Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Художественные картинки: D1 85 d1 83 d0 b4 d0 be d0 b6 d0 b5 d1 81 d1 82 d0 b2 d0 b5 d0 bd d0 bd d1 8b d0 b5: стоковые картинки, бесплатные, роялти-фри фото D1 85 d1 83 d0 b4 d0 be d0 b6 d0 b5 d1 81 d1 82 d0 b2 d0 b5 d0 bd d0 bd d1 8b d0 b5

Содержание

900 Картин самых известных русских художников 900 Classic russian paintings  

Русская живопись. Русские художники

Величественная и многообразная русская живопись всегда радует зрителей своим непостоянством и совершенством художественных форм. В этом особенность произведений знаменитых мастеров искусства. Они всегда удивляли своим необыкновенным подходом к работе, трепетному отношению к чувствам и ощущением каждого человека. Возможно, поэтому русские художники так часто изображали портретные композиции, на которых ярко сочетались эмоциональные образы и эпически спокойные мотивы. Недаром Максим Горький когда-то сказал, что художник – это сердце своей страны, голос всей эпохи. Действительно, величественные и элегантные картины русских художников ярко передают вдохновение своего времени. Подобно устремлениям знаменитого автора Антона Чехова, многие стремились внести в русские картины неповторимый колорит своего народа, а также неугасимую мечту о прекрасном. Сложно недооценить необыкновенные полотна этих мастеров величественного искусства, ведь под их кистью рождались поистине необыкновенные работы разнообразных жанров. Академическая живопись, портрет, историческая картина, пейзаж, работы романтизма, модерна или символизма – все они до сих пор несут радость и вдохновение своим зрителям. Каждый находит в них что-то более чем колоритные цвета, изящные линии и неподражаемые жанры мирового искусства. Возможно, такое обилие форм и образов, которыми удивляет русская живопись, связана с огромным потенциалом окружающего мира художников. Еще Левитан говорил, что в каждой нотке пышной природы заложена величественная и необыкновенная палитра красок. С таким началом появляется великолепное раздолье для кисти художника. Поэтому все русские картины отличаются своей изысканной суровостью и притягательной красотой, от которой так нелегко оторваться.

Русскую живопись по праву выделяют из мирового художественного искусства. Дело в том, что до семнадцатого столетия, отечественная живопись была связана исключительно с религиозной темой. Ситуация изменилась с приходом к власти царя-реформатора — Петра Первого. Благодаря его реформам, русские мастера стали заниматься и светской живописью, произошло отделение иконописи как отдельного направления. Семнадцатое столетие – время таких художников, как Симон Ушаков и Иосиф Владимиров. Тогда, в российском художественном мире зародился и быстро стал популярным портрет. В восемнадцатом веке появляются первые художники, перешедшие от портретной живописи к пейзажной. Заметна ярко выраженная симпатия мастеров к зимним панорамам. Восемнадцатое столетие запомнилось также зарождением бытовой живописи. В девятнадцатом веке в России популярность получили целых три течения: романтизм, реализм и классицизм. Как и прежде русские художники продолжали обращаться к портретному жанру. Именно тогда появились известные во всём мире портреты и автопортреты О. Кипренского и В. Тропинина. Во второй половине девятнадцатого столетия, художники всё чаще и чаще изображают простой русский народ в его угнетённом состоянии. Реализм становится центральным течением живописи этого периода. Именно тогда появились художники-передвижники, изображающие только настоящую, реальную жизнь. Ну, а двадцатое столетие – это, конечно же, авангард. Художники того времени значительно повлияли как на своих последователей в России, так и во всём мире. Их картины стали предшественниками абстракционизма. Русская живопись – это огромный удивительный мир талантливых художников, прославивших своими творениями Россию

Живопись, картины и художники – онлайн-музей Gallerix

Виртуальный музей живописи.


Картины известных художников

Все наши впечатления, фантазии, увиденные архитектурные ландшафты, предметы, пейзажи удивительным образом находят свое отображение в творческих работах великих мастеров и знаменитых художников. Можно сказать, что любая галерея картин насыщает зрителя таинственным колоритом высокого искусства и неповторимыми оттенками внутреннего мира их создателя.

Декорационная живопись, живопись маслом, акварелью, карандашом, монументально-декоративная, иконопись, панорама, миниатюра, диорама – среди такого многообразия каждый находит близкую для себя частичку окружающего мира, характера и настроения. Но, несмотря на это, этапы создания очередной репродукции картин известных художников все также окутаны таинственной дымкой. Возможно, именно это позволяет зрителю каждый раз восторженно наслаждаться насыщенной палитрой, необычными формами и величественной глубиной всего сюжета произведения.

Являясь верным поклонником творчества какого-либо художника, как в первый раз все также с восхищением следишь, как на поверхности холста появляются новые образы и неутомимые потоки краски. Художник будто вдыхает в них жизнь, и они уже игриво ложатся на полотно нового произведения, иногда широко и свободно растекаясь, а иногда – выплескиваясь и плавно ложась слоями. Каждый мазок репродукции известных картин рождает новую стихию. Это может быть дерзкий и неутомимый характер Бури у берегов Ниццы Ивана Айвазовского или мягкие и теплые тона Швейцарского пейзажа с лошадьми Алексея Саврасова.

Что интересно, любые репродукции картин одного и того же мастера открывают новые грани его таланта. Разница лишь в том, откуда художник черпает вдохновение и благодаря чему создает уникальные вариации античного, средневекового или абстрактного направления. Живописцы умело соединяют в своих работах страницы таинственного прошлого и неожиданного настоящего. Возможно, поэтому галерея картин дарит одухотворенное, романтичное начало, обращенное к образам прошлых лет фигуративного или традиционного искусства.

В этом и заметен вечный творческий поиск талантливых авторов, как прошлых лет, так и сегодняшнего времени. И что очень радует, проникнуться их духом и настроением, перенестись в Третьяковскую галерею, Эрмитаж или Русский музей сегодня достаточно просто – нужно всего лишь скачать картины известных художников и насладиться их реалистичностью, колоритом высокого искусства. А оно, как и много лет назад, не перестает удивлять истинных ценителей живописи. Многие художники в своих работах обращаются к истории, образам минувшего столетия. Это делает репродукции картин не только художественно ценными, но и интересными в интеллектуальном плане.

Почитатели прошлых и современных живописных форм ценят в произведениях искусства еще и «дыхание жизни». Каждый мазок, блик, оттенок должен максимально передавать богатую реалистичность всего сюжета. Не зря Леонардо да Винчи в свое время сказал о живописи как о поэзии, которую видят. Присмотритесь только к насыщенной картине известного художника Пьера Огюста Ренуара «Букет роз в зеленой вазе». С первого мгновения будто ощущаешь их манящий сладкий аромат, нежность каждого лепестка и свежесть игривой капельки росы. А в произведениях художника Anders Zorn удивительным образом проявляется чувственность и изящность любой женщины. Автор великолепно передал современную эстетику ню, наполненную академическим стилем и благородной динамикой футуризма.

Несомненно, такие репродукции картин художников позволяют зрителям по-новому взглянуть на привычные вещи, изображенные на полотне. Они не только радуют невероятным богатством красок и оттенков, но также передают очарование окружающего мира, упорядоченного рукой мастера.

Gallerix.ru — это виртуальный музей, в котором вы найдёте живопись, картины, репродукции картин русских и зарубежных художников, коллекции живописи крупных музеев. Здесь можно скачать картины в высоком разрешении и превосходном качестве, высказаться, а сколько всего ещё впереди! Обновление галерей, в среднем, раз в неделю, заходите чаще!




Такая разная живопись

Живопись – удивительное по своему разнообразию явление. В нём традиционно выделяется станковая, монументальная и декоративная живопись, а также оформление театральных декораций и миниатюрная.

Наиболее распространенной является станковая живопись. Она выполняется на мольберте, который является станком для художника. Обычно материальной основой картины является холст, натянутый на подрамник. Применяется также дерево, картон и бумага. Картина показывает современную действительность, исторические события, сюжеты, задуманные живописцем. Для станковой живописи нет ограничений в изобразительных возможностях. Здесь богатый цвет позволяет глубоко и точно отобразить уникальность действительности.

Особым, идеологически нагруженным вариантом является монументальная живопись. Она представляет собой масштабные живописные произведения, которые создаются для украшений объектов архитектуры. В ней должны отражаться заметные процессы и события, которые повлияли на общественный прогресс. Такая живопись, в силу её масштабности, предполагает особые подходы и значительные средства.

При помощи декоративной живописи украшаются интерьеры помещений. Она может выступать в виде насыщенных красками панно, дающими иллюзию визуального изменения объёма помещений в нужную сторону. Декоративная живопись органически объединяет интерьер и украшает предметы домашнего обихода.

Специфический характер имеет живопись в театре. Она предназначена для изготовления декораций, разработки набросков костюмов для сцены и реквизита. Театральный художник призван помочь точно выразить персональные особенности персонажей спектакля, эпоху в которой происходит действие. Это помогает раскрывать суть сценического представления. При этом предполагается учёт большого количества мест, с которых зрители смотрят спектакль, световые и цветовые возможности. Все это помогает адекватно воспринять спектакль.

Получившая популярность в средневековье живопись миниатюр используется преимущественно в издательском деле. Издавна книги украшались тщательно проработанными миниатюрными иллюстрациями. В первой половине ХIХ в. огромной популярностью пользовались небольшие акварельные портреты. Их отличали изысканность, изящество и филигранность письма.

Различные виды живописи также отличаются связующим веществом, на основе которого создается краска. Так, для масляной живописи применяется краска, в которой красящий пигмент растирается на маслах из растений. Такой краской пишут преимущественно на холсте, а также на картоне, металлических и деревянных плоскостях. Если краска густеет, её разводят специальными разбавителями. В темпере используется краска на казеиновой или яичной основе. Её растворяют водой и в виде жидкой пасты наносят твёрдую поверхность. Благодаря темпере сохранились старинные росписи на стенах, многие иконы и уникальные узоры на предметах домашнего обихода. Актуально применение темперы в живописных и графических работах, при художественном оформлении, декорировании зданий и помещений.

Также давнее происхождение имеют фресковая, восковая живопись и мозаика. С помощью первой создаются большие интерьерные композиции. У нее эстетичный вид и отменная долговечность. На основе отбеленного воска делаются восковые краски. Они горячим специальным металлическим инструментом переносятся на деревянную поверхность или холст. В мозаичной живописи произведение создается из небольших осколков разноцветного стекла и камня. Элементы мозаики при помощи цементного состава соединяются с поверхностью и создают интересные эффекты. Панно из мозаики широко используются для оформления помещений внутри общественных зданий и сооружений. Определённое сходство с мозаикой имеет живопись на витражах.

Разнообразие живописных произведений, в которых художник выражает свой творческий замысел, помогает увидеть красоту мира в повседневной жизни, постичь его совершенство.

Остановить прекрасное мгновенье

Уже не одну сотню лет это делается при помощи живописи – одного из важнейших видов изобразительного искусства. Ничто, кроме живописи, не способно с необычайной глубиной и техническим совершенством отразить богатую цветом, объёмом и материальной уникальностью окружающую человека действительность. Воспроизвести подсвеченный солнечным лучом воздух в утренней прохладе соснового леса. Или показать сверкающую всеми цветами радуги каплю росы на травинке.

Глубина окружающего человека пространства, удивительные особенности простых предметов проявляются в художественном творении благодаря использованию средств и приемов, присущих только живописи. Через рисунок, цвет и светотень, выразительные мазки, грамотные композиционные и фактурные решения изображение обычных вещей приобретают художественную ценность. Это и дым мчащегося паровоза, и степная пыль, поднятая табуном лошадей. Зритель может ощутить себя и в космическом корабле, и на палубе старинного парусника. Мастерски выписанные жанровые сюжеты помогут ему ощутить кисейную нежность наряда аристократки и грубую фактуру рубища нищего.


Дрезденская галерея. Photo: IgorMiske|Unsplash

Живопись удивительным образом раскрывает внутренний мир человека, радость и горе героев полотен, их неуемный восторг и отчаяние. Немало живописных работ показали в зрительных образах героизм и самопожертвование, мужество и трусость, подлость и предательство.

При помощи кисти и красок могут быть выражены неосязаемые идеи, глубинные исторические процессы, бытовые сюжеты, развернутые изображения различных событий. Предметом живописи стали батальные события и заседания парламентов, монархи и крестьяне, бунты, карнавалы и проводы в последний путь. Живописное изображение раскрывает духовное богатство и эмоциональную убогость, нравы и обычаи разных народов, богатые мироощущения современников живописца. При этом зритель получает ощущения, сходные с теми, которые он мог бы получить в действительности.

Материальной основой живописи являются её произведения, через которые осуществляется эмоциональное и интеллектуальное воздействие. Такое произведение должно иметь материальный носитель или основу в виде холста, бумаги, картона, дерева. Многие живописные работы создаются на камне, металле, стекле и бетоне. Обычно основа покрывается грунтом, на который кладется красочный слой. Иногда для большей сохранности работы краска покрывается лаком, создающим защитную пленку.


Флорентийское великолепие. Photo: JoshuaEarle|Unsplash

Однако главным таинством живописи является превращение под кистью мастера различных красок в цельное художественное изображение. Именно краски способны раскрыть изобразительный и эмоциональный потенциал живописи, особенности мастерства живописца. Самыми популярными красками при создании живописных полотен являются краски, в которых красящее вещество (пигмент) связывается растительным маслом. Они отличаются сильной цветопередачей и прекрасной устойчивостью к воздействию света. Акварельные краски художники ценят за их прозрачность, сочетаемую с яркостью и лёгкостью. Сегодня живописные работы создаются также при помощи темперы, гуаши, пастели и туши. Существует живопись разведёнными водой красками, которая широко применяется при создании фресок, восковая живопись и живопись керамическими и силикатными красками. Синтетические краски, их цветовая насыщенность и долговечность позволили вывести живопись из музейных залов на улицы городов на всеобщее обозрение. Носителями такой живописи стали здания и сооружения, средства транспорта и специальные конструкции. Произведения живописи всё больше насыщают быт человека. Живопись становится доступнее и демократичнее.




Живописные жанры

По мере исторического развития живописи её произведения начинали делиться на жанры в соответствии с объектами изображения и тематикой картин. Таких жанров сегодня насчитывается до полусотни.

Часть их связана с изображением человека. Жанр, называемый «ню» означает показ тела человека, которое обнажено. Он близок к сюжетам, раскрываемых в работах мифологического и исторического содержания. В произведениях, выполненных в портретном жанре, изображается человек. Такое изображение может носить индивидуальный или групповой характер, а также иметь парадный вид. Среди этих жанров выделяется жанр автопортрета, где автор запечатлевает сам себя. К жанрам, изображающим людей, может быть отнесена и карикатура. Здесь допускается намеренное искажение и преувеличение пропорций и черт лица человека. Используется различная символика, фантазии. Всё это призвано акцентировать внимание на критикуемых недостатках человека.

В анималистическом жанре изображаются животные, а в работах так называемого иппического жанра лошадь выступает главным героем живописного изображения.

Существует группа жанров, где отображаются исторические события. Такие работы отличает многоплановость и реалистичное изображение давно минувших дней. А для работ жанра, показывающего батальные события, характерно большое количество изображаемых лиц, участвующих в военных походах и сражениях. Батальные сюжеты предполагают их многоплановость. В некоторых жанрах содержится стремление донести до зрителя некие символы, мысли, которые представляются важными для людей. Так, картины аллегорического жанра предполагают скрытое содержание в изобразительном материале этих произведений. Расшифровываться оно должно посредством изображенных на картине людей, мифических героев, фантастических существ. В жанрах, изображающих героев былин и мифов, идеи передаются посредством соответствующих сюжетов. Религиозный жанр предполагает написание икон и иных работ сакрального содержания.

Распространенным жанровым объектом считается натюрморт. Здесь центром изображения становятся, преимущественно фрукты, овощи, посуда, вазы с цветами. Своеобразной разновидностью натюрморта является жанр «ванитас». В нём центральное место отводится черепу, символизирующему временность земного существования.

К пейзажным жанрам относятся изображения видов природы, городов и поселений. Пейзаж предполагает изображение картин природы, а также видов, связанных с морем и городами. Сюда можно отнести и жанр венецианского происхождения, называемый «ведута». По сути, это точно выписанная городская панорама, в которой, безусловно соблюдены архитектурные формы и пропорции. Жанр «каприччо» означает созданный фантазией художника архитектурный пейзаж.

К жанрам, отражающим обыденную жизнь, относят жанры изображающие человеческий быт, и пастораль. Первый характерен обыденной простотой в изображении элементарных жизненных сюжетов. Пастораль, напротив, идеализирует и украшает средствами живописи обыденную жизнь в сельской местности, подавая её в пастельных тонах. К бытовым жанрам может быть отнесен жанр интерьера, который показывает внутреннее оформление жилья и других помещений.


Краков, Польша. Photo: BeataRatuszniak|Unsplash

Иногда живописцы используют художественный жанр, называемый обманкой. В нём для получения зрительной иллюзии используются особые приёмы.

Жанры в живописи не есть что-то раз и навсегда застывшее. Они могут соединяться, дополнять друг друга. Отдельные со временем могут исчезнуть, другие будут развиваться, отражая жизнь.


Новости партнёров
Статьи по культурологии
Энциклопедия (в разработке)
Фотошоп онлайн
Обновления

Зеркало человечества

Человечество помнит себя во многом благодаря живописи. Это были сначала примитивные изображения животных, сцен охоты на них. Затем появился человеческий образ. Складывается подобие композиции. Красками служили кусочки охры и угля. Рабовладельческий период развития общества обогатил живопись её связью с архитектурой, новыми техническими средствами. Нередким было примитивное изображение человека, развёрнутые повествовательные сюжеты. Появились пейзажи, изображения предметов быта, домашних животных и птиц. Такая древняя живопись имела декоративный характер, у неё были контурные линии и цветовые пятна.


Посетители Лувра перед портретом Моны Лизы Photo: JuanDiNella|Unsplash

В античный период живописью украшали культовые сооружения, жильё, усыпальницы и другие строения. Расширилась тематика и сюжетное разнообразие живописных сюжетов. Осознанно стали применяться светотень, различные варианты перспективы. Появились фресковая и восковая живопись. Средневековье характеризовалось преобладанием живописи религиозного содержания. Использовались гуашевые, акварельные краски и краски на клеевой основе. Храмы украшались фресками, настенными росписями, мозаиками и витражами. Непременным атрибутом церквей стали иконы, создаваемые на покрытых грунтом досках. Живописные работы того времени отличались контурной чёткостью, цветовой насыщенностью, локализацией цветовых пятен.

Во время эпохи Возрождения возрос интерес к живописным работам, отражающим идеи гуманизма. Совершенствование техники работы с масляными красками значительно расширили потенциал живописи. Единение глубины пространства, светотеневых эффектов и цветового многообразия позволяло с высокой степенью реалистичности воспроизводить окружающие человека предметы и его самого. В сюжетах с обнажённой натурой демонстрировалась гармоничность человеческих отношений. Начинала преобладать многослойная живопись маслом, которая вытесняла темперу.

ХVII-XVIII века стали временем создания национальных живописных школ. В картинах появились социальные аспекты, реалистичнее показывалась реальная жизнь. Совершенное мастерство живописцев позволило им взяться за изображение человеческих конфликтов, их психологии. Расширялось жанровое разнообразие живописи. Все большее значение отводилось станковой живописи. Совершенствовалась техника многослойной масляной живописи. Стали развиваться техники живописи, направленные на создание произведений камерного характера с использованием акварели, пастели, туши. Популярными стали различные виды миниатюрных портретов.

Взаимообогащение живописных традиций разных стран стало одной из важных черт живописи ХIХ века. Это помогало созданию реалистичных пейзажных школ. Живопись стала средством демонстрации негативного отношения к социальной действительности. В среде художников стали зарождаться подходы, оторванные от реальной реальности. В противовес им возник живописный романтизм, который исповедовал активную жизненную позицию. Он отличался конкретностью и убедительностью, динамичностью, контрастностью и колоритным богатством. Героями картин становились прогрессивные представители общественности, рабочие и крестьяне. В станковой живописи стали использоваться более совершенные краски фабричного производства.


Прерафаэлиты. Photo: ClemOnojeghuo|Unsplash

Конец ХIX и начало ХХ веков отмечен противоречивостью, борьбой разных течений в живописи. Активнее проявлялась персонификация видения художниками действительности, цвет становился насыщеннее и ассоциировался с отображаемыми в картине событиями и людьми. Во многих работах были правдиво осмыслены трагические события того времени. В то же время порой формы утрировались, машинизировались и становились декоративными элементами сюжета.

ХХ век отмечен развитием течений в художественной среде, которые негативно влияли на живопись. В некоторых странах она порой деградирует, превращаясь в компонент развлечений и рекламы.




Художник и его произведение

Сегодня занимающийся живописью художник может работать в театре, на промышленном предприятии и многих других местах. Зачастую именитые художники не работают по найму вообще, а полностью посвящают себя исключительно творчеству. Важной частью творческого процесса живописца является создание материальной основы для работы. Ведь зачастую художник должен нести немалые траты на аренду мастерской, приобретение мольбертов, красок, кистей и других инструментов для живописи. Вписанные в рыночные отношения некоторые живописцы вынуждены заниматься несвойственным им делами, занимаясь продвижением своих работ, маркетингом. Неотъемлемой частью жизни художника является его участие в выставках, конкурсах и других презентационных мероприятиях. Отдельным художникам удается найти почитателей их таланта, которые финансируют творческий процесс. Ещё с древних времен у сильных мира сего было принято иметь своих живописцев. Целью таких людей было использование искусства в целях собственного возвеличивания, фиксация важных исторических событий, формирование у потомков позитивного впечатления. В то же время художники, обслуживавшие таких заказчиков, получали возможность создавать высокохудожественные произведения различных жанров. Именно благодаря их творческим усилиям современный зритель может получить представление о важнейших событиях давно минувших дней, ощутить дыхание прошедших эпох.


Photo: AlpAllenAltiner|Unsplash

Профессиональная работа по созданию художественных произведений требует специальных знаний, которые дают художественные учебные заведения. Без таких знаний, независимо от источника их получения, художнику сложно создать высококачественное живописное произведение. Ведь любая стадия его создания требует специальных знаний и навыков. Задумывая сюжет картины, художник одновременно должен думать об источниках информации для его наполнения. Прежде, чем приступить к реализации творческого замысла на холсте или бумаге, ему необходимо ознакомиться с огромным объёмом информации для наиболее реалистичного и высокохудожественного отображения задуманного. Объём такой информации во многом зависит от жанра, в котором работает художник. Например, художник-баталист не сможет достоверно реализовать задуманный сюжет без чёткого представления об оружии, обмундировании, военных обычаях. Маринист не сможет работать вдали от моря, не зная основ конструкции кораблей, особенностей морского климата. Портретист должен знать все о герое портретного изображения, включая манеру двигаться, одеваться, смотреть и разговаривать. Только так, глубоко изучив свою натуру, художник может приниматься за работу. Предварительно им прорабатывается перспективы и композиция картины, делаются различные наброски и эскизы. Все эти подготовительные мероприятия позволяют приступить к созданию подготовительного рисунка на основе для картины. Рисунок выполняет функцию каркаса будущего произведения, закладывает фундамент целостности его изобразительного строя. От тщательности рисунка, выполненного карандашом, углём или мелом, в решающей степени зависит дальнейшая работа над картиной.

Перед началом работы с красками художник должен иметь чёткое представление о цветовой композиции своего произведения, которая создает ему колористическую цельность. Она реализуется при помощи красочных пятен или мазков, которые усиливают восприятие картины зрителем. Только после выполнения необходимых подготовительных процедур, нанесения и закрепления рисунка опытный художник начинает работать непосредственно красками.

Художественные обои для рабочего стола

Для монитора

Стандартные 4:3

  • 1024 x 768 4166

  • 1152 x 864 3928

  • 1280 x 960 3792

  • 1400 x 1050 3532

  • 1440 x 1080 3367

  • 1600 x 1200 2739

  • 1680 x 1260 1543

  • 1920 x 1440 1362

  • 2048 x 1536 1075

  • 2560 x 1920 502

  • 2800 x 2100 404

  • 3200 x 2400 287

  • 3800 x 600 278

  • 4096 x 3072 136

  • 6400 x 4800 14

Стандартные 5:4

  • 1280 x 1024 3682

  • 2560 x 2048 420

  • 3750 x 3000 155

  • 5120 x 4096 34

Широкоформатные 16:10

  • 1152 x 720 4133

  • 1280 x 800 4068

  • 1440 x 900 3707
  • 1680 x 1050 3189

  • 1920 x 1200 2398

  • 2560 x 1600 959

  • 2880 x 1800 512

  • 3840 x 2400 227

  • 5120 x 3200 99

  • 7680 x 4800 7

Широкоформатные 5:3

Где найти фото — руководство по поиску картинок для сайта или статьи

Как правило очень много «заезженных» постановочных фото, где люди пожимают друг другу руки и лучезарно улыбаются в камеру. Думаю, такими снимками никого уже не удивить, да и привлекательности в них мало. Отсеивая взглядом такие фотографии, можно увидеть, иногда тоже постановочные, но более естественные кадры, где все находится в привычной для нас среде. По качеству они ни чем не уступают, но смотреть на них намного приятнее.

Поделюсь любимыми ресурсами, на которых я ищу снимки.

Unsplash: там классный выбор! Очень много снимков природы, интерьеры и так далее; все фотографии очень графичные. Но если вы ищете портреты, то здесь их мало, в основном сложные ракурсы и виды со спины. На Unsplash вы найдете атмсферу.

Еще один — stocksnap.io. Некоторые снимки дублируются с предыдущего ресурса, но есть и отличия. Stocksnap и Unsplash, как мне кажется, отлично дополняют друг друга.

Больше всего мне нравится поиск на Flickr. Там я ищу материал чаще всего. Самые классные снимки находила именно там. Но на Flickr поиск намного сложнее и порой как-будто становится соревнованием и головоломкой. Чтобы понять, нужно начать в нем копаться.

Во-первых, совсем не все фотографии вы можете взять бесплатно и использовать. Нужно внимательно следить за условием лицензирования. Владельцы снимков сами решают дать ли доступ на использование изображений другим людям и ограничивают свободу этого использования. Чтобы узнать, можете ли вы скачать фотографию для коммерческого использования или своего блога, обратите внимание на черные иконки внизу, справа от фотографии. Пройдя по их ссылке, вы сможете прочитать какой из типов лицензии Creative commons вам доступен.

На Flickr поиск сложнее и порой может сильно затянуться, так как там можно найти и любительские фото с вечеринок и высококачественные снимки профессиональных фотографов. При поиске все они перемешаны друг с другом, поэтому понадобится внимательность, чтобы вычленить качественные изображения.

Здесь более гибкая система поиска, и можно отсортировать фотографии не только по размерам, цвету и так далее, но и задать поиск фотографий только с определенным типом лицензии. Например, Сommercial use allowed.

Когда появляется удачная находка, я всегда перехожу в профиль автора, так как часто его коллекция может содержать еще больше подходящих снимков такого же уровня качества. А иногда это может быть целый альбом, подходящий вашему запросу. Шансы найти хорошее фото увеличиваются.

Также можно сохранять понравившиеся фотографии в Favorites, чтобы не забыть потом указать имя автора и не потерять фото. Иногда я веду несколько проектов сразу. Часто я отыскиваю классные фотографии, которые в текущем проекте мне не подходят, но сохраняю их для того, чтобы потом всегда можно было вернуться к ним и использовать в другом. Или же, чтобы потом подробнее изучить другие работы автора. Также иногда можно подбирать фотографии для параллельных проектов.

Если снимок отмечен лицензией для свободного использования в коммерческих целях, это совсем не значит, что все фотографии в альбоме имеют такое же разрешение. Поэтому нужно проверять отметку каждого понравившегося снимка. А после, можно написать автору и предупредить о том, что хотели бы использовать его снимок по лицензии c указанием его авторства.

Чтобы не отвлекаться и не терять из вида страницу с основным поиском, открывайте нужные вам снимки и профили в новом окне, и из него уже изучайте, сохраняйте и скачивайте. Я делаю это потому, что при долгом поиске загрузка изображений и переход по ссылкам становятся тяжелее и занимают больше времени. Поэтому у меня всегда открыта страница со всеми изображениями по запросу и отдельно странички с нужным мне фото. На ней можно узнать все о фотографии, сохранить, скачать, закрыть вкладку и продолжить поиск.

И еще немного любимых ресурсов для поиска материала:
Photos. Google
The Pic Pac
Pixabay

кто и как создавал шедевры

О мировом искусстве можно говорить часами и писать тысячи книг. За именем каждого художника — непростая жизнь, за каждым полотном — голос времени, за каждым мазком — желание выразить нечто большее.

Редакция Losko выбрала пять картин, которые не оставили ее равнодушной. Они относятся к разным периодам и течениям в искусстве. Из статьи вы узнаете, где Ван Гог писал «Звездную ночь», как возник замысел «Черного квадрата» и какое на самом деле украшение у «Девушки с жемчужной сережкой».

«Звездная ночь», 1889

«Звездная ночь», Винсент Ван Гог, 1889

Художник

Нидерландский художник Винсент Ван Гог с детства был тонко чувствующим и замкнутым ребенком. В юности он семь лет занимался оценкой и продажей картин в фирме своего дяди, где и обнаружил страсть к рисованию. Однако коммерция и искусство были для него несовместимы. Будучи сыном священника, он решил пойти по стопам отца: трижды пытался получить теологическое образование, но обостренное чувство прекрасного и справедливого не позволяло ему ладить с людьми.

Потерпев очередную неудачу, Ван Гог сосредоточился на творчестве и решил создать вместе с Полем Гогеном свою мастерскую. Но регулярные конфликты чувствительного Винсента с жестокой реальностью в итоге окончательно вывели его из равновесия: в 1889 году художник попал в психиатрическую лечебницу. Там он прожил год и написал большую часть своих картин. Через несколько месяцев после выхода из лечебницы Ван Гог, по основной версии, покончил жизнь самоубийством, выстрелив в себя из револьвера.

История

В мае 1889 года, во время очередного обсуждения планов с Гогеном, Ван Гог внезапно пришел в неистовство и набросился на друга с бритвой в руках. До конца не ясно, что именно произошло, но позднее ночью Винсент отрезал себе мочку уха. Его забрали в психиатрическую лечебницу в Арле, где через месяц после происшествия художник написал картину «Звездная ночь». И хотя Ван Гог изобразил вид из окна больницы, большая часть экспозиции вымышленная: ему было видно только пшеничное поле и небо.

Стиль

Ван Гог был постимпрессионистом. Художники этого направления стремились отойти от точного изображения предметов и от импрессионистской фиксации момента. Для них на первом месте стояла задача показать фундаментальные смыслы, используя цвет и формы. Точность в изображении реальных объектов теперь тоже была не обязательна — главным стало выразить идею.

В случае с картиной «Звездная ночь» сам Ван Гог никак не пояснял свою задумку. Искусствоведы полагают, что огромные вихреватые звезды отсылают к религиозным чувствам: размышлениям о конце бытия, о вечности. Важно отметить, что картина была написана накануне острого приступа Ван Гога в июле 1889 года: возможно он творил в состоянии обостренного восприятия.

Интересные факты

  • Хотя картина стала одним из известнейших полотен Ван Гога, он в переписке с художником Эмилем Бернаром назвал её «провалом». Ван Гог стремился писать с натуры и избегать таких абстрактных элементов, как, например, завихрения света звезд.
  • Самая яркая звезда на картине, расположенная справа от кипарисов, — Венера, которая, по мнению исследователей, действительно была таковой в то время в Провансе.

«Черный квадрат», 1915

«Черный квадрат», Казимир Малевич, 1915

Художник

Казимир Малевич родился в Киеве, по происхождению был поляком. Он увлекся рисованием еще в детстве, первую масштабную картину написал в 16 лет. Дважды пытался поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и дважды получал отказ.

Малевич создал уникальное направление в абстракционизме — супрематизм. Занимался разработкой теоретического фундамента этого течения, писал философские труды, преподавал живопись.

История

Идея произведения и супрематизма в целом возникла в декабре 1913 года. Тогда Казимир Малевич рисовал эскизы декораций к футуристической опере, где изобразил черный квадрат как противоположность солнечному кругу. Позже Малевич написал «Черный квадрат» в 1915 году наряду с другими картинами для футуристической выставки. Сам художник датировал работу 1913 годом и называл ее «основным супрематическим элементом». Датой создания полотна он считал год его придумки.

Простота изображения отражала суть картины — «Черный квадрат» означал новую веху в живописи, точку отсчета, «нуль форм». Вместе с этим полотном Малевич написал также «Черный круг» и «Черный крест», которые также легли в основу супрематической системы.

Стиль

Супрематизм развился из абстракционизма и был попыткой окончательно уйти от предметности. По мнению Малевича рисование с натуры так же примитивно, как и наскальная живопись.

Супрематизм стремился уравнять художника и природу — они не копируют, а создают с нуля. Основными инструментами художника стали лишь цвет и простейшие геометрические фигуры.

Интересные факты

  • Помимо первоначального «Черного квадрата» 1915 года были написаны еще три авторских повторения картины. Оригинальное полотно хранится по сей день в Третьяковской галерее.
  • В 2015 году ученые нашли и расшифровали надпись на картине «Черный квадрат». Она звучит так: «Битва негров в темной пещере». Надпись предположительно наспех сделана самим Малевичем и отсылает к черному полотну художника Альфонса Алле «Битва негров в пещере глубокой ночью», 1882 год.

«Девочка с персиками», 1887

«Девочка с персиками», Валентин Александрович Серов, 1887

Художник

Валентин Серов родился в Санкт-Петербурге в интеллигентной семье композиторов. С юного возраста проявлял талант к рисованию. Первым учителем Серова был Илья Репин, который отмечал в ученике большую страсть к живописи.

Серов, искусный портретист, писал Николая Римского-Корсакова, Илью Репина, Николая Лескова, императора Александра III с семьей и Николая II. До последних лет жизни Серов преподавал в Московской школе живописи, ваяния и зодчества и был членом совета Третьяковской галереи.

История

Серов нарисовал «Девочку с персиками» в усадьбе Мамонтовых, где он часто гостил: впервые его отвезла туда мама в 10 лет. Многие годы художник регулярно останавливался там и был близким другом семьи. Картина была написана с одиннадцатилетний Веры Мамонтовой,  дочери хозяина. В тот день все гости пообедали и вышли из столовой, оставив Веру и Серова одних. Вера возбужденно что-то рассказывала художнику, с которым они были хорошими друзьями. Валентин, будучи чутким живописцем, уловил детскую непосредственность Веры и попросил ее позировать десять сеансов.

В результате Серов писал работу более месяца. «Все, чего я добивался, — это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил ее, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности — вот как у старых мастеров» — говорил позже художник о том периоде.

Стиль

Портреты Серова относят к русскому импрессионизму. Этот стиль навеян процветающим в тот период французским импрессионизмом, отличающимся динамичностью и незавершенностью рисунка, как будто бы сделанного «на лету».

Однако русский импрессионизм отражал национальные черты: размеренность и осмысленность — наша деревня уступала европейскому темпу жизни. Вера Мамонтова на портрете расслабленно сидит за столом — лишь румянец на щеках напоминает о резвости девочки.

Интересные факты

  • Скатерть, которой накрыт стол на картине, позднее также станет известной: все посетители усадьбы Мамонтовых расписывались на ней мелом, а Вера позже вышивала по этим следам. Скатерть стала уникальной коллекцией автографов художественного кружка Мамонтовых.
  • Художник Михаил Нестеров очень любил «Девочку с персиками» Серова и называл портреты Репина и Васнецова «безжизненными» в сравнении с ним. Он считал, что в Париже картина сделает Серова известным, но «у нас пока подобное явление немыслимо: примут за помешанного и уберут с выставки, — настолько это ново и оригинально» — так он высказывается в своих письмах сестре.

«Девушка с жемчужной сережкой», 1665

«Девушка с жемчужной сережкой», Ян Вермеер, 1665

Художник

Ян Вермеер родился и прожил всю жизнь в Нидерландах. Он принадлежит к представителям «золотого века» голландской живописи и стоит наравне с Рембрандтом. О жизни художника известно мало, ясно лишь то, что у него была хорошая школа живописи: в 21 год его приняли в гильдию Святого Луки, что было невозможно без шести лет серьезного обучения у признанного живописца. Позднее Вермеер дважды занимал должность руководителя гильдии.

Художник достиг успеха еще при жизни, обладал авторитетом и продавал свои картины за солидные суммы. Писал портретист не более двух работ в год. На данный момент известно о 34 подлинниках.

История

История картины «Девушка с жемчужной сережкой» окутана тайной. Дата написания указана предположительно, так как сам Вермеер ее не поставил. Исследователи до сих пор не знают, кто изображен на картине: по одной из теорий Ян Вармеер изобразил свою дочь Марию, которой было тогда около 12 лет. В пользу этой теории говорит удивительно прямой и смелый взгляд девушки, словно они с художником близко знакомы.

По другой версии девушка на портрете — не конкретный человек, а свободное творчество художника, или «трони» — анонимный портрет-фантазия. Эту теорию подтверждают описи имущества после смерти Вермеера, где указаны «два трони в турецком стиле» — речь вполне может идти о замысловатом тюрбане на голове девушки.

Стиль

Картина «Девушка с жемчужной сережкой» относится к барокко. Об этом говорит сочность, насыщенность цветов и контрастность, придающая портрету выпуклость. Художник мастерски изобразил свет на коже, подчеркнув его контрастно-темным фоном. Естественно выглядят блики в глазах и на губах девушки, которая смотрит словно куда-то за спину зрителю.

Интересные факты

  • Художники в тот период не давали названий своим полотнам — их придумывали служащие, составлявшие описи имущества. Картина называлась «Девушка в тюрбане» и «Лицо девушки», и только перед выставкой в Вашингтоне в 1995 сотрудники музея Маурицхёйс придумали современные вариант.
  • Серьезная дискуссия развернулась о самой сережке, а именно о ее «жемчужности». Многие исследователи обратили снимание на слишком большой размер камня, а также на яркий блик в его нижней части. Сейчас ученые склоняются к тому, что украшение было не из жемчуга, а из стекла, покрытого матовым слоем. Крупный жемчуг был редкостью и позволить его могли только богатые, поэтому из Венеции поставляли бижутерию.

«Постоянство памяти», 1931

«Постоянство памяти», 1934, Сальвадор Дали. Находится в Нью-Йоркском музее современного искусства

Художник

Полотно написал испанский художник-сюрреалист Сальвадор Дали. Он с детства был эксцентричным и притягивающим к себе всеобщее внимание . За 85 лет он создал около 1500 произведений, включая сюрреалистические картины, иллюстрации, скульптуры.

Сальвадор Дали был известен при жизни. Он стал автором нескольких автобиографических книг, сценариев, разработал логотип «Chupa-Chups», работал с Уолтом Диснеем над мультфильмом «Destino», участвовал в создании фильмов Луиса Бунюэля и Альфреда Хичкока. Также Дали создал в своем доме в Порт Лигат 44 бронзовые статуи. Художник вдохновлялся в основном своими сновидениями, самоанализом и теориями Фрейда.

История

«Постоянство памяти» — небольшое полотно, которое Сальвадор Дали создал всего за пару часов, пока его жена Гала была с друзьями в кино. Сам художник не пошел, сославшись на мигрень. Изначально Дали писал мыс Креус, но в тот день он взглянул на картину и понял, что полотну не хватает какой-то идеи, смысла. Он уснул и перед ним предстал образ мягких часов, стекающих с ветви высохшей оливы. Сам Дали говорит, что на образы «текучих часов» его навел мягкий сыр камамбер, которым они ужинали накануне.

Небольшая картина была очень личной для художника. Позже Дали вспоминал, как показал её Гале: «Я наблюдал за тем, как она разглядывает картину и как отражается на ее лице очаровательное удивление. Так я убедился, что изображение производит эффект, ибо Гала никогда не ошибается.»

Стиль

«Постоянство памяти» относится к сюрреализму. Мягкие часы выражают основную мысль, озарившую Дали — идею об относительности времени и его нелинейности. Часы текут в разные стороны, демонстрируя то, как легко вернуться в прошлое или повлиять на будущее. Художник осознавал хрупкость и искусственность привычного понимания времени, о чем говорят изображенные на картине «твердые» часы, поедаемые муравьями, которые символизируют конечность, смертность, разложение.

Однако понятие времени не разрушается полностью — это подтверждают образы яйца, лежащего на берегу, а также зеркало, будто объединяющее море и небо. В глазах художника время противоречиво и относительно, но при этом все равно может существовать и создавать полотно мира.

Интересные факты

  • Сам Сальвадор Дали дал лишь два комментария к картине: о том, что на мягкость часов его навели мысли о камамбере, и о том, что при написании он думал о древнегреческом философе Гераклите и его высказывании «Все меняется, все течет».
  • Через несколько дней после написания работы ее купил американец Джулиан Леви, уверяя Дали, что «Постоянство памяти» не принесет коммерческого успеха и будет просто висеть у него дома.

Почитайте другие материалы об искусстве на Losko. Например, нашу подборку о сюрреализме в живописи, или о самом дорогом художнике современности Дэвиде Хокни.

Следите за нами в социальных сетях, чтобы не пропускать новые материалы: Вконтакте, Facebook, Telegram — @loskomag, Instagram. Eсли вы цените свой и чужой труд, то всегда можете поддержать нас финансово на Patreon.

Что такое художественная фотография? — Уроки и секреты фотографии

Художественная фотография, что же это такое? Фотолюбители часто задают мне этот вопрос. Обычно прежде, чем ответить на него я делал глубокий вдох и выжидал небольшую паузу, чтобы собраться с мыслями. А затем начинал объяснять всё максимально подробно. Но со временем я пришёл к выводу, что лучший ответ – самый простой и короткий. И многим достаточно просто объяснить очевидные особенности художественной фотографии, чтобы дать представление об этой области искусства.

Главной отличительным признаком художественной фотографии от других областей фотоискусства заключается в том, что художественная фотография – это не просто фиксирование объекта и сцены на фотоплёнку или цифровой носитель. Использование фотокамеры для фиксации тех или иных объектов в тот или иной момент времени – это скорее фотожурналистика, а не художественная фотосъёмка.

Художественная фотография, прежде всего, это выражение того, как фотохудожник видит окружающий мир. В художественной фотографии важно не то что видит и фиксирует фотокамера, а то, что видит и хочет показать фотохудожник. Для фотографа, занимающегося художественной фотографией, камера – это инструмент для создания произведения искусства. В этом случае фотоаппарат выступает средством раскрытия художественного замысла фотографа, а не инструментом документирования того, что попало в прицел объектива

К примеру, известные пустынные пейзажи на полотнах Джорджии О’Киф – ничто иное, как выражение её видения окрестностей Нью-Мексико. То есть если мы разместим с десяток фотографов с камерами рядом с мольбертом  О’Киф, получим ли мы одиннадцать художественных пейзажей одной и той же местности? Вряд ли. Скорее всего, в результате мы будем иметь одно художественное полотно и десяток фотоснимков, которые бы, несомненно, запечатлели снимаемую сцену, но не передавали бы художественный замысел их творца.

Восход солнца зимой в Сьерра-Неваде или Вид на Сьерра-Неваду из Лон-Пайна. Калифорния, Ансель Адамс,1944

Другими словами, художественная фотография должна содержать элементы управления вниманием зрителя, акценты, которые художники вкладывают в свои произведения для того, чтобы раскрыть замысел, который они хотели бы передать своим произведением.

Пожалуй, никто лучше Анселя Адамса не выразил эту мысль:

«Искусство подразумевает контроль над реальностью, ибо сама реальность не обладает чувством эстетики. Фотография становится искусством, когда в ней применяются определенные элементы контроля».

Таким образом, художественная фотография должна выходить за рамки буквального представления снимаемой сцены или предмета. Она должна выражать чувства и восприятие фотографа так чётко, чтобы с первого взгляда было видно, что этот снимок был создан художником, а не просто фотокамерой. Каждый элемент в кадре, каждый приём при обработке фотографии и даже способ и формат печати – всё должно выражать индивидуальность мировосприятия фотохудожника.

Ансель Адамс . Парк Гранд-Титон и Снейк-Ривер (1942). Парк Гранд-Титон национальный парк, штат Вайоминг.

А что вы думаете о художественной фотографии? Поделитесь своими мыслями в комментариях ниже.

Больше полезной информации и новостей в нашем Telegram-канале «Уроки и секреты фотографии». Подписывайся!
Поделиться новостью в соцсетях