Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Пабло пикассо все картины: Pablo Picasso — Biography, Famous Artworks, Cubism

Содержание

Пабло Пикассо | WPainting — Все картины мира

Искусство XX века — переломный кризисный период развития. Здесь происходит умирание старого и развитие нового. Они не сменяют друг друга последовательно, а существуют, пересекаясь: аллегоризм выступает как тип художественного мышления, новые идеи выражаются старыми формами. Искусство теряет твердую почву и получает новый вектор развития. Он несет в себе новаторское отношение к идее, формам, предназначению. В этот период на небосклоне искусства зажигается новая звезда будущего гения — Пабло Пикассо.

Ему посчастливилось родиться в семье художника-живописца в небольшом испанском городке Малага. Наделенный от рождения талантом, Пабло с ранних лет проявлял интерес к живописи, отец доверял ему писать не большие фрагменты картин. Вскоре он превзошел своего отца.

Становление Пикассо как художника начинается с обучения в школе искусств на севере Испании, куда отца перевели преподавателем. Затем была Барселонская школа изящных искусств. Приемная комиссия отказалась допустить 14 летнего подростка до экзаменов, посчитав слишком юным. Только вмешательство отца смогло исправить ситуацию. В этот период Пабло начинает подписать ученические работы фамилией своей матери «Пикассо».

Через 2 года покинув Барселону, отправляется в Мадрид на обучение в Королевской академии Сан-Фернандо. Учеба не привлекает юношу. Все время он проводит в Прадо, изучая музейные коллекции. В этом занятии Пикассо видит больше пользы для своего развития, чем постижение классических канонов рисования и живописи в академии.

Портрет Карлоса Касагемаса

Пикассо продолжает искать себя. 1898 год ознаменован его возвращением. В Барселоне он становится членом художественного общества. Два года спустя в богемном кафе проходят две выставки его работ. В этом городе Пикассо встречает Карлоса Касахемаса, художника и будущего друга. С ним уезжает на Всемирную Парижскую выставку. Где он детально знакомится с творчеством импрессионистов.

Начало нового века принесло Пабло Пикассо много трудностей и душевых переживаний. Глубочайшим потрясением для молодого художника стало самоубийство друга. В Пикассо, вдруг что-то перевернулось. Чтобы выплеснуть всю душевную боль, он пишет картины, в которых превалируют синие и серые цвета. Позже этот период назовут «Голубым».

Картины этого периода раскрывают душевное состояние художника, его подавленное настроение. В своих полотнах он разворачивает тему человеческих страданий. Героями его произведений становятся нищие, проститутки, алкоголики, бедные отчаявшиеся люди.

Меняется стиль мастера. Исчезает перспектива, изображения становятся угловатыми, появляется черная контурная линия. Пикассо не искал новых форм. Он стремился выразить в своих работах то, что переживал. Этому его научила мать. Перед сном она рассказывала ему сказочные истории собственного сочинения. Сказки передавали эмоциональные впечатления, полученные в течение дня.

С переездом в Париж (1904), настроение мастера меняется. Цирк Медрано у подножья Монмартского холма, артисты давали Пабло положительные эмоции. Большинство работ «Розового» периода посвящено цирковым будням, репетициям артистов. Палитра цветов остается сдержанной, по-прежнему присутствует синий цвет, черный контур, все это нивелируется охристыми, розовыми и бело-серыми оттенками. Имя Пабло Пикассо становится известным в кругах любителей живописи и меценатов.

Скандально известным художник становится после написания картины «Авиньонские девушки». Где в стремлении передать эмоции автор отказывается от натурного изображения объектов. Подвергает их сознательной деформации, делает фигуры девушек угловатыми с лицами, похожими на африканские маски. Публика встретила творение Пикассо неодобрительной критикой. Но художник продолжает экспериментировать в этом направлении. Позднее совместно с Жоржем Браком — французским художником, открывают миру искусства принципиально новое направление — кубизм . Отрицательный пиар сделал свое дело. Пикассо стал покупаться. Началась полоса финансового благополучия.

«Авиньонские девушки»

В пору популярности (1917) художника-живописца приглашает Сергей Дягилев. Предлагает ему заняться эскизами для сценических декорации и костюмов. В планах Дягилева была постановка сюрреалистического балета «Парад». Первое представление сопроводил грандиозный скандал. После которого Пикассо увеличил рейтинг своей популярности. У Дягилева он встречает первую жену – русскую балерину Ольгу Хохлову. Удачная женитьба, признание общества, полная достатка жизнь возвращают его к реализму. Но ненадолго. Позднее в творчестве Пикассо появится сюрреализм (1925). В 30-е годы начинает работать как скульптор. В годы Второй мировой войны выступает против фашистского геноцида. Своими работами пытается докричаться до агрессоров, защитить жизни людей. После войны популярность Пикассо набирает обороты. Он снискал мировую известность как:

  • художник-новатор;
  • родоначальник нового направления в искусстве – кубизм;
  • график;
  • скульптор;
  • иллюстратор;
  • керамист;
  • монументалист.

Известность принесла ему миллионную прибыль, но не изменила жизненных убеждений. Пикассо взорвал художественное сообщество неоднозначностью воплощения идеи на холсте. Его работы полностью отвергали каноны классической живописи, он писал, как чувствовал, пытался передавать эмоциональное состояние души. Единственной любовью и целью всей его жизни было искусство. В нем он был по-настоящему счастлив.

Шедевры Пабло Пикассо. Справка — РИА Новости, 07.06.2008

Пикассо крадут не только во время войн и террористических акций. В 1993 году его  картины  пропали из Музея современного искусства Стокгольма. Пропажа оценивалась в 500 миллионов крон. Еще через год, в 1994 году, три итальянца и один швейцарец, входившие в международную банду «Ценители антиквариата», очистили подвал галереи арт-дилера Макса Боллага в Швейцарии. Среди украденных полотен были выполненная гуашью на холсте «Сидящая женщина» и акварель «Христос с Монмартра», которые уже однажды (в 1991 году) были украдены и возвращены. На этот раз добыча могла принести бандитам $40 миллионов. Но дорогу им перешел неизвестный посредник, который выдал воров и вернул  картины  хозяину. Интерес, проявляемый воровским миром к Пикассо, не удивляет. Он остается одним из наиболее ценных и покупаемых художников. Среди самых дорогих полотен, проданных когда-либо на аукционах, семь принадлежат кисти Пикассо. Рекорд ХХ века был поставлен 11 ноября 2000 года на аукционе Christie’s в Нью-Йорке, когда  картина  из серии «голубого периода» «Женщина со скрещенными руками» (1902)  была продана за $55,6 миллиона. Покупка состоялась через Интернет, покупатель неизвестен. При этом за меньшую сумму — $32 миллиона — картину  готовы были купить еще шесть человек. Ранее этот портрет входил в разные частные коллекции США и Европы. Как сообщил представитель Christie’s, картины такого уровня не было на рынке уже не менее десяти лет. Другое полотно — «Свадьба Пьеретты» — была приобретена в 1989 году за $49,8 миллиона, а «Автопортрет», написанный Пикассо в 20-летнем возрасте, — за $47,8 миллиона.

В октябре 2004 года Федеральное бюро расследований в Лос-Анджелесе наложило арест на картину Пикассо, которая в годы Второй мировой войны была украдена нацистами. Полотно «Женщина в белом», созданное испанским художником в 1922 году, оценивают в $10 миллионов. Законным владельцем картины являлась немецкая еврейка Карлотта Ландсберг. В 1940 году, спасаясь из нацистской Германии, она переправила картину в одну из парижских галерей, из которой во время оккупации работа исчезла. О полотне ничего не было слышно до 2001 года, когда семья американских коллекционеров выставила «Женщину в белом» на продажу. Проверка подтвердила, что картина краденая. После этого суд запретил коллекционерам перемещать картину из их дома в Чикаго. Однако супруги вывезли ее в Лос-Анджелес, где вновь намеревались продать. Официально им предъявлено обвинение в незаконном перемещении произведения искусства из одного штата в другой. Как заявил адвокат внука настоящей владелицы картины, жертвы нацистов или их наследники не должны гоняться за своей украденной собственностью из одного американского штата в другой.

В апреле 2005 года французская полиция обнаружила картину Пабло Пикассо, пропавшую в 2004 году году из парижского музея современного искусства «Центр Жоржа Помпиду». Детали операции не разглашаются, однако известно, что шедевр был найден за шкафом в одном из домов в парижском предместье Сент-Антуан.

Пропажа картины «Натюрморт с шарлоткой», выполненной художником в стиле «кубизм» в 1924 году, была замечена в ходе инвентаризации в мае 2004 года. После нескольких дней упорных поисков руководство музея пришло к выводу, что произведение украдено, и заявило о случившемся в полицию. Натюрморт последний раз выставлялся на публике в январе 2004 года. «Центру Помпиду» полотно было передано для реставрации музеем изобразительного искусства из города Нанси. Стоимость этой работы Пикассо оценивается в $2,5 миллиона. По словам сотрудников Центра, «Натюрморт с шарлоткой» было бы невозможно продать, так как эта картина слишком известна. 3 мая 2005 года на севере Италии, недалеко от Милана, обнаружены семь украденных ранее произведений искусства общей стоимостью около 1,3 миллиона евро (более $880 тысяч). Среди обретенных произведений — похищенная в 1992 году картина Пабло Пикассо «Вид Канн», картина Джорджо Моранди, скульптура Арнальдо Помодоро и работа британских художников Гилберта и Джорджа. По данному делу в Ницце был арестован человек, подозреваемый в контрабанде краденных предметов искусства.

В декабре 2005 года из картинной галереи Палм-Дезерт, штат Калифорния, был похищен шедевр Пикассо — гравюра «Женщина, смотрящая из окна». Оценивается в $53 тысячи. В галерее сработала сигнализация, однако воры убежали до прибытия полиции. В марте 2006 года бразильская полиция обнаружила фрагменты сожженных рамок трех картин Пикассо, Дали и Моне, которые были похищены из музея города Рио-де-Жанейро во время традиционного карнавала. Эти произведения искусства считались историческим достоянием Бразилии, однако не были застрахованы. Федеральная полиция не исключает, что преступники уже уничтожили эти полотна выдающихся живописцев. В мае 2006 года полицейские американского города Майами (штат Флорида) обнаружили похищенный эскиз, сделанный углем, картины Пабло Пикассо «Три танцовщицы». Рисунок 1925 года, цена которого, по оценке экспертов, достигает $200 тысяч, был украден в июле 2004 года c яхты в Майами. Полиция провела расследование и вышла на след похищенного эскиза. Была получена информация о том, что некто хочет продать рисунок, и тогда в качестве покупателя выступил агент полиции — он предложил купить Пикассо за 50 тысяч долларов. Операция была успешно завершена — в результате арестован 48-летний кубинец Орландо Гранадос, который продавал эскиз. Осенью 2006 года была ограблена галерея в Манчестере. В руки воров попали полотна «Бедность» Пабло Пикассо, «Укрепление Парижа» Винсента Ван Гога и «Таитянский пейзаж» Поля Гогена. Полиция высоко оценивает шансы обнаружения полотен, однако предполагает, что их поиск может продлиться годы. По оценкам экспертов, общая стоимость всех произведений Пикассо превышает $1 миллиард. В начале мая 2004 года только одна из ранних работ художника — «Мальчик с трубкой» — была продана на аукционе Sotheby’s за рекордную сумму в $104 миллиона.

Все справки >>

Пикассо – Деньги – Коммерсантъ

&nbspПикассо

Пикассо: Наследство Мафусаила

       Пабло Пикассо утверждал, что ему решительно наплевать на то, станет ли он когда-нибудь миллионером. Главное — жить как миллионер. Он и жил как миллионер — с начала двадцатого века. В год его смерти обнаружилось, что он был не миллионером — миллиардером. Судьбу его наследства решали пятьдесят человек — адвокаты, эксперты, искусствоведы, чиновники нескольких министерств и лично Президент Франции.
       
Пабло Пикассо предпочитал содержать свои дела в беспорядке.
       Для поддержания образцового хаоса у него были прекрасные возможности, так как он был и остается самым продуктивным художником всех времен и народов. В плодовитости, которая не покидала Пикассо в общей сложности около восьмидесяти лет, есть нечто завораживающее и чудовищное.
       Окончательный подсчет состоялся лишь после его смерти, занял шесть лет и выдал цифры, более смахивающие на запись в Книге рекордов Гиннеса, нежели на художественный каталог.
       1 885 картин, 1228 скульптур, 7 089 рисунков, 30 000 графических работ, 150 альбомов с набросками и 3 222 изделий из керамики. Таково было в общих чертах наследство Пикассо.
       К этому следует прибавить мелочи. Как-то: два замка, три дома, квартиры и мастерские в разных районах Франции, ценные бумаги, коллекция картин других художников, наличные деньги — миллион двадцать франков и на шесть миллионов франков — золота.
       Самое большое частное наследство, с которым пришлось иметь дело французскому государству.
И, уж наверняка, самое безумное наследство за всю историю Франции.
       
Кончина престарелого сатира
       Он рисовал с тех пор, как был ребенком, не делая больших перерывов на то, что мы привыкли называть реальной жизнью. Что не помешало ему сохранить изумительную практичность, здравый смысл, значительную долю злорадства, подчас смахивающего на садизм, и хорошо продуманные повадки избалованного эксцентрика.
       Он покупал дом, в котором жил и работал до тех пор, пока не забивал его готовыми работами. После чего запирал, превращая в неохраняемый склад, и покупал следующий.
       Он очень не любил продавать свои картины, предпочитая хранить их самостоятельно.
       Из одного поместья он сбежал буквально за пять минут, когда заметил, что рядом начинается современная стройка. Дом, переполненный картинами, сигаретными окурками, личными вещами и разбросанными денежными купюрами, простоял десятилетие под присмотром полуслепого привратника, запертый на амбарный замок. Его никогда не пытались обокрасть.
       К творчеству других художников он относился с гораздо большей аккуратностью. Собрав недурную коллекцию современной живописи, он надежно упрятал ее в банковский сейф.
       А из своих эскизов часто делал затычки для начатых и недопитых бутылок.
       Его интимная жизнь была обустроена так же хаотично.
       Не слишком отвлекаясь от рисования, создания скульптур и графики, он успевал покорять женщин и рожать детей, которые, в свою очередь, рожали ему внуков.
       Войдя в преклонный возраст, он не оставил своих раблезианских замашек и последний раз женился в 79 лет. Его первый внук Паблито и его последняя дочь Палома появились на свет в один год.
       Четыре жены, четверо детей и трое внуков нуждались в год его смерти в срочной каталогизации — как и прочее движимое и недвижимое имущество.
       Пикассо был официально женат два раза. Первым браком — на русской танцовщице Ольге Хохловой, которую увидел в 1918 году в труппе Дягилева. Его единственный законный сын Пауло был следствием этого брака. В 1973 году сам Пауло имел троих детей. Пикассо расстался с Хохловой в 1935 году, но до ее смерти в 1955 брака не расторгал. Отговариваясь недосугом и рассеянностью.
       Дело было не в рассеянности, а во французском законодательстве. Согласно последнему имущество супругов при разводе делится поровну. В результате развода ему пришлось бы отдать Ольге Хохловой половину имущества, нажитого с 1918 года. Это, согласитесь, было бы весьма обидно.
       Оставаясь официально супругом Ольги Хохловой, он сменил множество возлюбленных. Две из них прожили с Пикассо так долго, что заслужили статус жен. По крайней мере, неофициальных.
       Мария Вальтер — его спутница до 1939 года — родила дочь Майю. Франсуаза Жильо — его официальная незаконная жена с 1943 по 1953 год — сына Клода и дочь Палому.
       Вторая после Хохловой законная супруга — Жаклин Роке оставалась с ним с 1961 по 1973-й — год его смерти. От этого брака детей не было.
       Неизвестно, разбирался ли сам Пикассо в этом семейном лабиринте и отличал ли детей от внуков, а внуков от детей. К обязанностям любящего супруга, отца и деда он относился с олимпийским великодушием и с не менее олимпийским равнодушием.
       Проще говоря, он платил.
       Он содержал своих жен, любовниц, детей и детей своих детей, давая им возможность вести сравнительно беззаботную и достаточно бессмысленную жизнь. Что для большей части его наследников кончилось трагически.
       Завещания Пикассо не оставил.
       В девяносто один год, как и в двадцать лет, ему было решительно наплевать на то, что именно произойдет с вещами и людьми, которые переживут его самого.
       Мысль о прелестно сконструированном беспорядке доставляла ему своего рода злорадное удовлетворение. Другу и поверенному в делах Ролану Дюма Пикассо сказал, имея в виду свою скорую кончину: «Тут-то и начнется кавардак, который будет похлеще всего того, что ты повидал на своем веку, приятель».
Он был абсолютно прав.
       
Опись в пещерах Алладина
       Итак, наследство было разбросано по всей Франции. Наследники тоже.
       То, что наследство огромно, было понятно и без предварительных оценок. До какой степени оно огромно, не подозревал никто, включая налоговую инспекцию и художественных экспертов.
       Живейший интерес поначалу проявило славное французское государство, которое за пятьдесят лет не удосужилось приобрести ни одной из его работ. Налоговому ведомству по закону полагалось получить двадцать процентов от всей суммы наследства.
       Худо было, во-первых, то, что наследство состояло главным образом из произведений искусства, которые никто и никогда не описывал и не оценивал. Во-вторых, произведения искусства были рассеяны примерно по десяти домам.
       Государство проявило завидную прыть и назначило поверенного Пьера Цекри управлять состоянием Пикассо. Ему пришлось более шести лет заботиться обо всем и обо всех — начиная c собак, кончая экспертами-искусствоведами.
       Гонорар Цекри за шесть лет составил двадцать миллионов франков. Примерно столько же получил парижский галерист Морис Реймс, который отвечал за составление объединенного каталога работ.
       Команда оценщиков два года ездила по стране, отпирая квартиры и дома, в которых Пикассо не бывал по десять-пятнадцать лет, обнаруживая все новые и новые хранилища — заброшенные, забытые, покрытые пылью.
       Через два года французская армия получила правительственный заказ — предоставить на одну ночь в распоряжение Пьера Цекри колонну бронированных грузовиков. Работы Пикассо были собраны со всей страны и перевезены в хранилище Национального банка.
       Увидев все скульптуры, картины и рисунки, впервые собранные вместе, присутствовавшие испытали скорее ужас, чем восторг. Горы бесценных художественных произведений, созданных одной-единственной рукой, — от этого пейзажа веяло настоящим безумием.
       Госсекретарь Франции заметил скорее с облегчением, нежели с каким-либо иным чувством: «Во Франции больше никогда не случится ничего подобного».
       Оценка работ завершилась в 1976 году. Окончательная цифра превзошла миллиард франков. Вместе с недвижимостью, денежными суммами и золотом получалось более полутора миллиардов.
       Двадцать процентов переходило славной Пятой республике. Казна должна была обогатиться на триста пятьдесят-четыреста миллионов. Но радость государственного казначейства оказалась преждевременной.
       Чиновники желали видеть деньги, а видели картины, эскизы и скульптуры. Эксперты уверяли, что это, собственно, и есть полтора миллиарда франков. Но у чиновников всегда есть предрассудки по поводу того, как именно должны деньги выглядеть.
       Казначейство желало получить свою долю в виде бумажек с водяными знаками, или по крайней мере, в виде банковского чека. Однако денежные суммы, которые находились на банковских счетах, уже были израсходованы. В основном, на гонорары экспертов.
       На практике это означало, что работы Пикассо на сумму в триста миллионов франков должны были быть проданы на международных аукционах.
       Случись нечто подобное, на рынке работ Пикассо можно было бы навсегда поставить крест. Работы одного художника, выброшенные на аукционы в таком количестве, сбили бы цену всех его произведений — надолго и безнадежно.
       Наследники оказались бы разорены, не успев еще ничего унаследовать.
       Государственное казначейство в тонкости арт-бизнеса входить не желало — или было не в состоянии.
       Пришлось объяснять все эти деликатные подробности Президенту республики Франция, господину Жискару д’Эстену.
       Будучи тонким ценителем искусств и образованным человеком, он согласился на нетрадиционное, однако единственно разумное решение. Налог на наследство выплатили произведениями искусства.
       Государство выторговало себе единственное условие — «право первой ночи» — право выбрать картины и скульптуры до того, как наследство будет разделено между претендентами.
Которых, между тем, становилось все больше и больше.
       
Семейная коррида
       Являясь формально членами одной семьи, родственники Пикассо от всего сердца не любили друг друга и старались пореже встречаться.
       При жизни мэтра им это замечательно удавалось. Гений никогда не испытывал душевной потребности в идиллических семейных обедах за общим столом.
       После его смерти отпрыски были вынуждены познакомиться друг с другом ближе. В тесную дружбу это знакомство не переросло.
       После 1973 года семейные встречи превратились в высшей степени оживленную, хотя и неприятную и даже неаппетитную необходимость. Каждый, кто носил фамилию Пикассо, к тому времени уже обзавелся, как минимум, собственным нотариусом, адвокатом и художественным экспертом.
       Семейные встречи стали носить массовый характер.
       Поначалу все складывалось едва ли не нормально. Сын от первого брака — Пауло — наследовал большую часть состояния. Вторая законная жена Жаклин — все остальное. Внебрачные дети — Майя, Палома и Клод — остались ни с чем.
       Пока Жаклин и Пауло вырабатывали свой компромисс: кому и что именно, — оставшиеся дети Пабло Пикассо заваливали французские суды жалобами, требуя, чтобы и их признали законными наследниками.
       Жаклин вела не менее бурную переписку с представителями закона, доказывая беспочвенность этих претензий.
       К 1975 году члены семьи общались уже только через адвокатов.
       Когда Жаклин и Пауло пришли к соглашению, подробности которого так и не успели огласить, французский суд признал внебрачных детей — законными. Соглашение пришлось выбрасывать в корзину. Переговоры продолжались в расширенном составе и периодически заходили в тупик.
       Никто не заботился ни о репутации, ни о добром имени семьи, ни о том, чтобы сохранять хотя бы видимость пристойности. Наследники бранились, как базарные торговки, отравляя друг другу жизнь при посредстве прессы.
       Когда дележ картин и недвижимости — теперь уже на пятерых — почти завершился во второй раз, Пауло заикнулся о том, что хотел бы сохранить в своем распоряжении собственный детский портрет кисти Пикассо. Члены семьи без лишних церемоний предложили ему внести оценочную стоимость картины в общую сумму наследства.
       Единственная мера, к которой они упрямо не желали прибегать, была — судебное решение проблемы. Никто не хотел доводить дело до суда — каждый боялся прогадать.
       Окончательное соглашение, выработанное за семь лет, называлось внесудебным компромиссом.
       В том же 1975 Пауло, не отличавшийся ни крепкими нервами, ни особым здоровьем, внезапно скончался. Второе с муками заключенное соглашение полетело в корзину.
       У Пауло остался несовершеннолетний сын от второго брака, о котором все знали. И дочь от первого брака, о которой все благополучно забыли. Марина Пикассо — законная дочь Пауло и законная внучка Пабло.
       Наследников стало шесть, число адвокатов и художественных экспертов за семейным столом возросло, поиски компромисса затянулись еще на четыре года.
       У Марины был существенное преимущество — возраст. Она была в этой компании самой юной — не считая ее сводного брата Бернара — и могла ждать, тянуть время, требовать все новых и новых уточнений семейных обстоятельств. Как только дело грозило обернуться не в ее пользу, ее адвокат просто предлагал начать все с начала. На это уже ни у кого не было сил.
       В 1980 году окончательное соглашение было выработано и подписано всеми членами семьи, которые по этому поводу в последний раз собрались вместе.
       Жаклин Роке-Пикассо — вдова художника, унаследовала почти 30% состояния — около 350 миллионов франков.
       Марина и Бернар — законные внуки — каждый по 20%.
       Внебрачные дети — Майя, Палома и Клод — унаследовали по десять процентов состояния — немногим больше ста миллионов.
       Последовал вздох облегчения, которое, впрочем, оказалось недолгим.
       Получив часть работ Пикассо, каждый из наследников получил в свое распоряжение часть огромного художественного рынка, который отныне нужно было поддерживать, препятствуя случайным продажам.
       Для этого пришлось вновь и вновь вырабатывать соглашения, создавать общества и согласительные комиссии.
       Жаклин Роке, здоровье которой истощила семилетняя борьба, покончила с собой в 1986 году.
       Марина Пикассо употребляет доставшееся ей наследство, главным образом, на благотворительные цели, помогая детям во Вьетнаме, где ее знают лучше, чем во Франции.
       Хорошо оплачиваемые юристы и художественные эксперты пытаются сохранять хрупкое равновесие на «рынке Пикассо». Пабло Пикассо все еще остается самым дорогим художником двадцатого века.
       
       Ангелина СИРИНА
       

Пабло Пикассо подтвердил звание самого дорогого художника в мире

Неизвестный коллекционер на аукционе Christie`s в Нью-Йорке приобрел картину Пабло Пикассо «Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев» за $106 млн. Это новый мировой рекорд по стоимости произведения искусства. Долгое время звание самого дорогого удерживала картина «Мальчик с трубкой» все того же Пикассо, купленная в 2004 году за $104,17 млн. Испанский художник Пикассо в очередной раз доказал, что является самым дорогим художников в мире за все времена.

Картина Пикассо «Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев», выставленная вчера на торги аукциона Christie´s в Нью-Йорке, оценивалась экспертами в $70-90 млн. Торги длились 10 минут, война ставок шла между восьмью покупателями. Когда цена выросла до отметки $88 млн, претендентов на картину осталось двое. Полотно ушло с молотка за $95 млн, но это не окончательная цена картины. С учетом торговой премии новому владельцу творение Пикассо обошлось в более чем $106 млн., став самой дорогой картиной в мире. Холст Пикассо был частью знаменитой коллекции Синди Броуди, имя нового владельца — неизвестно.

До «Обнаженной на фоне бюста и зеленых листьев» самыми дорогими произведениями искусства  считались «Мальчик с трубкой» все того же Пикассо, купленный в 2004 году на Sotheby´s в Нью-Йорке за $104,17 млн и бронзовая скульптура Альберто Джакометти «Шагающий человек I», проданная за 65 млн фунтов ($104,3 млн) в Лондоне в феврале этого года.

Интересно, что искусствоведы не считают «Обнаженную» лучшей из творений Пикассо. Зато интерес к картине был подогрет. Она не выставлялась перед публикой около 50 лет, и только перед аукционом была представлена в музее Метрополитен на самой полной выставке работ великого испанца. Пикассо в очередной раз доказал, что является самым дорогим художником. Цены на его произведения по-прежнему идут вверх, и причин для обратного тренда не видно.

Вдохновительница Пикасса

На самой дорогой в мире картине изображена одна из многочисленных возлюбленных Пикассо — белокурая Мари-Терез Вальтер в облике мифической Дафны. Пикассо написал «Обнаженную» за один день 8 марта 1932 года. Случайное знакомство Мари-Терез Вальтер с Пикассо у галереи Лафайет в Париже стало для нее любовью всей жизни. Пикассо же в то время был женат на Ольге Хохловой, русской балерине, которая родила ему сына.

Несмотря на испортившиеся отношения с Ольгой, и возникшей новой любви к Мари-Терез Вальтер, Хохлова оставалась женой великого художника до конца своей кончины в 1955 году. Одной из главных причин этого  — брачный контракт, по которому после развода половина имущества и картин должны были перейти супруге.

Мари-Терез, которая была младше художника на девятнадцать лет, стала на несколько лет настоящей музой для Пикассо, он фактически рисовал только ее. Вскоре она родила ему дочь, которую назвали Майя. Девочку записали на имя неизвестного отца. Пикассо обещал исправить это сразу после развода с Ольгой, однако даже когда та «ушла», освободив его, художник так и не сдержал обещания. И все же именно Мари-Терез Вальтер Пикассо называл лучшей из своих женщин. И это нашло отражение в картинах Пикассо — Мари-Терез на его полотнах в сюрреалистической манере выглядят нежной и легкой. Спустя четыре года после смерти художника она покончила с собой.

Коллекция Синди Броуди

На торгах были проданы еще две работы Пикассо, считавшиеся топ-лотами. «Женщина с кошкой в кресле» 1964 года ушла с молотка за $18 млн при эстимейте в $10-15 млн, а «Художник и его модель»  того же года — за $10,7 млн, чуть выше верхней границы предварительной оценки.

Творения Джакометти также оказался среди топ-лотов аукциона  Christie´s в Нью-Йорке. Его «Большая голова» была продана за $53,3 млн, что вдвое дороже начальной цены. «Кошка» Джакометти ушла за $20,1 млн при предпродажной оценке в $12-18 млн.

Также с превышением эстимейта удалось продать работу Огюста Ренуара «Обнаженная на кушетке. Габриэль» 1903 года. До начала торгов картину Ренуара предполагалось продать за $7-9 млн, а в итоге она ушла за $10,1 млн. Правда, на полотно Эдварда Мунка «Изобилие», которое также было топ-лоте торгов, покупателя так и не нашлось. Картину предполагалось продать за $25-35 млн. 

Выставлена на торги вся коллекция Синди Броуди, включающая работы Матисса, Джакометти, Кальдера, Ренуара и других мастеров, оценивалась в $150 млн, а была продана во вторник вечером более чем за $224 млн. Всего же за вечер торгов Christie´s выручил свыше $335 млн.

Картины Пикассо

Художник Пабло Пикассо. Биография. Описание картин

ПАБЛО ПИКАССО: «ЖИВОПИСЬ СИЛЬНЕЕ МЕНЯ!»  

 

Его имя до сих пор вызывает множество пересудов, благодаря яркой жизни и такому же творческому наследию. Одних интересует, на какой же слог всё-таки падает ударение в его фамилии, другие с любопытством разбираются в его амурных приключениях, третьи стремятся найти как можно больше смыслов в его полотнах, а четвертые пытаются понять, почему его картины сегодня уходят с аукционов за такие огромные суммы. Для всех он разный, но в одном сходятся и поклонники, и скептики – это была выдающаяся личность XX века. Это всё про Пабло Пикассо.

Вся его жизнь состояла из многочисленных экспериментов и открытий, он как будто бы хотел попробовать всё и везде оставить своё веское слово. «Живопись сильнее меня» — то ли утверждал, то ли сокрушался Пикассо, говоря тем самым, что ни она рождается на его холстах, а он послушно следует за живописью.

Дитя времени

Разумеется, именно текущий век даёт тот самый толчок для смены культурной и эстетической идеологии, и в этом смысле период, который именуется Новейшим временем, был идеальным для преображения творческих ориентиров. Технический прогресс изменил сознание общества, породив кинематограф и совершенно новые, диковинные направления в литературе, музыки, и живописи. Именно Пикассо стал одним из тех, кто стал «диктовать» новые правила и доказывать своими произведениями их состоятельность.

Уникальность его личности заключается в том, что он смог противопоставить своё видение искусства всем существующим традициям и канонам, рискнул проложить собственный путь, вписав тем самым себя в историю искусства навечно. Удивительно то, что ещё при жизни он был признан, оценен и снискал всемирную славу – а этим могут похвастаться далеко не все новаторы и революционеры от искусства.

«Периодическая система» Пабло Пикассо

Пожалуй, никакое другое творчество в истории живописи не обладает столь чётким, почти хрестоматийным разделением на периоды, как художественное наследие Пикассо.

Начало его творческого пути отмечено старательным обучением и постижением прошлого художественного опыта. Однако ещё на стадии становления он удивлял предельной внимательностью и способностью писать серьёзные сюжеты с филигранной нюансировкой – это касалось и композиции, и колорита и настроения.

Голубой период характеризуется драматическими настроениями, где главные герои слепцы, бродяги и нищие рассказывают нам о своей нелёгкой доле и беспросветном будущем. Пройдёт совсем немного времени, и Пикассо сменит синюю палитру на розовую, и одноимённый период подарит миру знаменитую «Девочку на шаре» наряду с другими замечательными шедеврами. «Африканский» период внесёт первые изменения в портретный жанр, и станет предтечей кубизму – главному стилю в творчестве Пикассо.

Кубизм переживёт множество фаз, пройдя путь от стереометрического стиля до синтетического, и вызовет бурю критики в сторону Пикассо. Но даже самые ярые противники расчленения художественного пространства на простые формы, не смогут не восхищаться силой его дарования.

Параллельно с кубизмом возникнет бурный роман с «Русским балетом» и Ольгой Хохловой, который претворится в полотна неоклассического жанра и завоюют зрителей-консерваторов. Как антиподом к неоклассицизму уверенно «зазвучит» период сюрреализма, разламывая формы и перспективу, эпатируя при этом публику.

В 30-е появляется пронзительная «Герника», явившись ярким доказательством, что и индивидуальный стиль Пикассо может быть бесконечно эмоциональным и убедительным.

Позднее же творчество великого мастера несёт отпечаток прожитой жизни, богатого опыта, вместе с этим наполняя произведения Пикассо философскими темами и скрытыми контекстами.

Для многих Пикассо кажется непонятным, но это лишь от неготовности оставить законы логики и погрузиться в мир его удивительных образов. Тем же, кто готов к восприятию интерпретаций великого мастера, творчество Пикассо станет огромным и богатым открытием, способным перевернуть взгляд на окружающий мир.

Такой он великий художник, смельчак и большой оригинал – Пабло Пикассо.

Самые знаменитые работы Пабло Пикассо: описание

На чтение 10 мин. Просмотров 13.3k. Обновлено

Символом мира считается голубь с оливковой ветвью от Пикассо. Этот человек был не только гениальным художником, импрессионистом и основателем кубизма, он был гуманистом, общественным деятелем и борцом за мир. Сейчас рассмотрим самые знаменитые работы Пикассо.

 

Самые известные картины Пабло Пикассо:

 

1

 Наука и благотворительность (1897)

Внушительная работа юного шестнадцатилетнего Пикассо удивляет своим размахом и смыслом. Картина написана в стиле реализма. У постели больной женщины сидит доктор. Рядом стоит монахиня — она взяла заботу о ребёнке больной женщины.

Работа блестяще выполнена в классической манере академической живописи. Эта работа была отмечена почётной наградой и золотой медалью на разных выставках. Несмотря на грандиозный успех, Пикассо больше никогда не возвращался к академизму.

 

2

 Автопортрет в голубой период (1901)

Портрет написан художником в начале своего творческого пути и искания. В начале «голубого периода» он натыкается на непонимание со стороны зрителей. К тому же он погряз в безденежье, и его не отпускала чёрная полоса жизни. Автопортрет Пикассо — образ полного отчаяния и одиночества, душевного холода.

 

3

 Ребёнок с голубем (1901)

Картина французского или «голубого периода», когда молодой Пикассо проживал в Париже, показывает яркую индивидуальность начинающего импрессиониста.

Маленькая девочка в белом платье трогательно прижимает к себе голубя. Её коротко остриженные рыжие волосы контрастируют с холодным и безликим фоном картины. У ног девочки лежит ярко раскрашенный мяч. Вероятно, Пикассо изобразил на картине свою умершую в детстве младшую сестру.

Эта картина очень печальна. В тот период в жизни художника происходили различные трагические события, которые повлияли на стиль написания картин. В них преобладали оттенки голубого цвета, что дало соответствующее название периоду творчества Пикассо.

 

4

 Трагедия (1903)

Картина «Трагедия» — очередное полотно «голубого периода» в жизни Пикассо. Картина изображает трёх людей: женщину, мужчину и ребёнка в самый тяжёлый момент их жизни. Люди отчаялись, лишения и бедность подкосили их. Они стоят босыми на берегу моря, им холодно, они кутаются в свои жалкие одежды.

Мужчина не знает, что делать, чтобы спасти семью. Ребёнок ищет поддержки у отца, но тот погружен в свои мысли. Синий цвет картины подчёркивает невыносимую тоску и бедность низших слоёв общества, их трагическую судьбу.

 

5

 Старый гитарист (1903)

Это полотно также написано в знаменитый «голубой период» творчества Пикассо. Трагическая составляющая картины подчёркнута холодной цветовой гаммой. Старый, слепой, истощённый музыкант сжимает свою единственную подругу — старую гитару. Его физические и духовные страдания очень быстро передаются зрителю. Возле этой картины начинаешь ощущать неизбежность смерти и невыносимое одиночество.

 

6

 Жизнь (1903)

Эта картина также написана в «Голубой период» творчества и признана мировым шедевром, хотя Пикассо не любил эту работу и считал её незавершённой. Сюжет картины описывает четыре основных периода в жизни человека: рождение, любовь, одиночество и смерть.

На фоне голубого, плавно переходящего в зелёный, изображены статичные и абсолютно без эмоций человеческие фигуры. Слева — влюблённая пара, справа — одинокая мать с новорождённым ребёнком, в центре вверху — прощание и внизу в центре смерть.

 

7

 Девочка на шаре (1905)

Одним из самых известных и монументальных полотен Пикассо является «Девочка на шаре». Сочетание статичности и движения, большого и маленького, основательного и хрупкого создаёт удивительный контраст.

Мощная, застывшая глыба сидящей мужской фигуры акробата на абсолютно устойчивом кубе и хрупкая фигурка девочки, балансирующей на шаре, занимают всё пространство полотна. На заднем плане изображены маленькие фигурки женщины и ребёнка, собаки и белой лошади. Они уравновешивают композицию и делают её целостной.

 

8

На смену «Голубому периоду» в жизни Пикассо пришёл «Розовый период» одиночества и бедности. «Семейство комедиантов» — картина, предвещающая смену живописного стиля Пикассо. Тональность и цветовая гамма его полотен сменилась. В них появились тёплые розовые, серые и жёлтые оттенки.

В те годы его увлёк мир циркового и театрального искусства. Персонажами таких картин стали жонглёры, акробаты, клоуны, наездницы. На картине изображена группа цирковых бродячих артистов. Акробаты, шуты, Арлекин, держащий за руку дочь, девушка на переднем плане — группа глубоко одиноких и обездоленных персонажей.

 

9

 Авиньонские девицы (1907)

Картина была написана в начале века, а выставлена только через тридцать лет. Авангардное полотно не было оценено его современником — А. Матиссом. Предполагают, что критика с его стороны была явной ревностью, ибо картина была настолько хороша, что впоследствии приобрела огромную популярность.

Видимо, Пикассо опережал своё время на шаг вперёд. Эта картина стала очередной ступенькой в творчестве художника, как кубиста. На этом полотне уже видны зарождающие черты этого стиля. Анре Сальмонт, друг художника, предложил назвать полотно «Авиньонские девицы».

Кстати, если вы хотите узнать нашу версию рейтинга самых красивых женщин в истории, переходите по ссылке.

 

10

 Сидящая женщина (1909)

Портрет Фернанды, своей постоянной натурщицы, Пикассо выполнил необычной манере. Кубизм только зарождался, и художник искал всевозможные способы изображения. Весь портрет разделён на мелкие детали. Картина написана в светло-коричневых и зеленоватых тонах. Маленькая голова контрастирует с крупным телом. Изображение одновременно и объёмное, и плоское. В отдельных сегментах присутствует градация тона — от светлого к тёмному, что даёт эффект объёма общего вида.

 

11

 Три танцора (1925)

Пикассо в конце своей жизни назвал своё первое сюрреалистичное полотно «Пляской смерти». Картина изображала любовный треугольник двух своих друзей и роковой женщины, любовь к которой привела к их трагической гибели.

 

12

 Сон (1932)

Картина написана в стиле сюрреализма. На картине художник изобразил Марию-Терезу Вальтер свою прекрасную возлюбленную. Ни одну женщину он не писал с большей любовью, и этому доказательство — картина «Сон».

Её красивое лицо изыскано, поза женщины расслаблена, голова слегка запрокинута и имеет форму разбитого сердца, её округлые изгибы полные неги. Руки, сложенные на животе подчёркивают будущее материнство натурщицы. Она в ожидание младенца — дочери художника.

Советуем посмотреть на картины знаменитого сюрреалиста Сальвадора Дали, опубликованные на нашем сайте most-beauty.ru.

 

13

 Девушка перед зеркалом (1932)

Очередной портрет Марии Терезии Вольтер написан в необычной манере. Художник ищет новые формы. На картине изображена молодая женщина перед зеркалом. Её округлый живот привлекает внимание, как и отражение в зеркале. Необычное цветовое решение, формы делают эту картину загадочной и таинственной. Это полотно в 2015 году было продано за рекордную сумму — 115 млн долларов.

 

14

 Герника (1937)

Открыть картину в высоком разрешении.

Бомбардировка нацистами города Герники в 1937 г. вызвала у Пикассо протест и возмущение. Под воздействием этого события он изобразил экспрессионистскую картину, полную ужаса, слёз и страданий. Размер картины потрясает — 3,4 на 7,8 метров — во всю стену мастерской художника. В Правой части изображены пылающие здания, из которых в ужасе бегут люди, в основном женщины.

Одна женская фигура охвачена огнём в проёме окна, в левом углу картины кричащая от горя мать с мёртвым ребёнком на руках. Растерзанная женщина с раскинутыми руками — символ смерти. Лампа и фонарь — символ внезапного нападения среди ночи. Эта картина напоминает коллаж из фигур, будто вырезанных из утренних газет. Наполненная эмоциями картина производит неизгладимое впечатление.

 

15

 Бюст Женщины (1937)

Один из немногих изображений Доры Маар, которое передаёт её красоту. На сложном зелёном фоне с распущенными волосами изображена кареглазая Дора. Её персиковое румяное лицо излучает нежность. Ранее Пикассо писал свою любимую натурщицу в сценах плача или неистового горя. По прошествии трагедии в Гернике, этот портрет немного поднимает настроение художника.

 

16

 Плачущая женщина / Дора Маар с платком (1937)

Образ женщины в творчестве Пикассо обыгрывался множество раз. Ему терпеливо позировали самые красивые женщины. Одной из них была его близкая подруга — красавица Дора Маар. Серия «Плачущая женщина» довольно большая и затрагивает различные эмоциональные переживания: от глубокого горя и отчаяния до слёз радости.

Картина «Плачущая женщина», для которой позировала Дора Маар, изображает горе и страдание в стиле кубизма. Яркие краски и угловатые формы подчёркивают плоскость изображения. Необычайный эффект достигается путём изображения нижней части лица, просвечивающейся сквозь ткань платка.

Красная шляпка с ярким синим цветком, разноцветные тонкие полосы волос, «вдребезги» разбитые стёкла глаз создают необычайное эмоциональное восприятие картины. В этом всё волшебство и гений Пикассо — из раздробленных частей создать цельный образ.

 

17

 Голова быка (1942)

Бык — это символ неуправляемой силы и жестокости, неотвратимости беды. Бык Пикассо — символ Второй мировой войны. Необычное скульптурное изображение головы быка выполнено Пикассо из деталей обычного велосипеда. Мордой быка стало кожаное велосипедное сидение, а рогами стал металлический руль. Лаконизм — в этом весь Пикассо.

 

18

 Дон Кихот (1955)

Простой набросок, чернильный эскиз изображает персонажей культового испанского произведения «Дон Кихот». Символичность рисунка блестяще отображает характеры персонажей. Дон Кихот сидит, понурившись, на своём старом и унылом Росинанте. В его руке копьё для сражения с мельницами, которые изображены на горизонте. Рядом на ослике восседает увесистый и основательный Санчо Панса. Этот рисунок стал классическим и бесспорным иллюстративным изображением героев бессмертного романа Сервантеса.

 

19

 Чикагский Пикассо (1967)

В 1967 году в Чикаго на площади возле Daley Center была установлена большая скульптура, автором которой является Пабло Пикассо. Эту скульптуру называют Чикагским Пикассо. Она полюбилась не только жителям города, но его многочисленным гостям.

Художник не давал намёков, что или кого он изобразил, но подозревают, что это образ Лидии Корбет, которая позировала художнику. В скульптуре можно узнать её по высоко поднятому «конскому» хвосту и длинной шее.

 

20

 Поцелуй (1969)

Среди работ Пикассо есть серия полная страсти и романтизма — «Поцелуй». Среди них выделяется картина 1969 года, когда творчество художника достигло наивысшего мастерства. Далёкая от реализма картина изображает целующуюся пару. В картине накал страстей подчёркивается большим количеством всевозможных линий: линии на обоях, линии позади мужской фигуры, завитки волос в виде тех же линий.

Эта картина изображает различие чувств мужчины и женщины, эмоциональную дистанцию между партнёрами. Женщина изображена более чувственной и трепещущей, а мужчина наоборот — отрешённым и безразличным. Мысли мужчины витают где-то в другом месте, но не рядом с любящей женщиной.

Это одна из самых интересных картин Пикассо по мнению редакции most-beauty.ru. Для усиления драматизма Пикассо использует для написания картины различные технические приёмы и монохромную живопись.

 

21

 Купальщица (1971)

Тема купальщиц поднималась Пабло Пикассо в течение всей его жизни. Это целая серия работ, посвящённая женскому телу и женской красоте. Символические знаки, в основе которых использовались иберийские узоры, символы, сложные формы и таинственные обозначения Пабло Пикассо использовал, чтобы изобразить таинственность и величие женщины. Обнажённые фигуры на фоне моря в различных художественных стилях получали с каждым годом всё новое и новое развитие.

Очередную «Купальщицу» Пикассо написал за два года до смерти. В зелёных волнах бурного моря плещется обнажённая женщина. Её плавные формы сливаются с волнами, а широко раскрытые миндалевидные глаза сияют радостью от купания.

 

Послесловие

Автопортрет, Пабло Пикассо, 1907.

Гений Пикассо, его творческая активность, прогрессивность, любовь к жизни подарили миру исключительные шедевры живописи и скульптуры. Пабло Пикассо считается самым популярным и дорогим художником в мире. Каждая его работа оценивается в десятки миллионов долларов. Также его считают лучшим художником последнего столетия.

Редакция most-beauty.ru просит вас написать какие работы Пабло Пикассо производят на вас наибольшее впечатление.

Пабло Пикассо — Оксфордский номер

(1881–1973)

Испанский художник. Благодаря своей плодовитой изобретательности, техническому и выразительному блеску он доминировал в авангардном искусстве первой половины двадцатого века и обычно считается величайшим художником современности.

Пикассо родился в Малаге, в семье Хосе Руиса Бланко, учителя рисования, и Марии Пикассо. Свои самые ранние картины он подписывал обеими фамилиями, но примерно после 1900 года отказался от имени своего отца.Проявляя невероятный талант с раннего возраста, он пробовал себя в самых разных стилях в Барселоне, пока не посетил Париж в 1901 году. , и изгой. В 1904 году он поселился на Монмартре и начал писать менее строгие картины своего «розового периода» (1905–06), на которых акробаты, танцоры и арлекины были представлены в розовых и серых тонах.

Мемориальная выставка Сезанна 1907 года и растущий интерес к африканским маскам и резным фигуркам вдохновили его сосредоточиться на анализе и упрощении формы в 1907–1909 годах, которые иногда называют его «негритянским периодом».Эту тенденцию можно заметить уже в 1906 г., но именно в 1907 г. он потряс даже самых авангардистских художников своего круга насильственным упрощением и искажением человеческого образа в своих «Авиньонских девицах», которые можно увидеть и сейчас. как переломный момент в европейском искусстве. Он положил начало кубистическому движению, которое с 1909 года Пикассо развивал в тесном сотрудничестве с Жоржем Браком, с которым он познакомился в 1907 году, и с Хуаном Грисом примерно после 1912 года. Это было самое революционное эстетическое движение века.Его первый этап — аналитический кубизм — предоставил художникам новые способы изображения визуальной реальности; его второй этап — синтетический кубизм — включал использование коллажа и установил представление о том, что изображение больше не должно отражать мир, а может существовать само по себе.

Сотрудничество с Браком закончилось в 1914 году, когда Брак поступил на военную службу, а в 1917 году Пикассо уехал в Рим, чтобы создавать костюмы и декорации для Русских балетов Дягилева. В следующем году он женился на балерине Ольге Кокловой, которая в 1921 году родила ему сына Павла.Помимо картин в кубистической манере, Пикассо создал множество картин в стиле неоклассицизма. После 1925 года спокойствие его ранних картин сменилось ощущением судорожного движения, как в «Трех танцорах» (1925), и он начал выставляться с сюрреалистами. С 1928 года образы насилия и страданий становились все более доминирующими и достигли кульминации в огромном шедевре Пикассо «Герника» (1937). Эта картина выражала протест и ужас по поводу бомбардировки баскского города фашистскими войсками в 1937 году. После этого года Пикассо так и не вернулся в Испанию.Тем временем в 1932 году он купил замок в Буагелупе, где изготавливал большие железные скульптуры и гипсовые головы. Он ушел от жены в 1935 году, и его новая любовница Мария-Тереза ​​Вальтер родила ему дочь Майю.

Всю Вторую мировую войну Пикассо оставался в Париже, хотя нацисты-оккупанты запретили ему выставляться. После освобождения Парижа вступил в Коммунистическую партию. Затем он жил с Франсуазой Жило сначала на Антибе, а затем в Валлорисе, пока она не ушла от него в 1953 году. У них родились сын Клод и дочь Палома.Это были бурные, но счастливые годы, и в Валлорисе Пикассо увлекся керамикой, а также корридой. Последней его спутницей с 1953 года была его модель Жаклин Рок, на которой он женился в 1961 году. Он продолжал создавать иллюстрации, скульптуры из металла, керамику, картины (в том числе большую серию вариаций классической живописи) и графику, в том числе знаменитые серия из 347 гравюр, многие из них эротические. Он продолжал жить на юге Франции и умер в Мужене, недалеко от Канн.

[…]

Пабло Пикассо — Жизнь и творчество этого известного художника кубизма

Пабло Пикассо, пожалуй, самая влиятельная фигура в истории искусства ХХ века. Разнообразие работ Пабло Пикассо не было результатом радикальных изменений в его стиле на протяжении всей его карьеры, а вместо этого основывалось на его приверженности объективной оценке формы и метода, наиболее подходящих для достижения желаемого результата в каждом произведении искусства. Произведениям Пикассо, несомненно, суждено было вплестись в гобелен человечества как одним из лучших произведений искусства всех времен.

 

 

Жизнь и искусство Пабло Пикассо

Еще до достижения 50-летнего возраста этот знаменитый художник зарекомендовал себя как наиболее известная фигура в современном искусстве, обладающий выдающейся эстетикой и чувством художественного творчества. До Пикассо ни один другой творец не имел такого влияния на художественное сообщество и не имел такой значительной репутации как среди поклонников, так и среди критиков.

За свою долгую карьеру Пикассо нарисовал около 20 000 рисунков, картин и скульптур, включая другие предметы, такие как костюмы и театральные декорации.

Пабло Пикассо, 1962 год; Аргентина. Revista Vea y Lea, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Он считается во всем мире одним из самых важных и известных художников 20-го века. Как пионер искусства, он считается одним из основателей кубистского движения вместе с Жоржем Браком. Кубизм был культурным движением, которое навсегда изменило ландшафт европейской скульптуры и живописи, а также архитектурные стили, музыку и письменность.

Кубистские темы и артефакты разобраны и собраны абстрактным образом.

Когда Пикассо и Брак создавали основу для кубизма во Франции между 1910 и 1920 годами, его влияние было настолько далеко идущим, что оно вдохновило ответвления, такие как дадаизм, футуризм и конструктивизм в других странах. Пикассо также известен изобретением встроенной скульптуры и совместным изобретением формы коллажного искусства . Он также считается одним из трех художников 20-го века, получивших признание за разработку принципов пластического искусства.

Портрет Пабло Пикассо (1912) работы Хуана Гриса; Хуан Грис, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Активно манипулируя веществами, которые раньше не подвергались резке или лепке, эта инновационная форма искусства подтолкнула цивилизацию к социальным улучшениям в живописи, скульптуре, печати и гончарном деле. Эти вещества были не просто пластиком; они могут быть каким-то образом сформированы, как правило, в трех измерениях. Художники использовали гипс, металл и дерево для создания новаторских скульптурных произведений, которых публика никогда раньше не видела.

Но когда Пикассо родился и когда Пикассо умер? Давайте сначала взглянем на биографию Пабло Пикассо, прежде чем мы углубимся в его стиль и примеры известных картин Пикассо.

 

 

Биография Пабло Пикассо

Склонность Пикассо к созданию произведений в самых разных жанрах принесла ему высокий уровень признания на протяжении всей его жизни. Его значение как художника и влияние на других художников только возросло после его смерти в 1973 году.Чтобы понять, как он прославился, давайте взглянем на его детство, образование и художественных периодов .

Национальность Испанский
Дата рождения 25 октября 1881 г.
Дата смерти 8 апреля 1973 г.
Место рождения Малага, Испания

 

Ранняя жизнь

Пикассо родился у Дона и Марии Пикассо в Малаге, Испания.Его отец, художник и преподаватель рисования, был поражен талантом мальчика к рисованию с самого раннего возраста. Пикассо начал академическое образование у своего отца в возрасте семи лет.

Руиз считал, что обучение состоит из воспроизведения шедевров и зарисовки человеческой фигуры с живых предметов, а также с гипсовых слепков из-за его обычного академического образования.

Пабло Пикассо с сестрой Лолой, 1889 год;  Анонимный неизвестный автор, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Когда Пикассо было десять лет, его семья переехала в Ла-Корунья, где в Школе изящных искусств его отец работал лектором.Они пробыли там четыре года, в течение которых Руиз подумал, что его сын превзошел его как художника в возрасте 13 лет, и решил бросить рисовать. Хотя Руиз еще много лет создавал картины, он, несомненно, был в восторге от врожденного таланта и мастерства своего сына. Семья Пабло Пикассо была потрясена, когда его младшая сестра скончалась в 1895 году от дифтерии.

 

Раннее обучение

Они переезжают в Барселону, где отец Пабло Пикассо начал работать в Школе изящных искусств.Он убедил администраторов позволить его сыну пройти вступительный экзамен в экспертный класс, и Пикассо был зачислен в возрасте 13 лет. Когда ему было 16 лет, он был принят в Королевскую академию Сан-Фернандо, самую престижную художественную школу Испании. Пикассо презирал формальные уроки и бросил их вскоре после прибытия. Он проводил свои дни в мадридском Прадо, где были работы Эль Греко и Гойи.

Коллекция работ Пикассо обширна и простирается от раннего детства до самой смерти, предлагая более подробные записи о его прогрессе, чем, возможно, любой другой художник.

Плакат для ретроспективной художественной выставки Пабло Пикассо и его работ в Художественном институте Чикаго, между 1936 и 1940 годами; Коллекция плакатов администрации рабочих проектов, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Изучая архивы его первоначальных исследований, сообщается, что произошел переход, когда детский аспект его рисунков исчез, что указывает на формальное начало его профессии. Утверждается, что это 1894 год, когда юному Пабло Пикассо было всего 13 лет.Он создал Портрет тети Пепы в возрасте 14 лет, замечательную картину, которая считается одним из величайших портретов в истории Испании. Пикассо также создал свой отмеченный наградами «Наука и благотворительность » в возрасте 16 лет. Его метод реализма, который был привит ему его отцом и ранним образованием, расширился благодаря его знакомству с символистскими идеями.

Это вдохновило Пикассо на создание собственной интерпретации современности и на его первое путешествие в Париж.

Пикассо выучил французский язык у парижского знакомого, поэта Макса Жакоба. Они жили в квартире, где узнали, что значит быть «борющимся художником». Они были зябкими и бедными, и им приходилось сжигать свои собственные работы, чтобы согреть квартиру. Несмотря на то, что он начал развивать скульптуру на этом этапе, критики называют его Голубым периодом, названным в честь синей цветовой палитры, характерной для его полотен.

Тон произведения был также безошибочно меланхоличным.

Страдания художника по поводу самоубийства Карлоса Касегемаса, друга, которого он встретил в Барселоне, можно рассматривать как источник этого, в то время как темы большинства работ Голубого периода были заимствованы из бездомных и проституток, которых он встретил на городских улицах . «Старый гитарист» (1903 г.) является прекрасной иллюстрацией предметного материала и эстетики этого периода. Цвета Пабло Пикассо начали светлеть в 1904 году, и он работал в манере, известной как «Розовый период», в течение года или дольше.Он сосредоточился на артистах и ​​циркачах, изменив свою палитру на более веселые розовые и красные тона.

И, вскоре после знакомства с художником Жоржем Браком в 1906 году, его палитра углубилась, фигуры стали более плотными и конкретными, и он начал двигаться в сторону кубизма.

 

Период зрелости

Ранее комментаторы проследили истоки кубизма до его ранней работы Les Demoiselles d’Avignon (1907). Хотя это произведение сегодня считается промежуточным (в нем отсутствуют драматические отклонения от его более поздних работ), оно определенно сыграло ключевую роль в его развитии из-за сильного влияния африканских скульптур и старых иберийских произведений искусства.

Говорят, что это побудило Брака создать свою первую серию произведений искусства, и в последующие годы они предприняли одно из самых необычных совместных усилий в современном искусстве, время от времени взволнованно учась друг у друга, иногда пытаясь превзойти друг друга в их стремительном и агрессивном соревновании за продвижение.

Во время разработки этого радикального подхода Брак и Пикассо регулярно встречались, и Пикассо характеризовал себя и Брака как «двух альпинистов, связанных вместе.«Множественные точки зрения на предмет отображаются одновременно в их общем видении, будучи разделенными и реорганизованными в разрозненные формы. Форма и пространство были наиболее важными аспектами, и в результате оба художника ограничили свои палитры нейтральными тонами, что резко противоречило ярким цветам, использовавшимся фовистами до них.

Пикассо всегда сотрудничал с отдельными людьми или с коллективом, но, как выразился историк Брака Алекс Данчев, «фаза Брака» Пикассо была «самой интенсивной и продуктивной за всю его карьеру.

Пикассо ненавидел название «кубизм», особенно когда критики начали различать два основных метода, которым он якобы следовал, — синтетический и аналитический. Он рассматривал свое творчество в целом. Однако нет никаких сомнений в том, что его работа изменилась после 1912 года. Он стал меньше озабочен изображением расположения предметов в пространстве и больше интересовался использованием форм и мотивов в качестве подсказок, чтобы причудливо намекнуть на их существование.

Портретная фотография Пабло Пикассо перед его картиной Любитель (Художественный музей Базеля) на вилле Ле Клошетт, Сорг, Франция, лето 1912 года;  Анонимный неизвестный автор, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Он изобрел метод коллажа, а от Брака он научился родственному методу papier colles , который включал вырезанные листы бумаги в сочетании с частями ранее существовавших исходных материалов.Из-за зависимости от различных ссылок на предмет для построения его описания эта фаза позже стала рассматриваться как «синтетическая» фаза кубизма.

Пикассо использовал этот подход для создания более декоративных и юмористических аранжировок, и его универсальность вдохновила его продолжать использовать его вплоть до 1920-х годов.

Однако растущий интерес художника к танцу переместил его творчество в новые области примерно в 1916 году. Частично этому послужило знакомство с писателем, художником и режиссером Жаном Кокто.Через Кокто ему удалось познакомиться с Сергеем Дягилевым, и он разработал несколько декораций для Русского балета. Пикассо экспериментировал с классическими темами в течение нескольких лет, прежде чем в начале 1920-х гг. Его персонажи стали намного крупнее и внушительнее, и он часто изображал их в контексте Золотого века Средиземноморья.

Фотография семьи Пикассо возле самолета с участниками труппы Ballets Russe;  без даты, без фотографа, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Они долгое время были связаны с более широкими консервативными тенденциями так называемого rappel a l’ordre Европы, периода искусства, который теперь определяется как межвоенный классицизм.В середине 1920-х на него повлиял сюрреализм, что заставило его переосмыслить свой карьерный путь. Его искусство превратилось во что-то более экспрессивное, часто агрессивное или провокационное. Этот момент в его карьере соответствует периоду в его личных делах, когда его отношения с балериной Ольгой Хохловой начали разваливаться, и он завел новый роман с Марией-Терезой Вальтер.

Несомненно, критики часто отмечали, как изменения в живописном стиле Пабло Пикассо часто совпадают с изменениями в его интимных отношениях; его отношения с Хохловой растянулись на годы его участия в танцах, а его последующий момент с Жаклин Рок связан с его поздней стадией, когда он зациклился на своем месте в истории рядом со старыми мастерами.В конце 1920-х он начал работать со скульптором Хулио Гонсалесом.

Это было его самое крупное творческое сотрудничество со времени работы с Браком, результатом которого стали произведения искусства из сварного металла, которые впоследствии оказали огромное влияние.

Металлоконструкция Пабло Пикассо под названием «Железная дружба» , представленная на выставке Хулио Гонсалеса; DeuxPlusQuatre, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Политические проблемы начали искажать видение Пикассо в 1930-х годах и продолжали это делать в течение некоторого времени.В 1937 году он был вдохновлен бомбардировкой людей в баскской деревне Герника во время гражданской войны в Испании, чтобы создать картину Герника. Во время Второй мировой войны он проживал в Париже, и немецкие официальные лица оставили его в покое на достаточно долгое время, чтобы он мог возобновить свою работу.

Тем не менее, война оказала значительное влияние на Пикассо, так как нацисты забрали его парижскую коллекцию произведений искусства и убили некоторых из его самых близких друзей-евреев.

Пикассо создал работы в их честь, в том числе скульптуры из грубых, жестких материалов, таких как металл, в Склеп , особенно ужасающем преемнике Герники (1945).После войны он стал активно участвовать в Коммунистической партии, и многочисленные крупные фильмы той эпохи, такие как « Война в Корее » (1951), демонстрируют его вновь обретенную преданность делу.

 

Последние годы и смерть

В 1950-х и 1960-х годах Пабло Пикассо сосредоточился на собственных копиях великих произведений таких художников, как Диего Веласкес, Николя Пуссен и Эль Греко. Пикассо искал убежища от своей славы в последние годы своей жизни, женившись на Жаклин Роуг в 1961 году.

Его более поздние работы были в основном портретными, с почти кричащей цветовой палитрой.

Критики обычно считали их хуже, чем его предыдущие работы, однако в последние десятилетия они получили более положительный отклик. На этом более позднем этапе он также создал большое количество керамических и металлических скульптур. В 1973 году он умер от сердечного приступа на юге Франции.

Ныряющая чайка (1969) Пабло Пикассо, скульптура художника в Кунгшамре; Гумиша, CC BY-SA 3.0, через Викисклад

 

 

Различные периоды творчества Пикассо

Пикассо провел большую часть своей профессиональной взрослой жизни во Франции. Его работа была свободно разделена на периоды времени, в течение которых он полностью разрабатывал сложные темы и чувства, чтобы создать единую работу. Первый период был известен как Голубой период.

 

Голубой период (1901-1904)

Меланхолическая фаза Пикассо, во время которой он непосредственно переживал лишения и воздействие лишений на окружающих, отмечен преимущественно монохромными работами в синих и сине-зеленых тонах, лишь иногда осветленных другими цветами.Картины Пикассо этого периода изображают голод, проституцию и портреты друга Карлоса Касагемаса после его смерти, кульминацией которых является мрачная аллегорическая картина La Vie (1903). La Vie изобразил внутреннюю боль своего друга перед лицом девушки, которую он пытался убить.

Рассуждая о Пикассо и его Голубом периоде, журналист и писатель Шарль Морис однажды заметил: «Не суждено ли этому тревожно не по годам развитому юноше придать святость шедевра неприятному ощущению существования, болезни, от которой он, кажется, страдает? больше, чем кто-либо другой?»

 

Розовый период (1904-1906)

Согласно этому термину, у Пикассо была более веселая эпоха, включающая розовые и оранжевые цвета и живые миры циркачей и арлекинов, после достижения определенного уровня прогресса и преодоления своего отчаяния.Затем художник встретил Фернанду Оливье, богемную художницу, которая также станет его возлюбленной. Позже она появляется в нескольких из этих более позитивных работ. Пабло Пикассо был очень хорошо принят коллекционерами произведений искусства Гертрудой и Лео Стайн. Они были не только его главными спонсорами, Гертруда также была изображена на одной из его самых известных картин, Портрет Гертруды Стайн .

 

Африканские влияния (1907-1909)

Выставка Поля Сезанна , организованная в Осеннем салоне через год после смерти творца в 1906 году, стала переломным моментом для Пикассо.Хотя Пикассо был знаком с Сезанна еще до ретроспективы, только на выставке Пикассо осознал всю полноту своего творческого блеска. Пикассо открыл модель извлечения основ из реальности, чтобы создать связную поверхность, которая передала отчетливую перспективу художника в работах Сезанна.

Примерно в тот же период качества местной африканской скульптуры начали оказывать сильное влияние на европейских художников.

Первым шедевром Пикассо был Les Demoiselles d’Avignon .На картине изображены пять обнаженных дам с телами, состоящими из плоских изломанных поверхностей, и лицами, навеянными африканскими масками. Злобно изогнутый срез дыни в натюрморте с фруктами внизу картины парит на неестественно приподнятой столешнице; замкнутое пространство, в котором обитают персонажи, кажется, вырывается вперед острыми фрагментами.

Пикассо отклоняется от традиционного европейского искусства в этой работе, используя примитивизм и отказываясь от перспективы вместо плоской, двухмерной плоскости изображения.Казалось, что мир искусства рухнул, когда Les Demoiselles d’Avignon впервые дебютировали. Форма и представление, какими мы их знали, были полностью отброшены. В результате ее окрестили «самой изобретательной картиной в истории современного искусства».

Пикассо открыл для себя свободу самовыражения помимо современных и традиционных французских влияний с помощью новой живописной тактики, которую он использовал, и он смог проложить свой собственный путь. Формальные принципы, созданные в это время, проложили путь для последующего периода кубизма.

 

Кубизм (1909-1912)

Примерно в 1907 году Пикассо был вынужден придать своим фигурам большую серьезность и форму за счет слияния влияния, начиная от Винсента Ван Гога и Поля Сезанна до древних и племенных произведений искусства. И в конце концов они привели его к кубизму, в котором он разрушил стандарты перспективы, характерные для живописи эпохи Возрождения. В этот период стиль, установленный Пикассо и Браком, использовал в основном нейтральные тона и был сосредоточен на «разбивании» предметов и «оценке их» с точки зрения их форм.

Кубизм, особенно второй вариант, известный как синтетический кубизм, оказал значительное влияние на эволюцию западного мира искусства.

Работы на этом этапе подчеркивают интеграцию или синтез форм в изображении. Цвет становится все более значимым в формах предметов, поскольку они становятся больше и красивее. Неокрашенные вещи, например, газеты или обертки от сигарет, регулярно наклеиваются на холст рядом с окрашенными областями — включение большого количества лишнего материала особенно связано с революционным методом коллажа Пикассо.Этот коллажный подход подчеркивает контрасты текстур и поднимает вопрос о том, что составляет правду и иллюзию в живописи.

Пикассо повлиял на ход искусства для будущих поколений благодаря использованию цвета, формы и математических фигур, а также своему уникальному методу изображения предметов.

 

Неоклассицизм (конец 1910-х — начало 1920-х) и сюрреализм (середина 1920-х)

Пикассо совершил свое первое путешествие в Италию в 1917 году, обладая непревзойденным владением техникой и талантом, и сразу же начал фазу уважения к неоклассическому стилю.Оторвавшись от строгого модернизма, он создал рисунки и картины, напоминающие Энгра и Рафаэля. Это был только пролог к ​​Пикассо, который плавно сочетал свои модернистские мысли со своими способностями в сюрреалистических шедеврах, таких как Герника (1937), неистовая и мощная смесь стиля, изображающая опустошение войны.

«Герника» часто считается самым разрушительным антивоенным посланием современного искусства.

Выставление картины Пикассо Герника (1937) в Стеделийк-музее, 1956;  Герберт Беренс / Анефо, CC0, через Wikimedia Commons

Это было сделано, чтобы продемонстрировать поддержку Пикассо завершения войны и его полное осуждение нацизма.Пикассо с самого начала решил не изображать трагедию Герники в реализме или романтике. Ключевые персонажи, такие как женщина с распростертыми руками, бык и агонизирующая лошадь, отшлифовываются в рисунке за эскизом, прежде чем переносятся на обширную картину, которую он также несколько раз переделывает. Мрачная цветовая гамма и монохромная тема использовались для изображения трудных времен и переживаемой печали. Герника ставит под сомнение героический характер битвы и показывает ее как ужасный акт самоуничтожения.

Работа была не только функциональным отчетом или картиной, но также остается мощным политическим образом в современном искусстве, уступая лишь нескольким фрескам мексиканского художника Диего Риверы.

 

 

Знаменитые картины Пикассо

Увлечение Пабло Пикассо кубизмом привело к развитию коллажа, в котором он отказался от концепции изображения как окна на предметы в мире и начал думать о нем просто как о наборе сигналов, использующих различные, часто метафорические, приемы. относиться к этим вещам.Это также будет иметь далеко идущие последствия для будущих десятилетий.

У Пикассо было разное отношение к форме, и, хотя его работа обычно определялась одним доминирующим подходом в любой момент, он часто попеременно перемещался между несколькими стилями — иногда даже в пределах одного произведения.

Его опыт работы с сюрреализмом повлиял не только на изящные формы и нежную чувственность картин его подруги Марии-Терезы Вальтер, но и на резкую неровную иконографию Герники (1937), самого известного антивоенного произведения искусства века.Пикассо всегда стремился утвердиться в истории, и некоторые из его самых известных произведений, такие как «Авиньонские девицы » (1907 г.), ссылаются на множество предыдущих предшественников — даже ниспровергая их.

По мере взросления он все больше заботился о сохранении своего наследия, и его более поздние работы отличаются откровенным обсуждением со старыми мастерами.

 

Суп (1903)
Дата завершения 1903
Средний Холст, масло
Размеры 38 см x 46 см
Местоположение Художественный институт Чикаго

«Суп » олицетворяет темную печаль Пикассо «Голубой период» и был создан одновременно с рядом других картин, посвященных темам лишений, старения и инвалидности.Художественное произведение выражает беспокойство Пикассо по поводу прискорбных ситуаций, с которыми он столкнулся, когда рос в Испании, и, несомненно, оно было вдохновлено религиозными произведениями искусства, на которых он вырос, особенно Эль Греко. Тем не менее, произведение искусства представляет собой более широкое направление символизма того времени.

Пикассо в конце концов стал рассматривать свои работы «Голубого периода» как «не что иное, как чувство»; рецензенты, как правило, встали на его сторону, несмотря на то, что многие из этих изображений являются классическими и, конечно же, достаточно дорогими.

 

Портрет Гертруды Стайн (1905)
Дата завершения 1905
Средний Холст, масло
Размеры 100 см x 83 см
Местоположение Метрополитен-музей

Гертруда Стайн была автором, другом и даже покровителем Пикассо, и она сыграла важную роль в его развитии как художника.Эта картина, на которой Штейн одета в свое любимое коричневое бархатное пальто, была закончена всего за год до Авиньонских девиц и представляет собой значительный шаг в его взрослом стиле.

По сравнению с плоским видом нескольких картин периода Синей и Розы, формы на этом портрете кажутся почти вырезанными, и они были вдохновлены изучением античной иберийской скульптуры.

Повышенный интерес Пикассо к изображению человеческого лица в виде последовательности плоских плоскостей практически осязаем.Штейн сказала, что она позировала Пикассо 90 раз, и хотя это может быть преувеличением, Пикассо, несомненно, долгое время боролся с изображением ее головы. После многочисленных попыток сделать это и потерпев неудачу, однажды он полностью закрасил его, заявив: «Я больше не могу видеть тебя, когда смотрю», и в конце концов отказался от изображения.

Голову он закончил намного позже, но без предмета перед ним.

 

Les Demoiselles d’Avignon (1907)
Дата завершения 1907
Средний Холст, масло
Размеры 243 см x 233 см
Местоположение Музей современного искусства

Эта работа поразила даже самых дорогих коллег Пикассо как по содержанию, так и по технике исполнения.Тема обнаженных женщин не была редкостью, но изображение Пикассо девушек как проституток в откровенно сексуальных позах было новым. Увлечение Пикассо иберийскими и местными произведениями искусства особенно очевидно в похожих на маски лицах трех женщин, намекающих на то, что их сексуальность не только жестока, но и первобытна.

Пабло Пикассо также сделал шаг вперед в своих пространственных исследованиях, отказавшись от ренессансного впечатления трехмерности в пользу представления драматически сплющенной плоскости изображения, разделенной на геометрические фрагменты, техника, которую Пикассо частично перенял у Поля Сезанна.

Например, нога дамы слева нарисована так, как будто видна с разных точек зрения одновременно; трудно отличить ногу от окружающего ее негативного пространства, создавая впечатление, что они оба находятся на переднем плане.

Когда в 1916 году картина была наконец показана публике, она была расценена как аморальная.

Брак был одним из немногих художников, тщательно изучивших его в 1907 году, что привело прямо к его кубистическому сотрудничеству с Пикассо.Поскольку Les Demoiselles предвидели некоторые черты кубизма, работа считается прото- или докубизмом.

 

Натюрморт со стулом Caning (1912)
Дата завершения 1912
Средний Холст, масло
Размеры 29 см x 37 см
Местоположение Национальная галерея, Лондон

Это знаменитое произведение считается самым ранним коллажем в современном искусстве.Пикассо ранее прикреплял к своим картинам уже существующие предметы, но это первый раз, когда он делал это с такой юмористической и драматической целью. Обшивка стула на изображении сделана из клеенки с принтом, а не из настоящей обивки стула, как следует из названия.

С другой стороны, веревка, обернутая вокруг холста, чрезвычайно натуральна и помогает имитировать резную окантовку столика в кафе.

Более того, зритель может думать о полотне как о стеклянном столе, а о плетеном стуле как о фактическом сидении стула, воспринимаемом через стол.В результате изображение не только сильно контрастирует визуальное пространство, что характерно для экспериментов Пикассо, но и искажает наше восприятие того, на что мы смотрим.

 

Ваза с фруктами, скрипка и бутылка (1914)
Дата завершения 1914
Средний Холст, масло
Размеры 92 см x 73 см
Местоположение Национальная галерея, Лондон

Эта работа является представителем его синтетического кубизма, в котором он использует множество приемов для обозначения изображаемых вещей, таких как нарисованные точки, тени и песчинки.Эта комбинация краски и смешанной техники является примером того, как Пикассо «синтезировал» текстуру и цвет, изобретая целое после когнитивного анализа предметов под рукой.

Пикассо подавлял цвет в период своего аналитического кубизма, чтобы больше сосредоточиться на формах и размерах объектов, и эта логика, безусловно, повлияла на его пристрастие к натюрморту на протяжении всего этого периода.

Жизнь в кафе, несомненно, резюмировала современную парижскую жизнь для художников — он проводил там много времени, общаясь с другими художниками, — но основной набор вещей также гарантировал, что вопросы метафоры и референции можно было держать в узде.

 

Ма Джоли (1912)
Дата завершения 1912
Средний Холст, масло
Размеры 100 см x 64 см
Местоположение Музей современного искусства

В этой картине Пикассо исследует границу между высоким искусством и обычной культурой, экспериментируя в новых областях.Пикассо продвигается к абстракции, уменьшая цвет и усиливая иллюзию скульптуры с низким рельефом, расширяя геометрические очертания Les Demoiselles d’Avignon .

Пикассо, с другой стороны, наносил текст на холст.

Фраза «ма Джоли» на обложке не только еще больше сжимает пространство, но и связывает иллюстрацию с рекламным щитом благодаря использованию рекламного шрифта.Это первый случай, когда художник публично использовал элементы популярной культуры в создании высокого искусства.

«Ма Джоли» также было названием популярной мелодии в то время, а также прозвищем Пикассо для своей девушки, что еще больше связывало картину с популярной культурой.

 

Три музыканта (1921)
Дата завершения 1921
Средний Холст, масло
Размеры 204 см x 188 см
Местоположение Художественный музей Филадельфии

Было две версии картин Пабло Пикассо с музыкантами.Несколько уменьшенная версия выставлена ​​в Художественном музее Филадельфии, хотя обе они исключительно огромны для кубистической фазы Пикассо, и он, возможно, решил создать в таком огромном масштабе, чтобы отметить конец своего синтетического кубизма, который занимал его всю жизнь. более десяти лет.

Он создал ее тем же летом, что и крайне непохожую классическую картину «Три женщины весной». Некоторые расценили изображения как ностальгические воспоминания о ранних днях Пикассо; В центре, как всегда, сидит Пикассо, Арлекин, по бокам — старые знакомые Гийом Аполлинер и Макс Жакоб, от которых он был отчужден.

 

Три женщины у источника (1921)
Дата завершения 1921
Средний Холст, масло
Размеры 204 см x 174 см
Местоположение Музей современного искусства

Пикассо провел обширные исследования, готовясь к написанию этого своего самого сложного изображения старой классической темы.Он отдает дань уважения старым работам Пуссена и Энгра, двух титанов классической живописи, но также заимствует реплики греческой скульптуры , а огромный вес фигур весьма скульптурен.

Критики говорят, что эта тема привлекла его в связи с рождением его первого сына, торжественная манера поведения фигур может быть понята нынешней одержимостью Франции памятью о погибших в Первой мировой войне.

 

Герника (1937)
Дата завершения 1937
Средний Холст, масло
Размеры 250 см x 777 см
Местоположение Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Пикассо написал эту картину в ответ на обстрел Герники, баскской деревни, 26 апреля 1937 года, в разгар гражданской войны в Испании.Он был закончен за один месяц и стал центром испанского павильона на Всемирной выставке 1937 года в Париже.

Хотя во время выставки он произвел настоящий фурор, впоследствии его запретили показывать в Испании до свержения милитаристского тирана Франсиско Франко в 1975 году.

Большая работа была потрачена на расшифровку значения произведения искусства, и некоторые считают, что страдающая лошадь в середине холста связана с гражданами Испании.Минотавр может относиться к корриде, популярному национальному времяпрепровождению в Испании, но он также имеет глубокое личное значение для художника.

Хотя «Герника», без сомнения, является самой знаковой реакцией современного искусства на конфликт, критики разделились во мнении о влиянии картины.

 

 

Рекомендуемое чтение

Биография Пабло Пикассо — это подробное и долгое путешествие. Не всегда есть возможность вместить в статью всю информацию.Возможно, вы хотите еще больше изучить рисунки и картины Пикассо в свободное время. Здесь вы можете найти больше информации о картинах и жизни Пабло Пикассо.

 

Жизнь с Пикассо (2019) Франсуа Жило

Честная книга Франсуазы Жило — это наиболее полная картина Пикассо из когда-либо опубликованных, дающая интригующее представление об эмоциональной и творческой жизни двух современных художников. В 1943 году Франсуазе Жило было около 20 лет, когда она встретила Пабло Пикассо, которому в то время был 61 год.Родившаяся в семье представителей высшего среднего класса, которые ожидали, что она станет юристом, молодая женщина проигнорировала желания своих родителей и сделала карьеру художника. Она была одной из муз Пикассо, но в то же время была самой собой, стремясь стать той выдающейся художницей, которой в конце концов стала.

  • Самый откровенный портрет Пабло Пикассо из когда-либо написанных
  • Получите захватывающее представление о насыщенной и творческой жизни двух художников
  •  Блестящий автопортрет молодой женщины огромного таланта
Посмотреть на Амазоне

 

Пикассо: Картина голубого периода (2021) Кеннета Браммеля Передовая технология

раскрывает скрытые композиции, темы и модификации, а также ранее нераскрытую информацию о материалах и методах создателя, обеспечивая новое понимание Голубого периода Пикассо.Эта междисциплинарная книга объединяет историю искусства и передовую науку о сохранении, чтобы продемонстрировать, как молодой Пикассо создал уникальный образ и отличительную художественную идентификацию, когда он развил художественное обучение Парижа fin-de-siècle до политической ситуации неспокойной Барселоны.

  • Получите новый взгляд на знаменитый «Голубой период» Пикассо
  • Роскошно иллюстрированный том, в котором заново исследуется голубой период Пикассо
  • Сочетание истории искусства и передовой науки о консервации
Посмотреть на Амазоне

 

Склонность Пикассо создавать работы в самых разных жанрах принесла ему широкое признание на протяжении всей его карьеры.Давайте завершим эту статью еще несколькими известными цитатами Пикассо, чтобы заглянуть внутрь этого причудливого и творческого художника: «У каждого подростка есть потенциал стать художником. Вопрос в том, как остаться художником, когда он станет старше». и «Я всегда делаю то, что я не могу сделать, чтобы узнать, как это сделать».

 

 

 

Часто задаваемые вопросы

 

Когда родился Пикассо и когда умер Пикассо?

Пабло Пикассо родился в творческой семье 25 октября 1881 года.Он родился в Испании, в городе Малага. В 1973 году он умер от сердечного приступа на юге Франции.

 

Кем был Пабло Пикассо?

Пикассо провел большую часть своей профессиональной взрослой жизни во Франции. Его работа была примерно разделена на периоды времени, в течение которых он полностью развивал сложные идеи и чувства, чтобы создать связную работу. Первый этап был назван Голубым периодом. Разнообразный спектр работ Пабло Пикассо не был результатом значительных изменений в его стиле в течение его карьеры, а скорее его приверженностью объективной оценке формы и подхода, наиболее подходящего для достижения запланированного эффекта для каждого произведения искусства.

 

Санкционная политика — наши внутренние правила

Эта политика является частью наших Условий использования. Используя любой из наших Сервисов, вы соглашаетесь с этой политикой и нашими Условиями использования.

Как глобальная компания, базирующаяся в США и осуществляющая деятельность в других странах, Etsy должна соблюдать экономические санкции и торговые ограничения, включая, помимо прочего, те, которые введены Управлением по контролю за иностранными активами («OFAC») Департамента США. казначейства.Это означает, что Etsy или любое другое лицо, использующее наши Сервисы, не может участвовать в транзакциях, в которых участвуют определенные люди, места или предметы, происходящие из определенных мест, как это определено такими агентствами, как OFAC, в дополнение к торговым ограничениям, налагаемым соответствующими законами и правилами.

Эта политика распространяется на всех, кто пользуется нашими Услугами, независимо от их местонахождения. Ознакомление с этими ограничениями зависит от вас.

Например, эти ограничения обычно запрещают, но не ограничиваются транзакциями, включающими:

  1. Определенные географические области, такие как Крым, Куба, Иран, Северная Корея, Сирия, Россия, Беларусь, Донецкая Народная Республика («ДНР») и Луганская Народная Республика («ЛНР») области Украины, или любое физическое или юридическое лицо, работающее или проживающее в этих местах;
  2. Физические или юридические лица, указанные в санкционных списках, таких как Список особо обозначенных граждан (SDN) OFAC или Список иностранных лиц, уклоняющихся от санкций (FSE);
  3. Граждане Кубы, независимо от местонахождения, если не установлено гражданство или постоянное место жительства за пределами Кубы; и
  4. Предметы, происходящие из регионов, включая Кубу, Северную Корею, Иран или Крым, за исключением информационных материалов, таких как публикации, фильмы, плакаты, грампластинки, фотографии, кассеты, компакт-диски и некоторые произведения искусства.
  5. Любые товары, услуги или технологии от ДНР и ЛНР, за исключением соответствующих информационных материалов, и сельскохозяйственных товаров, таких как продукты питания для людей, семена продовольственных культур или удобрения.
  6. Ввоз в США следующих товаров российского происхождения: рыбы, морепродуктов, непромышленных алмазов и любых других товаров, время от времени определяемых министром торговли США.
  7. Вывоз из США или лицом США предметов роскоши и других предметов, которые могут быть определены США.S. Министр торговли, любому лицу, находящемуся в России или Беларуси. Список и описание «предметов роскоши» можно найти в Приложении № 5 к Части 746 Федерального реестра.
  8. Товары, происходящие из-за пределов США, на которые распространяется действие Закона США о тарифах или связанных с ним законов, запрещающих использование принудительного труда.

Чтобы защитить наше сообщество и рынок, Etsy принимает меры для обеспечения соблюдения программ санкций. Например, Etsy запрещает участникам использовать свои учетные записи в определенных географических точках.Если у нас есть основания полагать, что вы используете свою учетную запись из санкционированного места, такого как любое из мест, перечисленных выше, или иным образом нарушаете какие-либо экономические санкции или торговые ограничения, мы можем приостановить или прекратить использование вами наших Услуг. Участникам, как правило, не разрешается размещать, покупать или продавать товары, происходящие из санкционированных районов. Сюда входят предметы, которые были выпущены до введения санкций, поскольку у нас нет возможности проверить, когда они были действительно удалены из места с ограниченным доступом. Etsy оставляет за собой право запросить у продавцов дополнительную информацию, раскрыть страну происхождения товара в списке или предпринять другие шаги для выполнения обязательств по соблюдению.Мы можем отключить списки или отменить транзакции, которые представляют риск нарушения этой политики.

В дополнение к соблюдению OFAC и применимых местных законов, члены Etsy должны знать, что в других странах могут быть свои собственные торговые ограничения и что некоторые товары могут быть запрещены к экспорту или импорту в соответствии с международными законами. Вам следует ознакомиться с законами любой юрисдикции, когда в сделке участвуют международные стороны.

Наконец, члены Etsy должны знать, что сторонние платежные системы, такие как PayPal, могут независимо контролировать транзакции на предмет соблюдения санкций и могут блокировать транзакции в рамках своих собственных программ соответствия.Etsy не имеет полномочий или контроля над независимым принятием решений этими поставщиками.

Экономические санкции и торговые ограничения, применимые к использованию вами Услуг, могут быть изменены, поэтому участникам следует регулярно проверять ресурсы по санкциям. Для получения юридической консультации обратитесь к квалифицированному специалисту.

Ресурсы: Министерство финансов США; Бюро промышленности и безопасности Министерства торговли США; Государственный департамент США; Европейская комиссия

Последнее обновление: 18 марта 2022 г.

10 уроков, которым Пабло Пикассо может вас научить

Пабло Пикассо был одним из самых плодовитых, творческих и вдохновляющих художников, которые когда-либо жили.Вот человек, который сам создал свою судьбу — который постоянно изобретал себя заново (независимо от того, что говорили его критики), всегда творил искусство и веселился (как ребенок).

Я чувствую, что многие из нас могут извлечь уроки из его личной философии и, что более важно, из его работ и из того, как он прожил свою жизнь.

Ниже приведены некоторые уроки, которым я научился у него, и то, как я смог применить их в своей жизни:

1. Твори как ребенок

 

«Каждый ребенок — художник.Проблема в том, как остаться художником, когда он вырастет». – Пикассо

Вы помните, когда вы были ребенком? Когда у вас не было пределов или ограничений в вашем творчестве?

Ваши родители могли дать вам лист бумаги и несколько карандашей. Ты что-то писал на этой бумаге и выражал свое детское любопытство. У вас не было понятия «хорошо» или «плохо» в искусстве. Вас не заставляли раскрашивать линии внутри.

Потом мы становимся старше, и наши учителя говорят нам, что делать , а не .Они говорят нам раскрашивать линии. Они сообщают нам «правила» искусства.

Умер наш внутренний ребенок. Мы становимся взрослыми. Мы уже не такие творческие, как были изначально.

Пикассо сказал нам, что каждый ребенок — художник. Но как мы можем оставаться художниками, когда становимся старше?

Мое предложение: забудьте о правилах, которые вам навязывают другие. Скорее попробуйте просто поиграть и повеселиться. Выражайте себя без внутреннего цензора, говорящего вам поступать иначе. Не спрашивайте других об их отзывах о вашем творчестве.Ребенку не нужно одобрение других в своем творчестве. Они создают искусство ради него — потому что это весело.

Еще одна цитата Пикассо, иллюстрирующая смысл оставаться ребенком:

«Мне потребовалось четыре года, чтобы рисовать, как Рафаэль, и целая жизнь, чтобы рисовать, как ребенок». — Пабло Пикассо

Когда мы начинаем свое ученичество в искусстве, нам говорят копировать работы мастеров. Мы изучаем композицию, форму и свет. Мы много работаем, чтобы создавать имитации шедевров.

Однако, когда мы закончим ученичество, нам нужно научиться «убивать наших мастеров». Не позволять их влиянию сдерживать нас.

Это означает изучение основных правил, но умение их нарушать.

Чем опытнее вы становитесь в искусстве, тем больше вам нужно «разучивать» «правила».

Вспомните работы Пикассо. Он начал с того, что мог создавать гиперреалистичные подражания великим художникам. Кроме того, распространено заблуждение, что всех работ Пикассо были абстрактными кубистическими работами.

Неправильно — Пикассо умел рисовать чертовски убедительные натюрморты. Пикассо умел создавать гиперреалистичные произведения искусства.

Одна из самых захватывающих вещей в творчестве Пикассо — это то, как он смог преобразовать изображение в его сущность. И для этого Пикассо пришлось глубоко погрузиться в свой детский разум и творить спонтанно, весело и оригинально.

Назначение:

Понаблюдайте за ребенком в течение дня. Посмотрите, как каждый опыт является для них совершенно новым. Каждый опыт приносит удовольствие и дает возможность расти и учиться.

Ребенок не слушается правил. Они делают, как им заблагорассудится. Их творческий потенциал находится на максимуме.

А теперь посмотрите на нас, взрослых — мы застряли в своих кабинках и на офисных работах. Нам говорят отвечать на электронные письма в течение часа. Нам говорят подчиняться правилам, законам и ограничениям. Нас постоянно осуждают и критикуют.

Становясь старше, не стремитесь стать взрослее. Вместо этого постарайтесь стать более похожим на ребенка, когда станете старше. Постарайтесь быть как Бенджамин Баттон — старейте наоборот.

Прикоснитесь к своему внутреннему ребенку и творите без ограничений. Только так вы сможете по-настоящему проявить себя творчески.

Чтобы стать ребенком, может потребоваться вся жизнь, как сказал Пикассо: «Чтобы стать молодым, нужно много времени».

2. Воровать хорошие идеи

 

Есть две версии цитаты, приписываемые Пикассо:

  • «Хорошие художники копируют, великие художники воруют».
  • «Плохие художники копируют.Хорошие художники воруют».

Для меня суть цитаты означает следующее: брать лучшие идеи у тех, кто был до тебя. Но не просто подражайте мастерам строчка за строчкой. Скорее, превратите свое искусство в нечто новое.

Невозможно быть «оригинальным», не черпая вдохновение у других. Мы все являемся набором нашего жизненного опыта как часть общества.

Когда мы начинаем заниматься фотографией, нам необходимо изучить основные технические аспекты, такие как экспозиция, свет, тень и кадрирование.Когда мы начинаем рисовать, нам нужно научиться рисовать, как мастера. Когда мы начинаем заниматься музыкой, мы учимся играть наши гаммы.

Однако, если вы хотите создать по-настоящему оригинальную работу, выражающую вас самих, черпайте вдохновение из как можно большего количества ресурсов. Но затем посмотрите, как вы можете добавить к этому свое собственное видение. Посмотрите, как вы можете повторно смешать произведение искусства с прошлым и добавить свою собственную интерпретацию.

Всегда спрашивайте себя: «Что нового я могу предложить?»

Часто лучшие писатели не те, кто пишет самые оригинальные истории.Скорее, они возьмут старые сюжетные идеи и освежат их во что-то более современное для современного читателя.

Фотограф будет черпать вдохновение у мастеров фотографии прошлого, но использовать новые технологические достижения для создания нового типа изображения, которое будет вдохновлять современную аудиторию.

Назначение:

У кого можно бессовестно воровать идеи, не чувствуя при этом никакого стыда?

Не думайте, что вам нужно быть «оригинальным» в своей творческой жизни. Украсть из любого источника или мастера вы можете.

Но посмотрите, как вы можете придать этому свой уникальный оттенок — наполнить свою душу источником вдохновения и создать что-то новое.

Итак, для задания найдите одного мастера-фотографа, работами которого вы восхищаетесь, и беззастенчиво украдите его идеи, технику и стиль. Попробуйте сделать свои фотографии похожими на их, но сделайте это по-своему. Продолжайте делать это, пока вам не надоест, и попробуйте еще 2-3 мастера.

Смешайте старое и сделайте его современным.

3. Вы не сможете добиться успеха без действия

«Действие — это ключ к успеху.— Пикассо

У нас много отличных идей. Мы делимся этими идеями с нашими друзьями, нашими семьями и самими собой.

Но как редко мы на самом деле претворяем свои идеи в жизнь?

Пикассо сказал, что «Действие — это ключ к успеху». Это имеет смысл. Если вы художник или художник, вы не можете стать «успешным», не создавая искусство. Точно так же, если вы фотограф, вы не сможете сделать ни одной «удачной» фотографии, не нажав кнопку спуска затвора.

Назначение:

Как вы можете действовать в своей фотографической жизни?

Если вы начинаете свой бизнес, какой первый действенный шаг вы можете сделать?

Например, это означает создание поста для ваших услуг? Или холодный обзвон клиента? Или участие в конгрессе?

Не записывайте список своих фотографических мечтаний, просто разместите их в виде списков действий.

Например, глупо ставить перед собой цель «набрать миллион подписчиков в социальных сетях». Разумнее иметь действенную цель, например «загружать только мои лучшие работы один раз в день (или через день)».

Если вы хотите сделать более качественные фотографии, ваше задание может быть таким: изучить все фотографии Анри Картье-Брессона в его портфолио, распечатать понравившиеся на домашнем принтере, обвести красной ручкой его композиции и попытаться деконструировать его образы.

Не имейте мышления «идея» — имейте мышление «действия».

4. Используйте то, что есть

«Если у меня нет красного, я использую синий». – Пикассо

Пикассо был известен тем, что проходил определенные этапы — когда он рисовал только определенным цветом или оттенком. Например, во время «голубого периода» Пикассо (Período Azul) он делал только монохромные картины с холодными сине-зелеными цветами. Эти картины, как правило, были мрачными и меланхоличными.

Затем, в отличие от этого периода, Пикассо принял «Розовый период» (1904–1906), в котором он использовал только оранжевый и розовый цвета, которые были намного теплее и живее по духу.

Когда его спросили, зачем он это сделал, он сказал, что это были единственные цвета, которые у него были.

Что мне понравилось в этом, так это то, как он показывает, как мало цветов вам нужно в вашей палитре для создания великих произведений искусства.

Как фотографы, мы жалуемся, что у нас недостаточно оборудования, объективов или камер. Если мы хотим быть похожими на Пабло и быть более творческими, это означает ограничение нашей палитры. Возьмите несколько цветов, которые у нас уже есть, и максимально используйте их.

Назначение:

Выберите определенный цвет, оттенок или палитру и придерживайтесь их в течение месяца.В течение месяца снимайте только красные или синие цвета. Стреляйте только кругами или треугольниками.

Стик только с одной камерой и одним объективом.

Ограничив свой творческий выбор, узнайте, насколько креативным вы можете стать.

5. Нарисуй свою реальность

«Мир не имеет смысла, так почему я должен рисовать картины, которые имеют смысл?» – Пикассо

Быть художником означает создавать мир, который вы хотите видеть. Это значит также показывать другим то, что вы видите в реальности.

Пикассо неправильно понимают только потому, что он художник-абстракционист. Но прежде чем он приступил к своим эпическим кубистическим образам, он освоил реалистическую живопись.

Но что мне нравится в его работах, так это то, что они вызывают эмоции, замешательство и хаос реальности. Они не показывают реальность как совершенную и вписывающуюся в рамки. Скорее, Пикассо восстал против рамок, в которые застряли другие художники, и создал свою собственную версию реальности.

Назначение:

Сфотографируйте свою собственную реальность.Вместо того, чтобы делать ваши фотографии сфокусированными, четкими и «настоящими», постарайтесь сделать их как можно более «ненастоящими». Сделайте ваши фотографии размытыми, не в фокусе и зернистыми. Увеличьте контрастность, цвета и насыщенность. Попробуйте постобработать свои фотографии, которые вызывают определенные эмоции.

Старайтесь создавать образы, которые отражают ваши чувства, а не то, как сцена выглядела в «реальной жизни».

6. Удалите лишнее

«Искусство — это устранение ненужного.— Пикассо

Чем больше я изучаю художников, тем больше понимаю, что искусство больше связано с вычитанием и устранением ненужного и лишнего, а не с добавлением.

Одним из хороших примеров метода работы Пикассо было увидеть его этюды по «деконструкции быка». Вы видите, как он начал с реалистичной формы быка и продолжал вычитать, пока не остался с тем, что он считал «сущностью» быка.

Так делают великие художники. Когда дело доходит до философии дизайна Стива Джобса, он всегда был одержим устранением ненужного — устранением кнопок, запутанными дополнениями в пользовательском интерфейсе и сложностью.

Дзенские и даосские мастера тоже говорили об этом — стать мастером означало избавляться от одной лишней вещи каждый день, а не добавлять одну вещь в день.

Назначение:

Найдите интересную сцену, которую хотите сфотографировать. Посмотрите, как вы можете деконструировать сцену, предмет за предметом. Продолжайте отрезать от фрейма, пока не останется то, что вы считаете «сущностью» фрейма.

Срежьте весь ненужный жир с краев рамки, тогда у вас останется только мясо.

7. Не повторяйтесь

«Копировать других необходимо, но копировать себя — жалко». – Пикассо

Если вы хотите оставаться свежим художником, вам следует избегать повторения себя снова и снова. Это и приводит к стагнации.

Если вы бодибилдер, вы хотите увеличить интенсивность тренировки, будь то увеличение количества повторений или увеличение веса. Если вы художник, вы хотите расширить свои творческие возможности.Возможно, вы по-прежнему работаете с теми же материалами, но хотите усложнить свой рабочий процесс, создать новые работы, которые хотя бы немного отличаются от той работы, которую вы делали раньше.

Мне кажется, это поможет нам сохранять мотивацию на протяжении всей жизни. Пикассо прошел через множество различных эволюций в своей творческой жизни. Всякий раз, когда он чувствовал, что становится самодовольным, он полностью менял свой стиль. Он заставлял своих зрителей гадать — они никогда не знали, какой будет его следующая картина или произведение.

Пикассо экспериментировал с множеством различных форм на протяжении всей своей карьеры. Хотя он был наиболее известен своей живописью, он также экспериментировал с поэзией, фотографией, скульптурой и другими видами искусства. Он продолжал раздвигать свои границы, чтобы выразить себя как можно большим количеством различных творческих способов.

Пикассо продолжает рассказ об опасностях «успеха» в искусстве. Как только мы почувствуем себя «успешными» — мы перестанем изобретать:

«Успех опасен. Человек начинает копировать себя, а копировать себя опаснее, чем копировать других.Это приводит к бесплодию». – Пикассо

Назначение:

Забудьте о своей старой работе. Удалите свои старые фотографии из социальных сетей или, по крайней мере, пометьте их как частные.

Представьте, что сегодня вы снова начинаете фотографировать с нуля. Какие старые методы стрельбы из прошлого вы бы не использовали? Как бы вы подошли к созданию своего имиджа с другой точки зрения или под другим углом?

Означает ли это, что вы фотографируете разные предметы? Означает ли это, что вы должны запечатлевать различные эмоции и жесты на своих изображениях?

Что бы это ни значило для вас, никогда не прекращайте внедрять инновации.

8. Продавайте себя, а не свое искусство

 

«Художник — это человек, который рисует то, что можно продать. Хороший художник — это человек, который продает то, что рисует». – Пикассо

Еще одна большая проблема художников заключается в том, что они пытаются создавать произведения искусства, которые понравятся публике, чтобы они могли продать свое искусство.

Пикассо учит нас обратному: великий художник тот, кто продает себя и то, что он рисует .

Мы, люди, хотим, чтобы нас любили, ценили и поддерживали другие.Как фотографы, мы хотим делать снимки, которыми восхищаются другие.

Но разница между средним и великим заключается в том, что великие художники придерживаются своего единственного видения. Они не идут на компромисс. Они идут против течения и создают вещи, которые могут поранить перья. Их работа может быть оценена не так широко, но они находят небольшую группу людей, которым очень нравится их работа. И именно это делает их успешными — они остаются верными себе.

Назначение:

Прекратите загружать фотографии в социальные сети на неделю или месяц.Делайте фотографии, которые вы считаете по-настоящему креативными, инновационными и уникальными. Не спрашивайте мнение других о вашей работе. Следуйте за своим сердцем и интуицией.

Затем сделайте серию изображений, распечатайте их и посмотрите, сможете ли вы продать их знакомым людям или в Интернете.

Не измеряйте свой успех тем, сколько вы можете продать, но используйте это задание, чтобы вселить в себя уверенность в работе, которую вы создаете.

9. Не откладывайте важные дела

 

«Откладывайте на завтра только то, что вы готовы умереть, не сделав ничего.— Пикассо

Пикассо был одним из самых плодовитых художников в истории. Как он это сделал? Просто — он откладывал неважные дела и неуклонно сосредотачивался на том, что было для него важно (своем искусстве).

Хотя Пикассо славился тусовщиной и светской бабочкой, когда ему пора было браться за живопись и работу — он закрывался от мира. Он знал, что для создания своих великих шедевров ему нужна тишина, чтобы думать, медитировать и создавать свои работы.

Нам легко откладывать свою жизнь на потом. Я верю, что прокрастинация — это хорошо, если использовать ее правильно. Откладывай только то, что с тобой будет в порядке, если ты останешься незавершенным, если умрешь завтра. Но не откладывайте на потом задачу своей жизни — свою творческую работу.

Назначение:

Напишите список вещей, с которыми вы в порядке, если они остались невыполненными, если вы умерли. Затем напишите список вещей, которые вы бы расстроили, если бы не сделали их, если бы умерли.

Сосредоточьтесь на том, что для вас наиболее важно, и отложите все остальное.

10. Отдайте свой подарок

«Смысл жизни в том, чтобы найти свой дар. Цель жизни — отдать ее». – Пикассо

У каждого из нас есть дар, которым мы можем помочь другим. У нас есть подарок, который мы можем подарить другим — подарок, который может помочь другим стать лучшей версией самих себя.

Вашим даром может быть способность создавать красивые образы, произносить трогательные слова, проявлять любовь и сострадание или быть хорошим другом или членом семьи.

Каким бы ни был подарок вашей жизни, проведите всю свою жизнь, раздавая его другим. Именно тогда вы почувствуете наибольшую благодарность, расширение возможностей и счастье в жизни.

Что делать, если вы не знаете, в чем заключается дар вашей жизни? Это нормально — большая часть жизни пытается выяснить, в чем заключается наш дар. Многие не находят свой дар до старости, а затем, обнаружив его, проводят всю свою жизнь, раздавая свой дар.

Есть много музыкантов, художников и режиссеров, которые только в старости начали свою карьеру.И это было для них подходящее время — у них было достаточно жизненного опыта, ресурсов и финансов, чтобы приступить к тому творчеству, которое им предначертано.

Не форсируйте. Если вы знаете, в чем состоит дар вашей жизни, сосредоточьтесь на том, чтобы как можно больше отдать его другим. Если вы не знаете, в чем заключается дар вашей жизни, не прекращайте поиски. Не соглашайтесь на меньшее.

Посмотрите, какие из ваших действий создают наибольшую ценность для других, а не для вас самих. Посмотрите, как вы лучше всего расширяете возможности, вдохновляете или мотивируете других.Это благодаря вашему совету, вашему голосу, вашим действиям, вашему искусству или чему-то еще?

Я считаю своим подарком ведение блога. Мне очень нравится вести блог, и слова текут из моих пальцев. Это никогда не бывает скучно, и мне никогда не приходится заставлять себя это делать. И это достигает наибольшего количества людей через Интернет, и я надеюсь, что это также расширяет возможности других в их фотографии, жизни и творческом процессе.

Назначение:

Напишите список талантов, увлечений и ценностей, которые у вас есть в жизни.Подумайте о том, как вы создаете наибольшую ценность для других. Подумайте, как вы можете помочь еще большему количеству людей. Какие отвлекающие факторы вы убрали из своей жизни, чтобы добавить больше времени, энергии и внимания к подарку своей жизни?

Заключение

Пикассо был редким человеком, который жил по своим собственным стандартам и творил до самой смерти. Он не оставил ничего недоделанным. Он расширял и раздвигал свои творческие границы и был чертовски плодовит. Он играл как ребенок, экспериментировал и всегда подвергал сомнению авторитет и «правила».

Мы все можем жить творческой жизнью, как Пикассо. Это просто означает восстановить связь с нашим внутренним ребенком и увидеть нашу творческую работу как игру. Это означает не идти на компромисс с нашими художественными стандартами и делать лучшее искусство независимо от нашей жизненной ситуации.

Так что заново откройте в себе внутреннего ребенка и получайте удовольствие.

Всегда,
Эрик

художественных коллабораций: Пабло Пикассо и Гьон Мили

Пабло Пикассо

В 1881 году в Малаге, Испания, Пабло Пикассо, или, как его официально называли, Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомучено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Руис-и-Пикассо, родился в семье среднего класса.Его отец, художник, давал сыну формальное образование с раннего детства, способствуя развитию врожденных талантов молодого художника. После смерти его семилетней сестры в 1895 году семья переехала в Барселону, где его отец преподавал в Школе изящных искусств и куда Пикассо поступил в возрасте 13 лет. Школа изящных искусств, отец и дядя Пикассо решили отправить его в мадридскую Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, самую конкурентоспособную художественную школу в стране.В 16 лет Пикассо отправился в Мадрид, где отказался от формального образования в пользу художественных развлечений, таких как музей Прадо.

Портрет друга и покровителя Пикассо Гертруда Стайн 1905-1906
Предоставлено музеем Метрополитен

Вскоре Пикассо начал совершать поездки во Францию, которые оказали большое влияние на его работы, превратив его юношеский натуралистический стиль в новаторские эксперименты, с которыми мы ассоциируем его сегодня. Из его Голубого периода начала 1900-х годов, характеризующегося мрачными, изможденными предметами; он перешел в свой розовый период под влиянием междисциплинарной художественной дружбы, которую он завязал в салоне патрона Гертруды Стайн .После короткого африканского периода Пикассо начал свой набег на кубизм. Начав с того, что было названо аналитическим кубизмом, разбирая предметы и «анализируя» их формы, он еще больше погрузился в синтетический кубизм, стиль, с основанием которого он связан, который продолжает влиять на способы фигурации по сей день.

Picasso’s 1937 Герника
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

После Первой мировой войны Пикассо экспериментировал с неоклассицизмом и сюрреализмом, проложив путь к частому использованию минотавра в качестве широко используемой сюрреалистической темы в своих работах.Самый известный из них, Герника, , который изображал ужасы немецких бомбардировок Герники во время гражданской войны в Испании, стал символом способностей Пикассо как художника. Во время Второй мировой войны, находясь под пристальным наблюдением нацистского режима, Пикассо начал изучать другие формы искусства, такие как поэзия и литье из бронзы. В 1949 году, в период послевоенных экспериментов и колебаний самовыражения, Пикассо встретил Гьона Мили.

Гьон Мили

Гьон Мили родился в 1904 году в Манастирском вилайете Османской империи, на территории современной Албании.После учебы в Национальном колледже Георге Лазара в Бухаресте он эмигрировал в Соединенные Штаты в 1923 году, где изучал электротехнику в Массачусетском технологическом институте. После окончания Мили работал инженером-исследователем освещения в компании Westinghouse и проводил эксперименты с Гарольдом Эдгертоном из Массачусетского технологического института. Эти эксперименты привели к разработке ламп накаливания с вольфрамовой нитью для цветной фотографии, что стало прорывом в отрасли. В это время Мили также экспериментировала со стробоскопическими и покадровыми изображениями.Эти нововведения, в сочетании с практикой фотографа-самоучки Гьона Мили, привлекли внимание журнала Life к его работе.

Гьон Мили Мультиэкспозиция Алисии Алонсо
The LIFE Picture Collection / Getty Images

В 1939 году Мили начал работать внештатным фотографом в Life, и эту должность он занимал до своей смерти в 1984 году. Он много путешествовал по своим заданиям, сделав тысячи фотографий на самые разные темы. Его кадры спортивных и театральных событий, особенно танцоров, привлекли большое внимание и были одними из первых в своем роде.Его инновации в качестве исследователя освещения позволили ему совершенно по-новому изобразить механику человеческой кинетики, используя технику быстрой стрельбы в своей фотографии, которая позволяла снимать несколько изображений в одном кадре, по сути, являясь пионером покадровой фотографии. . Эти работы освещали движения, которые были слишком быстрыми, чтобы их можно было различить в реальном времени, обеспечивая более глубокое понимание телесных движений и грации для широкой публики. Мили также работал над созданием запоминающихся портретов знаменитостей и художников, которые в 1949 году привели его к встрече с Пабло Пикассо.

Двойная экспозиция Гьона Мили , модельное весеннее платье, шапка с вуалью, меховой шарф , 1946 год для журнала Life
The LIFE Picture Collection / Getty Images

Пабло Пикассо и Гьон Мили

В 1949 году журнал Life Magazine отправил Гьон Мили в дом Пабло Пикассо в Валларуи на юге Франции для фотосессии. Первоначально маститый художник Пабло уделял Мили всего 15 минут своего времени. Однако после того, как Мили показала Пикассо свои изображения знаменитой фигуристки Кэрол Линн, кружащейся, прыгающей и прыгающей со светом, прикрепленным к ее конькам; Пикассо был поражен и после своего первого 15-минутного сеанса; немедленно открыты для дальнейшего сотрудничества.Фактически, Гьон Мили сотрудничал с Пабло Пикассо в течение пяти дополнительных фотосессий, чтобы создать более тридцати культовых изображений Пикассо, которые, казалось бы, рисуют светом.

Gjon Mili’s Picasso Drawing With Light , 1949
The LIFE Picture Collection/Getty Images

Используя небольшую ручную электрическую лампочку, Мили сфотографировала художника в темной комнате двумя камерами — одна сбоку, другая спереди. Оставив ставни камер открытыми, Мили смогла запечатлеть свет Пикассо, движущийся по воздуху, очерчивая формы минотавров, фигуры, его подпись и вазы с цветами.Когда изображения были показаны в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1950 году, Пикассо впервые смог увидеть рисунки, которые он создал вместе с Мили, невидимые невооруженным глазом с момента их зачатия до процесса фотографирования. развитие воплотило их в жизнь. Эта серия стала известна как световых рисунков Пикассо, эфемерных набросков, которые живут благодаря силе инновационной и игривой фотографии Мили.

художников Гьона Мили: Пикассо, 1949
The LIFE Picture Collection/Getty Images

Соответствующие  источники, чтобы узнать больше

Узнайте больше о Gjon Mili
Узнайте больше о шедеврах Пикассо:
Герника
Авиньонские девицы

Пабло Пикассо (Pablo Ruiz Picasso)

Точное изображение жестокой, драматической ситуации, Герника была создана для испанского павильона на Международной выставке в Париже в 1937 году.Мотивом Пабло Пикассо для написания сцены в этой великой работе послужило известие о бомбардировке немцами баскского города, чье имя носит произведение, которое художник видел на драматических фотографиях, опубликованных в различных периодических изданиях, в том числе во французской газете L’. Гуманитарное . Несмотря на это, ни этюды, ни готовая картина не содержат ни единого намека на конкретное событие, а представляют собой общий призыв против варварства и ужаса войны. Огромная картина задумана как гигантский плакат, свидетельствующий об ужасах, которые вызывала гражданская война в Испании, и предупреждение о том, что должно было произойти во время Второй мировой войны.Приглушенные цвета, интенсивность каждого из мотивов и то, как они сформулированы, — все это необходимо для крайнего трагизма сцены, которая станет эмблемой всех разрушительных трагедий современного общества.
Герника вызвала ряд противоречивых интерпретаций, отчасти, несомненно, из-за преднамеренного использования в живописи только серых тонов. Анализируя иконографию на картине, ученый Энтони Блант делит главных героев пирамидальной композиции на две группы, первая из которых состоит из трех животных; бык, раненая лошадь и крылатая птица, которую можно разглядеть на заднем плане слева.Вторая группа состоит из людей, состоящих из мертвого солдата и нескольких женщин: одна вверху справа держит лампу и наклоняется в окно, мать слева плачет, держа своего мертвого ребенок, та, что врывается справа, и, наконец, та, что взывает к небесам, ее руки воздеты, когда позади нее сгорает дом.
Здесь следует вспомнить, что двумя годами ранее, в 1935 году, Пикассо выполнил офорт Minotauromaquia , синтетическую работу, собравшую в одном изображении все символы его цикла, посвященного мифологическому существу, которое обозначается как Герника. Ближайший родственник .
Инциденты из личной жизни Пикассо и политические события, охватившие Европу в период между войнами, слились воедино в мотивах, которые художник использовал в то время, в результате чего появилась как сама Герника , так и все этюды и «постскриптумы», считающиеся одними из наиболее представительных. произведения искусства 20 го века.

Палома Эстебан Леаль

Музы Пикассо | Rise Art

За свою жизнь у Пабло Пикассо было две жены, шесть любовниц и десятки любовниц, которые послужили вдохновением для творчества художника.

Бетан Стрит

Его заклеймили как бабника, эгоиста и гения, который не может ошибаться. Мы взглянем на некоторых женщин, с которыми контактировал Пабло Пикассо, и на соответствующие произведения искусства, которые они вдохновили.

Граффити Пабло Пикассо с надписью «Творчество» в Малаге, Испания, 2020 г. (Wikimedia Commons | Граффити: Хуан Мария Риверо | Фото: Даниэль Капилья)

Ольга Хохлова

Огла была русской балериной и была замужем за Пикассо с 1918 по 1955 год.В 1921 году она родила сына Пауло (Поля). Огла подала на развод, узнав, что у Пикассо роман. Он отказался развестись с ней, поскольку это означало расставание с деньгами и имуществом. Она умерла от рака в 1955 году, все еще будучи замужем за Пикассо.

Портрет Ольги в кресле Пабло Пикассо, 1881–1973 (любезно предоставлено Flickr: jmussuto)

Мари-Тереза ​​Вальтер

Мари было 17 лет, когда она стала любовницей Пикассо, когда он был женат на Ольге.Она зачала их ребенка Марию (Майю) в 1935 году. Пикассо финансово поддерживал Мари и Майю, но так и не женился на ней, и через четыре года после его смерти она покончила жизнь самоубийством.

«Сон» Пабло Пикассо, 1932 г. (любезно предоставлено Flickr: NichoDesign)

Дора Маар

Дора была фотографом-сюрреалистом и моделью Пикассо. Их отношения начались в 1935 году и продлились 9 лет, в течение которых Пикассо оставался в отношениях с Мари и в браке с Ольгой.У Доры и Мари, как известно, была физическая ссора из-за Пикассо, которую он вспоминал: «как одно из его лучших воспоминаний».

«Плачущая женщина» Пабло Пикассо, 1937 (Изображение предоставлено pablopicasso.org)

Франсуаза Жило

Франсуаза была французской художницей и познакомилась с Пикассо, ей был 21 год. Ему был 61 год, и они провели вместе почти 10 лет, у них было двое детей, сын Клод (1947 г.) и дочь Палома (1949 г.). Считается, что ее карьера художника была прервана Пикассо после разрыва отношений.Она написала книгу об их отношениях под названием «Жизнь с Пикассо».

Пикассо «Портрет женщины», 1944 (Изображение предоставлено pablo-ruiz-picasso.net)

Жаклин Рок

Жаклин была второй женой Пикассо, и их брак продлился 11 лет до его смерти в 1973 году. Пикассо написал около 400 ее портретов, больше, чем любой из предыдущих любовников Пикассо. Жаклин помешала детям Франсуазы присутствовать на его похоронах и покончила жизнь самоубийством в 1986 году.

Жаклин с цветами. Пикассо, 1954 (Изображение предоставлено pablopicasso.org)

.

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

2019 © Все права защищены. Интернет-Магазин Санкт-Петербург (СПБ)