Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Пикассо картины с названиями фото: Самые известные картины Пикассо | Пабло Пикассо

Содержание

Картины Пикассо голубого периода (Picasso)

«Голубой период» Пабло Пикассо

 

Работы, созданные Пабло Пикассо между 1901 и 1904, относят к «голубому» периоду, так как в картинах этого периода у Пикассо преобладали акценты синего цвета. Но это далеко не единственная особенность. 

В это время молодой Пикассо находит свой собственный художественный язык, впервые ярко проявляется индивидуальность мастера: несмотря на все еще звучащие ноты влияний, мы уже имеем дело с проявлением истинной  индивидуальности художника. В первых картинах, созданных Пикассо в Париже, отмечаются черты импрессионизма, постимпрессионизма, академизма. Сейчас же Пикассо создает нечто принципиально новое. В картинах Пикассо появляется обобщенная трактовка образа. Пикассо убирает из композиции все лишнее и оставляет только главное, предельно способствующее раскрытию авторского замысла, передаче эмоционального состояния.  В картинах Пикассо появились достаточно жесткие контуры фигур, мастер перестал стремиться к «трехмерности» изображений, стал уходить от классической перспективы. И постепенно  многоцветность уходит с полотен Пикассо, уступая место пронзительному по своему эмоциональному настрою голубому цвету. «

Голубой – это цвет всех цветов» — любил говорить Пикассо.

В работах «голубого периода» Пикассо ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали.  На картинах изображены изнеможенные скорбью и страданием люди .  Их бледные, отчасти удлиненные тела  в некоторых произведениях напоминают работы испанского художника Эль Греко.  Депрессивные мотивы возникли в творчестве Пикассо после самоубийства его друга – художника  Карлоса Касагемаса. Весной 1901 г. Пабло Пикассо второй раз в своей жизни приехал в Париж, где все напоминало о Касагемасе, с которым он совсем недавно открывал для себя французскую столицу. Пабло поселился в комнате, где провел свои последние дни Карлос, завел роман с Жермен, из-за которой тот покончил с собой.  В то время на него давили горечь потери, чувство вины, ощущение близости смерти… — это и послужило психологической подоплёкой «голубого периода».  Позже

Пикассо говорил: «Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв«.


По возращению в Париж из Испании, где он провёл 14 томительных месяцев и где было написано большинство картин «голубого периода» , его новые ощущения, новые интересы, новая муза приводят Пабло к новому рубежу творческого развития. Картины Пикассо приобретают иную окраску. Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона. Одним из самых ярким произведений переходного периода от «голубого» к «розовому»  считается картина Пикассо «Девочка на шаре».

Смотрите о Пикассо:
PicassoLive.ru  Пабло Пикассо онлайн, галерея работ, жизнь и творчество, биография по годам, картины, каталог фото и видео

Автопортрет Пикассо

Автопортрет Пикассо

Склонившийся Арлекин

Трагедия

Старый еврей

Старый гитарист

Жизнь

Аскет





Женщина с шиньоном

Смерть Касагемаса



Портрет Солера

Завтрак слепого


Женщина с вороной


Гладильщица










Гурман






Любительница абсента

Любительница абсента

Последние материалы в этом разделе:

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

7 работ Валентина Серова и их история

В Петербурге в начале ХХ века Валентин Серов был одним из самых известных и модных художников. Клиенты записывались в очередь, чтобы заказать у него портрет. Живописец требовал от каждого множества сеансов — иногда до сотни, тщательно продумывал образ и его детали и практически никогда не повторял собственные приемы, которые обычно упрощают работу художникам. Свой любимый жанр Серов называл «Портрет Портретыч», однако создавал и жанровые полотна, и театральные декорации, и иллюстрации для книг. Про свои картины он говорил: «Я хочу писать отрадное». Смотрите на знаменитые работы известного художника и читайте, как они появились.

«Девочка с персиками»

Валентин Серов. Девочка с персиками. 1887. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Валентин Серов создал «Девочку с персиками» в усадьбе Абрамцево — имении Саввы Мамонтова. Серов, как и многие другие художники — участники «Абрамцевского кружка», часто гостил там. На картине изображена дочь мецената — Вера Мамонтова. Над полотном Серов работал почти два месяца: начал летом, а закончил в сентябре. Все это время Вера Мамонтова позировала ему по несколько часов в день.

Исследователи называют «Девочку с персиками» одним из первых российских полотен с чертами импрессионизма. Художник тонко выписал лицо Веры Мамонтовой, а вот ее блузу, скатерть с персиками и задний план картины передал более крупными мазками. Серов использовал чистые цвета, накладывая их вплотную друг к другу, чтобы передать оттенки мебели, предметов и стен. А пейзаж за окном и вовсе изобразил схематично и условно.

Всё, чего я добивался, — это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил ее, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности, — вот как у старых мастеров.

Вера Мамонтова стала моделью не только для Валентина Серова: ее писали на своих полотнах Илья Репин, Михаил Врубель и Виктор Васнецов, который объяснял это так: «Это был тип настоящей русской девушки по характеру, красоте лица, обаянию».

«Девушка, освещенная солнцем»

Валентин Серов. Девушка, освещенная солнцем. 1888. Государственная Третьяковская галерея, Москва

На одной из самых «отрадных» картин Серова изображена его кузина Мария Симонович. Художник писал ее в усадьбе Домотканово, в старом саду под липами. Он просил двоюродную сестру во время сеансов вспоминать приятное, сидеть неподвижно и сохранять одно и то же выражение лица.

Это полотно — также одна из импрессионистских работ Валентина Серова. Художник планировал написать его именно в саду, где свет и тень создают переливы красок. Он прорабатывал блики мелкими цветными мазками — можно заметить, как живописец «собрал» из разных оттенков светлую блузку Марии Симонович. Картину почти сразу же выкупил за большие деньги Павел Третьяков, и на первой выставке она уже висела с табличкой «Собственность Третьякова».

Когда мы пришли в ту комнату, где она висела, и остановились у «Девушки, освещенной солнцем», он долго стоял перед ней, пристально ее рассматривая и не говоря ни слова. Потом махнул рукой и сказал, не столько мне, сколько в пространство: «Написал вот эту вещь, а потом всю жизнь, как ни пыжился, ничего уж не вышло: тут весь выдохся…»

Портрет Николая II

Валентин Серов. Портрет Николая II. 1900-е. Государственная Третьяковская галерея, Москва

К концу XIX века Валентин Серов стал знаменитым и модным в Петербурге художником. Заказчики портретов записывались к нему в очередь. Среди них были и члены императорской семьи: Серов писал великих князей Михаила Александровича и Павла Александровича, императоров Александра III и Николая II.

В 1900 году художник закончил домашний портрет Николая II, царь хотел подарить его императрице Александре Федоровне. Полотно Серов написал всего за два сеанса. Сначала работа не ладилась и живописец никак не мог сделать удачный набросок. Потом Николай, утомившись, присел за стол — этот момент и «схватил» Валентин Серов. Он сразу же создал копию картины, потому что императрице портрет не понравился: она была в комнате во время сеансов и давала художнику советы. В один момент Серов предложил Александре Федоровне самой закончить картину. Она вышла, а художник продолжил работать.

Парадные портреты знати в ту эпоху были полны роскошных атрибутов — изящные одеяния, знаки отличия, торжественные интерьеры. Николай же изображен в своей повседневной одежде — тужурке лейб-гвардии Преображенского полка. Портрет выглядит эскизом: он написан крупными мазками, цветовые переходы грубоваты, фигуру императора окружает контур, а фон обозначен условно — неясная серая поверхность. В этом была задумка Валентина Серова: изобразить не возвышенный образ императора-небожителя, а человека, которому присущи обычные, «земные» качества.

Читайте также:

«Выезд Екатерины II на соколиную охоту»

Валентин Серов. Выезд Екатерины II на соколиную охоту. 1902. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В 1900-х годах Валентин Серов вместе с другими участниками художественного объединения «Мир искусства» иллюстрировал издание «Великокняжеская, царская и императорская охота на Руси». Это был уже третий том, он рассказывал о ритуалах конца XVII — начала XVIII века. Серов сделал иллюстрации, посвященные Петру I, Петру II и цесаревне Елизавете Петровне, а также Екатерине II.

Художник использовал для рисунков разные приемы и подходы. Сцена охоты Петра II полна динамики: мчатся лошади, несется борзая, взвивается стая птиц на дальнем фоне. Уравновешивают головокружительную гонку лишь фигуры крестьян, которые почтительно замерли. Художник обозначил множество мелких деталей: детали туалета и богатое убранство лошадей, церквушку на фоне и даже кудрявую шерсть собаки. А вот иллюстрация «Выезд Екатерины на соколиную охоту» более спокойна, царский охотничий кортеж полон величавости. Серов написал его плавными широкими мазками, оставил много воздуха и передал атмосферу раннего вечера, когда только начинает смеркаться. Он не уделял особого внимания элементам императорских нарядов и конской сбруи. Это не азартная гонка, а лишь ритуальная прогулка для императрицы преклонных лет.

Анна Павлова в балете «Сильфиды»

Валентин Серов. Анна Павлова в балете «Сильфиды». 1909. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Афишу для Русских сезонов Сергея Дягилева Валентин Серов создал в 1909 году. Это были первые балетные Сезоны, Дягилев ставил в столице «Сильфиды». Анна Павлова на тот момент была уже известной танцовщицей, а афиша с ее изображением стала не менее знаменитой работой — ее расклеили по всему Парижу. Участник Русских сезонов Лаврентий Новиков вспоминал: «Портрет Павловой работы Серова вызвал более откликов в печати, чем сама Павлова».

Балерина позировала художнику 11 сеансов. Ей приходилось замирать в одной позиции, чтобы он мог уловить движение. В итоге Серов нарисовал Павлову всего несколькими штрихами — в натуральную величину, мелом на холсте, покрытом синей краской. Легкий рисунок олицетворял легендарную виртуозную технику балерины, с которой она «порхала» по театральным сценам. Современники сравнивали Павлову с пушинкой и облаком, танцующим осенним листком и даже языками пламени.

…Каким прелестным, каким благородным казался этот огромный синий лист с рисунком порхающей «Жизели» среди крикливых ярмарочных реклам парижских улиц. Как напоминает он мне теперь прошлогоднюю весну, наши «триумфы», как отвечал он благородному успеху русского искусства в столице мира.

«Похищение Европы»

Валентин Серов. Похищение Европы. 1910. Государственная Третьяковская галерея, Москва

В 1907 году Валентин Серов путешествовал по Греции вместе с Львом Бакстом. Художники побывали на острове Крит, изучали фрагменты древнего Кносского дворца и его фресок. У Серова родилась идея создать полотно на античный сюжет, и он выбрал греческий миф о том, как Зевс похитил дочь финикийского царя Европу, а после увез на Крит и женился на ней.

Первые наброски к будущему полотну художник создал еще в Греции: зарисовал быков, везущих повозки. Однако натуру для героев полотна пришлось искать еще долго — в Испании, Италии и Франции, где Серов побывал позже. В итальянской деревушке Орвиетто живописец отыскал мощного быка, в парижской мастерской художника Николая Досекина — натурщицу, а из Биарицца привез эскизы с изображением морских волн.

Серов закончил картину в 1910 году. Он переписывал ее несколько раз, дорабатывая композицию и выбирая цвета. Декоративное панно создано в стиле модернизма: минимум деталей, схематичное изображение, цветовые контрасты без тонких переходов. Художник выбрал для полотна коричневые и синие оттенки — в сочетании с черным это классическая гамма древнегреческих фресок.

Портрет княгини Щербатовой

Валентин Серов. Портрет княгини Щербатовой. 1911. Государственная Третьяковская галерея, Москва

В 1911 году князь Сергей Щербатов заказал Серову портрет своей супруги — Полины Щербатовой. Княгиня была статной красивой женщиной, и художник делал к портрету множество набросков в разных интерьерах, предлагая княгине позировать то стоя, то сидя. Наконец удачный ракурс был найден: Полина Щербатова стояла у старинной вазы екатерининских времен.

Как вспоминал позже князь: «…красиво сливалась вся гамма красок платья, золотых волос, белоснежных плеч и рук, нежного румянца лица, нитей жемчугов и вазы нежно-абрикосового тона с золотом. Все вместе было восхитительно красиво. Равно как и поющие линии фигуры в этой позе». Валентин Серов сделал набросок углем.

Однако портрет остался незаконченным. В назначенный день в княжеский особняк позвонил сын художника Антон Серов и сообщил: «Валентин Александрович очень извиняется, что быть не может, но… он умер».

Живописец умер дома — от внезапного приступа стенокардии. Ему было всего 46 лет.


Автор: Диана Тесленко

Пикассо и современная мода — коллекция, посвященная художнику, в рамках Миланской недели моды: lovers_of_art — LiveJournal

Одержимость Пикассо образом Минотавра нашла отклик в нескольких моделях Moschino


Эпатажный кубистский стиль Пабло Пикассо вдохновил модельеров Moschino на создание новой коллекции весна-лето 2020, которую представили на Миланской неделе моды. Коллекция стала данью уважения к живописным и скульптурным произведениям мастера, а каждый из ансамблей — прямая отсылка к произведениям художника.

Moschino — итальянская компания, основанная в 1983 году дизайнером Франко Москино, производитель модной одежды, тканей, парфюмерии, товаров для дома, аксессуаров и других предметов роскоши.



Креативный директор Moschino, дизайнер Джереми Скотт, перенес модернистские образы Пикассо на подиум. Зрителям представили вариации на тему картин, скульптур, коллажей Пикассо, приправленные его же принципами использования цветов и ломанных кубистических пространственных форм.

Пластическая скульптура Пикассо «Гитара» (1912-1914) как прототип для модного платья


Отдавая дань творчеству гениального испанца, Moschino продемонстрировали параллели с выдающимися шедеврами художника — в том числе модные аллюзии на картину «Авиньонские девицы» (1907), а также представили трехмерное платье в виде гитары и отдали должное столь любимому Пикассо образу минотавра. Выход на подиум «превратился» в картинную раму, рамки встречались и в виде аксессуаров (сумочек), или же служили элементом костюма. Не обошлось и без обнаженной натуры — правда, лишь в виде платья-«наброска».

Пабло Пикассо — Авиньонские девицы — 1907


Работа над «Авиньонскими девицами» заняла у Пикассо девять лет. Он сделал множество набросков к этому полотну, на которых изначально, кроме обнаженных женщин, присутствовали еще и мужчины — завсегдатаи публичного дома. Да и сама картина изначально называлась «Бордель в Авиньоне». Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов.

Кара Тейлор на показе Moschino во время Миланской недели моды
Фото Пьетро д’Апрано / Getty Images

Белла Хадид в ансамбле «а-ля арлекин» по мотивам картины Пикассо «Склонившийся арлекин» (1901)

Тельняшка с картины Пикассо «Моряк» (1943)
© 2018 Estate of Pablo Picasso / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк
Фото: Christie’s

А здесь видна отсылка к картине «Обнаженные мужчина и женщина» (1968)
Фото: Christie’s


Чествуя талант великого Пикассо, итальянский дом моды создал феерическую палитру, не забыв об увлечении маэстро танцами фламенко и боями быков. Джереми Скотт за кулисами показа заявил: «Музы вдохновляют художников, а художники вдохновляют мир».

За кулисами на показе Moschino 2020 во время Миланской недели моды в четверг 19 сентября 2019 года
Фото: Serichai Traipoom

Moschino Spring Summer 2020 Fashion Show
Moschino Весна/Лето 2020 Модное шоу

Пикассо и современная мода — коллекция, посвященная художнику, в рамках Миланской недели моды

Все картины пикассо фото с названиями на русском языке

  1. Пабло Пикассо. Гениальный художник и его знаменитые картины
  2. Картины Пабло Пикассо:
  3. Мальчик с трубкой, 1905 год
  4. Старый гитарист, 1903 год
  5. Авиньонские девицы, 1907 год
  6. Бутылка рома, 1911 год
  7. Голова, 1913 год
  8. Натюрморт с компотом и бокалом, 1914-15гг.
  9. Девушка перед зеркалом, 1932 год
  10. Герника, 1937 год
  11. Плачущая женщина, 1937 год
  12. Голая женщина на пляже и лопата, 1960 год
  13. Похищение сабинянок, 1962 год
  14. Каpтины Пикассо
  15. Картина: «Любительница абсента» (1901 г.) Холст, масло. 73 × 54
  16. «Старый гитарист» (1903 г.) Холст, масло. 121,3 × 82,5 см
  17. «Девочка на шаре». (1905 г.) Холст, масло. 147 × 95 см.
  18. «Мальчик с трубкой» (1905 г.) Холст, масло. 100 × 81 см.
  19. «Авиньонские девицы» (1907 г.) Холст, масло. 244 × 234 см
  20. «Три музыканта» (1921 г.) Холст, масло. 200 × 222 см
  21. «Обнажённая, зелёные листья и бюст» (1932 г.) Холст, масло. 162 × 130 см
  22. «Герника» (1937 г.) Холст, масло. 349 × 776
  23. «Дора Маар с кошкой» (1941 г.) Холст, масло. 128 × 95 см.
  24. «Алжирские женщины. Версия O» 1955 г. Холст, масло. 114 × 146,5 см.
  25. Пабло Пикассо Picasso, Pablo
  26. Пикассо
  27. Пабло Пикассо – гений современного искусства
  28. Пабло Пикассо: все эпохи в одном художнике

Пабло Пикассо. Гениальный художник и его знаменитые картины

Уникальный стиль и божественная одаренность позволили Пикассо влиять на эволюцию современного искусства и на весь художественный мир.

Пабло Пикассо родился в 1881 году в испанском городе Малага. Он в раннем возрасте обнаружил свой талант и поступил в школу изящных искусств, когда ему было 15 лет.

Большую часть жизни художник провел в любимой Франции. В 1904 г. он переехал в Париж, а в 1947 г. переместился на солнечный юг страны.

Творчество Пикассо подразделяют на уникальные и интересные периоды.

Его ранний «голубой период» начался в 1901 году и продлился около трех лет. Большая часть художественных работ, созданных в это время, характеризуется человеческими страданиями, нищетой и оттенками голубого цвета.

«Розовый период» продлился примерно в течение года, начавшись в 1905 году. Для этой фазы характерна более легкая розово-золотистая и розово-серая палитра, а в качестве персонажей выступают в основном бродячие артисты.

Картина, которую Пикассо нарисовал в 1907 году, обозначила собой переход к новому стилю. Художник в одиночку изменил ход современного искусства. Это были «Авиньонские девицы», вызвавшие много потрясений в тогдашнем обществе. Изображение обнаженных проституток в стиле кубизма стало настоящим скандалом, но послужило основой для последующего концептуального и сюрреалистического искусства.

В своем творчестве Пикассо посвятил много времени исследованию комедии и фантазии. Он также реализовался как график, скульптур, декоратор и керамист. Мастер постоянно работал, создавая огромное количество иллюстраций, рисунков и конструкций причудливого содержания. На заключительном этапе своей карьеры он писал вариации знаменитых картин Веласкеса и Делакруа.

Пабло Пикассо умер в 1973 году во Франции в возрасте 91 года, успев создать 22 000 произведений искусства.

Картины Пабло Пикассо:

Мальчик с трубкой, 1905 год

Эта картина раннего Пикассо относится к «розовому периоду», он написал её вскоре после приезда в Париж. Здесь изображен мальчик с трубкой в руке и венком из цветов на голове.

Старый гитарист, 1903 год

Картина относится к «голубому периоду» творчества Пикассо. На ней изображен старый, слепой и нищий уличный музыкант с гитарой. Работа выполнена в голубых оттенках и опирается на экспрессионизм.

Авиньонские девицы, 1907 год

Пожалуй, самая революционная живопись в современном искусстве и первая картина в стиле кубизма. Мастер игнорировал общепринятые эстетические правила, шокировал пуристов и единолично изменил ход искусства. Он своеобразно изобразил пять обнаженных проституток из борделя в Барселоне.

Бутылка рома, 1911 год

Пикассо закончил эту картину во французских Пиренеях, излюбленном месте музыкантов, поэтов и художников, кубисты облюбовали его до Первой мировой войны. Работа выполнена в сложном кубистском стиле.

Голова, 1913 год

Это знаменитое произведение стало одним из самых абстрактных кубистских коллажей. Профиль головы можно проследить в полукруге, очерченном древесным углем, но все элементы лица значительно сводятся к геометрическим фигурам.

Натюрморт с компотом и бокалом, 1914-15гг.

Формы чистого цвета и граненые объекты сопоставляются и накладываются друг на друга, создавая гармоничную композицию. Пикассо в этой картине демонстрирует практику коллажа, которую часто использует в своем творчестве.

Девушка перед зеркалом, 1932 год

Герника, 1937 год

Эта картина изображает трагическую природу войны и страдания невинных жертв. Работа монументальна по своим масштабам и значению, во всем мире ее воспринимают в качестве антивоенного символа и плаката за мир.

Плачущая женщина, 1937 год

Пикассо интересовала тема страданий. Эта детализированная картина с искаженным в гримасе, деформированным лицом считается продолжением «Герники».

Голая женщина на пляже и лопата, 1960 год

Сцена в значительной степени уменьшена за счет отказа от третьего измерения. Это стиль позднего кубизма с четкими веяниями сюрреализма в теме и манере написания.

Похищение сабинянок, 1962 год

Художник написал эту картину на пике Карибского кризиса, изобразив тень с угрозой войны между Востоком и Западом.

Источник

Каpтины Пикассо

в Искусство 17.06.2017 0 63,368 Просмотров

Пабло Пикассо ставят на одну ступеньку с великими художниками XX века. Разноплановый и уникальный в своей манере, он считается вдохновителем и создателем кубизма. Он оставил миру около сотни тысячи работ, включая рисунки, скульптуру и керамику. Его произведения искусства хранятся во многих музеях мира. Картины – одни из самых дорогих и часто похищаемых.

Ниже представлены знаменитые и известные картины Пикассо с названиями и кратким описанием.

Картина: «Любительница абсента» (1901 г.) Холст, масло. 73 × 54

Наряду с другими пятьюдесятью полотнами испанского художника, приобретенными российским эмигрантом Сергеем Щукиным, картина хранится в Эрмитаже. Именно он стал одним из первых щедрых покупателей Пикассо и помог ему выбраться из нищеты. По мнению искусствоведов, картина открывает «голубой период» творческой деятельности Пикассо, наполненного драматическими событиями в его жизни. Вокруг работы до сих пор не утихают споры, а в Париже на рубеже веков, она вообще шокировала многих. Не только манерой исполнения, смешением красок, но и эмоциональной напряженностью, в которую погружал зрителей художник.

«Старый гитарист» (1903 г.) Холст, масло. 121,3 × 82,5 см

Эта картина оказалась первой из произведений художника, которую приобрел музей. С 1926 года она хранится в Чикаго. Пикассо написал ее в возрасте 22-х лет, после того, как его друг застрелился из-за несчастной любви. Можно было б назвать ее «Слепой музыкант», но художник сделал акцент на старости, в которой единственной отдушиной является творчество. Инструмент он подчеркнул другим цветом в мире грязно-голубого: оттенка, характеризующего бедность и отсутствие надежд. Старика он нарисовал поверх другой работы: кормящей матери, контуры которой можно заметить на холсте.

«Девочка на шаре». (1905 г.) Холст, масло. 147 × 95 см.

Начало оживления жизни. Розовый цвет становится на два года главным в творчестве Пикассо. Он написал несколько произведений на тему бродячего цирка, которым был увлечен. В 1913 году ее приобрел коллекционер и потомок Саввы Морозова у писательницы Гертруды Стайн, которая открыла для молодого художника двери в богемную жизнь. Она была не только его другом, но и покровителем, покупая его картины за небольшие деньги. Ивану Морозову она продала картину за 13 тысяч франков. Работа хранится в Пушкинском музее, куда она попала из национализированной коллекции Морозовых.

«Мальчик с трубкой» (1905 г.) Холст, масло. 100 × 81 см.

Пикассо писал картину в общежитии молодых художников, куда частенько заглядывал подросток, изображенный в венке из роз. Эта деталь пришла в голову художника после мучительных размышлений о том, чем завершить работу.

Ранние картины художника практически все находятся в музеях, так что эта стала редким исключением. Имя частного коллекционера, купившего ее, не разглашается из-за опасений воровства.

«Авиньонские девицы» (1907 г.) Холст, масло. 244 × 234 см

Известна как одно из первых проявлений кубизма в творчестве художника. Обнаженные тела лишены им гибкости умышленно, а по их позам не трудно догадаться, что девушки списаны с обитательниц борделя, куда частенько наведывался автор.

В ней четко виден переход мастера с его увлечения голубым и розовым в африканский период, который вскоре перечеркнул новый жанр. Почти год работы. С этого времени Пикассо узнаваем: фишка, хоть и не понравилась публике и критике, но стала визитной карточкой для художника, а впоследствии послужила отправной точкой для целого направления в искусстве.

С ней художник расстался в 1920 году. Через семнадцать лет мир впервые увидел эту работу, а вскоре ее приобрел музей Нью-Йорка.

«Три музыканта» (1921 г.) Холст, масло. 200 × 222 см

Пикассо был женат на русской балерине Ольге Хохловой и его жизнь, наконец-то утопала в роскоши, когда он писал эту картину.

Никогда не признававший рамки и условности, он и в творчестве старался расширять границы. Картина относится к синтетическому кубизму – очередной самобытной манере художника.

Он изобразил вполне конкретных людей, зашифрованных в символах: это друзья Гийом Аполлинер и Макс Жакоб – свидетели на его свадьбе. Третий персонаж, который с гитарой – сам Пабло. Пьеро уже умер, Монах отрекся от мира, а Арлекин прощается с беззаботностью.

Картина хранится в музее современного искусства в Нью-Йорке.

«Обнажённая, зелёные листья и бюст» (1932 г.) Холст, масло. 162 × 130 см

Еще одна рекордсменка по стоимости, как и многие работы Пикассо.

Ее писал художник тайно от своей жены с Марии Терезы Вальтер, молоденькой возлюбленной, подарившей ему дочь. Художнику было 46 лет, и начало романа было многообещающим.

Существует более полусотни ее портретов и скульптурных бюстов. Эта картина была написана всего за сутки в его сюрреалистической манере.

Вдохновение придает и подготовка к очередной выставке, посвященной 50-летию именитого художника. Он хочет превзойти своего конкурента и друга Матисса, который также намерен поразить публику своими выставочными работами.

«Герника» (1937 г.) Холст, масло. 349 × 776

Самая узнаваемая и трагическая картина, а также самая масштабная по смыслу и размеру. Известны антифашистские взгляды Пикассо, ее вступление в коммунистический союз Франции и смелый ответ нацистам, которые пришли в его мастерскую с обыском и все там перевернули. Один из них спросил, глядя на огромное полотно, сделал ли эту работу именно Пикассо. На что он ответил: «Нет, сделали это вы».

Герника – название городка на родине художника, которое стерла с лица земли немецкая авиация вместе с жителями. Боль, страдания, ужас войны – Пикассо работал над этой объемной картиной месяц.

Все это время его вдохновляла новая возлюбленная Дора Маар. Она же сняла весь процесс работы на фотоаппарат, и эти кадры облетели весь мир.

Картина выставлялась в основном в Америке, только в 1981 году переехала в музей Мадрида.

«Дора Маар с кошкой» (1941 г.) Холст, масло. 128 × 95 см.

На ней изображена та самая Дора, с которой судьба свела художника на семь лет. Роман был ярким как комета, а закончился ее психическим расстройством. Она никогда не позировала, но ее образ запечатлен во многих портретах. В последние годы их отношений – улыбку на холсте сменили слезы. Плачущая Дора – персонаж целой серии его работ. Но эта дама в шляпке вполне энергична, уверена и чувствует себя победительницей. Черная кошка на плече демонстрирует ее независимый характер.

Сочетание цветов помогает зрителю погрузиться в настроение, разгадывая символы.

«Алжирские женщины. Версия O» 1955 г. Холст, масло. 114 × 146,5 см.

Эта картина побила все рекорды, когда ее купили два года назад за сто семьдесят девять миллионов долларов!

Причем она стала не только хитом творчества Пикассо, но возглавила список самых дорогих картин. Кто выложил за нее баснословную сумму – не раскрывается, но некоторые уверяют, что она была куплена по просьбе экс-министра Катара.

Пикассо создал несколько версий, но знаменитой стала последняя, с инициалом «О».

Образы женщин – собирательные с полотен Делакруа, Ренуара, Матисса. Хотя в одной из них некоторые искусствоведы видят последнюю возлюбленную художника Жаклин Рок.

Что Вы думаете о творчестве и работах Пикассо? Пишите в комментариях!

Источник

Пабло Пикассо

Picasso, Pablo

Пикассо

Пабло Пикассо можно по праву назвать одним из самых удивительных и неподражаемых художников. Он всегда был разным, но всегда – шокирующим. Знаменитые картины Пикассо – это необыкновенный тандем традиционной живописи и оригинального искусства. Он настолько отдавался своим произведениям, что не замечал своего стилистического непостоянства. Да и не это главное в произведениях испанского живописца. Пабло Пикассо умело сочетал на холсте такие необыкновенные материалы как металл, камень, гипс, уголь, карандаш или масляные краски. Великолепный художник не останавливался ни перед чем. Возможно, поэтому картины Пикассо так удивляют своей эмоциональностью и смелостью.

Среди многообразия его работ особенно выделяются композиции с образами женщин. Здесь полотна художника поистине шокируют многообразием причуд и неординарных фантазий. Стоит вспомнить хотя бы «Девушку перед зеркалом» (1932). Использованные линии и цвета ещё раз доказывают известный факт, что Пабло Пикассо очень не любил женщин. Именно поэтому так часто в его работах они удивляли несуразностью образов и форм. Особенной нелепостью увенчалась героиня «Утренней серенады» (1942). Здесь Пабло Пикассо постарался, как никогда. Рассеченные и раздутые тела, раздробленный профиль, странные шляпы – бурлескные формы были любимыми для знаменитого художника. Именно поэтому яркие сюжеты, пугающие своей силой и огромной притягательностью, так часто использовались автором, и до сегодняшнего дня не сходят с вершин художественного мира. Все просто. Ведь подобные картины Пикассо вызывают у зрителей неподражаемые, чувственные эмоции. А что ещё нужно для художника, который искренне передавал на холсте всю свою натуральную, подчас шокирующую, жизненную сущность.

Пабло Пикассо – гений современного искусства

В Испании, в небольшом городе Малага, 25 октября 1881 года на свет появился малыш. Роды были тяжелыми, родившийся мальчик не мог дышать. Чтобы его легкие раскрылись, ему в носик вдули сигаретный дым. Так началась жизнь самого юного в мире «курильщика» и вместе с тем величайшего художника девятнадцатого века Пабло Пикассо.

Необычный талант начал проявляться у мальчика ещё в раннем детстве. Его первое слово было «карандаш», и рисовать он научился прежде, чем говорить.

Пабло был избалованным ребёнком. Родители души не чаяли в их единственном и к тому же очень красивом сынишке. Он ненавидел школу и очень часто отказывался туда идти до тех пор, пока отец не разрешал брать ему с собой ручного голубя из домашней голубятни.

Кроме голубей, он очень любил искусство. Когда Пабло было десять лет, отец часто брал его с собой в колледж, где работал учителем рисования. Он мог часами наблюдать, как отец рисовал, и иногда даже помогал ему. Однажды, отец Пабло рисовал голубей и ненадолго вышел из комнаты. Когда он вернулся, то увидел, что Пабло закончил картину. Она была настолько прекрасной и живой, что он отдал сыну свою палитру и кисти и больше никогда не рисовал сам. Тогда Пабло было всего тринадцать, но он уже превзошел своего учителя.

С тех пор краски и кисти стали жизнью Пабло. Было очевидно, что он гениален. Но, к разочарованию многих, его искусство не было классическим. Он всегда ломал правила и каноны традиционного искусства и шокировал своими странными, но такими энергетически мощными картинами. Больше всего он был известен картинами в стиле «кубизм» – живопись с использованием простых геометрических фигур. Например, людей он изображал треугольниками и квадратами, вырисовывая части тела и черты лица совсем не в тех местах, где им положено быть.

Его работы перевернули представление людей о современном искусстве. Теперь оно ассоциируется с именем Пабло Пикассо. Одним из шедевров современного искусства считается его картина «Герника», написанная в 1937 году, на которой художник запечатлел бомбежку небольшого городка во время гражданской войны в Испании.

В общей сложности Пикассо создал более 6000 картин, рисунков и скульптур. Сегодня его работы стоят несколько миллионов долларов. Однажды, когда министр Франции был в гостях у Пикассо, художник случайно пролил немного краски на его штаны. Пабло извинился и предложил оплатить счет за чистку брюк, но министр сказал: «Ни в коем случае! Вы всего лишь расписались на моих штанах!»

Пабло Пикассо ушел из жизни из-за сердечной недостаточности после перенесенного гриппа в 1973 году.

Пабло Пикассо: все эпохи в одном художнике

На сегодняшний день Пабло Пикассо по праву считается одним из самых дорогостоящих художников по результатам современных аукционов. Свои первые работы нетривиальный испанский художник создал на заре 20 века, а всего на его счету – несколько десятков тысяч полотен и скульптур. Он не был «зациклен» на каком-то одном стиле, а искал способы и виды самовыражения в разных художественных направлениях. О работах Пикассо невозможно судить по одной-двум работам: свой богатый внутренний мир он переложил на язык красок, в каждой картине сделав это отличным от предыдущей способом. Внушительный почти столетний век его творчества принято делить на множество периодов:

Ранний период, когда происходила проба кисти, поиск настроений и смелые эксперименты. В это время он живет в Барселоне, затем уезжает в Мадрид, чтобы обучаться искусству, впоследствии – снова в Барселону.

«Голубой» период. Переезд в Париж и знакомство с импрессионистами глубоко способствовали становлению и огранке таланта испанца. В картинах 1900-1903 года он увековечивал различные проявления печали, грусти, меланхолии.

«Розовый» период ознаменовался новыми персонажами в его шедеврах: артистами, циркачами. К этому периоду относится и «Девочка на шаре» из Пушкинского музея. Атмосфера грусти в творчестве Пабло разбавлена более светлыми, романтичными настроениями.

«Африканский» период был первым вестником перехода автора к собственно кубизму.

Кубизм. Пикассо стал скрупулезно разбирать все, что он изображал на картинах, на большие и малые геометрические фигуры. Особенно интересно и новаторски смотрятся портреты, написанные в этой технике.

Классический период. Знакомство с русским балетом и со своей первой женой-балериной вносит некоторое переосмысление в творчество Пикассо, обратившегося в самом начале 20-х годов к догматам художественного искусства и создающего картины, резко отличающиеся от привычного ему кубизма. Одна из первых его работ в классическом стиле – «Портрет Ольги в кресле», где влюбленный художник запечатлел свою жену.

Сюрреализм. С 1925 года автор испытывает большие творческие переживания, которые угадываются в его картинах – персонажи являют собой ирреальную монструозность, художник делает вызов, заигрывает с воображением зрителя, обратившись к сюрреализму. Одна из самых известных сюрреалистичных картин – «Сон» 1932 года.

Военная тематика пришла в его творческую жизнь с гражданской войной, охватившей Испанию, а затем и всю Европу. Наряду с мрачным социальным фоном на жизненную атмосферу художника влияют также новые личные переживания: в его жизни появляется новая женщина.

После войны он создает всемирно известного «Голубя мира» и становится коммунистом. Этот период его художественной деятельности отражает его счастливые годы жизни. В этот период он активно реализует себя также как керамист.

Начиная с 50-х годов трудно отнести его картины к одному жанру и стилю – он реализовывает все недосказанное в разных манерах и техниках. Он также интерпретирует знаменитые полотна других художников, выписывая их в присущем ему восприятии.

Картины Пикассо разных периодов сегодня лидируют на рынке искусства, побив все мыслимые рекорды цен. Так, например, сумма в 104 млн долларов была заплачена в 2004 году за его картину «Мальчик с трубкой» 1905 года, а в 2010-м его картина «Обнажённая, зеленые листья и бюст», написанная им в 1932 году, была продана за 106 млн. Сегодня купить картины Пикассо можно на открытых аукционах, однако самые известные шедевры его творчества уже заняли свои почётные места в частных коллекциях и лучших музеях мира.

Источник

Автопортреты Пикассо отражают его постоянно меняющийся стиль

Автопортреты Пабло Пикассо; Слева: 18 лет, справа: 25 лет

Известный как один из самых плодовитых художников современного искусства, Пабло Пикассо, несомненно, был человеком многих талантов. Испанский художник экспериментировал и преуспевал во многих средах, от живописи и рисунка до скульптуры и коллажирования. Однако в дополнение к различным формам искусства и уникальным материалам Пикассо также работал в впечатляющем разнообразии стилей.Этот постоянно меняющийся эстетический подход проявляется в его серии автопортретов, которые он рисовал с 15 до 90 лет.

В то время как многие люди узнают его только за его авангардные, вывернутые наизнанку картины, его более ранние работы, такие как его автопортреты 1896 и 1900 годов, демонстрируют его способность рисовать и делать наброски красивых реалистичных изображений. Хотя Пикассо был одаренным рисовальщиком, он недолго баловался этим стилем. В 1901 году он вступил в свой «Голубой период» — этап, когда он рисовал мрачные, стилизованные сцены в холодных синих тонах, о чем свидетельствует его поразительный автопортрет того же года.

После «голубого периода» работы Пикассо стали демонстрировать влияние примитивизма. Он также начал использовать более теплую цветовую палитру розового цвета во время своего розового периода, а в 1907 году началась его известная кубистическая стадия. Как видно из его автопортрета того же года, этот стиль включает в себя геометрию, ломаные формы и толстые черные линии. После этого периода Пикассо баловался мириадами эстетики, от неоклассицизма до сюрреализма (заметно в его мечтательной работе 1938 года), хотя он часто возвращался как к своей фирменной примитивной эстетике, так и к своему причудливому кубистскому стилю до своей смерти в 1973 году.

Вы можете следить за потрясающими изменениями стиля Пикассо ниже.

15 лет (1896)


18 лет (1900)


20 лет (1901)


24 года (1906)


25 лет (1907)

35 лет (1917)


56 лет (1938)


83 года (1965)


85 лет (1966)


89 лет (1971)


90 лет (28 июня 1972 г.)


90 лет (30 июня 1972 г.)


90 лет (2 июля 1972 г.)


90 лет (3 июля 1972 г.)


ч/т: [Витой просеиватель]

Все изображения созданы Пабло Пикассо.

Пабло Пикассо: Автопортрет перед смертью (1972) ~ Паллимед: Искусство и гуманитарные науки

Кто-нибудь , а не знает имя Пикассо? Согласно отчету Art Market Trends, по продажам его работ на аукционах он занимает первое место среди художников. Он также был плодовитым художником: за свою жизнь было создано около 50 000 произведений искусства. (Сюда входят картины, рисунки, скульпторы и т.д.).

Пабло Пикассо работал до самой своей смерти в возрасте 91 года; буквально рисовал до 3 часов ночи в воскресенье, 8 апреля, то есть всего за несколько часов до его смерти.

Его последний хорошо известный автопортрет был сделан чуть менее чем за год до его смерти под названием Автопортрет перед лицом смерти (30 июня 1972).

Работа выполнена мелками на бумаге, и на ее создание ушло несколько месяцев. Друг, Пьер Дакс, рассказывает о своих воспоминаниях об этом произведении во время визита к Пикассо: «[Пикассо] держал рисунок возле своего лица, чтобы показать, что выражение страха было уловкой». Затем, во время другого визита через 3 месяца, Пьер вспомнил, что резкие цветные линии были еще глубже, и Пьер пишет: «Он не моргал.У меня возникло внезапное впечатление, что он смотрит в лицо собственной смерти, как хороший испанец».

Об этом произведении написано много комментариев. глубокие линии возраста и работа, символизирующая противостояние Пикассо смерти.

Интересно, что когда я исследовал этот пост, я нашел полный каталог работ Пикассо в последовательном порядке. Похоже, что всего за несколько дней до и дней после произведения выше, он сделал несколько других автопортретов.

Я расставляю их по порядку, и интересно, есть ли комментарий в прогрессии, я определенно чувствую, что есть изменения с каждым. Ниже, авторское право Estate of Pablo Picasso/Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк, это Автопортрет (28 июня 1972 г.), Автопортрет (2 июля 1972 г.) и Автопортрет (3 июля 1972 г.). 1972)


Во всех его работах за следующие месяцы до его смерти я больше не видел автопортретов, эти выше были сделаны в порыве, как будто когда он закончил с ними, он закончил созерцание себя и смерти .

Сама смерть Пикассо была внезапной, он проснулся утром 8-го числа, не в силах встать с постели, позвал жену и умер через 10 минут. Причиной его смерти, вероятно, стал сердечный приступ с осложнениями сердечной недостаточности.

Я счастлив, что наткнулся на другие портреты, дающие нам разные проблески представления о себе. Выполнение таких разных работ за такое короткое время свидетельствует о сложности всех наших собственных представлений о себе. Точно так же, как я вижу чувства хаоса, страха и принятия в работах выше, мои собственные пациенты, размышляющие о смерти, могут иногда отскакивать от хаоса, страха и принятия в течение нескольких часов.

Ссылки и дополнительная литература в заглавии:

http://www.artgallery.nsw.gov.au/picasso/home/ed/8works/8works_8

http://www.artst.org/picasso/ PabloPicasso-Self-Portrait-1972.jpg.html

*И особая благодарность Карен Фот за то, что она предупредила меня об этом произведении

Пабло Пикассо: Плачущая женщина | NGV

Если не указано иное, эти занятия могут выполняться учащимися в парах, небольших группах или индивидуально.

  • Потратьте четыре минуты на просмотр картины.
  • Запишите все слова и идеи, которые приходят вам на ум, когда вы смотрите на эту картину. Включите то, что вы чувствуете, и эмоции, которые передает картина.
  • Выберите 15 слов или фраз из вашего списка и прочитайте их вслух группе
  • Используйте эти идеи и идеи других учащихся в качестве вдохновения для создания черновика стихотворения. Например:

‘Слезы текут из оттенков зеленого, как капли дождя по листу.
В темной компании разгорается ревность.
Вы ищете отсутствующую дверь сквозь грохот пустой комнаты.
Удушающий страх одиночества оставляет ваши самые сокровенные мысли, чтобы поглотить вашу душу.
Вам некуда спрятать свое горе, кроме как глубоко в носовом платке».
Это стихотворение ученика средних классов

В процессе разработки учащиеся опираются на свои описания, чтобы создать богатый и разнообразный банк слов.

Назначьте одного ученика для описания выбранного предмета всему классу.Следующий ученик добавляет детали к описанию, предложенному первым. Третий и четвертый ученики уточняют. Выберите другой элемент картины и повторите процесс.

Письмо в потоке сознания может быть хорошей техникой для сдержанных писателей, чтобы снять тревогу и обеспечить основу для более формальных писательских проектов.

Пабло Пикассо был не только художником, но и поэтом. Он написал следующее стихотворение во время гражданской войны в Испании, когда он нарисовал Плачущая женщина и Герника , которые выражают его ужас перед взрывами и зверствами, происходящими в Испании.В стихотворении он использовал литературную технику, называемую свободным или потоком сознания. Этот метод представляет мысли и чувства писателя в том виде, в каком они текут, без использования знаков препинания.

«Крики детей крики женщин крики птиц крики цветов крики дерева и камней крики кирпичей крики мебели кроватей стульев занавесок кастрюль кошек и бумаги крики запахов которые вцепляются в себя дым который грызет шею криков, кипящих в котле, и птичьего дождя, заливающего море, вгрызающегося в кости и ломающего зубы, кусая вату, которую солнце вытирает о свою тарелку, которые биржа и берег прячутся в следе, оставленном в скале.Поэма Пабло Пикассо, сопровождающая «Сон и ложь Франко ». Цитируется в Предисловия к Пикассо: Похороны графа Оргаса и другое стихотворение Джерома Ротенберга и Пьера Жори. Доступно по адресу: http://www.cipherjournal.com/html/picasso.html

.

Теперь «отвлеките» свой разум от конкретных мыслей и попробуйте написать так, как это сделал Пикассо в ответ на Плачущая женщина , 1937 год. Результаты могут быть неожиданными.

Поэзия подобна искусству — она позволяет нам увидеть что-то по-другому.Его воздействие может быть мощным и немедленным.

Поэма — это картина, которую не видят;
Картина — это поэма, которую никто не слышит
Фиби Хескет, Поэма — это картина , страница 7, Стихи в картинках , Бентон, М. и П., Ходдер и Стоутон, 1997

Используя эту цитату в качестве отправной точки, обсудите и задокументируйте сходство искусства и поэзии.

Поэзия в формате

Работа с форматом может быть безопасным способом начать писать стихи для студентов, которые раньше не писали в этом жанре.Это задание вдохновлено стихотворением Плачущая женщина, Визуальные пути к грамотности в Тейт, Делая свои следы, Антология детского письма , 2002.

Напишите стихотворение с точки зрения женщины на картине. Используйте этот формат — убедитесь, что каждая строка начинается с:
«Я женщина, которая……………»

Каждая строка должна содержать новую информацию, которая строит подробную картину ее опыта. Например:

‘Я женщина, которая бросилась в укрытие
, когда пули с визгом летели вниз.
Я женщина, которая была огорчена, когда я
наблюдала, как мой ребенок был поражен осколками осколков.
Я женщина с искаженным лицом
из-за моего бесконечного замешательства.
Я женщина, у которой нет имени, потому что оно больше не нужно.
Я женщина, которая гниет внутри моего одинокого тела».
Это стихотворение ученицы средних классов

Поэзия в свободном стиле

Напишите стихотворение вольным стихом, вдохновленное Плачущая женщина , а также идеями и описаниями, которые вы создали до сих пор.

  • Определите ключевую мысль, которую вы хотите передать своим стихотворением.
  • Напишите описательную часть своей идеи, используя очень специфический язык, чтобы оживить ваши образы.
  • Разбейте кусок на короткие строки.
  • Пересматривайте и редактируйте строки, пока они не станут выразительными при чтении вслух.
  • При необходимости отредактируйте строки еще раз, чтобы отшлифовать и усовершенствовать стихотворение.

Например:
Я один, и я плачу своими горячими слезами,
Воздух, которым я дышу, густой от агонии,
Стены смыкаются, как и мои страхи,
И только мои слезы текут на волю,
Может быть, скоро я смогу сбежать из этого места,
Хотя я могу притворяться, что оно оставило меня в покое,
Шрамы останутся скрытыми на моем лице,
Я живу, зная, что моя боль никогда не утихнет,
Раны могут залечить бесконечное время ,
Но они нуждаются в любовном прикосновении,
Хотя я протягиваю сострадательную рифму,
Нежность вырвана из моей ноющей хватки,
Так что я опустошен и плачу в одиночестве,
В боли, не желая встречать неизвестное.

Аллитеративное поэтическое занятие

Используйте аллитерационные заголовки, созданные для задания «Серьезная аллитерация» в заданиях Language Starters, в качестве строк для стихотворения. Попробуйте объединить свои собственные названия с названиями других учащихся или сочините одно классное стихотворение. Например:

Плачущая женщина плачет, когда идет война,
Грусть струится из отвисших глазниц
Причудливое лицо, полное страха.

Поэзия на сравнения и метафоры

Объедините сравнения и метафоры, описывающие Плачущая женщина , 1937 год, с теми, которые уже были разработаны выше в упражнении для начинающих, описательной викторине Плачущая женщина, как строчки для стихотворения.Например:

Ее лицо — война
Она — зубчатый пейзаж, пронизанный лужами эмоций
Хрустальные реки горьких слез разъедают ее лицо,
Она — яростная буря, пронизанная молниями….

Разные люди привносят в искусство разный опыт, идеи и понимание. Представьте, что вы кто-то другой, и вы смотрите на Плачущая женщина , 1937 год. Вы можете быть ребенком, беженцем, социальным работником, психологом, родственником генерала Франко, жителем Герники, когда ее бомбили в Испании. Гражданская война, военный корреспондент.

Теперь напишите о картине с точки зрения вашего нового персонажа. Убедитесь, что тон письма соответствует выбранному человеку.

Писать как журналист
  • Собирайте и читайте статьи из различных журналов, которые описывают и продвигают предстоящие события, такие как фильмы, спектакли, концерты и художественные выставки.
  • Обсудите особенности стиля языка, используемого в этих рекламных статьях. Например: Используются ли прямые кавычки, восклицательные знаки или сенсационный язык?
  • Представьте, что вы пишете статью для бортового журнала, призывающую людей посетить Плачущая женщина в Национальной галерее Виктории.Используйте убедительный язык, мощное описание и аллитерацию, призванные вызвать интерес у читателей.
  • Создайте эффектный заголовок, который привлечет внимание.
Написание статей для журнала выходного дня

Представьте, что вы знаменитость, которую пригласили принять участие в серии статей под названием «Мое любимое произведение искусства».
Используя рисунок Плачущая женщина 1937 в качестве выбранного вами произведения искусства, напишите небольшой рассказ о том, где вы видели произведение искусства, какие аспекты вы цените, почему оно особенно находит отклик у вас.Укажите аспекты произведения искусства, которые вы хотели бы, чтобы ваши читатели заметили. Например:

‘Позвольте вашему взгляду блуждать по резкой поверхности, и неровные линии приведут вас к центру изображения, ее рту и подбородку, где кажется, что плоть содрана, обнажая твердую белую кость… Когда вы находитесь внутри этого картина, вы находитесь внутри боли; это поражает вас, как удар под дых».
Выдержка из Плачущая женщина, Пабло Пикассо (1937) Джонатана Джонса, 13 мая 2000 г., The Guardian

Презентация и преподавание знаменательного момента в истории искусства Упражнение
  • Индивидуально или в классе используйте свои исследовательские и письменные проекты, чтобы создать презентацию в PowerPoint для группы людей, которые заинтересованы в изучении всех аспектов Weeping Woman , 1937.
  • Это может быть группа учителей истории или английского языка, учащиеся, изучающие Испанию на вечернем или другом уроке в вашей школе.
  • Вы можете включить информацию о художнике, написавшем картину, исторический фон картины и реакцию зрителей на нее.
  • Рассмотрите возможность включения Облака слов, составленного из слов и фраз, собранных вами и другими учащимися в ходе занятия по поиску языка для начинающих.
Монологическая активность
  • Используйте сочинение из задания «Отвечая на проекты по художественному письму» Написание с разных точек зрения для записи и/или исполнения монолога.Представьте, что вы персонаж, с точки зрения которого вы написали.
  • Снимите вместе с другими учащимися короткий фильм с несколькими монологами или запишите обсуждение картины, которое могли бы вести вместе воображаемые персонажи с разными точками зрения.
Чтение стихов

Самые ранние стихи не были записаны из-за низкого уровня грамотности. Вместо этого они исполнялись вслух. Громкость, скорость чтения, язык тела (включая иногда драматические жесты) и паузы — все это использовалось в выступлениях, чтобы держать публику в восторге.
Рассмотрите эти аспекты производительности, прежде чем приступать к следующему действию. Запишите или снимите на пленку (индивидуально или в виде презентации класса) поэтическое чтение стихов, которые вы написали в ответ на «Плачущая женщина, 1937» в разделе «Поэзия» выше.

Интервью с военным корреспондентом

Запишите воображаемое интервью военного корреспондента и плачущей женщины на картинке.

Пабло Пикассо – Знаете ли вы?

Рентгеновские снимки показывают три фигуры: обнаженную женщину, ребенка и корову, нарисованную под гитаристом  

Поскольку вы, вероятно, уже много знаете о Пабло Пикассо, мы собрали некоторые интригующие факты об одном из самых любимых художников, которые когда-либо жили.Итак, вы знали…?

 

Работы Пикассо отражали его жизнь Девушка перед зеркалом , Пабло Пикассо, 1932, через MoMA определили художественные жанры, которые изменились довольно резко, как изменились бы вещи в реальном мире для художника.

Очевидно, что большая часть работ Пикассо изображает различных женщин в абстрактной манере.В некоторых случаях понятно, кого изображает картина, исходя из названий или отличительных черт. Другие более неоднозначны, и сам Пикассо объяснил бы, что образы разных женщин вдохновили его на некоторые картины.

Тем не менее, если вы посмотрите на его работы в хронологическом порядке, вы сможете без особого труда увидеть, через что он проходил – в какую женщину он был влюблен, какие из его детей были молодой, как он себя чувствовал и что для него было важно.

 

Первым словом Пикассо было lapiz, испанское слово, обозначающее карандаш Автопортрет, Пабло Пикассо, 1900 г., через mymodernmet.com

 

Отец Пикассо Дон Хосе Руис был учителем рисования и начинающим художником, поэтому вполне логично, что Пикассо научился рисовать до того, как научился говорить. Его первые слова были piz piz , сокращенно от lapiz, и кажется, что ему суждено было стать художником.

Голуби были первым, что он научился рисовать, но, живя в Испании, он вскоре полностью увлекся корридой, которая стала главным источником вдохновения в его жизни и творчестве.По его рисункам голубей его отец увидел в Пикассо вундеркинда и отправил его на формальное художественное образование в Прадо в Мадриде.

Вам нравится эта статья?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей

Пожалуйста, проверьте свой почтовый ящик, чтобы активировать подписку

Спасибо!

Там он узнал об испанском реализме, и его отец надеялся, что Пикассо продолжит работу в классическом стиле, но у молодого художника были другие планы. Он начал сочинять автопортреты довольно далеким от традиции способом.

Пикассо рано умер Старый гитарист , Пабло Пикассо, 1903, Художественный институт Чикаго

 

Сначала его семилетняя сестра умерла от дифтерии, когда Пикассо было около 13 лет, а затем, когда молодой человек скитался по Парижу, один из его ближайших друзей, Карлос Касагемас, покончил с собой. Это самоубийство спровоцировало навязчивый синий период Пикассо, который длился с 1901 по 1904 год. 

На протяжении всей своей жизни Пикассо был полон решимости писать то, что он чувствовал, а не то, что он видел.Эти ранние переживания могут иметь непосредственное отношение к этой мантре.

 

Пикассо соперничал с Анри Матиссом Les Demoiselles d’Avignon , Пабло Пикассо, 1907, через MoMA

 

Турецкая баня Жана-Огюста-Доминика Энгра ошеломил Пикассо, но когда Анри Матисс представил вдохновленную ею работу Радость жизни , Пикассо загорелся соперничеством, которого он раньше не испытывал к другому художнику.

Деконструируя обе эти картины, Пикассо составил Авиньонских девиц (первоначально называвшуюся Авиньонский бордель ), которая порвала со всеми традициями западного искусства со времен Ренессанса и стала одной из его самых важных работ.

Пикассо был больше, чем художник Эскиз костюма к балету «Треуголка» , Пабло Пикассо, 1920 г., via MoMA

 

Пикассо открыл для себя фотографию, живя в Париже, и его работа с этим средством в конечном итоге привела к кубизму, крестным отцом которого он считается. Его интерес к фотографии был в некотором роде основан на отчаянии. Пикассо временами смирялся с идеей, что если существуют фотографии, чтобы запечатлеть реальную жизнь, то какой смысл рисовать?

Он чувствовал, что для того, чтобы живопись что-то значила, он должен выйти за рамки того, что кажется реальным.Пикассо продолжал брать геометрические формы и доводить их до предела, чтобы придать объем и измерение предметам своего искусства.

Сделав фотографию и переведя ее в этот новый стиль кубизма, его гений закрепился.

La Vie, Пабло Пикассо, 1903 год, через Художественный музей Кливленда

 

Помимо картин, Пикассо создавал кубистические скульптуры, используя аналогичные техники, а в конце Первой мировой войны он продолжил работу с Русским балетом Сергея Дягилева и разработал их постановку « Парад » летом 1918 года.Его первая жена Ольга Хохлова была дягилевской балериной.

Позже, в 1930-х годах, Пикассо также исследовал сюрреалистическую поэзию, окружая себя поэтами и страстными политическими активистами.

Затем, в конце 40-х, Пикассо уехал из Парижа со своей второй женой (хотя формально так и не состоявшей в браке) Франсуазой Жило, где у них родился сын, а у него помимо живописи и скульптуры была керамическая мастерская. Хотя керамика была для Пикассо новым средством, предмет его творчества остался прежним – женское тело.

 

Пикассо любил корриду Бык (Le Taureau) , состояние VII, Пабло Пикассо, 1945, через MoMA

 

Родившийся в Испании, Пикассо был глубоко влюблен в эту страну, но в 1940-х годах он не мог там жить. С детства Пикассо был увлечен корридой, и она стала важной темой в некоторых его работах, особенно в эпоху Марии Терезии.

Поскольку он не мог вернуться в Испанию, он часто посещал бои быков во Франции, чтобы почувствовать себя ближе к своим корням, и это было радостью в его жизни.На протяжении всей его карьеры вы снова и снова можете видеть быков на картинах и зарисовках.

Во многих смыслах Пикассо видел себя быком и изображал бы себя мифическим быкоподобным существом с ненасытным аппетитом к женщинам, который пожирал бы женскую форму.

Пикассо был блестящим и сложным, с множеством историй, которые нужно было рассказать. Конечно, в любой жизни есть нечто большее, чем то, что заканчивается биографией, но сейчас, если кто-то спросит, знаете ли вы о Пабло Пикассо, вы, надеюсь, ответите «да».

Кейли Рэндалл Кейли Рэндалл — писательница, родом из Флориды. кто глубоко интересуется и инвестирует в искусство. Она живет в Австралии и пишет о здоровье, фитнесе, искусстве и развлечениях, а также делится своими историями переходного периода в своем личном блоге.

Идиосинкразический гений Пабло Пикассо | The New Yorker

Молодой Пикассо совершил четыре штурма Парижа, этой заманчивой цитадели европейского искусства, прежде чем смог войти и остаться.Первый визит длился всего два месяца, в 1900 году, в возрасте девятнадцати лет, с разрешения и помощи его родителей, которые с трудом заплатили за проезд по железной дороге. («Позже я обнаружил, — с горечью сказал он однажды другу, — что у них осталось всего несколько песет на оставшуюся часть месяца».) Второй был следующий год, когда он провел с июня по декабрь в городе, а затем был побежден сочетанием бедности, голода и французского холода. В 1902 г. последовала третья вылазка, и, наконец, в 1904 г. он проскользнул навсегда, как неопознанное взрывоопасное инородное тело.Он остановился в обветшалом старом многоквартирном доме на Монмартре под названием Бато-Лавуар (потому что он был похож на одну из лодок для прачечной на Сене) и оставался там, взрослея, в течение пяти лет, быстро достигнув своего первого важного периода во Франции.

О Пикассо и его творчестве известно больше, чем известно и записано о любом другом художнике нашего времени — по сути, любого времени. «Вероятно, ни о каком художнике в истории не писали так — на него нападали и защищали, объясняли и затемняли, клеветали и чествовали столько писателей с таким количеством слов — по крайней мере, при его жизни», — заявил один из самых уважаемых во всем мире писателей о Пикассо. Мистер.Альфред Х. Барр-младший из Нью-Йоркского музея современного искусства в своей книге «Пикассо: пятьдесят лет его искусства». Опубликованный в 1946 году, он уже тогда содержал пятьсот двадцать две существенные работы о художнике. Несомненно, сегодня больше любителей искусства знают, что в ранний парижский период его работы открыли мисс Гертруда Стайн и ее брат Лео Стайн, и что они заплатили за свою первую картину Пикассо «Девушка с корзиной цветов» сумму, эквивалентную тридцати долларам. или забота о том, что король Франции Франциск I заплатил Леонардо да Винчи четыре тысячи золотых флоринов за «Мону Лизу».На протяжении большей части полувека Пикассо был доминирующей фигурой в искусстве Европы и западного мира — маленький, энергичный человек, который, как магнит, притягивал интеллектуальный интерес и общественное любопытство и, как печь, раскалял и сплавил их в гигантское ядро ​​влияния, лести, восхищения, неодобрения и некоторой ненависти, внутри которого он жил и работал. Сегодня, в свои семьдесят пять, он все еще действует в периодической концентрации своей безжалостной энергии. Черная грива его юности, с той знаменитой прядью волос, которая падала на один глаз — разрезая его лоб «как шрам», как заметил один из его давних друзей, — давно исчезли.Его большая голова превратилась теперь в внушительный почти голый череп, из которого с неослабевающим вниманием выглядывают яркие, как смоль, черные глаза, скорее похожие на дерзкие глаза быка. Его сильное, низкорослое, мускулистое тело едва ли выглядит на среднего возраста по своей плоти и пропорциям (недавно выставленное на всеобщее обозрение в фильме «Тайна Пикассо», где он был одет только в шорты и сандалии).

Чрезмерный сам по себе, он всегда вдохновлял других на гиперболу как на единственный логический метод решения своего особого случая. Единственная скромная книга, написанная о Пикассо и содержащая исключительно интимные человеческие наблюдения, сделанные о нем время от времени в течение почти пятидесяти лет, обычно с такого близкого расстояния, как другой конец комнаты, написана его соотечественником и секретарем, поэтом Хайме. Сабартеса, который знает его уже пятьдесят семь лет и многие из них прожил с ним.Названный «Пикассо: портреты и сувениры» и опубликованный сразу после Второй мировой войны, он был начат как частная постановка, чтобы заполнить пустые часы. Только потом ее скромно предложили как «путеводитель для тех, кто ищет забытые или неизвестные подробности» о художнике. Она не претендует на то, чтобы соперничать с другими книгами о Пикассо (большинство из которых она во многом превосходит в качестве анализа), а просто представляет «то, что я знаю о его жизни, когда моя шла тем же путем, — что-то вроде хроники, но только из тех периодов, которые я непосредственно наблюдал, когда я был в тесном контакте и постоянно видел его, слушал его, наблюдал за ним.Сабартес впервые познакомился с Пикассо в 1899 году в кафе художников Барселоны и рано зашел к нему в бедную комнату-студию, которую он арендовал у семьи, которая использовала остальную часть квартиры для своего ремесла по изготовлению корсетов. В 1901 году Пикассо написал «Голубой период», романтизированный портрет Сабартеса (длинноволосого, более красивого и без очков), а в 1939 году, после того как разразилась война, они оказались в рыбацкой деревушке Руайан на атлантическом побережье. из южной Франции, он написал еще несколько его портретов, самый известный из которых изображает его как средневекового испанского интеллектуала в белом воротнике и шляпе с перьями, с его современными очками в роговой оправе, перевернутыми на щеке.В своей книге Сабартес описывает юность Пикассо так, как художник вспоминал ее в воспоминаниях взрослых, а во втором томе «Пикассо: иконографические документы», опубликованном в 1954 году, он приводит более двухсот документальных фотографий — свидетельства о рождении Пикассо. , о месте его рождения, о почти всех местах, где он жил во Франции, о его семье и так далее. Особое качество информации Сабартеса, которая в своей интимности чередуется между неинтересными будничными событиями в жизни гения и исключительными психологическими пиками, которыми отмечено направление его творчества, заключается в том, что она искусно проверяет составляющие характера Пикассо, а также личные движения его разума, когда он размышляет, болтает и рисует.

Сабартес недавно описал Пикассо как обладателя мозга, подобного un incendie cérébral , — расплавленного ума, сравнимого с постоянно извергающимся вулканом, интеллекта, находящегося в состоянии постоянной восприимчивости. Сабартес отметил, что у Пикассо «мысль и действие связаны». Затем, приступив к оценке столь же последовательной, как опись домашнего хозяйства, он продолжил, заявив, что Пикассо незнаком с преднамеренностью, вся его сущность беспокойна. В нем все бродит — и мысли, и ощущения, и воспоминания.Ничто не остается тихим. Он всегда естественно выражал себя в крайностях и контрастах. Он привязывается только к тому, что существенно; то, что незначительное, последует. Он никогда не теряет своей силы, разбавляя себя. Он не колеблется, никогда долго не унывает. Он использует упорство, а не терпение. Он заклятый враг всех систем и не имеет никакого чувства закона. Он неутомимый аналитик; он следует за запахом идеи, как если бы это была интрига. Он интересуется всем и полностью поглощен некоторыми вещами.«Открытие — это то, что его глубоко волнует, и это единственное, что его очаровывает», — сказал Сабартес. «Он по преимуществу представляет собой сумму курьезов. У него больше любопытства, чем у миллиарда женщин». (Последнее было нежной насмешкой над астрономическим счетом, которым занимается сам Пикассо, когда хочет указать значительное количество чего-либо. Однажды он сказал, что на одной из картин его отца, изображающей его скромную голубятню в Малаге, она была заполнена «сотнями голуби — с тысячами голубей — с тысячами и миллионами голубей.»)

Физически Пикассо всегда был ненормально насторожен. Его глаза необычайно быстро схватывают и подмечают детали, и он любит баловать свое необычайно острое обоняние. В ранние дни своей бедной жизни на Монмартре всякий раз, когда (что случалось редко) у него была сотня франков, чтобы вложить их в удовольствия, он покупал большой флакон одеколона для Фернанды Оливье, первой и самой исторической из его многочисленных публичных парижских привязанностей. Однако его реакция на музыку всегда была нулевой, если не считать пристрастия к игре на гитаре в испанском цыганском стиле и песням.Однажды вечером на собрании в своей студии Брак начал петь основные темы одной из симфоний Бетховена; Пикассо был единственным из присутствующих, кто не мог упасть, даже споткнувшись. Однажды своему другу-музыканту он сказал: «Я ничего не смыслю в музыке. Я даже не понимаю достаточно, чтобы наслаждаться этим, не рискуя ошибиться».

Он так быстро вынашивает идею для картины, что сама ее краткость не дает ему утомиться. Когда он начинает работать, его ничто не отвлекает и все беспокоит.Не глядя и не слушая, он видит и слышит все, что происходит вокруг него — «и догадывается об остальном», — говорит Сабартес. Во время работы он сверхосознает то, на что, когда не работает, отказывается обращать внимание, например, на звонок в дверь или телефон, на сообщения, которые ему доставляют, или на тихие вопросы, которые задают в холле. В качестве палитры для своих цветов он может использовать стену, или газету, лежащую на его столе в студии, или сиденье кухонного стула (однажды он специально для этой цели купил несколько таких стульев в барахолке), и он известно, что он смешивал краски на оконном стекле, чтобы оценить их прозрачность.Он пишет сидя, согнувшись почти вдвое перед холстом, который прикрепляет к самому нижнему уровню своего мольберта. По словам друга художника, когда он начинает новую картину, «его глаза расширяются, ноздри раздуваются, он хмурится, он набрасывается на холст, как пикадор, вонзающий быка». Это кажется разумным сравнением, если судить по «Тайне Пикассо», где показано, как полдюжины его картин создаются от первого мазка до завершения и развиваются с такой стремительной силой и силой, с такой акробатикой защиты воображения. и маневрировать, так что основные композиции, кажется, под пыткой обретают свою окончательную форму.

Из трех современных мастеров живописи — Матисса, Брака и Пикассо — только Пикассо упоминается людьми, знавшими всех троих, как то, что они называют «присутствием», по-видимому, означая правящую личность, нетронутую в своей силе и своей проявления, что создает ощущение дистанции и отличия от всего, что его окружает. Они считают его уникальным человеком своего времени. «Он — сюрприз века», — сказал один из них. Большинство его друзей считают, что его гений выходит далеко за пределы искусства; они оценивают его не столько как художника, сколько как изобретателя, чьи картины являются лишь иллюстрациями того, что он не мог сформулировать никак иначе.(Например, несколько друзей считают, что Матисс был лучшим художником и что Брак никогда не демонстрировал композиционных слабостей, которые неустанно демонстрировал Пикассо.) Они указывают, что Пикассо создал свою собственную вселенную со своей собственной расой людей и его собственные формы зверей, мифов и природы, и он сознательно вообразил время и пространство с точки зрения своих собственных композиций. По их мнению, Пикассо уникален и является феноменом из-за того, что Сабартес странно описал в своей психологической инвентаризации как своего déclic createur , или его творческий рычаг — высший механизм, явно встроенный в него при рождении, с помощью которого он функционально изобретает и делает новое, которое для него заменяет визуальную реальность.Несколько лет назад, стоя на кухне у своего молодого друга, он взял с газовой плиты маленькую подставку и сказал: «Это первоклассное негритянское искусство», — что, после того как он это сказал, определенно напоминало это. Его остроумие и его глубокий интерес к повторению форм, начиная с волшебного сходства, созданного самой природой, привели его к почти литературному восприятию юмора, заключающегося в сходстве одной вещи с другой, подобно каламбуру, зримо исполняемому предметами. .

Маскировка тоже всегда привлекала его.На одном из своих ранних автопортретов, написанном в пятнадцатилетнем возрасте, он изобразил себя в белом парике и костюме восемнадцатого века; несколько лет спустя он искусно нарисовал себя в образе барселонской шишки в цилиндре, белом шелковом шарфе и честерфилдской шляпе — ничего из этого у него, разумеется, не было. На одном из его первых зарисовок самого себя в Париже он был изображен перед Мулен Руж в велосипедных бриджах, хотя велосипеда у него тоже не было; другой показал его в тоге, лежащего на берегу с палитрой в руке.Он нарисовал себя в короне фараона и в различных других формах головных уборов — студенческой кепке, кепке рабочего, большой черной шляпе и сомбреро. В 1905 году он написал прекрасный портрет самого себя в костюме арлекина. В сентябре 1914 года по его просьбе Брак сфотографировал его в форме французской армии Брака. Последние несколько лет в Валлорисе, где у него до недавнего времени была вилла (это недалеко от его нынешней виллы, над Каннами), Пикассо устроил корриду — по-французски, с настоящим быком, но без смертельного удара — что позволило ему насладиться шквалом костюмов, которыми он так яростно наслаждается.Когда «Тайна Пикассо» недавно была показана на кинофестивале в Каннах, где он уже давно известен своим неглиже из шорт, сандалий и полосатой рубашки рыбака, он неожиданно появился на премьере официально одетым (впервые через двадцать пять лет, по крайней мере, так он потом сказал) в старом котелке и смокинге. В своей мастерской он все еще склонен удивлять друзей, внезапно появляясь «в самых неожиданных нарядах», как недавно выразился один из них англичанин. Парижский художественный журнал несколько месяцев назад напечатал его снимок, сделанный в 1955 году, на котором он действительно выглядел очень неожиданно, потому что был одет в белую кепку яхтсмена, с накладными бакенбардами и накладным носом, как у циркового клоуна в его старые добрые времена. Монмартрские дни.

По крайней мере, в одном отношении Пикассо соответствует популярному представлению об условном художнике, который всегда должен работать в мастерской, захламленной беспорядком. (Сегодня это представление в большинстве случаев не соответствует действительности среди выдающихся художников; мастерская Матисса, например, была такой же опрятной, как приемная богатого доктора, а щеголеватый Брак держит свои рабочие кабинеты в таком же чистоте и чистоте, как и туфли на ногах.) шанс накапливаться, беспорядок в мастерских и квартирах Пикассо никогда не менялся со времен его пребывания в Бато-Лавуар.Он жил и рисовал на бульваре Клиши на Монмартре; на бульваре Распай, на Монпарнасе; на улице Шельшер, недалеко от кладбища Монпарнас; на улице Виктора Гюго, в пригороде Парижа Монруже; а затем в течение двадцати одного года, начиная с 1918 года, в квартире-студии на улице Ла Боэти. В 1930 году он купил недалеко от Жизора красивый замок Людовика XV в Буажелу с его великолепным классическим фасадом из красного кирпича и белого камня, а затем, поскольку это было слишком далеко, за исключением выходных, арендовал дом в Ле-Трембле-сюр. — Молдре от Амбруаза Воллара, его бывшего торговца картинами, за побеги из Парижа в середине недели.Во всяком случае, он прижился там, где жил. Когда он, наконец, разорвал связь с Rue La Boétie, его подруга сказала, что этот процесс был похож на выдергивание мандрагоры, которая должна кричать, когда ее вырывают с корнем. Хотя он съехал из квартиры в 1939 году, он удерживал это место, в основном как хранилище для тысяч своих картин, до 1951 года, и не оставил бы его даже тогда, если бы его не вынудил к этому послевоенный закон о нехватке жилья, который запрещал кому-либо владеть многоквартирными домами в Париже.Его положение, как обычно, было сложным. Похоже, что в 1938 году он снял студию на улице Гран-Огюстен, чтобы получить больше места, но продолжал жить и работать на улице Ла Боэти. Затем, летом 1940 года, по возвращении из Руаяна в нацистский Париж, он начал жить в своей новой мастерской. Он занимает два верхних этажа ветхого, но изысканного здания, которое до революции входило в состав элегантного особняка Hôtel de Savoie-Carignan. Резьба по камню вокруг его красивых окон студии сегодня является его лучшими реликвиями.Однако с 1955 года он живет — в своем комфортном, бедном образе жизни — в своем дорогом особняке на холмах над Каннами. Называемая «Вилла Калифорния», это большой, безвкусно построенный дом в эдвардианском стиле с большими салонами, идеально подходящими для студий. Он стоит в заброшенном саду, теперь украшенном гигантскими керамическими фигурами, которые он сделал. По салонам разбросаны ящики с его вещами, все еще не распакованными после продолжительной одиссеи из его квартиры на улице Ла Боэти. Его друзья используют их как стулья и столы.Редкая настоящая мебель пришла в негодность от использования, от частого перемещения из дома в дом и от его равнодушия. Он унаследовал от родителей несколько хороших испанских шкафов, но они не сохранились. Вокруг его мастерских всегда была смесь негритянской скульптуры, бронзовых статуй, гончарных изделий, музыкальных инструментов с оборванными струнами и картин — как несортированный перелив провинциального музея. Помимо собственных полотен, у него есть несколько ценных картин других современных художников. Ему принадлежит полдюжины работ Сезанна, в том числе «Вид на Эстак»; два Ренуара, один из которых — прекрасная женская фигура; и несколько полотен Дуанье Руссо, которого он хорошо знал и которому верил, как почти ни одному другому художнику того времени, «представляли собой совершенство в определенной категории французской мысли.Среди Руссо Пикассо есть двойной портрет Дуанье, изображающий его самого и мадам. Руссо с лампой. У него есть полдюжины полотен Матисса, в том числе «Натюрморт с апельсинами», которым он особенно восхищается, и прекрасное папье-колле 1913 года, подаренное ему Браком. Как правило, эти картины, как и большинство его собственных, тщательно позированы в углах, лицом к стене.

Пабло Пикассо Синий период

Выставка Колдер-Пикассо , куратором которой являются внуки двух выдающихся художников, Александр С.C. Rower and Bernard Ruiz-Picasso, является первой крупной выставкой, которая выдвигает отношения между этими двумя великими художниками на передний план, объединяя более 100 картин, рисунков и скульптур. После успешного европейского турне с остановками в Париже и Малаге, Calder-Picasso дебютирует в США в Музее де Янга в Сан-Франциско. Выставка вращается вокруг уникальных подходов двух художников к изображению пространства или, точнее, не-пространства. Исследуя такие темы, как линия, объем, вес и гравитация, выставка исследует продолжающееся влияние взаимодействий между различными философиями этих художников в отношении пустоты или пустого пространства.

Александр Колдер, Ацтек Жозефина Бейкер (1930), стальная проволока
Пабло Пикассо, Лежащая обнаженная (1932) , холст, масло

Колдер и Пикассо оба работали и жили в Париже и даже встречались в 1931 году, но едва ли их можно было считать друзьями. Эти двое даже не говорили на одном языке (Колдер немного знал французский, а Пикассо не говорил по-английски), но нет сомнений, что их работа заключалась в разговоре. У этих двоих часто были произведения на одних и тех же выставках, возможно, наиболее заметно на Всемирной выставке 1937 года, проходившей в Париже, где Герника Пикассо и Фонтан Меркурия Колдера находились в испанском павильоне.Стало очевидным, что два художника, которые в будущем будут выставляться вместе несколько раз, боролись с одними и теми же вопросами абстракции, разжигая диалог, который с этого момента изменит представление об искусстве. Выставка смоделирована так, чтобы отразить этот диалог, задуманный как своего рода визуальный разговор между двумя художниками, которые постоянно работали над тем, чтобы изобразить пустоту в своих работах.

Два художника играли с объемом, размерностью и силуэтами, формируя новые способы искажения восприятия реальности.Подход Колдера легко проявился в форме скульптуры, где его явно интересовало понимание того, как заполняется пространство, тема, которую чаще всего исследуют, соединяя двух- и трехмерные формы через скульптуру. Его скульптуры, такие как его проволочные скульптуры и знаменитые мобильные телефоны, состоят исключительно из двухмерных форм, которые связаны друг с другом так же, как и с негативным пространством вокруг них. В экспозицию включен культовый рисунок Колдера Aztec Josephine Baker , который иллюстрирует его интерес к рисованию линий в трех измерениях.Подход Пикассо к пустоте был одновременно формальным и эмоциональным, что сильно проявлялось в его картинах и рисунках. Работы Пикассо, выбранные для выставки, размышляют о трении между пустотой и полнотой, умело абстрагируя фигурацию. Эта абстракция исследует противоречие между глубиной и геометрией, а также выступает в качестве средства представления искажений времени и эмоционального внутреннего «я». Хотя их подходы различались, Колдер и Пикассо разделяли основные интересы, и их связь оказала неизгладимое влияние на современное искусство.

Хотя дата открытия Колдер-Пикассо в de Young еще не назначена, подготовка к показу продолжается. Планируется, что шоу откроется уже 26 февраля, если позволят ограничения из-за пандемии. Он будет демонстрироваться в Сан-Франциско до 23 мая, а затем продолжит свое турне по США, отправившись в Атланту, а затем в Хьюстон.

Автор: Admin A, 24 мая 2019 г.

Пабло Пикассо, «Жизнь», 1903 год.

Пабло Пикассо «Голубой период» (1901–1904) и его картины:

Провозглашенный определяющим моментом в творческой карьере Пабло Пикассо , «Голубой период» (1901–1904) был вдохновлен эмоциональными потрясениями и финансовыми трудностями самого Пикассо. После путешествия по Испании и самоубийства его близкого друга и доверенного лица Карлоса Касагемаса (1881–1901) в феврале 1901 года творчество Пикассо приняло драматический оборот. Касагемас, поэт, стал жертвой безответной любви и в конце концов покончил с собой после попытки убить своего презираемого любовника.Его самоубийство оказало глубокое и глубокое влияние на Пикассо, который в то время жил в Париже как непризнанный и бедный художник.

Начиная с нескольких картин, увековечивающих память Касагемаса в конце 1901 года, темы Пабло Пикассо становились торжественными и мрачными. Он принял почти монохромную палитру синего и сине-зеленого и начал передавать мрачные сцены страданий и несчастий. Монохроматическое использование синего цвета обычно использовалось в картинах символистов в Испании и Франции, где оно часто ассоциировалось с эмоциями меланхолии и отчаяния, предполагая, что Пикассо черпал вдохновение для «Голубого периода» во время, проведенное в Испании, наблюдая за этими символистскими работами.

«Пикассо метафорически позволяет своим героям избежать своей судьбы и погрузиться в утопическое состояние благодати. Некоторые страдают слепотой, физическим состоянием, которое символически предполагает наличие духовного внутреннего видения».

«Голубой период» также привлек внимание Пикассо к темам несчастья: нищим, пьяницам, проституткам, калекам, голодным, больным и обездоленным. Однако вместо того, чтобы показать конкретные обстоятельства их несчастья, Пикассо удлинил формы своих моделей, наделив их уникальным ощущением навязчивой красоты и сверхъестественной грации.Как предполагает Национальная художественная галерея (2014), идеализируя эти фигуры, «Пикассо метафорически позволяет своим предметам избежать своей судьбы и погрузиться в утопическое состояние благодати. Некоторые страдают слепотой, физическим состоянием, которое символически предполагает наличие духовного внутреннего видения».

Пабло Пикассо, «Суп», 1902 год.

На протяжении Голубого периода Пабло Пикассо создал множество работ, посвященных символическим, философским и гуманитарным темам. La Vie, , одна из самых знаковых и загадочных работ Пикассо, интерпретировалась (и оспаривалась) историками как аллегорическая ссылка на рождение, смерть и искупление, обязанности повседневной жизни, сексуальную несовместимость и борьбу, стоящую за художественным творчеством. .Обнаженная пара и женщина в мантии, баюкающая младенца, зловеще стоят перед двумя картинами, на которых изображены согбенные в отчаянии фигуры. Неестественная композиция, сжатое пространство, жесткие жесты, преобладание синих тонов — черты, характерные для работ Пикассо голубого периода. La Vie начинался как автопортрет, но вскоре Пикассо обнаружил, что его собственные черты трансформируются в черты его потерянного друга Касагемаса (мужская фигура слева), что, возможно, указывает на очень личный характер этой работы.

Пабло Пикассо, Трагедия, 1903 год.

Несмотря на то, что Пикассо работал преимущественно как художник во время «Голубого периода», он также создавал феноменальные гравюры в стиле «Голубого периода». Эти чудесные гравюры часто создаются по мотивам известных картин Пикассо, таких как «Объятия» и «Два салтимбанка» (Арлекин и его компаньон) . Пикассо также использовал pochoir или акварель, нанесенную вручную, в большинство этих гравюр, что еще больше придало ощущение текстуры и эмоций.Путешествие Пикассо в темные глубины Голубого периода изменило его карьеру художника. В результате эти гравюры, созданные в стиле «Голубого периода», являются одними из самых ценных и желанных гравюр Пикассо на современном рынке. Хотя «Голубой период» в конечном итоге определил Пикассо как современного художника, он служит отражением собственной меланхоличной натуры Пикассо в трудный период его жизни. Кроме того, это подчеркивает огромную способность Пикассо как художника направлять свои страдания и трудности в революционную форму художественного выражения.

НОМЕР:

Автор: Admin A, 22 августа 2019 г.

Восхитительный и значительный сюрприз был обнаружен в 2000 году, когда реставратор обнаружил ранее неизвестную картину на обратной стороне холста Пикассо Синий период работа Ла Гоммеуз, 1901. Картина была другом Пабло Пикассо, арт-дилер Пере Маньяч.Манах изображен в красно-желтом тюрбане, а его тело искривлено в позе, напоминающей сексуальные позы из Камасутры. Маньяк мочится на пейзаж, усеянный цветами. На изображении есть надпись «Recuerdo a Mañach en el día de su santo», подчеркивающая, что картина была подарена Маньяку в честь Дня его святого 29 июня года года. Другой, более официальный портрет Пере Маньяка был завершен в 1901 году и висит в Национальной художественной галерее в Вашингтоне, округ Колумбия.

Отсюда следует несколько повествований, объясняющих, как картина оказалась в руках Амбруаза Воллара, арт-дилера Пикассо, в 1906 году. подарок Маньяку, который был оскорблен его портретом и через некоторое время отдал картину. Это принимает во внимание исследования, в которых дружба Пикассо с Маньяком описывается как полная трудностей, особенно в то время, когда Пикассо предположительно был недоволен некоторыми деловыми отношениями Маньяка.Другой нарратив предполагает, что портрет Маньяка был подарен, а затем должен был быть возвращен Пикассо, чтобы он мог использовать другую сторону дорогого холста для La Gommeuse, 1901. Эта история рассказывает о том, как трудно быть молодым художником. переживал финансовые затруднения в Париже в начале 20 -х годов века.

Пабло Пикассо, Педро Маньяч, 1901

Обе стороны картины особенные и значимые. La Gommeuse, 1901 — образцовое произведение Пикассо «Голубой период», сочетающее в себе колорит этого периода с интимной тематикой парижских исполнителей полусвета.Женщина с округлыми плечами стоит обнаженной у стены мастерской Пикассо, где висит еще одна картина. Gommeuse — французское слово с сексуальным подтекстом, используемое для описания певцов и исполнителей в кафе.

Картина была продана на аукционе Sotheby’s в 2015 году за 67,5 млн долларов.

Каталожные номера:

Браун, Марк. «Голубой период Пикассо — с маленьким секретом — уходит с молотка», The Guardian. 9 октября 2015 г. https://www.theguardian.com/artanddesign/2015/oct/09/picasso-la-gommeuse-blue-period-auction

Гораши, Ханна.«Sotheby’s объявляет о продаже редкого двухстороннего шедевра Пикассо, Моне», ArtNews. 9 октября 2015 г.

Погребин, Робин. «Теплый отклик на Sotheby’s 2 и Ночь аукционов», The New York Times. 6 ноября 2015 г. https://www.nytimes.com/2015/11/06/arts/design/warmer-response-at-sothebys-2nd-night-of-auctions.html?_r=0

Сингх, Анита.«Американский миллиардер, купивший двух Пикассо по цене одного», The Telegraph. 9 октября 2015 г. http://www.telegraph.co.uk/culture/art/artsales/11922971/The-US-billionaire-who-got-two-Picassos-for-the-price-of-one. html

БОЛЬШЕ О ПАБЛО ПИКАССО:

Доступные репродукции известных художников, включая Пикассо, Хокни и Бэкона менее чем за 10 000 фунтов стерлингов

Пикассо с минимальной оценкой в ​​8000 фунтов стерлингов? Матисс за 5000 фунтов стерлингов? Вот 7 репродукций некоторых из величайших имен в искусстве, каждая из которых оценивается в 10 000 фунтов стерлингов и меньше, выставленных на наш аукцион Prints & Multiples  21 марта 2019 года

.

Репродукции и мультипликаторы — отличная отправная точка для новых коллекционеров, которые ищут подлинные и оригинальные работы известных художников, включая Пикассо, Миро, Бэнкси, Матисса и Херста, по более доступным ценам.

«Эстампы, сделанные известными художниками, как правило, гораздо более доступны по цене, чем их уникальные картины, потому что одно и то же произведение было создано несколько раз, и поэтому они более широко доступны на рынке», — говорит Чарльз Скотт, специалист по печати и мультипликации. на аукционе Christie’s в Лондоне.

Принты

также могут быть хорошим способом познакомиться со стилями и художниками — без прикрепленного к ним семизначного ценника.

«Распродажа принтов и мультипликаций на Christie’s представляет большое разнообразие знаменитых художников в течение широкого периода времени, что позволяет коллекционерам более эффективно уточнять свои вкусы, симпатии и антипатии, — продолжает Скотт.

Новые коллекционеры должны принимать во внимание ряд факторов, включая размер тиража, состояние работы, тип бумаги, тематику и дату исполнения.

«Обычно работы, которые были опубликованы в более низком издании, будут иметь более высокую начальную стоимость, потому что они реже и с меньшей вероятностью появятся на рынке», — говорит Скотт.

Зарегистрируйтесь сегодня

Онлайн-журнал Christie’s еженедельно доставляет вам наши лучшие материалы, видео и новости аукционов на ваш почтовый ящик

Подписывайся

Однако стоит изучить, как часто произведение появляется на рынке. «Иногда даже работы из больших тиражей появляются крайне редко, и это действительно повышает желанность», — добавляет специалист.

Также важно понимать технику печати, благодаря которой стали известны разные художники.

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.