переплетаются и привариваются к окрашенному металлическому кубу.Работа поразительно современна своим абстрактным формальным языком и материалами машинного века.

Владимир Татлин, Контррельеф , 1913 год, дерево, металл, кожа (ГТГ)

Различные формы металлов демонстрируют их материальные свойства: тонкая S-образная кривая показывает большую гибкость олова; тонкая треугольная пластина из латуни подчеркивает ее качества в качестве поверхностного материала; тяжелое стальное кольцо демонстрирует свою прочность и гибкость; а железная парабола, окрашенная в красный цвет, является стабилизирующей, объединяющей и динамической силой композиции.Он также имеет символические ссылки; это одновременно и ручка, и стрела, указывающая вверх, к коммунистическому будущему, обозначенному ярко-красной краской.

Сопоставление разных материалов в работах Медунецкого отражает конструктивистскую концепцию фактуры . Faktura был широко обсуждаемым термином среди русских модернистов в первые десятилетия ХХ века, который сигнализировал об акценте на текстуре и рабочих качествах материалов.

Владимир Татлин Контр- Рельеф является примером современной скульптуры, которая рассматривалась в первую очередь связанной с фактурой .Это нерепрезентативное скульптурное собрание различных найденных материалов, представленных способами, демонстрирующими их свойства. Древесина, потрескавшаяся и обесцвеченная от времени, выступает в качестве прихватки для других элементов, включая крупнозернистую кожу, окрашенную различными красками, и различные виды металла с контрастными цветами и блеском.

Каждый материал обрабатывается таким образом, чтобы показать его рабочие качества: мягкая эластичность кожи, пришитой к верхней половине, и жесткая гибкость металла, когда он изгибается в изогнутые плоскости и скручивается в проволочный штопор.

Традиционные западные скульпторы, такие как Микеланджело или Бернини, обычно пытались превзойти свои материалы: заставить мрамор казаться плотью или тканью. Философия фактуры , напротив, заключалась в том, чтобы понять и отобразить фундаментальные свойства материалов.

Александр Родченко, Черное на черном , 1918, холст, масло, 84 х 66,5 см (ГРМ)

В 1918 году Родченко сделал ряд картин, демонстрирующих чистую фактуру ; их поверхности представляли собой просто черную краску, нанесенную на холст с различной текстурой для создания форм.Картины были созданы как вызов белой супрематической живописи Казимира Малевича, в которой белые геометрические формы использовались как средство духовной коммуникации. Напротив, черные картины Родченко не ссылались ни на что, кроме своих материальных качеств.

Казимир Малевич, Супрематическая композиция: Белое на белом , 1918, холст, масло, 79,4 x 79,4 см (MoMA)

Конец художественной интуиции

Вызов Родченко супрематизму Малевича иллюстрирует один из существенных постулатов конструктивизма: отказ от старых представлений об искусстве и художнике.Несмотря на радикальное изобретение чистой геометрической абстракции, Малевич был тем, кого конструктивисты считали устаревшим и буржуазным художником. Он был индивидуалистом, который считал, что создает свое искусство интуитивно. Кроме того, Малевич был идеалистом, преданным духовному миру и искусству, передающему трансцендентные смыслы и эмоции. Конструктивисты, в соответствии с коммунистическими установками, отвергали духовные интересы в пользу материального мира и законов, определяемых научными средствами.«Лабораторные работы» конструктивистов на выставке «Обмоху» 1921 года продемонстрировали их подход к созданию безличных и научно обоснованных форм, не имевших никакого значения, кроме их материального существования как физических примеров рациональных систем.

Фото Владимира Татлина Памятник Третьему Интернационалу

Синтез искусства и техники

Творчество Владимира Татлина было главным пробным камнем для конструктивистов. Его памятник Третьему Интернационалу , модель здания, предназначенного для размещения функций коммунистической партии, был парадигмой усилий конструктивистов по синтезу искусства и техники для создания современных утилитарных форм для новой эпохи.Однако сам Татлин отверг приверженность конструктивистов научному производству произведений. Хотя его искусство не было связано с духовными заботами, как у Малевича, он считал, что интуиция художника не может быть заменена научными законами.

После выставки Обмоху 1921 года конструктивисты оставили свои теоретически ориентированные лабораторные работы и занялись утилитарным производством. Их абстрактные формальные идеи помогли сформировать дизайн мебели и одежды, плакатов и театральных постановок, архитектуры и даже производственных технологий.Этот поворот к утилитарным проектам был в значительной степени мотивирован потребностями и ожиданиями советского общества и массовым стремлением к модернизации и индустриализации страны.

Теории и идеи конструктивистов также стали частью международных дискуссий об основных элементах искусства, дизайне для современного мира и образовании художников. Еще одним важным предметом этих дебатов был немецкий Баухаус, и они нашли отклик в 20 веке и продолжаются по сей день.

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

2019 © Все права защищены. Интернет-Магазин Санкт-Петербург (СПБ)