Художники натюрморты с цветами. Лучшие натюрморты
И. Машков «Натюрморт» (1930)
Слово «натюрморт» с французского языка переводится как «мёртвая природа» (фр. nature morte).
О натюрморте
Всё, что уже не живёт, не дышит, что сорвано, срезано, но продолжает радовать человека своим существованием – всё это является предметом натюрморта.
Как самостоятельный жанр живописи натюрморт начинает существовать в XVII в. в творчестве голландских и фламандских художников. А раньше он был лишь украшением и выполнял утилитарную функцию.
Ранние натюрморты часто содержали скрытую аллегорию (иносказание), которая выражалась через обыденные предметы, наделённые символическим значением. Иногда в натюрмортах изображали череп, который должен был напоминать о быстротечности жизни и неизбежности смерти.
Аллегорический натюрморт назывался Ванитас (лат. vanitas , букв.: «суета, тщеславие»). Его композиционным центром традиционно является человеческий череп.
Бартоломеус Брейн Старший (I пол. XVI в.). Ванитас
«Суета сует, – сказал Екклесиаст, – суета сует, — всё суета!».
Виллем Клас Хеда. Ванитас
Череп символизирует бренность человеческой жизни. Курительная трубка – символ быстротечных и неуловимых земных наслаждений. Стекло символизирует хрупкость жизни. Ключи – власть домашней хозяйки, управляющей запасами. Нож напоминает об уязвимости человека и о его смертности. Лист бумаги обычно с нравоучительным (часто пессимистическим) изречением. Например:
Hodie mihi cras tibi – сегодня мне, завтра тебе;
Memento mori – помни о смерти;
Aeterne pungit cito volat et occidit – слава о геройских поступках развеется точно так же, как и сон;
Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum – всё разрушается смертью, смерть – последняя граница всех вещей;
Nil omne – всё — это ничего.
Но чаще всё-таки в натюрмортах чувствуется любование художника предметами: кухонной утварью, цветами, фруктами, предметами быта – такие картины заказчики приобретали для украшения интерьеров своих домов.
С середины XVII в. натюрморт в нидерландской живописи получил широкое распространение уже как самостоятельный жанр. И одним из самых первых выделился цветочный натюрморт, особенно в произведениях Амброзиуса Босхарта Старшего и Бальтасара ван дер Аста, а далее продолжал своё развитие в роскошных натюрмортах Яна Давидса де Хема во второй половине XVII в. Популярен цветочный натюрморт и у художников нашего времени.
Тематика натюрмортов обширна: это уже упомянутые цветочные натюрморты, изображение завтраков, сервированных столов, учёных натюрмортов, на которых изображались книги и другие предметы человеческойдеятельности, музыкальные инструменты и др.
Рассмотрим некоторые наиболее известные натюрморты.
Виллем Клас Хеда (1594-1682) «Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой» (1649)
Виллем Клас Хеда «Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой» (1649)
В этой картине заметно виртуозное мастерство художника в передаче обычных, повседневных предметов быта.
На небольшом столе, покрытом богатой тяжёлой скатертью, мы видим лимон и любуемся его янтарной мягкостью, ощущаем аромат свежей ветчины и слышим звон сверкающего серебра. Завтрак окончен, поэтому предметы на столе – в естественном беспорядке.
Серебряная посуда означает земное богатство, ветчина – чувственные радости, лимон – внешнюю красоту, внутри которой скрывается горечь. Картина заключает размышление о том, что следует позаботиться не только о теле, но и о душе.
Натюрморт находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.
Поль Сезанн (1830-1906) «Персики и груши» (1895)
Поль Сезанн «Персики и груши» (1895)
Поль Сезанн был крупнейшим французским художником конца XIX
в.
Испытав влияние импрессионизма, Сезанн противопоставил им свой метод. Он выступил против их стремления следовать в искусстве лишь своему зрительному впечатлению – он был за объективную передачу действительности, основанную на закономерности в природе. Он хотел видеть не изменчивые, а постоянные её качества. Сезанн говорил: «Я хочу вернуть природе вечность». Художник вёл свои творческие поиски через синтез формы и цвета, формы и пространства. Особенно этот поиск прослеживается в его натюрмортах.
Каждый из предметов в данном натюрморте изображён с разной точки зрения. Мы видим стол сверху, скатерть и фрукты – сбоку, столик – снизу, а кувшин – одновременно с разных точек зрения. Сезанн стремится максимально полно показать форму и объём, свойственные персикам и грушам. Его приём основан на оптическом законе: тёплые цвета (красный, розовый, жёлтый, золотистый) кажутся нам выступающими, а холодные (синий, голубой, зелёный) – отступающими в глубь холста.
Форма предметов в натюрмортах Сезанна не зависит от случайного освещения, а становится постоянной, присущей каждому предмету.
Поэтому натюрморты Сезанна кажутся монументальными.
Картина находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.
Анри Матисс (1869-1954) «Голубая скатерть» (1909)
Анри Матисс «Голубая скатерть» (1909)
Знаменитый французский художник Анри Матисс в зарубежном искусстве XX в. занимает одно из ведущих мест. Но место это особое.
В самом начале XX в. Матисс стал главой первой новой группы в европейской живописи, которое назвали фовизм
Но через некоторое время эта группа распалась, и Матисс более уже не примыкал ни к какому направлению, но избрал свой путь. Своим ясным, жизнерадостным искусством Матиссстремился дать покой измученным душам людей в эмоциональной атмосфере XX
в.
В натюрморте «Голубая скатерть» Матисс использует свой любимый композиционный приём: спускающуюся сверху ткань. Материя на переднем плане как бы замыкает пространство полотна, делает его неглубоким. Зритель любуется прихотливой игрой синего орнамента на бирюзовом фоне скатерти, линиями предметов натюрморта. Формы золотистого кофейника, зелёного графина и румяных яблок в вазе художник обобщил, они утратили свою объёмность, а маленькие предметы подчинились ритму ткани, они дополняют красочный акцент картины.
Натюрморт в русской живописи
Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII в., но первоначально он рассматривался как «низший» жанр. Чаще всего он использовался как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.
Но в начале ХХ в. натюрморт в русской живописи получил расцвет и впервые стал равноправным жанром. Художники искали новые возможности в области цвета, формы, композиции натюрморта.
Самым известным натюрмортом П. Кончаловского является его «Сирень».
П. Кончаловский «Сирень» (1939)
П. Кончаловский «Сирень» (1939)
П. Кончаловский в живописи был последователем Сезанна, он стремился выразить праздничность цвета, свойственную русскому народному творчеству, при помощи конструктивности цвета Поля Сезанна. Известность художник получил именно благодаря своим натюрмортам, часто исполненным в стиле, близком кубизму и фовизму.
Его натюрморт «Сирень» полна этим праздничным цветом, радующим глаз и воображение. Кажется, что весенний аромат сирени доносится с полотна.
Гроздья сирени изображены обобщённо, но внутренняя память подсказывает нам очертания каждого цветочка в грозди и оттого живопись Кончаловского кажется реалистичной.
Не менее щедрым в изображении материальности мира, красочности палитры был и современник Кончаловского – И.
Машков.
И. Машков «Ягоды на фоне красного подноса» (1910)
В этом натюрморте также буйство красок, умение радоваться каждому мгновению, которое дарит жизнь, потому что каждое мгновение – прекрасно.
Все предметы натюрморта знакомы нам, но чувствуется, что художник любуется щедростью природы, богатством окружающего мира и приглашает нас разделить с ним эту радость.
В. Нестеренко «Отец Отечества» (1997)
Это натюрморт современного художника В. Нестеренко. Тема картины выражена в её названии, а содержание раскрывается в изображении предметов натюрморта – символов императорской власти Петра I
. Портрет императора расположен на фоне батальной сцены, которых было много в его жизни. Нет смысла пересказывать все те дела, за которые Петра I
называют отцом Отечества. Можно слышать различные мнения о деятельности первого русского императора, но в данном случае художник выражает своё мнение, и это мнение выражено им очень убедительно.
Натюрморт находится в Кремле, в приемной Президента РФ.
Отношение к натюрморту в разные эпохи менялось, иногда о нем практически забывали, а иногда он был самым популярным жанром живописи. Как самостоятельный жанр живописи он появился в творчестве голландских художников в 17 веке. В России долгое время к натюрморту относились как к низшему жанру, и только в начале 20 века стал полноценным жанром. За четырех вековую историю художниками было создано очень большое количество натюрмортов, но и среди этого количества можно выделить наиболее известные и значимые работы для жанра.
«Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой» (1649) Виллем Клас Хеда (1594-1682).
Голландский художник был признанным мастером натюрморта, но именно эта картина выделяется в его творчестве. Здесь заметно виртуозное мастерство Хеды в передаче повседневных предметов быта — создаётся ощущение реальности каждого из них. На столе, покрытом богатой скатертью, стоит янтарный лимон, кусок свежей ветчины и столовое серебро. Завтра только что окончен, поэтому на столе заметен небольшой беспорядок, что делает картину еще более реальной. Как и у большинства голландских натюрмортов этого периода, здесь каждый предмет несет какую-то смысловую нагрузку. Так, серебряная посуда говорит о земном богатстве, ветчина обозначает чувственные радости, а лимон — внешнюю красоту, скрывающую внутреннюю горечь. Через эти символы художник напоминает нам, что следует думать больше о душе, а не только о теле. Картина выполнена в единой коричнево-серой гамме, характерной для всей голландской живописи этой эпохи. Кроме очевидной декоративности, этот натюрморт также рассказывает о незаметной «тихой жизни» предметов, которую подметил внимательный взгляд художника.
«Персики и груши» (1895) Поль Сезанн (1830-1906).
Жанр натюрморта всегда был весьма консервативным. Поэтому практически до начала 20-го века он выглядел также как и в 17-м веке. До тех пор пока за него не взялся Поль Сезанн . Он считал, что живопись должна объективно передавать действительность, а картины должны быть основаны на закономерностях природы. Сезанн стремился передать не изменчивые, а постоянные качества предмета, через синтез формы и цвета, объединение формы и пространства. И жанр натюрморта стал прекрасным объектом для этих экспериментов. Каждый из предметов на натюрморте «Персики и груши» изображён с разных углов зрения. Так стол мы видим сверху, фрукты и скатерть — сбоку, маленький столик — снизу, а кувшин вообще одновременно с разных сторон. Сезанн пытается максимально точно передать форму и объём персиков и груш. Для этого он использует оптические законы, так тёплые оттенки (красный, розовый, жёлтый, золотистый) воспринимаются нами выступающими, а холодные (голубой, синий, зелёный) — отступающими в глубь. Поэтому форма предметов на его натюрмортах не зависит от освещения, а делается постоянной. Именно поэтому Сезанна выглядят монументальными.
«Голубая скатерть» (1909) Анри Матисс (1869-1954) .
Ну, что, еще картиночки посмотрим?
Неожиданные натюрморты — это потому, что мы ожидаем обычно совсем других сюжетов от их авторов. Традиционно эти художники работали в совершенно иных жанрах, предпочитая пейзаж, портрет или жанровую живопись. Лишь изредка им что-то взбредало в голову и они восклицали: «А рисану-ка я эту вазочку с туберозой!». Правда, случалось это крайне редко. Так редко, что мне пришлось полдня рыться в источниках, чтобы разыскать их натюрморты.
НАЧНЕМ С НАШИХ:
Марк Шагал «Белые цветы на красном фоне». 1970. У Марка всего пара-тройка натюрмортов, написанных в уже зрелом возрасте, и то он, привыкший к изображению человечески-животных фантасмагорий, ни в одном из них не удержался — хоть кусочек людской физиономии, хоть где-то с краюшку, да вставит.
Я вот, например, очень люблю натюрморты, а большинство художников — нет. Как-то не солидно это маститому творцу, все студенты изучают азы рисования с постановочных натюрмортов.
Особенно непопулярным был натюрморт во второй половине 19 века, в наибольшей степени — у импрессионистов, еще его недолюбливали наши передвижники. У некоторых из них я не нашла ни одного натюрморта. Нет таких работ и, например, у Нестерова, Куинджи, Айвазовского, Перова, Григория Мясоедова (кто найдет, подскажите, добавлю).
Виктор Васнецов «Букет» . Сказочный или былинный сюжет — пожалуйста, Киевский Владимирский собор расписать легко, а вот с натюрмортами у художника не густо. Однако они есть!
Конечно, и среди импрессионистов есть исключения — очень любил натюрморты Сезанн, хоть он и не считал себя импрессионистом. «Оторвались» на натюрмортах постимпрессионисты — Ван-Гог и Матисс (перечисленных я не буду здесь освещать — мы охотимся за редкими работами «нелюбителей» натюрморта). Но, в основном, представители этих направлений это цветочно-фруктовое дело недолюбливали — буржуазно и патриархально, без любимого пленэра — скукота! Даже Берта Моризо — единственная девчонка среди импрессионистов, и та не любила этот немного «девчоночий» жанр.
Илья Репин «Яблоки и листья» , 1879 . Натюрморт — не типично для Репина. Даже здесь композиция не похожа на классическую постановку — все это может валяться где-то на земле под деревом, никаких бокалов и драпировок.
Не всегда натюрморт переживал плохие времена. Он начал появляться в 16 веке, пока как часть жанровых живописных полотен, а в 17 веке, благодаря голландцам, перерос в самостоятельный жанр живописи. Очень популярен был в 18 и в первой половине 19 века, а потом, благодаря новаторским движениям в искусстве, популярность стала падать. Возрождение моды на натюрморт началось примерно в 20-х годах 20 века. Многие художники-представители современного искусства опять взялись за вазы и персики, но это уже были новые формы. Конечно, полностью жанр никогда не умирал, и сществовала (и сейчас существует) целая плеяда художников-натюрмортистов. Мы будем болтать об этом потом, а пока я умолкаю, только кое-что буду комментировать, а вы просто посмотрите редкие натюрморты авторов, которые писали их лишь изредка:
Валентин Серов «Сирень в вазе», 1887.
На его известных работах можно видеть только кусочек натюрморта — персики перед девочкой. Проникновеннейшему портретисту, видно, скучно было писать цветы и трупики птичек.
Исаак Левитан. «Лесные фиалки и незабудки», 1889. Гений русского пейзажа иногда писал и чудесные натюрморты. Но очень редко! Есть еще кувшин с одуванчиками — прелестный!
Василий Суриков «Букет».
Автор «Утра стрелецкой казни» любил размах и драматизм. Но сохранилось и это — немного наивные и очаровательные розочки.
Борис Кустодиев. «Натюрморт с фазанами «, 1915 . Нередко в его работах присутствуют огромные натюрморты — он рисовал купчих и румяных мужичков за столами, буквально ломящимися от яств. Да и вообще его жизнерадостные яркие полотна похожи на натюрморт, даже если это портрет, но вот отдельных изображений не купчихи, а ее завтрака, встречается немного.
Виктор Борисов-Мусатов «Сирень», 1902.
Мне очень нравятся его самобытные плотна, ни на чьи больше не похожие. Его всегда можно узнать, и в этом натюрморте — тоже .
Михаил Врубель «Цветы в синей вазе», 1886
Какой талант! Как до обидного мало успел! Цветы тоже шикарны, как и демоны.
Василий Тропинин «Дупель и снегирь», 1820-е.
Крепостной художник, похоже, относился к жанру натюрморта без особого почтения, и поэтому почти никогда его не рисовал. То, что вы видите — даже не полноценное полотно, а этюд.
Казимир Малевич. «Натюрморт» . А вы думали, и яблоки у него квадратные?
Иван Крамской «Букет цветов. Флоксы», 1884
Прямо на дачу захотелось — у меня там тоже летом были флоксы.
Василий Кандинский «Рыба на голубой тарелке». Еще не полностью все в закорючках, на картине прослеживаются глаза и даже рот, и они даже рядом!
Натан Альтман «Мимоза», 1927
Мне нравится. Что-то в этом есть.
Иван Шишкин, 1855 .
А где же мишки и лес?!
Еще хотела Петрова-Водкина вставить, но у него довольно много натюрмортов, как казалось. И у Машкова, Лентулова, Кончаловского, так что они для этого поста не подходят.
ЗАГРАНИЧНЫЕ:
Эгон Шиле «Натюрморт», 1918
А вы думали, он только голых несовершеннолетних рисовать умел?
Альфред Сислей. «Натюрморт с цаплей» . Мертвые птички — драма в быту.
Еще Сислей . Ну, люблю я его!
Гюстав Курбе. Яблоки и гранаты на блюде. 1871
Эдгар Дега «Женщина, сидящая у вазы с цветами», 1865
Не смотря на название, женщина занимает процентов 30 площади полотна, поэтому сочла это за натюрморт. А вообще, Дега намного больше цветов любил рисовать людей. Особенно балерин.
Эжен Делакруа. «Букет».
Ну, слава тебе Господи, никто никого не ест и ни в кого не стреляет!
Теодор Жерико «Натюрморт с тремя черепами»
Вообще, Жерико как-то подозрительно любил синие трупы и всяческую «расчлененку». И натюрморт у него соответствующий.
Камиль Писсарро «Натюрморт с яблоками и кувшином», 1872
Клод Моне «Натюрморт с грушами и виноградом», 1867.
Были у него натюрморты, были, но относительно немного.
Огюст Ренуар «Натюрморт с большой цветочной вазой», 1866
У него, по сравнением с остальными, здесь представленными, довольно много натюрмортов. И каких! Кто-то из его современников сказал, что у него отсутствуют грустные работы, и я его обожаю, поэтому сюда впихнула. А еще потому, что его натюрморты все-таки мало известны, намного меньше, чем все эти купальщицы и т.п.
А это знаете кто?! Пабло Пикассо! 1919 год.
Пабло был удивительно продуктивен! Огромное число картин! И среди них натюрморты занимают намного меньший процент, чем все остальное, да и то они были в основном «кубистические». Именно поэтому он попал в подборку. Чтобы вы поняли, насколько это был чокнутый (но, безусловно, талантливый!) и непостоянный человек, посмотрите на картину ниже. Это тоже он, и в тот же год!
Пабло Пикассо «Натюрморт на комоде», 1919
Поль Гоген «Окорок», 1889.
Таитянки позже пошли, он уехал на Таити через 2 года (сейчас допишу и пойду пороюсь в холодильнике).
Эдуард Мане «Гвоздики и клематис в хрустальной вазе», 1882
Есть еще чудесные работы, например «Розы в бокале шампанского», но натюрморты Мане в его наследии всегда на заднем плане. А зря, правда?
Франсуа Милле, 1860-е.
Просто обед всех его крестьян и жнецов.
Берта Моризо «Голубая ваза», 1888
Все-таки не удержалась!
Фредерик Базиль. «Натюрморт с рыбой», 1866
Просто и даже грубовато, но я, кажется, даже запах рыбы чувствую! Пойти, что ли, выбросить мусор?…
Анри «Таможенник» Руссо, «Букет цветов», 1910
Неожиданно по жанру, но неизменно по стилю. Простодушный таможенник всегда был верен себе.
Все, спасибо за внимание!
Как вам?
ПС. И все-таки Кузьма Петров-Водкин, ибо он прекрасен!:
Кузьма Петров-Водкин «Скрипка в футляре», 1916, Одесский музей Искусств
У него довольно много натюрмортов. Прекрасных, просто замечательных! Таких светлых, летних — обязательно посмотрите в Сети, отодвинте в сторону красного коня и прочую революционную атрибутику! Но, раз уж у нас пост про необычные натюрморты, я выбрала самый нетипичный для этого автора.
Еще раз спасибо за внимание!
Переходим к заключительной стадии этой серии постов о жанре натюрморта. Он будет посвящен творчеству художников России.
Начнем пожалуй с Федора Петровича Толстого (1783-1873). Натюрмортная графика Ф.П. Толстого, известного русского скульптора, медальера, рисовальщика и живописца, наверно, наиболее выдающаяся и ценная часть его творческого наследия, хотя сам художник говорил, что создавал эти произведения “в свободное от серьезных занятий время”.
Главное свойство натюрмортных рисунков Толстого — их иллюзорность. Художник тщательно копировал натуру. Он пытался, по его собственным словам, “со строгой отчетливостью передать с натуры на бумагу копируемый цветок так, как он есть, со всеми малейшими подробностями, принадлежащими этому цветку”. Чтобы ввести зрителя в заблуждение, Толстой использовал такие иллюзионистские приемы, как изображение капелек росы или полупрозрачная бумага, прикрывающая рисунок и помогающая обмануть зрение.
Илья Ефимофич Репин (1844-1930) также не раз обращался к такому мотиву натюрморта, как цветы. К таким произведениям можно отнести картину “Осенний букет” (1892, Третьяковская галерея, Москва), где художник с равным вниманием изображает осенний пейзаж, молодую женщину, стоящую на фоне золотистых деревьев, и скромный букет из желтых и белых цветов в ее руках.
И. Репин. Осенний букет. Портрет Веры Репиной. 1892, Третьяковская галерея
История картины “Яблоки и листья” несколько необычна. Натюрморт, сочетавший фрукты и листья, был поставлен для ученика Репина, В.А. Серова. Предметная композиция настолько понравилась учителю, что он решил сам написать такой натюрморт. Цветы и плоды привлекали многих художников, предпочитавших из других вещей именно эти, наиболее поэтично и красиво показывающие мир природы. Даже И.Н. Крамской, пренебрежительно относившийся к подобному жанру, также отдал дань натюрморту, создав эффектную картину “Букет цветов. Флоксы” (1884, Третьяковская галерея, Москва).
Валентин Александрович Серов (1865-1911) известен большинству из нас как художник, уделявший в своем творчестве внимание в области пейзажа, портрета и исторической живописи. Однако, следует заметить, что предмет в его творчестве всегда играл важную роль и нередко занимал такое же равноправное положение, как и другие элементы композиции. Чуть выше я уже упомянул его ученическую работу «Яблоки на листьях», 1879 года, выполненный под руководством Репина. Если сравнить эту работу с произведением, написанным на ту же тему Репиным, можно увидеть, что натюрморт Серова отличается большей этюдностью, чем полотно его учителя. Начинающий художник использовал низкую точку зрения, поэтому первый и второй планы совмещены, а фон уменьшен.
Известная всем с детства картина «Девочка с персиками» выходит за рамки портретного жанра и не случайно названа она “Девочка с персиками”, а не “Портрет Веры Мамонтовой”. Мы можем видеть, что здесь соединились черты портрета, интерьера и натюрморта. Художник уделяет равное внимание изображению девочки в розовой кофточке и немногочисленным, но умело сгруппированным предметам. На белой скатерти лежат нежно-желтые персики, кленовые листья и блестящий нож. Любовно выписаны и другие вещи, находящиеся на дальнем плане: стулья, большая фарфоровая тарелка, украшающая стену, фигурка игрушечного солдата, подсвечник на подоконнике. Солнечный свет, льющийся из окна и ложащийся на предметы яркими бликами, придает изображению поэтическое очарование.
Михаил Александрович Врубель (1856-1910) писал: “И опять меня обдает, нет, не обдает, а слышится мне та интимная национальная нотка, которую мне так хочется поймать на холсте и в орнаменте. Это музыка цельного человека, не расчлененного отвлечениями упорядоченного, дифференцированного и бледного Запада”.
В Академии художеств любимым преподавателем Врубеля был Павел Чистяков, учивший молодого живописца «рисовать формой» и утверждавший, что объемные формы не следует создавать в пространстве тушевкой и контурами, их следует строить линиями. Благодаря ему Врубель научился не просто показывать натуру, а словно вести с ней задушевную, почти любовную беседу. В таком духе выполнен чудесный натюрморт мастера “Шиповник” (1884).
На фоне изысканной драпировки с цветочными мотивами художник разместил изящную округлую вазочку, расписанную восточными узорами. Отчетливо выделяется нежный белый цветок шиповника, оттененный сине-зеленой тканью, а листья растения почти сливаются с тускло мерцающим черным горлышком вазы. Эта композиция исполнена невыразимой прелести и свежести, которой зритель просто не может не поддаться.
В период болезни Врубель стал больше писать с натуры, причем его рисунки отличаются не только чеканностью формы, но и совершенно особенной одухотворенностью. Кажется, что каждое движение руки художника выдает его страдания и страсти.
Особенно примечателен в этом отношении рисунок “Натюрморт. Подсвечник, графин, стакан”. Это сокрушительный триумф яростной объективности. Каждый предмет натюрморта несет в себе скрытую взрывчатую силу. Материал, из которого изготовлены вещи, будь то бронза подсвечника, стекло графина или матовый отблеск свечи, ощутимо дрожит от колоссального внутреннего напряжения. Пульсация передается художником короткими перекрещивающимися штрихами, из-за чего фактура приобретает взрывчатость и напряженность. Таким образом, предметы приобретают невероятную заостренность, в которой и заключается истинная суть вещей
.
Большого мастерства в создании натюрмортов-“обманок” достигли Г.Н. Теплов и Т. Ульянов. Чаще всего они изображали дощатую стенку, на которой были прорисованы сучки и прожилки дерева. На стенках развешаны или заткнуты за прибитые гвоздями тесемочки разнообразные предметы: ножницы, гребешки, письма, книги, нотные тетради. На узких полочках расставлены часы, чернильницы, флаконы, подсвечники, посуда и другие мелкие вещицы. Кажется, что подобный набор предметов совершенно случаен, но на самом деле это далеко не так. Глядя на такие натюрморты, можно догадаться об интересах художников, занимавшихся музицированием, чтением, увлекавшихся искусством. Мастера любовно и старательно изображали дорогие им вещи. Эти картины трогают своей искренностью и непосредственностью восприятия натуры.
Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) также много уделял в своем творчестве жанру натюрморта. На его жизнерадостных полотнах можно увидеть яркие атласные ткани, сверкающие медью самовары, блеск фаянса и фарфора красные ломти арбуза, виноградные грозди, яблоки, аппетитные кексы. Одной из его замечательных картин является «Купчиха за чаем», 1918 г. Невозможно не восхищаться ярким великолепием показанных на полотне предметов. Сверкающий самовар, ярко-красная мякоть арбузов, глянцевые яблоки и прозрачный виноград, стеклянная вазочка с вареньем, позолоченная сахарница и чашка, стоящие перед купчихой, — все эти вещи вносят в изображение праздничное настроение.
В жанре натюрморта большое внимание уделялось так называемым «натюрмортам-обманкам». Многие натюрморты-“обманки”, несмотря на то, что их главной задачей было введение зрителя в заблуждение, обладают несомненными художественными достоинствами, особенно заметными в музеях, где, развешанные по стенам, такие композиции, конечно же, не могут обмануть публику. Но есть здесь и исключения. Например, “Натюрморт с книгами”, выполненный П.Г. Богомоловым, вставлен в иллюзорный “книжный шкаф”, и посетители не сразу догадываются, что это всего лишь картина.
Очень хорош “Натюрморт с попугаем” (1737) Г.Н. Теплова. С помощью ясных, четких линий, переходящих в мягкие, плавные контуры, легких, прозрачных теней, тонких цветовых нюансов художник показывает разнообразные предметы, развешанные на дощатой стене. Виртуозно передана древесина, голубоватые, розовые, желтоватые оттенки которой помогают создать почти реальное ощущение свежего запаха только что выструганного дерева.
Г.Н. Теплов. “Натюрморт с попугаем”, 1737, Государственный музей керамики, усадьба Кусково
Русские натюрморты-“обманки” XVIII века свидетельствуют о том, что художники еще недостаточно умело передают пространство и объемы. Более важно для них показать фактуру предметов, словно перенесенных на холст из реальной действительности. В отличие от голландских натюрмортов, где вещи, поглощенные световой средой, изображены в единстве с ней, в картинах русских мастеров предметы, выписанные очень тщательно, даже мелочно, живут как бы сами по себе, вне зависимости от окружающего пространства.
В начале XIX века большую роль в дальнейшем развитии натюрморта сыграла школа А.Г. Венецианова, выступавшего против строгого разграничения жанров и стремившегося научить своих воспитанников целостному видению натуры.
А.Г.Венецианов. Гумно, 1821-23 г.
Венециановская школа открыла новый для русского искусства жанр — интерьер. Художники показывали различные помещения дворянского дома: гостиные, спальни, кабинеты, кухни, классные комнаты, людские и т.п. В этих произведениях важное место отводилось изображению различных предметов, хотя сам по себе натюрморт почти не интересовал представителей круга Венецианова (во всяком случае, сохранилось очень немного натюрмортов, выполненных учениками знаменитого живописца). Тем не менее, Венецианов призывал своих воспитанников тщательно прорабатывать не только лица и фигуры людей, но и окружающие их вещи.
Предмет в живописи Венецианова не является аксессуаром, он неразрывно связан с остальными деталями картины и часто является ключом к пониманию образа. Например, подобную функцию выполняют серпы в картине “Жнецы” (вторая половина 1820-х, Русский музей, Санкт-Петербург). Вещи в венециановском искусстве кажутся вовлеченными в неспешную и безмятежную жизнь персонажей.
Хотя Венецианов, по всей вероятности, не писал собственно натюрмортов, он включал этот жанр в свою обучающую систему. Художник писал: “Неодушевленные вещи не подлежат тем разнообразным изменениям, кои свойственны предметам одушевленным, они стоят, держатся перед неопытным художником смирно, неподвижно и дают ему время точнее и рассудительнее вникнуть, всмотреться в отношения одной части к другой как в линиях, так в свете и тени самим цветом, кои зависят от места, занимаемого предметами ”.
Конечно, натюрморт играл большую роль и в педагогической системе Академии художеств в XVIII-XIX столетиях (в учебных классах воспитанники делали копии с натюрмортов голландских мастеров), но именно Венецианов, призывавший молодых художников обращаться к натуре, ввел в свою программу первого года обучения натюрморт, составленный из таких вещей, как гипсовые фигуры, посуда, подсвечники, разноцветные ленты, фрукты и цветы. Предметы для учебных натюрмортов Венецианов подбирал так, чтобы они были интересны начинающим живописцам, понятны по форме, красивы по цвету.
В картинах, созданных талантливыми учениками Венецианова, вещи переданы правдиво и свежо. Таковы натюрморты К. Зеленцова, П.Е. Корнилова. В творчестве венециановцев есть и работы, которые по своей сути не являются натюрмортами, но, тем не менее, роль вещей в них огромна. Можно назвать, например, полотна “Кабинет в Островках” и “Отражение в зеркале” Г.В. Сороки, хранящиеся в собрании Русского музея в Санкт-Петербурге.
Г.В. Сорока. “Кабинет в Островках”. Фрагмент, 1844, Русский музей, Санкт-Петербург
Натюрморты в этих произведениях выступают не самостоятельно, а как своеобразно скомпонованные мастером части интерьера, соответствующие общему композиционному и эмоциональному строю картины. Главным связующим элементом здесь является свет, мягко переходящий от одного предмета к другому. Глядя на полотна, понимаешь, насколько интересен окружающий мир художнику, любовно изобразившему каждый предмет, каждую самую мелкую вещицу.
Натюрморт, представленный в “Кабинете в Островках”, хотя и занимает небольшое место в общей композиции, кажется необыкновенно значительным, выделенным благодаря тому, что автор отгородил его от остального пространства высокой спинкой дивана, а слева и справа обрезал рамой. Кажется, что Сорока настолько увлекся лежащими на столе предметами, что почти забыл об остальных деталях картины. Мастер тщательно выписал все: гусиное перо, карандашик, циркуль, транспортир, перочинный ножик, счеты, листы бумаги, свечу в подсвечнике. Точка зрения сверху позволяет рассмотреть все вещи, ни одна из них не загораживает другой. Такие атрибуты, как череп, часы, а также символы “земной суеты” (статуэтка, бумаги, счеты), позволяют некоторым исследователям причислить натюрморт к типу vanitas, хотя такое совпадение чисто случайно, скорее всего, крепостной художник воспользовался тем, что лежало на столе его хозяина.
Известным мастером предметных композиций первой половины XIX столетия был художник И.Ф. Хруцкий, написавший множество прекрасных картин в духе голландского натюрморта XVII века. Среди самых лучших его работ — “Цветы и плоды” (1836, Третьяковская галерея, Москва), “Портрет жены с цветами и фруктами” (1838, Художественный музей Белоруссии, Минск), “Натюрморт” (1839, Музей Академии художеств, Санкт-Петербург).
В первой половине XIX века в России большой популярностью пользовался “ботанический натюрморт”, пришедший к нам из Западной Европы. Во Франции в это время выходили сочинения ботаников с прекрасными иллюстрациями. Большую известность во многих европейских странах получил художник П.Ж. Редуте, который считался “самым прославленным живописцем цветов своего времени”. “Ботанический рисунок” был значительным явлением не только для науки, но и для искусства и культуры. Подобные рисунки преподносились в подарок, украшали альбомы, что таким образом ставило их в один ряд с другими произведениями живописи и графики.
Во второй половине XIX века большое внимание изображению предметов уделял П.А. Федотов. Хотя он не писал собственно натюрмортов, мир вещей, созданный им, восхищает своей красотой и правдивостью.
Предметы в произведениях Федотова неотделимы от жизни людей, они принимают самое непосредственное участие в драматических событиях, изображенных художником.
Глядя на картину “Свежий кавалер” (“Утро после пирушки”, 1846), поражаешься обилию предметов, тщательно выписанных мастером. Настоящий натюрморт, удивляющий своей немногословностью, представлен на знаменитой картине Федотова “Сватовство майора” (1848). Осязаемо реально передано стекло: фужеры на высоких ножках, бутылка, графин. Тончайшее и прозрачное, оно как будто издает нежный хрустальный звон.
Федотов П.А. Сватовство майора. 1848—1849. ГТГ
Федотов не отделяет предметы от интерьера, поэтому вещи показаны не только достоверно, но и живописно тонко. Каждый самый обычный или не слишком привлекательный предмет, занимающий свое место в общем пространстве, кажется удивительным и красивым.
Хотя Федотов не писал натюрмортов, он проявлял несомненный интерес к этому жанру. Чутье подсказывало ему, как расположить тот или иной предмет, с какой точки зрения его представить, какие вещи будут выглядеть рядом не только логически обоснованно, но и выразительно.
Мир вещей, помогающий показывать жизнь человека во всех ее проявлениях, наделяет произведения Федотова особой музыкальностью. Таковы картины “Анкор, еще анкор” (1851-1852), “Вдовушка” (1852) и многие другие.
Во второй половине XIX века жанр натюрморта практически перестал интересовать художников, хотя многие жанристы охотно включали элементы натюрморта в свои композиции. Большое значение приобретают вещи в картинах В.Г. Перова (“Чаепитие в Мытищах”, 1862, Третьяковская галерея, Москва), Л.И. Соломаткина (“Славильщики-городовые”, 1846, Государственный исторический музей, Москва).
Натюрморты представлены в жанровых сценах А.Л. Юшанова (“Проводы начальника”, 1864), М.К. Клодта (“Больной музыкант”, 1855), В.И. Якоби (“Разносчик”, 1858), А.И. Корзухина (“Перед исповедью”, 1877; “В монастырской гостинице”, 1882), К.Е. Маковского (“Алексеич”, 1882). Все эти полотна ныне хранятся в собрании Третьяковской галереи.
К.Е. Маковский. “Алексеич”, 1882, Третьяковская галерея, Москва
В 1870-1880-х годах ведущим жанром в русской живописи оставался бытовой, хотя пейзаж и портрет также занимали важное место. Огромную роль для дальнейшего развития русского искусства сыграли передвижники, стремившиеся показать в своих произведениях правду жизни. Художники стали придавать большое значение работе с натуры и потому все чаще обращались к пейзажу и натюрморту, хотя многие из них считали последний напрасной тратой времени, бессмысленным увлечением формой, лишенной внутреннего содержания. Так, И.Н. Крамской упоминал об известном французском живописце, не пренебрегавшем натюрмортами, в письме к В.М. Васнецову: “Не станет же талантливый человек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже все, а у нас дела непочатый угол”.
Тем не менее, многие русские художники, не писавшие натюрмортов, восхищались ими, глядя на полотна западных мастеров. Например, В.Д. Поленов, находившийся во Франции, писал И.Н. Крамскому: “Посмотришь, как тут дело идет, словно по маслу, работает каждый в своем роде, в самых различных направлениях, что кому по душе, и все это ценится и оплачивается. У нас главным образом значение имеет, что сделано, а тут — как сделано. Например, за медный таз с двумя рыбами платят по двадцати тысяч франков, да еще в придачу считают сего медных дел мастера первым живописцем, и, пожалуй, не без резону”.
Побывавший в 1883 году на выставке в Париже В.И. Суриков восторгался пейзажами, натюрмортами и картинами с изображением цветов. Он писал: “Хороши рыбы Гиберта. Рыбья склизь передана мастерски, колоритно, тон в тон замешивал”. Есть в его письме к П.М. Третьякову и такие слова: “А рыбы Жильберта — чудо что такое. Ну совсем в руки взять можно, до обмана написано”.
И Поленов, и Суриков могли бы стать прекрасными мастерами натюрморта, о чем свидетельствуют виртуозно написанные предметы в их композициях (“Больная” Поленова, “Меншиков в Березове” Сурикова).
В.Д. Поленов. “Больная”, 1886, Третьяковская галерея
Большая часть натюрмортов, созданных известными русскими художниками в 1870-1880-х годах, представляет собой произведения этюдного характера, показывающие стремление авторов передать особенности вещей. Некоторые подобные работы изображают необычные, редкие предметы (например, этюд с натюрмортом для картины И.Е. Репина “Запорожцы пишут письмо турецкому султану”, 1891). Самостоятельного значения такие произведения не имели.
Интересны натюрморты А.Д. Литовченко, выполненные как подготовительные этюды к большому полотну “Иван Грозный показывает свои сокровища послу Горсею” (1875, Русский музей, Санкт-Петербург). Художник показал роскошные ткани из парчи, оружие, инкрустированное драгоценными камнями, золотые и серебряные изделия, хранящиеся в царских сокровищницах.
Более редкими в то время были этюдные натюрморты, представляющие обычные бытовые предметы. Такие произведения создавались с целью изучения строения вещей, а также являли собой результат упражнения в живописной технике.
Важную роль натюрморт играл не только в жанровой, но и в портретной живописи. Например, в картине И.Н. Крамского “Некрасов в период „Последних песен” (1877-1878, Третьяковская галерея, Москва) предметы выполняют функцию аксессуаров. С.Н. Гольдштейн, занимавшийся исследованием творчества Крамского, пишет: “В поисках общей композиции произведения он стремится к тому, чтобы воссоздаваемый им интерьер, несмотря на его собственно бытовой характер, способствовал прежде всего осознанию духовного облика поэта, неувядаемого значения его поэзии. И действительно, отдельные аксессуары этого интерьера — тома “Современника”, беспорядочно уложенные на столике у постели больного, лист бумаги и карандаш в его ослабевших руках, бюст Белинского, висящий на стене портрет Добролюбова — приобрели в этом произведении значение отнюдь не внешних признаков ситуации, но реликвий, тесно связанных с образом человека”.
Среди немногочисленных натюрмортов передвижников главное место занимают “букеты”. Интересен “Букет” В.Д. Поленова (1880, Музей-усадьба Абрамцево), по манере исполнения немного напоминающий натюрморты И.Е. Репина. Непритязательный по своему мотиву (мелкие полевые цветы в простой стеклянной вазе), он, тем не менее, восхищает своей свободной живописью. Во второй половине 1880-х годов похожие букеты появятся в живописи И.И. Левитана.
По-иному демонстрирует зрителю цветы И.Н. Крамской. Многие исследователи полагают, что две картины — “Букет цветов. Флоксы” (1884, Третьяковская галерея, Москва) и “Розы” (1884, собрание Р.К. Викторовой, Москва) — были созданы мастером во время работы над полотном “Неутешное горе”.
Два “букета” Крамской продемонстрировал на XII Передвижной выставке. Эффектные, яркие композиции, изображающие садовые цветы на темном фоне, нашли покупателей еще до открытия выставки. Обладателями этих произведений стали барон Г.О. Гинцбург и императрица.
На IX Передвижной выставке 1881-1882 годов внимание публики привлекла картина К.Е. Маковского, названая в каталоге “Nature morte” (теперь она находится в Третьяковской галерее под названием “В мастерской художника”). На большом полотне изображены лежащая на ковре огромная собака и ребенок, тянущийся из кресла к фруктам на столе. Но эти фигуры — всего лишь детали, нужные автору для того, чтобы оживить натюрморт — множество роскошных вещей в мастерской художника. Написанная в традициях фламандского искусства, картина Маковского все же трогает душу зрителя. Художник, увлекшийся передачей красоты дорогих вещей, не сумел показать их индивидуальность и создал произведение, главная цель которого — демонстрация богатства и роскоши.
Все предметы на картине словно собраны для того, чтобы поразить зрителя своим великолепием. На столе лежит традиционный для натюрморта набор фруктов — крупные яблоки, груши и виноград на большом красивом блюде. Здесь же большая серебряная кружка, украшенная орнаментом. Рядом стоит бело-синий фаянсовый сосуд, возле которого располагается богато украшенное старинное оружие. О том, что это мастерская художника, напоминают кисти, помещенные в широкий кувшин на полу. У золоченого кресла — шпага в роскошных ножнах. Пол устилает ковер с ярким орнаментом. Украшением служат и дорогие ткани — парча, отороченная густым мехом, и бархат, из которого сшит занавес. Колорит полотна выдержан в насыщенных оттенках с преобладанием алого, голубого, золотистого.
Из всего вышесказанного ясно, что во второй половине XIX столетия натюрморт не играл существенной роли в русской живописи. Он был распространен лишь как этюд к картине или учебная штудия. Многие художники, исполнявшие натюрморты в рамках академической программы, в самостоятельном творчестве больше к этому жанру не возвращались. Натюрморты писали в основном непрофессионалы, создававшие акварели с цветами, ягодами, фруктами, грибами. Крупные мастера не считали натюрморт достойным внимания и использовали предметы только для того, чтобы убедительно показать обстановку и украсить изображение.
Первые зачатки нового натюрморта можно обнаружить в живописи художников, работавших на рубеже XIX-XX столетий: И.И. Левитана, И.Э. Грабаря, В.Э. Борисова-Мусатова, М.Ф. Ларионова, К.А. Коровина. Именно в то время в русском искусстве натюрморт появился как самостоятельный жанр.
Но это был весьма своеобразный натюрморт, понимаемый художниками, работавшими в импрессионистической манере, не как обычная замкнутая предметная композиция. Мастера изображали детали натюрморта в пейзаже или интерьере, и им была важна не столько жизнь вещей, сколько само пространство, световая дымка, растворяющая очертания предметов. Большой интерес представляют также графические натюрморты М.А. Врубеля, отличающиеся неповторимой самобытностью.
В начале XX века большую роль в развитии русского натюрморта сыграли такие художники, как А.Я. Головин, С.Ю. Судейкин, А.Ф. Гауш, Б.И. Анисфельд, И.С. Школьник. Новое слово в этом жанре сказал и Н.Н. Сапунов, создавший целый ряд картин-панно с букетами цветов.
В 1900-х годах к натюрморту обратилось множество художников самых разных направлений. Среди них были т.н. московские сезаннисты, символисты (П.В. Кузнецов, К.С. Петров-Водкин) и др. Важное место предметные композиции занимали в творчестве таких известных мастеров, как М.Ф. Ларионов, Н.С. Гончарова, А.В. Лентулов, Р.Р. Фальк, П.П. Кончаловский, А.В. Шевченко, Д.П. Штеренберг, сделавшие натюрморт полноправным среди других жанров в русской живописи XX века.
Одно перечисление русских художников, которые в своем творчестве использовали элементы натюрморта заняло бы немало места. Поэтому ограничимся приведенным здесь материалом. Желающие могут ознакомиться более подробно по ссылкам, приведенным в первой части этой серии постов о жанре натюрморта.
Предыдущие сообщения: Часть 1 –
Часть 2 –
Часть 3 –
Часть 4 –
Часть 5 –
О некоторых знаковых художниках, создававших картины в жанре натюрморта.
Введение
Термин «натюрморт» используется для дефиниции картин, изображающих неодушевленные объекты (от латинского «мертвая природа»). Причем объекты могут быть как естественного происхождения (плоды, цветы, мертвые животные и насекомые, черепа и прочее), так и созданные человеком (различная утварь, часы, книги и свитки бумаги, ювелирные украшения и так далее). Зачастую в натюрморт включается некоторый скрытый подтекст, переданный через символическое изображение. Работы аллегорического характера относятся к поджанру «ванитас» .
Натюрморт как жанр получил наибольшее развитие в Голландии в 17-ом веке как способ протеста против официальной церкви и навязывания религиозного искусства. В дальнейшей истории живописи работы голландцев того времени (Утрех, Лейден, Делфт и других) оказали огромное влияние на развитие искусства: композицию, перспективу, использование символики в качестве элемента повествования. Несмотря на свою значимость и интерес со стороны публики, по мнению академий искусств , натюрморт занимал в общей иерархии жанров последнее место.
Рэйчел Рюйш
Рюйш – один из самых известных голландских реалистов и авторов натюрморта. Композиции этой художницы содержат массу символики, разнообразных моральных и религиозных посылов. Ее фирменный стиль представляет собой комбинацию темного фона, дотошной проработки деталей, нежной окраски и изображении дополнительных, придающих интерес, элементов(насекомых, птиц, рептилий, хрустальных ваз).
Хармен ван Стенвейк
Работы этого голландского реалиста прекрасно демонстрируют натюрморты в стиле ванитас, иллюстрирующие суету земной жизни. Одной из самых знаменитых картин является «Аллегория тщеславия человеческой жизни», в которой показан человеческий череп в лучах солнечного света. Различные предметы композиции отсылают к идеям неотвратимости физической смерти. Детализация и уровень реализма картин Стенвейка достигается за счет использования тонких кистей и техники нанесения краски.
Поль Сезанн
Известный своими пейзажами, портретами и жанровыми произведениями, Сезанн внес вклад и в развитие натюрморта. После того, как интерес к импрессионизму пропал, художник начал исследовать фрукты и природные объекты, экспериментировать с объемными фигурами. Эти исследования помогли создать перспективу и объем в натюрмортах не только с помощью классических методов, но и путем мастерского использования цвета. Все рассмотренные Сезанном направления в дальнейшем были дополнительно изучены Жоржем Браком и Пикассо при разработке аналитического кубизма . В погоне за целью создать что-то «постоянное», художник предпочитал писать одни и те же объекты, а невероятно длительный процесс создания натюрморта приводил к тому, что фрукты и овощи начинали гнить и разлагаться задолго до завершения картины.
Хем
Ученик Давида Байи, голландский реалист Хем известен великолепными натюрмортами с большим числом деталей, нагруженными композициями, обилием насекомых и прочих декоративных и символичных элементов. Нередко художник использовал в работах религиозные мотивы, подобно Яну Брейгелю и Федерико Борромео.
Жан Батист Шарден
Сын плотника Жан Шарден приобрел свое трудолюбие и тягу к порядку именно благодаря отцу. Картины мастера зачастую спокойны и трезвы, ведь он стремился к гармонии тона, цвета и формы, во многом достигаемой благодаря работы с освещением и контрастами. Желание чистоты и порядка выражается также в отсутствии аллегорий в композициях.
Франс Снейдерс
Автор натюрмортов и сцен с животными эпохи барокко был невероятно плодовитым мастером, а его способность изобразить текстуру кожи, меха, стекла, металла и прочих материалов была непревзойденной. Снайдерс был также выдающимся анималистом, часто изображая в своих натюрмортах мертвых животных. Позже он становится официальным живописцем эрцгерцога Альберта Австрии, что вылилось в создание еще большего числа шедевров.
Франсиско де Сурбаран
Сурбаран – известный автор картин на религиозную тему — является одним из величайших создателей натюрмортов. Окрашенные в строгих испанских традициях, его работы имеют качество, не зависящее от времени, и безупречную простоту. Как правило, они представляют небольшое число объектов на затемненном фоне.
Конор Уолтон
Из современных авторов внимания заслуживает Конор Уолтон. Вклад ирландского художника в развитие натюрморта можно отчетливо увидеть в работах «Сокрытое: апельсины и лимоны» (2008), «Натюрморт с большими Орхидеями»(2004). Труды мастера точны и выполнены с исключительным использованием света, помогающим передать текстуры различных поверхностей.
Лучшие натюрморты
обновлено: Июнь 4, 2017 автором: ГлебНатюрморт с цветами — Жан Батист Роби
4 октября 2011 Nasati Главная страница » Музыка цвета » живопись Просмотров: 28051Дорогие друзья! Первый пост на своем блоге «Музыка души» хотелось бы сделать красивым и хоть немного торжественным. Мне, кажется, розы очень подойдут для этой цели. Перебирая свои архивы, я увидела великолепные картины. Кто же автор? Информации о нем очень мало. Но кое-какие сведения я нашла. Жан Батист Роби – один из лучших нартюрмористов 19 века, его натюрморт с цветами очаровывает своей изысканностью, а букеты роз нежны и шикарны в одно и тоже время.
Немного информации о натюрмортах с цветами.
Натюрморт с цветами часто встречается на картинах художников. И это понятно. Цветы красивы, ими хочется любоваться, поэтому художники хотят сохранить прекрасные мгновения жизни цветов на полотне. Как о самостоятельном жанре живописи о натюрморте с цветами заговорили в 17 веке в Голландии. Изображения на картинах были так прекрасны, что цветы на картинах стали неотъемлемой частью натюрморта. Это были цветы в вазах, в кувшинах, цветы с птицами, цветы на драпировках.
Фарфор, стекло в руках умелого живописца дополняют оттенки красок и заполняют пространство картины объемом. У каждого художника чувствуется свой стиль и свой подход к расположению цветов на картине, но не каждый художник может передать то хрупкое очарование и нежность, исходящее буквально от всех лепестков цветка. У Жана Батиста Роби натюрморты с цветами живые, они наполняют душу нежностью и восторгом. Искусствоведы говорят, художник сыграл одну из главных ролей в эволюции цветочных натюрмортов. Поэтому давайте немного узнаем о личности этого художника. Тем более, как выяснилось, жизнь его была насыщенной и яркой.
Начало творческого пути Жана Батиста Роби
Портрет художника Jean-Baptiste Robie
Жан-Батист Роби — известный бельгийский художник — родился в 1821 году в многодетной семье кузнеца в Брюсселе. Детство было трудным, практически все время мальчику приходилось проводить в душной и темной кузнице. Но уже с 11 лет мальчик начинает раскрашивать посуду из стекла и фарфора и приносить домой небольшой заработок. Родители, видя, что ребенку нравится рисовать, отдали его в подмастерье к художнику. Юноша чувствовал в себе больший потенциал, поэтому решил отправиться в Париж. 6 лет – это тяжелые года безденежья, унижения, попыток выжить. Но, несмотря на трудности, молодой человек пытается образовывать себя, покупая на скудный заработок книги.
В то же время он «ищет себя» — пытается оформлять интерьеры, расписывает фарфор и стекло, берет уроки живописи у художников, посещает занятия частной студии. Благодаря своему упорству и безграничному стремлению заниматься живописью Жан Батист поступает в Королевскую Академию изящных искусств.
Натюрморты маслом с цветами – любимый жанр художника.
Будучи студентом, Jean-Baptiste Robie решил подработать, выставляя свои картины в придорожных лавках. Так как тема Наполеона была в то время очень популярна, молодой человек решил для туристов на пробу изобразить портреты Наполеонов. Он был изумлен, что миниатюры стали пользоваться большим спросом. Хозяин лавки проявил деловую хватку, сообразив, что цветочные натюрморты становятся все более востребованными, и предложил делать на заказ натюрморты маслом с цветами. Причем желательно, чтобы это были розы, так как букеты с розами должны поражать туристов роскошью и пышностью.
Хозяин лавки оказался прав. Художника заметили и предложили выставляться в Салоне Брюсселя. Жан Батист Роби отказался от коммерческих работ и понял, что нашел тот жанр, которому бы хотел посвятить свое творчество.
С тех пор он стал известным и популярным натюрмористом. В 1848 году Жан Батист Роби получил золотую медаль Салона за натюрморт с цветами. Неоднократно получал медали за свои работы на разных выставках и в галереях, заказы шли постоянно, он стал обеспеченным и независимым художником.
Восточные ноты в творчестве.
За свою жизнь Жан Батист Роби много путешествовал по Европе, побывал в Италии, Испании, Франции и Германии, много времени провел на Ближнем Востоке, а в Индии прожил два года. В его картинах зазвучала восточная тема. Кстати, он описал свои воспоминания о пребывании в Индии в известной своей книге «Путешествие в Индию» (1886) . Поэтому можно смело говорить, что Жан Батист Роби был не только выдающимся живописцем натюрмортов маслом с цветами, но и литератором и востоковедом.
Пребывание на Востоке настолько сильно повлияло на творчество мастера, что он погрузился в мир пейзажей и восточные мотивы стали преобладать в его живописи. Но, вернувшись на Запад, вернулся к своей любимой теме – натюрморты с цветами, хоть новые цветочные картины явно приобрели колорит Востока.
Последние годы жизни.
В последние годы жизни Жан Батист Роби ведет активную общественную жизнь. В 70 лет он становится членом Королевской Академии изящных искусств Бельгии. Он также входит в состав Исполнительного Комитета Королевского музея живописи и скульптуры.
Жан Батист Роби умер в возрасте 89 лет. В последние дни он тяжело болел, все в время проводил в постели и пытался делать заметки для своей книги «Городской пейзаж». Картины Жан Батист Роби выставлены во многих художественных музеях и галереях мира, в частных коллекциях и очень ценятся любителями живописи маслом и любителями пышных цветочных натюрмортов.
Цветы на его картинах остаются в памяти надолго благодаря чудесному свету, отточенной технике и прекрасной композиции. Восточная тема не так популярна и известна в его творчестве. В Бельгии чтут память этого художника, создан Фонд имени Жана-Баттиста Роби, а его натюрморты с цветами украшают многие музеи не только его родины, но и других стран мира.
Натюрморты с цветами художника Jean-Baptiste Robie.
Метки: картины художников, цветы
| Опубликовано: Январь 16, 2018 Натюрморт — это жанр, который приобрёл известность в западном искусстве к концу XVI века и с тех пор остается важным жанром. Натюрморт классифицируются по изображению обычных предметов, которые могут быть натуральными, как например, цветы, фрукты и т. д. или искусственными, как например, очки, музыкальные инструменты и т. д. Ниже представлен список 10 самых знаменитых натюрмортов известных художников включая Шардена, Поля Сезанна, Ван Гога и Джорджио Моранди. №10 Серия натюрмортов, Художник Том ВессельманГод: 1962 Движение поп-арт возникло в 50-х годах XX века, и использует узнаваемые образы из популярной культуры. Среди самых популярных произведений поп-арта находится серия натюрмортов Тома Вессельмана. Его натюрморты изображают элементы современного мира, а не фрукты и овощи предыдущего поколения художников этого жанра. Эта работа (Натюрморт #30) представляет собой сочетание живописи, скульптуры и коллажа торговых знаков, которые Том увидел на улице. №9 Ванитас со скрипкой и стеклянным шаромХудожник: Питер Клас От: ,   —
|
Самые известные натюрморты русских художников. Неожиданные натюрморты
Что такое натюрморт?
Натюрмортом называют жанр живописи, в рамках которого изображается неживая природа. Жанр зародился в XVII веке.
Натюрморт в первую очередь удивителен и интересен тем, что заставляет людей видеть красоту и гармонию в повседневных, скучных вещах, окружающих нас постоянно, но ничем не обращающих на себя наше внимание.
Жанр не так прост, как кажется на первый взгляд: в большинстве таких картин художники используют иносказание — пытаются через определённый набор предметов, их расстановку, выбранные цвета, общую композицию сказать людям что-то важное, передать то, что их волнует, поведать о своих чувствах и мыслях.
Несмотря на мрачный перевод «мёртвая природа» , полотна зачастую пестрят яркими красками, радуют зрителя своей оригинальностью и причудливостью, пробуждают желание жить и восторгаться окружающим миром, видеть прекрасное в нём.
Существует множество видов и подвидов натюрморта, например, сюжетно-тематический, творческий, учебно-творческий, учебный. Также их подразделяют по использованным цветам, освещённости, колориту, времени исполнения, месту расположения и т. д.
Основоположниками натюрморта как самостоятельного жанра стали голландские и фламандские художники. Первоначально картины появились в религиозном обиходе. Также в эпоху зарождения жанра распространение получили картины мрачного характера с глубоким философским смыслом и тёмными тонами, в центре композиции, которых были черепа, свечи и некоторые другие атрибуты. Затем, постепенно развиваясь, жанр вбирал в себя всё новые и новые направления и раз за разом получал всё более широкое распространение во всех кругах общества. Цветы, книги, овощи и фрукты, дары моря, посуда и другие предметы быта — всё нашло своё отражение в искусстве. Одними из самых известных художников натюрмортов стали Амбросиус Басхарт, Мигель Парра, Ян Брейгель, Иозеф Лаунер, Северин Розен, Эдвард Ладелл, Ян Давидс де Хем, Виллем ван Алст, Корнелис Бризе.
В России жанр возник в начале XVIII века, но всерьёз этим никто не занимался, он считался «низшим» жанром. В начале XX века натюрмортная живопись достигла наибольшего расцвета; художники создавали свои шедевры, ставили перед собой новые задачи и достигали несказанных вершин в мастерстве, использовали необычные техники, подбирали новые образы. Русский натюрморт в отличие от западного развивался не постепенно, а в ускоренном темпе. Творя в этом жанре, прославились такие русские художники, как К. Петров-Водкин, И. Левитан, И.Ф. Хруцкий, В. Нестеренко, И.Э. Грабарь, М. Сарьян, А. Осмеркин, П.П. Кончаловский, С.Е. Захаров, С.И.Осипов и многие другие.
В современной живописи натюрморт претерпевает новый подъём и теперь прочно занимает полноправное место среди других жанров изобразительного искусства. Сейчас это одно из самых востребованных направлений в живописи. Имея огромное количество возможностей для самореализации себя в творчестве, художники пишут самые разнообразные натюрморты. А зрители, в свою очередь, покупают картины, украшают ими интерьеры, оживляя свой дом и принося в него уют и радость. Натюрмортами постоянно пополняются музеи, открываются всё новые и новые выставки в различных городах и странах, на которые приходят толпы заинтересованных искусством зрителей. Спустя несколько столетий, пройдя долгий полноценный путь развития, натюрморт по-прежнему актуален и не утратил своей значимости в мировой живописи.
З нойным дачным летом или в затяжную вьюгу. Не выходя из дома, можно найти вдохновение в обычных фруктах или необычных цветах. Объект не пытается повернуть голову, как на портрете, и не меняет ежесекундно тени на свет, как на пейзаже. Тем и хорош жанр натюрморта. И «мертвая природа» в переводе с французского, или «тихая жизнь вещей» в голландской версии, очень даже оживляет интерьер. Наталья Летникова представляет топ-7 натюрмортов русских художников .
«Лесные фиалки и незабудки»
Лесные фиалки и незабудки
Картина Исаака Левитана словно синее небо и белое облако — от певца русской природы. Только на полотне не родные просторы, а букет полевых цветов. Одуванчики, сирень, васильки, бессмертник, папоротник и азалия… Мастерская художника после леса превращалась «не то в оранжерею, не то в цветочный магазин». Левитан любил цветочные натюрморты и учил своих учеников видеть и цвет, и соцветия: «Надо, чтобы от них пахло не краской, а цветами».
«Яблоки и листья»
Яблоки и листья
Работы Ильи Репина органично оттеняют блестящую обстановку Русского музея . Художник-передвижник составил композицию для своего ученика — Валентина Серова . Вышло столь живописно, что учитель и сам взялся за кисть. Шесть яблок из обычного сада — помятые и с «бочками», и ворох листьев, подернутых осенними красками, в качестве источника для вдохновения.
«Букет цветов. Флоксы»
Букет цветов. Флоксы
Картина Ивана Крамского . «Не станет же талантливый человек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже всё, а у нас дела непочатый угол», — писал Крамской Васнецову . И все же жанр натюрморта в конце жизни известный портретист вниманием не обошел. Букет флоксов в стеклянной вазе был представлен на XII передвижной выставке. Картину купили еще до открытия вернисажа.
«Натюрморт»
Натюрморт
Казимир Малевич на пути к «Черному квадрату» через импрессионизм и кубизм, минуя реализм. Ваза с фруктами — плод творческих исканий, даже в рамках одной картины: густые черные линии французской техники «клуазоне», плоская посуда и объемные фрукты. Все составляющие картины объединяет только цвет. Свойственный художнику — яркий и насыщенный. Словно вызов пастельным тонам реальной жизни.
«Селедка и лимон»
Селедка и лимон
Четверо детей и живопись. Такое сочетание в жизни художника безошибочно диктует жанр. Так вышло у Зинаиды Серебряковой. Многочисленные семейные портреты и натюрморты, по которым можно составлять меню: «Корзина с фруктами», «Спаржа и земляника», «Виноград», «Рыба на зелени»… В руках настоящего мастера и «селедка и лимон» станут произведением искусства. Поэзия и простота: спиралью кожица лимона и лишенная изысков рыба.
«Натюрморт с самоваром»
Натюрморт с самоваром
Ученик Серова, Коровина и Васнецова, «Бубновый валет» — Илья Машков любил изобразить окружающий мир, да поярче. Фарфоровые фигурки и бегонии, тыквы… Мясо, дичь — в духе старых мастеров, и хлебы московские — зарисовки со Смоленского рынка столицы. И по русской традиции — куда ж без самовара. Натюрморт из области праздничного бытия с фруктами и яркой посудой дополняет череп — напоминание о бренности жизни.
«Этюд с медалями»
Этюд с медалями
Натюрморт по-советски. Художник ХХ века Анатолий Никич-Криличевский на одной картине показал целую жизнь первой советской чемпионки мира в конькобежном спорте — Марии Исаковой. С кубками, за каждым из которых — годы тренировок; медалями, которые доставались в упорной борьбе; письмами и огромными букетами. Красивая картинка для художника и художественная летопись спортивных успехов. Натюрморт-история.
Какая это странная живопись — натюрморт: она заставляет любоваться копией тех вещей, оригиналами которых не любуешься.
Блез Паскаль
И правда, задерживал ли Ты когда-нибудь взгляд на фруктах из кухонного стола? Ну… разве что, когда был голоден, правда? А вот картиной с фруктовой композицией или роскошным букетом цветов можно любоваться часами. Именно в этом — особая магия натюрморта.
В переводе с французского языка натюрморт означает «мертвая природа» (nature morte). Однако это лишь дословный перевод.
На самом деле натюрморт — это изображение неподвижных, застывших предметов (цветов, овощей, фруктов, мебели, ковров и т. д.). Первые натюрморты встречаются на фресках Древней Греции и Древнего Рима.
Натюрморт (фреска из Помпей) 63-79 г., Неаполь, Национальная галерея Каподимонте. Автор неизвестен.
Когда в гости к римлянину приходил друг, правила хорошего тона требовали, чтобы хозяин дома показал лучшее из своей серебряной посуды. Эту традицию ярко отражает натюрморт из гробницы Вестория Приска в Помпеях.
В центре композиции — сосуд для смешивания вина и воды, воплощение бога плодородия Диониса-Либера. По обе стороны на золотом столе симметрично расставлены кувшины, черпаки, рога для вина.
Однако натюрморт — это не только фрукты, овощи и цветы, но и… человеческий череп, призванный отразить быстротечность человеческой жизни. Именно так представляли натюрморт сторонники жанра «Ванитас», представители ранней стадии развития натюрморта.
Выдающийся пример — аллегорический натюрморт голландского художника Виллема Класа Хеды , где рядом с черепом изображена трубка — символ неуловимости земных наслаждений, стеклянный сосуд — отражение хрупкости жизни, ключи — символ власти домашней хозяйки, управляющей запасами. Нож символизирует уязвимость жизни, а жаровня, в которой едва теплятся угли, значит ее угасание.
Суета сует. Ванитас, 1628, Виллем Клас Хеда.
Виллема Хеду по праву называют «мастером завтраков». С помощью интересной расстановки пищи, посуды и кухонных принадлежностей художник удивительно точно передавал настроение картин. А его мастерство изображать блики света на идеально гладких поверхностях серебряных чаш и стеклянных кубков поражала даже именитых современников художника.
Невероятно, насколько точно и деликатно Хеда умел передавать каждую мелочь: игру света, особенности формы, цвета предметов. Во всех картинах голландца — таинственность, поэтичность, искреннее восхищение миром предметов.
Натюрморты известных художников
Натюрмортом часто увлекались знаменитые художники. Именно о мастерах кисти и об их восхитительных произведениях я расскажу Тебе дальше.
Пабло Пикассо — самый дорогой художник мира
Уникальный и неподражаемый — именно так называют выдающегося испанского художника ХХ в. Пабло Пикассо. Каждая работа автора — тандем оригинального замысла и гениальности.
Натюрморт с букетом цветов, 1908 г.
Натюрморт с луковицами, 1908 г.
Кроме традиционно совершенных реалистичных, наполненных света и ярких красок, или же мрачных, выполненных в голубовато-серых тонах натюрмортов, Пикассо увлекался кубизмом . Художник раскладывал предметы или героев своих картин на мелкие геометрические фигуры.
И хотя искусствоведы не признали кубизм Пикассо, сейчас его работы прекрасно продаются и принадлежат самым богатым коллекционерам мира.
Гитара и ноты, 1918 г.
Эксцентричный Винсент Ван Гог
Наряду со знаменитой «Звездной ночью» серия картин с подсолнухами стала уникальным символом творчества Ван Гога. Художник планировал украсить подсолнухами свой дом в Арле к приезду друга Поля Гогена.
«Небеса — восхитительного голубого цвета. Солнечные лучи — бледно-желтые. Это мягкое, волшебное сочетание небесной лазури и желтых тонов из картин Вермеера Делфтского… Я не могу написать что-то столь прекрасное…» — обреченно говорил Ван Гог. Возможно, именно поэтому художник рисовал подсолнухи бесчисленное количество раз.
Ваза с 12 подсолнухами, 1889 г.
Несчастная любовь, бедность и непринятие его творчества побуждают художника к безумным поступкам и изрядно подрывают здоровье. Но о живописи талантливый художник упорно писал: «Даже если я упаду девяносто девять раз, я все равно поднимусь в сотый раз».
Натюрморт с красными маками и ромашками. Овер, июнь 1890 г .
Ирисы. Сен-Реми, май 1890 г.
Всеохватывающие натюрморты Поля Сезанна
«Я хочу вернуть природе вечность», — любил повторять великий французский художник Поль Сезанн. Художник изображал не случайную игру света и тени, не меняющиеся, а постоянные характеристики предметов.
Стремясь показать предметы со всех сторон, он описывает их так, что зритель любуется натюрмортом, словно под разными углами. Мы видим стол сверху, скатерть и фрукты — сбоку, ящик в столе — снизу, а кувшин — с разных сторон одновременно.
Персики и груши, 1895 г.
Натюрморт с вишнями и персиками, 1883-1887 гг.
Натюрморты современных художников
Палитра цветов и самых разнообразных оттенков позволяет нынешним мастерам натюрморта достичь невероятной реалистичности и красоты. Хочешь полюбоваться впечатляющими картинами талантливых современников?
Британец Сесил Кеннеди
От картин этого художника невозможно оторвать взгляд — настолько чарует его разнотравье! М-м-м… Кажется, я уже чувствую запах этих удивительно красивых цветов. А Ты?
Сесила Кеннеди по праву считают самым выдающимся британским художником современности. Обладатель нескольких престижных премий и любимец многих «сильных мира сего», Кеннеди все же стал известным, только когда ему исполнилось далеко за 40.
Бельгийский художник Джулиан Стапперс
Сведения о жизни бельгийского художника Джулиана Стапперса скудны, чего не скажешь о его картинах. Жизнерадостные натюрморты художника — в коллекциях самых богатых людей мира.
Грегори Ван Раальте
Современный американский художник Грегори Ван Раальте особое внимание обращает на игру света и тени. Художник убежден, что свет должен падать не прямо, а через лес, листья деревьев, лепестки цветов, или отображаться от поверхности воды.
Талантливый художник живет в Нью-Йорке. Увлекается рисованием натюрмортов в технике акварель.
Иранский художник Али Акбар Садехи
Ali Akbar Sadeghi — один из самых успешных иранских художников. В своих работах он искусно сочетает композиции традиционных иранских картин, персидские культурные мифы с иконописью и искусством витража.
Натюрморты современных украинских художников
Что ни говори, а в украинских мастеров кисти — свое, уникальное видение его величества натюрморта. И сейчас я Тебе это докажу.
Сергей Шаповалов
Картины Сергея Шаповалова пестрят солнечными зайчиками. Каждый его шедевр наполнен светом, добром и любовью к родной земле. А родился художник в селе Ингуло-Каменка Новгородковского района Кировоградской области.
Сергей Шаповалов – заслуженный художник Украины, член Национального союза художников.
Игорь Деркачев
Украинский художник Игорь Деркачев родился в 1945 году в Днепропетровске, где проживает и сейчас. Двадцать пять лет посещал художественную студию Дома культуры студентов им. Ю. Гагарина, сначала как студиец, а потом в качестве преподавателя.
Картины художника пронзены теплом,любовью к родным традициям и дарам природы. Эта особая теплота через картины автора передается и всем поклонникам его творчества.
Виктор Довбенко
По словам автора, его натюрморты — зеркало собственных чувств и настроений. В букетах роз, в россыпях васильков, астр и георгинов, в «душистых» лесных картинах — неповторимый летний аромат и бесценные дары богатющей природы Украины.
Натюрморт (фр. nature morte — «мёртвая природа») — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.
Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV-XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта (см. vanitas). Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.
Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию — либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо — в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов — в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.
Нидерландский натюрморт XVII века
Нидерландский натюрморт представлял собой уникальное культурное явление XVII века, оказавшее влияние на дальнейшее развитие всей европейской живописи. «Малые голландцы» отразили в своих работах мир предметов, живущих своей тихой, застывшей жизнью. Термин «застывшая жизнь» (голл. stilleven, нем. stilleben, англ. still-life) стал употребляться для обозначения жанра в середине XVII века, поначалу в Нидерландах. До этого художники называли подобные картины, описывая сюжет: «Маленький завтрак», «Букет цветов», «Охотничий трофей», «Суета сует». Основной перевод указанного термина, встречающийся в литературе — «тихая, неподвижная жизнь».
Натюрморт в русской живописи 18-20 веков
Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII века. Представление о нем первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца 19 века натюрморт, в отличии от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве «низшего» жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.
Начало ХХ века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.
В 30-40-е годы ХХ столетия это развитие приостановилось, но уже с середины 50-х годов натюрморт переживает в советской живописи новый подъем и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.
Русские натюрмористы
- Хруцкий Иван Фомич (1810-1885)
- Грабарь Игорь Эммануилович (1871-1960)
- Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878-1939)
- Кончаловский Пётр Петрович (1876-1956)
- Альберти Петр Филиппович (1913-1994)
- Антипова Евгения Петровна (1917-2009)
- Захаров Сергей Ефимович (1900-1993)
- Копытцева Майя Кузьминична (1924-2005)
- Котьянц Геворк Вартанович (1906-1996)
- Крестовский Ярослав Игоревич (1925-2003)
- Осипов Сергей Иванович (1915-1985)
- Позднеев Николай Матвеевич (1930-1978)
- Румянцева Капитолина Алексеевна (1925-2002)
- Скуинь Елена Петровна (1909-1986)
- Тетерин Виктор Кузьмич (1922-1991)
- Шаманов Борис Иванович (1931-2008)
Ну, что, еще картиночки посмотрим?
Неожиданные натюрморты — это потому, что мы ожидаем обычно совсем других сюжетов от их авторов. Традиционно эти художники работали в совершенно иных жанрах, предпочитая пейзаж, портрет или жанровую живопись. Лишь изредка им что-то взбредало в голову и они восклицали: «А рисану-ка я эту вазочку с туберозой!». Правда, случалось это крайне редко. Так редко, что мне пришлось полдня рыться в источниках, чтобы разыскать их натюрморты.
НАЧНЕМ С НАШИХ:
Марк Шагал «Белые цветы на красном фоне». 1970. У Марка всего пара-тройка натюрмортов, написанных в уже зрелом возрасте, и то он, привыкший к изображению человечески-животных фантасмагорий, ни в одном из них не удержался — хоть кусочек людской физиономии, хоть где-то с краюшку, да вставит.
Я вот, например, очень люблю натюрморты, а большинство художников — нет. Как-то не солидно это маститому творцу, все студенты изучают азы рисования с постановочных натюрмортов.
Особенно непопулярным был натюрморт во второй половине 19 века, в наибольшей степени — у импрессионистов, еще его недолюбливали наши передвижники. У некоторых из них я не нашла ни одного натюрморта. Нет таких работ и, например, у Нестерова, Куинджи, Айвазовского, Перова, Григория Мясоедова (кто найдет, подскажите, добавлю).
Виктор Васнецов «Букет» . Сказочный или былинный сюжет — пожалуйста, Киевский Владимирский собор расписать легко, а вот с натюрмортами у художника не густо. Однако они есть!
Конечно, и среди импрессионистов есть исключения — очень любил натюрморты Сезанн, хоть он и не считал себя импрессионистом. «Оторвались» на натюрмортах постимпрессионисты — Ван-Гог и Матисс (перечисленных я не буду здесь освещать — мы охотимся за редкими работами «нелюбителей» натюрморта). Но, в основном, представители этих направлений это цветочно-фруктовое дело недолюбливали — буржуазно и патриархально, без любимого пленэра — скукота! Даже Берта Моризо — единственная девчонка среди импрессионистов, и та не любила этот немного «девчоночий» жанр.
Илья Репин «Яблоки и листья» , 1879 . Натюрморт — не типично для Репина. Даже здесь композиция не похожа на классическую постановку — все это может валяться где-то на земле под деревом, никаких бокалов и драпировок.
Не всегда натюрморт переживал плохие времена. Он начал появляться в 16 веке, пока как часть жанровых живописных полотен, а в 17 веке, благодаря голландцам, перерос в самостоятельный жанр живописи. Очень популярен был в 18 и в первой половине 19 века, а потом, благодаря новаторским движениям в искусстве, популярность стала падать. Возрождение моды на натюрморт началось примерно в 20-х годах 20 века. Многие художники-представители современного искусства опять взялись за вазы и персики, но это уже были новые формы. Конечно, полностью жанр никогда не умирал, и сществовала (и сейчас существует) целая плеяда художников-натюрмортистов. Мы будем болтать об этом потом, а пока я умолкаю, только кое-что буду комментировать, а вы просто посмотрите редкие натюрморты авторов, которые писали их лишь изредка:
Валентин Серов «Сирень в вазе», 1887.
На его известных работах можно видеть только кусочек натюрморта — персики перед девочкой. Проникновеннейшему портретисту, видно, скучно было писать цветы и трупики птичек.
Исаак Левитан. «Лесные фиалки и незабудки», 1889. Гений русского пейзажа иногда писал и чудесные натюрморты. Но очень редко! Есть еще кувшин с одуванчиками — прелестный!
Василий Суриков «Букет».
Автор «Утра стрелецкой казни» любил размах и драматизм. Но сохранилось и это — немного наивные и очаровательные розочки.
Борис Кустодиев. «Натюрморт с фазанами «, 1915 . Нередко в его работах присутствуют огромные натюрморты — он рисовал купчих и румяных мужичков за столами, буквально ломящимися от яств. Да и вообще его жизнерадостные яркие полотна похожи на натюрморт, даже если это портрет, но вот отдельных изображений не купчихи, а ее завтрака, встречается немного.
Виктор Борисов-Мусатов «Сирень», 1902.
Мне очень нравятся его самобытные плотна, ни на чьи больше не похожие. Его всегда можно узнать, и в этом натюрморте — тоже .
Михаил Врубель «Цветы в синей вазе», 1886
Какой талант! Как до обидного мало успел! Цветы тоже шикарны, как и демоны.
Василий Тропинин «Дупель и снегирь», 1820-е.
Крепостной художник, похоже, относился к жанру натюрморта без особого почтения, и поэтому почти никогда его не рисовал. То, что вы видите — даже не полноценное полотно, а этюд.
Казимир Малевич. «Натюрморт» . А вы думали, и яблоки у него квадратные?
Иван Крамской «Букет цветов. Флоксы», 1884
Прямо на дачу захотелось — у меня там тоже летом были флоксы.
Василий Кандинский «Рыба на голубой тарелке». Еще не полностью все в закорючках, на картине прослеживаются глаза и даже рот, и они даже рядом!
Натан Альтман «Мимоза», 1927
Мне нравится. Что-то в этом есть.
Иван Шишкин, 1855 .
А где же мишки и лес?!
Еще хотела Петрова-Водкина вставить, но у него довольно много натюрмортов, как казалось. И у Машкова, Лентулова, Кончаловского, так что они для этого поста не подходят.
ЗАГРАНИЧНЫЕ:
Эгон Шиле «Натюрморт», 1918
А вы думали, он только голых несовершеннолетних рисовать умел?
Альфред Сислей. «Натюрморт с цаплей» . Мертвые птички — драма в быту.
Еще Сислей . Ну, люблю я его!
Гюстав Курбе. Яблоки и гранаты на блюде. 1871
Эдгар Дега «Женщина, сидящая у вазы с цветами», 1865
Не смотря на название, женщина занимает процентов 30 площади полотна, поэтому сочла это за натюрморт. А вообще, Дега намного больше цветов любил рисовать людей. Особенно балерин.
Эжен Делакруа. «Букет».
Ну, слава тебе Господи, никто никого не ест и ни в кого не стреляет!
Теодор Жерико «Натюрморт с тремя черепами»
Вообще, Жерико как-то подозрительно любил синие трупы и всяческую «расчлененку». И натюрморт у него соответствующий.
Камиль Писсарро «Натюрморт с яблоками и кувшином», 1872
Клод Моне «Натюрморт с грушами и виноградом», 1867.
Были у него натюрморты, были, но относительно немного.
Огюст Ренуар «Натюрморт с большой цветочной вазой», 1866
У него, по сравнением с остальными, здесь представленными, довольно много натюрмортов. И каких! Кто-то из его современников сказал, что у него отсутствуют грустные работы, и я его обожаю, поэтому сюда впихнула. А еще потому, что его натюрморты все-таки мало известны, намного меньше, чем все эти купальщицы и т.п.
А это знаете кто?! Пабло Пикассо! 1919 год.
Пабло был удивительно продуктивен! Огромное число картин! И среди них натюрморты занимают намного меньший процент, чем все остальное, да и то они были в основном «кубистические». Именно поэтому он попал в подборку. Чтобы вы поняли, насколько это был чокнутый (но, безусловно, талантливый!) и непостоянный человек, посмотрите на картину ниже. Это тоже он, и в тот же год!
Пабло Пикассо «Натюрморт на комоде», 1919
Поль Гоген «Окорок», 1889.
Таитянки позже пошли, он уехал на Таити через 2 года (сейчас допишу и пойду пороюсь в холодильнике).
Эдуард Мане «Гвоздики и клематис в хрустальной вазе», 1882
Есть еще чудесные работы, например «Розы в бокале шампанского», но натюрморты Мане в его наследии всегда на заднем плане. А зря, правда?
Франсуа Милле, 1860-е.
Просто обед всех его крестьян и жнецов.
Берта Моризо «Голубая ваза», 1888
Все-таки не удержалась!
Фредерик Базиль. «Натюрморт с рыбой», 1866
Просто и даже грубовато, но я, кажется, даже запах рыбы чувствую! Пойти, что ли, выбросить мусор?…
Анри «Таможенник» Руссо, «Букет цветов», 1910
Неожиданно по жанру, но неизменно по стилю. Простодушный таможенник всегда был верен себе.
Все, спасибо за внимание!
Как вам?
ПС. И все-таки Кузьма Петров-Водкин, ибо он прекрасен!:
Кузьма Петров-Водкин «Скрипка в футляре», 1916, Одесский музей Искусств
У него довольно много натюрмортов. Прекрасных, просто замечательных! Таких светлых, летних — обязательно посмотрите в Сети, отодвинте в сторону красного коня и прочую революционную атрибутику! Но, раз уж у нас пост про необычные натюрморты, я выбрала самый нетипичный для этого автора.
Еще раз спасибо за внимание!
10 современных художников, известных всему миру
Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.
Wojciech Babski
Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.
Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.
Warren Chang
Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.
Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.
Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.
Aurelio Bruni
Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.
Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.
Alekasander Balos
Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.
В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.
После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.
Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.
Alyssa Monks
Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.
Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.
“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.
Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.
Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.
Antonio Finelli
Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.
Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.
Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.
Flaminia Carloni
Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.
Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.
Denis Chernov
Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.
Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.
Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.
Iruvan Karunakaran
Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня. Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.
Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.
“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….
Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди. Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”
Vasiliy Hribennikov
Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.
Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.
Смотрите также:
Полезные уроки по живописи от Игоря Сахарова
Основы рисования: Инвентарь начинающего художника
Как начать рисовать чернилами
Осенние натюрморты известных художников. Известные натюрморты
Какая это странная живопись — натюрморт: она заставляет любоваться копией тех вещей, оригиналами которых не любуешься.
Блез Паскаль
И правда, задерживал ли Ты когда-нибудь взгляд на фруктах из кухонного стола? Ну… разве что, когда был голоден, правда? А вот картиной с фруктовой композицией или роскошным букетом цветов можно любоваться часами. Именно в этом — особая магия натюрморта.
В переводе с французского языка натюрморт означает «мертвая природа» (nature morte). Однако это лишь дословный перевод.
На самом деле натюрморт — это изображение неподвижных, застывших предметов (цветов, овощей, фруктов, мебели, ковров и т. д.). Первые натюрморты встречаются на фресках Древней Греции и Древнего Рима.
Натюрморт (фреска из Помпей) 63-79 г., Неаполь, Национальная галерея Каподимонте. Автор неизвестен.
Когда в гости к римлянину приходил друг, правила хорошего тона требовали, чтобы хозяин дома показал лучшее из своей серебряной посуды. Эту традицию ярко отражает натюрморт из гробницы Вестория Приска в Помпеях.
В центре композиции — сосуд для смешивания вина и воды, воплощение бога плодородия Диониса-Либера. По обе стороны на золотом столе симметрично расставлены кувшины, черпаки, рога для вина.
Однако натюрморт — это не только фрукты, овощи и цветы, но и… человеческий череп, призванный отразить быстротечность человеческой жизни. Именно так представляли натюрморт сторонники жанра «Ванитас», представители ранней стадии развития натюрморта.
Выдающийся пример — аллегорический натюрморт голландского художника Виллема Класа Хеды , где рядом с черепом изображена трубка — символ неуловимости земных наслаждений, стеклянный сосуд — отражение хрупкости жизни, ключи — символ власти домашней хозяйки, управляющей запасами. Нож символизирует уязвимость жизни, а жаровня, в которой едва теплятся угли, значит ее угасание.
Суета сует. Ванитас, 1628, Виллем Клас Хеда.
Виллема Хеду по праву называют «мастером завтраков». С помощью интересной расстановки пищи, посуды и кухонных принадлежностей художник удивительно точно передавал настроение картин. А его мастерство изображать блики света на идеально гладких поверхностях серебряных чаш и стеклянных кубков поражала даже именитых современников художника.
Невероятно, насколько точно и деликатно Хеда умел передавать каждую мелочь: игру света, особенности формы, цвета предметов. Во всех картинах голландца — таинственность, поэтичность, искреннее восхищение миром предметов.
Натюрморты известных художников
Натюрмортом часто увлекались знаменитые художники. Именно о мастерах кисти и об их восхитительных произведениях я расскажу Тебе дальше.
Пабло Пикассо — самый дорогой художник мира
Уникальный и неподражаемый — именно так называют выдающегося испанского художника ХХ в. Пабло Пикассо. Каждая работа автора — тандем оригинального замысла и гениальности.
Натюрморт с букетом цветов, 1908 г.
Натюрморт с луковицами, 1908 г.
Кроме традиционно совершенных реалистичных, наполненных света и ярких красок, или же мрачных, выполненных в голубовато-серых тонах натюрмортов, Пикассо увлекался кубизмом . Художник раскладывал предметы или героев своих картин на мелкие геометрические фигуры.
И хотя искусствоведы не признали кубизм Пикассо, сейчас его работы прекрасно продаются и принадлежат самым богатым коллекционерам мира.
Гитара и ноты, 1918 г.
Эксцентричный Винсент Ван Гог
Наряду со знаменитой «Звездной ночью» серия картин с подсолнухами стала уникальным символом творчества Ван Гога. Художник планировал украсить подсолнухами свой дом в Арле к приезду друга Поля Гогена.
«Небеса — восхитительного голубого цвета. Солнечные лучи — бледно-желтые. Это мягкое, волшебное сочетание небесной лазури и желтых тонов из картин Вермеера Делфтского… Я не могу написать что-то столь прекрасное…» — обреченно говорил Ван Гог. Возможно, именно поэтому художник рисовал подсолнухи бесчисленное количество раз.
Ваза с 12 подсолнухами, 1889 г.
Несчастная любовь, бедность и непринятие его творчества побуждают художника к безумным поступкам и изрядно подрывают здоровье. Но о живописи талантливый художник упорно писал: «Даже если я упаду девяносто девять раз, я все равно поднимусь в сотый раз».
Натюрморт с красными маками и ромашками. Овер, июнь 1890 г .
Ирисы. Сен-Реми, май 1890 г.
Всеохватывающие натюрморты Поля Сезанна
«Я хочу вернуть природе вечность», — любил повторять великий французский художник Поль Сезанн. Художник изображал не случайную игру света и тени, не меняющиеся, а постоянные характеристики предметов.
Стремясь показать предметы со всех сторон, он описывает их так, что зритель любуется натюрмортом, словно под разными углами. Мы видим стол сверху, скатерть и фрукты — сбоку, ящик в столе — снизу, а кувшин — с разных сторон одновременно.
Персики и груши, 1895 г.
Натюрморт с вишнями и персиками, 1883-1887 гг.
Натюрморты современных художников
Палитра цветов и самых разнообразных оттенков позволяет нынешним мастерам натюрморта достичь невероятной реалистичности и красоты. Хочешь полюбоваться впечатляющими картинами талантливых современников?
Британец Сесил Кеннеди
От картин этого художника невозможно оторвать взгляд — настолько чарует его разнотравье! М-м-м… Кажется, я уже чувствую запах этих удивительно красивых цветов. А Ты?
Сесила Кеннеди по праву считают самым выдающимся британским художником современности. Обладатель нескольких престижных премий и любимец многих «сильных мира сего», Кеннеди все же стал известным, только когда ему исполнилось далеко за 40.
Бельгийский художник Джулиан Стапперс
Сведения о жизни бельгийского художника Джулиана Стапперса скудны, чего не скажешь о его картинах. Жизнерадостные натюрморты художника — в коллекциях самых богатых людей мира.
Грегори Ван Раальте
Современный американский художник Грегори Ван Раальте особое внимание обращает на игру света и тени. Художник убежден, что свет должен падать не прямо, а через лес, листья деревьев, лепестки цветов, или отображаться от поверхности воды.
Талантливый художник живет в Нью-Йорке. Увлекается рисованием натюрмортов в технике акварель.
Иранский художник Али Акбар Садехи
Ali Akbar Sadeghi — один из самых успешных иранских художников. В своих работах он искусно сочетает композиции традиционных иранских картин, персидские культурные мифы с иконописью и искусством витража.
Натюрморты современных украинских художников
Что ни говори, а в украинских мастеров кисти — свое, уникальное видение его величества натюрморта. И сейчас я Тебе это докажу.
Сергей Шаповалов
Картины Сергея Шаповалова пестрят солнечными зайчиками. Каждый его шедевр наполнен светом, добром и любовью к родной земле. А родился художник в селе Ингуло-Каменка Новгородковского района Кировоградской области.
Сергей Шаповалов – заслуженный художник Украины, член Национального союза художников.
Игорь Деркачев
Украинский художник Игорь Деркачев родился в 1945 году в Днепропетровске, где проживает и сейчас. Двадцать пять лет посещал художественную студию Дома культуры студентов им. Ю. Гагарина, сначала как студиец, а потом в качестве преподавателя.
Картины художника пронзены теплом,любовью к родным традициям и дарам природы. Эта особая теплота через картины автора передается и всем поклонникам его творчества.
Виктор Довбенко
По словам автора, его натюрморты — зеркало собственных чувств и настроений. В букетах роз, в россыпях васильков, астр и георгинов, в «душистых» лесных картинах — неповторимый летний аромат и бесценные дары богатющей природы Украины.
Как самостоятельный жанр живописи натюрморт возник в XVII веке в работах фламандских и голландских художников. До этого времени признавалась лишь его утилитарная, декоративная функция и исключалась возможность придания изображению более глубокого, философского смысла.
Для ранних натюрмортов характерна аллегория, главным композиционным элементом которой нередко становился человеческий череп – символ быстротечной и бренной жизни, неизбежно сменяющейся смертью. Изображенное на картине стекло являлось воплощением мыслей о хрупкости бытия, а курительная трубка напоминала о сиюминутности и неуловимости земных наслаждений. Но и в этот период внимание художников к живописной «мертвой природе»: цветам, фруктам, предметам быта — не ослабевало.
* * *В начале XVIII века натюрморт как самостоятельный, но «низший» жанр возник и в России. И если первоначально он рассматривался в качестве учебной постановки, то уже спустя столетие стал обретать большую смысловую наполненность. Подлинный и живой интерес к нему появляется в конце XIX — начале XX веков, когда натюрморты русских художников становятся воплощением нового видения и понимания жанра. Созданные полотна отражают поиск живописцами неиспользованных ранее возможностей в области сюжета и композиции, формы и цвета.
Одно из главных имен, связанных с жанром русского натюрморта, принадлежит И.И. Левитану, который неоднократно обращался к теме «мертвой природы». Но если его работы еще достаточно традиционны, то натюрморты известных художников К.А. Коровина и В.А. Серова написаны уже под влиянием новых взглядов и становятся средством передачи мироощущения отдельного человека.
Иллюстрацией этого утверждения служит картина К.А. Коровина «За чайным столом», в которой границы жанра практически стираются. Изображение посуды и других предметов трапезы искусно соединяется с пейзажем, портретом, интерьером. Примечателен и натюрморт с фруктами «Девочка с персиками» кисти В.А. Серова. Фрукты на нем, оставаясь по сути аксессуаром, являются определяющим элементом для всего живописного и эмоционального сюжета картины.
Другими яркими представителями жанра в разное время были И.Э Грабарь, К.С. Петров-Водкин, П.П. Кончаловский, И.И. Машков, А.Т. Зверев, Р.Р. Фальк.
И в современном искусстве натюрморт не теряет актуальности, оставляя мастерам простор для творческого вдохновения.
Индивидуальный и предельно личный взгляд на жанр получает воплощение в картинах Г.А. Лемана: гармонически-прекрасных, воздушных, практически невесомых.
Наравне с пейзажами, натюрморт в творчестве художника занимает одно из важных мест. Он рождается как результат пристального и постоянного наблюдения живописцем натуры, внимательного выбора мотивов и смыслов, неутомимой готовности воплощать на полотне ускользающую красоту окружающего мира. Каждая картина художника наполнена свежестью, благоуханностью, воздухом и солнечным светом, отчего в душе поселяется легкое и радостное чувство.
Натюрморты с цветами
Для Г.А. Лемана натюрморты с цветами – совершенно особое и вместе с тем личное направление в творчестве. Картины написаны исключительно на даче мастера в Тарусе в Калужской области, куда он на протяжении многих лет приезжает отдыхать и работать.
Есть у каждого натюрморта и своя маленькая семейная история. Все изображенные на полотнах цветы выращены заботливыми руками супруги художника – Татьяны Георгиевны Леман, вместе с которой Георгий Александрович счастливо прожил более полувека.
Внимание мастера сосредоточено именно на цветах, окружающих человека в течение всей жизни и символизирующих для него что-то значимое, личное.
Для Г.А. Лемана это не просто праздник природных красок и оттенков, но сокровищница дорогих воспоминаний и чувств. Яркие, насыщенные и пастельные, нежные цвета, пышные весенне-летние и осенние букеты воскрешают в памяти счастливые и добрые моменты, которыми полна жизнь каждого человека.
Георгий Леман «Осенний букет» 2005 год.
натюрморт маслом на холсте
Натюрморт Г.А. Лемана «Осенний букет» написан в 2005 году во время одной из поездок художника на дачу в Тарусе. Взгляду зрителя открывается две плоскости картины: теплый оранжево-коричневый фон, на котором выделяются красные и желтые головки цветов, и прохладная бело-голубая поверхность стола с сочными фруктами и стеклянным кувшином для букета.
Ничто не отвлекает внимания зрителя от созерцания уютного осеннего мотива. Букет несколько небрежен, а одно из яблок сорвано вместе с зеленой веточкой, что создает впечатление, будто их всего мгновение назад принесли в комнату. В этой легкой неаккуратности присутствует естественность и особая домашняя прелесть, которой так хочется любоваться.
Натюрморт (фр. nature morte — «мёртвая природа») — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.
Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV-XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта (см. vanitas). Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.
Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию — либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо — в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов — в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.
Нидерландский натюрморт XVII века
Нидерландский натюрморт представлял собой уникальное культурное явление XVII века, оказавшее влияние на дальнейшее развитие всей европейской живописи. «Малые голландцы» отразили в своих работах мир предметов, живущих своей тихой, застывшей жизнью. Термин «застывшая жизнь» (голл. stilleven, нем. stilleben, англ. still-life) стал употребляться для обозначения жанра в середине XVII века, поначалу в Нидерландах. До этого художники называли подобные картины, описывая сюжет: «Маленький завтрак», «Букет цветов», «Охотничий трофей», «Суета сует». Основной перевод указанного термина, встречающийся в литературе — «тихая, неподвижная жизнь».
Натюрморт в русской живописи 18-20 веков
Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII века. Представление о нем первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца 19 века натюрморт, в отличии от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве «низшего» жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.
Начало ХХ века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.
В 30-40-е годы ХХ столетия это развитие приостановилось, но уже с середины 50-х годов натюрморт переживает в советской живописи новый подъем и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.
Русские натюрмористы
- Хруцкий Иван Фомич (1810-1885)
- Грабарь Игорь Эммануилович (1871-1960)
- Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878-1939)
- Кончаловский Пётр Петрович (1876-1956)
- Альберти Петр Филиппович (1913-1994)
- Антипова Евгения Петровна (1917-2009)
- Захаров Сергей Ефимович (1900-1993)
- Копытцева Майя Кузьминична (1924-2005)
- Котьянц Геворк Вартанович (1906-1996)
- Крестовский Ярослав Игоревич (1925-2003)
- Осипов Сергей Иванович (1915-1985)
- Позднеев Николай Матвеевич (1930-1978)
- Румянцева Капитолина Алексеевна (1925-2002)
- Скуинь Елена Петровна (1909-1986)
- Тетерин Виктор Кузьмич (1922-1991)
- Шаманов Борис Иванович (1931-2008)
Натюрморт в живописи — изображения статичных неживых предметов, объединенных в единый ансамбль. Натюрморт может быть представлен как независимое полотно, но иногда становится частью композиции жанровой сцены или целой картины.
Что такое натюрморт?
Такая живопись выражается в субъективном отношении человека к миру. Это показывает присущее мастеру понимание красоты, которая становится воплощением общественных ценностей и эстетическим идеалом времени. Натюрморт в живописи постепенно трансформировался в отдельный значимый жанр. Этот процесс занял не одну сотню лет, а каждое новое поколение художников понимало полотна и цвет согласно веяниям эпохи.
Роль натюрморта в композиции картины никогда не исчерпывается простой информацией, случайным дополнением к основному содержанию. В зависимости от исторических условий и общественных запросов предметы могут принимать более или менее активное участие в создании композиции или отельного образа, заслоняя ту или иную цель. Натюрморт в живописи как самостоятельный жанр призван достоверно передавать красоту вещей, ежедневно окружающих человека.
Иногда отдельная деталь или элемент вдруг приобретает глубокое значение, получает свой собственный смысл и звучание.
История
Как старый и почитаемый жанр натюрморт в живописи знавал взлеты и головокружительные падения. Суровый, аскетичный и минималистичный помогал создавать бессмертные монументальные обобщенные возвышенно-героические образы. Скульпторы с необычайной выразительностью наслаждались изображением отдельных объектов. Виды натюрморта в живописи и всевозможные классификации зародились в период становления искусствоведения, хотя полотна существовали задолго до написания первого учебника.
Иконописные традиции и натюрморты
В древней русской иконописи большую роль играли те немногие вещи, которые художник осмеливался внести в строгий лаконизм канонических произведений. Они способствуют проявлению всего непосредственного и демонстрируют выражение чувств в работе, посвященной абстрактному или мифологическому сюжету.
Виды натюрморта в живописи существуют отдельно от иконописных произведений, хотя строгий канон и не запрещает изображение некоторых предметов, присущих жанру.
Ренессанс натюрморта
Тем не менее, большую роль играют произведения XV-XVI веков в эпоху Возрождения. Живописец впервые обратил внимание на мир вокруг себя, стремился определить значение каждого элемента на службе человечества.
Современная живопись, натюрморт как популярный и любимый жанр зародились в период Триченто. Бытовые предметы приобрели определенное благородство и значимость владельца, которому они служили. На больших полотнах натюрморт, как правило, выглядит весьма скромно и неброско — стеклянная банка с водой, серебро изящной вазы или нежные лилии на тонких стеблях чаще ютились в темном углу картины, как бедные и позабытые родственники.
Тем не менее, в образе прекрасных и близких вещей было столько любви в стихотворной форме, что современная живопись, натюрморт и его роль в ней уже несмело проглядывали через прорехи пейзажей и тяжелые портьеры жанровых сцен.
Переломный момент
Субъекты получили реальный элемент в картинах и новое значение в 17-м веке — в эпоху, когда преобладал и доминировал натюрморт с цветами. Живопись такого рода приобрела многочисленных поклонников среди дворянства и духовенства. В сложных композициях с выраженной литературной сюжетной линией сцены получили свое место наряду с главными героями. Анализируя произведения эпохи, легко заметить, что важная роль натюрморта аналогичным образом проявилась в литературе, театре и скульптуре. Вещи начали «действовать» и «жить» в этих работах — их показывали как главных героев, демонстрируя самые лучшие и выгодные стороны предметов.
Объекты искусства, сделанные трудолюбивыми и талантливыми мастерами, несут на себе личностный отпечаток мыслей, желаний, влечений конкретного человека. живопись лучше всех психологических тестов помогают отследить психоэмоциональное состояние и достичь внутренней гармонии и целостности.
Вещи преданно служат человеку, перенимая его восторг предметами быта и вдохновляя владельцев на приобретение новых красивых, изящных мелочей.
Фламандский ренессанс
Живопись гуашью, натюрморт как жанр люди приняли не сразу. История появления, развития и повсеместного внедрения различных идей и принципов служит напоминанием о постоянном развитии мысли. Натюрморт стал известен и вошел в моду в середине 17-го столетия. жанра началась в Нидерландах, яркой и праздничной Фландрии, где сама природа располагает к красоте и веселью.
Живопись гуашью, натюрморты пышным цветом расцвели во времена грандиозных перемен, полнейшей смены политических, общественных и религиозных институтов.
Фландрское течение
Буржуазное направление развития Фландрии стало новинкой и прогрессом для всей Европы. Перемены в политической жизни привели к аналогичным нововведениям в культуре — открывшиеся перед деятелями искусства горизонты теперь не ограничивались религиозными запретами и не поддерживались соответствующими традициями.
Натюрморт как стал флагманом нового искусства, воспевавшего все естественное, яркое и прекрасное. Строгие каноны католицизма более не сдерживали полет фантазии и любознательность живописцев, а потому наряду с искусством начали развиваться наука и технологии.
Обычные бытовые вещи и предметы, ранее считавшиеся низменными и недостойными упоминания, в одночасье вознеслись до объектов пристального изучения. Декоративная живопись, натюрморт и пейзажи стали настоящим зеркалом жизни — повседневного распорядка, рациона, культуры, представлений о прекрасном.
Свойства жанра
Именно отсюда, из сознательного, углубленного изучения окружающего мира развился отдельный жанр бытовой живописи, пейзажа, натюрморта.
Искусство, обретшее определенные каноны в 17-м веке, определило основное качество жанра. Картина, посвященная миру вещей, описывает основные свойства, присущие объектам, которые окружают человека, показывает отношение мастера и его гипотетического современника к тому, что показано, выражает характер и полноту знаний о действительности. Художник обязательно передавал материальное существование вещей, их объем, вес, фактуры, цвета, функциональное назначение предметов быта и их жизненную связь с деятельностью человека.
Задачи и проблемы натюрморта
Декоративная живопись, натюрморт и бытовые сцены впитали в себя новые тенденции эпохи — уход от канонов и одновременное сохранение консервативного натурализма изображения.
Натюрморт революционной эпохи времен полной победы буржуазии отражает уважение художника к новым формам национальной жизни соотечественников, уважение к труду простых ремесленников, преклонение перед прекрасными образами красоты.
Сформулированные в 17-м веке проблемы и задачи жанра в целом не обсуждались в европейских школах вплоть до середины 19-го в. Между тем художники постоянно ставили перед собой новые и новые задачи, а не продолжали механически воспроизводить готовые композиционные решения и цветовые схемы.
Современные полотна
Фото натюрмортов для живописи, подготовленных в современных студиях, наглядно демонстрируют разницу между восприятием мира современником и человеком средних веков. Динамика объектов сегодня превосходит все мыслимые пределы, а статика предметов была нормой для того времени. Колористические комбинации 17-го века отличаются яркостью и чистотой цвета. Насыщенные оттенки гармонично вписываются в композицию и подчеркивают задумку и идею художника. Отсутствие любых канонов не лучшим образом повлияло на натюрморты 20-21-го веков, иногда поражающие воображение своей неприглядностью или нарочитой пестротой.
Методы решения проблем натюрморта стремительно меняются каждое десятилетие, способы и техника не успевают за фантазией признанных и не очень мастеров.
Ценность сегодняшних полотен состоит в выражении реальности глазами художников-современников; посредством воплощения на холсте возникают новые миры, которые смогут многое рассказать о своих создателях людям будущего.
Влияние импрессионизма
Следующей вехой истории натюрмортов стал импрессионизм. Вся эволюция направления отразилась на композициях через цвета, технику и понимание пространства. Последние романтики тысячелетия переносили на холст жизнь, как она есть — быстрые, яркие штрихи и выразительные детали стали краеугольными камнями стиля.
Живопись, натюрморты современных художников непременно несут в себе отпечаток вдохновителей-импрессионистов посредством цвета, способов и техник изображения.
Отход от стандартных канонов классицизма — трех планов, центральной композиции и исторических героев — позволил художникам развить собственное восприятие цвета и света, а также доступно и наглядно продемонстрировать свободный полет эмоций зрителям.
Основные задачи импрессионистов — изменение живописной техники и психологического содержания картины. И сегодня, даже зная обстановку той эпохи, трудно найти правильный ответ на вопрос о том, почему импрессионистские пейзажи, такие же радостные и бесхитростные, как стихи, вызывали резкое неприятие и грубые насмешки переборчивых критиков и просвещенной публики.
Импрессионистская живопись не вписалась в рамки общепринятого, поэтому натюрморты и пейзажи воспринимались как что-то вульгарное, недостойное признания наряду с прочими отбросами высокого искусства.
Художественная выставка, ставшая своеобразной миссионерской деятельностью для известных художников того времени, смогла достучаться до сердец и продемонстрировать красоту и изящество Изображения предметов и объектов всеми доступными средствами стали привычным делом даже в стенах грозных заведений, исповедующих одни лишь принципы классического искусства. Триумфальное шествие натюрмортов не прекращается с конца 19-го века, а разнообразие жанров и техник сегодня позволяет не бояться любых экспериментов с цветом, фактурами и материалами.
Натюрморт в живописи: разновидности и описание
Натюрморт в живописи — изображения статичных неживых предметов, объединенных в единый ансамбль. Натюрморт может быть представлен как независимое полотно, но иногда становится частью композиции жанровой сцены или целой картины.
Что такое натюрморт?
Такая живопись выражается в субъективном отношении человека к миру. Это показывает присущее мастеру понимание красоты, которая становится воплощением общественных ценностей и эстетическим идеалом времени. Натюрморт в живописи постепенно трансформировался в отдельный значимый жанр. Этот процесс занял не одну сотню лет, а каждое новое поколение художников понимало полотна и цвет согласно веяниям эпохи.
Роль натюрморта в композиции картины никогда не исчерпывается простой информацией, случайным дополнением к основному содержанию. В зависимости от исторических условий и общественных запросов предметы могут принимать более или менее активное участие в создании композиции или отельного образа, заслоняя ту или иную цель. Натюрморт в живописи как самостоятельный жанр призван достоверно передавать красоту вещей, ежедневно окружающих человека.
Иногда отдельная деталь или элемент вдруг приобретает глубокое значение, получает свой собственный смысл и звучание.
История
Как старый и почитаемый жанр натюрморт в живописи знавал взлеты и головокружительные падения. Суровый, аскетичный и минималистичный византийский стиль помогал создавать бессмертные монументальные обобщенные возвышенно-героические образы. Скульпторы с необычайной выразительностью наслаждались изображением отдельных объектов. Виды натюрморта в живописи и всевозможные классификации зародились в период становления искусствоведения, хотя полотна существовали задолго до написания первого учебника.
Иконописные традиции и натюрморты
В древней русской иконописи большую роль играли те немногие вещи, которые художник осмеливался внести в строгий лаконизм канонических произведений. Они способствуют проявлению всего непосредственного и демонстрируют выражение чувств в работе, посвященной абстрактному или мифологическому сюжету.
Виды натюрморта в живописи существуют отдельно от иконописных произведений, хотя строгий канон и не запрещает изображение некоторых предметов, присущих жанру.
Ренессанс натюрморта
Тем не менее, большую роль играют произведения XV-XVI веков в эпоху Возрождения. Живописец впервые обратил внимание на мир вокруг себя, стремился определить значение каждого элемента на службе человечества.
Современная живопись, натюрморт как популярный и любимый жанр зародились в период Триченто. Бытовые предметы приобрели определенное благородство и значимость владельца, которому они служили. На больших полотнах натюрморт, как правило, выглядит весьма скромно и неброско — стеклянная банка с водой, серебро изящной вазы или нежные лилии на тонких стеблях чаще ютились в темном углу картины, как бедные и позабытые родственники.
Тем не менее, в образе прекрасных и близких вещей было столько любви в стихотворной форме, что современная живопись, натюрморт и его роль в ней уже несмело проглядывали через прорехи пейзажей и тяжелые портьеры жанровых сцен.
Переломный момент
Субъекты получили реальный элемент в картинах и новое значение в 17-м веке — в эпоху, когда преобладал и доминировал натюрморт с цветами. Живопись такого рода приобрела многочисленных поклонников среди дворянства и духовенства. В сложных композициях с выраженной литературной сюжетной линией сцены получили свое место наряду с главными героями. Анализируя произведения эпохи, легко заметить, что важная роль натюрморта аналогичным образом проявилась в литературе, театре и скульптуре. Вещи начали «действовать» и «жить» в этих работах — их показывали как главных героев, демонстрируя самые лучшие и выгодные стороны предметов.
Объекты искусства, сделанные трудолюбивыми и талантливыми мастерами, несут на себе личностный отпечаток мыслей, желаний, влечений конкретного человека. Натюрморт с цветами, живопись лучше всех психологических тестов помогают отследить психоэмоциональное состояние и достичь внутренней гармонии и целостности.
Вещи преданно служат человеку, перенимая его восторг предметами быта и вдохновляя владельцев на приобретение новых красивых, изящных мелочей.
Фламандский ренессанс
Живопись гуашью, натюрморт как жанр люди приняли не сразу. История появления, развития и повсеместного внедрения различных идей и принципов служит напоминанием о постоянном развитии мысли. Натюрморт стал известен и вошел в моду в середине 17-го столетия. Линия жизни жанра началась в Нидерландах, яркой и праздничной Фландрии, где сама природа располагает к красоте и веселью.
Живопись гуашью, натюрморты пышным цветом расцвели во времена грандиозных перемен, полнейшей смены политических, общественных и религиозных институтов.
Фландрское течение
Буржуазное направление развития Фландрии стало новинкой и прогрессом для всей Европы. Перемены в политической жизни привели к аналогичным нововведениям в культуре – открывшиеся перед деятелями искусства горизонты теперь не ограничивались религиозными запретами и не поддерживались соответствующими традициями.
Натюрморт как жанр живописи стал флагманом нового искусства, воспевавшего все естественное, яркое и прекрасное. Строгие каноны католицизма более не сдерживали полет фантазии и любознательность живописцев, а потому наряду с искусством начали развиваться наука и технологии.
Обычные бытовые вещи и предметы, ранее считавшиеся низменными и недостойными упоминания, в одночасье вознеслись до объектов пристального изучения. Декоративная живопись, натюрморт и пейзажи стали настоящим зеркалом жизни – повседневного распорядка, рациона, культуры, представлений о прекрасном.
Свойства жанра
Именно отсюда, из сознательного, углубленного изучения окружающего мира развился отдельный жанр бытовой живописи, пейзажа, натюрморта.
Искусство, обретшее определенные каноны в 17-м веке, определило основное качество жанра. Картина, посвященная миру вещей, описывает основные свойства, присущие объектам, которые окружают человека, показывает отношение мастера и его гипотетического современника к тому, что показано, выражает характер и полноту знаний о действительности. Художник обязательно передавал материальное существование вещей, их объем, вес, фактуры, цвета, функциональное назначение предметов быта и их жизненную связь с деятельностью человека.
Задачи и проблемы натюрморта
Декоративная живопись, натюрморт и бытовые сцены впитали в себя новые тенденции эпохи – уход от канонов и одновременное сохранение консервативного натурализма изображения.
Натюрморт революционной эпохи времен полной победы буржуазии отражает уважение художника к новым формам национальной жизни соотечественников, уважение к труду простых ремесленников, преклонение перед прекрасными образами красоты.
Сформулированные в 17-м веке проблемы и задачи жанра в целом не обсуждались в европейских школах вплоть до середины 19-го в. Между тем художники постоянно ставили перед собой новые и новые задачи, а не продолжали механически воспроизводить готовые композиционные решения и цветовые схемы.
Современные полотна
Фото натюрмортов для живописи, подготовленных в современных студиях, наглядно демонстрируют разницу между восприятием мира современником и человеком средних веков. Динамика объектов сегодня превосходит все мыслимые пределы, а статика предметов была нормой для того времени. Колористические комбинации 17-го века отличаются яркостью и чистотой цвета. Насыщенные оттенки гармонично вписываются в композицию и подчеркивают задумку и идею художника. Отсутствие любых канонов не лучшим образом повлияло на натюрморты 20-21-го веков, иногда поражающие воображение своей неприглядностью или нарочитой пестротой.
Методы решения проблем натюрморта стремительно меняются каждое десятилетие, способы и техника не успевают за фантазией признанных и не очень мастеров.
Ценность сегодняшних полотен состоит в выражении реальности глазами художников-современников; посредством воплощения на холсте возникают новые миры, которые смогут многое рассказать о своих создателях людям будущего.
Влияние импрессионизма
Следующей вехой истории натюрмортов стал импрессионизм. Вся эволюция направления отразилась на композициях через цвета, технику и понимание пространства. Последние романтики тысячелетия переносили на холст жизнь, как она есть – быстрые, яркие штрихи и выразительные детали стали краеугольными камнями стиля.
Живопись, натюрморты современных художников непременно несут в себе отпечаток вдохновителей-импрессионистов посредством цвета, способов и техник изображения.
Отход от стандартных канонов классицизма — трех планов, центральной композиции и исторических героев – позволил художникам развить собственное восприятие цвета и света, а также доступно и наглядно продемонстрировать свободный полет эмоций зрителям.
Основные задачи импрессионистов — изменение живописной техники и психологического содержания картины. И сегодня, даже зная обстановку той эпохи, трудно найти правильный ответ на вопрос о том, почему импрессионистские пейзажи, такие же радостные и бесхитростные, как стихи, вызывали резкое неприятие и грубые насмешки переборчивых критиков и просвещенной публики.
Импрессионистская живопись не вписалась в рамки общепринятого, поэтому натюрморты и пейзажи воспринимались как что-то вульгарное, недостойное признания наряду с прочими отбросами высокого искусства.
Художественная выставка, ставшая своеобразной миссионерской деятельностью для известных художников того времени, смогла достучаться до сердец и продемонстрировать красоту и изящество необычных картин. Изображения предметов и объектов всеми доступными средствами стали привычным делом даже в стенах грозных заведений, исповедующих одни лишь принципы классического искусства. Триумфальное шествие натюрмортов не прекращается с конца 19-го века, а разнообразие жанров и техник сегодня позволяет не бояться любых экспериментов с цветом, фактурами и материалами.
10 самых известных натюрмортов известных художников
Натюрморт — жанр, который приобрел известность в западном искусстве к концу 16 века и с тех пор остается важным жанром. Натюрморты классифицируются по изображению обычных предметов, которые могут быть естественными, например, цветы, фрукты и т. Д., Или рукотворными, например, очки, музыкальные инструменты и т. Д. Вот список из 10 самых известных натюрмортов, выполненных известными художниками жанр, включая Шардена, Поля Сезанна, Ван Гога и Джорджо Моранди.
# 10 Натюрморт серии
Автор: Том Вессельманн
Год: 1962
Одна из картин «Натюрморт» Тома ВессельманаPop Art Movement появилась в 1950-х годах и использовала узнаваемые образы из популярной культуры. Среди самых популярных произведений поп-арта — серия «Натюрморт» Тома Вессельмана. Его натюрморты изображают элементы современного мира, а не фрукты и овощи предыдущих поколений художников этого жанра.Эта работа (Натюрморт № 30) представляет собой сочетание живописи, скульптуры и коллажа коммерческих этикеток, найденных Томом на улице.
# 9 Vanitas со скрипкой и стеклянным шаром
Автор: Питер Клас
Год: 1628
Ванитас со скрипкой и стеклянным шаром (1628) — Питер КласПитер Клас, работавший в течение года Золотого века Голландии года, был одним из ведущих художников-натюрмортов своего времени.Он известен vanitas или натюрмортами, которые содержат символы смерти или перемены как напоминание об их неизбежности. Это его самая известная картина. На нем изображено множество объектов, наиболее интересно — стеклянная сфера на заднем плане, на которой Клас сидит за мольбертом, выполняя роль автопортрета.
# 8 Корзина фруктов
Автор: Караваджо
Год: г. 1599
Корзина с фруктами (1599) — КараваджоКараваджо был пионером реалистичного изображения и драматического использования освещения в картинах.Он применил свой натурализм к натюрмортам, и поэтому «Корзина фруктов» отличается от предыдущих картин этого жанра. Помимо явно фотографического изображения, картина отмечена испорченными фруктами , которые, по-видимому, были съедены насекомыми. Спорный вопрос, писал ли мастер то, что было доступно, или он пытался передать более глубокий смысл.
# 7 Natura Morta (Натюрморт)
Автор: Джорджо Моранди
Год: 1956
Natura Morta (1951) — Джорджио МорандиДжорджо Моранди был ведущим натюрмортами двадцатого века и одним из величайших итальянских художников своей эпохи.Его натюрморты известны своим бесхитростным сюжетом, приглушенными красками и простотой исполнения. Маранди использовал одно и то же название « Natura Morta », итальянское название «натюрморт», для всех своих работ в этом жанре. Вышеупомянутая картина — одна из многих его знаменитых работ, известных своей поэтичностью и яркостью.
# 6 Корзина яблок
Автор: Поль Сезанн
Год: 1895
Корзина яблок (1895) — Поль СезаннЗа исключением короткого периода в Северной Европе 17-го века, натюрморт был забытым жанром, несмотря на усилия Жана-Батиста Шардена.Именно Поль Сезанн почти в одиночку поднял его до такой высоты, что он стал популярным предметом для будущих художников, включая Пикассо, Матисса, Моранди и Брака. Эта картина является ярким примером его работ, в которых он использовал такие техники, как две точки зрения, которые должны были изменить направление искусства. Картина также известна своими несбалансированными частями, такими как названная бутылка, наклонная корзина и фрукты, которые вот-вот упадут.
# 5 Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой
Автор: Франсиско де Сурбаран
Год: 1633
Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой (1633) — Франсиско де СурбаранФрансиско де Сурбаран более известен своими религиозными картинами, но он также был одним из самых влиятельных художников-натюрмортов.Эта картина считается шедевром жанра и является единственным полотном, когда-либо подписанным и датированным испанским мастером. Три объекта на картине аккуратно расставлены и светятся на темном фоне. Принято считать, что в картине присутствует религиозный символизм.
# 4 Луч (La raie)
Автор: Жан-Батист-Симеон Шарден
Год: 1728
Луч (1728) — Жан-Батист-Симеон ШарденЖан-Батист-Шарден считается величайшим художником в натюрмортах. Жан-Батисту Шардену приписывают продвижение натюрморта, который бросил вызов другим устоявшимся жанрам.Луч был его шедевром, с помощью которого он привлек будущие поколения художников к натюрмортам. Картина содержит несколько новых элементов, наиболее заметно представленных в виде живого существа в форме кошки . Его широко изучали, восхищались и копировали будущие художники, включая Анри Матисса.
# 3 Скрипка и подсвечник
Автор: Жорж Брак
Год: 1910
Скрипка и подсвечник (1910) — Жорж БракЖорж Брак вместе с Пикассо стал соучредителем доминирующего художественного стиля двадцатого века, Кубизм .Хотя начинал он с пейзажей, позже он перешел к натюрмортам. Этот шедевр является примером Аналитического кубизма , первой фазы кубизма, которая была короткой, но влиятельной. Элементы на картине изображены в простых формах с использованием нескольких точечных перспектив, и она написана в монохроматическом стиле, то есть используются разные тона одного цвета.
# 2 Rideau, Cruchon et Compotier
Автор: Поль Сезанн
Год: 1894
Rideau, Cruchon et Compotier (Кувшин, занавес и ваза с фруктами) (1894) — Поль СезаннПоль Сезанн считается величайшим мастером натюрморта, и эта работа является его самой знаменитой картиной в жанре.Технически он отличается двойной перспективой, которую создает Сезанн, а визуально очаровывает зрителя красиво нарисованными несбалансированными частями. Картины Сезанна этого типа считаются прелюдией к нескольким видам искусства двадцатого века, включая кубизм Пикассо. По состоянию на 2105 год эта картина является -м самым дорогим натюрмортами, когда-либо проданными на аукционе .
# 1 Подсолнухи серии
Автор: Винсент Ван Гог
Год: 1888
Ваза с пятнадцатью подсолнухами (1888) — Винсент Ван ГогВинсент Ван Гог считается мастером натюрморта, а его серия картин на тему «подсолнухи» входит в число самых известных когда-либо созданных натюрмортов.Картины хорошо известны тем, что изображают естественную красоту цветов и их яркие цвета. Вышеупомянутая картина под названием « Ваза с пятнадцатью подсолнухами » побила аукционный рекорд картины, когда она была продана японскому инвестору почти за 40 миллионов долларов в марте 1987 года.
10 самых известных натюрмортов
По мнению большинства историков, натюрморты начали завоевывать мир искусства примерно в 16 веке.В то время, когда другие художники все еще были сосредоточены на рисовании портретов религиозного и исторического значения, натюрморты стали появляться как уникальный метод придания нового акцента и значения кажущимся повседневным предметам.
Некоторые из величайших художников-натюрмортов рисовали такие приземленные предметы и предметы, как кувшины, чаши и другие сцены из повседневной жизни, в то время как другие сосредотачивались на других неодушевленных предметах, таких как цветы, очки и зеркала. Многие из этих художников по-разному использовали свет, влияющий на внешний вид определенных объектов.
Некоторые из самых известных художников в истории часто были связаны с жанром натюрморта. Такие художники, как Винсент Ван Гог, Поль Сезанн и Анри Матисс баловались натюрмортами и тем самым сформировали будущее искусства в живописи и других средах.
Самыми известными натюрмортами являются те, которые широко известны любителям искусства. Вот 10 самых известных когда-либо созданных натюрмортов.
Известные натюрморты
1.
Подсолнухи — Ван ГогНесмотря на свою борьбу с психическим здоровьем, Винсент Ван Гог считается мастером живописи, особенно работ, относящихся к натюрмортам.
Художник обладал сверхъестественной способностью выбирать обычные предметы и раскрашивать их таким образом, чтобы возобновить интерес и выделить некоторые из лучших качеств таких вещей, как цветы или кухонная утварь.
Работа Ван Гога «Подсолнухи» — одна из таких картин, которая была частью большой серии, посвященной исключительно сложной природе подсолнечника.
Также читайте: Известные цветочные картины
Ван Гог нарисовал подсолнухи таким образом, чтобы они вдохнули новую жизнь в растения и подчеркнули каждую форму и контур на каждом стебле и листе. Написал свои работы в 1889 году во французском городке Овен. На каждой картине изображена коллекция подсолнухов, помещенных в вазу.
Известно, что он написал некоторые из этих работ, в то время как другой известный художник, Поль Гоген, жил с ним в Желтом доме.
Гоген описал «Подсолнухи» как «полностью Винсент», отметив, что картины освещали цветы таким образом, что по-новому оценивали множество различных оттенков, содержащихся в каждом лепестке.
2.
Кувшин, занавес и ваза для фруктов — Поль СезаннМногие искусствоведы и энтузиасты спорят о том, был ли Поль Сезанн или Ван Гог большим мастером в натюрмортах.
Независимо от личного мнения, нельзя отрицать, что Сезанн создал одни из величайших картин в жанре натюрморта.Его способность рисовать натюрморты с поразительным уровнем реализма в полной мере проявляется в его работе «Кувшин, занавес и ваза с фруктами».
Сезанн написал эту работу в 1894 году, и она была отмечена за уникальную манеру, в которой художник дополняет композицию со сбалансированной перспективой. Эта конкретная работа — одна из самых дорогих и известных картин с фруктами, когда-либо проданных на аукционах, собрав более 60 миллионов долларов в 1999 году.
При более внимательном рассмотрении картины у зрителя возникает ощущение, будто он может протянуть руку и схватить одну из созревших груш или яблок.Многие искусствоведы высоко оценили способность Сезанна уравновешивать цвета каждого фрукта, которые варьируются от оттенков оранжевого до темно-зеленого.
3.
Скрипка и подсвечник — Жорж БракЖорж Брак был одним из основателей движения кубизм, которое сосредоточилось на уникальном воплощении углов и геометрических форм. Художник смешал этот стиль с натюрмортами в некоторых своих кубистических картинах, прежде всего в картине «Скрипка и подсвечник».
Написанная в 1910 году, эта работа привносит странную энергетику в мирскую сцену, написанную в довольно тусклых тонах. Брак применил подход к рисованию каждого объекта с помощью специальной техники сглаживания, которая дает общую повышенную оценку скрипке и подсвечнику, поскольку каждый из них концептуализирован во многих разных ракурсах.
Брак отметил, что хотел, чтобы зритель увидел картину с обновленным чувством формы и границ. Художники рисовали формы около самого центра холста, что заставляло зрителей фокусироваться в этом направлении, видя новые перспективы каждого объекта в постоянно меняющейся сцене.
4.
Натюрморт с фруктами в фарфоре — Якоб Ван ЭсВ то время как многие художники писали работы, посвященные фруктам и овощам, немногие из них обладали способностью Джейкоба Ван Эса создавать изображения, которые были почти аппетитными с невероятным уровнем реалистичности изображения. Его работа под названием «Натюрморт с фруктами в фарфоре» изображает различные фрукты, положенные на стол, с мягким светом, подчеркивающим форму каждой части картины.
Художник фламандского барокко закончил работу в 1630 году, и она осталась одним из самых известных натюрмортов в истории. Ван Эс продемонстрировал свое мастерство света и тьмы, а также естественную окраску каждого фрукта и овоща на картине.
Картина предлагает отличительный вид изображенных предметов, поскольку цвета, кажется, переходят от тускло-желтого к яркому красному. Многие критики говорят, что наиболее впечатляющий аспект этой картины связан с использованием света и тьмы на заднем и переднем планах.
5.
Natura Morta — Джорджио МорандиОдно из наиболее известных современных произведений в жанре натюрморт написано Джорджо Моранди. Его работа под названием Natura Morta была сделана в 1951 году и включает в себя ряд объектов, которые все изображены в тонких и заметных белых тонах.
Простая природа этой работы заставляет зрителя больше сосредотачиваться на форме каждого предмета, а не на цветах, которые в противном случае могли бы сопровождать каждый из них.Большинство искусствоведов отметили, что работа Моранди не соответствовала никакому другому типу натюрморта и, казалось, оставалась в своем собственном стиле.
6.
Корзина яблок — Поль СезаннМастерское использование света и тьмы Поль Сезанн полностью демонстрирует в его работе «Корзина яблок». Написанная в 1895 году, эта работа предлагает вид на стол, полный яблок, высыпавшихся из корзины почти нереальным образом.Многие искусствоведы и энтузиасты отмечают, что работа кажется преднамеренно несбалансированной, так как бутылка наклоняется влево от зрителя, а фрукты, кажется, вот-вот упадут со стола.
Сезанн, как известно, рисовал несбалансированные сцены, чтобы заставить зрителя задуматься над новыми перспективами пространства и композиции. Эта картина также является одной из самых редких, поскольку на ней стоит его подпись — черта, которую он не позволял себе позволить большинству своих работ.
7.
Корзина с фруктами — КараваджоИтальянский художник Караваджо считается одним из величайших художников, изображающих резкие контрасты между светом и тьмой. Его работа «Корзина с фруктами» — еще одно такое проявление уникальной манеры, с помощью которой он смог осветить части своих работ, в то время как другие части той же картины задрапированы темнотой.
Написанная в 1599 году, эта работа предлагает невероятный уровень реализма, который редко достигается теми, кто работает в жанре натюрморта.При более внимательном рассмотрении обнаруживается, что изображенный на картине плод испортился и начал гнить.
8.
Натюрморт с цветочной гирляндой и занавесом в стиле тромп-л’Уэй — Адриан ван дер СпелледВ то время как многие ранние художники-натюрморты сосредоточились на фруктах и объектах, таких как вазы и кувшины, Адриан ван дер Спеллед нарисовал поразительную сцену с большой цветочной гирляндой, которая была преуменьшена невероятно реалистичным занавесом в правой части холста. Эта работа, написанная в 1658 году, получила название «Натюрморт с цветочной гирляндой и занавесом».
Он остался одним из самых знаковых натюрмортов, когда-либо созданных, с высоким уровнем детализации даже в самых маленьких частях картины. Многие энтузиасты искусства и критики указывают на важность того, что цветы, появляющиеся на левой стороне, увядают, в то время как цветы около середины полны жизни. Это заставляет зрителя задуматься о том, что на самом деле находится за самой занавеской.
9.
Деревянная кружка и металлический кувшин — Поль ГогенХудожник Поль Гоген был очень близок к легендарному художнику-натюрмортам Винсенту Ван Гогу до такой степени, что у них были очень похожие стили живописи.Работа Гогена «Деревянная кружка» и «Металлический кувшин» имеет те же оттенки, что и многие работы Ван Гога, но имеет свои уникальные особенности, которые делают ее одним из самых известных натюрмортов в истории.
Написанная в 1880 году, эта работа уже давно приветствуется как критиками, так и любителями искусства за использование контрастных материалов. Художнику удается изобразить деревянную кружку и металлический кувшин таким образом, чтобы подчеркнуть индивидуальный способ отражения света каждым предметом и привлечь внимание зрителя к каждому предмету.
10.
Натюрморт с оловянным кувшином и розовой статуэткой — Анри МатиссАнри Матисс считается одной из самых выдающихся фигур в натюрмортах, а его картина «Натюрморт с оловянным кувшином и розовой статуэткой» считается одной из самых известных в истории. Картина была завершена в 1910 году, и на ней изображены предметы, наполненные яркими цветами, на каком-то комоде.
Эта картина относится к периоду фовизма Матисса, когда он, как известно, сочетал исключительно яркие цвета с линейным стилем живописи.На картине изображены знаменитые синие стены, которые были характерны для многих работ Матисса, поскольку они отражали реальный вид его дома под Парижем.
Фовизм включал стиль живописи, который больше фокусировался на выявлении живых цветов внутри каждого конкретного объекта, что Матисс и делает в этой работе. Этот стиль позже привел его к влиятельной роли среди художников, которые работали в модернизме 20-го века.
15 лучших акриловых картин, которые нужно знать
Значение натюрморта
Ценность — важный инструмент в руках художников.Это создает интерес, настроение, контраст и помогает художникам выразить то, что они хотят сказать о своем предмете. Ценность обеспечивает основную структуру искусства — особенно для тех, кто рисует натюрморты.
Вот 15 лучших современных натюрмортов, представленных в AcrylicWorks 5 — и все это смелая ценность. Пусть эти отмеченные наградами картины из акрила вдохновят вас на большее исследование собственного искусства. Наслаждаться!
Flying High
Облачный клипер 1 Томаса Мьюборна, холст, акрил, 24 x 30 дюймовСмелость как тема казалась неотъемлемой частью рисования самолетов, и именно это привлекло меня в этом предмете не только ценностями, но и сильно зеркальными, отражающими поверхностями.В случае Pan Am Cloud Clipper его полированная алюминиевая обшивка, будучи монохромной, отражает все цвета окружающей среды. Я подчеркнул смелые, плавные линии самолета, выбрав плотную композицию слева от фюзеляжа, которая создает иллюзию самолета, пролетающего прямо над зрителем.
Самолет выставлен на вешалке Boeing Aviation Hanger Национального музея авиации и космонавтики в Центре Стивена Удвара-Хейзи в Шантильи, штат Вирджиния. Я работал по фотографиям в своей студии, используя нейтральный фон, чтобы лучше всего подчеркнуть цвет и композицию.
— Томас Мьюборн
Знаки ракушки
Волшебная ракушка, Линн Гарвуд, холст, акрил, 16 × 20 ″Magic Shell — это картина, вдохновленная очень волшебной раковиной, которую я нашел в Северной Каролине. Когда я искал знак, из океана выкатился снаряд. Это было «ДА!» из вселенной. Я сфотографировал его с другими красивыми ракушками и нарисовал в своей домашней студии.
Положительные слова оказывают на меня огромное влияние. Каждую картину я начинаю с особого слова на холсте.Слово под Magic Shell нестареет.
Я верю, что мое искусство живо, что все мои мысли и чувства вложены в каждое произведение. Каждый мазок наполнен цветом, ценностями и чувствами. Я позволяю своей руке свободно выражать себя в интерпретации моих предметов. Мне нравится делиться своей работой с другими и слышать, что она в них показывает.
— Линн Гарвуд
Яркая смелость
Бубновый валет Кеннета Хершенсона, холст, акрил, 36 × 36 ″В Бубновый валет, я выбрал — как я часто делаю с картинами в моем , Я ДЕЙСТВИТЕЛЬНО знаю Джека! Серия — для создания абсолютно простых изображений с жирным шрифтом, вызывающих гиперреализм.Я выбираю освещение, которое создает сильные тени, чтобы придать объектам глубину и ощущение, что зритель может схватить объекты прямо за холст.
Яркая разница между простым темно-красным фоном и блестящими объектами заставляет домкрат и бриллианты выделяться. Взаимодействие выдающихся ценностей в конструкции ромбов и валетов дает почти жидкую ясность.
Реализм напрямую связан с этими выраженными изменениями стоимости. Я использую Golden OPEN Acrylics, чтобы у меня было больше времени на растушевку краски.Это особенно помогло с темными и светлыми бриллиантами.
—Кеннет Хершенсон
Ценные иллюзии
Кэти Хильдебрандт «Еще причины, по которым я опоздал», акрил на картоне, 24 × 18 дюймовКак художник-реалист, в моих работах ценность играет огромную роль. Ценность создает иллюзию трехмерной формы на двухмерной плоскости. От первоначальной концепции до настройки и, наконец, до самого процесса окраски, ценность всегда находится на первом месте.
При создании композиции я постоянно настраиваю освещение, чтобы все объекты имели четко определенные формы и приятные тени.Я также очень стараюсь размещать объекты, цвет и / или ценность которых будут либо создавать контраст, либо сливаться с окружающими, чтобы направлять взгляд на всю картину.
Одна из многих вещей, которые мне нравятся в акриле, — это способность наносить тонкую глазурь, чтобы корректировать как цвет, так и ценность объектов в моей картине. С помощью этой техники удивительно легко настроить значения с помощью акрила.
— Кэти Хильдебрандт
Цвета
Уход Линн Гарвуд, холст, акрил, 54 x 72 ”Уход — это празднование моего любимого времени года на Среднем Западе США.С .: осень. Смелые, красивые цвета дарят нам в изобилии. Для этой конкретной работы я растянул большой холст. Я нарисовал великолепные естественные цвета по всей белой поверхности, а затем нарисовал слово ЛЮБОВЬ по всему холсту.
Положительные, красивые слова меня очень вдохновляют. Я был влюблен, когда писал это произведение. Мне нравится, как блеск на листе заставляет меня волноваться, поэтому я включил многие из них.
Как художник, я могу преувеличивать красочные ценности и раскрывать их гораздо больше, чем можно увидеть в природе.Желаю всем, кто это видит, почувствовать любовь в своей жизни!
— Линн Гарвуд
Игровой мяч
Бейсбол и арахис, Кэти Кениг, холст, акрил, 15 × 30 ″Я работаю по фотографиям, что позволяет мне запечатлеть детали композиции. Это также помогает мне сосредоточиться на ценности, поскольку я могу настроить источник света для создания разнообразных темных и светлых оттенков.
Акриловая краска — идеальная среда для работы на небольших участках с нанесением тонких слоев краски для создания цвета и ценности.Темный цвет типичен для выбранного мной фона. Я использую более холодные тона в тенях объектов и более теплые тона, чтобы выделить выделенные участки.
Полный диапазон значений с высокой контрастностью добавляет драматичности картине. Темный, но простой фон и хорошо освещенные предметы в сочетании с реалистичным стилем предназначены для интерпретации как выделенное воспоминание, вызывающее, надеюсь, остатки бейсбольных воспоминаний зрителя, без привязки к конкретному времени или месту.
—Кэти Кениг
Современное и традиционное
Soiree alla Prima Эндрю Моррисона, холст, акрил, 24 × 48 ”Старые мастера использовали преувеличенные ценностные отношения в своих работах для создания глубины и настроения. Я применил эту философию в Soiree alla Prima как современный подход к их традиционным методам. Сильные контрасты значений улучшают различие между формами на столе и окружающим пространством, в то время как более тонкие различия значений придают структуру и объем каждому объекту.Общий приоритет значений помогает подчеркнуть узоры, а цветовая температура дополняет различные формы, представленные здесь.
Из нескольких фотографий я набросал эту сцену прямо на гипсовый холст. Я нарисовал его с помощью ограниченной палитры из одиннадцати тяжелых акриловых красок, используя жидкую акриловую полимерную эмульсию в качестве единственного средства. Картина мне так нравится, что я не хотел ее продавать.
— Эндрю Моррисон
Единство цвета
Кухонный стол Dalliance от Пегги Ханникатт, холст, акрил, 12 × 12 ″Свет, падающий на мой кухонный стол, придал этому георгину важные ценности, которые умоляли меня запечатлеть исходящую от него радость.Я преобразовал его фотографию в монохромный акриловый этюд на холсте. С этого момента я мог либо создать новую картину на другом холсте, либо, поскольку это акрил, нарисовать прямо над кабинетом. Я выбрал второе.
Картина запечатлела фотографию, но ей почему-то не хватало единства. Чтобы решить эту проблему, я применил смелые мазки и единую цветовую схему, которая усилила направление композиции, чтобы раскрыть мою картину « Kitchen Table Dalliance ».
— Пегги Ханникатт
Драматический контраст
Дерево 1 Эллен (Элли) Фуллер, холст, акрил, 36 x 48 дюймовЭта картина является частью серии, над которой я сейчас работаю.Он был основан на фотографиях деревянных баррикад в национальном парке Каньонлендс в штате Юта. Я решил использовать только черно-белую акриловую краску, потому что чувствовал, что цвет может ослабить драматический эффект нюансов деревянных поверхностей.
Убрав цвет, я смог сконцентрироваться на мельчайших деталях, композиции и мазках кисти, что дало мне полное представление об увлекательной текстуре коры. Я интуитивно рисовал значения по мере продвижения, противопоставляя темные и светлые, чтобы создать визуальный интерес, создавая иллюзию глубины.Я намеренно использовал значение освещенности, чтобы привлечь внимание зрителя к дереву, похожему на птицу, создавая фокус.
—Эллен (Элли) Фуллер
Впечатленное изображение
Остатки от Jacynthe Comeau, акрил на панели, 24 x 24 дюймаЭта картина была создана на основе предложенной темы: отпечаток. Это слово крутилось у меня в голове, пока не приземлилось на берегу Ла-Гаспези, Квебек, Канада. Это изображение проявилось, и мои глаза не могли оторваться от земли, и я забыл о небе! Композиция была навязана мне природой, в состоянии изящества лицом к морю.Я отрекся от престола, моя фотография была там.
Мой объект, сделанный при дневном свете, соответствует точным значениям тени и света. Именно эти контрасты выявляют мою главную тему: останки, оставленные морем. Простота картины, ее элементов и цвета, создает иллюзию детализации благодаря технике брызг, использованной на заднем плане. Акрил идеально подходит для этой техники.
–Jacynthe Comeau
Выдержанный подход
Final Catch, Стив Уайлда, акрил на панели, 27 x 27 дюймовПоскольку все элементы в Final Catch состарены и приглушены, было жизненно важно, чтобы значение фона было темным, чтобы создать как можно больше контраста.Это было особенно необходимо из-за того, что шпагат свисал со шкива, а крючок для трески был очень тонким.
Изначально я пытался имитировать Мать-Природу, подвергая софтбол выветриванию, многократно бросая его о цементный пол, но безрезультатно. Мой физиотерапевт, который также является тренером по бейсболу в старшей школе, знал, что я ищу какой-то обветренный мяч, и нашел этот бейсбольный мяч почти зарытым в игровой площадке рядом с футбольным полем.
Я скорректировал стоимость и цвет антикварной коробки продавца сигар, на которую кладут шар, чтобы он напоминал грязь и песок домашней тарелки.Необходимо было расставить все по центру, нарушив правило не размещать предметы таким образом. Иногда это правило приходится игнорировать.
—Стив Вильда
Пейзажные отражения
Седона Боба Петилло, холст, акрил, 30 x 40 дюймовКартина в фотореалистичном стиле из моей серии «Отражения в Америке» , эта работа была создана с чувствительностью к ярким контрастам в отраженном свете и цвете. Я приближался к кольцевой развязке в Седоне, штат Аризона, и на ярком солнце увидел блестящую черную Тандерберд 1957 года выпуска.Идеальная поверхность для отражения детализированных, ярких контрастных объектов.
Въезжая на стоянку, я последовал за водителем с цифровой камерой и подошел к нему. Двадцать минут спустя, после 50 с лишним фотографий, у меня было достаточно справочного материала, чтобы создать яркий контрастный природный ландшафт, отраженный на темной блестящей поверхности. Начиная с более темных оттенков, я нанесла слои акрила от непрозрачного подмалевка до полупрозрачных мазков чистого цвета, чтобы добиться наилучшего результата.
—Боб Петилло
Значения дефлятированные
Боб Клинг, «Приземление на пастбище», холст, акрил, 36 x 24 дюймаЛетая с моим другом-пилотом воздушного шара во время National Balloon Classic, мы приземлились на травянистом пастбище. Несколько других воздушных шаров также приземлились в этой области, поэтому я быстро выпрыгнул из корзины и смог сфотографировать спускающийся один из воздушных шаров. Я искал изображение воздушного шара в высокой траве, когда он сдувается, поскольку он создает такой сильный ценностный контраст в складках конверта и текстурный контраст между тканью и сорняками.Чтобы воспользоваться смелым контрастом значений. Еще я хотел яркого солнечного света.
Я начал с наброска и переноса изображения на холст. Работая от фона к переднему плану, я рисовал прямо на холсте, начиная с желтых, зеленых и фиолетовых участков на дальнем воздушном шаре. Когда это было завершено, я пошатнулся и засветился яркими бликами.
Хотя я работаю и с маслом, и с акрилом, я считаю, что акрил больше подходит для геометрических форм цвета из-за их быстрого высыхания.Я проделал примерно такую же процедуру со вторым воздушным шариком. Затем я аккуратно растушевал больше теней и бликов на складках, чтобы объединить отдельные участки шара.
Несколько тонких глазурей Transparent Yellow помогли передать золотое теплое солнце Айовы. Мне понравилась свобода и рыхлость сорняков и травы, потому что они хорошо контрастировали с яркой геометрической тканью воздушного шара. Я использовал обычную заостренную круглую кисть с простыми мазками для травинок и стороны кисти для цветения сорняков.
—Боб Клинг
Глазурь на торте
Alliance Bakery, Марти Уокер, холст, акрил, 24 x 30 дюймовФокус картин часто определяется яркими участками. Я решил сделать противоположное в Alliance Bakery , сделав объекты в фокусе самой темной частью картины. Высокий фон и яркая столешница контрастируют с тортами, которые выполнены в более темных и насыщенных тонах.
Фон несколько не в фокусе, что добавляет визуальной интенсивности более четкому объекту переднего плана.Мелко детализированная текстура в глазури становится яркой за счет подсветки. Темные вертикальные подставки для торта и их тени ритмично перемещают взгляд по картине, а ограниченная палитра создает ощущение единства.
—Марти Уокер
Требование внимания
«Мимолетная красота» Генри Босака, холст, акрил, 20 x 20 дюймовЭтот цветок цвел во дворе моего соседа. Я склонен рисовать объект, привлекающий внимание, и Fleeting Beauty с его контрастными значениями не оставил мне выбора, кроме как нарисовать его.Мой холст был окрашен в нейтральный серый цвет, на который я затем перенес свой объект, используя метод сетки. Я использую акрил с наполнителем, что дает мне возможность дольше работать с краской.
Когда я начинаю рисовать, я буду работать от верхнего левого угла холста до нижнего правого. Я работал с ограниченной палитрой желтого кадмия, синего ультрамарина, малинового красного, пурпурного и белого титана. По ходу работы я настраивал цвета и значения, завершая каждую часть рисунка, прежде чем двигаться дальше.Фон был последним, что я сделал, вернувшись назад и подправив несколько областей, чтобы закончить работу.
— Генри Босак
Узнайте больше о художественном конкурсе AcrylicWorks здесь.
«Натюрморт», Джорджо Моранди, 1946
Натюрморт — картина маслом на холсте итальянского художника Джорджо Моранди. В этой работе Моранди использует приглушенную цветовую палитру, которая варьируется от светло- и средне-серого до кремово-белого, бежевого, бледно-желтого и лилового.Шаровидный контейнер в переднем ряду в левом нижнем углу картины имеет верхнюю часть с желтыми канавками и нижнюю часть с белыми канавками. Чашка в центре композиции имеет красный край, а чаша с правой стороны — пурпурные бороздки. Натюрморт имеет подпись художника в правом нижнем углу холста.
Натюрморт был сделан в Болонье в 1946 году. Холст был подготовлен с белым грунтовочным слоем, а вокруг центральной вазы виден рисунок графитом.Затем масляную краску наносили тонкими слоями, мокрым по мокрому, живыми мазками. Картина оформлена в деревянную раму с позолоченными деталями. В 1947 году в Тейт была отправлена фотография картины с надписью на обратной стороне рамы с подробным описанием названия картины на итальянском языке («Natura Morta») и года ее создания (см. Alley 1981, стр. 540).
Моранди хранил в своей мастерской запас ваз, бутылок и кувшинов, которые он использовал в качестве моделей для многих своих натюрмортов в различных аранжировках.В письме от 7 июля 1953 года художник написал, что «существует несколько вариантов данной работы, и те же объекты появляются и на других картинах» (цитируется по Alley 1981, с. 540). Первый натюрморт, на котором изображены несколько одинаковых объектов в похожей компоновке, был сделан в 1936 году, но наиболее тесно связанные работы датируются периодом 1945–1947 годов, хотя среди них нет двух точно одинаковых (см. Alley 1981, с.540).
Моранди родился в Болонье, где учился с 1907 по 1913 год.Он познакомился с работами французских художников-импрессионистов Огюста Ренуара (1841–1919) и Клода Моне (1840–1926), а также с работами Поля Сезанна (1839–1906) на выставках в Венеции и Риме. На его работы также оказали влияние итальянские художники эпохи Возрождения Джотто (около 1266/7–1337), Пьеро делла Франческа (около 1415–1492) и Пауло Уччелло (1397–1475).
Дополнительная литература
Lamberto Vitali, Giorgio Morandi: Pittore , Milan 1965, воспроизведено pl.168.
Lamberto Vitali, Morandi: Catalogo Generale 1913–47 , Milan 1977, воспроизведенный номер 514.
Рональд Элли, Каталог коллекции современного искусства галереи Тейт, кроме произведений британских художников , Лондон, 1981, стр. 540, воспроизвед. Стр. 540.
Наташа Адамова
Май 2016
При поддержке Christie’s.
Содержит ли этот текст неточную информацию или формулировки, которые, по вашему мнению, следует улучшить или изменить? Мы бы хотели получить от Вас отзывы.
Арт-объект Страница
Голландцы часто используют такие ковры в качестве покрытий для столов. В семнадцатом веке их, вероятно, можно было найти только в домах богатых из-за их высокой стоимости. Они были импортированы в Нидерланды из Персии и Индии Голландской Ост-Индской компанией. Поскольку этот конкретный ковер виден только частично, и поскольку возможно, что художник использовал некоторую лицензию на его дизайн, его страну происхождения трудно определить.Один эксперт по коврам, г-н Честер Эллис из Кингстона, штат Нью-Йорк, указал, что, по его мнению, это индийский ковер (беседа с г-ном Эллисом, сентябрь 1980 г.). Для более полного обсуждения ковров в голландском искусстве см. Онно Идема, «Ковры в голландской и фламандской живописи 17-го века», в The European Fine Art Fair (Маастрихт, 1988), 15–28; и особенно Онно Идема, Ковры и их даты в нидерландской живописи, 1540–1700 (Zutphen, 1991).
Люциус Гризебах, Виллем Кальф, 1619–1693 (Берлин, 1974), 114–115, 258, нет.102, использует эту картину как характерный образец этого типа композиции. Он прямо сравнивает картину с четырьмя другими работами: тремя картинами 1659 года, его номерами. 95–97, и недатированная картина в Институте искусств Детройта, его нет. 100. Композиционные и стилистические характеристики этой работы настолько схожи с характеристиками других картин Кальфа начала 1660-х годов, что я не могу согласиться с оценкой Клауса Гримма о том, что картина Галереи является работой Юрриана ван Стрика (1632–1687).См. Клаус Гримм, Stilleben: Die niederländischen und deutschen Meister (Штутгарт, 1988), 223, репро.
Кальф, который, кажется, отказался от живописи как профессии, чтобы стать торговцем произведениями искусства примерно в 1680 году, вполне мог коллекционировать фарфор Ван-Ли, поскольку он изобразил на своих картинах множество изысканных произведений искусства.Чаша на этой картине известна в Нидерландах как clapmuts . См. Т. Волкер, Фарфор и Голландская Ост-Индская компания, зарегистрированные в реестрах дагов замка Батавия, реестрах Хирадо и Дешимы и других современных бумагах, 1602–1682, (Лейден, 1954), перепечатка. 4.
Эти причудливые украшения были закрашены во время консервации в 2010 г. (см. Техническое резюме).О голландском стекле см. Ада Полак, «Стекло в голландской живописи», Connoisseur 193, no. 776 (октябрь 1976 г.): 121.
Фарфор, изготовленный в Китае во время правления Ван Ли (1563–1620), высоко ценился в Нидерландах. Большая часть его была доставлена кораблями голландской Ост-Индской компании, основанной 20 марта 1602 года.Настоящее увлечение китайским фарфором произошло после захвата португальских кораблей, перевозивших большой груз фарфора Ван-Ли в марте 1603 года. Когда груз, состоящий из более чем ста тысяч кусков фарфора, был продан в Амстердаме 15 августа 1604 года. , покупатели прибыли со всей Западной Европы. См. Т. Волкер, Фарфор и Голландская Ост-Индская компания, как зарегистрировано в реестрах дагов замка Батавия, регистрах Хирадо и Дешимы и других современных документах, 1602–1682 (Лейден, 1954), 22; и Клэр Ле Корбейлер, Китайский торговый фарфор: образцы обмена, дополнения к коллекции Хелены Вулворт Макканн в Метрополитен-музее (Нью-Йорк, 1974), 1–4.
В документе 1672 года Кальф явился свидетелем перед нотариусом в Амстердаме вместе с рядом других художников, включая Жерара де Лересса (голландский, 1641–1711). Дело касалось оценки итальянских картин. См. Lucius Grisebach, Willem Kalf, 1619–1693 (Берлин, 1974), 193, док.20. Насколько хорошо Де Лересс и Кальф знали друг друга, неизвестно, но, судя по хвалебным комментариям Де Лересса о Кальфе в его трактате о живописи, можно было бы предположить, что дружба существовала. См. Gérard de Lairesse, Groot schilderboek , 2 vols. (Haarlem, 1740; перепечатка, Soest, 1969), 266–267: «De vermaarde Kalf, die veel heerlyke en uitmuntende voorbeelden daar van heeft nagelaaten, heeft in deze zeer uitgemunt, en boven allenof den hoogsten». (Знаменитый Кальф, оставивший нам много восхитительных и превосходных образцов [натюрморта], очень преуспел в этом и заслужил наивысшую похвалу из всех.) Перевод Генриетты Рахузен.
Gérard de Lairesse, Groot schilderboek , 2 vols. (Haarlem, 1740; перепечатка, Soest, 1969), 266: «Het is die welke in Allerhande kostelykheden bestaat, als goud, zilver, kristalle en andere glazen, paerlen, edelgesteentens en paerlemoer, gemeenlyk Genitassen 905.([Другой тип натюрморта], содержащий все виды драгоценных предметов, таких как золото, серебро, хрустальные и другие стекла, жемчуг, драгоценные камни и перламутр, обычно называемый Vanitassen .)
Gérard de Lairesse, Groot schilderboek , 2 vols.(Haarlem, 1740; перепечатка, Soest, 1969), 268: «Hoewel wy hier voor gezegt hebben, dat de vermaarde Kalf in de Stillevens boven anderen heeft uitgemunt, heeft hy nochtans, zavo min als reden van zyne verbeeldingen weeten te geeven, waarom hy dit of dat vertoonde: maar slechts het geen hem in den zin schoot (также как een porcelyne pot of schaal, een goude bokaal, een fluit of roemer met wyn, en daar in een citroenschil hangen een horologie, paerlemoere hoorn op een goude of zilvere voet, een zilvere schaal of bord met persikken, of well opengesnedene chinaasappelen of citroenen, een tapyt, en diergelyke gewoonlyke dingen) verbeeld, zonder eens van teang hebben gedachets te brengen daar een byzondere zin in stak, of’t geen ergens op toegepast kon worden.(Хотя мы только что заявили, что знаменитый Кальф был самым лучшим художником-натюрмортами, тем не менее, он, как и его предшественники и последователи, никогда не объяснял причину своих композиций, почему он изображал то или это; а писал только то, что воображало его — например, фарфоровый горшок или чаша, золотая чаша, флейта или чаша с вином, в которой болталась цедра лимона, карманные часы, жемчужный рог на золотом или серебряном основании , серебряное блюдо или тарелка с персиками, или, возможно, нарезанные апельсины или лимоны, гобелен и подобные обычные предметы — даже не задумываясь о том, создавать ли что-то важное, имеющее важное значение, или что может относиться к чему-то.) Перевод Генриетты Рахузен.
Pronk: натюрморт и цена демонстрации
Пронк: О натюрмортах и цене демонстрации
Когда меня спрашивают, зачем я приехал в Амстердам, я отвечаю, что всю жизнь ищу, кто может нарисовать лучший очищенный лимон.
В Рейксмузеуме Амстердама я прохожу мимо Рембрандтов и Вермееров, шумных школьных групп и толп людей, делающих одни и те же фотографии, пока не нахожу тихие залы с натюрмортами.Приятно находиться среди расписных чаш, серебряных чаш, переполненных виноградом, букетов цветов, рассыпающихся буханок хлеба, фруктов с кожурой, соблазнительно свисающих со стола.
Сначала меня привлекли натюрморты, потому что я чувствовал, что они так мало просят своих зрителей: вот картина, единственная цель которой — быть красивой. Когда я был молодым студентом-художником, натюрморты были моим первым опытом масляной живописи. Я часами рисовала и перекрашивала апельсины и лимоны, пытаясь получить правильные пигменты и формы.Без традиционного повествования живопись — это упражнение в цвете, деталях и точности. И никто не умел создавать этих банальных красоток, чем художники голландского золотого века семнадцатого века.
Между прочим, ответ на поиски моей жизни — это человек по имени Виллем Клас Хеда. Лучше всего он нарисовал очищенный лимон.
По пути домой из Рейксмузеума я захожу в продуктовый магазин, чтобы купить пиво, буханку хлеба, немного сыра и свежие фрукты на ужин.Мне нужно подняться по крошечной наклонной лестнице, чтобы попасть в мою квартиру на третьем этаже дома у канала.
Оказавшись внутри, я раскладываю свою еду в виде маленькой таблицы на разделочной доске. Хлеб аккуратно нарезанный, яблоки аккуратно нарезанные, порция бри.
Думаю сделать снимок, чтобы опубликовать его в Instagram. Я живу в Вайоминге, где свежие фрукты — большая редкость. Мои обычные домашние обеды с жареным сыром или кесадильями не заслуживают фотографирования.
Поэт Марк Доти однажды описал натюрморт: «Это искусство, которое указывает на человека, не обращая внимания на него; нигде не видно, мы везде.”
Вот все, что не на картинке: я, 27-летняя аспирантка, ем одна в своей голландской квартире на Airbnb, в основном потому, что это дешевле, но также потому, что это способ не пойти в ресторан и не попросить стол на одного.
Я играю в Netflix на своем компьютере и ем за столом без документации.
У голландцев есть термин для обозначения этой специфической марки обильных натюрмортов — pronkstilleven. «Пронк» переводится примерно как «выпендриваться»; От «stilleven» до «натюрморт».«Хвастовство было основным этосом голландской культуры семнадцатого века. К 1660-м годам Амстердам был одним из ведущих портов мировой торговли, в результате чего у Голландской республики было больше денег и товаров, чем они знали, что с ними делать.
Модель ponkstilleven — это идеальное воплощение этой эпохи — она служит одновременно свидетельством богатства и объектом богатства.
Возьмите очищенный лимон, изображенный на многих натюрмортах. Современному глазу это выглядит безобидно.Но лимоны не росли на голландской земле, когда создавались эти картины. Чтобы такие художники, как Виллем Клас Хеда или Ян Давидс де Хем изобразили лимон в одном из своих натюрмортов, этот лимон должен был бы уехать — далеко.
Благодаря серии запутанных торговых путей у голландцев был доступ к лимонам, но по высокой цене. Лимоны были привезены со Средиземноморских островов, упакованы в соль, чтобы сохранить их во время долгого путешествия на север. Голландцам пришлось пройти серию мирных переговоров с Испанией — страной, с которой они ранее восемьдесят лет воевали, — чтобы сохранить свою торговую сеть между Северной Европой и Средиземноморьем.Лимоны были примером дипломатических успехов Голландской республики и ее обширной торговой сети, и люди, которые могли позволить себе лимоны, хотели похвастаться.
На натюрмортах 1601 года Иеронима Франкена Младшего долька лимона стоит рядом с грушами, виноградом, буханкой хлеба, устрицей и бокалом вина.
Название картины? Еда для богатых .
В модной кофейне я выкладываю и почти сразу же удаляю фотографию своего латте с крошечной штопваффель.Я поместил книгу в угол картины, чтобы она выглядела более фирменной: Вот я, в Амстердаме, пью этот латте — с крошечным вафельком! — и читаю Джона Бергера. Разве жизнь не шикарна?
За одним столиком от меня, я наблюдаю, как пара по очереди фотографирует друг друга с напитками и завтраками. По моим подсчетам, они используют три разных устройства, чтобы делать снимки и оставлять еду на десять минут перед тем, как съесть ее.
Поскольку я подозреваю, что они из тех, кто отмечает свое местоположение, когда публикуют что-то в Instagram, я немного слежу.За несколько часов фотография красивой женщины в черной кожаной куртке, застенчиво улыбающейся с латте, собрала более тысячи лайков.
Интернет сообщает мне, что влиятельные лица в Instagram, не являющиеся знаменитостями, могут зарабатывать более тысячи долларов за публикацию спонсируемого контента. Быстрый просмотр различных рассказов блоггеров о стиле жизни и моде, за которыми я слежу, обнаруживает много общего: красивые женщины в стильной одежде, ели роскошную еду, смеялись, пили с друзьями.
Они хозяева квартиры: вот рабочий день с тщательным дневником, теплой чашкой кофе и уютными тапочками; или устройство у бассейна с книгой, солнцезащитными очками и фруктовыми напитками.Самые успешные влиятельные лица в Instagram не продают мне индивидуальный наряд или ресторан — это история человека, у которого, судя по всему, есть свое дерьмо. Беззаботная одежда, обувь, полученная из этичных источников, которая стоит арендной платы за месяц, кладовая с экологически чистыми продуктами, практическое знание современной литературы, кино и музыки.
Разве жизнь не пышна?
Одна из моих любимых фигур голландского золотого века — женщина по имени Петронелла Оортман. Сейчас она наиболее известна тем, что вдохновила Джесси Бертон на роман « Миниатюрист » в 2014 году.Петронелла Оортман, которая вышла замуж молодой и овдовевшей молодой, заказала сложные кукольные домики на базе своего собственного дома. После смерти Петронеллы ориентировочная стоимость ее коллекции кукольного домика была равна стоимости среднего голландского дома у канала. Как и натюрморты, европейские кукольные домики семнадцатого и восемнадцатого веков существовали либо для демонстрации собственного богатства, либо в качестве обучающего инструмента для молодых девушек, чтобы научиться управлять своим домом, в частности, как размещать своих рабов и слуг между комнатами.
Заманчиво возразить, что такая женщина, как Петронелла, будет использовать свои кукольные домики для установления власти в обществе, которое давало ей очень мало контроля над чем-либо вообще. Но ни одна из этих женщин, заказывающих кукольные домики, не была полностью лишена свободы воли. У Петронеллы было больше контроля, чем у средней женщины: у нее были деньги.
Есть причина, по которой мы хотим, чтобы наши вещи были аккуратно разложены. Это форма повествования; это также оценка богатства. Не случайно появление кукольных домиков совпадает с ранними капиталистическими обществами.Кукольные домики, плоские лежаки и натюрморты — тщательно отобранные коллекции богатства на выставке порождают более тщательно отобранные коллекции богатства. За каждым pronkstilleven стоит история разрухи. Многие натюрморты семнадцатого века представляют рабов в качестве декора, расположенных рядом с банкетами с едой и вином.
Вот что у меня есть. Вот что вам нужно . При необходимости повторите.
Все политическое. Верить в обратное — это форма умышленного невежества.Даже такая невинная вещь, как взгляд, имеет далеко идущие последствия. Сегодня мы пытаемся установить контроль над нашим окружением, становясь кураторами нашей онлайн-жизни.
Бродя по музеям Амстердама, фотографирую натюрморты. Я стратегически обрезаю их, прежде чем размещать в социальных сетях. Иногда я хочу выделить что-то особенно красивое — лимон или букет тюльпанов; в других случаях нужно сосредоточиться на жестокости — вот дохлая лиса или кролик со шкурой.Вырванные из контекста, эти образы становятся гротескными. Когда мы не можем отвлечься красивой композицией, как цвета и мазки кисти дополняют друг друга, мы можем увидеть, насколько брутальны эти картины на самом деле.
***
Изображение предоставлено:
1) Виллем Клас. Хеда [общественное достояние], через Wikimedia Commons.
2) Виллем Кальф [общественное достояние], через Wikimedia Commons.
3) Джейкоб Аппель [общественное достояние], через Wikimedia Commons.
Линдси Линч — писатель-фантаст из Вашингтона, округ Колумбия. Ее рассказ «Пожалуйста, помогите себе» был недавно удостоен награды Кэти Китамура на конкурсе «Искусство прозы» Pigeon Pages. Она также писала для Electric Lit, Atlantic, The Offing и Lit Hub, среди других изданий. В настоящее время она является кандидатом МИД в Университете Вайоминга, где работает над сборником рассказов. Еще от этого автора →
Искусство натюрморта
Источник изображения: Рейн Янссен / Adobe Stock.
Сфотографировать яблоко несложно. Другое дело — сделать его неотразимым, загадочным, ярким или красивым. Создание великолепных изображений неодушевленных предметов требует творческого подхода к освещению, цвету, текстуре и композиции. Они принадлежат давней традиции натюрморта и всех тонкостей, которые в этом играют. Фотографы натюрморта Adobe Stock готовы поговорить о цветах, еде, освещении и многом другом.
Знакомьтесь с художниками
Источник изображения: Адриана Наполитано / Adobe Stock.
Джессика Петтуэй
Джессика — изобразительный художник из Нью-Йорка и любитель жареного сыра. Обладая уникальным вниманием к цвету и игривым композициям, она создает сюрреалистические композиции, которые служат расслабляющим побегом от повседневной жизни. Знакомые предметы домашнего обихода, находки из долларовых магазинов и скульптурные изображения растений деконтекстуализированы и объединены в коллаж, чтобы создать ее собственную природу.
Адриана Наполитано
Адриана — фотограф, но также художник-постановщик и стилист-декоратор для рекламных роликов, короткометражных фильмов, модных съемок, музыкальных клипов и покадровой анимации.Ее работы представляют собой причудливое сочетание фотографии, поделок и цифровых манипуляций. Она безумно любит бумагу, может работать практически с любым материалом и находить лучший способ воплотить в жизнь все, что застряло у нее в голове.
Рейн Янссен
Рейн Янссен окончил Королевскую академию изящных искусств в Гааге. Он также изучал инженерное дело и находит вдохновение как в природе, так и в химии. Результат — уникальный стиль фотографии. Рейн создает идеальные и интригующие пейзажи, которые кажутся спокойными, но живыми.Его натюрморты можно охарактеризовать как чистые, артистичные и суровые — его близость к еде дает ему бесконечное вдохновение.
Слушать муз
Вдохновение приходит из самых неожиданных мест, от детских химических экспериментов до реквизита за 1 доллар, так что следуйте своему любопытству, куда бы оно ни привело.
Источник изображения: Джессика Петтуэй / Adobe Stock.
Что привлекает вас в неодушевленных предметах как субъектах?
Джессика: Меня очень привлекает непосредственность натюрморта.Вам не нужно бросать модели или что-то в этом роде. Я всегда могу просто пойти в долларовый магазин или куда-нибудь, схватить предмет и найти способ сфотографировать его. Мне кажется, натюрморт всегда заставляет вас проявлять творческий подход, потому что вокруг вас всегда есть что-то, что вы можете просто схватить, разрушить и сделать интересным. Если я работаю с вещами из долларового магазина, единственное препятствие — это я. Это становится способом бросить вызов самому себе. Нет никаких препятствий , кроме самого : я могу просто пойти в магазин и менее чем за 10 долларов получить что-нибудь интересное и просто бросить вызов тому, что мы привыкли видеть все время.
Редко можно встретить фотографа, который одновременно является стилистом реквизита. Эти практики развивались вместе, или вы начали с одной?
Адриана: Я начинала как декоратор / стилист для покадровой анимации. Вот где я по-настоящему полюбила поделки и миниатюры. Через некоторое время я обнаружил, что могу делиться своими творениями и с помощью фотографии, и теперь этот союз фотографии и ремесел стал для меня идеальным способом самовыражения.Я работаю с разными материалами (особенно из переработанных материалов) для покадровой анимации с 2008–2009 годов, но самой первой моей «бумажной вещью» был викторианский парик 2012 года выпуска. Я считаю, что это был самый первый шаг на моем пути с бумагой. .
Расскажите немного о своем опыте как человека, который изучал как изобразительное искусство, так и инженерное дело?
Rein: Мой отец — биохимик, и в детстве он показывал мне всевозможные замечательные эксперименты, такие как сухой лед или химические сады. Нам не разрешали много смотреть телевизор, поэтому, когда мне было скучно, мама давала мне рисовать карандашами и бумагой.У нас были книги по искусству Х. Р. Гигера, Дали и Эшера. В школе инженерия была слишком большой работой на компьютере, и мне не хватало работы руками, поэтому я вернулся к играм, созданию изображений и фотографии.
Игра с едой
Удовольствия и подводные камни мышления животом.
Источник изображения: Адриана Наполитано / Adobe Stock.
Какие самые большие проблемы при работе с едой?
Джессика: Знаете, я просто так люблю поесть, что иногда мне трудно подумать: «Как это может выглядеть лучше?» Если бы я сделал снимок жареного сэндвича с сыром, я бы сказал: «Это уже идеально.«Но нет, на самом деле, вы определенно можете стилизовать вещи и сделать их более привлекательными и фотогеничными.
На многих ваших рисунках из бумаги изображена еда. Вы когда-нибудь работали с самой едой? Что побудило вас воссоздавать еду и продукцию с помощью бумаги?
Адриана: Я всегда голодна! Может, поэтому я всегда готовлю еду. Я никогда не думал об этом, но на самом деле думаю, что почти никогда не работал с настоящей едой. Еда красочная и приносит радость (по крайней мере, мне), поэтому я люблю воспроизводить ее разными забавными способами.
Что вас привлекает в работе с едой? Вам всегда кажется, что вы пытаетесь добавить еду в новые ситуации или поиграться с ней.
Rein: Моя последняя серия об Академии изящных искусств была о сахаре и еде. Еда натуральная и удобная для работы. Я люблю помещать еду в новые ситуации, поэтому, когда люди видят мои изображения, им действительно нужно смотреть и открывать свой разум, чтобы увидеть, что происходит.
Живопись светом
Свет может оживить фотографию, создать потрясающие эффекты, отбрасывать эффектные тени, но здесь нет сводов правил, поэтому попробуйте смешать их.
Источник изображения: {left} Rein Janssen / Adobe Stock {right} Rein Janssen / Adobe Stock.Похоже, у вас нет определенного стиля освещения или подхода, к которому вы бы прибегали. Это по дизайну?
Джессика: Обычно я выбираю то, что меня вдохновляет в данный момент. Я чувствую, что буду проходить фазы, в которых мне нужен более мягкий свет и более мягкие тени, а затем другие периоды, когда я хочу, чтобы все было намного более агрессивным. Это зависит от референсов, из которых я черпаю.Карикатуры указывают на более резкий контраст, но обложки альбомов 70-х не так сильно.
Представляет ли осветительная бумага какие-либо особые проблемы?
Адриана: То, как бумага отражает свет, — одна из причин, по которой я влюбился в нее. В фотографии свет очень важен (конечно!), И я считаю, что свет и бумага прекрасно сочетаются друг с другом. Вы можете подумать, что бумага будет выглядеть плоской, но это делает освещение таким важным и таким приятным.
Некоторые из ваших изображений демонстрируют очень классический, почти живописный подход к неодушевленным предметам, в то время как другие заметно сюрреалистичны и интерпретативны.С чего начать с концепции фотографии?
Rein : Я начинаю с ощущения, в каком направлении должны двигаться вещи с точки зрения света, атмосферы и предметов. Это должно быть предельно ясно, чтобы я сразу знал, что делать. Иногда, когда это возможно и клиент мне доверяет, я иду в студию с какими-то предметами / ингредиентами и позволяю этому случиться! В других случаях клиент дает мне очень подробный набросок и доску настроения, над которыми я работаю.
Раскраска между строк
Цвет привлекает внимание и вызывает эмоции.Теперь мы возвращаемся к веселью, насыщенным цветам, яркости и радости, как вы можете видеть в виртуальной тенденции 2019 года — творческой демократии.
Источник изображения: {слева} Джессика Петтуэй / Adobe Stock {справа} Джессика Петтуэй / Adobe Stock.Очевидно, что цвет играет огромную роль в вашей фотографии. Что является для вас источником вдохновения в том, как вы используете цвет?
Джессика : Что касается цвета, мне очень нравятся мультфильмы. Я также буду искать вдохновение в иллюстрациях и живописи.В последнее время я много раз смотрел на Кенни Шарфа, особенно на его сумасшедшие космические штуки. То, как он использует цвета, супер круто. Я также посмотрю на обложки старых глэм-альбомов, таких как Тина Мари и Дайана Росс.
С чего вы начинаете думать о цвете в своем процессе?
Адриана : Я с самого начала задумываюсь о цвете! Обычно, когда я начинаю думать об изображении, я уже вижу его в цветах. Я все знаю с самого начала. Цвет, состав, все.Иногда я тоже плыву по течению, но это редко. Обычно у меня в голове есть довольно четкое изображение, и оно уже сделано, мне «просто» нужно построить его и снять.
Смеясь вместе
Юмор — серьезный бизнес — ищите способы выразить то, что вам кажется забавным и игривым, и ваши образы будут жить как хорошая шутка.
Источник изображения: {слева} Джессика Петтуэй / Adobe Stock {справа} Адриана Наполитано / Adobe Stock .Понятно, как сильно вы любите поесть, потому что вы играете и шутите, когда кладете пиццу на роликовые коньки или солнцезащитные очки на тающее мороженое.Как вы пришли к этим идеям?
Джессика: Часто это просто свободные ассоциации. Мне нравится редакционная фотография, потому что статьи меня вдохновляют. Итак, эта фотография «Пицца на колесах» была о местном политическом деятеле, который также был доставщиком пиццы. Но часто меня напрямую вдохновляют предметы и придают им индивидуальность. Мол, я люблю парики, поэтому я постараюсь надеть парик на что угодно.
Юмор также играет важную роль во многих ваших фотографиях, Рейн, например, солнечная система с фрикадельками или мыльные пузыри, плавающие в опасной близости от кактуса.Вы всегда стараетесь использовать юмор в своей работе?
Rein : Многие мои идеи возникли в ответ на подсказку. Фотография солнечной системы с фрикадельками была иллюстрацией того, где найти лучшее карпаччо во Вселенной. Фотография кактуса из мыльного пузыря была иллюстрацией того, что люди очень чувствительны. Юмор — хороший способ соединить людей, и, когда это возможно, мне нравится использовать его в своей работе.
Небольшой совет
Источник изображения: Джессика Петтуэй / Adobe Stock.
Джессика: Постарайтесь все запечатлеть в камере и потратьте время на то, чтобы все было правильно на съемочной площадке. Эффекты будут казаться более естественными, а элементы будут сливаться или выделяться из-за того, как они связаны.
Адриана: Мои советы всегда одни и те же: проявляйте любопытство, не прекращайте делать и учиться, будьте скромными и проявляйте много терпения. Особенно с бумажным искусством.
Станьте первым комментатором