Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Наталья гончарова велосипедист: Описание картины Натальи Гончаровой «Велосипедист» 👍

Содержание

Выставка Натальи Гончаровой в музее Аteneum

Ateneum | Выставка открыта до 17 мая

В музее Атенеум (Финляндия, Хельсинки) с 27 февраля до 17 мая будет проходить выставка работ пионера русского авангарда Натальи Гончаровой.

Наталья Гончарова «Автопортрет с тигровыми лилиями». 1907-1908.
© Государственная Третьяковская галерея

На выставке показано более сотни работ, в том числе, большое количество живописных произведений, а также иллюстрации, театральные костюмы, эскизы декораций и записи балетов. Коллекция охватит первые четыре десятилетий XX века, которые оказались наиболее плодотворными и яркими в творчестве Гончаровой. Помимо живописи, Гончарова создавала костюмы и декорации для знаменитых «Русских сезонов» Сергея Дягилева, работала с домами моды в Москве и Париже, была вовлечена в авангардный кинематограф, и иллюстрировала поэтические сборники. Почти все работы на выставке будут показаны в Финляндии впервые. Важно отметить, что до Атенеума выставка экспонировалась в лондонском Тейт Модерн и в Палаццо Строцци во Флоренции.

Наталья Гончарова «Велосипедист». 1913.
© Государственный Русский музей

Художница Наталья Гончарова получила известность и признание гораздо раньше своих коллег по цеху — Казимира Малевича, Марка Шагала и Василия Кандинского. В 1913 году в Москве прошла ее персональная выставка, которая, по сути, и утвердила ее как ключевую фигуру русского авангарда. В 1916 году она переехала в Париж, где продолжала активно участвовать в богатой на события культурной жизни.

Ее личность и творчество чрезвычайно многогранны, противоречивы и незаурядны. Авторы выставки, старались представить творческих путь художницы во всей полноте и не обошли вниманием даже участие такие эпизоды, как Гончаровой в футуристических прогулках по Москве с раскрашенным лицом, что сродни лицедейству, и подражание народному творчеству и иконописи в художественных работах.

Наталья Гончарова «В саду». 1908. © Tate Images

В наши дни произведения Натальи Гончаровой стали одними из самых дорогостоящих работ женщин-художниц. В 2007 году её картина «Сбор яблок» (1909) была продана на аукционе Christie’s за рекордные 4,948 млн фунтов стерлингов. В 2010 работа из цикла «Испанки» ушла с молотка вечерних торгов Christie’s за 6 млн 425, 250 тыс. фунтов стерлингов.

Время работы Атенеума:
вт, пт с 10:00 до 18:00
ср, чт с 10:00 до 20:00
сб, вс с 10:00 до 17:00
понедельник — выходной день

Стоимость посещения:
Обычный билет — 17 €
Льготный билет — 15 €
До 18 лет — вход бесплатный

Королева авангарда в Атенеуме – “Гончарова была серьёзным художником, и всё, что она хотела от жизни – иметь мастерскую для работы» | Yle Uutiset

Наталья Гончарова: Велосипедист (1913). Государственный Русский музей. Фото: Государственный Русский музей 2019.

В Атенеуме открылась ретроспектива Натальи Гончаровой (1881-1962). Большинство работ экспонируется в Финляндии впервые. До Хельсинки выставка прошла в лондонском музее Tate Modern и в Палаццо Строцци во Флоренции. По случаю знаменательного события в культурной жизни столицы мы поговорили с куратором выставки Натальей Сидлиной из Tate Modern.

– Наталья, расскажите о стиле Гончаровой и о понятии всёчества. Ведь творчество художницы охватывает все возможные стили и аспекты искусства.

– Для Гончаровой основным был поиск выражения конкретной идеи, а не стремление к определенному стилю. Это касается и лучизма, который Гончарова и Ларионов изобрели в 1913 году. Они оба работали в этом стиле меньше 12 месяцев. Гончарова увлекалась неким методом, очень напряжённо работала несколько месяцев, усовершенствовала его, доводила работы до идеального на её взгляд состояния и двигалась дальше.

То что касается всёчества, то этот термин был изобретён для того, чтобы одним словом описать ту открытость ко всем влияниям, направлениям и формам искусства, которую Гончарова и Ларионов вместе пропагандировали с самого начала.

Если мы посмотрим на каталог выставки 1913 года – большой ретроспективной экспозиции Гончаровой в Художественном салоне Михайловой – то мы увидим, что её кредо содержит идею полной открытости, демократичного отношения к очень разным влияниям, направлениям.

Наталья Гончарова: Садоводство (1908). Галерея Тейт. Фото: Tate Images.

– Однако в предисловии к каталогу выставки 1913 года она написала о своём пути от Запада к Востоку и заявила, что “Запад мне показал одно: всё, что у него есть, – с Востока”.

– Именно. К этому времени она была уже совершенно сложившимся художником с международной репутацией, ведущим художником авангардистов. Выставка 13-го года была не только первой монографической выставкой авангардиста. Она была самой большой выставкой и получила огромный общественный резонанс. Для Гончаровой было очень важно сделать громкое заявление и обозначить себя не как последователя западных модернистских направлений, а как человека-творца, занимающегося чем-то совершенно новым. Именно поэтому она обращает внимание на Восток, на так называемые примитивные формы в искусстве народов Российской империи, Индии, Персии, Африки и т.д.

Деталь композиции «Жатва»: Феникс (1911г). Кураторам удалось привезти на выставку из разных музеев все семь сохранившихся частей серии «Жатва». Фото: Государственная Третьяковская галерея.

– Как и другие модернисты того времени…

Абсолютно так, но если мы посмотрим на хронологию, то очень небольшое количество из них имело выставки такого масштаба, размера и резонанса так рано в их творческой карьере. Даже если мы посмотрим на женщин-художниц сейчас, я могу с трудом назвать может быть пятерых, которые в возрасте 32 лет организовали выставку в самом престижном выставочном помещении страны и смогли показать около 800 работ.

– Как ей это удалось? Насколько повлияли PR-акции Ларионова? Например, организованная им прогулка футуристов с раскрашенными лицами по Кузнецкому мосту.

– На мой взгляд, это был идеальный симбиоз невероятно творческого таланта Гончаровой, которая могла работать днями, ночами, неделями, месяцами и создавать большое количество талантливых работ, и энергии Ларионова, который был не только талантливым художником, но и очень талантливым антрепренёром. Он имел невероятно чёткое видение, в каком направлении нужно двигаться, и не только ему и его подруге жизни, но и всему направлению современного искусства в России.

Гончарова с футуристическим гримом на лице во время акции 1913 года. Государственная Третьяковская галерея. Фото: Государственная Третьяковская галерея.

Выставка Гончаровой была одной из компонентов выставочной программы, которую он сформулировал, и проект был невероятно обширным и грандиозным. После выставки в Москве планировалось многолетнее турне по Российской империи, лекции и каталоги.

Перед акцией на Кузнецком мосту Ларионов отправил статьи в разные газеты. Когда футуристы вышли из автомобиля, их встретили журналисты не только с фото-, но и с видеокамерами. Это была грандиозная пиар-кампания. В следующий раз мы увидим такое только после 1960-х годов. И только, наверное, мы с вами можем оценить масштаб всего, что было проделано в 1913 году. Это была самая успешная выставка, которая полностью поменяла мнение широкой общественности и художественной элиты о молодой поросли художников.

Наталья Гончарова: Божество плодородия (1909-1910гг). Государственная Третьяковская галерея. Фото: Государственная Третьяковская галерея.

– Считается, что именно Ларионов подтолкнул Гончарову к занятиям живописью.

– Гончарова не сразу пришла в искусство, она занималась поэзией, ходила на медицинские курсы, затем поступила в Училище ваяния и зодчества и начала работать как скульптор. Во многих её работах 1900-х годов она практически лепит форму: очень трёхмерно работает с моделями.

По легенде, Ларионов увидел её работы и сказал, что видит её как талантливого колориста и посоветовал направить её глаз на цвет. Гончарова последовала его совету.

– Довольно большое количество работ Гончаровой посвящено религиозным темам. С чем это связано?

– Религиозная тема в творчестве Гончаровой, наверное, самая скандальная, – на удивление. Именно за работы на религиозные сюжеты Гончарова была раскритикована и на неё подали в суд за создание коррумпирующих изображений. Это были не обнажённые натуры, и не её футуристические работы, и даже не акции-перформансы. Основной проблемой было не то, что она, будучи женщиной, создавала работы на религиозные темы и даже не то, что её работы выглядели как иконы или фрески, которые могли бы находиться в церкви, а то что они выставлялись в контексте модернистских выставок с названиями «Мишень»или «Ослиный хвост».

Наталья Гончарова: Богоматерь (с орнаментом). Религиозная композиция. Триптих. (1911г). Государственная Третьяковская галерея. Фото: Государственная Третьяковская галерея.

Как только объектом большого общественного внимания становились работы женщины-модерниста, которая была не замужем, жила со своим партнёром Ларионовым и вела себя достаточно вызывающим образом, женщины из дворянской семьи с таким именем, как Наталья Гончарова, конечно, это вызывало общественное внимание. Несмотря на то, что Гончарову в итоге оправдали, судебный процесс преследовал её всю её жизнь. Она по сути своей не была скандалисткой, она была очень серьёзным человеком, который напряжённо работал. И в общем всё, что она хотела от жизни – иметь мастерскую для работы. Её даже не очень сильно интересовало общественное внимание к её вещам. И то, что она стала первым художником, которого подвергли юридическому суду за творчество, преследовало её долгие годы.

На самом деле, Гончарова была очень религиозной с самого детства. Также во Франции в эмиграции она была прихожанкой православного храма. Для неё работа над религиозным сюжетом являлось очень этическим делом и она не видела причины, почему она, как свободный художник, не может работать над этой темой. Она не понимала, почему её осуждают и продолжала работать над темой.

Наталья Гончарова “Натурщица на синем фоне” (1909-10). Третьяковская галерея. Фото: Yle / Anna Mattila

– К сожалению, ситуация не особо изменилась за сто лет.

– Да. И даже когда выставка проходила во Флоренции, наши коллеги выставили работы Гончаровой в Инстаграме, среди прочего “Натурщицу на синем фоне”. Инстаграм зацензурил это изображение. Изображение не зацензурили даже на выставке 1913 года, но на выставке 2019 года Инстаграм посчитал, что изображение не может находиться на общественном домене.

– Гончарова известна и своими театральными работами. Однако согласно легенде, она долго не соглашалась на сотрудничество с Дягилевым, который послал художнице 50 телеграмм и только на 51-ю получил ответ.

– Общение Гончаровой, Ларионова и Дягилева началось ещё в 1906 году, тогда Дягилев организовал большую выставку в Париже, он показал 700-летнюю историю российского искусства от иконописи до работ современного поколения. Ларионов и Гончарова отправили работы на эту выставку. Дягилев следил за тем, как развивалась их творческая карьера.

Выставка Гончаровой в Атенеуме. Фото: Kansallisgalleria / Jenni Nurminen.

После выставки 1913 года Гончаровой поступило много предложений. Её работы стали закупать в разные коллекции, в том числе и Третьяковскую галерею. С выставки были закуплены три работы, и они показаны сейчас в Атенеуме.

К ней обратилась одна из ведущих российских модельеров Надежда Ламанова с просьбой разработать дизайн для платьев. Также Дягилев вернулся в Москву и попросил работать над “Золотым петушком”. Гончарова долго не соглашалась, потому что изначально он спросил её лично, а не их двоих. Вот тогда полетели вот эти многочисленные телеграммы. Апокрифы говорят, что Гончарова игнорировала их до тех пор, пока Дягилев не сказал, что мы будем рады видеть и Ларионова. Тогда был заключён контракт и всего за несколько месяцев Гончарова создала этот невероятный объём работ. В своих воспоминаниях она говорила, что ей пришлось на несколько месяцев стать мужчиной. Она переоделась в штаны, рубаху и пиджак, взяла огромные малярные кисти, переехала в мастерские Большого театра и фактически там жила там с Ларионовым, работая днями и ночами.

Наталья Гончарова: Декоративная композиция с птицами и цветами. (1925–1928). Государственная Третьяковская галерея. Фото: Государственная Третьяковская галерея.

– Она ведь продолжила работать с Домами моды и в в эмиграции в Париже, но о её собственном стиле в одежде писали много нелестных отзывов.

– Если мы верим Дягилеву, он говорил о Гончаровой как о сильной женщине, которая вдохновляет также и внешним видом, обращает внимание на то, какие платья надевает, носит стильные белые блузы, тёмные юбки, шляпки. Если же мы посмотрим на воспоминания людей, которые её знали в 40-е и 50-е годы, то все говорили о том, что она одевается ужасно. Носит эти жуткие платки на голове, свитера с провисшими локтями и совсем не тратит время на то, чтобы выглядеть модно. Как всегда, истина, наверное, где-то посередине. Гончарова на самом деле не обращала большого внимания на внешний вид.

Наталья Гончарова: «Автопортрет с желтыми лилиями», 1907–1908, Государственная Третьяковская галерея. Фото: Государственная Третьяковская галерея.

Программные автопортреты 1908-09 годов, где, с одной стороны, она показывает себя такой как есть, с необычным лицом, узкими глазами, с немного приплюснутым носом, но в платье женщины позапрошлого века, эпохи Натальи Николаевны Гончаровой. Она показывает себя с руками художницы, с большими, натруженными пальцами и без всякой косметики и украшений. Она как бы говорит: “Вот посмотрите. Я Наталья Гончарова, но я не та Наталья, я другая.”

И второй её автопортрет с жёлтыми лилиями н фоне многочисленных живописных работ, где она как раз надела белую блузу и тёмную юбку. Ей хотелось, чтобы люди смотрели на работы. Ей было важно, чтобы смотрели на работы, а не на то, как она одета.

– Почему открывшаяся сегодня в Атенеуме выставка такая знаменательная?

– Невзирая на известность Гончаровой, на её огромную популярность, до сих пор за пределами России не было большой ретроспективной выставки, которая бы показала все грани её творчества, которая бы включала живопись, графику, работы для Домов моды, работы для театра, книжную графику, её работу как художницы-перформансистки. Это первая такая большая выставка за пределами её родной страны.

Её влияние на художников – огромное. Очень много творцов вдохновляются её работами. Она преодолела огромное количество барьеров, что позволяет современным художникам свободно менять направление от перформанса к видео-арту, затем к иллюстрации и дизайну. Она была именно тем художником, который один из первых обратился серьёзно ко всем сторонам художества, который понимал, что творчество – это абсолютно всё.

Выставка открыта в Атенеуме до 17 мая 2020 года.

Русские художники — НАТАЛИЯ ГОНЧАРОВА. ИСПАНКА. — Известные имена художников


24.08.2010 11:15

Автор: Бoгдaнoв П.С., Бoгдaнoвa Г.Б.

«О ты, чего и святотатство

Коснуться в храме не могло.

Моя напасть, мое богатство —

Мое святое ремесло!»

Каролина Павлова

Наталья Сергеевна Гончарова (1881-1962) – известный русский живописец, театральный художник и график. Наталья Сергеевна внесла ощутимый вклад в развитие русского авангардного искусства. Кроме того, она была правнучатой племянницей супруги Александра Пушкина – Натальи Николаевны. Творческая деятельность и судьба Гончаровой были тесно переплетены с художником Ларионовым. Наталья познакомилась с ним, когда ей был 9 лет, и впоследствии пара работала вместе около шестидесяти лет – в России и во Франции. Гончарова и Ларионов не подавляли талант друг друга, несмотря на то, что оба были темпераментными, волевыми и невероятно талантливыми людьми – скорее супруги дополняли друг друга и помогали раскрыть свою индивидуальность. Однажды Наталья призналась, что Ларионов имеет идеальный художественный вкус и что этот человек является ее «совестью» и «камертоном». Более того, Гончарова была убеждена, что Михаил Ларионов относится к тем редким людям, которые «отродясь все знающие». Художница признавала, что они очень разные, но Ларионову это не мешает понимать ее.

Наталья всегда пыталась, чтобы ее художественный язык и образы были понятны почитателям. Кроме того, художница призывала друзей не поддаваться веяниям эпохи механизации, а жить в гармонии с народными традициями. Наталья Гончарова и Михаил Ларионов испытали на себе влияние кубизма и футуризма, однако пара находилась у истоков примитивизма и лучизма. И в наше время ее яркие, выразительные работы можно назвать примером творческого переосмысления своих традиций.

Наталья Гончарова родилась в деревушке Ладышино, (Тульская губерния). С 1899 по 1902 год Наталья была студенткой Московского училища живописи, ваяния, а также зодчества. Начала обучение на скульптурном отделении, и продолжила в классе живописи К. Коровина. Гончарова и Ларионов были одними из организаторов футуристических выставок – «Бубновый валет» «Мишень», «Ослиный хвост» и прочих.

Понятие футуризм происходит от слова futurum (лат.), что означает – «будущее». Так называли художественный авангардистские течения, возникшие в России, Италии и некоторых других странах Европы в период с 1910 по 1920 год. Русский футуризм больше всего проявлялся в среде литераторов, и его первыми представители были – В.Маяковский, В.Хлебников и Д.Бурлюк. Эти футуристы продвигали нигилистские лозунги, а также стремились эстетизировать урбанизацию и демократизировать свое творчество, используя фольклорные мотивы и «архаичные» приемы. Наталья Сергеевна Гончарова не была сторонницей индивидуализма, и не раз подчеркивала, что у нее случается «столкновение с обществом», которое не понимает основ искусства, и это непонимание вовсе не из-за того, что она имеет некоторые индивидуальные особенности. Хотя Гончарова отмечала, что понимать эти особенности не обязан никто.

В 1910 году художницей была написана одна из ее самых знаменитых примитивистских работ «Мытье Холста».

НАТАЛЬЯ ГОНЧАРОВА. Мытью холста. 1910.

Также немалого внимания заслужили литографические иллюстрации, сделанные Гончаровой для сборников футуристов.

В 1912 году Наталья Сергеевна проиллюстрировала поэму Хлебникова и Крученых под названием «Игра в аду». В работах иллюстратора сталкиваются черное и белое, символизируя собой два противоборствующих начала. Рукописные тексты естественно включились в динамичные композиции Гончаровой – к примеру, один текст помещался в середину головы черта, который выглядел не устрашающе, а скорее иронично.

Наталья одна из первых начала применять технику коллажа в оформлении книг, опередив большинство европейских художников. В 1912 году мир увидел коллективный сборник «Мир конца», на обложке которого красовался вырезанный из золотистой тисненой бумаги цветочек. При этом цветок варьировался на всех экземплярах издания.

Также Гончарова проиллюстрировала повесть «Путешествие по всему свету», написанную Крученых, и поэму Хлебникова – «Вила и леший». В представлении Натальи Сергеевны образ Вилы происходит из самой природы. Некто из современников отметил, что Гончарова очень тонко понимает текст, к которому делает иллюстрации, ведь Вила – это действительно персонифицированный образ природы, и подтверждением этому является тот факт, что изначально поэма имела название «Природа и леший».

Случалось и такое, что при издании книги личность художника была так же заметна, как и личность автора. В 1913 году вышла книга, написанная Крученых под названием «Две поэмы. Пустынники. Пустынница», состоящая из семи страниц стихов и вдвое больше страниц иллюстраций. Можно сказать, что благодаря этому Гончарова стала практически соавтором Крученых. Особый интерес вызывает иллюстрация, описывающая сцену, когда отшельник поддается искушению – старец протягивает руку искушающему бесу, и мы видим слева только крылья покидающего его ангела-хранителя.

В том же году Н. Гончарова написала, ставшее известным, футуристическое полотно – «Велосипедист». В общей динамичной композиции изображен велосипедист, который проезжает мимо мелькающих вывесок.

НАТАЛЬЯ ГОНЧАРОВА. Велосипедист. 1913.

Кроме того, Наталья Сергеевна начала работать театральным художником, и уже в 1914 году во Франции, в известной антрепризе Дягилева она оформляет спектакль «Золотой петушок», где соединяет нежные и изысканные цвета с простодушным миром русского лубка. После возвращения в Россию художница оформляет спектакль К.Гольдони «Веер» для Камерного театра. Заядлый театрал К.Сомов высоко оценил «лубочное» цветовое решение, использованное Натальей Сергеевной для сценического действия.

Гончарова вместе с супругом Ларионовым в 1915 году эмигрировала во Францию и последующие полвека семья жила в Париже в необычном старинном доме.

К квартире супругов вела крутая лестница, и их комнаты были заполнены стопками книг, среди которых попадались рисунки Сутина и Пикассо и многие другие ценные документы.

Знаменитая поэтесса Марина Цветаева не раз бывала в гостях у Натальи Гончаровой и ее мужа, и при этом отмечала, что жизнь и работа этой семьи проходит очень гармонично. Цветаева писала, что творит Наталья каждый день, находя время для акварели, масла, карандаша, угля, пастели, и при этом у нее получается выполнять все свои работы безукоризненно.

Сохранилось много альбомов, в которых Наталья Сергеевна запечатлела виды на разные города, портреты и пр. Также художница проиллюстрировала немецкое издание «Слова о полку Игореве» и многие интересные полотна – одним из них было живописное полотно «Завтрак», на котором за завтраком изображен мужчина вместе со своей женой и женщиной, с которой он изменяет супруге. Творческая манера иллюстратора была основана на искусстве русского примитива и впитала в себя черты экспрессионизма и фовизма А. Матисса. Многие соглашались с тем, что последние работы Гончаровой нужно называть не иначе, как «песнопениями», а один рецензент отметил, что женщины, изображенные в серии «Испанка» сравнимы только с соборами.

Тем не менее, больше всего работала Наталья не с полотнами, а в театре. В период с 1917 по 1940 года она оформляла для антрепризы С.Дягилева такие балеты, как «Жар-птица», «Лисица», «Садко», «Литургия» (музыка И.Стравинского), «Игрушки», «Кощей Бессмертный» (музыка Н. Римского-Корсакова), «Богатыри»(музыка А.Бородина), «На Борисфене» (музыка С.Прокофьева), «Испанская рапсодия» (музыка М.Равеля). В некоторых работах ей помогал Михаил Ларионов.

Известная художница В.Ходасевич отмечала, что от Гончаровой будто «пахнет чистотой» и при этом она была строга, и строгость эта была «как в иконах».

Качества, описанные В.Ходасевич, Наталья Сергеевна сберегла в себя даже во время тяжелой болезни. Не стало Гончаровой 17 октября 1962 года. Отмечено, что последней заметной работой художницы был фестиваль, оформленный в 1957 году в Монте-Карло, который посвятили 15-летию со дня кончины М.Фомина. Постановки его балетов в свое время раскрыли Гончарову, как потрясающего художника-стенографа.

НАТАЛИЯ ГОНЧАРОВА. Испанка. Ок. 1916. Холст, масло. 130,3 x 81,3
Christie’s. 02.02.2010. Лот № 39. Эстимейт: 4–6 миллионов фунтов. Результат: 6,43 миллиона фунтов.

Рекордная для Натальи Гончаровой сумма в 6.43 миллиона фунтов стерлингов – в эту сумму была оценена картина «Испанка», написанная в 1916 году. Полотно было продано в феврале 2010 года на Christie’s. Наталья Сергеевна заинтересовалась «испанской» темой еще предреволюционные годы, впоследствии художница возвращалась к этой теме вплоть до 1930 годов. Картина «Испанка» представляет собой динамичную абстрактную конструкцию из треугольных блоков. Композиция передает мощную энергию традиционного испанского танца и яркие краски костюма. Работа появилась на торгах в 1971 году, и ее цена варьировалась от 4 и до 6 миллионов фунтов. Предыдущими владельцами полотна были небезызвестные дилеры, такие как Galerie Gmurzynska в Кёльне, Galerie Beyeler в Базель, Leonard Hutton в Нью-Йорке.

Наталья Гончарова. Цветы. 1916.

Картине «Цветы» принадлежал предыдущий рекорд художницы – полотно было продано в июне 2008 года за 5.52 миллиона фунтов на Christie’s. В этой работе поразительное сочетание энергетики футуризма, приемы лучизма, и желто-красная цветовая гамма, которая особо характерна для иконописи и русского народного творчества. Эта работа относится к одному из наиболее значимых периодов в творчестве Гончаровой. На торги картину выставили с убедительным провенансом, а история работы «Цветы» прослеживается ещё с персональной выставки 1914 года в Париже – в галерее П. Гийома. Эта картина широко известна благодаря публикациям, принимала участие в выставках, а также была частью собраний немецких коллекционеров Хохов.

← Русские художники — Давид Бурлюк.   Русские художники — ТАМАРА ДЕ ЛЕМПИЦКА. ПОРТРЕТ МАДАМ М. →


У Вас недостаточно прав для добавления комментариев.
Возможно, Вам необходимо зарегистрироваться на сайте.

Гончарова, Наталья Сергеевна — это… Что такое Гончарова, Наталья Сергеевна?

Ната́лья Серге́евна Гончаро́ва (16 июня 1881, дер. Ладыжино, Тульская губ. — 17 октября 1962, Париж) — русская художница-авангардистка. Внесла значительный вклад в развитие авангардного искусства в России. Правнучатая племянница жены Пушкина, Натальи Николаевны, в девичестве Гончаровой. По состоянию на 2009 год её картины стоят дороже, чем работы любой другой художницы в истории[1].

Происхождение

Принадлежала к дворянскому роду Гончаровых (потомков калужского купца Афанасия Абрамовича — основателя Полотняного Завода). Родилась в семье московского архитектора Сергея Михайловича Гончарова (1862—1935) и его жены Екатерины Ильиничны (урожд. Беляевой).

Дед — волоколамский исправник коллежский секретарь Михаил Сергеевич Гончаров (1837—1867) — племянник Н. Н. Гончаровой-Пушкиной-Ланской. Его жена — бабушка Натальи Сергеевны — Ольга Львовна (урожд. Чебышёва; 1836—1908), сестра известного математика П. Л. Чебышёва.

Биография

В 1901—1909 годах Гончарова училась в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где сначала занималась скульптурой, а затем увлеклась живописью, которую изучала под началом К. А. Коровина. В 1906 её работы впервые демонстрировались на выставках за границей. В 1900 познакомилась со своим будущим супругом Михаилом Ларионовым. Вместе с ним она принимала участие в многочисленных выставках в России и Европе.

С 1914 года Гончарова стала работать в качестве художника театра — выполнила оформление постановки «Золотой петушок» Н. А. Римского-Корсакова по заказу С. П. Дягилева.

До революции обвинялась ревнителями православия в кощунстве. На судебном процессе её защищал адвокат Михаил Ходасевич.

В 1915 году, приняв приглашение Дягилева работать в качестве художника для Русских сезонов, Гончарова вместе с мужем приехали во Францию, где уже и остались до конца жизни.

Скончалась в Париже 17 октября 1962 года.

Книжные иллюстрации

Наталья Гончарова известна как художник книги. Среди её работ:

Часть книг с иллюстрациями Н. Гончаровой переизданы в серии «Возвращение книги».

Рекорды

  • 18 июня 2007 года на вечерних торгах аукциона Christie’s в Лондоне картина Гончаровой «Сбор яблок» (1909 год) была продана за 4,948 млн фунтов стерлингов (почти 10 млн долларов США), установив таким образом исторический рекорд стоимости работ художников-женщин[4].
  • 02 февраля 2010 года на вечерних торгах аукциона Christie’s в Лондоне картина Гончаровой «Испанка» (1916 год) была продана за 6 млн 425 тысяч 250 фунтов стерлингов или 10 млн 216 тысяч 148 долларов США, таким образом установлен новый исторический рекорд стоимости работ художников-женщин.[5][6]

Подделки

В 2011 году в Москве была проведена пресс-конференция, участники которой (Ирина Вакар, Андрей Сарабьянов, Пётр Авен) заявили о примерно 300 подделках Натальи Гончаровой, опубликованных в монографии Эндрю Партона «Гончарова: искусство и дизайн Наталии Гончаровой» и первом томе каталога-резоне Дениз Базету «Наталия Гончарова: ее творчество между традицией и современностью».[7]

  • Стрижка овец, 1907

  • Бабы с граблями, 1907

  • Архангел Михаил, 1910

  • Павлин под ярким солнцем, 1911

  • Велосипедист, 1913

Кинематограф

Библиография

Книги

  • Цветы и гончарня: Письма М. Цветаевой к Н. Гончаровой. 1928—1932. М. Цветаева. Наталья Гончарова: Жизнь и творчество / Предисловие, подготовка текста писем и примечания к ним Н. А. Громовой. — М.: Дом-музей Марины Цветаевой, 2006. — 168 с. — ISBN 5-93015-086-9
  • Н. С. Гончарова и М. Ф. Ларионов: Исследования и публикации / Государственный институт искусствознания Министерства культуры РФ. — М.: Наука, 2003. — 252 с. — (Искусство авангарда 1910—1920-х годов). — ISBN 5-02-032673-9

Статьи

Примечания

Ссылки

Футуризм — веселое занятие? Подкаст про Наталию Гончарову • Arzamas

Подкаст «Зачем я это увидел?» продолжает выходить, несмотря на чрез­вы­чай­ную ситуацию в мире! Лучшие выставки в России и мире закрыты, но искус­ство вечно — давайте думать о нем и говорить (соблюдая карантин, социаль­ную дистанцию, гигиену рук и прочие необходимые меры предосто­рожности).

Новый выпуск писался в начале марта, когда границы были открыты, боль­шин­ство музеев работало и казалось, что опасность далека. Он посвящен выставке Наталии Гончаровой в хельсинкском музее «Атенеум», на открытии которой успел побывать Илья Доронченков. Но его (как и все предыдущие выпуски) можно слушать и без выставки: в конце концов, Гончарова — художница знаменитая, нам родная, а вопросов про нее много.

Кто круче как художник: Гончарова или ее муж Ларионов? Она художница русская — или мировая? Русский — значит, антизападный? Кто создавал миф о Гончаровой? За что ее картины запрещали? Что это значит — быть великим монументалистом? Авангард — еще актуальное искусство или уже классика? И почему футуризм — страшно веселое занятие? 

1 / 12

Наталия Гончарова. Автопортрет. 1907 год© Наталия Гончарова / Государственная Третьяковская галерея / Fine Art Images / Diomedia

2 / 12

Наталия Гончарова. Евангелисты. 1911 год© Наталия Гончарова / Государственная Третьяковская галерея / Виктор Великжанин / ТАСС

3 / 12

Наталия Гончарова. Ангелы и аэропланы. Из серии «Мистические образы войны». 1914 год© Наталия Гончарова / Fine Art Images / Diomedia

4 / 12

Наталия Гончарова. Святой Георгий. Из серии «Мистические образы войны». 1914 год© Наталия Гончарова / Fine Art Images / Diomedia

5 / 12

Наталия Гончарова. Крестьяне, собирающие яблоки. 1911 год© Наталия Гончарова / Государственная Третьяковская галерея / Fine Art Images / Diomedia

6 / 12

Наталия Гончарова. Богоматерь. 1911 год© Наталия Гончарова / Государственная Третьяковская галерея / Fine Art Images / Diomedia

7 / 12

Наталия Гончарова. Зима. Сбор хвороста. 1911 год© Наталия Гончарова / Государственная Третьяковская галерея / Fine Art Images / Diomedia

8 / 12

Наталия Гончарова. Божество плодородия. 1909–1910 годы© Наталия Гончарова / Государственная Третьяковская галерея / Ateneum

9 / 12

Наталия Гончарова. Натурщица (на синем фоне). 1909–1910 годы© Наталия Гончарова / Государственная Третьяковская галерея / Palazzo Strozzi

10 / 12

Наталия Гончарова. Электрический орнамент. 1914 год© Наталия Гончарова / Государственная Третьяковская галерея / Fine Art Images / Diomedia

11 / 12

Наталия Гончарова. Велосипедист. 1913 год© Наталия Гончарова / Государственная Третьяковская галерея / Fine Art Images / Diomedia

12 / 12

Наталия Гончарова. Цирк. Около 1907 года© Наталия Гончарова / Государственная Третьяковская галерея / Fine Art Images / Diomedia

Разбираемся во всем этом в подкасте. Слушайте его в нашем приложении «Радио Arzamas», в подкастах Apple, «Вконтакте», «Яндекс.Музыке» и любых других подкаст-приложениях — или даже прямо тут!

А еще! Мы продолжаем принимать ваши вопросы — особенно это актуально сейчас, когда выставок нет, а время на подумать появилось. В этом выпуске отвечаем на два. Почему ангелы на картинах Боттичелли беременные? И может ли фигуративная живопись быть абстрактной? Пишите нам на почту [email protected] с темой «Вопрос в подкаст „Зачем я это увидел?“», мы постараемся отвечать на самые интересные вопросы больше и чаще!

Прогулки Гитлера со Сталиным, или Хроника шедевров 1913 года | Что читают в Германии | DW

Именно в том году дал в Москве свою легендарную «пощечину общественному вкусу» (так называлась листовка футуристов) Маяковский и состоялась скандальная парижская премьера балета «Весна священная» Стравинского, вышел роман Пруста «По направлению к Свану», первый из цикла «В поисках утраченного времени», и был поставлен «Пигмалион» Бернарда Шоу, написаны «программные» «Колокола» Рахманинова и «Велосипедист» Натальи Гончаровой…

Наталья Гончарова. «Велосипедист» (1913). Фрагмент

Художественное творчество занимает главное место в книге Флориана Иллиеса (Florian Illies) «1913». Это своеобразная хроника шедевров. Автор подробно рассказывает, прежде всего, о немецких художниках, писателях, философах, об их произведениях, творческих поисках, увлечениях, об их успехах и провалах. Но действие этого документального повествования происходит не только в Берлине или Мюнхене. Оно начинается в Новом Орлеане, где 12-летний Луи Армстронг, попавший в исправительный интернат за стрельбу из украденного револьвера, впервые взял в руки корнет, и в Вене, куда в начале января приехал из Кракова с фальшивым паспортом на имя Ставроса Пападопулоса бежавший из ссылки Иосиф Джугашвили — приехал, чтобы написать по заданию Ленина статью по национальному вопросу.

В аллеях пустынного парка

«Чудесный грузин» жил в пансионе на улице Шёнбруннер Шлоссштрассе, в квартире у сочувствовавшего марксистам аристократа Александра Трояновского. Сталин редко выходил из дома, разве что прогуливался по аллеям расположенного рядом парка дворца Шёнбрунн. И здесь вполне мог столкнуться с другим «специалистом по национальному вопросу» — неудачливым художником, который провалился на экзамене в Академии художеств. Он жил в приюте для бездомных, любил гулять в парке и, как и Сталин, ждал своего шанса войти в историю. Его звали Адольф Гитлер (Adolf Hitler).

1913-й был годом великих переворотов не только в живописи и литературе, но также в науке и технике. Только один пример: в августе на заводе Форда в Детройте пустили первый сборочный конвейер. Так что какой-нибудь американский президент — Рузвельт, Трумэн или, скажем, Эйзенхауэр — вполне мог бы сказать лет через 20 или 40, как товарищ Сталин в 1933 году о черной металлургии, тракторной промышленности и прочем: «У нас не было конвейерного производства. У нас оно есть теперь!» Но не сказал.

Разумеется, и без политики Флориан Иллис не мог обойтись в своей книге. Революции, войны, восстания, покушения, убийства королей и президентов от Китая до Балкан и от Португалии до Мексики, — подобных событий в 1913 году было больше, чем достаточно. И вовсе не случайно спустя всего год количество, согласно диалектике, перешло в качество, и разразилась мировая война.

Но не геополитические коллизии и национальные конфликты занимают автора книги в первую очередь: о них и без него написано много. Иллис если и говорит об этом, то либо коротко, телеграфным стилем, либо, так сказать, опосредованно, остроумно вводя «политику» в повествование о художественной и светской жизни. Отдыхающий на водах кайзер Вильгельм уходит пить чай, не желая слушать о новых вооруженных столкновениях «горячих балканских парней», а Сталин, стоя у окна венской квартиры Трояновского, провожает взглядом проезжающий мимо автомобиль наследника австро-венгерского престола Франца Фердинанда (Franz Ferdinand).

Тень войны

Это не выдумка: улица, ведущая к дворцу Шёнбрунн, была привычным маршрутом обожавшего быструю езду эрцгерцога, которого летом следующего, 1914 года, застрелит в Сараево (кстати, в автомобиле) сербский студент Гаврило Принцип. Что, как известно, стало поводом для Первой мировой войны.

Мемориальная доска на доме, в котором Сталин жил в Вене

За автомобилем эрцгерцога следил с завистью знатока и молодой хорват Броз, который только что приехал в Вену, чтобы стать шофером-испытателем «Мерседеса». 20-летний искатель приключений и сердцеед живет на деньги очередной подруги, и из них оплачивает, среди прочего, алименты предыдущей, оставшейся дома. Когда беременной окажется и новая пассия, наш герой бросит и ее. Потом будет армия, война, русский плен… В конце концов, он вернется домой, в страну, которая тогда уже будет называться Югославия. И изменит имя, прибавив к тому, которое ему дали родители — Иосип Броз, партийный псевдоним Тито.

Таким образом, зимой 1913 года в Вене пересеклись судьбы двух величайших тиранов века — Сталина и Гитлера — и одного из самых долговечных его диктаторов — Иосипа Броз Тито. «Можно было бы подумать: три статиста истории», — замечает автор книги. Если, конечно, не знать продолжения той грандиозной драмы, участниками которой они станут.

Два кульбита

Эту драму предчувствовали. В Мюнхене бывший преподаватель математики, философ-идеалист и мизантроп Освальд Шпенглер (Oswald Spengler) работает в 1913 году над своим монументальным трудом «Закат Европы». Все дальше и выше летают самолеты и цепеллины, но это — подготовка к войне, и пилотируют их, как правило, военные летчики. В августе над Киевом Петр Нестеров впервые выполнил «мертвую петлю». Мастер высшего пилотажа тоже был военным — поручиком, позже штабс-капитаном. Во время Первой мировой войны он погибнет в воздушном бою.

Эрнст Людвиг Кирхнер. Улица в Берлине (1913)

В своей обычной манере уходить из трагического пафоса в увлекательную обыденность Флориан Иллис тут же рассказывает еще обо одном «кульбите» — о прыжке, который впервые исполнил в том же самом 1913 году австрийский фигурист Алоиз Лутц (Alois Lutz). Крутанувшись в воздухе, Лутц вошел в историю. Этот элемент фигурного катания с тех пор называют его именем. Сам он прожил всего до 20 лет, скончавшись от ран, полученных на той же войне.

Ее тень нависает над всеми художественными экспериментами, о которых идет речь в книге, над Пикассо и Матиссом, Делоне и Кандинским, кубистами, абстракционистами, фовистами, дадаистами, феноменологией Гуссерля (Edmund Husserl) и психоанализом Фрейда (Sigmund Freud), над первым киноконтрактом Чарли Чаплина, над первыми модными магазинами Коко Шанель в Довиле и Prada в Милане, над уличными сценками, написанными одним из основоположников немецкого экспрессионизма Эрнстом Людвигом Кихнером (Ernst Ludwig Kirchner), и еще над очень многими шедеврами и событиями, о которых идет речь в хронике «1913»…

Florian Illies
«1913».
S. Fischer Verlag, Frankfurt a. M. 2013

Наталья Гончарова

Ната́лья Серге́евна Гончаро́ва (16 июня 1881, дер. Ладыжино, Тульская губ. — 17 октября 1962, Париж) — русская художница-авангардистка. Внесла значительный вклад в развитие авангардного искусства в России. Правнучатая племянница жены Пушкина, Натальи Николаевны, в девичестве Гончаровой. По состоянию на 2009 год её картины стоят дороже, чем работы любой другой художницы в истории.

Происхождение

Принадлежала к дворянскому роду Гончаровых (потомков калужского купца Афанасия Абрамовича — основателя Полотняного Завода). Родилась в семье московского архитектора Сергея Михайловича Гончарова (1862—1935) и его жены Екатерины Ильиничны (урожд. Беляевой).

Дед — волоколамский исправник коллежский секретарь Михаил Сергеевич Гончаров (1837—1867) — племянник Н. Н. Гончаровой-Пушкиной-Ланской. Его жена — бабушка Натальи Сергеевны — Ольга Львовна (урожд. Чебышёва; 1836—1908), сестра известного математика П. Л. Чебышёва.

Биография

В 1901—1909 годах Гончарова училась в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где сначала занималась скульптурой, а затем увлеклась живописью, которую изучала под началом К. А. Коровина. В 1906 её работы впервые демонстрировались на выставках за границей. В 1900 познакомилась со своим будущим супругом Михаилом Ларионовым. Вместе с ним она принимала участие в многочисленных выставках в России и Европе.

С 1914 года Гончарова стала работать в качестве художника театра — выполнила оформление постановки «Золотой петушок» Н. А. Римского-Корсакова по заказу С. П. Дягилева.

До революции обвинялась ревнителями православия в кощунстве. На судебном процессе её защищал адвокат Михаил Ходасевич.

В 1915 году, приняв приглашение Дягилева работать в качестве художника для Русских сезонов, Гончарова вместе с мужем приехали во Францию, где уже и остались до конца жизни.

Скончалась в Париже 17 октября 1962 года.

Книжные иллюстрации

Наталья Гончарова известна как художник книги. Среди её работ:

  • Иллюстрации и оформление «Слова о полку Игореве» (1923)
  • Иллюстрации и оформление «Сказки о царе салтане»(1921).

Часть книг с иллюстрациями Н. Гончаровой переизданы в серии «Возвращение книги».

Рекорды

  • 18 июня 2007 года на вечерних торгах аукциона Christie’s в Лондоне картина Гончаровой «Сбор яблок» (1909 год) была продана за 4,948 млн фунтов стерлингов (почти 10 млн долларов США), установив таким образом исторический рекорд стоимости работ художников-женщин.
  • 02 февраля 2010 года на вечерних торгах аукциона Christie’s в Лондоне картина Гончаровой «Испанка» (1916 год) была продана за 6 млн 425 тысяч 250 фунтов стерлингов или 10 млн 216 тысяч 148 долларов США, таким образом установлен новый исторический рекорд стоимости работ художников-женщин.

Подделки

В 2011 году в Москве была проведена пресс-конференция, участники которой, эксперты Ирина Вакар и Андрей Сарабьянов и коллекционер Пётр Авен, заявили о примерно 300-х подделках Натальи Гончаровой, опубликованных в монографии Эндрю Партона «Гончарова: искусство и дизайн Наталии Гончаровой» и первом томе каталога-резоне Дениз Базету «Наталия Гончарова: её творчество между традицией и современностью».

Галерея

 

  • Стрижка овец, 1907

     

  • Бабы с граблями, 1907

     

  • Хоровод, 1910

     

  • Архангел Михаил, 1910

     

  • Павлин под ярким солнцем, 1911

     

     

  • Велосипедист, 1913

     

Кинематограф

  • Гончарова и Ларионов показаны в фильме «Драма в кабаре футуристов № 13». Премьера состоялась в январе 1914 года, когда группа «Ослиный хвост» уже распалась.

Наталья Гончарова: Первопроходец — Тейт и т. Д.

Наталья Гончарова с «Основным гримом для актрисы футуристического театра», опубликовано в Театр в каррикатурах , 21 сентября 1913 г.

Государственная Третьяковская галерея, Москва, фото: Андрей Сарабьянов

Многим художницам потребовалось много времени, чтобы добиться признания, которого они заслуживают, но в некоторой степени Наталья Гончарова (1881–1962) является исключением.Она была одной из первых женщин-художников, которая стала ведущей авангардистской фигурой, признанной ее коллегами-новаторами-мужчинами. Вместе со своим партнером Михаилом Ларионовым она доминировала на российской художественной сцене первой половины 1910-х годов, возглавляя творческие разработки, которые лежали в основе героических достижений русского авангарда: бросая вызов истеблишменту, бросая вызов живописным условностям и создавая мощные и новаторские работы, которые продолжаются. восхищать и удивлять.

Ее производительность была потрясающей.В 1913 году она представила более 800 работ на своей персональной выставке — первой публичной выставке в России — в Москве и Санкт-Петербурге. Поэт-футурист Илья Зданевич опубликовал монографию о ней и Ларионове — вероятно, первую книгу, в которой анализируется и описывается творчество художницы. Она была видным членом инновационной группы «Бубновый валет» (также известной как Бубновый валет) и в истинном авангардном духе раздвинула границы приемлемости в предметах, стиле и идеях, распространив это на арену публичное поведение.

Родившаяся в обедневшей аристократической семье, она идентифицировала себя с фигурами на периферии общества, рисовала евреев, борцов и крестьян, а также рисовала обнаженных людей и религиозных деятелей. Подрывая обычную роль макияжа, она раскрасила лицо абстрактными узорами и гуляла со своими коллегами по улицам Москвы в 1913 году — футуристическое проявление и перформанс. Она жила с Ларионовым, не выходя замуж. В брюках (неслыханных для женщин того времени) она расписывала декорации к спектаклю пантомимы Сергея Дягилева 1914 года по опере-балету Николая Римского-Корсакова Le Coq d’or .В том же году она снялась в первом футуристическом фильме « Драма в кабаре футуристов № 13 » режиссера Владимира Касьянова. В 1915 году она поехала в Швейцарию, где работала над оформлением балета Дягилева « Русские балеты ». К сожалению, в Россию она так и не вернулась. Живя в Париже с 1919 года, она продолжала работать до самой смерти: рисовала, создавала декорации и костюмы для балета и театра, создавала схемы для интерьеров и создавала дизайны одежды. Все более оторванная от французского художественного мира и отрезанная от своей родины, она впала в безвестность и лишь постепенно заняла в художественно-исторических повествованиях то место, которое по праву принадлежит ей.

Наталья Гончарова
Садоводство 1908 г.
Галерея Тейт
© ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2021 год

Гончарова приобрела известность как живописец, но в период с 1901 по 1909 годы она начала свое обучение в качестве скульптора в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.Во время русской революции 1905 года, радикализировавшей интеллигенцию, школа служила убежищем для политических активистов, борющихся с царским самодержавием на улицах Москвы. Хотя Гончарова, насколько нам известно, не принадлежала ни к одной радикальной политической партии, она и большинство ее однокурсников сочувствовали революционерам. Неудивительно, что ее последующие работы и действия, явно или неявно, бросили вызов правилам и ожиданиям, которые современный истеблишмент навязывал ей — как художнице, так и женщине.

Впервые она стала известна как лидер художественного движения, известного как неопримитивизм. Его цель состояла в том, чтобы создать типично русское искусство путем объединения западных инноваций постимпрессионизма, фовизма и даже протокубизма с художественными приемами, заимствованными из местных артефактов, таких как икона, лубок (популярный принт), крестьянские вышивки и другие элементы. коренного народного искусства. Как показывает картина вроде Мытье холстов 1910 (также известная как Стирка постельного белья ), толчок пришел из Франции.Действительно, Гончарова признала в каталоге своей выставки 1913 года: «Современные французские художники открыли мне глаза, и я осознала огромную важность и ценность искусства моей родины, а через это — ценность искусства Востока».

Выросшая в деревне, она хорошо знала крестьянскую культуру и часто носила крестьянский костюм. Теперь она использовала свои знания, чтобы рисовать крестьян за работой. В Hay Cutting 1907-8 она использовала смелые очертания, плоскую организацию, равномерный цвет и игнорирование перспективы, характерные для популярных принтов или lubki .Большая коса доминирует в композиции, а меньшие фигуры, несущие сено, завершают сельское повествование. Но Гончарова не была пуристом — все стили были ей полезны. В Gardens 1908 она объединила устройства Востока и Запада; складки женской одежды напоминают о драпировке в иконописи, в то время как кристаллическая стилизованная растительность кажется вдохновленной лубками , а также причудливыми растениями Анри Руссо. Для Крестьяне, собирающие яблоки 1911 Гончарова использовала протокубистский подход: огромные рабочие заполняют холст своими смелыми гранями и примитивными маскирующими лицами.

Наталья Гончарова, Крестьяне собирают яблоки 1911, холст, масло, 104,5 × 98 см

Государственная Третьяковская галерея, Москва, © ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2019

Наталья Гончарова, Крестьяне собирают виноград 1913–14, холст, масло, 145 × 130 см

Башкирский государственный художественный музей, Уфа, © ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2019

Гончарова, похоже, вызвала споры, сосредоточив внимание на простых членах общества в таких произведениях, как Борцы 1908–9 и Обнаженная черная женщина 1911.Особенно это касалось ее картин евреев, в том числе евреев на улице (еврейский магазин) 1912 года. При царях евреи были гражданами второго сорта, регулярно преследовались и подвергались насилию со стороны толпы. Ее Старик с кошкой , также известный как Монах с кошкой или Раввин с кошкой 1911, возмутил политический и религиозный истеблишмент, изобразив еврея в формате иконы.

Современному зрителю сложно понять, почему исследование Гончаровой иконописи было таким провокационным.Такие картины, как Богородица 1911, кажутся безобидными данью великой живописной традиции. Тем не менее в 1914 году ее обвинили в богохульстве. Евангелисты 1911 г. возмутили церковь. Хотя работа изображает фигуры просто и с достоинством, в стиле Сезаннизма штриховкой, она бросает вызов традиционным табу на рисование икон женщинами и подрывает общепринятые правила, запрещающие смешивать священные и мирские образы.

Это был не первый и не единственный раз, когда Гончарова приводила в ярость истеблишмент.Она постоянно игнорировала условности в соответствии со своей клятвой: «Я не ограничиваю себя в смысле художественных достижений». В 1910 году ее обвинили в демонстрации «искажающих изображений» обнаженных людей. Их угловатая формулировка и коренастые пропорции могли оскорбить общепринятые представления о хорошем вкусе и, конечно, бросить вызов общепринятым представлениям о женской красоте. Однако в этом отношении они мало чем отличались от работ ее коллег-мужчин. Несомненно, главным нарушением было то, что эти работы были созданы женщиной и таким образом попирали устоявшиеся представления о публичном приличии и обычном запрете на рисование женщинами живых обнаженных фигур.В Модель (на синем фоне) 1909-10 годов верхняя часть тела фигуры (от головы до лобка) смело противостоит зрителю, заполняя холст и бросая вызов академической и авангардной практике. Последовавший за этим судебный процесс сосредоточился на определении «общественного мнения», политической ориентации движения и моральных качеств Гончаровой. Такие вопросы были тесно связаны в обществе, где Академия контролировалась императорским домом. В защиту Гончаровой была свобода творчества, но в конечном итоге она была оправдана на том основании, что работы были показаны на частной выставке.

Наталья Гончарова, Велосипедист 1913, холст, масло, 79 × 105 см

Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, © ADAGP, Париж и DACS, Лондон 2019

Наталья Гончарова, Dynamo Machine 1913, холст, масло, 116 × 102 см

Dendar Artworks Limited, © ADAGP, Paris and DACS, London 2019

Неудивительно, что Гончарова была среди первых художников в России, которые откликнулись на кубизм и футуризм, разработав стиль, который стал известен как кубофутуризм, потому что он сочетал кубистическую фрагментацию с отчетливо современным сюжетом.Картины, такие как Factory (Futurist) 1912, Weaving Loom + Woman (также известный как The Weaver ) и Cyclist (оба 1913 года), сосредоточены на машинах, которые меняли повседневную жизнь и восприятие реальности людьми. . Велосипедист изображает мужскую фигуру, склонившуюся над рулем, жестко педалирующую, прыгающую по булыжникам провинциального городка и проезжающие мимо витрин, содержимое которых фрагментировано, чтобы передать его вывихнутые впечатления и ощущение скорости, с которой он движется. . Самолет над поездом , тоже 1913 года, представляет собой гораздо более сложный праздник движения и скорости. С 1902 года самолеты буквально дали человечеству крылья и позволили людям преодолевать гравитацию. Картина вызывает представления о времени и четвертом измерении, передавая новое восприятие реальности и ощущения изменчивого мира. Два вида транспорта вот-вот столкнутся друг с другом или они занимают одно и то же пространство в разные моменты времени? На пересечении двух структур одна фигура (якобы мужчина) стоит неподвижно, неподвижно среди хаоса, действуя как ось, вокруг которой движется композиция.Он может олицетворять человеческую изобретательность, которая привела в движение эти силы. Точно так же он может размышлять о чудесах техники и / или катастрофе, которая может разворачиваться, когда эти два изобретения сталкиваются. Этот образ можно интерпретировать по-разному, возможно, отражая двойственное отношение самой Гончаровой. В конце концов, технический и промышленный прогресс трансформировал и улучшал повседневную жизнь в России, но в то же время также подрывал традиционные социальные структуры, отрицательно влияя на те сельские ремесла, культуру и образ жизни, с которыми она отождествляла и увековечивала в своих неопримитивистских работах. .

Вместе с Ларионовым Гончарова, возможно, также была ответственна за развитие лучизма (иногда называемого районизмом — французский перевод русского термина). Основываясь на достижениях футуризма и кубизма, этот новый стиль не был связан с рисованием объекта, а вместо этого был сосредоточен на изображении лучей, отраженных от объекта, и пересечениях этих лучей в пространстве. Развивая эту идею, Гончарова создала абстрактные работы, такие как Районная композиция c.1912–13. Хотя она продолжала писать абстрактные полотна на Западе, именно ее красочные театральные проекты, основанные на мотивах крестьянских вышивок, привлекли внимание критиков и воображение публики.

На протяжении всей своей карьеры Гончарова проявила огромное мужество в борьбе с художественными и социальными условностями, стремлении к свободе творчества и отказе от традиционных гендерных ролей. Она проложила путь через все препятствия на своем пути и создала впечатляющий объем новаторских работ, которые заложили эстетическую основу для будущих разработок.

Наталья Гончарова, Мистические образы войны: Ангелы и самолеты 1914, литография, бумага, 32,9 × 25,2 см

Шотландская национальная галерея современного искусства, Эдинбург, © ADAGP Paris and DACS, London 2019

Наталья Гончарова, Коралл.Эскиз костюма к Садко 1915–16, бумага на картоне, гуашь, графит, 37,5 × 23,9 см

Государственная Третьяковская галерея, Москва, © ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2019

Наталья Гончарова, Дизайн с птицами и цветами. Эскиз текстильного дизайна для House of Myrbor 1925–199, гуашь и графит на бумаге с тиснением, 74,5 × 67 см

Государственная Третьяковская галерея, Москва, © ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2019

Наталья Гончарова, Продавец апельсинов 1916, холст, масло, 131 × 97 см

Музей Людвига, Кельн, © ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2019

Наталья Гончарова представлена ​​в галереях Eyal Ofer, Тейт Модерн, с 6 июня по 8 сентября.Кураторы: Наталья Сидлина, куратор международного искусства, и Мэтью Гейл, руководитель экспозиции, с Кэти Ван, помощником куратора, Тейт Модерн. При поддержке LetterOne, при дополнительной поддержке г-на Петра Авена и членов Тейт. Выставка организована Тейт Модерн в сотрудничестве с Фондом Палаццо Строцци во Флоренции и Художественным музеем Атенеум в Хельсинки.

Кристина Лоддер — почетный профессор истории искусства Кентского университета.

Велосипедист Картина Натальи Сергеевны Гончаровой Искусство

Качественная репродукция музея станет отличным дополнением к декору любого дома, офиса или ресторана!

Живопись: (1913) Велосипедист, холст, масло

Художник: Наталья Сергеевна Гончарова (1881 — 1962) — русский авангардист, живописец, художник по костюмам, писатель, иллюстратор, сценограф.

ШЕДЕВРЫ, ВОСПРОИЗВЕДЕННЫЕ ДО МУЗЕЙНОГО КАЧЕСТВА

КАРТИНЫ НАПЕЧАТАЮТСЯ НА ТЯЖЕЛОМ ПРОФЕССИОНАЛЬНОМ ХОЛСТЕ И / ИЛИ САТИНЕ С ИСПОЛЬЗОВАНИЕМ ТЕХНИКИ «ЖИКЛИ»

ВСЕХ КРАСКИ ИЛИ КРАСКИ 9000 ИЛИ КАРТЫ 9000 ИЛИ БЕЛЫЙ КАНВ

ДОСТУПНЫ РАЗНЫЕ РАЗМЕРЫ — НАЖМИТЕ ВКЛАДКУ РАЗМЕРА, ЧТОБЫ СДЕЛАТЬ ВЫБОР — (ВЫШЕ ТАБЛИЦА КОЛИЧЕСТВА)

Холст — (410 г / м2, плотный ярко-белый бескислотный хлопок)

Размер изображения — 18 на 13 дюймов — 37 долларов США.99 с бесплатной доставкой

Размер изображения — 24 дюйма на 18 дюймов — 51,99 доллара США с бесплатной доставкой

Размер изображения — 30 дюймов на 22 дюйма — 63,99 доллара США с бесплатной доставкой

Размер изображения — 36 дюймов на 26 дюймов — 77,99 долларов США с бесплатной доставкой

Satin Premium Paper — (190 г / м2, качество печати 1200 dpi)

Размер изображения — 18 дюймов на 13 дюймов — 32,99 доллара США с бесплатной доставкой

Размер изображения — 24 дюйма на 18 дюймов — 43,99 доллара США с бесплатной доставкой

Размер изображения — 30 дюймов на 22 дюйма — 52,99 доллара США с бесплатной доставкой

Размер изображения — 36 дюймов на 26 дюймов — 62 доллара США.99 с бесплатной доставкой

Доступен почти любой размер. Если вы хотите другой размер, свяжитесь с нами, и мы предоставим вам подробную информацию.

ОПИСАНИЕ

Отпечатано пигментными чернилами vivera, предназначенными для создания ярких цветных изображений, устойчивых к выцветанию.

Разработан с учетом требований к долговечности галерей и музеев и обеспечивает постоянство оттенков 200-летней давности.

GICLEE ART

Этот отпечаток giclée обеспечивает яркое изображение с максимальной точностью цветопередачи и исключительным разрешением.Стандарт для музеев и галерей по всему миру, giclée — это процесс печати, при котором миллионы капель чернил «распыляются» на высококачественную поверхность. Благодаря высокой степени детализации и плавным переходам цветовых градиентов отпечатки giclée выглядят намного более реалистичными, чем другие репродукции.

ДОСТАВКА — НОМЕР ДЛЯ ОТСЛЕЖИВАНИЯ БУДУТ ПОСТАВЛЯЕТСЯ В ПРОЧНОЙ КАРТОННОЙ ТРУБКЕ ДЛЯ ЗАЩИТЫ КОНТЕНТОВ ОТ ПОВРЕЖДЕНИЙ — ПОЛНОСТЬЮ СТРАХОВАНО

США — Ускоренная посылка БЕСПЛАТНАЯ ДОСТАВКА (любой размер) — 2-10 рабочих дней

Ускоренная посылка

Канада ДОСТАВКА (любой размер) — 2-10 рабочих дней

За пределами США и Канады 24 $.99 (любой размер) — 7-15 рабочих дней

100% ГАРАНТИЯ УДОВЛЕТВОРЕНИЯ — ГАРАНТИЯ ВОЗВРАТА ДЕНЕГ

Наталья Гончарова

Наталья Гончарова вместе со своим коллегой и соратником Михаилом Ларионовым возглавила русскую футуристическую живопись, или кубофутуризм, в начале двадцатого века. В то время как ее ранние работы находились под сильным влиянием французских постимпрессионистов, она продолжала помогать развитию примитивизма, лучинизма (особенно детища Ларионова) и различных футуристических театральных экспериментов.Когда в 1914 году пара отправилась в Париж с Сергеем Дягилевым, чтобы работать исключительно над сценографией, они оставили после себя русскую художественную сцену, навсегда измененную их новыми творческими формами, шумными публичными выступлениями и артистическими манифестами.

Рыбалка, Гончарова (1910)

Наталья Гончарова родилась в 1881 году в русской дворянской семье. Линия матери ее отца напрямую связана с Александром Пушкиным. Линия отца ее отца восходит к петровскому архитектору. Между тем мать Натальи происходила из семьи Беляевых, имевших огромное музыкальное влияние в девятнадцатом веке.

Она родилась в небольшой деревне к юго-востоку от Москвы в Тульской губернии и фактически выросла за городом, хотя и в большом имении. Когда в семнадцать лет она переехала в Москву, чтобы поступить в Московский институт живописи, скульптуры и архитектуры, она полностью сохранила свою привязанность к деревенской жизни. Это происхождение отличало ее от коллег-кубофутуристов по двум причинам. Во-первых, она происходила из семьи с деньгами и знати, в то время как большинство кубофутуристов происходили из крестьян или торговцев.Во-вторых, она была категорически анти-городской, и эта черта больше объединяла ее с итальянскими футуристами, чем с русскими. Эта тенденция больше всего проявляется в ее более поздних работах, с 1912 по 1914 год.

В Московском училище Наталья брала уроки скульптуры у художника Мира искусства Павла Трубецкого. Позже она переключилась на живопись и познакомилась, пожалуй, с самым влиятельным человеком в своей жизни, Михаилом Ларионовым. Эти двое стали неразлучны как в профессиональной, так и в личной жизни.

В 1906 году Гончарова и Ларионов выставили свои работы на выставке «Мир искусства», устроенной Дягилевым, и впоследствии он пригласил пару выставиться в Париже на Осенний салон 1906 года.Профессиональные отношения Гончаровой с Дягилевым на этом не закончились, и в 1914 году, после восьми лет развития и совершенствования своей художественной техники в Москве и Санкт-Петербурге, она вернулась в Париж, чтобы снова поработать с Дягилевым над декорациями для его русских балетов.

Крестьяне танцуют, Гончарова, 1911

Однако с 1906 по 1914 год в России произошел необычайно быстрый ряд художественных сдвигов и поворотов. Дягилев в это время шутил, что в месяц возникает двадцать школ, а Гончарова была в авангарде многих основных идей и нововведений.Она участвовала в выставках «Золотое руно» 1909 года и бубнового валета 1912 года. Постимпрессионисты оказали огромное влияние на кубофутуристов, и особенно в период Золотого руна в творчестве Гончаровой чувствуется преувеличение и высокая драматичность Тулуз-Лотрека. Всегда уделяя больше внимания декоративным элементам, чем Ларионов, Гончарова использовала смелые линии и густые неразбавленные цвета фовистов, чтобы передать грубую энергию с помощью, казалось бы, редких и простых элементов.

Ко времени последней выставки «Золотого руна» в конце 1909 года Гончарова превратила свою любовь к крестьянской культуре и деревенской жизни в свой собственный бренд примитивизма. Это движение черпало вдохновение из русских икон и народного искусства. Особое влияние имели русские лубоки. Это была своего рода книга политической / религиозной морали, выпущенная и распространенная среди крестьян в семнадцатом веке. В начале двадцатого века их упрощенный стиль изложения с энтузиазмом восприняли художники как в Германии, так и в России, которые интересовались примитивными формами стиля и повествования.Гончарова лично смогла расширить широту и глубину русского примитивистского движения, познакомив многих кубофутуристов с влиянием древних, отреставрированных икон, хранившихся в то время только в частных коллекциях.

Евангелисты, Гончарова (1910-11)

Отсюда Гончарова оставила свой след в примитивизме, оживив его своим собственным дизайном и орнаментом. Она мастерски соединила смелое использование цвета французскими фовистами с простотой и выразительной энергией икон, лубков и крестьянских деревянных блоков.Получающиеся в результате картины выполняют простую иллюстративную функцию, но они также полны эмоциональной силы. Гончарова привлекала прямолинейность и смелость, но она умела находить в этой смелости тонкости, и даже самые густые ее красочные просторы вибрировали от сложности.

Гончарова продолжала выставлять свои примитивистские работы, такие как работа 1910 года Рыбалка , на выставках Бубнового валета в 1912 году. Они ненадолго сблизили Гончарову и Ларионова с Василием Кандинским и братьями Бурлюк, Давидом и Владимиром, российскими членами Мюнхенская школа.Они также познакомили пару с Казимиром Малевичем, который будет подражать Гончаровой на протяжении большей части своей карьеры и возглавит движение кубофутуристов, как только пара уедет из России. Однако эти краткие опыты на выставках «Бубнового валета», похоже, убедили Ларионова и Гончарову отвернуться от влияния зарубежных художественных течений и выработать собственный чисто русский стиль. Говорят, что в это время они были «настолько радикальны в своих националистических идеях, что избавились от« мюнхенского декаданса »и« дешевого ориентализма парижской школы »(Gray 122).

После этого разлома Ларионов провел две крупные выставки, и, конечно же, Гончарова участвовала в обеих. На выставке «Ослиный хвост» в марте 1912 года Гончарова представила несколько произведений с заметным вниманием к религиозным темам. Одно из этих произведений, «Евангелисты», было фактически конфисковано цензором за богохульство. Хотя картина кажется современному глазу, она объединяет религиозный стиль икон с мятежными элементами кубофутуризма, такими как смелый цвет и блокированная абстракция.Более того, он был выставлен на выставке под названием «Ослиный хвост», что было истолковано как оскорбление приличия.

Кошки, Гончарова (1911–12)

На выставке «Таргет» в 1913 году Ларионов полностью выразил свои идеи районнизма, которые стремились передать ощущение и сущность объекта, нарисовав его испускаемые лучи, а не его буквальную форму. В Target были показаны экстраполированные, воспринимаемые и, в некоторой степени, духовно понятые пространства между зрителем и объектом. Районные работы Гончаровой по-прежнему по большей части изображали различимые предметы или людей, в то время как Ларионова тяготела к чистой абстракции.Ее работы в этом стиле, такие как «Зеленый и желтый лес », «Кошки» и «Велосипедист », передают энергию объектов, подчеркнуто драматизируя их линии и угловые движения.

Наталья Гончарова была не просто крупным художником авангарда — она ​​была также неоднозначной, уникальной и заметной личностью в Москве и Санкт-Петербурге. Ее выходки вызвали как похвалу, так и насмешки. То, что она жила с Ларионовым, по словам русского искусствоведа Джона Боулта, «вызвало возмущение как церкви, так и общественности» (45).Она часто носила брюки и другую традиционно мужскую одежду. Она публиковала манифесты, а в 1913 и 1914 годах провела персональные выставки в Москве и Санкт-Петербурге. Из-за этого и другого поведения ее иногда вспоминали как «театральную». Но если Гончарова была театрализованной, то в этом наверняка виноваты и ее многочисленные товарищи. Русские футуристы как группа были новаторами и смелыми не только на холсте: они внесли искусство в свою повседневную жизнь. Фактически, они пересекли обычные границы искусства, их работа неразличимо сливается с поведением их повседневной жизни.Они рисовали символы на своих лицах, обычно иероглифы или цветы. Гончарова иногда появлялась на публике топлесс с нарисованными на ее теле символами. В каком-то смысле использование ими странных, возможно, бессмысленных символов объединяло массы с прошлой символистской эстетикой. Отняв его у интеллигенции, они ужесточили и притупили его образность.

Конечно, творческий гений Гончаровой в сочетании с ее полом делали ее центром внимания, вызывающим больше внимания, чем кто-либо из ее собратьев-бунтарей.По словам Боулта, «в личных отношениях и поведении Гончарова пользовалась лицензией, разрешенной только актрисам и цыганам, и, возможно, из-за своей сомнительной социальной репутации, а не из-за каких-либо явных намеков на ее картины, она, как говорят, пересекала все границы. «граница приличия» и «порезать глаза» »(45).

Костюм для кальмара, Гончарова (ок. 1916)

Дягилев, с которым Гончарова работала над несколькими проектами, сказал о своей протеже:

«Самая знаменитая из этих продвинутых художников — женщина.[. . .] У этой женщины весь Санкт-Петербург и вся Москва у ее ног. И вам будет интересно узнать, что у нее есть подражатели не только ее картинам, но и ее личности. Она начала моду на ночные рубашки черного и белого, синего и оранжевого цветов. Но это еще ничего. Она нарисовала цветы на лице. И скоро знать и Богемия будут выезжать на санях с нарисованными лошадьми и домами и нарисованными на их щеках, лбу и шее »(qtd. В Chamot 173).

В 1913 году они с Ларионовым открыли и закрыли два кабаре: кабаре «Розовый фонарь», в котором было представлено всего несколько представлений, и, на короткое время в ноябре, «Трактир 13».Оба кабаре отличались интенсивным участием публики, импровизационными танцами и большой дозой их псевдосимволизма.

Из спектакля в Таверне 13-го на самом деле был снят фильм «Драма в кабаре футуристов №13». Этот короткометражный фильм был снят моим Владимиром Касьяновым и «собрал аншлаги и… скандалы» (qtd. В Bowlt 48). ). Не осталось нетронутой версии фильма. Есть только неподвижный кадр мужчины и женщины, вероятно, Ларионова и Гончаровой, женщины, покрытой символами и частично обнаженной.Фильм начался с чтения стихов и импровизационного танго и закончился «будущим смерти», во время которого один партнер должен убить другого »(qtd. В Bowlt 48).

Фон для «Жар-птицы», Гончарова (1926)

В 1914 году Ларионов и Гончарова уехали из России, чтобы вместе с Дягилевым заниматься сценографией в Париже. Яркие рисунки Гончаровой сильно напоминают русское народное искусство, но также сохраняют верность ее эстетике кубофутуризма. Сначала она работала над постановкой Дягилева « Le Coq D’Or» в 1914 году, , затем в 1915 году она отправилась вместе с Ballets Russes в Лозанну, Швейцария, где создала дизайн для Liturgie .

Гончарова и Ларионов также продемонстрировали свои таланты как минимум на четырех громких благотворительных балах в Париже: Grand Bal des Artists (поочередно: Grand Bal Travesti Transmental ) в 1923 году, Bal Banal в 1924 г., Bal Olympique (поочередно: Vrai Bal Sportif ), также в 1924 г., и Grand Ourse Bal в 1925 г. Гончарова использовала племенные маски, русское народное искусство и мифологию в дизайне костюмов, интерьерах и рекламе. материалы для этих мероприятий.

В 1923 году она разработала дизайн для Les Noces, , а в 1926 году переработала оригинальные дизайны 1910 года для нового производства The Firebird . В 1937 году Гончарова создала новый дизайн Le Coq d’Or по заказу Convent Garden London. То же самое она сделала для «Золушка » в 1938 году. Даже во время Второй мировой войны она продолжала работать, создав десять южноафриканских балетов для Бориса Княсева. После войны она делила время между Парижем и Лондоном, создавая сцены в обоих городах.Несмотря на тяжелый артрит, в пятидесятые годы она снова начала рисовать, вдохновившись космической программой СССР. В 1961 году, за год до своей смерти, сильно страдая от артрита, она снова переделала The Firebird для Королевского балета.

Наталья Гончарова, Tate Modern обзор

Российская художница Наталья Гончарова была и первопроходцем, и источником творческой энергии. В 1913 году она взяла Москву штурмом. Будучи первой художницей-авангардистом, которой дали ретроспективу в Художественном салоне Михайлова, она была полна решимости произвести большое впечатление.Выставка была чрезвычайно амбициозной — было представлено около 800 картин, гравюр, рисунков и рисунков — и имела большой успех.

С самого начала это была сенсация в СМИ. В ход пошло уличное шествие художников, лица которых нарисовала Гончарова зигзагообразными футуристическими узорами. Потом разразился скандал; несколько картин с обнаженными женщинами были конфискованы полицией по причине непристойности, и включение религиозных образов, написанных женщиной в стиле модерн, было столь же спорным.Позже, когда выставка гастролировала в Санкт-Петербурге, цензоры конфисковали и религиозные картины. Между тем выставку посетили 12 тысяч москвичей, и каталог пришлось дважды переиздавать.

Тейт Модерн не смог воссоздать какой-либо из этих раззматазов — ни фотографии, ни видеоматериалы с выступлением Гончаровой не включены — но они воссоединили хороший поперечный разрез картин, которые были выставлены. Художницам было 32 года, и они увидели в выставке возможность подчеркнуть разнообразие ее работ.На выставке были представлены картины в стилях импрессионистов, постимпрессионистов, экспрессионистов и кубофутуристов, но все с явно русским колоритом ( на фото справа вверху: Автопортрет с желтыми лилиями , 1908)

Уникальный талант Гончаровой заключался в впитывать влияние таких художников, как Сезанн, Пикассо, Дерен и Гоген, работы которых она видела в коллекциях богатых промышленников, таких как Иван Морозов и Сергей Щукин, но при этом делать их своими. Также в этих коллекциях были традиционные декоративно-прикладные искусства — русские иконы, вышивки, народные гравюры или лубки, росписи на жестяных подносах, расписная мебель и сельскохозяйственный инвентарь.Они передавали художественный язык Гончаровой не меньше, чем современное европейское искусство, поскольку были знакомы ей с детства.


Она родилась в семье аристократов, богатство которых происходило от текстильных изделий, производимых в поместье. Но настали тяжелые времена, и семья переехала в Москву, когда Гончаровой было 11 лет. Будучи студенткой художественного факультета, она часто возвращалась в их имение в Тульской губернии, и ей еще раз напоминали о красочных артефактах, которыми были заполнены крестьянские дома. Она нарисовала женщину в крестьянской одежде, а в 1907 году изобразила себя в традиционном костюме.Она нарисовала рабочих, стригущих сено, собирающих яблоки и виноград, стирающих и стирающих ткани в пруду поместья.

И точно так же, как Пикассо заимствовал угловатые формы африканских масок, Гончарова черпала вдохновение в резьбе по камню скифов, кочевников, бродивших по ступеням южной Сибири в дохристианские времена. Маскиобразные лица и упрощенные формы Крестьяне, собирающие яблоки , 1911 (на фото вверху слева), представляют собой смесь древних и современных, кубистских и скифских влияний.Комбинация привела к почти абстракции Крестьяне собирают виноград , 1913. Резкая угловатость фигур напоминает изгиб Дэвида Бомберга, который посвятил серию картин балету Ballet Russes , для которого Гончарова спроектировала множество декораций и костюмов.

Она была одной из первых, кто начал заниматься абстракцией. Bathers , 1922 — это триумфальная серия костяных форм — отчасти органических, отчасти промышленных, — которые сцепляются друг с другом, как кусочки мозаики.Перекрывающиеся формы и узоры Void, 1913 и Electric Ornament , 1914 — это воскрешение энергетических полей, используемых итальянскими футуристами для воплощения динамизма современной жизни. Но итальянцы не подходили к чистой абстракции и избегали органических форм, которые она использовала, поэтому она снова воплотила идею в жизнь.

Гончарова была сорокой, которая черпала идеи отовсюду и отовсюду. Она создавала картины, вдохновленные украшениями оловянных подносов, вышивкой народных вышивок и библейскими образами, изображенными на лубках.И она писала религиозные иконы — жанр, традиционно предназначенный для мужчин. Четыре Evangelists , 1911 сочетают в себе упрощенные формы скифской резьбы с тонкой вытянутостью фигур на иконах. Ее сочетание древних и современных языков достигает своего апогея в серии эскизов, созданных в 1915 году для Литургии, — религиозной драмы в постановке Леонида Мясина на музыку Игоря Стравинского. Постановка так и не была реализована, но Гончарова опубликовала свои проекты в виде набора гравюр, в которых угловатость византийской иконографии блестяще сочетается с энергетическими потоками, связанными как с футуризмом, так и с лучизмом, стилем, разработанным Гончаровой и ее партнером Михаилом Ларионовым.

Однако она ограничивала себя лучизмом не больше, чем другими стилями, из которых она заимствовала. Ее беспокойные смены стиля и охват стольких разных медиа и жанров затрудняют понимание ее потрясающей продукции. Помимо живописи, она создавала книги и плакаты для коллег-художников и поэтов, а также создавала одежду, вышивки и текстиль для домов моды в Москве и Париже. Самое главное, она работала на Дягилева, создавая декорации и костюмы для балета Ballet Russes .Первый заказ — Le Coq d’or в 1914 году — был получен в ответ на ее выставку 1913 года. Спектакль отправился в Лондон и завоевал международное признание. В 1915 году она и Ларионов отправились на гастроли с балетом Ballet Russes и, не имея возможности вернуться в Россию из-за революции, пара поселилась в Париже, где Гончарова оставалась до своей смерти в 1962 году, занимаясь живописью и дизайном до самого конца ( на фото вверху справа : эскиз костюма князя из оперы Римского-Корсакова Садко , 1916).Галерея Тейт Модерн сделала героический удар, чтобы охватить ее огромный творческий потенциал, но Наталья Гончарова все еще кажется неуловимой. Ее картины никогда не укладываются в те коробки, в которые их пытаются положить; в одну минуту она выглядит импрессионистом, в следующую — футуристом ( основная картина : Велосипедист 1913), абстрактным художником или религиозным мистиком ( на фото выше: Ангелы жатвы, бросающие камни в город, 1911) еще ее работы всегда кажутся довольно экзотическими и очень русскими. Все, что она делала, было полностью реализовано и чрезвычайно мощно, но из-за того, что она была таким хамелеоном, художница каким-то образом ускользает от понимания и остается скользкой и загадочной до последнего.

Наталья Гончарова | Wall Street International Magazine

Наталья Гончарова (1881–1962) известна как центральная фигура в русском авангардном искусстве, вдохновляющая художников-экспериментаторов как в России, так и в Западной Европе. Выставка предлагает всесторонний обзор творчества художника первых четырех десятилетий ХХ века. Перед тем, как попасть в Атенеум, выставка экспонируется в галерее Тейт Модерн в Лондоне и Палаццо Строцци во Флоренции.

Смелые и новаторские работы Натальи Гончаровой пользовались влиянием среди ее современников, преодолевая границы, которые обычно существовали между формами искусства 20-го века.Выставка посвящена наиболее новаторскому периоду художника с начала 1900-х до 1920-х годов, когда она вдохновляла художников-экспериментаторов как в России, так и в Западной Европе. На выставке представлено более ста работ, в том числе большое количество картин, а также иллюстрации, костюмы, эскизы декораций и записи балетных постановок. Практически все работы на выставке будут впервые показаны в Финляндии.

В своем обширном творчестве Гончарова вдохновлялась народным творчеством и религиозными иконами.Ее искусство тоже было противоречивым: Гончарова могла в один момент участвовать в уличном перформансе в Москве с раскрашенным лицом, а в другой — работать над созданием религиозного искусства, вдохновленного старинными иконами. Помимо визуального искусства, Гончарова создавала костюмы и декорации для знаменитых балетов Сергея Дягилева. Она также создавала дизайн для домов моды в Москве и Париже, участвовала в авангардном кино и обеспечивала иллюстрации к экспериментальным стихам.

Выставка организована Художественным музеем Атенеум в Хельсинки, Тейт Модерн в Лондоне и Фондом Палаццо Строцци во Флоренции при сотрудничестве с Государственной Третьяковской галереей.Куратором выставки является Тимо Хууско, главный хранитель Художественного музея Атенеум; Мэтью Гейл, руководитель экспозиций в галерее Тейт Модерн; и Наталья Сидлина, куратор международного искусства галереи Тейт Модерн.

Наталья Гончарова и дух «все» — Блог Джима Кэрролла

Гончарова родилась в семье русских аристократов в 1881 году. Она выросла в загородных поместьях в 200 милях от Москвы и переехала в город, когда ей было 11 лет. В 20 она поступила изучать искусство в Московский институт, а в 22 уже выставлялась в крупных салонах.

Хотя Гончарова получила классическое образование, ее вдохновляли современные французские живописцы и традиционные русские декоративно-прикладные искусства. В 1909 году она покинула институт и вместе с однокурсниками-радикалами образовала первую в Москве независимую выставочную группу. Решающим фактором для ее развития как артистки был отказ от всего, чему она училась в колледже.

«Я прошел через все, что может предложить Запад… и все, что моя страна ассимилировала с Запада… Теперь я стряхиваю пыль со своих ног и отдаляюсь от Запада.’

Гончарова отвергла традиционные подходы к масштабу, перспективе и натурализму. Ее искусство охватило ряд современных стилей: примитивизм, импрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм. Писала натюрморты, пейзажи и обнаженные натуры; традиционные крестьянские сцены и кадры городских потрясений; чистые абстракции и интерпретации религиозных икон.

Живописью Гончерова не ограничивалась. Она занялась гравюрами, книжными иллюстрациями и перформансом; театру, моде и дизайну интерьера.Она издала заум, экспериментальную звуковую поэзию. И она изобрела платье-рубашку.

Гончарова была рада судебному спору. Критики были возмущены выставкой ее работ 1910 года, которая включала обнаженные женские образы и языческую мифологию, и ее обвинили в публичном показе «развращающих» изображений.

Она также была прирожденным публицистом. В 1913 году в московской галерее прошла большая ретроспектива ее работ, в которую вошло более 800 ее работ, и это была первая персональная выставка любого представителя русского авангарда.За несколько недель до открытия она и ее коллеги-художники маршировали по улицам с иероглифическими узорами на лицах. Журналистов предупредили заранее, и улицы заполнились любопытными толпами. Выставку посетили около 12000 человек.

Гончарова уехала из России в 1915 году, чтобы создавать радикальные костюмы и декорации для Русского балета. Не имея возможности вернуться домой после революции 1917 года, она поселилась в Париже, где продолжала творить во всех средствах массовой информации вплоть до своей смерти в возрасте 81 года в 1962 году.

Я покинул выставку, трепеща перед смелостью и энтузиазмом Гончаровой, а также перед богатым разнообразием ее произведений. Трудно определить ее стиль, потому что она, казалось, разделяла их многие. Действительно, коллеги-художники описали ее работу как «все».

«Мы признаем, что все стили подходят для выражения нашего искусства, стили, существующие как вчера, так и сегодня».
Наталья Гончарова и Михаил Ларионов

Гончарова предлагает не ограничивать нас своим образованием; что мы не должны чувствовать себя обязанными следовать установленным кодексам и передовой практике.Это история об освобождении, о следовании своим страстям, куда бы они ни вели.

Что, если сбросить оковы условности и вкуса? Что, если мы отвергнем модные взгляды и ограничения стиля? Что, если мы забыли то, что знаем?

Возможно, как и Гончарова, мы могли бы использовать более широкий спектр методов, способов и средств массовой информации. Возможно, мы тоже сможем найти нашу собственную версию «все».

Кто-то сказал мне:
«Боже, все, что она хочет, это все, что она видит.«
Наверное, я любил тебя,
Потому что я сказал, что ты идеальная девушка для меня».

Бах! «Все, что она хочет» (G Майкл)

No. 242

Наталья Гончарова Велосипедист 1913 Наталья Гончарова Кошки 1913

Наталья Гончарова: Велосипедистка (1913)

Наталья Гончарова: Кошки (1913)

Михаил Ларионов: Красный лучизм (1913)

Малевич, этюды к Победе над Солнцем (1913)

Казимир Малевич, эскиз к Победе над Солнцем (1913)

Малевич, Композиция с Моной Лизой (1914)

Казимир Малевич: Черный квадрат (1915)

Малевич, Живописный реализм крестьянки в двух измерениях (1915)

Малевич, Последняя выставка футуристов (Петроград, 1915)

Владимир Татлин, Угловой контррельеф (1914)

Малевич, Супрематическая композиция (1916)

Василий Кандинский, Композиция IV (1911)

Кандинский, О духовном в искусстве (1911)

Эзра Паунд и Виндхэм Льюис, Взрыв (1914-1915)

Василий Кандинский, Импровизация 28, 1912

Казимир Малевич: Белое по белому (1918)

Александр Родченко, Триптих (1921)

Уничтожение картины? Малевич: «Я превратился в ноль формы и из ничего вышел к творчеству, то есть к супрематизму, к новому реализму в живописи.

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *