Арт в стиле: Делаем в Photoshop художественную обработку в стиле Дрим-арт

Художественная обработка фотографии

Главная / Художественная обработка фотографии

Печать фото на холсте с художественной обработкой — это создание из вашей фотографии настоящей картины, написанной художником. Современные методы обработки холста позволяют добиться полной реалистичности картины. Покрытие текстурным гелем создает эффект мазка, объемность и вид настоящего художественного произведения. Обработка фотографии сделает ваше фото безупречным, подчеркнув необходимые детали, улучшив цвет и правильно расставив акценты. Все графические работы выполняются вручную.

По вашему желанию художественная обработка может быть выполнена в стиле поп-арт, под карандашный рисунок, акварель. Цветную фотографию можно сделать черно-белой и наоборот. Можно «состарить» современное фото и совсем по-новому сделать старую фотографию.

Прежде чем напечатать любую фотографию на холсте, предварительно ее нужно обработать. Для этого у нас есть целый штат дизайнеров, которые готовы превратить любую фотографию в произведение искусства! Современные методы обработки холста позволяют не только добиться полной реалистичности, но и удовлетворить любые ваши запросы.

Для того, чтобы получить макет обработанной фотографии вам нужно: отправить нам изображение, которые хотите обработать, и сформулировать, какой конечный продукт вы хотите увидеть. Затем мы вам вышлем первые макеты, которые вы можете подкорректировать до его утверждения. Для вашего же удобства, внизу представлены самые популярные виды обработки фотографий с кратким описанием, что они из себя представляют.

Виды художественной обработки

Обработка в стиле «Акварель»

Сделайте из любой фотографии настоящие произведения искусства! Акварельная обработка позволяет придать не только акварельные тона, но создать структуру картины, как будто вам ее нарисовали на заказ. Это обработка особенно популярна на портретах и пейзажах. Вы всегда можете сообщить нашим менеджерам, какой именно хотите наложить эффект.

Примеры обработки картин в стиле «Акварель»

Обработка в стиле «Аниме Арт»

Этот вид обработки назван в честь аниме, потому что он превращает любую фотографию, в мультяшный арт! Такой эффект идеально подойдет для фанатов аниме! Если Ваше чадо обожает японские мультфильмы, то подарите ему холст, где он изображен в стиле аниме! Это будет отличный подарок!

Пример обработки картины в стиле «Аниме Арт»

Обработка в стиле «Аппликация»

Данный эффект, выделяет все крупные фигуры на фотографии, тем самым создает впечатление, что все это наклеено. Такой эффект лучше всего смотрится на контрастных фотографиях, а так же там, где много крупных объектов. Картину с таким эффектом всегда можно подарить близкому другу или второй половинке.

Пример обработки картины в стиле «Аппликация»

Обработка в стиле «Бьюти Арт»

Данный эффект придает фотографии «клубную» атмосферу, обесцвечивая фон и добавляет «кислотные» оттенки разных цветов. Такую картину всегда можно подарить Вашему ребенку, знакомой или подруге, которая обожает проводить время в клубах.

Пример обработки картин в стиле «Бьюти Арт»

Обработка в стиле «Витраж»

Витражи по всему городу завораживает и приковывает взгляды миллионы людей. Данный эффект позволяет вам увидеть ваше изображение, если бы оно было бы нарисовано на витражном стекле! Такой эффект отлично пойдет для старых фотографий или же для авторских работ.

Пример обработки картины в стиле «Витраж»

Обработка в стиле «Гранж»

Данный эффект очень похож на стиль музыки, он делает картину старой, выцветший и специально ее «пачкает».

С помощью этой обработки, вы можете состарить фотографию, и придадите ей некую «антикварность». Такие картины всегда хорошо смотрятся в классическом стиле, где среди мебели присутствуют «массивные» деревянные изделия.

Пример обработки картин в стиле «Гранж»

Обработка в стиле «Вписать в портрет»

Сделайте уникальный подарок, поместив лицо вашего начальника или родственника, в портрет военачальника! Данный эффект можно применить на любом фоне, будь то картина 18 века или современная фотография! Такая картина будет отличным подарком для любого человека, который позволит продемонстрировать ваше отношение к нему и чувство юмора!

Обработка в стиле «Замена фона»

У всех есть фотография, где Вы отлично получились, но фон желает оставлять лучшего. Данный эффект позволит вам переместить себя или ваших знакомых куда угодно, будь то магический лес или райский берег на островах! Это будет отличным подарком для Вашей второй половинки!

Пример обработки картин в стиле «Замена фона»

Обработка в стиле «Магический Арт»

Этот эффект позволяет вам до неузнаваемости изменить фотографию! Здесь используется в изобилие яркие цвета, которые придают картине атмосферу магического мира! Он заставит, с виду обычную фотографию, превратиться в нечто неописуемое и неповторимое!

Пример обработки картин в стиле «Магический Арт»

Обработка в стиле «Под карандаш»

Все любят портреты, особенно которые выполнены карандашом. Данный эффект позволяет сделать из вашего портрета, настоящую зарисовку! Ее можно выполнить как в черно-белом стиле, так и в цветных тонах. Такой подарок будет отлично смотреться где угодно!

Пример обработки картин в стиле «Под карандаш»

Обработка в стиле «Поп Арт»

Поп арт — это направление где в качестве основного предмета использованы продукты повседневного потребления, которые окрашены в яркие цвета! На сегодня, это самая популярный эффект, особенно среди молодежи. Такой холст, будет отлично смотреться, если ваша квартира выполнена в этом же стиле!

Пример обработки картин в стиле «Поп Арт»

Обработка в стиле «Портрет из слов»

Данный эффект позволяет придать вашему портрету шарм, красивая каллиграфия будет находиться заменять фон, что дарит картине, совершенно новую атмосферу. Такие картины получаются очень «легкими».

Пример обработки картин в стиле «Портрет из слов»

Обработка в стиле «Черно-белое в цвет»

Многие хотели бы посмотреть, как выглядят черно-белые фотографии в цвете, благодаря нам это стало возможно! Вы можете нам прислать черно-белую фотографию, и мы превратим ее в произведение с цветом! Особенно это популярно со старыми фотографиями! Такой подарок, всегда можно подарить родителям или бабушка и дедушкам.

Пример обработки картин в стиле «Черно-белое в цвет»

Стиль поп-арт в интерьере | WESTWING

Эпатажный и провокационный, позитивный и свободный от догм – стиль поп-арт в интерьере смотрится несколько вызывающе, но

жизнерадостно и чуть легкомысленно. Зародившись в 50-60-х годах 20 века, поп-арт ярко проявился в американском искусстве, демонстрируя протест против массовой культуры, выхолощенного функционализма в интерьере и приверженности к ширпотребу. Поп-арт несет в себе сарказм творческих личностей, решивших разрушить общепринятые рамки и наполнить интерьеры сочными красками жизни. Поп-арт не боится экспериментов: он играет с масштабностью и цветом, делая ставку на практичность и максимальную дешевизну интерьерной обстановки.

Признаки стиля поп-арт в интерьере:

• Эклектичное смешение стилей, использование деталей прежних эпох.
• Изобилие ярких пятен на белом фоне, кричащие контрастные цвета и кислотные оттенки.
• Портреты культовых персон на стенах, изображения продукции массового потребления с укрупненной масштабностью.
• Мебель нестандартной футуристической формы с округлыми абрисами.
• Буйство форм, оттенков, фактур.
• Обилие пластмассы, глянцевого блеска.
• Необычные аксессуары, часто хэнд-мэйд.

Цвета интерьера в стиле поп-арт

Дизайн интерьера в стиле поп-арт не знает границ, он не подчиняется никаким канонам: каждый цвет в оттеночной схеме стиля живет своей жизнью, абсолютно не сочетаясь со своими «компаньонами» и не складываясь в цветовую гармонию. В интерьере, оформленном в духе поп-арта, красный цвет может соседствовать с розовым и желтым, бирюзовый – с коралловым и зеленым, образуя

необычные и смелые комбинации.

Тем, кто решил применить стилистику поп-арта в дизайне интерьера, не обязательно придерживаться эклектичных веяний «классического» поп-арта – достаточно внести в современную обстановку пару красочных штрихов в виде эпохальных изображений Мэрилин Монро или жестяной банки супа Кэмпбелл, американских комиксов или популярных «детских» мультфильмов для взрослых.

Если в дизайне детской комнаты поп-арт будет совершенно логичным за счет своей легкой «инфантильности», то, например, оформление интерьера спальни в стиле поп-арт потребует тонкого подхода к выбору декоративных деталей. Для зоны отдыха достаточно введения одиночного красочного пятна, чтобы передать дух поп-арта, – множественные акценты в виде контрастных вкраплений могут перегрузить пространство, нарушая спокойную атмосферу спальни.

Отделка интерьера в стиле поп-арт

Буйство оттенков и фактур, присутствующих в обстановке и интерьерных деталях поп-арта, требует нейтрального фона – так экстравагантность стиля проявляется с большей силой. Белые окрашенные или оштукатуренные стены – такова традиционная отделка в интерьерах поп-арта, но можно также оклеить вертикальные плоскости светлыми обоями с неявно выраженным принтом или побелить кирпичную кладку.

В стилистике поп-арта часто используется комбинированная облицовка стен, когда одна из поверхностей окрашивается в какой-либо кардинальный цвет: красный, черный, желтый, остальные же остаются ахроматическими. Нередко акцентная стена оформляется фотообоями с графическими изображениями, создающими оптические иллюзии в манере Вазарели или несущими идею сюрреализма в духе Сальвадора Дали.

Напольные покрытия в интерьерах поп-арта также призваны служить фоном для ярких аксессуаров и мебели – они должны быть сдержанными по цвету, недорогими, практичными. Однотонный линолеум, виниловая плитка или ламинат станут оптимальным выбором для поддержания эстетики поп-арта, не приветствующего в обустройстве полов ни дерево, ни камень, ни ковролин.

Потолки в дизайне интерьеров в стиле поп-арт желательно смонтировать в нескольких уровнях, чтобы заправить скрытую подсветку неоновых тонов – широко эксплуатируемый поп-артом прием освещения. Эффектно подчеркнут неординарность поп-арта пленочные натяжные потоки интенсивных оттенков с лаковой текстурой. Потолки интерьеров в стиле поп-арт не обрамляют потолочными карнизами, не украшают лепниной и розетками – конфигурация уровней может быть геометрически правильной или футуристической с плавными переходами.

Мебель в стиле поп-арт

Интерьер в стиле поп-арт обставляют минимальным количеством функциональной мебели. Корпусная меблировка должна быть максимально лаконичной, изготовленной из ДСП, МДФ, пластика, стекла. В декоре мебельных фасадов широко применяют техногенную перфорацию или нанесение геометрического рисунка: полос, зигзагов, окружностей, овалов, квадратов и прямоугольников. Нередко используют метод 3D печати для тиражирования излюбленных мотивов поп-арта: портретов культовых личностей 60-х, героев комиксов и мультфильмов.

Мягкая мебель в стиле поп-арт – это четкие геометрические или радиусные формы, напоминающие урбанистические объекты. Обивка предпочтительна яркая однотонная: кожаная или из гладких смесовых тканей, но возможно также использование велюрового текстиля и тканей с геометрическим принтом. Декоративные мебельные подушки обычно выступают акцентной деталью мягкой меблировки поп-арта за счет разношерстной фактуры текстиля и стилизованного рисунка.

Для столов и стульев поп-арта характерно исполнение в литом пластике. Форма обычных и барных стульев обычно полусферическая или эллипсоидная, текстура пластмассы – глянцевая, несущий каркас – металлический. Столы компактные, круглые, снабженные опорным стержнем, переходящим в основание-диск.

Интерьерный текстиль в стиле поп-арт

Так как в интерьере в стиле поп-арт преобладают синтетические «холодные» поверхности (пластик, стекло, металл), текстилю отводится особая роль – он призван несколько «согреть» эпатажную обстановку. В стилистике поп-арта популярны ковры, декоративные подушки, портьеры сдержанного фасон, тканевые экраны и ширмы. Ковровые изделия подбирают яркие монохромные или украшенные рисунком, но обязательно с длинным синтетическим ворсом. Необычной может быть и форма ковра – не только круглая или прямоугольная, но и с неправильными фантазийными очертаниями, например, напоминающими чернильную кляксу.

Шторы в стиле поп-арт выигрывают не за счет пышных фалд, а благодаря эффектной ткани с глянцевой фактурой: синтетического шелка и вискозы, тафты и полиэстра с включением металлизированных нитей, органзы и вуали. Оформление окон в интерьерах в стиле поп-арт должны быть максимально лаконичным – оптимальны рулонные шторы и экраны в японском стиле, римские шторы и жалюзи. В зависимости от «концентрации» цветовых пятен в обстановке, портьеры подбирают одноцветными или с контрастным рисунком – допустимы оба варианта.

Светильники в стилистике поп-арта

Наравне с броской мебелью необычных очертаний, в интерьерах поп-арта особенное внимание уделяется подбору светильников. Люстры, бра, настольные лампы с футуристическими абажурами насыщенных тонов идеально поддерживают эстетику стиля. Никаких вычурных форм или завитков – только текучие или геометрические сдержанные формы, броские благодаря цветовой палитре. Пластиковые, тканевые, бумажные или стеклянные плафоны люминесцентных и даже «кислотных» оттенков: розового, салатового, лимонного, ультрамаринового – это светильники поп-арта.

Поп-арт приветствует все сделанное своими руками: бросовые материалы и ненужные вещи можно превратить в оригинальные светильники в стиле поп-арт. Самодельные абажуры из пластиковых бутылок и картона, виниловых пластинок и CD дисков, потерявшей актуальность бижутерии и деталей старой аппаратуры – в ход пойдет все – главное, чтоб блестело и привлекало внимание необычностью дизайна.

Декор в стиле поп-арт

Декору в интерьере в стиле поп-арт отведена заглавная роль – именно цветастые декоративные детали наполняют пространство задорным настроением, присущим этому стилевому направлению. Аксессуары пестрой расцветки освежают нейтральные напольные и стеновые покрытия, внося провокационные штрихи в дизайн за счет ярких неоновых или «открытых» красок (красной, синей, зеленой).

Идеи стиля поп-арт для оформления стен:

• Красочные постеры и портреты Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Элвиса Пресли, Джона Леннона, Мика Джаггера, Мао Цзэдуна и Ленина на стенах.
• Коллажи из несвязанных по смыслу фотографий, а также тщательно подобранных газетных и журнальных вырезок.
• Пестрые изображения сцен из культовых мультфильмов, комиксов.
• Черно-белые ретро фотографии из кинолент 60-х и кинодив (Вивьен Ли, Одри Хэпберн).
• Рисунки в манере граффити.
• Репродукции картин Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна и других представителей поп-арта в искусстве.

Если Вы хотите использовать стиль поп-арт в интерьере, посетите сайт шоппинг-клуба WESTWING – у нас Вы непременно найдете оригинальные вещи для украшения своего дома в нетривиальной манере.

Наша свадьба в стиле fine art: опыт невесты — Пресса

Главная / Пресса / Наша свадьба в стиле fine art: опыт невесты Источник: https://weddywood.ru/nasha-svadba-v-stile-fine-art-opyt-nevesty/

Свадьба Маши и Вовы — это воплощение стиля fine art: она такая нежная, легкая и искренняя! Но за подготовкой этого праздника стояла большая работа. И сегодня Маша поделилась с нами своим опытом подготовки.

Выбор агентства

Подготовка к свадьбе началась почти сразу после предложения, когда мы решили, что свадьбе быть и мы оба этого искренне хотим! Мы понимали, что не будем пытаться все сделать самостоятельно, а прибегнем к помощи профессионалов. И сейчас мы можем сказать, что это было самое первое и самое правильное наше решение в подготовке. Мы часто переоцениваем себя и недооцениваем вклад агентства, и в результате сталкиваемся с разочарованием и большими финансовыми тратами. Поэтому ищите и находите своих людей, доверяйте и получайте удовольствие от процесса, ведь эти полгода подготовки – совершенно особенное, сказочное время!

Поиск агентства начался самым простым путем – я мониторила свадебные издания, порталы, смотрела рейтинги, изучала сайты, читала форумы. В общем, подошла к этому достаточно основательно, потому что понимала, что сейчас мы делаем самый главный выбор! Затем мы отобрали несколько вариантов для встреч. Выбор был сделан сердцем — скромное обаяние JulyEvent подкупает бесповоротно. Очень важно найти и выбрать именно своих по настроению, по атмосфере, по подходу людей.

А что касается бюджета, очень хочется сразу заметить, что работа была такой основательной, что девочки сделали все возможное и невозможное, чтобы вписаться в наши рамки. Все, что касалось финансовых затрат, девочки освещали так детально и прозрачно, что даже у моего мужа-немца с его природной внимательностью к деталям не возникало никаких вопросов. Это залог спокойной, счастливой и эффективной подготовки!

Концепция свадьбы

Подготовка к свадьбе началась почти сразу после предложения, когда мы решили, что свадьбе быть и мы оба этого искренне хотим! Концепция свадьбы зарождалась постепенно и была по большей части продиктована местом ее проведения. Одно мы знали точно – это должна быть легкая, очень веселая и непринужденная вечеринка, нежная и теплая, как дружеские объятия.

Изначально в агентство мы пришли с определенными идеями, но, когда определились с местом, решили немного изменить стилистику. Очень важно оставаться гибкими и слушать своих подрядчиков, доверять их профессиональному чувству вкуса и таланту, раз уж вы их выбрали. Оглядываясь назад, я понимаю, как аккуратно наши организаторы уводили нас от не совсем верных решений, как тонко и деликатно предлагали альтернативы, и всегда это было так правильно и вовремя!

Выбор подрядчиков

С местом мы определились очень быстро, нам хватило два дня на осмотр площадок. А вот после этого начинается очень долгая работа по ведению переговоров с площадкой, обсуждению условий, утверждению необходимых пунктов… Все это взяли на себя наши организаторы. Свадьбу мы назначили на пятницу, что было правильным решением, т.к. в этот день многие подрядчики свободны.

Одним из первых мы утвердили Рому Хлюстова, видео которого я уже «до дыр и до слез заездила» и никого другого у себя и не представляла. Сразу же утвердила и декоратора Верочку Хлюстову, так как знала ее уже по Инстаграму и ее творчество мне откликалось. Вера услышала все мои пожелания и создала идеальную картинку нашей свадьбы!

Далее был выбор фотографа. Это оказалось одним из самых сложных вопросов — я склонялась к репортажной съемке, Володя — к файн-арту и более мягким краскам. В итоге по совету организаторов мы выбрали Максима Колибердина, который является безупречным мастером файн-арта, но при этом его работы очень живые и эмоциональные! Ведущего мы выбрали сразу – Сережа Негинский был первый в списке рекомендованных девочками.

Образ невесты

Свое платье, прическу и аксессуары я вынашивала как ребеночка! Для меня было очень важно найти свой идеальный образ, и конечно, понравиться жениху в этот день. Я объехала почти все именитые и не очень салоны Москвы, но так и не смогла встретить платье мечты… И я решила его шить.

Дизайнер Алена Безруких сделала эскиз именно моего платья мечты, было ощущение, что она просто рисует его из моих фантазий! Это было совершенно особенное, наполненное волшебством и сказкой время — Алена подбирала самые правильные материалы, самые нежные вышивки, самые идеальные решения…

Я ни разу не усомнилась в правильности своего выбора и очень счастлива, что у нас есть такие талантливые и честные мастера. Стилиста-визажиста мне посоветовала как раз Алена, так как она работала со Светой на нескольких проектах. После первой репетиции Света поняла, что со мной будет непросто, но не сдалась, за что ей огромное спасибо! Такую непростую невесту-перфекциониста еще поискать… Но Света все сделала идеально!

День свадьбы

Мы решили, что утро проведем раздельно, так что я уехала в Сенешаль накануне вечером с мамой. Мне очень хотелось, чтобы рядом был мой самый близкий и родной человек. Мне было так важно прочувствовать всю мамину нежность, переживание, заботу и теплоту в это утро! Это так сближает и дарит очень правильное настроение на весь день. Такое утро возможно только раз в жизни, не отказывайте себе и маме в нем.

И вот он, один из самых ярких и запоминающихся моментов: наша первая встреча. Когда Вова меня впервые увидел, он отошел на пару шагов. Несколько секунд смотрел молча, потом из глаз покатились слезы, и он сказал, что он не может поверить, что я — его! И тут я поняла, что нам с девочками все удалось. Ведь, как ни крути, важнее всего в этот день нравиться ему! За эти секунды можно многое отдать, и большое спасибо девочкам, что помогли сделать эти мгновения такими незабываемыми!

Опыт невесты

Я не была той невестой, которая заранее знала, как пройдет этот день, в каких цветах, нарядах и т.д. Вдохновение и идеи приходили ко мне по ходу подготовки. А некоторые вещи, которые казались «незыблемыми» и нерушимыми, сыпались как песочные замки. Например, церемония в день бракосочетания, белый лимузин или море букетов от гостей.

Я ни в коем случае не хочу сказать, что это плохо, но очень хочется посоветовать всем женихам и невестам – пожалуйста, думайте о себе в первую очередь! Это ваш день, и очень важно насладиться им от первой до последней минуты, прожить каждое мгновение. Поэтому осуществляйте свои мечты и фантазии и поменьше думайте о том, что от вас ожидают родственники. Не пытайтесь угодить всем! И еще очень хочется сказать – женитесь! Не отказывайте себе и вашим любимым людям в этих эмоциях и в этом счастье.

Наша свадьбы была неповторимой, искрящейся счастьем, радостью, волнением и драйвом! От самой первой минуты до самого конца — она была безупречна. Спросите, что бы мы хотели изменить? Да ничего! Так не бывает? Бывает! Просто ищите и находите своих людей, и день свадьбы станет для вас восторгом на всю жизнь! Спасибо, наши милые JulyEvent! Сколько вы проделали работы, невидимой для глаз, как по взмаху волшебной палочки решали такие разные вопросы: неотглаживающееся платье невесты, встреча опоздавших гостей, смена платья… Спасибо за ваш идеальный вкус, за самый вкусный торт и самую крутую группу, за самые искренние улыбки и слезы, вы – навсегда часть сердца и души нашей семьи!

Вся пресса

Ванная комната в стиле art-deco

Популярный ныне стиль арт-деко (или на французский манер, ар деко) появился в 30-х годах ХХ века в странах Западной Европы и Америки, и был отражением необыкновенного творческого подъема, присущего эпохе джаза. Интерьеры в стиле арт-деко – это контрастные цвета, сложные геометрические формы, контурность, абстракция и эклектичность. Этот стиль не ставит целью создать уют, он стремится быть замеченным и оцененным по достоинству.

Арт-деко в интерьере ванной комнаты подразумевает использование таких материалов как стекло, сталь, алюминий, керамика, натуральное дерево и натуральная кожа (последние особенно эффектно сочетаются в коллекциях мебели Deco от Bianchini & Capponi, Four Seasons от Milldue, в коллекции ванн Milo от Gruppo Treesse кожа удивительным образом сочетается со стеклом, а в напольных раковинах и свободностоящих ваннах George от Falper – с керамикой и сталью). Поверхность предметов интерьера, как правило, глянцевая или лакированная, это касается не только фасадов мебели, но и панелей ванн (к примеру Academy, Rivoli, Lutetia от Oasis, Hilton и Four Seasons от Milldue).

Ванная комната в стиле арт-деко роскошна и эффектна. Цветовой основой служат белый и черный, часто применяется сочетание с красным, синим или желтым (особенно яркий пример – ванны коллекции Accademia Decori от Teuco, здесь и трапециевидная форма, и контрастные цвета, и свойственные стилю полосы). Светлые и темные оттенки в арт-деко контрастируют с золотом или серебром/хромом (яркие примеры — аксессуары Antique Georgian и Jubilee от Devon&Devon, раковины Charme от Globo, мебель Glamour от Eurolegno и Il Bagno от Antonio Lupi, ванны Majestic от Milldue и Rivoli от Oasis). Часто на стенах присутствуют монохромные картины с изображением всемирно известных городов. Интересное решение для ванной комнаты – дизайн-радиаторы Cinier (в частности модели Manhattan, Paris My Love), выполняющие не только функцию обогрева, но и стильного элемента декора.

В освещении широко используются светильники и люстры, выполненные из стекла и металла, часто с геометрическими формами, например как в коллекции Vichy от Oasis, Time от Devon&Devon, Vela от Eban. Подобные формы свойственны и смесителям (Eleganza от Gessi, Profil Lalique от THG). Однако весьма популярно использование в ваннах арт-деко различных фигур животных и птиц (коллекция смесителей Lalique от THG, Excelsior Swan от Devon&Devon).

Таким образом, стиль арт-деко весьма многоликий, описать его двумя-тремя фразами едва ли получится. Но именно арт-деко ассоциируется с богемной роскошью круизных лайнеров подобных Титанику и с голливудскими фильмами о жизни миллионеров 30х годов. Этот стиль ориентирован на истинных ценителей красивой жизни, обладающих изысканным и утонченным вкусом.

Квартира в стиле поп-арт. Решайся на смелый интерьер

Создаем дерзкое, броское и креативное помещение

Словосочетание «поп-арт» у многих вызывает стойкие ассоциации с яркими комиксами и аляповатым декором. Если ты думаешь, что этот стиль подойдет только крайне креативным и неординарным личностям, то это не так. Даже местами шокирующие картины и ядовитые цвета можно гармонично сочетать со сдержанным характером помещения.
Несмотря на дерзость, поп-арт – это не безвкусица, а неординарный интерьер с чувством юмора. Как можно внести в свой дом новизну и капельку эпатажа, но не переборщить с цветами – узнаешь в этом материале.

Цветовые решения

Отличительной особенностью стиля поп-арт, конечно же, являются сочные контрастные краски – синий и красный, черный и белый, желтый и зеленый. Самый распространенный вариант для помещения – однотонные стены, украшенные яркими геометрическими картинами, иногда с несочетаемыми цветами. Чтобы не перегрузить интерьер, обычно пол и потолок выполнены в белых или холодных серых тонах. Но возможен и другой вариант. Потолок или пол (что-то одно) могут полностью покрывать рисунки с героями любимых комиксов или изображением с музыкальными группами в кислотной гамме. В этом случае можно обойтись без афиш и картин.

Отделка помещения

В этом дерзком стиле будет уместен глянец, ведь блеск и сияние подходят для поп-арта. Стены просто окрашены краской или отштукатурены, а потолки обычно натяжные или подшивные, чтобы можно было установить подсветку. Отличительной особенностью будет являться создание одной стены с акцентом – ее можно оклеить обоями с геометрическим принтом или вручную разукрасить граффити. На пол обычно укладывают ламинат или ковролин, а паркет лучше не использовать.

Мебель в интерьере поп-арт

Минимализм – это, пожалуй, основное правило при выборе мебели. Но подход к этому принципу может быть разным. Либо ты ставишь какой-то кричащий пуф в виде ярко-красных губ, либо напротив выбираешь спокойный диван лаконичной формы, который будет сглаживать впечатление от шокирующего плаката на стене. Также актуально будет смотреться кресло в бросающейся в глаза обивке, которое по дизайну будет отличаться от дивана. В этом стиле актуальна трансформирующаяся мебель, встроенные ниши и шкафы. А вот массивные стенки и комоды никак не подходят к этому неординарному интерьеру. Также впишутся в пространство низкие столики округлой формы, большое количество декоративных подушек, глянцевые стулья из пластика.

Декор

Экстравагантный поп-арт предполагает наличие достаточно большого количества декора: портреты, постеры на стенах, календари. Вместо вазы здесь может стоять стеклянная бутылка, в углу – светильник эпатажной формы. Кстати, комбинация разных по дизайну источников освещения является отличительной чертой этого стиля. Удели внимание мелочам: недорогая посуда на столиках, сочные декоративные подушки с узорами на диване. При этом не забывай об единой концепции – не стоит перегружать помещение бессмысленным нагромождением всего экспрессивного. Остановись на образах знаменитостей (Мэрлин Монро, Элвиса Пресли или Одри Хепберн) и товарах массового потребления (бутылки кока-колы, статуэтки Микки Мауса). Сюда же подойдут крупные скульптуры, журналы и книги в ярких обложках.

Рассказать друзьям:

Дрим-Арт портрет на холсте. Фото в стиле Дрим арт

---

Стоимость изготовления портрета с Вашей фотографией от 2900Р
Отрисовка второго и следующего человека на портрете составляем 805Р
Сроки изготовления от 2 суток. Срочное изготовление +50% к стоимости заказа!

При заказе портрета по фотографии с количеством человек более одного, а также «сложных» портретов, с максимальной детализацией, минимальная стоимость предоплаты 500Р
Предоплата к возврату не подлежит.

Портрет в стиле «Дрим Арт» — это буйство красок и позитивных эмоций. Данный вид обработки создаётся художником на графическом планшете, после чего печатается на холсте. Особенностью данной техники, является проработка художником всех тонких линий, добавления ярких красок и брызг, больше насыщенности и красочности, что помогает выделить этот стиль среди других. По желанию, вы можете дополнительно заказать обработку настоящими краскам, после отрисовки на планшете, для получения более фактурных мазков и ещё более привлекательного вида.

Заказать данную обработку в нашей мастерской не составляет труда. Вы можете воспользоваться формой для расчета и оформления заказа, или позвонить нам по телефону. Наши специалисты всегда помогут и проконсультируют по любому возникшему вопросу.

Цены на картину стандартных размеров

Ознакомительная таблица цен, в которой указана конечная цена за портрет в базовых размерах. В стоимость входит, обработка фотографии, печать на натуральном холсте, натяжка на подрамник и установка подвеса. При желании вы можете заказать любой нужный вам размер. Для этого нажмите «Заказать с доп. параметрами.»

Размер портрета	«Дрим Арт»
30×45 см	2896 Р
40×60 см	3416 Р
50×70 см	3881 Р
60×90 см	4624 Р
80×120 см	6055 Р
100×150 см	7710 Р

Портреты в стиле поп арт – красиво и оригинально

История зарождения новой модной тенденции, получившей название Поп-арт, берет своё начало в 50-60 годах прошлого столетия, придя на смену абстрактному экспрессионизму. Автором этого направления считается популярный творческий деятель того времени – Энди Уорхол, который, используя технику шелкографии, искусно преобразил портрет Мерлин Монро.

 Photo: cedroarte.com

В наше время портреты в стиле Поп-арт – это неповторимый подарок и неизменный атрибут обитателей соцсетей, ценящих экспрессию, динамику, креативность и, как правило, отрицающих стандарты. Познакомиться с характерными особенностями стиля поп-арт, а также посмотреть лучшие яркие портреты можно здесь: cedroarte.com.

Этому направлению присущи броские образы, неестественные, но яркие цвета и резкие очертания. Портрет создается профессиональным художником по фотографии заказчика, при этом для достижения максимального сходства с оригиналом влияние творческого порыва минимизируется. Понятно, что любой художник имеет собственное видение и стиль, но основная задача все же заключается в том, чтобы работа понравилась заказчику. В готовом полотне должен прослеживаться подобранный образ. Этому направлению присуща романтика и поэтому многие заказывают работу к годовщине свадьбы, знакомства или первой встрече.

Герою картины не обязательно часами позировать художнику, томиться в процессе рисования, тратить время и терпение. Достаточно предоставить исполнителю фотографию, оговорить цветовую гамму, утвердить эскиз, другие нюансы и уже спустя пару дней забрать заказ. После высыхания холст покрывается тройным защитным слоем глянцевого лака, который предотвращает опасность механического повреждения и воздействия прямых солнечных лучей.

Портрет поп арт – необычный и оригинальный подарок, который займет достойное место в любом помещении. По сути, это настоящее произведение искусства, радующее глаз и дарящее положительные эмоции. Неужели вам было бы неприятно, если бы интерьер вашей комнаты или рабочего кабинета украшала такая картина, да ещё и с вашим изображением? Для эпатажного, красивого, стилистического портрета, найдется место и в спальне, и на кухне, и в гостиной, и даже в офисе.

Учитывая очередной всплеск популярности стилистики поп-арт, у каждого из нас появилась уникальная возможность порадовать свою половинку или родных людей модным, креативным и стильным подарком. Это особенно актуально, если вы не знаете что подарить человеку, у которого уже все есть!

Наталия Пешкова © Gallerix.ru

---

]]> ]]>

Что такое концептуальное искусство? (Развитие и эволюция)

Истоки и художники концептуального искусства

Писсуар Дюшана

Истоки концептуального искусства, можно сказать, восходят к 1917 году и к Марселю Дюшану. Художник купил писсуар в магазине сантехника и представил его как скульптуру на открытой выставке скульптур в Нью-Йорке, которую он входил в отборочную комиссию. Жюри отклонило работу, посчитав ее аморальной и отказавшись принять ее как искусство.Вопрос Дюшана о границах искусства и его критика художественного истеблишмента проложили путь концептуальному искусству.

Fluxus

В начале 1960-х термин «концепт-арт» уже использовался членами движения Fluxus, такими как Генри Флинт. Fluxus — это группа, в которую входили художники из Азии, Европы и США. Движение было направлено на создание открытого отношения к искусству, далекого от исключительности модернизма. Художники Fluxus были заинтересованы в расширении диапазона референций эстетики ко всему, от объекта до звука или действия.Среди известных художников Fluxus — Йоко Оно, которая принимала активное участие в различных мероприятиях Fluxus как в Нью-Йорке, так и в ее родной Японии, и Джозеф Бойс в Германии. Хотя не всегда точно считается частью движения концептуального искусства, Fluxus, без сомнения, является одним из его влияний. Это была важная тенденция на той же волне, что и концептуализм, и его художники часто считаются концептуалистами.

«Черные картины» Фрэнка Стеллы

В конце 1950-х — начале 1960-х годов Фрэнк Стелла создал серию «Черных картин», которые обозначили решающий момент разрыва между модернизмом и контрмодернистскими практиками.Эта серия работ приведет к появлению минимализма и концептуального искусства. Суть этих работ заключалась в том, чтобы буквально подчеркнуть и повторить форму холста, перенеся работу со стены в трехмерное пространство. Это была атака на модернизм, породившая нечто совершенно антиформное. Произведение искусства превратилось в действия и идеи, и с этого момента казалось, что шлюзы открылись, и художники переместились на совершенно новую территорию. Модернизму действительно пришел конец.

«Параграфы концептуального искусства» Сола Левитта

Статья Сола Левитта «Параграфы концептуального искусства» 1967 года в Artforum была одной из самых важных работ по концептуализму. В статье концептуальное искусство представлено как новое авангардное движение. Фактически, термин «концептуальное искусство» появился в этой статье впервые. Начало статьи Левитта стало общим заявлением о концептуальном подходе: «В концептуальном искусстве идея или концепция являются наиболее важным аспектом работы.Когда художник использует концептуальную форму в искусстве, это означает, что все планирование и решения принимаются заранее, а исполнение — дело формальное. Идея становится машиной, создающей искусство ».

---

Получайте эксклюзивную коллекцию подобных статей каждую неделю

---

Пик концептуального искусства

Джозеф Кошут

Концептуальное искусство как четкое движение начало появляться в конце 1960-х гг. В 1967 году Джозеф Кошут организовал в Нью-Йорке выставки Nonanthropomorphic Art и Normal Art , на которых были представлены работы самого Кошута и Кристины Козлов.В своих записях, сопровождающих выставку, Кошут писал: «Настоящие произведения искусства — это идеи». В том же году он выставил свою серию под названием (Искусство как идея как идея). Эта серия работ состояла не из визуальных образов, а из слов, которые были в центре дискуссии о статусе современного искусства — «значение», «объект», «репрезентация» и «теория» и другие.

Art & Language Group

Тем временем в Англии Art & Language Group изучала последствия предложения все более и более сложных объектов в качестве произведений искусства (примеры включают столб воздуха, Оксфордшир и французскую армию).Первое поколение Art & Language Group было сформировано Терри Аткинсоном, Майклом Болдуином, Дэвидом Бейнбриджем и Гарольдом Харреллом в 1966-67 годах. Позже группа также расширилась до США. В 1972 году они выпустили Art & Language Index 01 для Documenta V. Это была инсталляция, состоящая из группы из восьми картотек, содержащих 87 текстов из журнала Art-Language .

Шесть лет Люси Липпард

Книга Люси Липпард Шесть лет , охватывающая первые годы движения концептуального искусства (1966-1972), вышла в 1973 году. Учитывая запутанный и сложный характер концептуального искусства, американский художник Мел Бохнер осудил ее рассказ как запутанный и произвольный. Спустя годы Липпард будет утверждать, что большинство описаний концептуализма ошибочны и что нельзя доверять воспоминаниям о реальных событиях, связанных с развитием концептуального искусства, — даже самим художникам.

Глобальное концептуальное искусство

Европа

Как указывалось ранее, концептуализм был важен не только в США и Англии, но также широко изучался и развивался в других частях мира, где работа часто находилась далеко. более политизированный.Во Франции примерно во время студенческих восстаний 1968 года Даниэль Бюрен создавал искусство, которое должно было бросить вызов и критиковать институт. Его целью было не привлечь внимание к самим картинам, а к ожиданиям, создаваемым художественным контекстом, в котором они были помещены. В Италии Arte Povera возникло в 1967 году, сосредоточившись на создании искусства без ограничений традиционных практик и материалов.

Латинская Америка

В Латинской Америке художники выбирали в своей работе более прямой политический отклик, чем художники-концептуалисты в Северной Америке и Западной Европе.Бразильский художник Сильдо Мейрелеш повторно представил реди-мейд с его серией Insertions into Ideological Circuits (1969). Он вмешивался в объекты из систем обращения, такие как банкноты и бутылки из-под кока-колы, наклеивая на них политические сообщения и возвращая их в систему таким образом.

Советский Союз

В Советском Союзе искусствовед Борис Гройс назвал группу российских художников, работавших в 1970-х, «московскими концептуалистами».Они смешали советский социалистический реализм с американской поп-музыкой и западным концептуализмом.

Синди Шерман, Без названия № 359, 2000 г. Фото любезно предоставлено MoMA

Contemporary Conceptual Art

Концептуализм в современной практике часто называют современным концептуализмом. Современные концептуальные произведения часто используют междисциплинарные подходы и участие аудитории, а также критикуют институты, политические системы и структуры, а также иерархии. Художники, которые явно используют различные техники и стратегии, связанные с концептуальным искусством, включают Дженни Хольцер и ее использование языка, Шерри Левин и ее фотографическую критику оригинальности, Синди Шерман и ее игру с идентичностью, а также использование текста и фотографии Барбары Крюгер.

Когда мы исследовали сложную и обширную историю и современность концептуального искусства, на ум приходят несколько вещей. Одна из его самых сильных сторон заключалась в том, чтобы взять на себя ответственность по-настоящему исследовать природу искусства и институтов. Иногда это было искусство сопротивления господствующему порядку. В других случаях это было циничное зеркало мира искусства или глубоко философское начинание. Многие художники презирали, когда их помещают в коробку с концептуальным искусством, как и в любую коробку. Тем не менее, мы попытались провести определенные границы между различными художниками, событиями и системами мышления, которые некоторое время вращались по одной и той же орбите и которые можно лучше понять под эгидой концептуализма.

---

Часто задаваемые вопросы о концептуальном искусстве

Что означает концептуальное в искусстве?

Когда художник использует концептуальную форму искусства, это означает, что все планирование и аранжировки делаются заранее, а исполнение — более поверхностный процесс.В концептуальном искусстве процесс, стоящий за работой, более важен, чем готовое произведение искусства.

Каковы характеристики концептуального искусства?

Концептуальное искусство в основном сосредоточено на «идеях и целях», а не на «произведениях искусства» (картины, скульптуры и другие ценные предметы). Он характеризуется использованием различных носителей и опор, а также разнообразных временных повседневных материалов и «готовых предметов».

Кто является отцом концептуального искусства?

Марсель Дюшан часто известен как родоначальник концептуального искусства.Он наиболее известен своими готовыми работами, такими как Fountain , знаменитый писсуар, который он назвал искусством в 1917 году и который считается первым концептуальным произведением искусства в истории искусства.

---

Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?

---

Соответствующие источника, чтобы узнать больше

Узнайте больше о концептуализме до, во время и после концептуального искусства Терри Смита
Узнайте больше о термине Art на: Tate Publishing

Что такое дадаизм, дада-искусство или дадаизм ?

Статьи и особенности

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 г.

Искусство: дадаизм

Во время Первой мировой войны бесчисленное количество художников, писателей и интеллектуалов, которые выступали против войны, искали убежища в Швейцарии. Цюрих, в частности, был центром для людей в изгнании, и именно здесь Хьюго Болл и Эмми Хеммингс открыли 5 февраля 1916 года Кабаре Вольтер. Кабаре было местом встречи для более радикальных художников-авангардистов. Это нечто среднее между ночным клубом и центром искусств, художники могли выставлять здесь свои работы среди ультрасовременной поэзии, музыки и танцев.Ханс (Жан) Арп, Тристан Цара, Марсель Янко и Ричард Хюльзенбек были среди первых авторов Кабаре Вольтер. По мере того как бушевала война, их искусство и выступления становились все более экспериментальными, диссидентскими и анархичными. Вместе они протестовали против бессмысленности и ужасов войны под боевым кличем DADA.

---

Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?

---

Что такое дадаизм, дада или дадаизм?

Словом, нонсенс.Однако как движение искусство дада оказалось одним из революционных движений начала двадцатого века. Первоначально задуманный группой авангардных модернистов в прелюдии к Первой мировой войне, но более полно принятый после нее, дадаизм воспевал удачу вместо логики и иррациональности вместо расчетливого намерения.

Ключевые даты: 1916-1924
Ключевые регионы: Швейцария, Париж, Нью-Йорк
Ключевые слова: Случайность, удача, ерунда, анти-искусство, readymade Ханс (Жан) Арп, Ханна Хёх, Ман Рэй, Франсуа Пикабиа
Ключевые характеристики: Юмористический, склонный к абсурду, сатирический подход к власти

Происхождение дадаизма

Центральная предпосылка движения искусства Дада (Дада — это разговорный французский термин для лошади-любителя) был ответом на современную эпоху.Реагируя на рост капиталистической культуры, войну и сопутствующую деградацию искусства, художники в начале 1910-х годов начали исследовать новое искусство или «антиискусство», как описал Марсель Дюшан. Они хотели обдумать определение искусства, и для этого они экспериментировали с законами случая и с найденным объектом. Это была форма искусства, основанная на юморе и умных поворотах, но в самом ее основании дадаисты задавали очень серьезный вопрос о роли искусства в современную эпоху. Этот вопрос стал еще более актуальным по мере распространения искусства дада — к 1915 году его идеалы были приняты художниками в Нью-Йорке, Париже и за его пределами — и когда мир погрузился в зверства Первой мировой войны.

Жан Арп, Созвездие с пятью белыми формами и двумя черными, вариация III, 1932 год, любезно предоставлено Гуггенхаймом

Пришествие готовых форм

Одной из самых знаковых форм, появившихся среди этого расцвета дадаистского выражения, была готовая скульптурная форма, усовершенствованная Марселем. Дюшан.Это были работы, в которых Дюшан перепрофилировал найденные или фабричные объекты в инсталляции. В «Advance a Broken Arm» (1964), например, описывалось подвешивание лопаты для снега к опоре на галерее; Fountain (1917), возможно, самый узнаваемый из готовых изделий Дюшана, включал в себя серийный керамический писсуар. Вынимая эти объекты из предназначенного для них функционального пространства и возводя их на уровень «искусства», Дюшан подшучивал над художественным истеблишментом, а также просил зрителя серьезно задуматься о том, как мы ценим искусство.

Различные режимы дадаизма

Как показывают реди-мейды Дюшана, дадаисты и движение Дада не уклонялись от экспериментов с новыми медиа. Жан Арп, например, исследовал искусство коллажа и потенциал случайности при его создании. Ман Рэй также играл с искусством фотографии и аэрографии как с практиками, которые отделяли руки художника и, таким образом, предполагали сотрудничество с шансом. Помимо этих художественных средств массовой информации, дадаисты также исследовали литературное и исполнительское искусство.Например, Хьюго Болл, автор объединяющего манифеста Дадаизма 1916 г., исследовал освобождение письменного слова. Освобождая текст от обычных ограничений публикуемой страницы, Болл играл с силой бессмысленных слогов, представленных как новая форма поэзии. Эти дадаистские стихи часто превращались в перформансы, что позволяло этой сети художников легко перемещаться между медиа.

Hugo Ball, Cabaret Voltaire, 1916

Примеры

известных произведений дадаизма

Движение принесло много известных произведений искусства. Вот несколько избранных примеров работ дадаизма:

1. Фонтан Марселя Дюшана (1917)
2. Велосипедное колесо Марселя Дюшана (1913)
3. Скрипка Энгра Ман Рэя (1924)
4. Звуковая поэма Хьюго Болла Караване (1916)
5. Рауль Механическая голова Хаусмана (Дух нашего времени) (1920)

1. Фонтан Марселя Дюшана (1917)

В 1917 году Марсель Дюшан представил писсуар в Общество независимых художников.Общество отказалось от Фонтан , поскольку считало, что это не может считаться произведением искусства. Фонтан Дюшана поднял бесчисленное количество важных вопросов о том, что делает искусство искусством и считается главной достопримечательностью искусства XX века.

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917

2. Велосипедное колесо Марселя Дюшана (1913)

«В 1913 году у меня возникла счастливая идея прикрепить велосипедное колесо к кухонному табурету и посмотреть, как оно вращается», — сказал Марсель Дюшан. о своей знаменитой работе Велосипедное колесо . Велосипедное колесо — первый из готовых изделий Дюшана. Readymades были отдельными объектами, которые Дюшан перепозиционировал или подписывал и называл искусством. Он назвал Bicycle Wheel «ассистируемым редимейдом», созданным путем объединения более чем одного утилитарного предмета в произведение искусства.

Марсель Дюшан, Велосипедное колесо, 1913

3. Скрипка Энгра Мана Рэя (1924)

Рисуя f -отверстия струнного инструмента на фотопринте его обнаженной модели Кики де Монпарнас и фотографируя репродукцию Ман Рэй изменил то, что изначально было классическим обнаженным телом.Женское тело теперь превратилось в музыкальный инструмент. Он также добавил название Le Violon d’Ingres , французское идиомы, означающее «хобби».

Ман Рэй, Скрипка Энгра, 1924

4. Звуковая поэма Хьюго Болла Karawane (1916)

Основатель Cabaret Voltaire и автор первого дадаистского манифеста в 1916 году, большая часть работ Болла была в жанре звука поэзия. В 1916 году, в том же году, когда был опубликован первый дадаистский манифест, Болл исполнил звуковое стихотворение Karawane .Начальные строки были:

«jolifanto bambla o falli bambla
großiga m’pfa habla horem»

Остальная часть стихотворения во многом повторяет те же строки. Хотя стихотворение можно было спутать со случайным, безумным бредом, саунд-поэзия действительно была глубоко изученным методом в экспериментальной литературе. Идея заключалась в том, чтобы вывести на передний план звуки человеческой вокализации, убрав все остальное.

Hugo Ball, Karawane, 1916

5. Механическая голова Рауля Хаусмана (Дух нашего времени) (1920)

Рауль Хаусманн был поэтом, коллажистом и художником-перформансом, наиболее известным своей скульптурой под названием Механическая голова (Дух нашего времени) .Голова манекена, сделанная из цельного деревянного бруска, является противоположностью утверждения Гегеля о том, что «все есть разум». Для Хаусманна человек пустоголовый, «у него не больше возможностей, чем те, которые случайность приклеила к внешней стороне его черепа». Поднимая эти темы, Хаусманн хотел создать образ, который разрушит господствующие западные представления о голове как о вместилище разума.

Рауль Хаусманн, «Механическая голова» (Дух нашего времени), 1920

Принятие, падение и распространение дадаистских идеалов

Новые смелые подходы дадаистов вызвали споры в современной культуре.Их быстрый разрыв с традициями, их страстное стремление к новому способу самовыражения и их готовность вернуть почитаемый мир «изобразительного искусства» на более высокий уровень и равноправное игровое поле с помощью юмора и пытливого исследования позволили художникам Дада привлечь и фанаты и враги их творчества. Некоторые видели в дадаистском самовыражении следующий шаг вперед в авангардном марше; другие упускали из виду значение и вместо этого видели в произведениях, таких как реди-мейды Дюшана, не искусство, а просто составляющие их объекты (что привело к тому, что некоторые оригиналы были отправлены на свалку).

Дадаизм охватил публику в 1920-е годы, но движению в целом было суждено рухнуть. Некоторые, как Ман Рэй, обнаружили, что их склонности переходят в подсознательную сферу сюрреализма; другие сочли давление на современного европейского художника слишком тяжелым, чтобы его выдержать. Приход к власти Адольфа Гитлера в 1930-х годах нанес мощный удар по миру современного искусства, поскольку маниакальный деспот стремился искоренить корни современного искусства, область, которую он считал «дегенеративной». В результате художники Дада стали свидетелями того, как их работы высмеивали или уничтожали, и поэтому предпочли сбежать из душного воздуха Европы в более свободный художественный климат Соединенных Штатов и за их пределами.

Думали, что многие из этих первоначальных членов рассеялись, идеалы дадаизма остались живы и процветают среди современных художников. Во многих отношениях можно увидеть возрождение нити дадаизма, например, в эпоху поп-арта, когда перепрофилированные мотивы и культурные комментарии, появляющиеся из студий таких художников, как Энди Уорхол, перекликались с намеком на дадаистские интриги. Именно во второй половине двадцатого века момент дадаизма был полностью осознан. В дополнение к двум крупным международным ретроспективам, анализирующим творчество дадаистов (одна в 1967 году в Париже, а другая в 2006 году на различных международных площадках), было уделено больше внимания пониманию и сохранению их наследия.

Hannah Höch, Da-Dandy, 1919

Коллекционирование дадаистских произведений

Дадаистские работы, хотя и обладают универсальной привлекательностью, могут оказаться сложной задачей для коллекционирования. Помимо вопросов аутентичности, трудно составить график или спрогнозировать цены, которых могут достичь такие работы, — проблема связана с огромным разнообразием средств массовой информации. При этом можно отметить постоянство, с которым работы дадаистов на аукционах превзошли ожидания. Знаменитая продажа картины Марселя Дюшана Nu sur nu (1910-1911) более чем за 1 доллар.4 миллиона долларов в июне 2016 года увеличили предполагаемую цену продажи в два раза с 555 000 до 775 000 долларов. Модель Ventilateur (1928) Франсуа Пикабиа была продана на Sotheby’s в феврале 2016 года за более чем 3,1 миллиона долларов, что соответствует верхней границе прогнозируемого диапазона продаж. Эта тенденция, по-видимому, предполагает, что интерес к художественному выражению Дада и движению Дада все еще жив и здоров, и коллекционеры осведомлены о выгодных сделках, которые могут появиться на аукционах.

FAQ
Что такое дадаизм?

Дадаизм — это художественное направление начала 20 века, предшествовавшее сюрреализму и уходящее корнями в ряд крупных европейских столиц искусства.Возникшее в ответ на ужасы Первой мировой войны, движение дадаистов отвергало разум, рациональность и порядок зарождающегося капиталистического общества, вместо этого отдавая предпочтение хаосу, бессмыслице и антибуржуазным настроениям.

Кто основные художники-дадаисты?

Самыми известными художниками Дада являются Марсель Дюшан, Фрэнсис Пикабиа и Ман Рэй в Париже, Джордж Гросс, Отто Дикс, Джон Хартфилд, Ханна Хёх, Макс Эрнст и Курт Швиттерс в Германии, а также Тристан Цара, Ричард Хюльзенбек, Марсель Янко. и Жан Арп в Цюрихе.

Откуда зародился дадаизм?

Существуют некоторые разногласия относительно того, где был основан Дадаизм. Многие считают, что это движение впервые появилось в Cabaret Voltaire, авангардном ночном клубе в Цюрихе, другие утверждают, что оно имеет румынское происхождение. Ясно то, что во время Первой мировой войны, особенно в 1916 году, возникла общеевропейская чувствительность, и что явных приверженцев основных тем можно выделить в Цюрихе, Берлине, Париже, Ганновере, Кельне, Нидерландах и даже в Нью-Йорке. .

Каковы основные характеристики дадаизма?

Дадаизм часто характеризуется юмором и причудой, склонной к абсурду. Такое доброе отношение использовалось в качестве сатирической критики преобладающих социальных и политических систем, которым в значительной степени приписывали натиск Первой мировой войны.

Что означает дадаизм?

Название Дада произошло от вздора и иррациональности. На некоторых языках это означало «да, да» как пародия на бессмысленное подчинение населения властям, тогда как на других оно имело совершенно другие значения и коннотации.Название приписывают Ричарду Хуэльзенбеку и Хьюго Боллу, хотя Тристан Цара также заявлял о своем авторстве — идея заключалась в том, что оно могло иметь несколько бессмысленных значений.

Как дадаизм — реакция на Первую мировую?

Дадаизм был движением с явно политическим подтекстом — реакцией на бессмысленную бойню в окопах Первой мировой войны. По сути, он объявил войну войне, противопоставив абсурдности погружения истеблишмента в хаос своей собственной чепухой.

Заинтересованы в других направлениях и стилях искусства, кроме дадаизма? Прочтите нашу статью о 25 лучших художественных движениях и стилях.

---

Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?

---

Подробнее

Что такое искусство экспрессионизма? [+ Художники-экспрессионисты]

Статьи и статьи

Василий Кандинский, Der Blaue Reiter, 1910

Шира Вулф

В начале двадцатого века по Европе прокатилась художественная тенденция, подстегиваемая сопротивлением буржуазной культуре и страстью. поиск обновленных творческих способностей.Это стало известно как экспрессионизм. Слова, которые характеризуют художников-экспрессионистов и экспрессионистское искусство, — это «я», психика, тело, сексуальность, природа и дух. Во Франции голландский художник Ван Гог копал глубоко и раскрыл свою необычную, беспокойную и яркую психику; в Германии русский Василий Кандинский исследовал духовность в искусстве как противоядие от отчуждения в современном мире; в Австрии Эгон Шиле и Оскар Кокошка боролись с моральным лицемерием общества, затрагивая такие темы, как сексуальность, смерть и насилие; наконец, Эдвард Мунк произвел фурор в Норвегии и по всей Европе своим диким, интенсивным выражением окружающей среды, своего «я» и психики.Вместе эти художники затронули очень сырые, истинные и вечные вопросы, темы и проблемы, которые волновались под поверхностью и которые остаются знакомыми нам даже сегодня. Возможно, именно поэтому экспрессионизм в искусстве продолжался во многих разных направлениях даже после этих художников и в этот конкретный период времени, и почему вы можете утверждать, что экспрессионизм все еще жив.

Что такое экспрессионизм?

Экспрессионизм считается скорее международной тенденцией, чем последовательным художественным движением, которое было особенно влиятельным в начале двадцатого века.Он охватил различные области: искусство, литературу, музыку, театр и архитектуру. Художники-экспрессионисты стремились выразить эмоциональный опыт, а не физическую реальность. Известными картинами экспрессионистов являются картина Эдварда Мунка «« Крик », Василия Кандинского« Der Blaue Reiter »и« Сидящая женщина с поднятыми ногами »Эгона Шиле.

Экспрессионизм — сложный и обширный термин, который в разное время означал разные вещи. Однако, когда мы говорим об экспрессионистском искусстве, мы склонны думать либо о художественной тенденции, которая возникла как реакция на импрессионизм во Франции, либо о движении, которое возникло в Германии и Австрии в начале двадцатого века.Этот термин настолько эластичен, что подходит для художников от Винсента Ван Гога до Эгона Шиле и Василия Кандинского.

Ключевые даты: 1905-1920
Ключевые регионы: Германия, Австрия, Франция
Ключевые слова: Я, психика, тело, сексуальность, природа, дух, эмоции, мистицизм, искажение реальности, преувеличение, усиление использование цвета
Ключевые художники: Винсент Ван Гог, Анри Матисс, Эдвард Мунк, Эгон Шиле, Оскар Кокошка, Василий Кандинский, Франц Марк, Эрнст Людвиг Кирхнер

Французский экспрессионизм

Во Франции часто ассоциируются основные художники с экспрессионизмом были Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Анри Матисс.Хотя Ван Гог и Гоген были активны в годы, несколько предшествовавшие тому, что считается основным периодом экспрессионизма (1905-1920), их, без сомнения, можно рассматривать как художников-экспрессионистов, которые рисовали мир вокруг них не так, как он выглядел. им, но из глубоко субъективного человеческого опыта. Матисс, Ван Гог и Гоген использовали выразительные цвета и стили мазков, чтобы изобразить эмоции и переживания, отойдя от реалистичного изображения своих предметов к тому, как они их чувствовали и воспринимали.

Эдвард Мунк, Крик. Картина воспроизведена в «Экспрессионизме» Эшли Басси, Эрнст Людвиг Кирхнер, Марселла. Картина воспроизведена в «Экспрессионизме» Эшли Басси Эгон Шиле, Сидящая женщина с согнутыми коленями. В «Экспрессионизме» Эшли Басси

Немецкий экспрессионизм

В Германии экспрессионизм особенно ассоциируется с группами Brücke и Der Blaue Reiter . Искусство немецкого экспрессионизма черпало вдохновение из мистицизма, средневековья, первобытных времен и философии Фридриха Ницше, идеи которого в то время пользовались огромной популярностью и влиянием.

Brücke был основан в Дрездене в 1905 году как богемный коллектив художников-экспрессионистов, выступающих против буржуазного социального строя Германии. Четырьмя членами-учредителями были Эрнст Людвиг Кирхнер, Фриц Блейл, Эрих Хекель и Карл Шмидт-Ротлуф, ни один из которых не получил формального художественного образования. Они выбрали свое имя, Брюке, чтобы описать свое желание соединить прошлое и настоящее. Название было навеяно отрывком из книги Фридриха Ницше «Так говорил Заратустра ».Художники пытались вырваться за рамки современной жизни среднего класса, исследуя усиленное использование цвета, прямой, упрощенный подход к форме и свободную сексуальность в своих работах.

Der Blaue Reiter была основана в 1911 году Василием Кандинским и Францем Марком. Перед лицом растущего отчуждения, которое они пережили из-за модернизирующегося мира, они стремились превзойти обыденное, преследуя духовную ценность искусства. Более того, они стремились разрушить границы между, в их глазах, тесно связанными явлениями, такими как «искусство», детское искусство, народное искусство и этнография.Имя Der Blaue Reiter связано с повторяющейся темой всадника на лошади из мюнхенского периода Кандинского, а также с любовью Кандинского и Марка к синему цвету, который для них обладал духовными качествами. Основными художниками, связанными с Der Blaue Reiter, являются Кандинский, Марк, Клее, Мюнтер, Явленский, Веревкин и Макке.

Василий Кандинский, Импровизация VII. Картина, воспроизведенная в «Экспрессионизме» Эшли Басси

Австрийский экспрессионизм

Эгон Шиле и Оскар Кокошка — две главные фигуры австрийского экспрессионизма.На них особенно повлиял их предшественник Густав Климт, который также приложил руку к началу своей карьеры благодаря созданным им выставкам, демонстрирующим лучшее из современного австрийского искусства. Оба художника-экспрессиониста жили в противоречивой Вене конца 19 ^-го , начала 20-го ^-го веков, где моральное подавление и сексуальное лицемерие сыграли свою роль в развитии искусства экспрессионизма. Шиле и Кокошка избегали этого морального лицемерия и изображали такие темы, как смерть, насилие, тоска и секс.Кокошка прославился своими портретами и способностью раскрыть внутреннюю природу своих натурщиков, а Шиле — своими грубыми, почти жестокими изображениями отчужденной, но отчаянной сексуальности.

Эгон Шиле, Две девушки (влюбленные). Картина, воспроизведенная в «Экспрессионизме» Эшли Басси

Норвежский экспрессионизм

Еще одним важным художником того времени, оказавшим большое влияние на немецкие и австрийские экспрессионистские сцены, был норвежец Эдвард Мунк, который был хорошо известен в Вене по выставкам Сецессиона и 1909 Kunstschau .Мунк наиболее известен благодаря «Крику», его картине, изображающей фигуру на мосту с закатом позади него, испуская вздымающиеся волосы и отчаянный крик.

Эдвард Мунк, Поцелуй. Картина, воспроизведенная в «Экспрессионизме» Эшли Басси

Культовые работы экспрессионистов и художники

«Крик» Эдварда Мунка (1893)

Эта картина была вдохновлена ​​единственным мгновенным опытом, который Мунк получил во Франции: гулял по дороге с двумя друзьями.Солнце начало садиться. Я почувствовал легкую меланхолию. Внезапно небо стало кроваво-красным. Я остановился, прислонился к перилам, смертельно усталый, и посмотрел на пылающие облака, которые, словно кровь и меч, нависали над сине-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше. Я стоял там, дрожа от страха. И я почувствовал громкий, нескончаемый крик, пронизывающий природу ». («Экспрессионизм», Эшли Басси, с.69) Крик ощущается фигурой, он полностью поглощает его и пронизывает как среду , так и его психику.

Василий Кандинский Der Blaue Reiter (1903)

Der Blaue Reiter — одно из первых произведений экспрессионистов Кандинского. На нем изображен всадник в синем цвете, скачущий по полям. Der Blaue Reiter («Синий всадник») также использовалось как название группы художников-экспрессионистов, основанной в 1911 году Василием Кандинским и Францем Марком.

Эгон Шиле « Сидящая женщина с поднятыми ногами» (1917)

Эгон Шиле нарисовал свою жену Эдит Хармс в 1917 году, изобразив ее сидящей на полу, положив щеку на левое колено.Ее огненно-рыжие волосы разительно контрастируют с зеленым цветом ее рубашки. Портрет смелый и многообещающий, с явным эротическим подтекстом. Эротизм — одна из главных тем в творчестве Шиле.

Франца Марка Blue Horses (1911)

Франц Марк был одним из основателей Der Blaue Reiter . Он придавал эмоциональное и психологическое значение цветам, которые использовал в своих работах, а синий использовался для изображения мужественности и духовности.Марк был очарован животными и их богатым внутренним миром, и он очень эмоционально изображал своих животных.

Franz Marc, Blue Horses, 1911

Конец экспрессионизма и его продолжение

Несколько художников-экспрессионистов погибли во время Первой мировой войны или в результате войны из-за травм и болезней. Франц Марк пал в 1916 году; Эгон Шиле умер во время эпидемии гриппа 1918 года, и многие другие покончили жизнь самоубийством после травм, нанесенных войной.Наконец, эра немецкого экспрессионизма была угашена нацистской диктатурой в 1933 году. Бесчисленное количество художников того времени, среди которых были Пабло Пикассо, Пауль Клее, Франц Марк, Эрнст Людвиг Кирхнер, Эдвард Мунк, Анри Матисс, Винсент Ван Гог и Поль Гоген. , были названы нацистами «дегенеративными художниками», а их работы в стиле экспрессионизма были изъяты из музеев и конфискованы.

Тем не менее, экспрессионизм продолжал вдохновлять и жить в более поздних художниках и художественных направлениях. Например, абстрактный экспрессионизм развился как важное авангардное движение в послевоенных Соединенных Штатах в 1940-х и 1950-х годах.Абстрактные экспрессионисты отказались от фигурации и вместо этого исследовали в своем искусстве цветовые поля, жесты и спонтанность. Позже, в конце 1970-х — начале 1980-х, неоэкспрессионизм начал развиваться как реакция на концептуальное искусство и минималистское искусство того времени. Художники-неоэкспрессионисты были очень вдохновлены немецкими экспрессионистами, которые были до них, часто изображая своих предметов в сырой манере с выразительными мазками и яркими цветами. Среди известных художников-неоэкспрессионистов — Жан-Мишель Баския, Ансельм Кифер, Джулиан Шнабель, Эрик Фишль и Дэвид Салле.

Ансельм Кифер, Ордена ночи. Фото любезно предоставлено Художественным музеем Сиэтла.

---

Часто задаваемые вопросы по экспрессионизму

Что такое экспрессионизм?

Экспрессионизм был художественным движением и международной тенденцией в начале 20-го века, который охватил изобразительное искусство, литературу, музыку, театр и архитектуру. Целью художников-экспрессионистов было выразить эмоциональный опыт, а не физическую реальность.

Какие художники связаны с экспрессионизмом?

Эдвард Мунк, Эгон Шиле, Оскар Кокошка, Василий Кандинский, Франц Марк, Эрнст Людвиг Кирхнер, Винсент Ван Гог и Анри Матисс.

Когда зародился экспрессионизм?

Экспрессионизм зародился в 1905 году и просуществовал примерно до 1920 года.

Хотите узнать о других направлениях в искусстве?

Соответствующие источники, чтобы узнать больше

Узнайте больше об экспрессионизме на: Тейт

Подробнее

Объяснение художественных стилей — исследуйте популярные стили искусства! — Art is Fun

Художественные стили описывают внешний вид произведения искусства. Стиль — это в основном манера , , в которой художник изображает свой предмет, и , как художник выражает свое видение.Стиль определяется характеристиками, описывающими произведение искусства, такими как способ, которым художник использует форму, цвет и композицию, и это лишь некоторые из них. Еще одним важным фактором при определении стиля произведения искусства является изучение того, как художник обращается со средой, принимая во внимание метод или технику, которую использует художник. Дополнительным аспектом художественных стилей является философия или движущая сила произведения искусства. Все эти стилистические элементы определяются выбором художников при создании своих работ.

Произведения, имеющие определенные общие черты, считаются выполненными в одном стиле. Иногда это означает, что они являются частью одного механизма , но не всегда. Понятие «движения» в искусстве обычно связано с определенным временем (а иногда и местом) в истории. Например, сегодня есть художники, которые все еще рисуют в импрессионистской манере, придерживаясь концепций, которые впервые определили импрессионизм в 19 веке. Однако, поскольку они являются современными художниками, вдохновленными импрессионистами , они на самом деле не являются частью первоначального «импрессионистского движения», как оно существует с исторической точки зрения.Хотя художественные стили можно воскресить из прошлого, само движение по-прежнему закреплено на своей исходной позиции на временной шкале истории искусства.

Во всем этом у каждого художника есть свой личный художественный стиль, который вырабатывается на протяжении всей его жизни. Стиль художника может меняться и адаптироваться по мере роста художника как художника, так и как личности. Начинающие художники часто подражают (копируют) стили художников, которыми они восхищаются. Поначалу это может быть полезно для того, чтобы намочить ноги и помочь развить понимание того, как создавать разные виды искусства.Однако очень важно, чтобы начинающие художники сосредоточились на развитии собственного стиля и нашли свой собственный уникальный способ выражения. Личный стиль художника обычно развивается по мере того, как художник приобретает больше уверенности благодаря опыту, расширяет свою базу знаний и приобретает больше навыков с материалами.

Художники могут работать в разных стилях. В прошлом обычно предполагалось, что художники будут создавать искусство в той моде, которая была популярна в то время. Теперь художники имеют гораздо больше свободы работать по своему усмотрению.Хотя работать в разных стилях — это нормально, лучше всего сосредоточиться на тех, которые вам больше всего нравятся, чтобы полностью раскрыть свой художественный потенциал в этом стиле. Использование разных стилей — отличный способ поэкспериментировать, но чтобы по-настоящему процветать как художник, вам нужно сосредоточиться на одном или двух стилях, которые, по вашему мнению, действительно позволяют вам выразить свое внутреннее видение.

На этом веб-сайте мы рассмотрим четыре основных стиля, в которых я работаю: фотореализм , абстрактный , причудливый и композитный (комбинированные стили). Со временем я добавлю больше информации о других художественных стилях, а пока мы сосредоточимся на четырех стилях, с которыми я наиболее знаком как в теории, так и на практике.

Нажмите на одно из изображений ниже, чтобы узнать больше!

29 Примеры художественных стилей

отправлено Джоном Спейси, 20 сентября 2019 г. Художественный стиль — это набор отличительных характеристик, общих для всех произведений искусства.Это позволяет классифицировать искусство таким образом, чтобы оно было по своей сути значимым для людей, поскольку стиль узнаваем, если у вас есть идея, лежащая в его основе. Ниже приведены общие примеры художественных стилей. Искусство эпохи Возрождения Искусство эпохи Возрождения в европейской истории XIV-XVII веков. Это был период перемен и принятия новых смелых идей, таких как гуманизм, который ставит человека превыше всего. В то время Италия была доминирующей силой в мире искусства. Вскоре это переместится во Францию ​​в современную эпоху.Итальянские художники эпохи Возрождения включают Леонардо да Винчи, Микеланджело и Сандро Боттичелли. Романтизм Романтизм был художественным движением XIX века, в котором подчеркивались эмоции и индивидуализм. Это рассматривается как реакция на механизацию и систематизацию промышленной революции, которая кардинально изменила мир в то время. Романтизм прославлял прошлое и имел тенденцию изображать средневековую историю в противоположность античности. Неоклассицизм Неоклассицизм — это искусство, основанное на искусстве, культуре и истории древности, особенно Древнего Рима и Греции.Это было долгое направление в искусстве, продолжавшееся с конца 18 до начала 20 века. Эти работы не пользуются особой популярностью у энтузиастов современного искусства, которые могут посчитать недостоверным для одного возраста подражать другому. Академическое искусство Академическое искусство — это искусство XIX века, которое соответствует стандартам и ожиданиям Академии изящных искусств в Париже. Это были исключительно неоклассические и романтические работы, которые рисовали идеалистический взгляд на историю, наполненный красивыми людьми с ярким, очень изысканным стилем.Большая часть лучших произведений искусства XIX века была реакцией на академическое искусство с его чрезмерно ностальгическим содержанием и отсутствием смелых экспериментов. Академическое искусство имело высокий социальный статус в XIX веке, и многие художники, которые были посторонними, стремились его сломить. Древнее искусство Древнее искусство включает любое искусство, созданное до падения Западной Римской империи в 476. Великие цивилизации Древнего Рима, Древней Греции, Древнего Египта, Вавилона, Древней Индии и Древнего Китая создали значительное искусство. Реализм Реализм — это изображение реальности мира без окрашивания эмоциями, идеализмом, пессимизмом, идеологией или воображением. Гиперреализм Современный стиль искусства, в котором используются чрезвычайно реалистичные детали для создания работ, которые трудно отличить от реальности. Поп-арт Поп-арт стилизован под элементы потребительского общества и поп-культуры, такие как реклама, дизайн продуктов и комиксы. Это считается типом капиталистического реализма, который углубляется в иронию, пародию и аллегорию, ставя под сомнение направление общества и культуры. Укиё-э Укиё-э — японское искусство эпохи Эдо, которое было широко распространено среди масс с использованием техники печати на дереве, так что оно представляло собой раннюю форму поп-культуры. Сюда входили популярные темы, такие как сцены из путешествий, история, текущие события, сумо, мифология и смешные лица актеров кабуки. Укиё-э также включает жанр, известный как бидзинга, что буквально означает «изображение красивого человека», на котором изображены гейши и другие модные женщины. Японизм В 1850-х годах военно-морской флот Соединенных Штатов фактически заставил Японию открыться для американской торговли.Европейские державы быстро последовали примеру Америки, и вскоре Япония заключила торговые соглашения с Россией, Великобританией, Францией и Голландией. Это повергло японское общество и экономику в хаос, поскольку дешевые иностранные товары наводнили внутренний рынок, а Япония боролась за индустриализацию и милитаризацию, чтобы защитить себя. Одним из первых экспортных товаров, которые Япония смогла вывести в мир, были гравюры укиё-э. Внезапная доступность этих потусторонних произведений искусства в Европе и Америке повлияла на многих художников того времени, создав движение, известное как японизм, посредством которого художники включали японские темы и стили в свои работы. Барокко Барокко — очень богато украшенный и экстравагантный стиль, возникший в Европе в 17 веке. Католическая церковь поощряла его как реакцию на простую строгость протестантского искусства. Стиль барокко делает все возможное, чтобы вызвать чувство благоговения за счет эмоций, деталей, контраста, хаоса и насыщенных цветов. Золотой век Нидерландов Золотой век Нидерландов — период в истории Нидерландов, примерно во время Восьмидесятилетней войны 17 века, когда они создали ряд чрезвычайно талантливых художников, таких как Йоханнес Вермеер и Ян Стин. В то время Голландская республика была самой процветающей страной в Европе. Голландский золотой век произошел в то же время, что и барокко, но имел противоположные характеристики, поскольку голландцы были склонны к реализму и избегали яркости барокко. Голландские мастера также выбирали преимущественно нерелигиозные темы и стремились изображать повседневную жизнь. В то время это было несколько редкостью за всю историю живописи. Импрессионизм Импрессионизм стремится к реалистичному изображению мира с акцентом на цвет и свет.Он фиксирует течение времени, а не мгновение, в результате получается мягкий нечеткий вид. Технически это достигается за счет приоритета свободных мазков кисти над линией и формой. Импрессионизм потряс мир искусства и поначалу был плохо воспринят. Термин «импрессионизм» возник в издевательской рецензии критика и юмориста Луи Лероя, который пренебрежительно использовал этот термин, чтобы выразить свое мнение о том, что работы импрессионистов напоминают незавершенные наброски. Неоимпрессионизм Неоимпрессионизм — это разделение цвета на отдельные точки, мало чем отличающееся от работы современного принтера или цифрового экрана.Несмотря на свое название, неоимпрессионизм по существу противоположен импрессионизму. Там, где импрессионизм использует плавные и хаотичные мазки кисти, неоимпрессионизм использует механические и систематически спланированные точки цвета. Искусство неоимпрессионизма широко использовало теорию цвета, чтобы спланировать, как точки цветов, близкие друг к другу, будут восприниматься с расстояния. Художники-неоимпрессионисты, хотя и представлялись как научные, обычно имели псевдонаучный взгляд на теорию цвета. Фовизм Фовизм — это направление искусства начала 20-го века, создавшее картины, похожие на картины, с явными мазками кисти и смелым использованием нереалистичных цветов.Это была реакция на художественные движения того времени, такие как реализм и неоимпрессионизм, которые создавали картины, которые выглядели фотографическими или систематическими. Экспрессионизм Экспрессионизм изображает мир чисто субъективным образом, так что художник может свободно выражать эмоции, воображение и абстракцию. Хотя художники-экспрессионисты теоретически свободны выражать то, что хотят, они склонны выражать тревогу. Абстрактный экспрессионизм Американское художественное движение после Второй мировой войны, основанное на чисто субъективных и абстрактных произведениях, таких как краска, которую бросают на холст в момент вдохновения, или картина, состоящая из одного сплошного цвета.Такие произведения были призваны вызвать и вызвать критику за неквалифицированность, совершенно случайную и бессмысленную. Тем не менее абстрактный экспрессионизм стал рассматриваться как высокая культура. Кубизм Кубизм можно описать как трехмерную абстракцию. Концептуально это предполагает изображение объекта с разных точек зрения. Это начало проявляться в 1907 году с работой Пабло Пикассо Les Demoiselles d’Avignon (ниже), которая считается первой кубистической работой, хотя позже стиль станет гораздо более абстрактным. Кубизм потряс мир искусства и вдохновил десятки художественных движений начала 20 века. Футуризм Футуризм был художественным движением начала 20 века, в котором фигурировали темы, которые в то время считались футуристическими, такие как скорость, молодежь, автомобили, самолеты и промышленные города. Стилистически футуризм часто напоминал кубизм. Символизм Художественное движение конца 19 века, которое опиралось на мифологию, иконографию и элементы воображения для создания богато символических произведений. Ар-нуво Чрезвычайно декоративный стиль искусства, который считался современным и модным в период с 1890 по 1910 год.Ар-нуво часто фигурировал в архитектуре, дизайне интерьеров, декоративных элементах и ​​рекламе, но, тем не менее, получил признание как изобразительное искусство. Обычное определение изобразительного искусства требует, чтобы искусство производилось без коммерческих ограничений. Сюрреализм Сюрреализм — это искусство, которое воображает различные реальности, которые могут быть преднамеренно нервирующими, мрачными, нелогичными или парадоксальными. Сюрреализм также часто вдохновляется популярной психологией с такими темами, как визуальные представления подсознания.Хотя сюрреализм обычно считается направлением в искусстве 20-го века, он также явно присутствует в работах голландского художника 15-го века Иеронима Босха. Anti-art Anti-art — это искусство, которое пытается высмеять абсурдность высокой культуры и мира искусства. Это часто нападает на случайность и культ личности, лежащие в основе множества успешных направлений в искусстве. Например, движение Дада в начале 20-го века представило случайные коллажи, сделанные из газетных вырезок в виде произведений искусства и скульптуры, созданные из найденных предметов, таких как общественный писсуар.По иронии судьбы, мир высокой культуры теперь рассматривает многие из этих предметов как бесценные произведения искусства. Это подтверждение того, что высокая культура ценит любое искусство, способное спровоцировать большое количество современных и постмодернистских художников на поиски противоречий по поводу эстетики. Наивное искусство Искусство, созданное художником с небольшим формальным образованием или погружением в художественное сообщество, чтобы он мог развивать уникальные стили и методы, которые не зависят от художественных течений своего времени. Например, Анри Руссо был выдающимся французским художником конца 19 века, который работал сборщиком налогов до 49 лет.Руссо не начинал серьезно рисовать до 40 лет. Народное искусство Искусство, созданное для целей культуры и традиций, в отличие от свободного выражения изобразительного искусства. Современное искусство Современное искусство относится к любому искусству, произведенному между 1800 и 1970 годами. Это может быть расширено в будущем, потому что современное искусство сегодня может быть названо современным в будущем. Одно современное искусство принимает идеологию модернизма, тогда как другое современное искусство отвергает ее. Например, современное минималистское искусство согласуется с модернистским идеалом «меньше значит больше», в то время как движения современного искусства, такие как кубизм, экспрессионизм, романтизм, импрессионизм и неоклассицизм, явно не соответствуют. Современное искусство Современное искусство — это любое искусство, созданное с 1970 года. Это обозначение, которое применяется к работам ныне живущих художников, так что этот период будет переименован в будущем. Пока никто не знает, каким будет этот лейбл, поскольку это зависит от того, какие артисты сегодня будут выделяться с точки зрения будущего. Искусство постмодерна Искусство постмодерна — это совокупность современных движений, которые придерживаются идеологии постмодернизма или в целом стремятся бросить вызов современному искусству.Такие движения разнообразны, но общие тенденции в постмодернистском искусстве включают в себя иммерсивный опыт, вызовы элитарности высокой культуры и работы, стирающие грань между искусством и популярной культурой. Постмодернистское искусство часто носит политический характер и критикует общество или культуру. Stuckism Stuckism — это движение в современном искусстве, которое стремится к аутентичным, но не обязательно реалистичным представлениям о мире. Это можно рассматривать как реакцию на тенденцию к абстракции, антиискусству и постмодернизму в современном искусстве.Штукизм очень стилизован и часто напоминает современное искусство 20 века. Движения Многие из вышеперечисленных стилей также являются движениями, связанными с определенным периодом времени. Это отражение того факта, что искусство является артефактом времени и культуры, которые его создали. На следующей временной шкале указаны приблизительные даты перемещений, связанных с указанными выше стилями. 31 Движение Период времени (приблизительный) Связано с Древнее искусство До 476 Великие цивилизации истории, такие как Древний Рим. Ренессанс 1300–1600 Италия Франция Германия Барокко 1600–1750 Первоначально спонсировалась католической церковью в рамках Контрреформации. Голландский золотой век 1620 — 1672 Голландская республика Укиё-э 1661-1868 Япония эпохи Эдо Популярные произведения торгового класса впервые появились около 1661. 1760 — 1900 Широкое направление в искусстве, архитектуре, литературе, моде и музыке.Начал с искусства около 1760 года и продолжил в архитектуре до 20 века. Романтизм 1790–1850 Европа США Современное искусство 1800–1970 Современное искусство определяется своим временем и не обязательно соответствует идеологии модернизма. Реализм 1840-1900 ФранцияСША Импрессионизм 1860-1900 ФранцияКлод Моне Эжен ДелакруаJ.MW Turner Японизм 1860-1890 Европа Соединенные Штаты Неоимпрессионизм 1886-1910 Франция Жорж Сёра Экспрессионизм 1893 — 1930 Немецкое движение, в значительной степени вдохновленное норвежским художником Эдвардом Мунком. Фовизм 1904-1910 Франция Анри Матисс Кубизм 1907-1918 Пабло Пикассо Жорж Брак Вторая волна футуризм 905 1960-е годы. Дада 1914 — 1922 Считалось антиискусством, но тем не менее считалось высокой культурой. Сюрреализм 1917-1950 Примечательно, что сюрреализм также появился в творчестве Иеронима Босха в 15 веке. Абстрактный экспрессионизм 1946-1970 Нью-Йорк Поп-арт 1950 ~ Америка Энди Уорхол Современное искусство 1970 ~ 905 Living Artists 1970 ~ В основном применяется к современным работам и художникам.Однако художники, такие как экспрессионисты, уже в конце 19 века приняли определенные постмодернистские идеалы, доказав, что художники часто опережают широкие культурные тенденции. Stuckism 1999 ~ Соединенное Королевство Арт Это полный список статей, которые мы написали об искусстве. Если вам понравилась эта страница, добавьте в закладки Simplicable. Обзор основных стилей современного искусства с примерами каждого. Список художественных терминов. Определение мастер-копии с примерами. Определение и общие характеристики постмодернизма. Список концепций теории цвета. Большая коллекция цветовых палитр. Основные характеристики цветов. Самые популярные статьи о Simplicable за последний день. Последние сообщения или обновления на Simplicable. © 2010-2020 Простое.Все права защищены. Воспроизведение материалов, размещенных на этом сайте, в любой форме без явного разрешения запрещено. Просмотреть сведения об авторских правах и цитировании этой страницы.

Как найти свой художественный стиль? Окончательная статья (2020)

Три детерминанта

No. 1 Ваши знания

Вы хотите купить новый телефон. Что вы делаете? Основываясь на собственном опыте использования смартфонов, вы выбираете бренд. Вы быстро изучаете отзывы о последних моделях этой марки.Возможно, вы поговорите с друзьями о плюсах и минусах. В конце концов, вы получите достаточно информации, чтобы выбрать телефон, который вам больше всего подходит.

То же для художественного стиля. В школе ты получаешь базовые знания. Затем вы пробуете разные стили для себя. Вы также можете получить больше знаний, посетив музеи, посмотрев обучающие программы и поговорив с другими художниками. В конце концов, вы найдете стиль, которым захотите следовать.

№ 2 Современные технологии

Тысячу лет назад у нас не было смартфонов, поэтому покупка смартфона не рассматривалась.Сегодня у нас есть iPhone XS, у нас есть Huawei P20 Pro, у нас есть Galaxy S9. Хотите гибкий прозрачный водонепроницаемый телефон? К сожалению, мы не настолько продвинуты.

За технологическим прогрессом обычно стоят технологические компании или вооруженные силы, а не художественные организации. Конечно, искусство играет роль, чтобы вдохновлять и дополнять технологии. НАСА отправляет нас в космос, а не в МоМа. Сегодня у нас есть VR, 3D-печать, голограмма, камеры 4K, и мы можем разрабатывать художественные стили с помощью этих инструментов.Стили искусства, которые мы можем выбрать, основаны и ограничены нашими текущими технологиями.

№ 3 Финансовые средства

Последний айфон отличный. Но я не собираюсь платить за телефон больше тысячи долларов. Для меня цена не имеет смысла. Цена — это числовой фактор каждой покупки. Даже самый нечувствительный человек по крайней мере чувствителен к цене.

Образ жизни, профессия и бизнес

Художник — это образ жизни, профессия и бизнес.Все три вещи стоят денег. Вы можете сказать: «Я хотел бы творить искусство только с бриллиантом, как, например,« Ради любви к Богу »Дэмиена Херста. Это мой художественный стиль ». Здорово, если ты можешь себе это позволить. Если нет, вы найдете художественный стиль, над которым сможете работать, пока у вас не будет больше ресурсов.

4 подсказки — Kyle Heath Art

Привет, ребята, добро пожаловать в Kyle Heath Art!

Сегодня я собираюсь поговорить о том, как найти свой собственный уникальный художественный стиль, и если вы посмотрите видео, пока я говорю, вы увидите, как я создаю стилистическое произведение, которым я был очень доволен!

Многие из нас сидели и смотрели на чистый лист бумаги и думали: «Что я могу сделать такого уникального для меня, что не копирует никого другого?»

Мы будем думать и думать об этом, и обычно в конце концов нас обескураживает, что мы не придумали чего-то нового.

Такой процесс обычно оставляет у нас чувство, что у нас может просто не быть возможности отличаться от других и иметь уникальный стиль . .. но я здесь, чтобы сказать вам, что вы уникальны, и, возможно, вам просто нужно заняться найти свой неповторимый художественный голос по-другому!

Прежде всего, что такое стиль?

Я буду использовать здесь слова «стиль» и «творчество» как синонимы, потому что считаю, что творчество — это ключ к поиску уникального стиля.

Итак, давайте определимся, что такое творчество. Creativity объединяет две существующие идеи, чтобы создать что-то совершенно новое.

Это определение станет основой всего, что я скажу о поиске собственного художественного стиля. Мы склонны думать, что оригинальная уникальная идея возникла из ниоткуда, но на самом деле оригинальность приходит, когда мы устанавливаем эти связи, которых никогда не было раньше.

Подумайте о единороге.

Однажды парень подумал о лошадях и подумал: «А что, если бы у них был рог, как у нарвала?» и тогда родился единорог!

Не существует такой вещи, как оригинальная идея, не связанная ни с чем до нее. Наши идеи стоят на плечах гигантов. Это фраза, которую популяризировал Исаак Ньютон, и она означает, что идеи и открытия основываются друг на друге.

Старые идеи являются причиной появления новых. Вот почему творческие области со временем развиваются и развиваются.

Так при чем здесь живопись?

Давайте подумаем об этом с точки зрения покраски. Давайте оглянемся примерно на времена импрессионистов.До импрессионистов всех интересовали мелкие детали и религиозные темы.

Затем люди вроде Моне подошли и сказали: «Что, если вместо того, чтобы сосредоточиться на реализме, мы займемся созданием общего впечатления света?»

Итак, импрессионизм возник как восстание против реализма. И это происходит снова и снова.

Если вы посмотрите на постимпрессионизм, вы увидите, что такие люди, как Ван Гог, смотрели на импрессионистов и думали: «А что, если бы мы абстрагировали картину в кучу разных форм?»

Итак, эти новые, творческие, уникальные художественные стили не могли существовать без стилей, которые были до них. Креативность возникает из объединения существующих идей.

4 совета по развитию вашего художественного стиля

Помня об этом, я дам вам четыре совета, как найти свой художественный стиль.

1. Потребляйте много разнообразного искусства

Это самый простой и самый важный шаг.

Если наше творчество — это комбинация нашего опыта, то самое важное, что мы можем сделать для творчества, — это испытать много!

Подумайте об этом с точки зрения приготовления пищи.Если бы нас попросили приготовить шведский стол из десертов, но у нас в кладовой нет ничего, чем можно было бы приготовить, мы не смогли бы приготовить что-нибудь вкусное.

Но если мы заполним нашу кухню всевозможными ингредиентами: яйцами, мукой, маслом, то безграничные возможности для нашего творчества нет!

Так что не садитесь готовить какие-нибудь произведения искусства с пустой кладовой . Найдите всех художников, которых вы любите, и постоянно знакомьтесь с новым великим искусством. Теперь, когда у нас есть социальные сети, такие как Instagram, никогда не было так просто.

Также не ограничивайтесь одним-единственным идолом искусства. Я знаю, что это человеческая природа — любить одного успешного артиста, а ты одержим ими.

(моя текущая одержимость, искусство Тедди Паркера)

Так хорошо. Одержите прочь. Но также убедитесь, что вы занимаетесь и другим искусством .

И еще кое-что по этому поводу: также попробуйте заняться искусством, которое вам не нравится.

Я знаю, что нам нравится то, что нам нравится, но со временем вы можете обнаружить, что у вас разовьется вкус к чему-то новому — вроде того, как я полюбил суши, когда мне исполнилось 13.

Эти необычные художественные влияния — действительно разные — вот где начнет развиваться настоящая магия вашего уникального стиля. Стиль Ван Гога никогда бы не возник, если бы он не увлекся традиционными японскими гравюрами.

2.

Ставьте цель каждый раз, создавая произведение искусства

Когда вы садитесь заниматься искусством, имеет в виду одну вещь, которую вы хотите попробовать, чего никогда раньше не делали.

Это одно, а не десять вещей.Так что положите перед собой стикер, если вам нужно сосредоточиться на нем.

На этот раз можно использовать краску другого цвета, или рисовать углем, или использовать плоскую кисть вместо круглой, или использовать только прямые линии вместо изогнутых — что угодно!

Важно выбирать одну вещь каждый раз, когда вы создаете искусство. это естественным образом создаст моменты Эврики, потому что каждый раз, когда вы садитесь, вы слегка меняете свой стиль.

3. Создавайте много произведений искусства

Когда вы смешиваете это каждый раз, когда создаете, вы неизбежно рухнете и сгорите вместе с некоторыми из ваших частей. Может быть, даже большинство из них.

Отлично!

Гордитесь каждой сделанной вами неудачной картиной . Это знак того, что вы экспериментатор, первооткрыватель, Христофор Колумб в творчестве!

Лучший способ развить это мышление — создавать искусство как можно чаще — возможно, даже заканчивая работу каждый день.

Вместо того, чтобы предавать забвение отдельному произведению искусства в течение недель или месяцев, завершайте каждый день небольшую картину 6×6. Рисуй быстрее. Выложите поподробнее. И, что наиболее важно, будьте менее ценны в искусстве, которое вы создаете .

Ваше искусство будет процветать, когда вы перестанете быть излишне заботливой наседкой по поводу всего, что выходит из вашей кисти!

Готовьте новые изделия ежедневно, чтобы не бояться экспериментировать.

4. Поступить в магистратуру

Это может вас удивить, но я подразумеваю под магистерским обучением то, что вы должны копировать работы художников, которых вы любите .

Вот что я имею в виду: найдите произведение художника, которого любите, и решите, что вам в нем нравится.

Это так устроено? Или как выделяются свет и тьма? Или насколько объемны мазки?

А теперь попробуйте сделать прямую копию этого фрагмента, положив перед собой стикер с указанием главного, что вам нравится в нем. Попробуйте поставить себя на место этого художника и проанализировать его технику.

Само собой разумеется, что вы не представляете эту копию как свою собственную работу , и вы не пытаетесь продать ее .Пришло время учебы.

Также проделайте то же самое с множеством художников, чтобы вы впитали все стили и перспективы, а не только один.

Может быть, проходить одно из этих занятий в магистратуре каждый месяц, а после обучения в магистратуре хранить на мольберте стикер с той вещью, которая вам понравилась. Теперь сделайте свою работу и попытайтесь внедрить эту штуку в свою картину .

Вы можете найти свой неповторимый художественный стиль!

Со временем эти четыре шага создадут уникальный стиль, который принадлежит только вам — я обещаю!

Вместо того, чтобы ломать голову над тем, какой стиль выделит вас среди других, вы хотите развивать и развивать стиль, который выражает вашу уникальную индивидуальность.

Кормите его регулярно , много знакомств с искусством, много возможностей для творчества и много экспериментов , и вы разовьете прекрасный стиль, на который люди будут смотреть и говорить: «это могло быть создано только вами!»

Попробуйте эти принципы и дайте мне знать, помогут ли они вам найти свой уникальный художественный голос! Кроме того, , присоединяйтесь к моему списку рассылки, чтобы получить больше уроков, как этот . Я очень рад быть вместе с вами в этом художественном путешествии. Давайте расти, исследовать и открывать вместе.

Всем счастливой покраски!

.

No related posts.