Боччони состояние души: Умберто Боччони — Состояния души III, Те, кто остался 1911 | Футуризм, Итальянский художник

Описание картины умберто боччони «состояние души»

Ароматы и искусство

Та сфера, которую сейчас мы называем ароматическим искусством, всегда занимала особое место в жизни культуры. В древности ароматы были частью религиозных практик, они сопровождали церемонии египетских жрецов и греческие мистерии. В средние века учение об ароматах было занятием алхимиков и фармацевтов. Особо значимым был вклад арабских мистиков и учёных.

Исламские богословы говорили, что приятный запах притягивает ангелов. Философы Аль-Кинди и Ибн Сина считали пахучие вещества особой формой материи, способной исцелять тело и дух. Помимо множества других трактатов, Аль-Кинди был автором первого парфюмерного учебника «Книги химии ароматов и дистилляций».

А персидский химик Абу ар-Рази считается изобретателем перегонного куба.

Персидский химик Абу ар-Рази — изобретатель перегонного куба

«Приготовление ещё одного великолепного ароматического масла.

Возьмите одну или два ратля лучшего жасминового масла, налейте его в стеклянную миску, затем добавьте три ратля очищенного надуха (вид ароматического вещества) на каждую ману жасминового масла.

Добавляются цедра, яблочная кожура, кусочки айвы, очищенные от семян, измельчённое сандаловое дерево, высушенные лепестки красных роз, свежие макушки мирта, листья дикого тимьяна, сухие или свежие листья оцимума [базилика — Прим.ред.], мякоть лимона или его сок.

Храните полученную смесь в закрытом виде и перемешивайте раз в день. При необходимости вы можете обновлять ингредиенты каждые пять дней. Получится резкий и ароматный запах. Процедите смесь, налейте её во флакон и добавьте две граны мускуса. У вас получится великолепное ароматическое вещество». (Аль-Кинди «Химия духов и дистилляций», IX век)

Со временем, аромат как образ божественного присутствия станет частью поэтической традиции суфизма.  

Живопись исламских стран также прекрасно раскрывает трепетное отношение к аромату. На персидских миниатюрах растения выступают не в роли немых декораций, а как полноправные участники сюжетов. Нежность и благоухание цветов служит напоминанием об абсолютной, неземной красоте. 

Султан Мухаммед, Юноша с книгой, XVI векПайаг, Император Хумаюн (фрагмент), 1650-еМухаммад Махди. Цветы. сер. XVIII в

Искусство исламского мира невозможно без разнообразных орнаментов и узоров.

Трудно представить себе более изящную визуализацию раскрывающегося аромата, чем затейливый растительный орнамент. Как и в развитии звучания духов, нанесённых на кожу, в орнаментах есть динамичное разнообразие оттенков и, в тоже время, верность единой мелодии.

Неудивительно, что орнамент — излюбленный элемент оформления флаконов как для восточных, так и для западных парфюмерных домов.

Орнамент и ароматы

Для европейцев начало развития парфюмерной культуры было частью глобальных перемен, которые несли идеи Возрождения. В отличие от Средних веков, в центр мироздания помещается человек во всей своей противоречивости.

Его несовершенство и потребности, стремление к красоте и гармонии — всё оказывается важным. Художники и скульпторы стремятся к объёмному, чувственно верному выражению образа. Мраморная кожа богинь или мутные глаза старых пьяниц — всё требует достоверности.

Впервые перед художником встанет задача досконально передать ауру, атмосферу сюжета, включая, конечно, и запах. 

Питер Пауль Рубенс, Церера и две нимфы, 1624Иоахим фон Зандрарт, Ноябрь, 1643Ян Вермеер, Девушка, читающая письмо у открытого окна, 1657-1659

Разящая, как укол шпаги, точность исполнения будет доминировать в визуальном искусстве ещё очень долго. И парфюмерия также будет следовать этой концепции.

Насколько мы представляем себе духи тех времён, чаще всего это были чрезвычайно яркие запахи, составленные из нескольких нот. Уровень технологии уже позволял поставлять весьма сильные и стойкие душистые вещества. При этом парфюмерный этикет тех лет сильно отличался от нынешнего.

В XVII-XVIII веках душились с такой силой, что аромат мог распространяться на несколько десятков метров. Духи наносили не только на тело, но и на одежду, парики, предметы интерьера. В будуаре знатной дамы её любимыми духами могли быть надушены шторы, пуфики, ковры и даже комнатные собачки.

В мемуарах того времени можно встретить упоминания о том, что во время галантных визитов необходимо дышать через платок.

А вот как в книге 1744 года венский автор описывал прическу одной модницы: «Я видел даму, употреблявшую для своей причёски два фунта помады, три фунта пудры, флакон лавандовой воды, несколько десятков перьев и столько же пёстрых лент». 

Жан-Марк Натье, Мадам Марсоллье с дочерью, 1749Иоганн Купецкий, Портрет Франциски Вуссин, 1716

Избыточное использование парфюма соответствовало роскошному духу барокко, но объяснить его можно и бытовыми нравами эпохи. Не было почти никаких санитарно-гигиенических знаний.

Широко известно, что в обиходе короля-солнце Людовика XIV совершенно не было воды, а для туалета использовался винный спирт и духи. Естественно, манеры короля были предметом подражания французских дворян и европейской аристократии вообще.

  Для умывания использовали душистые воды, такие как «Императорская вода» или розмариновая «Вода королевы Венгерской», а кожу и волосы обильно смазывали мазями с цветами, миндалем, ладаном.

Медики, черпая свои знания из разрозненных алхимических  текстов, считали ароматические смеси эффективным средством лечения всевозможных болезней и охотно прописывали их вдобавок к обычному объему.

В то же время, города были чудовищно грязны, особенно в окрестностях рынков, а улицы, зачастую исполнявшие функции канализации, испускали зловоние. Характерный сюжет для городской культуры XVII-XVIII века — это мужчина, который переносит даму через поток нечистот к крыльцу дома. Дама при этом была надушена настолько сильно, насколько ей это позволяли средства.

Мишель Гарнье, Переход через улицу, XVIII век

Воздух Ренессанса и Галантного века был перенасыщенным раствором, в котором бурлили и вступали в реакции отвратительные миазмы и благородные запахи. От гнилостной приторности до жгучего мускуса, от удушливого дыма кухонных очагов до сильной цветочной сладости.

Всего этого было слишком много, все было в убийственной для современного человека концентрации. Эту атмосферу можно ощутить, глядя на полотна старых мастеров, которые с поразительным мастерством перенесли на картины свет и пропитанный запахами воздух.

Именно художники Нового времени открыли целостность человеческого восприятия, в котором все органы чувств, включая обоняние, неразрывно связаны. 

Ян Санредам, Пять чувств: Обоняние. Вторая половина XVI века («Хотя цветоносный сад приятен носу, часто за сладким ароматом скрыта горькая желчь»)Бартоломе Эстебан Мурильо, Мальчики, поедающие виноград и дыню, 1645-1646Ян Брейгель Старший совместно с Питером Паулем Рубенсом, Аллегория пяти чувств.

Обоняние, ок.1617Ян Брейгель Старший, Аллегория Зрения и Обоняния, ок. 1620Бернардо Строцци, Старая кокетка (Аллегория бренности), 1615

Период Промышленного переворота принес в эстетическое пространство Европы новые веяния.

С классицизмом воцарились строгость и сдержанность, а романтизм воспел изящный, хрупкий идеал красоты. Изысканные чувства пришли на смену телесному пиршеству, а простота стала предпочтительней роскоши. Формировался неписанный кодекс стиля, который мы сейчас называем хорошим вкусом.

Развитие парфюмерной индустрии, которая быстро адаптировала достижения химической науки, позволяло идти в ногу со временем. Ароматы стали более тонкими и лаконичными, вычурность и напор духов барокко остался в прошлом. Люди начали ценить ароматическую интонацию и развитие букета.

Парфюмерное дело все реже ассоциировалось с ремеслом и медициной, и всё больше — с поэзией, особенно после синестетических экспериментов Бодлера и Рембо.

«Природа — строгий храм, где строй живых колонн

Порой чуть внятный звук украдкою уронит;

Лесами символов бредет, в их чащах тонет

Смущенный человек, их взглядом умилен.

Как эхо отзвуков в один аккорд неясный,

Где все едино, свет и ночи темнота,

Благоухания и звуки и цвета

В ней сочетаются в гармонии согласной.

Есть запах девственный; как луг, он чист и свят,

Как тело детское, высокий звук гобоя;

И есть торжественный, развратный аромат —

Слиянье ладана и амбры и бензоя:

В нем бесконечное доступно вдруг для нас,

В нем высших дум восторг и лучших чувств экстаз!»

Шарль Бодлер, Соответствия, 1855

Хотя Бодлер, как и подобает дионисийцу, больше ценил мускусные, экстатические ароматы, общая тенденция была обратной. Откровенно животные и сильно сладкие запахи считались излишне вызывающими, а в Англии — откровенно вульгарными.

Зато вошли в силу свежие, прохладные ноты. Подобно романтическим пейзажам Давида Каспара и Уильяма Тернера, такие ароматы несли чистое, воздушное настроение.

Одним из первых парфюмов такого типа был легендарный Eau de Cologne, которым пользовались все от Наполеона до солдата. 

Давид Каспар, Меловые скалы РюгенаEau de Cologne — «Кельнская вода» Фарины

Главными ароматами вплоть до начала XX века станут несладкие цветочные – даже роза уйдёт в тень. Кроме цветов, войдут в моду цитрусовые и колониальные акценты, например, герань и кардамон.

Лучше всего рассказывает об эволюции парфюма в XIX веке история фирмы Guerlain, появившейся в 1828 году. За несколько десятков лет этот дом прошел путь от лавки, торгующей различным косметическим товаром до поставщика духов к императорскому двору.

В 1889 году Эме Герлен выпустил аромат Jicky, который является одновременно и квинтэссенцией вкусов своего столетия, и пионером новой, современной нам парфюмерной эпохи. Возможно, это первый импрессионистский аромат.

В Jicky всё еще много классической романтики, ей дышит прохлада розмарина, нежность лаванды, терпкость пеларгонии. Но в то же время уже чувствуется синтетическая энергичность кумарина, который рассеивает меланхолию. 

Кстати, именно в это время сложился мужской ароматический арсенал, актуальный до сих пор. В нём доминируют лесные, мшистые оттенки, благородная кожа, выдержанный алкоголь. Это ароматы, подобные Hammam Bouquet (1872) от английского дома Penhaligon’s и революционному Fougere Royale Houbigant (1882), прародителю всех фужерных духов.

Guerlain JickyPenhaligon’s Hammam Bouquet

В целом, классические ароматы не возбуждают, а приносят покой. Иногда мечтательный, а иногда похожий на утреннюю ясность мыслей и чувств. В духах позапрошлого века всегда царит гармония.

Так же, как в живописи этого времени, почти лишенной резких контрастов и агрессивной экспрессии. Романтики и реалисты, прерафаэлиты — все были поглощены изучением цвета, комбинаций оттенков и полутонов.

Возможно, живопись и искусство составления ароматов были в это время как никогда близки друг другу. 

Огюст Тульмуш, 1829-1890. ПисьмоГенри Ла Танге, Зима в ЛигурииГенри Сиддонс Моубри, Переливы, 1895Герберт Джеймс Дрейпер, Пот-пурри, 1897Джон Уильям Уотерхаус, Душа Розы, 1908

Едва ли уместно сравнивать картину-манифест Малевича «Чёрный квадрат» и духи Chanel №5, но определённые основания для аналогии всё же существуют.

XX век начинался модернистской революцией, в которой сгорали привычные законы жизни и творчества. Искусство больше не концентрировалось на объективной реальности, предпочтя ей сначала субъективное впечатление, а затем чистую абстракцию. Живопись искала новых выразительных средств, пересматривала законы композиции и палитры.

А парфюмерное искусство вновь разделяло общий с остальной культурой путь. Лабораторный синтез душистостей, открытие альдегидов предоставили парфюмерам невиданное богатство возможностей.

Это было время творческого взрыва и расцвета ведущих парфюмерных домов, символом которого стало творение Эренста Бо, заключенное в конструктивистский флакон. Успех альдегидных духов заставит парфюмеров, вслед за живописцами, руководствоваться, в первую очередь, ассоциативным и абстрактным принципами.

Вместо слепков природных запахов создавать отражения сложных ароматических образов, рождённых в глубинах подсознания. Новую парфюмерию интересуют едва уловимые ассоциации, сны, воспоминания, которые раскрывают метафизическое измерение запаха.

В парфюмерном мире появилось особое художественное пространство, в котором исследуется обонятельный потенциал эстетического восприятия. Чтобы обозначить границы этого пространства, мы вспомним некоторые работы, ставшие знаковыми для современной культуры. 

Умберто Боччони, Состояние души: Прощание, 1911

В 1913 году художник Карло Карра публикует статью «Живопись звуков, шумов и запахов».

Вот как он объясняет значение аромата для обновленной живописи: «Совершенно ясно, что молчание статично, а звуки, шумы и запахи подвижны; звуки, шумы и запахи — это ни что иное, как различные виды вибраций разной силы; любая последовательность звуков, шумов и запахов запечатлевается нашим разумом в виде арабески форм и цветов. Мы же должны измерить интенсивность этих впечатлений, и воспринять эту арабеску. […] И нет ни грамма преувеличения в утверждении, что одного запаха уже достаточно, чтобы создать в наших умах арабески из форм и цветов, которые легко могут стать и мотивом, и оправданием необходимости рисовать. В самом деле, если мы закрыты в темной комнате (так, что наши чувства более не работают) с цветами, бензином или другими сильно пахнущими предметами, наш пластический дух постепенно удаляет из памяти ощущения и создает взамен пластические абстракции, что в своей полноте и в движении прекрасно соответствуют запахам в комнате. Эти запахи, посредством невидимого процесса, стали силой среды, определяя такое состояние души, которое для нас, художников-футуристов, представляет собой чистую пластическую абстракцию».

Фотография Роз Селави, альтер-эго французского художника и теоретика искусства Марселя Дюшана, на флаконе туалетной воды Belle Haleine

Для Сальвадора Дали первостепенным в ароматах была их «не оскверненная обличением в мысль близость к подсознанию». Он регулярно оставлял в своих дневниках воспоминания о ярких обонятельных переживаниях и неоднократно сотрудничал с парфюмерами. И после его смерти время от времени выходят духи, посвящённые его гению.

Эскиз Сальвадора Дали к флакону духов Le Roy Soleil от SchiaparelliФлакон Schiaparelli Le Roy Soleil

Другому аромату, в составлении которого Дали принимал участие, великий сюрреалист подарил своё имя и картину «Явление лица Афродиты Книдской в ландшафте».  

Аромат Salvador Dali, вдохновленный гением художника-сюрреалиста

Для постмодернистов запахи превратились в универсальный инструмент арт-игры, способный придать неожиданную глубину любому зыбкому образу. Иногда это рождает удивительные, оригинальные находки, а иногда отсутствие конкретики и интеллектуализм оборачиваются скукой.

Сиссель Толлас — норвежская художница, всемирно известная парфюмерными перформансами и коллекцией 7000 запахов реальной жизни. 

Сиссель Толлас, Боязнь запаха – запах страха, 2006-2015Яна Стербак, Ночная рубашка, пропитанная запахом, 1993Яна Стербак, Контейнер для парфюмерного портрета, 2004Энди Уорхол, Chanel №5, 1980Инсталляция Эрнеста Нэто «Пока ничего не происходит» регулярно воссоздаётся заново, как интерактивная система подвешенных пахучих субстанций: черного перца, тмина, гвоздики, имбиря и куркумы«Тахта» Валеска Соареса построена как устройство для обонятельных медитаций

Инсталляции «Пар» (1970) Билла Виола и «Улетучивающийся» (1980) Сильдо Мирелеса задуманы как лабораторный эксперимент. Совокупность зрительных, тактильных и обонятельных воздействий переносит зрителя в специфическое, для каждого индивидуальное состояние. Виола обращается к покою, плавной трансформации воды, ароматизированной эвкалиптом, а Мирелес генерирует с помощью техногенных запахов щемящую, тоталитарную атмосферу. 

Билл Виола, Пар, 1970Сильдо Мирелес, Улетучивающийся, 1980

Созерцание аромата вдохновило на создание множества произведений искусства — и они навсегда стали частью культурного кода. Ведь ни течение времени, ни повороты истории не способны остановить необъяснимую и чарующую силу аромата.

Статью подготовил Шевченко Антон

Источник: https://fifi.ru/aromaty-i-iskusstvo.html

Умберто Боччони — теоретик и первооткрыватель футуризма

Искусство и развлечения 12 июня 2016

Вот уже прошло столетие с момента возникновения очень необычного направления в искусстве — футуризма. Это революционное веяние возникло под влиянием бунтарского века.

Мастера начала XX столетия стремились двигаться вперёд, изображать образ жизни, связанный с урбанизацией и развитием технического прогресса. Многие живописцы тех времён пробовали свои силы в этом направлении.

Но итальянский мастер Умберто Боччони — основатель, отец, идеолог, икона футуристического стиля.

Детские годы

В небольшом селении Реджо-ди-Калабрия, что на юге Италии, появился на свет итальянский художник Боччини (1882 г.). Его родители были выходцами из северной итальянской области — Романьи.

Часто семья переезжала из одного города в другой и наконец поселилась в городе Катанья. Здесь мальчик получил среднее образование, но ещё не имел никаких привязанностей к изобразительному искусству.

В 1901 году он поселился в Риме и поступил в Академию изящных икусств.

Раннее обучение

Именно в Риме Умберто Боччони познакомился со своим соавтором в футуристическом направлении — Северини. Их обоих обучал известный художник Джакомо Балла, у которого юноша научился технике пуантилизма.

После этого Боччони много путешествовал по Италии, посетил Париж и побывал в России. Итальянский художник столкнулся с чертами импрессионизма. В Милане Умберто знакомится с поэтом-символистом Маринетти.

Именно он опубликует в одной из французских газет футуристический манифест. Боччони стал его последователем.

Первые работы

С чего же начинал Умберто Боччони? Картины начального периода отличались использованием в них мелких мазков чистых оттенков. Изначально это были портреты.

Первым работам живописца были присущи ещё старые итальянские черты искусства, они отличались от передовых французских тенденций, навеянных революционными мотивами.

В Риме Умберто смог обучиться рисованию обнажённой натуры. И так он пришёл к футуристической живописи.

Самая знаменитая работа молодого Боччони — «Паоло и Франческа». В ней слились динамические и лирические черты, посвящена она вечной теме любви. Все обычные представления об искусстве меняются, глядя на раннюю картину художника «Смех».

Очень запоминающейся работой автора является полотно «Состояние души». В ней мастер смог запечатлеть своё видение мира хаотичными линиями, напоминающими людей, машин, животных.

Интуитивный художественный мир Умберто Боччони состоит из затуманенных лиц, неясных фигур.

Основные черты творчества художника

Боччони очень долго следовал предписаниям футуристического манифеста Маринетти. Его творчеству присуща незаконченность композиции, открытость окружающего пространства. Основную задачу в написании его картин решал цвет, а не форма.

В своих работах мастер мог соединить совсем несовместимые вещи. Эти идеи подталкивали искусство к новому направлению — поп-арту. Источником вдохновения для итальянской знаменитости были наука, техника, динамизм, скорость, воля к жизни.

Немного позже к футуристическим чертам художник добавляет элементы кубизма. Устойчивые элементы, геометрические фигуры придавали работам монументальности. В своих картинах Боччони передавал всё увиденное и ощутимое как одно целое.

Городская суета — главная тема его творений. Изорванные вихри, необычные формы, разноцветные грани, фрагменты. Его работы можно сравнить с картинкой в детском калейдоскопе.

Движение — вот смысл жизни и творчества замечательного итальянского художника.

Скульптурные произведения мастера

Очень многогранной личностью был Умберто Боччони. Скульптуры также имели место в творчестве великого мастера. Посещая студии очень известных на то время художников, Боччони решил применить свои футуристические принципы к скульптуре.

Он выполнил несколько работ в этом стиле и написал «Манифест футуристической скульптуры». В 1913 году художник стал печататься в одной из футуристических газет. В ней он с полной силой продвигал идеи модного движения в живописи и скульптуре.

Мастер считал, что любой рисунок или скульптура — это своеобразный вихрь эмоций. От слова «вихрь» произошло новое направление в английском искусстве — вортицизм. Именно Боччони дал толчок для его появления. В вортицизме больше углов, динамизма, нежели у футуризма.

На смену этим двум стилям пришло абстрактное искусство.

Рок

Когда началась Первая мировая война, она быстро захватила всю Европу, показала своё свирепое лицо, распространяя насилие. Умберто Боччони вместе с другими футуристами записался в добровольческий батальон регулярной армии. Он смог увидеть все ужасы войны.

В отпуске художник продолжал писать и читать лекции по футуризму. Во время учений в одной из артиллерийских бригад Умберто не справился с управлением лошади и разбился насмерть. После его смерти так никто и не возглавил футуристическое движение, оно распалось, потеряв своего молодого лидера.

Боччони прожил всего 33 года.

Источник: fb.ru

Query failed: connection to localhost:9312 failed (errno=111, msg=Connection refused).

Источник: http://monateka.com/article/121760/

Читать

Начало XX столетия отмечено парадоксами и мировыми потрясениями. Во многих отношениях сложная общественная жизнь нашла свое отражение не только в общественной психологии, но и в искусстве, поскольку творческие метания художников были напрямую связаны с жизнью времени, с невероятными социальными и духовными переменами.

Раньше, чем искусствоведы, эту связь заметили наиболее талантливые люди, писатели. Например, Борис Пастернак поразительно точно отметил, что на рубеже XIX и XX столетий «дыханье… времени совсем особенно сложило угол зрения новых художников… Они писали мазками и точками, намеками и полутонами не потому, что им так хотелось и что они были символистами.

Символистом была сама действительность, которая вся была в переходах, в броженье, вся, скорее, что-то значила, нежели составляла, и, скорее, служила симптомом и знаменьем, нежели удовлетворяла. Все сместилось и перемешалось, старое и новое, церковь, деревня, город и народность.

Это был несущийся водоворот условностей, между безусловностью оставленной и еще не достигнутой, отдаленное предчувствие главной важности века – социализма – и его лицевого события, русской революции».

Так, по наитию, Пастернак пришел к тем выводам, что были сделаны искусствоведами разных стран после долгой кропотливой работы по анализу художественного процесса, который происходил в начале XX века и получил обобщенное название «авангардизм», или «модернизм».

В 1979–1981 годах прошли выставки «Париж – Москва» и «Москва – Париж», наглядно показавшие тот пастернаковский «водоворот условностей», в котором находилось все европейское, и в том числе русское и французское искусство.

В наиболее характерных работах того периода зрители увидели развитие человеческой цивилизации во всем ее исключительном драматизме, центр которой составляла в начале прошлого столетия, прежде всего, русская революция. Потому все художники, чувствуя особую трагичность периода, выражали ее каждый по-своему.

Это понимание преломлялось через философские, нравственные и художественные искания, свойственные каждой творческой личности, каждому крупному мастеру. Художники не могли быть простыми иллюстраторами происходящих событий, они создавали чаще всего образы ассоциативные, которые вели разговор со зрителем на языке метафор.

Вообще, такое понятие, как модернизм, появилось в конце XIX – начале XX столетия. Оно затронуло все виды искусства – живопись, литературу, музыку, театр.

Что же касается живописи, то предтечей множества художественных направлений начала XX века стал французский импрессионизм. Он зародился в 1880-х годах и отразил новый взгляд художников на окружающую действительность, потребовав новых способов выражения.

В переводе с французского языка слово impression значит «впечатление».

Название оказалось действительно метким, поскольку художники этого направления стремились не только выразить собственную оценку жизненных явлений, но и остановить чарующие мгновения этого стремительно меняющегося мира.

Новое искусство прокладывало себе дорогу с трудом, так как Королевская академия живописи Франции, основанная в середине XVII столетия, свято соблюдала классические традиции.

Композиции, в которых сюжеты и методы изображения окружающего мира расходились с каноническими, решительно отвергались, не признавались предметами, достойными внимания истинного ценителя искусства.

Во французской столице каждый год проходили художественные выставки, однако жюри, состоявшее из членов академии, строго следило за тем, какие именно произведения будут на них экспонироваться.

Весной 1874 года на бульваре Капуцинов в Париже прошла первая неофициальная выставка художников. В ней приняли участие тридцать молодых художников, работы которых были забракованы академиками.

В число недостойных академического салона вошли мастера, известные в настоящее время всему миру, – Клод Моне, Камиль Писсарро, Поль Сезанн, Альфред Сислей, Эдгар Дега, Огюст Ренуар.

Первая выставка сопровождалась скандалом, а журналисты впервые в своих разгромных статьях назвали молодых художников импрессионистами. В то время им в голову не могло прийти, что так презираемое ими направление вскоре обретет всемирную славу.

Импрессионисты хотели, чтобы зрители обратили внимание на их творчество и добились этого в полной мере. Полотна перевернули представление людей о живописном искусстве.

Прежде всего новые художники отказались от исторической и мифологической тематики, принятой в классицизме; наконец, они отказались от геройства и излишней патетики в выражении чувств персонажей.

Для этих живописцев большой интерес представляли образы обыденной действительности – они стремились показать простую прелесть природы и быт современников.

Идейной основой французских импрессионистов стало изображение на холсте мимолетного мгновения бытия, словно в их руках был фотоаппарат. Что же касается личных впечатлений, то они передавались при помощи особой техники, искусного сочетания света и тени. Краски накладывались таким образом, что возникал чарующий эффект солнечных бликов, трогательных солнечных зайчиков.

Импрессионисты сделали шаг вперед в развитии живописного искусства, однако они не отвергали положительных моментов в творчестве своих предшественников. Они глубоко почитали Курбе, Делакруа и Констебла, которые являлись представителями отвергнувшей их классической школы искусства.

Именно творчество импрессионистов стало той базой, от которой отталкивались художники других живописных направлений. Прежде всего это касается неоимпрессионистов, постимпрессионистов и модернистов.

Одним из первых модернистских направлений в искусстве стал фовизм. Впервые публика увидела произведения фовистов на парижском Осеннем салоне 1905 года. Их отдел журналисты издевательски назвали клеткой диких. Сами же художники получили наименование «фовисты», что в переводе с французского означает «дикие» (фр. fauve).

По своей сути новое направление было революционным и выражало протест против нарочитости, как казалось художникам, искусства импрессионистов.

Фовисты заявили, что отрицают все законы и нормы классического восприятия в живописи. Порой изображенные ими вещи и модели казались зрителям разорванными на части.

Это делалось сознательно, с целью вызвать эмоциональный шок и заставить людей увидеть собственные природные инстинкты.

Фовисты имели и свою философскую концепцию, построенную на идеях Шопенгауэра и Ницше, которые утверждали, что сутью человеческой деятельности является прежде всего воля к жизни. Из этого положения следовал вывод: в борьбе между подсознанием и интеллектом верх всегда берут подсознательные темные инстинкты.

«Искусство – не мысль, но вера, – утверждали фовисты. – Для живописца решение всех его проблем нужно искать в ящике с красками».

Предмет в искусстве этих художников больше не играл той роли, что у предшественников; вещи утратили свой объем, и зрители имели дело только с облегченными знаками, указывающими на предмет или вызывающими ассоциации с ним.

Объединение фовистов составили люди, изначально тяготевшие к выразительности хроматической гаммы. Все они считали своим учителем мастера, которому глубоко и искренне поклонялись, – Винсента Ван Гога. Его краски поражали своей чистотой и звучностью. Ван Гог действительно много работал над вопросом об улучшении красочного колорита.

В результате долгих размышлений великий художник сделал вывод, что абсолютно точное воспроизведение натуры не способно оказать на зрителя по-настоящему сильный эффект, взволновать и заставить глубоко задуматься. Художник говорил: «От искусства в наши дни требуется нечто исключительное, живое, сильное по цвету, напряженное».

Поэтому Ван Гог считал, что только цвет будет иметь решающее значение для живописи будущего.

И это стремление к торжеству цвета, доведенного до предела, необузданного и всепобеждающего, объединило в рамках фовизма мастеров, порой разительно отличающихся друг от друга манерой исполнения. Сделав цвет решающим в своем творчестве, художники отбросили факт реальности.

Главным стала палитра с преобладающими в ней незамутненными спектральными цветами – красным, оранжевым, фиолетовым, синим, зеленым. В силу этого обстоятельства картины фовистов поражали буйством красок и невниманием к объемам, которые только набрасывались широкими свободными контурами или передавались в виде искаженных форм.

Для художника-фовиста вполне естественно изобразить, например, зеленое небо, красное дерево, желтое лицо. Порой краски этой, по существу, наивной живописи приобретали оттенки поистине вопиющие. Ярким примером могут служить произведения А. Матисса «Музыка» (1910, Эрмитаж, Санкт-Петербург) или, например, «Заснувший Пехштейн» Э.

Хеккеля (1910, Баварские государственные собрания картин, Мюнхен).

Источник: https://www.litmir.me/br/?b=179564&p=10

Умберто Боччони — это «Состояние души»

Умберто Боччони Автопортрет

Цвета юности (Умберто Боччони) Смотреть

Умберто Боччони — один из талантливейших теоретиков, центральная фигура футуризма итальянского изобразительного искусства. Крайний субъективизм произведений Умберто Боччони воплощает в себе ощущение динамизма индустриальной эпохи. Это мощный  вихрь форм и плоскостей.

       Лихорадка жизни, воспевание толпы, вихрь и бунт нового ощущения  — становятся делом Боччони. Его творчеством и одновременно жизнью становятся интуитивное восприятие и отображение футуристического видения на полотнах, предвидение будущего человечества.

Это художественное течение провозглашало идеи ненависти к прошлому и любовь к будущему, воспевая красоту машин и ритмы новой урбанистической эпохи.

Их искусство — это симбиоз динамизма ХХ века и одновременно предчувствие грядущих  катаклизмов, которыми была охвачена Европа 1910-х годов ХХ века.

     Его ранние произведения — в основном портреты и пейзажи, и написаны они в манере позднего импрессионизма. Здесь точное воспроизведение видимого мира, только материя как бы живописная, а мазки  яркой несмешанной краски образуют сложное, пронизанное светом единое целое. Предметы его неподвижны по большей части, но их цветовая субстанция в постоянном и непрерывном движении.

       Одним из лучших его полотен является «Завод в окрестностях Рима». Параллельно он работает и в стиле «модерн», характерном для  символистского стиля.

Именно этим стилем  представлена картина «Паоло и Франческа» где в облаке алого огня, над хлябями Ада несутся золотистые тела влюблённых.

Лирический порыв и динамизм, присущий всему искусству Боччони, переданы здесь большими массами цвета, текучими линиями и пластичными формами, а не игрой цветовых микрочастиц.

«Создание города»

    Типичной работой футуристического периода можно назвать «Облаву», но программным полотном стало «Создание города», где реальные ломовые лошади превращаются в сказочных мифологических существ, уподобляются вихрю, рассыпающемуся огненными искрами. Помимо движущегося объекта художник изображает как бы само движение, или поток энергии. Он даже изобрёл специальные термины: сило-формы и сило-линии, в которых  созидательное начало неразрывно связано с разрушительным.

«Состояние души»

    Одной из самых ярких и глубоких работ Боччони является «Состояние души». Это серия полотен, где выписано психическое состояние не только самого художника, но и мира вокруг него. Нервные линии, беспорядочные наслоения кристаллов создают фон хаотичного подсознания, из которого вырождаются образы, вызывающие у зрителя ассоциации с машинами, животными, людьми.

Затуманенные лица и неясные фигуры возникают неожиданно, как бы из закоулков своеобразного мира Боччони.
       Дальнейшие его творческие поиски оборвала преждевременная гибель. По собственной инициативе он записался в ряды регулярных войск и погиб, случайно упав с лошади во время военных учений.

Таким образом группа итальянских футуристов распалась, лишившись своего лидера.

      Его работа «Смех» —  это отказ от привычных представлений о живописи. Это дерзость и бунт, это вызов и эпатаж. Смело выписаны «лучи» на полотне, и создают они ощущение света уличного фонаря или рампы, здесь всё смешалось: и ресторанные столики, и вазы с фруктами, и дымящиеся папиросы. Он опрокидывает реальные масштабы, отказывается от законов перспективы, создаёт видимость полного хаоса. Ресторанная певичка написана едкими красками, будто дешёвый актёрский грим рассматривается пристально при освещении яркой электролампы; её хищная, нелепая улыбка с непомерно красной помадой, пальцы лилового цвета — всё это типично для футуризма, получившего название «кричащей живописи».

Ольга Смирнова.

Источник: http://puthudoznika.blogspot.com/2013/04/blog-post_27.html

Путь художника: Умберто Боччони — это «Состояние души»

Умберто Боччони Автопортрет

Умберто Боччони — один из талантливейших теоретиков, центральная фигура футуризма итальянского изобразительного искусства. Крайний субъективизм произведений Умберто Боччони воплощает в себе ощущение динамизма индустриальной эпохи. Это мощный  вихрь форм и плоскостей.

       Лихорадка жизни, воспевание толпы, вихрь и бунт нового ощущения  — становятся делом Боччони. Его творчеством и одновременно жизнью становятся интуитивное восприятие и отображение футуристического видения на полотнах, предвидение будущего человечества. Это художественное течение провозглашало идеи ненависти к прошлому и любовь к будущему, воспевая красоту машин и ритмы новой урбанистической эпохи. Их искусство — это симбиоз динамизма ХХ века и одновременно предчувствие грядущих  катаклизмов, которыми была охвачена Европа 1910-х годов ХХ века.

     Его ранние произведения — в основном портреты и пейзажи, и написаны они в манере позднего импрессионизма. Здесь точное воспроизведение видимого мира, только материя как бы живописная, а мазки  яркой несмешанной краски образуют сложное, пронизанное светом единое целое. Предметы его неподвижны по большей части, но их цветовая субстанция в постоянном и непрерывном движении.

Три женщины

       Одним из лучших его полотен является «Завод в окрестностях Рима». Параллельно он работает и в стиле «модерн», характерном для  символистского стиля. Именно этим стилем  представлена картина «Паоло и Франческа» где в облаке алого огня, над хлябями Ада несутся золотистые тела влюблённых. Лирический порыв и динамизм, присущий всему искусству Боччони, переданы здесь большими массами цвета, текучими линиями и пластичными формами, а не игрой цветовых микрочастиц.

«Создание города»

    Типичной работой футуристического периода можно назвать «Облаву», но программным полотном стало «Создание города», где реальные ломовые лошади превращаются в сказочных мифологических существ, уподобляются вихрю, рассыпающемуся огненными искрами. Помимо движущегося объекта художник изображает как бы само движение, или поток энергии. Он даже изобрёл специальные термины: сило-формы и сило-линии, в которых  созидательное начало неразрывно связано с разрушительным.

«Состояние души»

    Одной из самых ярких и глубоких работ Боччони является «Состояние души». Это серия полотен, где выписано психическое состояние не только самого художника, но и мира вокруг него. Нервные линии, беспорядочные наслоения кристаллов создают фон хаотичного подсознания, из которого вырождаются образы, вызывающие у зрителя ассоциации с машинами, животными, людьми. Затуманенные лица и неясные фигуры возникают неожиданно, как бы из закоулков своеобразного мира Боччони.
       Дальнейшие его творческие поиски оборвала преждевременная гибель. По собственной инициативе он записался в ряды регулярных войск и погиб, случайно упав с лошади во время военных учений. Таким образом группа итальянских футуристов распалась, лишившись своего лидера.

«Смех»

      Его работа «Смех» —  это отказ от привычных представлений о живописи. Это дерзость и бунт, это вызов и эпатаж. Смело выписаны «лучи» на полотне, и создают они ощущение света уличного фонаря или рампы, здесь всё смешалось: и ресторанные столики, и вазы с фруктами, и дымящиеся папиросы. Он опрокидывает реальные масштабы, отказывается от законов перспективы, создаёт видимость полного хаоса. Ресторанная певичка написана едкими красками, будто дешёвый актёрский грим рассматривается пристально при освещении яркой электролампы; её хищная, нелепая улыбка с непомерно красной помадой, пальцы лилового цвета — всё это типично для футуризма, получившего название «кричащей живописи».

Ольга Смирнова.

Умберто Боччони — художник-икона футуризма

Умберто Боччони (Umberto Boccioni; родился 19 октября 1882 г. — умер 17 августа 1916 г.) был знаменитым итальянским художником начала XX века, скульптором-авангардистом, родоначальником и идейным вдохновителем футуризма. Умберто Боччони внес огромный вклад в формирование философии и эстетики движения. Он был одним из создателей «Манифеста футуристической живописи» и лично разработал «Манифест футуристической скульптуры».

Биография Умберто Боччони

Умберто Боччони появился на свет 19 октября 1882 г. в Италии, в городе Реджо-Калабрия. Работа отца требовала частых переездов, и семья следовала за ним. Форли, Генуя, Падуя, Сицилия… В 1901-м юноша отправился в Рим для обучения живописи в Свободной школе обнаженной натуры при Академии изящных искусств.

Умберто Боччони с младых лет отличался мятежным характером, дерзостью суждений и недюжинным интеллектом. Уже в ранних его произведениях явно прослеживается взрывная смесь иронии и ярости, которая позже станет «визитной карточкой» мастера. В автобиографии верный товарищ Джино Северини (Gino Severini) описывал первую встречу с Умберто в 1901 году. Взгляды молодых людей полностью совпадали, оба остро интересовались теориями Ницше, восстаниями, революционной борьбой.

Технику пуантилизма друзья осваивали у художника-дивизиониста Джакомо Балла (Giacomo Balla). В 1902-м году Умберто Боччони направляется в Париж, где увлеченно изучает импрессионизм и постимпрессионизм. Затем посещает Россию, желая получить реальное представление о беспорядках и правительственных репрессиях, после снова едет во Францию. Возвратившись в Италию в 1906-м, начинающий художник берет уроки рисования в Венецианской академии изящных искусств.

Знакомство с представителями течения, которое станет делом всей жизни Боччони, состоялось в Милане, в 1907-м году. Сильное воздействие на творчество художника оказал Филиппо Маринетти (Filippo Marinetti) — теоретик литературного футуризма и «отец» аэроживописи, создатель «Манифеста» 1909-го года. Умберто Боччони адаптировал его тезисы к изобразительному искусству и 11 февраля 1910-го выпустил «Манифест художников-футуристов», в котором превозносил силу и энергию современной жизни. 8 марта автор зачитал его в туринском театре.

Первое произведение в истинно футуристическом стиле — «Смех», картина написана в 1911-ом. Художник полностью оказался от приемов импрессионизма и пуантилизма. Чувствуя, что итальянское искусство отстает от французского, что ему необходима свежая струя, Умберто Боччони активно развивает новые идеи и высоко поднимает знамя футуризма, который называли (и продолжают называть) «кричащей живописью».

Живописец возглавил движение и стал его символом. Наконец-то футуризм принял реальную форму. Посетив в 1912-м году парижские мастерские Жоржа Брака (Georges Braque), Константина Бранкузи (Brâncuşi) и студии других авангардистов, он решает попробовать свои силы и в скульптуре.

В начале июня 1915-го года Умберто Боччони ушел воевать. 16 августа 1916 года он был сброшен лошадью и растоптан копытами. От полученных травм 17 августа художник скончался.

Гений прожил всего 33 года, но его творчество оказало огромное влияние на искусство XX и XXI веков. Арт-критик New York Times Грейс Глюк назвала Умберто «пылающей кометой» итальянского футуризма. Мастер считал любой рисунок или скульптуру ураганом, вихрем эмоций. Именно он дал толчок новому культурному явлению в Англии — вортицизму (название происходит от слова vortice — «вихрь»). После безвременной кончины лидера никто не взял на себя руководство футуристическим движением, и оно распалось.

Самые известные картины Умберто Боччони

Картины Умберто Боччони соединяют все увиденное и ощущаемое в одно целое. Рваные вихри, грани, фрагменты, необычные формы кружатся в разноцветном калейдоскопе. Движение — вот в чем смысл жизни и творчества мастера. Среди лучших работ:

• «Сон» (1909) — картина посвящена вечной теме любви.
• «Три женщины» (1909-1910) — фигуры слева и справа — мать Боччони и сестра Сесилия. Между ними, в центре — Инес, любимая женщина художника.
• «Город встает» (1910) — в этой картине автор, по его собственным словам, «пытался объединить труд, свет и движение».
• «Смех» (1911) — реакция публики на произведение сначала была негативной. Один из посетителей выставки даже испортил изображение, проведя пальцем по еще не успевшей высохнуть краске.
• «Улица входит в дом» (1911) — бешеный ритм современного города передан виртуозно. Здания наклонены вниз, и людей с балконов словно затягивает в водоворот уличных событий.
• «Динамизм велосипедиста» (1913) — хаотичные линии запечатлели движение. Изображение подобно картинке, которую мы наблюдаем в окно мчащегося поезда.

Изображение скульптуры «Уникальные формы непрерывности в пространстве» (1913) помещено на аверс итальянской монеты достоинством в 20 евроцентов.

Ознакомиться с произведениями Умберто Боччони и работами других легендарных мастеров можно на сайте Very Important Lot. Приглашаем коллекционеров и ценителей искусства принять участие в тематических аукционах и недорого купить картины, плакаты и скульптуры напрямую у современных художников.

Современное искусство по кусочку. Футуризм | Блогер Bbridgitt на сайте SPLETNIK.RU 14 августа 2016

В этом, предыдущих и последующих постах я использую материал из книги Уилла Гомперца «Непонятное искусство», цикла лекций в музее Гараж Ирины Кулик, лекций Дмитрия Гутова, книги Сьюзи Ходж «Современное искусство в деталях», документальных фильмов BBC, и др. 

Футуризм (1909-1919)

Начало 20 века это сплошная череда различных течений, -измов всех мастей. Это отчасти дань времени. Как я уже говорила, время колоссальных изменений во всех сферах, смена привычных социальных отношений и, конечно, технический прогресс, который стал присутствовать в жизни обывателя очень широко. Часть художников, уставших от такой чехарды и суеты, обратила свой творческий взгляд в сторону архаики, ища там успокоения и вдохновения. Но, были и такие, кому изменения казались не просто необходимыми, но и недостаточно радикальными. 

Кроме отвращения ко всему, что по его мнению являлось устаревшим, Филиппо Томмазо Маринетти (1876-1944) был крайне озабочен тем, что его родная Италия до сих пор не представила своего передового направления в искусстве. Париж с его фовизмом/кубизмом  прочно держал звание столицы современного искусства. Сам Маринетти художником не был, однако, у него был дар, которому сейчас позавидовал бы любой pr агент. В сочетании с непомерными амбициями, итальянским темпераментом и страстью к полемике ( в том числе в ее наиболее агрессивных формах), этот талант помог Маринетти очень быстро получить мировую известность.

Филиппо Томмазо Маринетти

Он стал основателем направления футуризм. В отличие от предыдущих течений, это с самого начала было абсолютно политической направленности. Маринетти заявляет миру о создании нового течения, публикуя манифест на первой полосе «Фигаро» ( редакция, видимо, решила добавить немного перца). Манифест назывался «Футуризм» и включал в себя 11 основных пунктов. 

Маринетти сразу обозначил цель направления: «Этим направлением мы учреждаем сегодня футуризм, потому что хотим освободить нашу землю от зловонной гангрены профессоров, археологов, краснобаев и антикваров». Серьезные планы. И это только разминка. 

Далее Маринетти говорит о том, что итальянское общество задавлено наследием Рима и эпохи Возрождения. «Музеи-кладбища!» — утверждает итальянец и требует немедленно сокрушить/затопить/сжечь все музеи.Полемика разгоняется к середине манифеста и достигает кульминации в следующей фразе: «Мы будем восхвалять войну — единственную гигиену мира, милитаризм, патриотизм, разрушительные действия освободителей, прекрасные идеи, за которые не жалко умереть, и презрение к женщине».

Конечно, такие заявления дали сильный общественный резонанс. О Маринетти заговорили. Это был хороший пример деланного внимания, создания события из воздуха. Позже такие рекламные иллюзии будут практиковаться многими художниками 20 века. Однако, кроме задиристого текста за направлением более ничего не стояло. На счастье Маринетти, идеями футуризма ( наверное, не без помощи ораторских способностей Филиппо) увлеклись некоторые итальянские художники.

Карло Карра (1881-1966)

Джакомо Балла (1871-1956)

Джино Северини (1883-1966)

Что же могло соответствовать таким пафосно — агрессивным тезисам футуризма? Симбиоз человека и техники, красота машин, технический прогресс воплощенный художником. Ключевым понятием стал динамизм. Отчасти это полемика с кубизмом ( изображения которого статичны). Маринетти воспевал красоту скорости. Гоночная машина с ревущим мотором становится для него прекрасней Ники Самофракийской. 

Ника Самофракийская, ок.190 г до н.э, скульптор Пифокрит

Тогда талантливый художник нового направления Умберто Боччони предлагает свою версию Ники будущего)

Умберто Боччони, Уникальные формы непрерывности в пространстве, 1913

Несмотря на критику, итальянские художники очень интересовались кубизмом, что особенно проявилось после посещения некоторыми из них выставки «Салона кубистов» 1911 года.  Технические приемы кубистов, такие как соединение различных частей в одно целое, наслоение плоскостей друг на друга, использование цифр и букв были восприняты футуристами на ура. Получился такой динамичный кубизм. 

Умберто Боччони

Джакомо Балла

Тем не менее футуристические полотна другие по своему духу, более эмоционально заряженные. Их цель — вызвать в зрителе отклик. Кроме того, футуристы использовали прием одновременно происходящего действие, охватывающего разные временные промежутки, но изображенного как одно целое. Этот прием называется симультанность. Хороший пример — триптих Бочонни «Состояния души». Это психологическая история о взаимодействии людей с техникой. Главное действующее лицо — поезд. Первое полотно изображает уезжающих «в светлое будущее», второе — момент прощания, третье — оставшихся на перроне. 

Умберто Боччони, Состояния души, 1911

Те, кто уезжает

Прощания

Те, кто остается

Боччони явно вдохновился кубистической манерой письма: наложение плоскостей, номер паровоза, ломаные линии, угловатые формы. Однако, картины очень хорошо отражают душевное состояния. Первые два полотна динамичны. Пассажиры похожи на киборгов, диагональные линии создают тревожную динамику, которую усиливает и темная палитра. В последнем, напротив, ощущается вялость, инертность тех, кто остался «за бортом».

Надо сказать, что не только футуристы интересовались кубистическими открытиями. Многие деятели кубизма также не оставили новое течении без внимания и живо отреагировали на него. Удачно соединили идеи обоих направлений Фернан Леже и Робер Делоне. Такой синтез окрестили кубофутуризмом. 

Фернан Леже, Выход труппы русского балета, 1914

Робер Делоне, Команда Кардиффа, 1912-1913

Кстати, певец кубизма, Гийом Аполлинер футуризм не признавал и считал его глупостью и невежеством. Тем не менее выставка футуристов, прошедшая сначала в Париже, с успехом продолжила свое шествие по миру. В конце концов, неугомонный Маринетти частично реализовал свои цели: футуризм подорвал гегемонию Парижа в области современного искусства. Примерно с 1912 года новые течения стали появляться в разных странах. В Англии, например,  появился вортицизм ( от английского vortex — вихрь), течение во многом сходное с кубофутуризмом, но закончившееся вместе с началом Первой мировой. Вот одно из знаковых произведений представителя вортицизма художника Джейкоба Эпстайна (1880-1959)

Джейкоб Эпстайн, Перфоратор (изначальная версия), 1915

Автор объяснял свою скульптуру страстью к технике. Однако, с началом реальной войны, Эпстайн разобрал свою работу, утратив всякий интерес к машинам. Вот что от нее осталось — этот калеченный торс — отличное напоминания о возможных последствиях такого агрессивного союза человека с машиной. 

Джейкоб Эпстайн, Перфоратор ( разобранный автором)

Маринетти, конечно, был шоумен. Но его задиристые монологи в условиях начала мировой войны и нарастающего недовольства населения многих стран, становились мощным инструментом психологического воздействия. Многие радостно подхватывание призывы уничтожать прошлое. Но прошлое это не только музеи. Незаметно  клеймо «устарел» перешло и на людей, разделяющих другие взгляды. И носители иной идеологии тоже подлежали уничтожению. А потом и те, кто выглядел иначе или имел не ту фамилию…

Что из этого получилось, знают все, кто немного знаком с историей 20 века. Кстати, сам Маринетти активно поддерживал Муссолини и стал соавтором «Доктрины фашизма». Да, возможно, итальянец и трактовал фашизм совершенно иначе, тем не менее, футуризм стал стойко ассоциироваться с фашизмом. 

«Долой прошлое, да здравствует будущее!» — основной посыл футуристов откровенно перекликается с уже нарицательным призывом  «сбросить с парохода современности..». Да, именно в России футуризм получил наиболее сильный резонанс, породив целую эстетику, объединившую литераторов, художников, музыкантов. Однако, русский футуризм заслуживает отдельного поста. Продолжение следует)

 

Футуризм в Италии Умберто Боччони

Футуризм в Италии Умберто Боччони

• Итальянские художники восстали против груза традиций и заявили, что вместо искусства, опирающегося на прошлое, они будут создавать искусство, устремленное в будущее. Название новому направлению было выбрано соответствующее: футуризм (от латинского futurum – будущее). • Филиппо Томмазо Маринетти — основоположник и теоретик футуризма в европейской литературе, автора «Манифеста футуризма» (1909). • Он призывал к переменам и к радикальному разрыву с искусством прошлого. • Вокруг вождя сложилась группа последователей, среди которых выделялись прежде всего Умберто Боччони, Джино Северини, Карло Карра, Луиджи Руссоло и Джакомо Балла. Уже в 1910 г. они образовали своеобразное ядро движения. В 1912 г. в Париже состоялась первая выставка художниковфутуристов.

Будущее глазами футуристов: образы движения Футуристы посвятили себя изображению движения во всех его видах. Иногда это выглядело несколько наивно, вроде множества ног у бегущей собаки или нескольких колес у велосипеда, но на лучших полотнах возникали какие -то силовые поля, энергетические линии, пространственные вибрации и даже ритмы планетарного масштаба. Путь к абстракции образов В ранних картинах можно распознать сам предмет, пусть и размазанный, разложенный по фазам своего перемещения. Позже появились чистые беспредметные формы, воплощавшие, так сказать, квинтэссенцию движения.

Дж. Балла. Динамизм собаки на поводке. 1912. Частное собрание, Нью-Йорк Л. Руссоло. Восстание. 1911. Городской музей, Гаага

) Дж. Балла. Стрижи: траектории движения + динамические ряды. 1913. Музей современного искусства, Нью-Йорк Дж. Балла. Абстрактная скорость – автомобиль проехал. 1913. Музей современного искусства Нью. Йорк

Умберто Боччони (1882 -1916) • итальянский художник, скульптор и теоретик футуризма. • В 1901 году переехал в Рим, обучался живописи при Академии изящных искусств в Риме. • В 1901 -1902 годах Балла знакомит Северини и Боччони со своей, развитой из дивизионизма техникой живописи и составляет с ними два манифеста футуризма (в 1910 году) • В 1906 изучал импрессионизм и постимпрессионизм в Париже. • В 1907 году поселился в Милане, где познакомился с представителями футуризма. • Боччони стал одним из главных теоретиков движения. • В 1912 году он вместе с другими футуристами выставил свои работы в галерее Бернхайма-младшего. • В 1913 году была организована выставка скульптур.

Умберто Боччони «Улица входит в дом» 1911

• Замечательный триптих Умберто Боччони наглядно демонстрирует как самостоятельные достижения футуристов в передаче разнообразных форм движения, так и использование приемов кубистической живописи. По-разному передано различное моциональное э состояние на разных холстах и жизнеподобные образы движутся к чистым абстрактным формам.

У. Боччони. Состояния души I. Прощания. 1911. Музей современного искусства, Нью-Йорк

Боччони. Состояния души II. Те, кто уезжают. 1911. Музей современного искусства, Нью-Йорк

У. Боччони. Состояния души III. Те, кто остаются. 1911. Музей современного искусства, Нью-Йорк

Итальянский живописец и скульптор Умберто Боччони: kolybanov — LiveJournal

Итальянский живописец и скульптор Умберто Боччони

Умберто Боччони родился в Реджо-ди-Калабриа (на юге Италии) 19 октября 1882 года в семье чиновника. Начинал Боччони как художник-реалист. В 1907-1908 гг. он писал портреты, в которые иногда добавлял элементы техники импрессионистов и постимпрессионистов, в частности, использовал мелкие мазки чистого цвета, характерные для Сегантини.   

 Традиционные приемы живописи, используемые в молодые годы Боччони, отражали в целом состояние некоторой «заторможенности» в искусстве Италии, заметно отстававшей от кипящей новыми и революционными идеями Франции.

Умберто Боччони Автопортрет 1905. Коллекция Лидии Уинстон Мальбейн, Нью-Йорк

Умберто Боччони Автопортрет 1905-6 годов Пинакотека ди Брери, Милан, Италия

УМБЕРТО БОЧЧОНИ АВТОПОРТРЕТ 1908 г. Пинакотека ди Брера, Милан, Италия

 

Умберто Боччони обучался живописи в школе обнажённой натуры (Scuola Libera del Nudo) при Академии изящных искусств в Риме. Одновременно вместе с Джино Северини изучал технику пуантилизма у Джакомо Балла (1898—1902). Посетил Париж (1902), Берлин и Петербург (1903—1904). В 1906 году изучал импрессионизм и постимпрессионизм в Париже. В конце 1906 — начале 1907 года посещал курсы рисования в Академии изящных искусств в Венеции. В 1907 году поселился в Милане, где познакомился с представителями футуризма. Особое влияние на Боччони оказал Филиппо Маринетти — основоположник и теоретик футуризма в европейской литературе, автора «Манифеста футуризма» (1909).

«Смех» Боччони Умберто

  «Дерзость и бунт», эпатаж, изменение привычных представлений о живописи присутствуют в егоработе «Смех». На полотне посредством смело выписанных «лучей» создается ощущение света рампы или уличного фонаря, смешаные ресторанные столики,  вазы с фруктами, дымящиеся папиросы.  

           

  Одна из самых ярких и глубоких работ Боччони — «Состояние души»

---

В серии полотен будто бы выписано «психическое состояние» и самого художника, и мира вокруг. Нервные линии, беспорядочно наслоенные кристаллы создают фон хаотичного подсознания, из него «вырождаются» образы, вызывающие ассоциации с животными, машинами, людьми. Неожиданно возникают неясные фигуры и затуманенные лица, «выплывая» из закоулков художественно-интуитивного мира Боччони.

Умберто Бочиони, еще в далеком 1913 году, заключил понятие футуризма в три основных направления: динамизм, скорость и технологии. С тех пор мир изменился до неузнаваемости, но на улицах городов разных стран от Берлина до Шанхая, в объектах публичного искусства можно заметить отголоски футуризма, основной месседж которого заключался не в формах как таковых, а в использовании новых матералов и технологий адекватных своему времени или идущим впереди него.

 

«Эластичность»

 

 

Начав со следования «предписаниям» Маринетти, Боччони постепенно сам становится теоретиком нового направления в живописи. Смешение очень далеких друг от друга вещей, уход от самого стремления завершать композицию, как бы вскрывать ее изнутри, впускать в нее окружающее пространство и таким образом раскрывать сущность самой вещи характерны для творчества Боччони. Художник отличается своим пренебрежением к форме как таковой, собственным подходом к цветовому решению композиции. В его работах сочетались кричащее и призрачное, отрицалось порой само понятие живописной гармонии и целостности. Своим «деланием вещей» в скульптуре Боччони уже в начале XX в. закладывал основы будущего направления в искусстве – поп-арта.

Уникальные формы протяженности в пространстве. Умберто Боччони, 1913 г.

Голова + Свет + Окружение, 1912, Галерея нового искусства, Рим

Фрагментарные, изорванные формы мечутся, увлекаемые каким-то вихрем. Из красных, синих граней проступает человеческая голова: это мир, увиденный во вращающемся калейдоскопе. Картина воплощает идею движения сквозь пространство и время — идею, которой Боччони был всецело увлечен. Один из основателей итальянского футуристического искусства Умберто Боччони в 1910 году поставил свою подпись под Манифестом Футуризма. Отвергая прошлое, художники этого направления искали источник вдохновения в науке и технике, в отличие от многих своих современников считая, что идеальная «машина времени» оказывает на искусство и творчество человека только положительное воздействие. Художник Боччони призывал собратьев по творчеству проникнуться современностью: ее скоростью, волей к жизни, динамизмом. В этой картине художник пытался воспроизвести всю целостность своих единовременных впечатлений от реальности.

В 1915 г. Боччони по собственной инициативе записался в ряды регулярных войск и вскоре погиб, став жертвой случайности – падения с лошади. Лишившись своего лидера и вдохновителя, группа итальянских футуристов вскоре распалась.

  Высказывание Умберто Боччони о том, что любое творчество рождается из вихря чувств (по-итальянски вихрь — vortizto) дало название вортицизму — направление английского авангарда, основанное Уиндемом Льюисом в 1914 году.. Подобно футуризму, вортицизм — резкий, угловатый и очень динамичный стиль, распространившийся как в живописи, так и в скульптуре, — стремился передать процесс движения. Хотя вортицизм не дожил даже до окончания Первой мировой войны, он сыграл важную роль как этап в процессе формирования абстрактного искусства в Англии (Бомберг, Льюис)

Футуризм в Италии — презентация на Slide-Share.ru 🎓

1

Первый слайд презентации: Футуризм в Италии

Умберто Боччони

Изображение слайда

2

Слайд 2

И тальянские художники восстали против груза традиций и заявили, что вместо искусства, опирающегося на прошлое, они будут создавать искусство, устремленное в будущее. Название новому направлению было выбрано соответствующее: футуризм (от латинского  futurum  – будущее). Филиппо Томмазо Маринетти — основоположник и теоретик футуризма в европейской литературе, автора «Манифеста футуризма» (1909 ). Он призывал к переменам и к радикальному разрыву с искусством прошлого. Вокруг вождя сложилась группа последователей, среди которых выделялись прежде всего Умберто Боччони, Джино Северини, Карло Карра, Луиджи Руссоло и Джакомо Балла. Уже в 1910 г. они образовали своеобразное ядро движения.  В  1912  г. в  Париже  состоялась первая выставка художников-футуристов.

Изображение слайда

3

Слайд 3

Путь к абстракции образов В ранних картинах можно распознать сам предмет, пусть и размазанный, разложенный по фазам своего перемещения. Позже появились чистые беспредметные формы, воплощавшие, так сказать, квинтэссенцию движения. Будущее глазами футуристов: образы движения Футуристы посвятили себя изображению движения во всех его видах. Иногда это выглядело несколько наивно, вроде множества ног у бегущей собаки или нескольких колес у велосипеда, но на лучших полотнах возникали какие-то силовые поля, энергетические линии, пространственные вибрации и даже ритмы планетарного масштаба.

Изображение слайда

4

Слайд 4

Дж. Балла. Динамизм собаки на поводке.  1912. Частное собрание, Нью-Йорк Л. Руссоло. Восстание.  1911. Городской музей, Гаага

Изображение слайда

5

Слайд 5

) Дж. Балла. Стрижи: траектории движения + динамические ряды.  1913. Музей современного искусства, Нью-Йорк Дж. Балла. Абстрактная скорость – автомобиль проехал.  1913. Музей современного искусства Нью-Йорк

Изображение слайда

6

Слайд 6: Умберто Боччони    (1882-1916)

итальянский художник,   скульптор  и теоретик  футуризма. В 1901 году переехал в Рим, обучался живописи при Академии изящных искусств в Риме. В 1901-1902 годах Балла знакомит Северини и Боччони со своей, развитой из дивизионизма техникой живописи и составляет с ними два манифеста футуризма (в 1910 году) В 1906 изучал импрессионизм и постимпрессионизм в Париже. В 1907 году поселился в Милане, где познакомился с представителями футуризма. Боччони стал одним из главных теоретиков движения. В 1912 году он вместе с другими футуристами выставил свои работы в галерее Бернхайма -младшего. В 1913 году была организована выставка скульптур.

Изображение слайда

7

Слайд 7

Умберто Боччони «Улица входит в дом» 1911

Изображение слайда

8

Слайд 8

Замечательный триптих Умберто Боччони   наглядно демонстрирует как самостоятельные достижения футуристов в передаче разнообразных форм движения, так и использование приемов кубистической живописи. По-разному передано различное эмоциональное состояние на разных холстах и жизнеподобные образы движутся к чистым абстрактным формам.

Изображение слайда

9

Слайд 9: У. Боччони. Состояния души I. Прощания.  1911.  Музей современного искусства, Нью-Йорк

Изображение слайда

10

Слайд 10: Боччони. Состояния души II.  Те, кто уезжают.  1911. Музей современного искусства, Нью-Йорк

Изображение слайда

11

Последний слайд презентации: Футуризм в Италии: У. Боччони. Состояния души III. Те, кто остаются.  1911. Музей современного искусства, Нью-Йорк

Изображение слайда

«Состояния души Умберто Боччони» Сони Шриер

Аннотация

Эта диссертация исследует серию Умберто Боччони «Состояния разума» (1911) и обсуждает, как эти работы представляют собой прорыв в поисках художником графического выражения концепций, которые занимали его на протяжении всей его карьеры. Состояния разума существует в четырех полных итерациях, каждая из которых состоит из трех изображений: Прощание, Те, кто уходит и Те, кто остаются. Первый набор масляных картин, начатый в конце лета 1911 года, выполнен в стиле Дивизиона и находится в коллекции. Civica Galleria d’Arte Moderna в Милане.Набор рисунков углем и контурных рисунков на бумаге, вероятно, завершенных осенью 1911 года, демонстрирует влияние символистского стиля в коллекции Музея современного искусства Нью-Йорка. Вторая серия картин маслом, также находящихся в коллекции MoMA, была завершена к концу 1911 года. Они отображают элементы кубизма и были переработаны после поездки художника в Париж в ноябре того же года. И, наконец, серия рисунков пером и тушью, основанная на второй раскрашенной версии, которые затем были переведены в ксилографические оттиски или гравюры на дереве для воспроизведения в немецком журнале Der Sturm.Хотя «Состояния разума» были признаны одним из самых важных произведений в творчестве Боччони и одним из самых значительных в футуристическом движении, подробное монографическое исследование по этому произведению так и не было написано. Этот тезис рассматривает Состояния Разума в контексте ряда ключевых тем: влияние художественных движений Дивизонизм и Символизм; влияние философии Анри Бергсона; значение постановки железнодорожного вокзала; и предполагаемый порядок трех панелей «Состояния разума».Благодаря этому исследованию появится более тонкое понимание этой основополагающей работы.

Рекомендуемое цитирование

Шриер, Соня, «Состояния разума Умберто Боччони» (2019). CUNY Academic Works.
https://academicworks.cuny.edu/hc_sas_etds/378

Течет; Боччони и состояние разума

Прогулка по вокзалу. Вы останавливаетесь посреди здания. Вы посмотрите на часы, которые показывают время. Есть люди, которые спешат к поезду, и люди, которые спокойно ждут, сидя на скамейке.К вам идет река толп, другая идет из-за вашей спины. Проходят люди, идут люди.

На вокзале чаще всего возникает ощущение потока. Начиная с течения времени, показанного на часах, до непрерывного движения людей, которое вас подавляет. Все связано с переключением передач. Но это не только восприятие физического движения; есть также динамический поток чувств, мыслей, состояний ума.

Волнение от нового путешествия.Динамизм окружающей среды, которая нас захватывает. Боязнь опоздать. Спокойствие вовремя. Печаль по уходу. Одиночество оставшихся.

Есть художник Умберто Боччони, которому все это удалось уловить и перенести на холст. Название его произведений «Состояния разума» (1911) на самом деле посвящено психологии преходящего состояния человека, происходящего в среде вокзала. Боччони анализирует динамизм состояний нашего разума, формируя их с помощью ярких цветов и линий, создавая ощущение движения, типичного для футуризма.Последний возник в начале 20 века и в основном основывался на чувстве прогресса и инноваций, особенно научных и промышленных. Главной заботой футуристов было выражение движения и динамизма.

Умберто Боччони
Состояния души — Прощание
1911
Холст, масло
96,2 x 70,5 см
Музей современного искусства (MoMA), Нью-Йорк, США.

В первой картине «Прощание» он изображает момент отъезда.Окружающая среда вокзала похожа на турбину, которая захватывает нас своим хаосом. Закрученные и горизонтальные линии передают беспорядок, который подавляет все и каждого. Пар поезда, шумы, голоса, объятия и грусть уходящих людей смешаны в этой динамичной турбине. Поезд, механическое чудо того времени, неумолимо приближается и собирается разлучить обнимающихся людей.

Умберто Боччони
Состояния души — те, кто идет
1911
Холст, масло
70.8 x 96,5 см.
Музей современного искусства (MoMA), Нью-Йорк, США.

«Те, кто идут» — следующая картина в последовательности, и она, вероятно, в основном передает идею потока. Тема ухода показана сильными, толстыми и синими линиями, которые текут, как стрелки, подавляя всех. Движение — это движение, которое, как река, уносит с собой все. Кажется, что головы людей действительно пронизаны линиями и рассечены динамизмом. На лицах появляется какая-то меланхолия.Это может относиться к восприятию движения, которое в любом случае неконтролируемо. Это может также относиться к неопределенности путешествия. Кто знает, куда ведет это путешествие. Это состояние ума тех, кто уходит.

Умберто Боччони
Состояния души — те, кто остается
1911
Холст, масло
95,9 x 70,8 см
Музей современного искусства (MoMA), Нью-Йорк, Нью-Йорк, США

«Те, кто остались» — последняя фотография из серии. Он всегда передает идею течения, но на этот раз имеет другой аспект.Он имеет вертикальный толчок, чувство тяжести и тяжести, которые угнетают окружающую среду и людей. Вертикальные линии похожи на решетку тюрьмы, которая удерживает персонажей в неподвижности. Это состояние ума тех, кто остается. Тех, кто не может ощутить движение путешествия, динамизм поезда. Те, кто в печали, переданной зеленым цветом, остались на платформе.

«Состояния разума» похожи на последовательный фильм, который иллюстрирует психологию путешествия, но также и человека в целом.Человеческое существо каждый день пересекают противоположные чувства и различные состояния ума. Это непрерывное течение, которое всегда характеризовало нас. Это течение жизни.

Amazon.com: Состояния души I: Прощание Умберто Боччони: Плакаты и принты

---

В настоящее время недоступен.
Мы не знаем, когда и появится ли этот товар в наличии.

Марка	Общий
Размер	12 x 16 дюймов
Материал	Бумага
Тип монтажа	Настенное крепление
Ориентация	Пейзаж

---

• Убедитесь, что это подходит введя номер вашей модели.
• Плакат 12 x 16 дюймов на высококачественной матовой бумаге
• Репродукции изобразительного искусства
• Корабли в прочной защитной трубе
• Легко обрамить
• Отличный декор стен

Серия Умберто Боччони: «Состояние души»

Прощание было написано Умберто Боччони в 1911 году с использованием холста, масла.Сюжет представляет собой вокзал, пассажиры которого садятся в два вагона. Боччони написал эту работу не в натуралистической манере. Очевидно, Боччони не пытался передать своей аудитории просто образ железнодорожного вокзала; скорее, его план состоял в том, чтобы вызвать чувство движения не только во времени, но и в социологическом плане. (То есть Боччони передает новаторство поезда как средства общественного транспорта, а также метода формирования социального поведения.) вокзал и дым.Большая часть композиции выглядит как дым, погружающий поезд. Сквозь дым появляются фигуры. Эти фигуры состоят из цилиндров и треугольников. Каждый угол затенен и проникает сквозь дым, который вырисовывается. Цифры зеленые, и на первый взгляд видно, как дым выходит из поезда.

Геометрические формы придают зрителю твердость. Другими словами, они создают ощущение прочного фундамента, на котором стоит вокзал; Важно отметить, что эти смыслы подразумеваются.Зрителю не разрешается видеть платформу или любые другие признаки устойчивости на станции. Когда зритель заключает, что это фигуры, начинается разговор о вечном двигателе. Эта коллекция примитивных геометрических форм застыла в сложном движении. Эти цифры вызывают ощущение воспоминаний; люди роятся и пасутся, как крупный рогатый скот, чтобы сесть на гигантский механизм, который будет препятствовать их физическому существованию к выбранному месту назначения. Эта концепция, эта способность сформировали общество вдали, которое теперь позволяет массам путешествовать вместе, посещать места, которые до этого момента они не могли посетить так легко.Боччони позволил зрителю испытать то же самое волнение от романа через его видение. Виден каждый мазок кисти; углубления на краске показывают, что для создания этой работы было использовано большое количество силы. Имея это свидетельство, можно утверждать, что художник, возможно, сильно относился к этому предмету. С каждым нанесением краски завихрения цветного дыма и колышущиеся прожилки пигментной силы подпитывают зрителя ощущением движения. Волнение в работе настолько очевидно; Боччони не оставил зрителю иного выбора, кроме как столкнуться с этим.

Единственные неподвижные элементы — это номера поезда (6943) и то, что похоже на нефтяную вышку. Эта башня расположена в верхнем левом углу. Сама башня не движется, но мы видим ее. Он остается на заднем плане, на грани исчезновения вдали. Тем не менее, сама башня является символом этого растущего общества, напоминанием о торговле.

Сигнальные огни плавают на переднем плане. Это позволяет зрителю подтвердить личность железнодорожного вокзала, но не позволяет нам видеть какие-либо знакомые элементы станции.Мы остаемся с тем, что художник был склонен показать нам, а это не всегда то, что мы можем распознать.

Boccioni позволил зрителю увидеть время великих перемен. Он позволил нам «ретинально» пережить социологические метаморфозы. Боччони познакомил публику с экономическими и социальными изменениями в эпоху машин и передовых путешествий. Мир стал меньше, а общество продвинулось вперед. Конструкция Farewells позволяет зрителям стать свидетелями интенсивности таких изменений.

Боччони утверждает в книге, написанной в 1913 году под названием Pittura Scultura Futuriste:

«Реальность можно найти не в объекте, а в преображении объекта, когда он отождествляется с субъектом. “ [1]

Другими словами, когда зритель смотрит на поезд, сходство с тем, что считается реальным, не возникает до тех пор, пока зритель не сможет связать изображение с чувством, именем или другим предметом, который затем позволяет идентифицировать предмет.

В статье Петри Боччони и Бергсон он описывает трансформацию искусства как:

«Запись его эмоций, спровоцированных жизнью, будь то событие или ощущение».

Заявление Петри является еще одним свидетельством того, что Боччони создал «Фэрвеллс» с целью спровоцировать своих зрителей эфемерным знанием динамизма, порожденного его наблюдениями и реакциями на растущие методы путешествий.

Во второй части этой серии: «Те, кто идут», Боччони развивает свою концепцию движения по отношению к обществу.На этой работе изображены человеческие лица с нескольких точек зрения. Ощущение движения уже не только временное, но и социальное. Зритель теперь находится в противоречии с представлением о людях, которые сели в поезд, и о замешательстве, которое они, должно быть, пережили во время путешествия. Их тела проникли в сиденья поезда, создавая иллюзию того, что человеческие головы переносятся во временном отверстии или потоке. Одно состояние природы больше не было возможным в социальном порядке, частью которого был Боччони.

Это дополнительно объясняется визуально в третьей и последней части этой серии. «Те, кто остается». Здесь Боччони создал преобладающие вертикальные линии, которые скрывают чувство или ощущение того, что его оставили позади.Он показал зрителю тяжесть быть тем, кто остается позади. Жизнь больше не была простой и надежной. Теперь он состоял из разнородных элементов, которые не были осязаемы.

Boccioni успешно передал элементы социальных изменений, связанных с машинами и путешествиями, в форме визуальной информации. Эта визуальная информация обладает способностью передавать ощущения и эмоции через эту серию, что невозможно было бы передать в письменном виде. Вы не можете открыть книгу и прочитать о прогрессе и социальной революции в это время, и вы не сможете столкнуться с ощущением движения того же динамизма, что и эта работа.Боччони создал серию визуальных данных, которые позволяют зрителю (если он решит воспользоваться этим) испытать на мгновение ускорение времени, концепцию времени и движения и то, как отношения двух будут продолжать существовать. в состоянии непрерывного изменения.

---

[1] Перевод автора статьи Боччони и Бергсон, Брайан Петри

Как это:

Нравится Загрузка …

Умберто Боччони Состояния разума для тех, кто идет — Холст премиум-класса в рамке 18 дюймов x 24 дюйма — Современный — Принты и плакаты — Art MegaMart

1. Все продукты
2. Домашний декор
3. Настенный декор
4. Распечатки и плакаты

• Описание продукта
• Технические характеристики продукта
• Доставка и возврат

18 «x 24» Умберто Боччони Состояния разума Те, кто идут, оформлен холст премиум-класса в рамке, воспроизведенный в соответствии с музейными стандартами качества.Отпечатки на холсте музейного качества производятся с использованием высокоточной технологии печати для более точного воспроизведения, напечатанного на высококачественном холсте с использованием устойчивых к выцветанию архивных чернил. Наша прогрессивная бизнес-модель позволяет нам предлагать вам произведения искусства по лучшим оптовым ценам, значительно меньшим, чем цены в художественных галереях, и доступные для всех. Это произведение искусства вручную натягивается на деревянные подрамники, а затем устанавливается в нашу золотую раму шириной 3 3/4 дюйма с черной панелью одним из наших опытных разработчиков.Наш обрамленный холст поставляется с оборудованием, которое можно повесить на стену. Мы представляем обширную коллекцию исключительных репродукций на холсте Умберто Боччони.

---

Этот продукт был описан как:

• холст настенный декор для дома живопись абстрактный синий

В Houzz мы хотим, чтобы вы делали покупки для Art MegaMart Умберто Боччони заявляет, что заботьтесь о тех, кто идет с уверенностью. Вы можете прочитать реальные отзывы покупателей об этом или любом другом продукте и даже задать вопросы и получить ответы от нас или прямо от бренда.Когда вы покупаете Art MegaMart Umberto Boccioni States Mind The Who Go или любой продукт онлайн у нас, вы становитесь частью семьи Houzz и можете рассчитывать на исключительное обслуживание клиентов на каждом этапе этого пути. Если у вас есть вопросы об Art MegaMart или любом другом продукте для продажи, наша служба поддержки клиентов готова помочь.

page_type: page_view_productproduct_topic: topic_0product_price: price_level_2

Умберто Боччони Картины, биография, идеи

Краткое содержание Умберто Боччони

Умберто Боччони был одним из самых влиятельных художников, оказавшихся в итальянском искусстве. перед Первой мировой войной.Боччони сыграл важную роль не только в разработке теорий движения, но и во внедрении визуальных инноваций, которые привели к динамичному кубистскому стилю, который теперь так тесно связан с группой. Первоначально проявив себя как художник, Боччони позже создал несколько значительных футуристических скульптур. Он умер, когда служил добровольцем в итальянской армии, в возрасте всего тридцати трех лет, что делает его символом футуристического прославления машины и насильственной разрушительной силы современности.

Достижения

• Хотя Боччони заслуживает большой признательности за развитие стиля, который теперь ассоциируется с итальянским футуризмом, он сначала созрел как неоимпрессионист, и его тянуло к пейзажам и портретам.Только когда он столкнулся с кубизмом, он разработал стиль, соответствующий идеологии динамизма и жестоких социальных потрясений, лежащих в основе футуризма. Боччони заимствовал геометрические формы, типичные для французского стиля, и использовал их, чтобы вызывать потрясающие звуки, сопровождающие изображенное движение.
• Боччони считал, что научные достижения и опыт современности требуют от художника отказа от традиции изображения статичных, разборчивых предметов. Он считал, что задача состоит в том, чтобы представить движение, ощущение потока и взаимопроникновение предметов.Боччони резюмировал этот проект фразой «физический трансцендентализм».
• Несмотря на свое увлечение физическим движением, Боччони твердо верил в важность интуиции, отношение, которое он унаследовал от работ Анри Бергсона и художников-символистов конца 19, ^-х, века. Это сформировало подход Боччони к изображению современного мира, побудив его придать ему символические, почти мифические измерения, которые вызывали эмоции художника так же, как и объективную реальность современной жизни.В этом отношении подход Боччони сильно отличается от подхода кубистов, чья работа была основана на попытке подробно описать физический характер объектов, хотя и по-новому.

Биография Умберто Боччони

Умберто Боччони родился в 1882 году в Реджо-Калабрии, сельском районе на юге Италии. Его родители были выходцами из региона Романья, что дальше на север. В детстве Боччони и его семья часто переезжали, в конце концов обосновавшись в сицилийском городе Катания в 1897 году, где он получил большую часть своего среднего образования.Мало свидетельств того, что он серьезно интересовался изящными искусствами до 1901 года, когда он переехал из Катании в Рим и поступил в Accademia di Belle Arti di Roma (Академия изящных искусств, Рим).

Искусство — Картины маслом — Шедевр № 4004 — Умберто Боччони — Состояния разума II: Те, кто остается

Kevane & Company имеет минимальный заказ в 75 долларов США для покупки в нашем интернет-магазине.

Наша галерея сокровищ … часто обновляется …

27 июля 2013 года мы начали добавлять нашу новейшую коллекцию готовых угловых рам, декоративных угловых рам на заказ, новейшую часть нашей коллекции рам и зеркал Манхэттенской галереи. Изысканные угловые рамы для произведений искусства ЛЮБОГО размера — с отделкой углов и исполнением музейного качества.

23 апреля 2012 года мы начали добавлять нашу новую коллекцию рам и зеркал Манхэттенской галереи. Мы начали с нашей коллекции зеркал с высоким блеском в стиле барокко. Модно, стильно и великолепно!

10 марта 2009 года мы добавили наш новый раздел Custom Frames Series 2000 Custom Picture Frames — это потрясающая новая коллекция пользовательских рамок!

5 января 2009 года мы добавили наш новый раздел, посвященный овальным рамкам для картин — это отличная новая коллекция и популярное направление на нашем сайте!

28 ноября 2008 года мы добавили нашу новую серию «1200» декоративных рамок для картин — Рамки для картин серии 1200 — это великолепная новая линейка высококлассных рамок для картин!

11 октября 2008 г. мы добавили нашу новую серию «1000» декоративных рамок для картин — Рамки для картин серии 1000 — Мы очень рады этой новой линейке высококлассных рамок для картин!

11 октября 2008 г. мы добавили наш новый раздел, посвященный «Овальным рамкам для картин». Мы очень взволнованы этой коллекцией и будем работать над расширением ассортимента этих труднодоступных овальных рамок.

1 мая 2007 года мы добавили нашу серию «600» рамок для картин — Рамки для картин — это линейка высококачественных рамок для картин!

17 января 2006 г. мы начали добавлять чуть менее 1500 человек. фоторамок в 132 различных стилях в нашем разделе фоторамок. Эти рамы для картин — невероятная ценность!

10 декабря 2005 г. — началось добавление более 1000 новых ламп в НОВЫЕ классические лампы — Галерея классических ламп, которая находится в разделе «Лампы и освещение» — новые лампы здесь.

25 ноября 2005 г. мы начали добавлять аксессуары для дома Жанны Рид — мы начали с разделов «Фарфор» и «Толе».

No related posts.