Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Картины пабло пикассо фото: Самые известные картины Пикассо — barcelona-excursii

Содержание

Самые известные картины Пикассо — barcelona-excursii

В этой статье представлены самые известные, или, лучше сказать, знаменитые картины великого испанского художника Пабло Пикассо (1881 — 1973). Учитывая всю необъятность творческого и, в частности, живописного наследия художника из Малаги, выбрать наиболее известные картины Пикассо оказалось непросто. Понятно, что эта подборка не лишена известной доли субъективности, точно так же, как субъективно само искусство — но, тем не менее, мы постарались включить в нее действительно знаменитые и наиболее важные, по тем  или иным основаниям, картины художника. Итак, самые известные картины Пикассо! 

«Наука и милосердие» — монументальное полотно (197 х 249,5 см; холст, масло) написанное 16-летним Пабло Пикассо в 1897-ом году и украшающее ныне постоянную экспозицию музея Пикассо в Барселоне. 

Это настолько «непикассовская вещь», что каждый, кто знаком с творчеством Пикассо по «Гернике», «Авиньонским девицам» или «Доре Маар с кошкой», однозначно обвинит вас во лжи, когда вы покажете ему репродукцию «Науки и милосердия» и намекнете, что автор картины — Пабло Пикассо. 

И эти люди будут по -своему правы, ибо картина «Наука и милосердие», без всякого преувеличения — ужасна. Это едва ли не самая худшая вещь из всех, написанных Пикассо за десятилетия яротной творческой деятельности, и оправданием юному Пикассо может служить лишь то, что на написание этой мрачной, крайне вторичной академической невнятицы его сподвиг родной отец, профессиональный художник — а отцов, как известно, нужно уважать…читать полностью

«Я, Пикассо» — картина, написанная 19-летним Пабло Пикассо летом 1901-го года для совместной с Франсиско Итуррино выставки в знаменитой в то время галерее Амбруаза Воллара в Париже. 

Готовясь к этому «архиважному» на тот момент событию, молодой, энергичный, полный веры в себя и своей силы Пикассо работал, как вол, написав в общей сложности свыше 70 работ. 

Париж, куда стремились в ту пору все художники мира, еще не показал Пабло свою самую неприглядную сторону. Еще был жив друг Пикассо Касагемас, который в конце концов совершит самоубийство в парижском кафе — и потому рано думать о безысходности о зимне-холодных тонах «Голубого периода»…читать полностью

«Мальчик с трубкой» (фр. Garçon à la pipe) — картина, принадлежащая к «Розовому периоду» и написанная Пабло Пикассо в 1905-ом году, когда художнику исполнилось 24 года. 

Работа, которая изначально, вероятно, задумывалась, как один из многих этюдов, отображавших повеседневную жизнь на Монмартре (где Пикассо, как мы знаем, проживал в то время в общежитии Бато-Лавуар) под влиянием внезапного творческого озарения превратилась в один из величайших шедевров Пикассо. 

Работы Пикассо «Розового периода» всегда вызывают восхищение за их меланхолический шарм и тонкую поэзию, которые резко контрастируют с атмосферой мрака и безысходности, свойственным вещам Пикассо «Голубого периода» — однако в обоих случаях источником вдохновения служило все то же ближайшее окружение художника…

читать статью полностью

Картина «Старый гитарист» была написана Пикассо в Барселоне в 1903-ем году, сразу после самоубийства близкого друга Пабло — Касагемаса, в котором художник отчасти винил и себя, и потому переживал это трагическое событие особенно тяжело.

В кармане молодого Пикассо в ту пору редко водились деньги, и потому работы «Голубого периода» художника являются кропотливым и тщательным исследованием низов человеческого общества — к которым, безусловно, принадлежал и слепой гитарист, развлекавший публику игрой на гитаре на улицах Старого города Барселоны — в попытке заработать себе на кусок хлеба.

Интересно, что искаженные пропорции персонажа сразу же, с первого взгляда напоминают о работах великого Эль Греко, который пропорции намеренно не соблюдал, сделав свои работых мгновенно узнаваемыми в том числе и по этой причине…читать статью полностью

Картина «Проворный кролик», известная также, как «Арлекин с бокалом» была написана 24-летним Пикассом в 1905-ом году по просьбе одного из своих тогдашних друзей — владельца кабаре «Проворный кролик» на Монмартре Фредерико Жерара, известного среди друзей под именем Фреде. 

Фреде, собственно, и приобрел это плохонькое кабаре за смешные деньги лишь для того, чтобы иметь возможность реализовать свои таланты гитариста и певца, выступая в стенах собственного заведения.

В те времена, чтобы привлечь дополнительных посетителей, владельцы подобных заведений частенькуо заказывали картины, служившие своеобразной рекламой бара или ресторана, у молодых художников, которых на Монмартре имелось в переизбытке, и картина «Проворный кролик» — как раз такой случай…читать полностью

Блестящая «Дора Маар с кошкой» была написана в 1941 году, в начале Второй мировой войны во Франции, и как раз тогда, когда отношения пары достигли своего апогея. Это большое полотно является одним из наиболее полных и композиционно динамичных изображений из Доры конца 30-хх начала 40-хх г.г. 

История отношений Пикассо и Доры Маар — несомненно, одна из самых легендарных в истории искусства 20-го века. Пикассо познакомился с фотографом-сюрреалисткой Дорой Маар осенью 1935-го года — и сразу был очарован чувством собственного достоинства и некоей властности, исходившими от этой женщины. Дора Маар знала себе цену — и цена эта была не копеечной.

Хотя Пикассо на момент встречи с Маар все еще был связан с Мари-Терез Вальтер и в то же время женат на Ольге Хохловой, к концу года Пикассо вовсю крутил роман с Дорой, а в 1937-ом году она заняла в гареме Пабло место «главной любовницы»…читать статью полностью

Картина «Семейство комедиантов» (также переводят «Семья комедиантов»), написанная Пикассо в 1905 году, обычно рассматривается как доминирующая композиция и вершина «Розового периода» в творчестве художника. 

Монументальные размеры холста 212,8 x 229,6 см делают эту картину самой большой из всех, над которыми до того момента работал Пабло Пикассо.

Фоном для картины изначально служил ипподром, однако впоследствии Пикассо заменил его на этот бесплодный, как будто выжженый солнцем пейзаж, напоминающий родину художника — Андалусию на юге Испании…читать статью полностью

Амбруаз Воллар (1867-1939) был одним из крупнейших торговцев произведениями искусства 20-го века. Он с присущим ему талантом и энергией пропагандировал и продавал картины Поля Сезанна, Винсента Ван Гога, Огюста Ренуара, Поля Гогена и Анри Матисса. Также Воллар тепло относился к «голубому» и «розовому» периодам самого Пикассо и немало сделал для продвижения творчества испанского художника.  

Воллар был крупным, грубым, резким человеком и алчным бизнесменом, сделавший своим девизом «Покупай дешево — продавай дорого». Художникам не следовало ждать щедрых предложений от этой «акула» в мире арт-дилерства — прежде всего Воллар оставался дельцом, искавший в покупке произведений искусства личную выгоду. 

Картина Пабло Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара» была написана в 1910-ом году и может считаться самым, пожалуй, интересным произведением Пикассо в жанре аналитического кубизма…

читать полностью

«Сон» (фр. Le Rêve, англ. The Dream) — картина, написанная Пикассо в период сюрреализма в 1932-ом году. Художник запечатлел свою 22-летнюю возлюбленную Марию-Терезу Вальтер, причем, что интересно, умудрился сделать это всего за один день интенсивной работы. 

Картина была куплена за 7 тысяч долларов в 1941 году бизнесменом и коллекционером Виктором Ганцом и его женой Салли. Она положила начало 50-летнему коллекционированию произведений всего пяти художников: Пикассо, Джаспера Джонса, Роберта Раушенберга, Фрэнка Стелла и Евы Гессе.

После смерти Ганцов (Виктора в 1987 году и Салли в 1997) коллекция была продана на аукционе Кристис 11 ноября 1997 году. Картина «Сон» была продана за 48,4 миллиона долларов, став самой дорогой картиной на тот момент времени. Владельцем стал Вольфганг Флётл, австрийский банкир. Вся коллекция была продана за 206,5 миллиона долларов, хотя сумма вложений семьи Ганц суммарно не превысила 2-х миллионов долларов

В 2001 году, из-за финансовых трудностей, Флётл продал картину Стиву Уинну, американскому миллиардеру. Сумма сделки, по оценкам экспертов, составила 60 миллионов долларов.

В 2006 году картина стала участницей широко обсуждаемого скандала. Накануне уже обговорённой продажи полотна в галереях Аквавелла, вследствие неловкой демонстрации шедевра гостям, Уинн проткнул его локтем и порвал холст. История стала известна после того, как газеты в том или ином варианте рассказали про «локоть Уинна за 40 миллионов долларов».

Галерея отказалась от продажи картины. Позднее Уинн отреставрировал холст, получив при этом ещё около 40 миллионов со страховой компании, а 26 марта 2013 года, по сообщению New York Post, Стивен A. Коэн купил картину у Уинна за 155 миллионов долларов. Согласитесь, весьма неплохо для картины написанной всего за один день!…читать статью полностью

Картина «Девушка перед зеркалом» (Jeune fille devant un miroir) была написана Пабло Пикассо в 1932-ом «сюрреалистическом» году и в настоящий момент находится в экпозиции Музея современного искусства в Нью-Йорке.

Начиная с определенного этапа в творчестве Пикассо, совершенно не имеет смысла разделять созданное им на «периоды» — гораздо удобнее проводить дифференциацию по женщинам Пикассо, или, выражаясь точнее, по его любовницам, которыми ненасытный художник из Малаги всегде был окружен, как восточный набоб. 

Исходя из этого принципа классификации, «Девушка перед зеркалом» (162,3 × 130,2) принадлежит к «Периоду Марии-Терезы Вальтер» — молоденькой натурщицы и, естественно, любовницы Пикассо, с которой художник познакомился в январе 1927-го, будучи женатым на Ольге Хохловой…читать полностью

Картина Пабло Пикассо «Плачущая женщина» (1937) должна рассматриваться как тематическое продолжение страшной трагедии, изображенной художником в эпическом, монументальных размеров полотне  «Герника», написанном Пикассо по заказу Испанской Республики для Всемирной выставки 1937 г. в Париже.

Сам Пикассо настаивал именно на таком восприятии картины зрителем: в искажденном страданием лице плачущей женщины мы должны видеть прежде всего реакцию художника на бомбардировку силами Люфтваффе баскского городка под названием Герника, в результате которой погибло большое количество мирного населения (26 апреля 1937), а Герника в результате бомбардировки и визникшего по ее причине пожара была практически уничтожена. 

«Плачущая женщина», (1937 год)  может считаться завершением целой серии картин, гравюр и рисунков, которые Пикассо сделал в знак протеста. У художника были очень личные испанские мотивы — и не только Герника…читать статью полностью

«Обнажённая, зелёные листья и бюст» (фр. Nu au Plateau de Sculpteur, англ. Nude, Green Leaves and Bust) — одна из серии сюрреалистических полотен 1932 года, на которых Пабло Пикассо с присущей ему изобретательностью преобразил свою новую возлюбленную Марию-Терезу Вальтер (возможно, придав ей облик мифической Дафны).

«Обнажённая, зелёные листья и бюст» изображает спящую Марию-Терезу рядом с бюстом, который Пикассо изваял с неё же. В 1936 году полотно приобрёл нью-йоркский дилер Поль Розенберг (Paul Rosenberg), после чего в 1951 году оно было продано в частное владение американскому девелоперу Сидни Ф. Броуди.

После смерти Броуди картина в марте 2010 года была выставлена на торги аукционным домом Кристис и впоследствии продана неизвестному коллекционеру за 106 482 500 долларов (включая премиальные аукционистов).На тот момент она стала самым дорогим произведением искусства из числа проданных когда-либо с аукциона.

«Авиньонские Девицы» (Les Demoiselles d’Avignon) — одна из самых известных картин Пабло Пикассо. написанная художником в 1907-ом году и признанная в наши дни одной из самых влиятельных картин за всю историю живописи. 

Опередившая свое время, не принятая даже коллегами художника, вызывающая до сих пор крайне противоречивые чувства — картина Пикассо «Авиньонские девы» открыла собой совершенное новое в мировом искусстве направление — кубизм…читать статью полностью

Герника — одна из самых известных картин Пабло Пикассо, написанная художником в период с мая по июнь 1937 года и принадлежащая ныне коллекции Музея королевы Софии в Мадриде. Название картины является прямой отсылкой к бомардировке баскского города Герника силами немецкого легиона «Кондор» 26 апреля 1937 во время гражданской войны в Испании. 

Картина была заказана Пикассо правительством Второй Испанской республики для экспонирования в испанском павильоне во время Международной выставки 1937 года в Париже с целью привлечь внимание публики к бедственному положению республиканцев.

В 1940-х годах, когда в Испании была установлена военная диктатура генерала Франко, Пабло Пикассо предпочел оставить картину в Музее современного искусства в Нью-Йорке, выразив при этом намерение вернуть «Гернику» в Испанию лишь после того, как в стране будет восстановлен демократический строй…читать статью полностью

Картина «Девочка на шаре» была написана Пабло Пикассо в 1905-ом году и знаменовала собой окончательную победу «розового над голубым» и оптимизма над меланхолией, которой проникнуты все работы Пикассо «голубого периода».

В 1913-ом «Девочка на шаре» была приобретена Морозовым, а после революции и, соотвественно, национализации попала, в конце концов, в Государственный музей имени Пушкина, где, к счастью, пребывает и поныне. 

К «счастью», потому что «Девочка на шаре» — потрясающая вещь, величайший шедевр из всех созданных Пикассо за более чем длительную карьеру художника. Можно восхищаться творчеством гениального художника из Малаги — или, напротив, ненавидеть его, считая Пикассо непревзойденным жуликом от искусства, который возвел уродство в абсолют и заставил ему поклоняться… читать статью полностью

Пикассо, подобно Эль Греко и Винсенту Ван Гогу — своим прославленным предшественникам в этом жанре, или Сальвадору Дали (своему, в некотором роде, последователю) всегда питал особое пристрастие к жанру автопортрета: взглянув на свое я, остановленное в определенном моменте прошлого, можно лучше понять себя настоящего.

Этот автопортрет, написанный во время его второго пребывания в Париже зимой 1901 года, стал концом серии и положил начало «Голубому периоду» в творчестве художника. В январе 1902-го Пикассо вернулся в Барселону. 

Пикассо тогда было всего двадцать лет, однако на портрете он выглядит значительно старше. Его лицо измождено голодом, личными невзгодами и промозглым климатом парижской зимы…читать статью полностью

Пабло Пикассо. Гениальный художник и его знаменитые картины

Пабло Пикассо — известнейший, самый «дорогой» и на редкость гениальный художник, чья деятельность значительно повлияла на развитие искусства 20-го века. Благодаря смелым и инновационным художественным начинаниям, этот испанец достиг мировой известности в возрасте до 50 лет, став самым почитаемым художником в западном полушарии.

Уникальный стиль и божественная одаренность позволили Пикассо влиять на эволюцию современного искусства и на весь художественный мир.

Пабло Пикассо родился в 1881 году в испанском городе Малага. Он в раннем возрасте обнаружил свой талант и поступил в школу изящных искусств, когда ему было 15 лет.

Большую часть жизни художник провел в любимой Франции. В 1904 г. он переехал в Париж, а в 1947 г. переместился на солнечный юг страны.

Творчество Пикассо подразделяют на уникальные и интересные периоды.

Его ранний «голубой период» начался в 1901 году и продлился около трех лет. Большая часть художественных работ, созданных в это время, характеризуется человеческими страданиями, нищетой и оттенками голубого цвета.

«Розовый период» продлился примерно в течение года, начавшись в 1905 году. Для этой фазы характерна более легкая розово-золотистая и розово-серая палитра, а в качестве персонажей выступают в основном бродячие артисты.

Картина, которую Пикассо нарисовал в 1907 году, обозначила собой переход к новому стилю. Художник в одиночку изменил ход современного искусства. Это были «Авиньонские девицы», вызвавшие много потрясений в тогдашнем обществе. Изображение обнаженных проституток в стиле кубизма стало настоящим скандалом, но послужило основой для последующего концептуального и сюрреалистического искусства.

В преддверии Второй мировой войны, во время конфликта в Испании Пикассо создал еще одно блестящее произведение — картину «Герника». Непосредственным источником вдохновения послужила бомбардировка Герники, полотно олицетворяет протест художника, осуждавшего фашизм.

В своем творчестве Пикассо посвятил много времени исследованию комедии и фантазии. Он также реализовался как график, скульптур, декоратор и керамист. Мастер постоянно работал, создавая огромное количество иллюстраций, рисунков и конструкций причудливого содержания. На заключительном этапе своей карьеры он писал вариации знаменитых картин Веласкеса и Делакруа.

Пабло Пикассо умер в 1973 году во Франции в возрасте 91 года, успев создать 22 000 произведений искусства.

Картины Пабло Пикассо:

Мальчик с трубкой, 1905 год

Эта картина раннего Пикассо относится к «розовому периоду», он написал её вскоре после приезда в Париж. Здесь изображен мальчик с трубкой в руке и венком из цветов на голове.

Старый гитарист, 1903 год

Картина относится к «голубому периоду» творчества Пикассо. На ней изображен старый, слепой и нищий уличный музыкант с гитарой. Работа выполнена в голубых оттенках и опирается на экспрессионизм.

Авиньонские девицы, 1907 год

Пожалуй, самая революционная живопись в современном искусстве и первая картина в стиле кубизма. Мастер игнорировал общепринятые эстетические правила, шокировал пуристов и единолично изменил ход искусства. Он своеобразно изобразил пять обнаженных проституток из борделя в Барселоне.

Бутылка рома, 1911 год

Пикассо закончил эту картину во французских Пиренеях, излюбленном месте музыкантов, поэтов и художников, кубисты облюбовали его до Первой мировой войны. Работа выполнена в сложном кубистском стиле.

Голова, 1913 год

Это знаменитое произведение стало одним из самых абстрактных кубистских коллажей. Профиль головы можно проследить в полукруге, очерченном древесным углем, но все элементы лица значительно сводятся к геометрическим фигурам.

Натюрморт с компотом и бокалом, 1914-15гг.

Формы чистого цвета и граненые объекты сопоставляются и накладываются друг на друга, создавая гармоничную композицию. Пикассо в этой картине демонстрирует практику коллажа, которую часто использует в своем творчестве.

Девушка перед зеркалом, 1932 год

Это портрет молодой любовницы Пикассо — Марии-Терезы Вальтер. Натурщица и ее отражение символизируют переход от девушки к соблазнительной женщине.

Герника, 1937 год

Эта картина изображает трагическую природу войны и страдания невинных жертв. Работа монументальна по своим масштабам и значению, во всем мире ее воспринимают в качестве антивоенного символа и плаката за мир.

Плачущая женщина, 1937 год

Пикассо интересовала тема страданий. Эта детализированная картина с искаженным в гримасе, деформированным лицом считается продолжением «Герники».

Голая женщина на пляже и лопата, 1960 год

Сцена в значительной степени уменьшена за счет отказа от третьего измерения. Это стиль позднего кубизма с четкими веяниями сюрреализма в теме и манере написания.

Похищение сабинянок, 1962 год

Художник написал эту картину на пике Карибского кризиса, изобразив тень с угрозой войны между Востоком и Западом.

ТОП-10 Самые известные картины Пабло Пикассо

ТОП-10 Самые известные картины Пабло Пикассо

О Пабло Пикассо слышали все. Это не только известный испанский художник, но и скульптор, график, керамист, театральный художник, поэт и драматург. Его имя, данное при крещении, состоит из 23 слов — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис Клито Пикассо. Говорят, что он назван так в честь нескольких святых и родственников. Свой редкий талант Пабло проявил в нежном возрасте 10 лет, когда он закончил свою первую картину под названием «Желтый пикадор», на которой изображен человек верхом на лошади во время корриды. За свою жизнь Пабло Пикассо написал много шедевров, которые до сих пор заставляют мир благоговеть. В нашем списке мы перечислили самые знаменитые.

✰ ✰ ✰

10

Старый гитарист

Картина была написана в 1903 году после того, как друг Пикассо, Карлос Касагемас покончил жизнь самоубийством. В это время с пониманием художник относится к оступившимся, униженным судьбой и бедностью. Это полотно было создано в Мадриде, и используемый искаженный стиль напоминает Эль Греко. Здесь изображен изогнутый слепой человек, который держит большую коричневую гитару. Коричневый цвет выходит за рамки общей цветовой гаммы картины. Не только фактически, но и символически гитара заполняет все пространство вокруг старика, который, кажется, не обращая внимания на слепоту и бедность, полностью отдался музыке.

✰ ✰ ✰

9

Девушка перед зеркалом

На написанной в марте 1932 года картине мы видим образ французской любовницы Пикассо, Марии Терезы Вальтер. Стиль этой картины называется кубизм. Идея кубизма — взять объект, разбить его на более простые части, а затем, исходя из нескольких точек зрения, воссоздать те самые части на холсте. В «Девушке перед зеркалом» можно рассмотреть образ тщеславия. Картина на первый взгляд кажется довольно простой, но если присмотреться, то можно найти различные глубокие символы на всех частях картины.

✰ ✰ ✰

8

Герника

Возможно, это одна из самых известных картин Пикассо. Это не просто обычная картина, а еще и сильное политическое заявление. Здесь художник критикует бомбардировки баскского города Герника, проведенные нацистами во время гражданской войны в Испании. Картина размером 3,5 м в высоту и 7,8 м в длину представляет собой мощный обвинительный акт против войны. Используемый стиль живописи представляет собой сочетание в черно-белых тонах пасторали и эпоса. «Герника» — скрупулезное изображение трагедий войны и страданий мирных жителей.

✰ ✰ ✰

7

Три музыканта

Название картины заключает в себе название серии, которая была завершена Пикассо в 1921 году в Фонтенбло недалеко от Парижа. Это довольно большая картина по размеру – ширина и высота ее более 2 метров. Здесь используется синтетический стиль кубизма, который превращает художественное произведение в последовательность плоскостей, линий и дуг. На каждой картине под этим названием изображен Арлекин, Пьеро и монах. Считается, что этими тремя символическими героями являются сам Пикассо, Гийом Аполлинер и Макс Жакоб, соответственно. Аполлинер и Жакоб были очень хорошими друзьями Пикассо в течение 1910-х годов. Некоторые историки, однако, считают, что «Три музыканта» — это запоздалый ответ Пикассо Матиссу и его «Уроку фортепиано».

✰ ✰ ✰

6

Сидящая женщина. Мария Тереза Вальтер

Как и «Герника», это произведение искусства тоже создано в 1937 году. Музой Пикассо была Мария Тереза Вальтер, и он создал множество ее спокойных образов. Многие считают, что эта картина напоминает королеву из колоды игральных карт – такую образность часто проектируют с помощью полос. Работа также выполнена в стиле кубизм наряду с поляризацией красного и зеленого цветов.

✰ ✰ ✰

5

Дора Маар с кошкой

На картине, которая была написана Пикассо в 1941 году, его хорватская любовница изображена сидящей на стуле с маленькой кошкой на плече. За время отношений с Дорой Маар, которые длились десять лет, Пикассо рисовал ее портреты много раз. Сама Дора была фотографом-сюрреалистом. Эта картина считается одним из наименее агрессивных изображений Доры Маар, а также одной из самых дорогих картин в мире. В композиции Пикассо проявил исключительное внимание к деталям, многие из которых символичны.

✰ ✰ ✰

4

Голубая обнаженная

«Голубая обнаженная» является одним из самых ранних шедевров Пикассо. Она была написана в 1902 г. Эта картина из голубого периода Пикассо. В это время Пикассо использовал бледный, холодный синий цвет в качестве доминирующего цвета в его картинах и эскизах. В большинство его картин во время голубого периода с помощью одного цвета отражены сильные эмоции. «Голубая обнаженная» сидит к нам спиной в позе эмбриона. Картина не предлагает никакого подтекста, и ее эмоции не ясны.

✰ ✰ ✰

3

Авиньонские девицы

Этот шедевр написан в 1907 году и является одним из наиболее типичных примеров кубизма в живописи. Картина выходит за рамки традиционной композиции и подачи. Пикассо инновационно использует искаженные женские тела и геометрические формы. Ни одна из фигуры не изображена с традиционной женственностью, и женщины кажутся слегка угрожающими. Пикассо потребовалось девять месяцев, чтобы завершить это полотно. Эта картина также отражает влияние африканского искусства.

✰ ✰ ✰

2

Обнаженная, зеленые листья и бюст

Написанная в 1932 году, картина опять изображает любовницу Пикассо, Марию Терезу Вальтер. Полотно размером около полутора метров в длину и высоту было завершено в течение одного дня. Эта картина считается одним из самых больших достижений Пикассо в межвоенный период. Она порождает иллюзии и считается весьма сексуальной.

✰ ✰ ✰

1

Плачущая женщина

Холст, написанный маслом, «Плачущая женщина» создан Пикассо в 1937 г. Считается, что эта картина является продолжением темы трагедии, которая изображена в Гернике. Рисуя плачущую женщину, Пикассо непосредственно сосредоточился на человеческом аспекте страдания и создал уникальный универсальный образ. Эта картина завершала серию, которую Пикассо нарисовал в знак протеста. Моделью для картины (как и для всей серии) была Дора Маар, которая работала профессиональным фотографом.

✰ ✰ ✰

Это были самые известные картины Пабло Пикассо. Спасибо за внимание.

Пабло Пикассо: картины и биография

   Художник Пабло Пикассо родился в Испании в семье искусствоведа Хосе Руиса в 1881 году. Хосе Руис увлекался живописью, но как только понял, что в семье растет гений, отдал кисти и краски юному Пабло и стал его первым учителем. В 13 лет Пикассо поступил в Барселонскую академию художеств, затем — в академию «Сан-Фернандо» в Мадриде.

   После учебы Пабло Пикассо переезжает в Париж. Именно во Франции испанский художник написал свои лучшие работы. Творческая биография Пабло Пикассо разделяется на несколько этапов.

   Голубой период. Картины этого периода выполнены, в основном, в холодных сине-зеленых тонах. Герои — старики, бедные матери и дети. Сам художник в это время беден и несчастен.

   Розовый период. Картины становятся более жизнерадостными, в них преобладают розовые и оранжевые тона. В этом период в жизни Пабло Пикассо появляется Фернанда Оливье — возлюбленная и муза.

   Африканский период. Отход от изображения конкретного человека, появляются африканские мотивы.

   Кубизм. Предметы, изображенные на картинах, как бы построены из кубиков. Искусствоведы не приняли кубизма, но картины замечательно продаются.

   Неоклассицизм. Цвета становятся ярче, образы — четче. Первая женитьба на балерине Ольге Хохловой, рождение сына.

   Сюрреализм. Четкий отпечаток на творчестве семейных проблем: серия портретов женщины. Новая любовь, рождение дочери. Увлечение скульптурой.

Пабло Пикассо: художник, миллионер, долгожитель.

   После войны Пабло Пикассо встречает Франсуазу Жило, у них рождается двое детей. Франсуаза — «женщина-цветок» в творческой и личной судьбе художника. В 1949 году Пабло Пикассо создал знаменитого «Голубя мира».

   В 80 лет Пикассо женится на Жаклин Рок, которая стала его последней музой и ухаживала за ним вплоть до самой смерти. Пабло Пикассо умер в 1973 году, прожил 92 года и создал более 80 тысяч работ.

Пабло Пикассо – биография, фото, личная жизнь, картины, причина смерти, работы, кубизм, художник

Биография

Пабло Пикассо — испанский живописец, основоположник кубизма, по опросу издания Тhe Times 2009 года самый известный художник XX столетия.

Детство и юность

Родился будущий гений 25 октября 1881 года в Андалузии, в селенье Малага. Отец Хосе Руис занимался живописью. Своим творчеством Руис не прославился, поэтому вынужден был устроиться на работу в местный музей изобразительного искусства смотрителем. Мать Мария Пикассо Лопес принадлежала к зажиточному роду владельцев плантаций винограда, но с детства испытала на себе, что такое нужда, так как отец бросил семью и переехал в Америку.

Pablo Picasso Self Portrait, c.1972 http://www.boredpanda.com/pablo-picasso-self-portrait-style-evolution/

Posted by Pablo Picasso on Monday, August 29, 2016
Автопортрет Пабло Пикассо

Когда у Хосе и Марии появился первенец, его окрестили именем Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо, в котором по традиции были указаны почитаемые предки и католические святые. После рождения Пабло в семье появилось еще две девочки — Долорес и Кончита, которых мать любила меньше обожаемого сына.

Мальчик был очень красив и талантлив. В 7 лет он уже начал помогать отцу в написании полотен. В 13 лет Хосе позволил сыну завершить объемную часть работы и был очень удивлен мастерством Пабло. После этого случая все свои художественные принадлежности отец отдал мальчику, а сам перестал писать.

Учеба

В этом же году юноша поступает в Академию художеств в город Барселону. Пабло не без труда удалось убедить преподавательский состав вуза в своей профессиональной состоятельности. Через три года учебы, набравшись опыта, юный студент переводится в Мадрид в престижную академию «Сан Фернандо», где на протяжении полугода изучает технику работы испанских художников Диего Веласкеса, Франсиско Гойи и Эль Греко. Здесь Пикассо создает картины «Первое причастие», «Автопортрет», «Портрет матери».

Юному живописцу не удалось в силу своенравного характера и вольного образа жизни удержаться в стенах учебного заведения, поэтому, бросив учебу, Пабло пускается в свободное плавание. Его близким другом к тому времени становится такой же строптивый американский студент Карлес Касагемас, с которым Пабло неоднократно посещает Париж.

Первые поездки друзья посвящали изучению живописи Делакруа, Тулуз Лотрека, Ван Гога, Гогена, а также древних финикийских, египетских фресок, японских гравюр. Молодые люди завели знакомство не только с представителями богемы, но и с богатыми коллекционерами.

Творчество

Впервые Пабло начинает подписывать собственные картины псевдонимом Пикассо, девичьей фамилией своей матери. В 1901 году случается трагедия, которая наложила отпечаток на творчество художника: его друг Карлес заканчивает свою жизнь самоубийством из-за несчастной любви. В память об этом событии Пабло создает ряд картин, которые принято относить к первому «Голубому периоду».

Обилие синих и серых цветов на картинах объясняется не только подавленным состоянием юноши, но и отсутствием денежных средств на масляную краску других оттенков. Пикассо пишет работы «Портрет Хайме Сабартеса», «Свидание», «Трагедия», «Старый еврей с мальчиком». Все картины пронизаны ощущением тревоги, уныния, страха и тоски. Техника письма становится угловатой, рваной, перспектива заменяется жесткими контурами плоских фигур.

В 1904 году, несмотря на отсутствие финансов, Пабло Пикассо решается на переезд в столицу Франции, где его ждут новые впечатления и события. Перемена места жительства дала толчок второму периоду творчества художника, который принято называть «Розовым». Во многом на жизнерадостность картин и их сюжетный ряд повлияло место, где жил Пабло Пикассо.

Pablo Picasso — Fillette à la boule (1905) (Acrobata e giovane equilibrista, Girl on the Ball)

Posted by Arte per poveri on Monday, May 20, 2013
Пабло Пикассо — «Девочка на шаре»

В основании Монмартрского холма стоял цирк Медрано, артисты которого и служили натурой для произведений молодого художника. За два года была написана целая серия картин «Актер», «Сидящая обнаженная», «Женщина в рубашке», «Акробаты. Мать и сын», «Семейство комедиантов». В 1905 году появилось самое значительное полотно этого периода «Девочка на шаре». Через 8 лет картину приобрел российский меценат И. А. Морозов, который и привез ее в Россию. В 1948 году «Девочка на шаре» была выставлена в музее им. А. С. Пушкина, где и находится до сих пор.

Художник постепенно отходит от изображения натуры как таковой, в его творчестве появляются модернистские мотивы с использованием чистых геометрических форм, из которых составляется структура изображаемого объекта. Пикассо интуитивно подошел к новому направлению, когда создавал портрет своей поклонницы и меценатки Гертруды Стайн.

В 28 лет Пикассо пишет картину «Авиньонские девицы», которая и стала предшественницей произведений, написанных в стиле кубизма. Портретный ансамбль, на котором были изображены обнаженные красавицы, был встречен большим потоком критики, но Пабло Пикассо продолжил развитие найденного направления.

Brigitte Bardot e Pablo Picasso

Posted by Cinema Clássico on Sunday, October 7, 2012
Пабло Пикассо и Бриджит Бардо

Начиная с 1908 года появляются полотна «Бидон и миски», «Три женщины», «Женщина с веером», «Портрет Амбруаза Воллара», «Завод в Хорта де Сан Хуан», «Портрет Фернанды Оливье», «Портрет Канвейлера», «Натюрморт с плетеным стулом», «Бутылка перно», «Скрипка и гитара». Новые работы характеризуются постепенным усилением плакатности изображений, приближением к абстракционизму. Наконец, Пабло Пикассо, несмотря на скандальность, начинает хорошо зарабатывать: картины, написанные в новом стиле, приносят прибыль.

В 1917 году Пабло Пикассо предоставилась возможность сотрудничества с «Русскими сезонами» Сергея Дягилева. Жан Кокто предложил мэтру балета кандидатуру испанского художника в качестве создателя эскизов к декорациям и костюмам новых постановок. Для работы на время Пикассо перебрался в Рим, где познакомился с первой супругой Ольгой Хохловой, русской танцовщицей, дочерью эмигрировавшего офицера.

Светлый период жизни отразился и на творчестве художника — на время Пикассо отходит от кубизма, и создает ряд полотен в духе классического реализма. Это прежде всего «Портрет Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Детский портрет Поля Пикассо».

Сюрреализм

Пресытившись жизнью состоятельного буржуа, Пабло Пикассо возвращается к прежнему богемному существованию. Переломный момент ознаменовался написанием в 1925 году первой картины в сюрреалистической манере «Танец». Искаженные фигуры танцующих, общее ощущение болезненности надолго поселились в творчестве художника.

Неудовлетворенность личной жизнью отразилась в женоненавистнических картинах Пикасо «Зеркало», «Девушка перед зеркалом». В 30-е годы Пабло увлекся созданием скульптур. Появляются работы «Лежащая женщина», «Мужчина с букетом». Одним из экспериментов художника становится создание иллюстраций в виде гравюр к произведениям Овидия и Аристофана.

Военный период

В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже. Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. Небольшой городок на севере Испании был полностью стерт с лица земли весной 1937 года немецкой авиацией. Народная трагедия нашла отражение в собирательных образах погибшего воина, скорбящей матери, разрубленных на части людей. Символом войны у Пикассо становится изображение быка Минотавра с большими безразличными глазами. С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида.

В конце 30-х годов появляются картины «Ночная рыбалка на Антибах», «Плачущая женщина». Во время войны Пикассо не эмигрировал из оккупированного немцами Парижа. Даже в стесненных бытовых условиях художник продолжал работать. В его картинах «Натюрморт с бычьим черепом», «Утренняя серенада», «Бойня» и скульптуре «Человек с ягненком» появляются темы смерти и войны.

Послевоенное время

Радость жизни вновь поселяется в картинах мастера, созданных в послевоенный период. Красочность палитры и светлые образы нашли свое воплощение в цикле жизнеутверждающих панно, которые Пикассо создавал для частной коллекции в содружестве с художниками Паломой и Клодом Уже.

«Le Taureau», 1945, Pablo Picasso

Posted by House Spain on Monday, August 3, 2020
Пабло Пикассо — «Бык» (Серия литографий)

Излюбленной тематикой этого периода для Пикассо становится древнегреческая мифология. Она находит воплощение не только в живописных полотнах мастера, но и в керамике, которой увлекся Пикассо. В 1949 году для Всемирного Конгресса сторонников мира художник пишет полотно «Голубь мира». Создает мастер и вариации в стиле кубизма на темы живописцев прошлого — Веласкеса, Гойи, Мане.

Личная жизнь

С молодых лет Пикассо был постоянно в кого-то влюблен. В юности подругами и музами начинающего художника становились натурщицы и танцовщицы. Первую любовь молодой Пабло Пикассо испытал, учась в Барселоне. Девушку звали Росита дель Оро, она работала в кабаре. В Мадриде художник познакомился с Фернандо, которая на несколько лет стала его верной подругой. В Париже судьба свела молодого человека с миниатюрной Марсель Умбер, которую все называли Евой, но скоропостижная смерть девушки разлучила влюбленных.

Pablo Picasso adjusting a necklace he made for Jacqueline Roque.

Posted by Brian Young on Thursday, January 21, 2021
Пабло Пикассо и Жаклин Рок

Работая в Риме с русской балетной труппой, Пабло Пикассо женится на Ольге Хохловой. Молодожены обвенчались в русском храме на окраине Парижа, а затем переехали в особняк на берегу моря. Приданое девушки, а также доходы от продажи работ Пикассо позволяли семье вести жизнь зажиточных буржуа. Через три года после свадьбы у Ольги и Пабло рождается первенец, сын Пауло.

Вскоре Пикассо пресыщается хорошей жизнью и вновь становится свободным художником. Он поселяется отдельно от жены и начинает встречаться с молодой девушкой Мари-Терез Вальтер. От внебрачного союза в 1935 году на свет появляется дочь Майя, которую Пикассо так и не признал.

Guernica, obra de Pablo Picasso

Posted by Revista Archivos del Sur on Thursday, October 25, 2018
Пабло Пикассо — «Герника»

Во время войны очередной музой мастера становится югославская подданная, фотограф Дора Маар, которая своим творчеством подтолкнула художника на поиски новых форм и содержания. Дора осталась в истории как владелица большой коллекции картин Пикассо, которые она сохранила до конца своей жизни. Известны также ее фото полотна «Герника», на которых поэтапно изображен весь путь создания картины.

После войны художник знакомится с Франсуазой Жило, которая внесла в его творчество ноту радости. На свет появляются дети — сын Клод и дочь Палома. Но в начале 60-х годов Жаклин уходит от мастера из-за его постоянных измен. Последней музой и второй официальной женой 80-летнего художника становится обычная продавщица Жаклин Рок, которая боготворила Пабло и оказывала большое влияние на его круг общения. После смерти Пикассо, спустя 13 лет, Жаклин не выдержала разлуки и покончила жизнь самоубийством.

Смерть

В 60-е годы Пикассо полностью отдает всего себя созданию женских портретов. В качестве натурщицы художнику позирует его последняя жена Жаклин Рок. К концу жизни Пабло Пикассо обладал уже мультимиллионным состоянием и несколькими личными замками.

За три года до смерти гения в Барселоне был открыт музей его имени, а через 12 лет после его смерти — музей в Париже. За свою долгую творческую биографию Пикассо создал 80 тысяч полотен, более 1000 скульптур, коллажи, рисунки, эстампы.

8 апреля 1973 года на фоне воспаления легких сердце 92-летнего гения остановилось.

Картины

  • «Первое причастие», 1895-1896 гг.
  • «Девочка на шаре», 1905 г.
  • «Сидящий на красной скамье Арлекин», 1905 г.
  • «Девушка в сорочке», 1905 г.
  • «Семейство комедиантов», 1905 г.
  • «Портрет Гертруды Стайн», 1906 г.
  • «Авиньонские девицы», 1907 г.
  • «Молодая дама», 1909 г.
  • «Мать и ребенок», 1922 г.
  • «Герника», 1937 г.
  • «Плачущая женщина», 1937 г.
  • «Франсуаза, Клод и Палома», 1951 г.
  • «Мужчина и женщина с букетом», 1970 г.
  • «Объятия», 1970 г.
  • «Двое», 1973 г

Картины Пикассо: фото с названиями

Всемирно известный художник Пабло Пикассо, картины которого можно рассматривать бесконечно, родился в Испании 25 октября 1881 года. Его отец Хосе Руис Браско был преподавателем рисования. Первые уроки по рисунку Пабло получает именно у своего папы. Уже в восьмилетнем возрасте маленький художник нарисовал свою первую очень интересную картину «Пикадор» (ниже), которая была рядом с ним на протяжении всей жизни.

Молодые годы мастера

Обучение художника началось в Испании. Он приобретает знания в школе Ла-Лонха в Барселоне, а затем продолжает обучение в Королевской академии изящных искусств в Мадриде. В 1900 году вместе с друзьями он уезжает в Париж. Знакомство с творчеством импрессионистов оказывает впечатление на молодого Пикассо. Картины художника отражают стиль Эль Греко, Веласкеса и Гойи. С 1904 года Пикассо начинает жить во Франции. После «голубого периода» творчества, который длился с 1900 года по 1904, художник начинает создавать работы в розовых тонах.

«Знание и милосердие» 1897 год

Сюжет картины, которую будущий великий художник написал в 1897 году, представляет бытовую сцену. На постели лежит умирающая женщина, доктор, сидящий у изголовья, проверяет ее пульс, а монахиня держит на руках ребенка больной матери. Эту картину Пикассо написал в пятнадцатилетнем возрасте по совету отца. Полотно было подарено дяде художника, а в настоящее время хранится в музее Пикассо в Барселоне.

«Ребенок с голубем» 1901 год

Это произведение было написано в начале «голубого периода» творчества Пикассо в 1901 году. Во время посещения всемирной выставки в Париже художник увлекается импрессионистами, а кроме этого, гибель друга действует на его работы. В творениях делается акцент на образы печали, меланхолии и смерти. На картине маленькая девочка нежно прижимает к сердцу голубя, олицетворяя нежность и беззащитность. Фон создает контраст с рыжими волосами ребенка и ярким мячом, который лежит на полу.

«Любительница абсента» 1901 год

На этой знаменитой картине, написанной в 1901 году («голубой период»), художник изобразил парижское кафе начала ХХ века. Одинокая сидящая за столом женщина задумалась над бокалом абсента. Возможно, это глубоко несчастный человек, который размышляет о трудностях жизни, а может, представляет собой героиню художественной богемы, именно в этом круге общества был популярен такой напиток.

На полотне нет лишних деталей. Контрастные цвета на картине дают почувствовать одиночество женщины и ее замкнутость в себе. Лицо сосредоточено, а на губах можно заметить горькую усмешку. Пикассо в то время очень увлечен работами Дега, Тулуз-Лотрека и Гогена, поэтому в его работах можно заметить, что композиция на картинах построена под впечатлением творчества этих художников.

«Девочка на шаре» 1905 год

Картина была написана Пикассо в 1905 году на переходе от «голубого» к «розовому периоду» творчества художника. Сюжет картины рассказывает о буднях бродячих циркачей. Почти все пространство на картине занимают две фигуры. Стройная и гибкая девочка-гимнастка отрабатывает упражнение, балансируя на шаре, напротив нее на кубе сидит атлет, который своим мощным видом создает контраст с хрупкой фигурой девочки.

Фон картины представляет пустынную степь. Фигуры, расположенные на заднем плане полотна (женщина с детьми, белая лошадь и собака) оживляют скучный пейзаж и создают различие между весельем цирка и унылостью степи. Геометрические фигуры куба и шара также призваны создать контраст между неподвижностью и устойчивостью куба по сравнению с шатким шаром. Атлет практически слит в единую фигуру с кубом, олицетворяя постоянство, а девочка, балансируя на шаре, создает ощущение движения.

Сюжеты «розового периода» в основном связаны с цирком и бродячими актерами. Художник рисует танцовщиц и акробатов. У Пикассо картины с названиями «розового периода» проникнуты духом одиночества и романтикой бродячей жизни цирковых артистов.

«Шарманка» 1905 год

Работы «розового периода» творчества Пикассо отражают веру в дружбу и добрые взаимоотношения людей. На картине «Шарманка» изображен престарелый клоун со своим музыкальным инструментом и, вероятно, его ученик, мальчик-арлекин, которому он впоследствии передаст свой опыт. Оба героя задумчивы и спокойны, возможно, они отдыхают после выступления или собираются выйти на сцену и показать свой номер публике. Центральный персонаж, старый клоун, выдержан в розовых тонах с черной шарманкой, лежащей у него на коленях. Мальчик выделен разноцветным пятном костюма арлекина, при этом его голова практически сливается с фоном картины. Фон картины написан в голубых и охристых тонах.

В 1907 году мастер начинает эксперименты с формой предметов. Увлечение художника африканской культурой приводит его творчество к новому направлению – кубизму, который отвергает натурализм в искусстве Пикассо. Картины становятся монохромными и производят впечатление непонятных ребусов.

«Авиньонские девицы» 1907 год

Когда Пикассо создал новое направление в живописи – кубизм, первой картиной написанной в этом стиле становятся «Авиньонские девицы» африканского периода творчества художника. Она напоминает работу П. Сезанна «Четыре купальщицы» 1890 года, возможно, именно Сезанн вдохновил Пикассо создать эту картину в 1907 году. В работе фон напоминает о «розовом» и «голубом» периодах творчества, а сами девицы написаны в охристых и розовых тонах.

В 1916 году художник принимает участие в постановке балета «Парад» для Сергея Дягилева. Он создает декорации и костюмы, участвует в написании сценария. В результате этой работы на премьере балета разразился скандал, и публика чуть не сорвала выступление. Несмотря на это, популярность Пикассо только увеличилась.

Война в жизни Пикассо

В период 1939 по 1944 год Пикассо отражает в своих работах ужас войны, предавая своим картинам мрачность и тревожность. Вступив в коммунистическую партию, художник рисует свою известную картину «Голубь мира», ставшую символом мира на всем земном шаре.

Еще одно произведение антифашистской направленности представлено ниже на фото. Картина Пикассо, название которой «Ночная рыбалка на Антибах», была написана в 1939 году.

«Герника»

Картина была написана в 1937 году по заказу правительства Испании. Сюжетом для полотна размером 7,8 на 3,5 метра послужила бомбардировка испанского города Герника. При описании картины Пикассо следует упомянуть, что она выдержана в черно-белых тонах, которые художник всегда использовал как символ трагедии и смерти. Все полотно пронизано ужасом и скорбью:

  1. Женщина, рыдающая над убитым ребенком.
  2. Падающая лошадь, расположенная в центре картины.
  3. Убитый солдат с отрубленной, но все еще держащей меч рукой.
  4. Лампа в виде глаза.
  5. Человек, горящий в огне.
  6. Трагическое лицо женщины, влетающее в открытое окно.

Отношение к картине Пикассо, фото которой передает весь ужас войны, было различным. Некоторые люди посчитали ее гениальной, а другие считали ее худшей работой мастера. Сам Пикассо в 1940 году на вопрос, который ему задали по поводу картины фашисты: «Это сделали Вы?», — ответил: «Нет, это сделали вы».

В послевоенные годы жизнь художника складывается весьма удачно, у него рождаются дети, впоследствии его дочь Палома становится известным модельером и дизайнером. Переезд из Парижа на юг Франции способствует средиземноморскому колориту в работах мастера. О жизни Пикассо снято несколько фильмов, в двух из которых он принимает участие:

  1. «Таинство Пикассо».
  2. «Завещание Орфея».

Умер знаменитый художник 8 апреля 1973 года и похоронен возле своего замка Вовенарт во Франции.

Сюрреалистические картины Пикассо, фото

Такое направление, как сюрреализм, сформировалось в 20-х годах ХХ века. Представляет собой сочетание реальности и сна. Главная цель, которую преследует сюрреализм, – это возвышение духовного начала над материальным миром.

Для достижения этой цели многие художники использовали алкоголь и наркотики или чувство голода, чтобы добраться до глубин своего подсознания. Название сюрреализм появилось после скандального балета «Парад» в 1917 году. Его придумал и употребил французский поэт Аполлинер в своей работе «Новый дух», посвященной этому балету.

— Самые дорогие картины Пабло Пикассо

Как известно, одной из лучших разновидностей инвестиций является покупка картин известных (или не очень) художников. С годами стоимость картин только растет, обгоняя порой в цене драгоценные металлы и камни. Пабло Пикассо настолько известный художник, что его биографию можно и не вспоминать в очередной раз. Само собой, картины Пикассо весьма дорогие. Хотите узнать, сколько именно стоят некоторые из его картин? Тогда прошу под кат, как говорится, там много интересного. 

Au Lapin Agile (1904)

С этой картиной связана очень интересная история. Дело в том, что Пикассо написал свою картину для владельца кабаре в Au Lapin Agile (кабаре называется так же). Пикассо написал свою картину буквально за еду (в прямом, а не переносном смысле). Владелец кабаре продал картину через некоторое время за 20 долларов США (в 1912). В 1952 году картину купили уже за 60 тысяч долларов. И, наконец, в 1989 году картина была продана за 40,7 миллионов долларов США. Сколько сейчас стоит эта картина? Даже сложно представить.

Yo, Picasso (1901)

Как видите, это автопортрет художника, сделанный им в так называемый «Голубой период». Картина была продана в 1981 году за 5,8 миллиона долларов. Спустя восемь лет ее продали уже за более высокую цену, в 43,5 миллиона долларов. В 1989 году, именно тогда картина была продана, она стала второй самой дорогой картиной всех времен, проданной на акуционе.

Femme Assise Dans Un Jardin (1938)

Пикассо изобразил на этой картине реального человека, Дору Маар, в 1938 году. Дора сидит в саду, и это ее, вроде как, портрет. В то время Пикассо экспериментировал, создавая картины в жанре «Кубизм». В общем-то, искусствоведы приводят эту картину в качестве яркого примера указанного жанра. В 1999 году картина была продана за 49,5 миллионов долларов на аукционе Сотби, в Нью-Йорке.

Femme Aux Bras Croises (1902)

Эта картина известна, как «Женщина со скрещенными руками». Как можно заметить, картина относится к уже упомянутому ниже «Голубому периоду». Пикассо писал свою картину в одном из госпиталей, Сент-Лазар, Париж. За период с 1902 по 2000 картина поменяла много владельцев, и в 2000 году ее стоимость возросла до 55 миллионов долларов.

N***, Green Leaves And Bust (1932)

На данный момент это — самая дорогая картина Пикассо. Она также является картиной, за которую получена максимально высокая цена на аукционе. К слову, картину Пикассо написал всего за один день. В 1952 году картина была куплена коллекционером за 17 тысяч долларов США. В мае 2010 года картина была продана за рекордные 106,5 миллионов долларов. Как видите, торговля картинами может быть намного прибыльнее, чем нефтяной бизнес, или торговля ювелирными изделями (правда, цена последних тоже может достигать рекордных величин).

Анри Руссо — 123 произведения

Как художник-самоучка, Анри Руссо совершенно не обучался никаким общепринятым художественным техникам. Он наиболее известен своими наивными или примитивными детскими сценами в джунглях. В детстве он хорошо рисовал и музыку, но большую часть жизни проработал таможенником на окраине города. Из-за этого его также называли Ле Дуанье, или «таможенник». Он начал серьезно заниматься живописью в возрасте сорока лет, а к 49 годам ушел с работы, чтобы заниматься рисованием на полную ставку.
Хотя представители истеблишмента живописи смеялись и высмеивали его художественный стиль, он был высоко оценен художниками, не входившими в истеблишмент, такими как Пикассо, Жан Гюго, Леже, Бекман, а позже художники сюрреалистического стиля. Он не знал, что признанные художники считали его необученным, и считал себя великим художником-реалистом. Таким образом, он очень высоко ценил себя и, по его мнению, Пикассо и он были единственными великими живыми художниками.
Стиль рисования Руссо не был похож на стиль рисования любого другого примитивного художника, и многие из его картин были сценами из джунглей.Хотя он никогда не был в джунглях (на самом деле он никогда не покидал Францию), на многих его картинах были изображены огромные растения и дикие животные, прячущиеся в тени. Он много раз ходил в ботанические сады, просматривал иллюстрированные книги и наблюдал за хорошо изученными таксидермическими животными. Есть легенда, что он ездил в Мексику и сражался в субтропиках, как и в армии, но эта легенда не соответствует действительности. Однако он взял интервью у многих солдат, которые служили в джунглях Мексики, об их путешествиях через субтропики.
Он также разработал стиль портретного пейзажа, в котором он помещал человека или пару на переднем плане пейзажной живописи. Возможно, при жизни его высмеивали, но теперь он считается гением-самоучкой, создавшим произведения высокого художественного качества. Его работы также послужили источником вдохновения для современного анимационного фильма «Мадагаскар».

Более …

Анри Жюльен Феликс Руссо (французский: [ɑ̃ʁi ʒyljɛ̃ feliks ʁuso]; 21 мая 1844 — 2 сентября 1910) был французским художником-постимпрессионистом в наивной или примитивной манере.Он был также известен как Ле Дуанье (таможенник) — юмористическое описание своей профессии сборщика пошлин и налогов. Он начал серьезно рисовать, когда ему было за сорок; К 49 годам он ушел с работы, чтобы заниматься своим искусством на полную ставку.

Высмеянный при жизни критиками, он стал признанным гением-самоучкой, чьи работы отличаются высоким художественным качеством. Творчество Руссо оказало огромное влияние на несколько поколений художников-авангардистов.

Руссо родился в Лавале, Майен, Франция, в 1844 году в семье сантехника; он был вынужден работать там маленьким мальчиком.Он учился в средней школе Лаваля в дневное время, а затем в качестве жильца после того, как его отец стал должником, а его родителям пришлось покинуть город после захвата их дома. Хотя Руссо был посредственным в некоторых школьных предметах, он получил призы по рисунку и музыке.

После школы он работал юристом и изучал право, но «попытался дать лжесвидетельство и искал убежища в армии». Он служил четыре года, начиная с 1863 года. После смерти отца Руссо переехал в Париж в 1868 году, чтобы содержать свою овдовевшую мать в качестве государственного служащего.

В 1868 году он женился на Клеманс Буатар, 15-летней дочери своего домовладельца, от которой у него было шестеро детей (выжил только один). В 1871 году он был назначен сборщиком октроев Парижа, собирая налоги с товаров, ввозимых в Париж. Его жена умерла в 1888 году, и он женился на Жозефине Нури в 1898 году.

С 1886 года он регулярно выставлялся в Салоне независимых, и, хотя его работы не занимали видного места, с годами они привлекали все больше поклонников. Тигр во время тропической бури (удивлен!) Был выставлен в 1891 году, и Руссо получил свой первый серьезный отзыв, когда молодой художник Феликс Валлотон написал: «Его тигра, удивившего свою добычу, нельзя упускать; это альфа и омега живописи.«Однако прошло более десяти лет, прежде чем Руссо вернулся к изображению своего видения джунглей.

В 1893 году Руссо переехал в студию на Монпарнасе, где он жил и работал до своей смерти в 1910 году. В 1897 году он написал одну из своих самых известных картин, «Богемен эндорми» («Спящая цыганка»).

В 1905 году большая сцена Руссо в джунглях «Голодный лев бросается на антилопу» была выставлена ​​в Салоне независимых рядом с работами молодых ведущих художников-авангардистов, таких как Анри Матисс, в том, что сейчас считается первым показом «Фовистов». .Живопись Руссо, возможно, даже повлияла на именование фовистов.

В 1907 году мать художника Робера Делоне, Берта, графиня де Делоне, заказала ему написать «Заклинателя змей».

Когда Пабло Пикассо наткнулся на картину Руссо, продаваемую на улице в качестве холста для рисования, молодой художник сразу же узнал гений Руссо и пошел ему навстречу. В 1908 году Пикассо провел в своей студии в Le Bateau-Lavoir полусерьезный, полу-бурлескный банкет в честь Руссо.«Банкет Руссо», «одно из самых заметных общественных событий двадцатого века, — писал американский поэт и литературный критик Джон Малкольм Бриннин, — не был ни оргиастическим, ни даже роскошным событием. красочное событие в рамках революционного художественного движения в момент его самого раннего успеха, а также из-за того, что в нем приняли участие люди, чьи отдельные влияния излучались, как спицы творческого света, через мир искусства на протяжении поколений.«

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →


Подробнее …

Франсиско Гойя — 390 произведений

Франсиско Гойя был талантливым испанским художником и гравером, он считается одним из последних старых мастеров живописи, а также первым из художников современности.Он начал свое обучение рисованию в возрасте 14 лет, и его талант был быстро признан. Сначала он подал заявки в Королевскую академию изящных искусств в 1763 году, а затем в 1766 году, но обе заявки были отклонены. Но в 1771 году он отправился в Рим и занял второе место в конкурсе живописи и устроился на работу в качестве дизайнера гобеленов на Королевскую фабрику гобеленов. Он выполнил более 42 узоров, которыми были покрыты стены недавно построенных дворцов вокруг Мадрида, что сразу же доставило ему королевскую аудиенцию.

В 1780–17 годах он подружился с наследным принцем Испании, проводя два лета с ним и его семьей, рисуя портреты и расширяя круг своих королевских покровителей. В 1786 году ему дали оплачиваемую должность придворного художника, а в 1799 году он стал первым придворным художником, рисующим для короля и его семьи, а также испанской знати.

Между 1792 и 1793 годами Гойя страдал загадочной болезнью, которая сделала его глухим и повлияла на его умственное поведение.Некоторые современные ученые-медики считают, что его глухота была результатом свинца, который он использовал в своих красках, в то время как другие полагают, что это мог быть какой-то вирусный энцефалит. В любом случае, его влияние на Гойю нельзя недооценивать. После болезни он стал замкнутым и задумчивым и начал рисовать серию тревожных картин на стенах своего дома в Кинта-дель-Сордо. Его прежние темы веселых фестивалей и мультфильмов сменились изображениями войны и трупов, что испортило его настроение.Вопрос о том, связано ли это больше с объявлением войны Испании Францией или с какой-то медицинской проблемой, ведущей к психическому расстройству, остается предметом споров.

Таким образом, его наследие варьируется от простых портретов королевской семьи до дьявольских изображений демонов, поедающих своих детенышей. Его наследие также послужило вдохновением для создания нескольких опер, фортепианной сюиты и ряда художественных фильмов.

Более …

Франсиско Хосе де Гойя и Люсьентес (/ ˈɡɔɪə /; испанский: [fɾanˈθisko xoˈse ðe oʝa i luˈθjentes]; 30 марта 1746 — 16 апреля 1828) был испанским художником-романтиком и гравером.Он считается самым важным испанским художником конца 18 — начала 19 веков и на протяжении всей своей долгой карьеры был комментатором и летописцем своей эпохи. Гойя, чрезвычайно успешный при жизни, часто упоминается как последний из старых мастеров и как первый из современных. Он также был одним из великих современных портретистов.

Он родился в 1746 году в скромной семье в деревне Фуэндетодос в Арагоне. Он учился живописи с 14 лет у Хосе Лусана-и-Мартинеса и переехал в Мадрид, чтобы учиться у Антона Рафаэля Менгса.Он женился на Хосефе Байе в 1773 году; их жизнь характеризовалась почти постоянной чередой беременностей и выкидышей, и только один ребенок, сын, дожил до взрослой жизни. Гойя стал придворным художником испанской короны в 1786 году, и эта ранняя часть его карьеры отмечена портретами испанской аристократии и королевской семьи, а также гобеленами в стиле рококо, созданными для королевского дворца.

Гойя находился под охраной, и хотя письма и записи сохранились, о его мыслях мало что известно.В 1793 году он перенес тяжелую и невыявленную болезнь, в результате которой он потерял слух. Больной и разочарованный, после 1793 года его работы становились все более мрачными и пессимистическими. Его более поздние станковые и фрески, гравюры и рисунки, кажется, отражают мрачные взгляды на личный, социальный и политический уровни и контрастируют с его социальным восхождением. Он был назначен директором Королевской академии в 1795 году, когда Мануэль Годой заключил невыгодный договор с Францией. В 1799 году Гойя стал Primer Pintor de Cámara, в то время высшим званием испанского придворного живописца.В конце 1790-х годов по заказу Годоя он завершил свою La maja desnuda, удивительно смелую обнаженную фигуру для того времени, явно в долгу перед Диего Веласкесом. В 1801 году он написал Карла IV Испанского и его семьи.

В 1807 году Наполеон повел французскую армию в Полуостровную войну против Испании. Гойя остался в Мадриде во время войны, которая, похоже, глубоко на него повлияла. Хотя он не озвучивал свои мысли публично, о них можно судить по его серии гравюр «Бедствия войны» (хотя они были опубликованы через 35 лет после его смерти) и его картинам 1814 года «Второе мая 1808 года и Третье мая 1808 года».Среди других работ его среднего периода — серии офортов Caprichos и Los Disparates, а также широкий спектр картин, посвященных безумию, психиатрическим больницам, ведьмам, фантастическим существам, религиозной и политической коррупции, все из которых предполагают, что он опасался за судьбу своей страны. и его собственное психическое и физическое здоровье.

Его поздний период завершается Черными картинами 1819–1823 годов, нанесенными маслом на гипсовые стены его дома Quinta del Sordo (дом глухого), где, разочаровавшись в политических и социальных событиях в Испании, он жил недалеко от изоляция.В конце концов, Гойя покинул Испанию в 1824 году и перебрался во французский город Бордо в сопровождении своей гораздо более молодой горничной и компаньона Леокадии Вайс, которая могла быть или не быть его любовницей. Там он завершил серию «Тавромакия» и ряд других крупных полотен. После инсульта, в результате которого он был парализован с правой стороны, страдал от потери зрения и плохого доступа к материалам для рисования, он умер и был похоронен 16 апреля 1828 года в возрасте 82 лет. Его тело было позже повторно предано земле в Испании.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Непортированная лицензия (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →


Подробнее …

Знаменитые картины Пикассо: 7 основных работ испанского мастера

Написано Форрестом Брауном, CNN

Трудно представить визуальный отчет 20-го века без Пабло Руиса Пикассо. Благодаря смелым формам и характерным углам испанский художник запечатлел все, от ужасов войны до безграничных возможностей человеческого облика.

Даже те, кто не знаком с тонкостями современной истории искусства, вероятно, могут идентифицировать несколько из его самых известных картин, особенно те, которые выполнены в его фирменном кубистском стиле. Однако за долгую жизнь Пикассо — он умер в 1973 году в возрасте 91 года — он, по оценкам, завершил 13 500 картин и около 100 000 гравюр и гравюр.

Пабло Пикассо, захваченный в октябре 1971 года в Мужене, Франция. Предоставлено: RALPH GATTI / AFP / AFP / Getty Images

Всесторонняя ретроспектива его работ и многочисленных художественных традиций, которые они охватили, — масштабное мероприятие.Настолько, что целые музеи посвящены его плодотворной работе (Museu Picasso в Барселоне и Musée Picasso в Париже, если назвать два из самых крупных). Его работы также находятся в частных коллекциях по всему миру.

Вот семь самых известных картин Пикассо в порядке завершения:

«Старый гитарист»

«Старый гитарист» происходит из «голубого периода» Пикассо. Кредит: Поместье Пабло Пикассо / Общество прав художников / Чикагский институт искусств

Завершено: Конец 1903 — начало 1904
Где это можно увидеть: Чикагский институт искусств

«Старый гитарист» должен быть одним из самые печальные картины, которые когда-либо захватывали воображение мира искусства.Изображенная фигура — изможденная и скрестившая ноги — выглядит измученной, когда он падает на свою коричневую гитару.

Картина маслом на панели относится к «синему периоду» Пикассо, когда он ограничивался оттенками синего, исследуя темы бедности и страдания. Знаете ли вы? Чикагский институт искусств стал первым американским музеем, выставившим на постоянную экспозицию Пикассо после того, как в 1926 году купил «Старого гитариста».

«Garçon à la Pipe»

Sotheby’s продал «Garçon à la Pipe» за Ошеломляющая сумма 2004 года.Кредит: Sotheby’s / AP

Завершено: 1905
Где это можно увидеть: Частная коллекция

С «Гарсон а ля трубка (Мальчик с трубкой)» мы переходим от голубого периода Пикассо к периоду более ярких роз.

И хотя фигура на портрете, написанном маслом на холсте, облачена в синий цвет, на заднем плане присутствуют более счастливые оттенки охры и розового.

Хотя мальчик едва ли переполняется радостью, он производит впечатление более оптимистичного, чем изображение забитых фигур из синего периода.Он даже носит головной убор с цветами, на фоне которых появляется больше цветов.

Пикассо написал это вскоре после того, как переехал в район Монмартра в Париже, который привлек таких художников, как Эдгар Дега и Анри де Тулуз-Лотрек. Знаете ли вы? «Гарсон» было продано в 2004 году за потрясающие 104,1 миллиона долларов — это рекорд для всех картин того времени. Искусствоведы были ошеломлены, некоторые не считали картину одной из лучших работ Пикассо. Но продажа помогла ему завоевать известность и закрепить за ним статус одной из самых известных работ Пикассо.

‘Gertrude Stein’

«Gertrude Stein» находится в постоянной коллекции Мет. Интерес Штейна к творчеству Пикассо стал поворотным моментом в его карьере. Предоставлено: Felix Horhager / picture-alliance / dpa / AP

Завершено: 1905-06
Где это можно увидеть: Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

На портрете, столь же впечатляющем, как и его сюжет » Гертруда Стайн »была создана ближе к концу периода розового творчества Пикассо.

Пикассо быстро сдружился со Штейном, писателем, после переезда в Париж.Известная своими еженедельными салонами, Штайн повлияла не только на литературный мир. Она также была заядлым коллекционером произведений искусства, и присоединение к ее ближайшему окружению могло поднять карьеру художника на новый уровень.

Хотя портрет не является кубистическим произведением, искусствоведы видят первые проявления кубизма с использованием простых масс для тела Штейна.

Знаете ли вы? Присмотритесь к картине — лицо Штейна выделяется на фоне остального портрета. Это потому, что Пикассо был недоволен своими первыми усилиями.Он так расстроился, что вернулся в Испанию на перерыв и закончил лицо по возвращении во Францию. Штейн завещал портрет Метрополитену в 1946 году.

‘Les Demoiselles d’Avignon’

«Les Demoiselles d’Avignon» вызвал настоящий переполох, когда его наконец выставили для всеобщего обозрения. Кредит: Поместье Пабло Пикассо / Общество прав художников / Музей современного искусства

Завершено: 1907
Где это можно увидеть: Музей современного искусства (Нью-Йорк) Все в «Les Demoiselles d’Avignon» шокировало всех. мир искусства, когда он был наконец показан в 1916 году, почти через десять лет после того, как Пикассо закончил его.От сюжета (женщины в борделе) до раннего кубизма, искажающего их тела, и того, как их глаза прямо встречаются с взорами зрителей, эффект был зажигательный.

Современный Анри Матисс был особенно раздражен и считал это оскорблением современного искусства. Но, несмотря на возмущение (а может быть, из-за него), «Авиньонские девицы» продолжали оставаться одной из самых узнаваемых картин Пикассо.

Знаете ли вы? Вы были бы прощены, если бы подумали, что название картины относится к городу Авиньон во Франции.На самом деле это относится к району Барселоны, Испания, который в то время был излюбленным местом проституток.

«Девушка перед зеркалом»

Беременная женщина изучает «Девочку перед зеркалом» 6 марта 2018 года во время выставки в галерее Тейт Модерн в Лондоне. Кредит: Леон Нил / Getty Images

Завершено: 1932
Где это посмотреть: Музей современного искусства (Нью-Йорк) Если есть хоть одна картина, которая кричит Пикассо, то это может быть та самая. «Девушка перед зеркалом» полна красок, пафоса, оттенка эротизма и соблазнительных форм, доводящих кубизм до крайностей.

Это увлекательное исследование, в котором спрашивают: «Что вы на самом деле видите, когда смотрите на себя?» Женщина, держащая зеркало слева, намного светлее и живее, чем более темное отражение, которое, кажется, проливает слезу.

Знаете ли вы? Пикассо сказал, что «предпочитает эту картину любой из других», по словам основателя-директора MoMA Альфреда Х. Барра-младшего.

«Герника»

«Герника», проживающая в доме королевы Софии, является одной из самых известных. картины в мире.Предоставлено: GTRES / AP

Завершено: 1937
Где это можно увидеть: Museo Reina Sofía (Мадрид) «Герника» — не только самая известная работа Пикассо, но и одна из самых известных картин (и поисковиков Google) в мире.

Его изображение бомбардировки баскского города Герника в апреле 1937 года, во время гражданской войны в Испании, было зловещей визуальной прелюдией к надвигающимся зверствам Второй мировой войны.

Приглушенные тона серого еще больше подчеркивают формы людей с раскинутыми в агонии руками и придают картине эффект документального стиля черно-белой фотографии.Он также содержит изображения животных, которые сильно ассоциируются с Испанией, а именно быка и лошади.

«Герника» стала одной из самых узнаваемых антивоенных картин в истории.

Знаете ли вы? На протяжении десятилетий «Герника» выставлялась в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, в то время как Франсиско Франко правил Испанией железной рукой. В 1974 году он был закрашен красной краской в ​​знак антивоенного протеста. Его быстро очистили и в конечном итоге вернули в Испанию в 1981 году.

«Плачущая женщина»

Посетитель изучает «Плачущую женщину» в галерее Тейт Модерн в Лондоне.Предоставлено: Гай Белл / Shutterstock

Завершено: 1937
Где это посмотреть: Тейт Модерн (Лондон) В современных кинематографических терминах воспринимайте «Плачущую женщину» как что-то вроде продолжения «Герники».

В то время как «Герника» изображает свежий и полный размах разрушения, «Плачущая женщина» исследует эмоциональные последствия войны, сосредоточившись на одной женщине, взятой с оригинальной картины.

Пикассо фактически создал серию портретов плачущих женщин, которые можно увидеть в различных галереях.Версия, находящаяся в галерее Тейт, — картина маслом на холсте в угловатом стиле Пикассо, включающая красный, зеленый, белый, желтый, синий и лиловый, — является кульминацией этих усилий. Знаете ли вы? Сюжет портрета — фотограф и художник Дора Маар, которая запечатлела его успехи в «Гернике». Она также была его любовницей и интеллектуальной компаньонкой.

Музеи могут предоставлять произведения искусства для специальных выставок в других местах. Всегда забегайте вперед, если хотите увидеть конкретную работу, чтобы убедиться, что она сейчас выставлена.

7 вещей, которые я узнал о фотографии от Пабло Пикассо

Один из моих любимых фотографов, Эрнст Хаас, сказал, что мы должны искать вдохновение где угодно и где угодно. Прослушивание музыки, просмотр картин и скульптур и чтение книг питают ваше воображение сильнее, чем просто просмотр работ других фотографов.

Думаю, это правда. Изучение работ любимого мною художника так же обогащает меня, как исследование нового города на рассвете.Точно так же бродить по лесу и фотографировать солнечный свет, проникающий сквозь деревья.

Наши умы — голодные звери. Мы думаем около 60-70 000 мыслей каждый день, причем большинство из них — те же мысли, которые были у нас вчера (и позавчера). Это страшно. Вы видите, как легко было бы жить на автопилоте.

Мы можем думать теми же мыслями, что и вчера, или мы можем кормить наш разум новыми идеями — будь то визуальные, сенсорные, слова или музыкальные.

Один художник, вдохновивший меня своими работами и идеями, — это Пабло Пикассо. Когда он говорил о художественном процессе, он сформулировал многие из моих основных убеждений относительно фотографирования.

Он напомнил мне о самых захватывающих и важных элементах творческой жизни. Я так часто забываю в своей занятости.

Сегодня я хотел бы поделиться некоторыми идеями Пикассо, которые невероятно вдохновляют и влияют на любое фотографическое путешествие.

1.«Искусство смывает с души пыль повседневной жизни». — Пабло Пикассо

Эта цитата Пикассо резюмирует, почему я посвятил свою жизнь фотографии. Почему я позволяю этому быть почти всем, чем я являюсь.

Есть что-то в фотографии, что глубоко волнует мою душу. Снимая фотографии, я чувствую себя более живым, чем с большинством других вещей.

Игра с детьми или разговоры с моим сыном-подростком глубокой ночью о проблемах, с которыми он сталкивается, вызывают такое же чувство целеустремленности.Тем не менее, очень немногое другое соответствует тому ощущению, которое я испытываю в процессе творчества.

Фотография — занятие жизнеутверждающее. Это заставляет меня чувствовать, что я не просто катаюсь по поверхности жизни — бегаю туда-сюда, пишу электронные письма и заполняю формы.

Конечно, в любом из этих занятий нет ничего плохого, но действительно ли они заставляют вас чувствовать себя живым?

Все мы должны жить и выполнять необходимые земные дела. Но мы также можем посвятить себя тому, чтобы в нашей жизни было много места для вещей, которые приносят нам более глубокое удовлетворение.

2. «Вдохновение существует, но оно должно найти в вас работу». — Пабло Пикассо

Эта цитата Пикассо — свидетельство того, что фотографируйте, даже когда вы не в настроении, даже если вы получаете только ненужные снимки. Единственный способ получить этот фантастический образ — это продолжать.

Никогда не угадаешь, когда свет может резко измениться, сделав сцену до того, как ты выглядишь устрашающе красивой. Или же интригующий незнакомец может пройти мимо, сделав что-нибудь необычное!

Несмотря на то, что я профессиональный фотограф, иногда я страдаю от прокрастинации не меньше, чем другие люди.Я собираюсь пойти на съемку, но отвлекаюсь на детей или слишком устаю после плотной еды.

Я понимаю, что если меня не будет, я никогда не узнаю, какие впечатления и какие фотографии мне не хватает. Это кажется безумной тратой жизни.

Продолжай. Продолжайте искать эту прекрасную сцену, интересного человека или красивый пейзаж. Что бы то ни было, что плывет по вашей лодке, пойди и найди это.

3. «Искусство — это устранение ненужного». Пабло Пикассо

Я смотрю тысячи фотографий на своих мастерских.Я регулярно вижу, что люди делают изображения слишком сложными. Когда ваши изображения слишком сложные, вы неправильно определяете объект.

Существует множество композиционных идей, которые вы можете использовать, чтобы определить свой предмет. Например, Правило третей, создающее чистый фон для ваших портретов и разбивающее мир на элементы.

Общая концепция всех этих идей о композиции состоит в том, чтобы исключить все ненужное.

Фотография — это процесс выбора, что поместить в кадр, а что убрать.Разумно составить свою композицию, а затем посмотреть и подумать. Что здесь не работает? Что мне нужно удалить?

Например, одна распространенная ошибка многих фотографов — не проверять свои углы. Удивительно, как часто люди тратят столько времени на композицию объекта, но не проверяют все вокруг кадра, особенно в углах, чтобы убедиться, что все в нем должно быть на месте.

Таким образом, создание изображений — это не просто — « что мне вставить в рамку?» , но также — «что мне убрать?»

4.Создание ощущений в ваших образах

«Есть художники, которые превращают солнце в желтое пятно, но есть другие, которые с помощью своего искусства и своего интеллекта превращают желтое пятно в солнце». — Пабло Пикассо

То же самое и с фотографами. Вы можете сфотографировать любое количество вещей, и это выглядит полностью реальным. Однако что вы чувствуете, когда смотрите на свою фотографию?

Слишком легко просто задокументировать, не создавая никакого ощущения того, каково это быть в этом жарком и влажном городе, смотреть на это лицо, чувствовать текстуры зданий, которые вы снимаете.

Фотографировать холодное зимнее утро просто. Тем не менее, передать ощущение того, каково это — стоять в туманном поле, с холодом, кусающим ваше лицо, и глубоким чувством жуткости, когда туман катится по земле — это совершенно другой навык.

В конечном счете, успех любой фотографии составляет , производит ли она впечатление на зрителя. Единственный вопрос, который вам нужно задать: «вызывает ли это изображение чувство?»

Воздействует не только то, что мы видим, но и чувство, которое создается в наших телах, когда мы видим что-то, что нам нравится, не нравится или вызывает радость или печаль.

Чувства — это то, что мы помним. Образы, лишенные чувства, мгновенно забываются.

5. «Я всегда делаю то, что не могу, чтобы я мог научиться это делать». — Пабло Пикассо

Одна из вещей, которая удивила меня в том, что я был родителем, — это то, как быстро маленькие дети цепляются за эту идею, «Я не могу сделать это сейчас, поэтому я никогда не смогу этого сделать».

Как только вы позволите этой мысли проникнуть в ваш разум, она может быстро расти, пока вы полностью не убедитесь, что ничего не можете сделать.Никогда, никогда.

Я вижу это в своих детях, и я вижу это в 70-летних клиентах, которые приходят ко мне в мастерские. Я должен сказать, что «Я не могу этого сделать, поэтому я никогда не смогу», — одна из самых разрушительных идей для вашей фотографии.

Конечно, технофоб никогда не сможет стать самым опытным фотографом из ныне живущих. Напротив, они могут преодолеть свое самовосприятие и стать компетентными и уверенными в своих камерах. Я регулярно вижу доказательства этого.

Одна из самых захватывающих идей, которые я заметил в научном сообществе в последние годы, — это идея нейропластичности.

Вместо старого убеждения, что наш мозг становится «фиксированным» и неизменным по мере того, как мы вступаем во взрослую жизнь, теперь мы понимаем, что мозг полностью изменчив.

Фактически, в любой момент жизни человек может полностью изменить наши мысли и убеждения о себе.

«Человек, который думает, что может, и человек, который думает, что он не может, правы.»- Конфуций

Подумайте обо всех вещах, которые, по вашему мнению, нельзя делать в фотографии, и бросьте вызов этим убеждениям.

Если вы считаете, что не умеете заниматься уличной фотографией, но втайне хотели бы попробовать, сделайте это!

Если вы думаете, что никогда не освоите ручной режим, прочтите это. Выходите из дома как можно чаще. Сделайте кучу ошибок. В конце концов, ты получишь это.

Если вы, как и я, думаете, «Я не фотограф природы, но я бы хотел попробовать», пойдите и проведите время на природе.Экспериментируйте, играйте и пробуйте новое.

Пока вы подходите к миру с отношением «Я могу», вы, вероятно, будете это делать.

6. Мир богат идеями

«Каждый день на вашу голову падает кусочек космической пыли… С каждым вдохом мы вдыхаем частичку истории нашей вселенной, прошлого и будущего нашей планеты, запахов и историй мира вокруг нас, даже семена жизни ». — Пабло Пикассо

Конечно, фотография начинается с технического упражнения.Вам нужно использовать машину, часто с маленьким компьютером. Полностью изучите машину, которую вы используете. По крайней мере, туда, где вам удобно.

Фотография — это союз технического и творческого. Творческая часть фотографии исходит из неземного и уникального места внутри вас.

Ваше творческое видение проистекает из всего, что сделало вас тем, кто вы есть — вашего опыта, вашей жизни, того, что вы любите и что вы ненавидите.

Он также исходит из окружающего нас мира; из чувства истории, которое мы испытываем, гуляя по улицам старого города; от страха при виде величественного пятисотлетнего дерева.

Мир — это не плоская поверхность. Куда бы мы ни посмотрели, мы видим «момент», погоду; время суток. Мы также знаем, что через несколько часов все, что мы видим сейчас, может измениться.

Большинство людей настолько сосредоточены в своем уме и сосредоточены на себе, что не открывают себя тайнам мира.

Вокруг нас есть истории и идеи, которые могут вдохновить нас в нашей фотографии, могут спровоцировать новые идеи и приключения.

Все, что нам нужно сделать, это обратить внимание на потрясающую силу фотографии.

7. «Отложите на завтра только то, что вы готовы умереть, оставив незавершенным». — Пабло Пикассо

Чем старше я становлюсь, тем больше мне нужно требовать от себя. Что к концу каждого дня я хочу быть полностью и по-настоящему удовлетворенным. Не только для того, чтобы быть довольным или чтобы мой список дел был заполнен галочками.

Я хочу, чтобы создал что-то . Что-то полностью мое. Создание, которое никто другой не мог бы иметь, потому что они не я.

Фотография дает нам это, и мне это нравится. Это может дать нам возможность увидеть, почувствовать и испытать мир больше.

Без фотографии жизнь не была бы настолько богатой и значимой, как она есть.

Столкнувшись либо со сном, либо с возможностью поймать удивительный восход солнца, я встаю, чтобы сфотографировать восход солнца.

Наша жизнь ускоряется, и, хотя мы осознаем это, мы успокаиваемся. В подсознании мы искренне верим, что живем вечно.Возможность несуществования не кажется правильной.

Наше время на этой планете ограничено. Если мы признаем, что являемся органическими существами, это может побудить нас требовать большего от того, чего мы действительно хотим от своей жизни.

Для меня это исследование и фотографирование. Он создает искусство и делится им с другими или показывает людям, какие прекрасные вещи я вижу вокруг себя.

Конечно, ваше путешествие в мир фотографии отличается от моего.

Вы можете записать захватывающее путешествие ваших детей от младенчества до взрослой жизни или запечатлеть радостный цвет цветов.

Как вариант, вы можете взбираться на заснеженные горы и показывать миру впечатляющие пейзажи, свидетелями которых вы являетесь. Возможно, вы документируете странные и юмористические вещи, которые мы, люди, делаем в мире, населяют наши маленькие пузыри, когда мы передвигаемся по улицам, не подозревая о том, что мир наблюдает за нами.

Есть так много способов стать фотографом. Так много всего, что нужно задокументировать, изучить и увидеть. Следуй своим путем.

Просто будьте открыты и любознательны. Оглянитесь вокруг и откройте свой разум всему, чего вы обычно не замечаете.

Показывая себе и другим то, что вы видите в этом мире, вы открываете другим людям взгляды на мир вокруг них. Вы вытаскиваете их из их суматошного пузыря, наполненного круглосуточными новостями, списком дел, электронными письмами и повседневными требованиями повседневной жизни.

Вы дарите им дар видения — дар остановиться и с трепетом смотреть на то, что мир выложил перед нами.

Это довольно увлекательное, удивительное и невероятно оживляющее занятие фотографировать.

Накормили ли эти идеи вашу творческую душу? Если они помогли вам требовать от фотографии большего и выделить больше времени на то, чтобы посвятить себя этому фантастическому занятию, сообщите мне об этом ниже. Всегда приятно слышать от тебя.

человек Пабло: правда о портретах Пикассо | Пабло Пикассо

Картина, которая встречает вас у входа в осеннюю выставку Национальной портретной галереи, — это знаменитый автопортрет Пикассо с палитрой 1906 года.Это докубистический, но пост-голубой период, поэтому глаза, уши и нос молодого человека направлены в одном направлении, а его волосы не морского цвета, а настоящего иберийского черного лака. Лицо выглядит пустым, похожим на маску, но Пикассо мгновенно узнаваем по широкому мясистому носу и бычьей шее. В то же время картина — явная дань уважения более раннему автопортрету Сезанна — та же строгость, та же рабочая обстановка — а также демонстрирует родство с собственным триумфальным изображением Гертруды Стайн Пикассо, также с 1906 года (этот василиск взгляд и кожа песочного цвета).Более того, решив позировать с атрибутами своей профессии, Пикассо придерживается традиций классической портретной живописи, уходящей корнями в глубину веков, начиная с его возлюбленных Гойи и Веласкеса.

Это ужасно много для одной картины, поэтому она стоит как привратник на выставке, которая ставит своей целью нарушить то, что мы думаем, что мы знаем о Пикассо, о портретной живописи, а также о Пикассо и портретной живописи. То, что шоу проводит NPG, добавляет еще один уровень сложности.Созданная в 1856 году для создания биографий, написанных красками мужчин (а иногда и женщин), которые сделали Великобританию великой, галерея исторически мало интересовалась тем, как создаются портреты, и даже насколько хорошо они сделаны. Имело значение только то, чье лицо смотрело на тебя со стены. Портреты Пикассо , напротив, — это все о бесконечных способах, которыми величайший художник 20-го века подходил к своему самому важному предмету — человеческой фигуре. Среди 75 выставленных здесь произведений искусства со всего мира вы найдете нарисованные карикатуры, тщательно продуманные кубики, спокойный неоклассицизм и, в течение первых четырех лет 20-го века, очень много синего.

Молодой Пикассо начал свою карьеру с долгого ученичества в человеческой форме, которое должен был пройти каждый студент, изучающий искусство, будь то в Лондоне, Риме, Париже или даже Барселоне. Сначала был бесконечный рисунок канонической античной скульптуры, потом выпуск в лайн-класс. Типичным было также настаивание отца Пикассо, учителя рисования, о том, что его мальчик должен овладеть умением создавать «подобия», быстро и по порядку. Портретная работа была стабильным, хорошо оплачиваемым занятием (всегда были люди, достаточно тщеславные, чтобы захотеть увидеть себя в красках), и это давало вам вход в лучшие круги.По крайней мере, вы всегда сможете заплатить за квартиру.

Но эти собачьи аспекты профессионального раскрашивания лица были анафемой Пикассо. Он никогда не брал на себя заказы, и какие-либо известные люди, которых он рисовал за свою долгую карьеру — Штейн, Стравинский, Кокто — были там только случайно, потому что они были друзьями или коллегами или имели интересное расположение плоти и костей, от которого он стремился избавиться. на бумаге. И вместо того, чтобы включать имя известного объекта в название картины, Пикассо часто использовал самые широкие описания, такие как Женщина гладит или Голова кубиста .

Не каждый натурщик был в восторге от этих стираний. Дора Маар, возлюбленная Пикассо с конца 1930-х годов, сказала о его фотографиях: «Все они — Пикассо, ни одна не Дора Маар». Но тот факт, что она заявляла об этом в горькие годы после разрыва их отношений, часто упускается из виду, что позволяет процветать идее, что Пикассо был мономаном, который поглощал лица других людей своим жадным искусством, не заботясь о том, что делало их уникальными. Тот факт, что он часто увольнял своих натурщиков через несколько часов, предпочитая вместо этого работать с их фотографиями, только усиливал подозрение, что он был не портретистом, а пикассоистом, стремящимся переделать мир и всех в нем в его собственный образ.

Женщина со скрещенными руками Фотография: Частная коллекция

Это несправедливо, говорит Элизабет Коулинг, куратор выставки Picasso Portraits . И чтобы доказать это, она сгруппировала вместе три портрета трех разных женщин, написанных с разницей в несколько месяцев в 1938 году. В «Женщина со сложенными руками» Пикассо представляет свою давнюю возлюбленную Мари-Терезу Вальтер с нежной любовью. Несмотря на то, что он выполнен в графических серых и черных тонах, Уолтер больше всего напоминает удобный мягкий диван со всеми складками, складками и мягкими штрихами.В то же время извилистые контуры ее тела предполагают нарастающий эротизм, говорящий о приятной сексуальной близости, а не о пронзительном желании.

Всего месяц спустя Пикассо нарисовал Нуш Элюар, жену своего друга поэта-сюрреалиста Поля Элюара. Элюар, профессиональный акробат с легким гибким телом, изображена в узких углах и тонких плоскостях, а ее жесткие волнистые волосы образуют жесткие завитки. Здесь нет никаких доказательств безмятежной мягкости Уолтера, а огромная когтистая рука Элюара — острая шутка о том, что у акробатов, как и у кошек, девять жизней.

Нуш Элюар (1938) Фотография: Наследие Пикассо / DACS Лондон

Завершает тройку женских портретов 1938 года Дора Маар, сидящая . Здесь Пикассо рисует своего возлюбленного, с которым он завязал отношения еще с Уолтером, в вихре каллиграфических каракулей, которые безумно удваиваются сами по себе. Это мучительное безумие соответствовало тому, что Пикассо называл «кафкианской» личностью Маара. Под беспокойной поверхностью чернил и истонченной гуашью можно разглядеть ее крепко сжатые вместе ноги (пара часто гребла), а также отсылки к ее вымышленной самопрезентации испанской сеньоры из Гойи ( сеньора ). собственно французско-хорватский).Несмотря на то, что Маар любил говорить, это могла быть только она.

Дора Маар сидит (1938) Фотография: Наследие Пикассо / DACS, Лондон, 2016 © Тейт, Лондон, 2016

Настойчивость Пикассо в том, чтобы согласовать свой стиль с особенностями каждого натурщика, имеет свои корни, предполагает Коулинг, в практике карикатуры художника на протяжении всей его жизни. . Еще будучи школьником в 1890-х, он с удовольствием делал быстрые, неровные наброски своих друзей на салфетках, разорванных обрывках бумажного пакета на полях своих учебников.В подростковом возрасте он рисовал каракулей своих коллег по художественной школе, а позже дилеров, покровителей, соперников и друзей он набросал несколькими смелыми мазками — вот удлиненная шея, там нелепые усы или странные очки. Это были шутки, способ скрепить узы в гомосоциальной атмосфере, которая также была очень конкурентной: так художник Хосеп Рокароль-и-Фаура нарисован, раскрасневшимся и небрежным из-за слишком большого количества абсента, в то время как невысокий и чопорный Жауме Сабарт злобно смотрит на него. подростковые фотографии кинозвезды, вырванные из журналов.Поэт Гийом Аполлинер превратился в толстого бизнесмена (на самом деле он был банковским служащим) с грушевидной головой. Отнюдь не оскорбленный взглядом друга на него, Аполлинер ценил каракули Пикассо как знак нежного внимания.

Было принято игнорировать этот аспект творчества Пикассо, классифицировать его карикатуры как побочные продукты — даже отходы — более тонкого искусства, которым он занимался более шести десятилетий. Но, как предполагает выставка, именно в этих быстрых набросках он оттачивал способность редактировать, извлекать и преувеличивать детали, что позволило ему создавать портреты, которые выходили далеко за рамки простого поверхностного сходства и вместо этого проникали в сущность каждой натурщицы.«Существует так много реальностей, что, пытаясь охватить их все, можно окунуться во тьму», — однажды объяснил Пикассо. «Вот почему, когда пишут портрет, нужно где-то останавливаться, в своего рода карикатуре». Позже это тоже было лаконично сокращено до «всякая портретная живопись — карикатура».

Гюстав Кокио (1901). Фотография: Центр Помпиду, Париж. Национальный музей современного искусства © Succession Picasso / DACS, Лондон, 2016

Вы можете увидеть этот принцип в действии на раннем портрете Гюстава Кокио, громкого парижского критика города.Этот портрет является подарком для благодарности за прекрасный отзыв, который Кокио недавно написал о творчестве молодого человека, но в нем нет ничего даже отдаленно заискивающего. Кокайо показан с влажной похотливой ухмылкой, скрывающейся под смехотворно вьющимися усами, в то время как почти обнаженные танцовщицы натыкаются на задний план. Рука Кокио, лежащая на его коленях, выглядит так, как будто скрывает зарождающуюся эрекцию. Но если это грязно, то это грязно, и в этом есть смысл: в обстановке и стиле Пикассо сознательно направляет Тулуз-Лотрека, выдающегося жанрового художника парижского фланера, — историко-художественная справка, которую он знал, пощекотала бы тщеславие Кокио.

Даже когда Пикассо решительно отошел от описательного натурализма, никогда не было ощущения, что он пренебрегает своими человеческими подданными. Вместо этого он всегда стремился найти детали, которые делали людей мгновенно узнаваемыми для себя и для других. Одна из жемчужин выставки NPG — портрет арт-дилера Даниэля-Генри Канвейлера Пикассо 1910 года, шедевр кубизма, который редко покидает Чикагский институт искусств. На первый взгляд картина кажется просто высотой в метр из серых квадратов цвета ила.Однако постепенно глаз успокаивается, и узор разрешается, так что под гранями вы начинаете видеть мягкую, но определенную форму буржуазного человека. Это его клювый нос, его крылья из смазанных маслом волнистых волос, его аккуратно сложенные руки, его цепочка для часов.

Каждая из этих деталей не случайна, а является частью карикатурного сокращения. Канвейлер отличался пунктуальностью, что объясняет и цепочку часов. Он был печально известен воздержанием, поэтому бокалы для вина, которые так часто фигурируют на картинах в стиле кубизма, были заменены в этом случае бутылками с лекарствами.Эти шутки складываются в изображение, которое сразу же становится читаемым для тех, кто хорошо знал Канвейлера, но все же обращаются к тем, кто никогда не видел предмета портрета Пикассо.

Женщина в шляпе (Ольга) (1935). Фотография: Центр коллекции Помпиду, р-н. RMN Grand Palais

Пикассо не писал своих людей в вечном настоящем. Он использовал свой репертуар жестов, отточенный годами создания карикатур, не для обобщения лица, чтобы исправить его на все времена, а для того, чтобы передать его качество.Некоторые из наиболее выразительных работ на выставке принадлежат его многочисленным возлюбленным в последние дни их отношений. Женщина в шляпе (Ольга) (1935) показывает лицо своей первой жены, разделенное между болезненно-белым мелом и ядовито-зеленым. Ее глаза — глубокие черные дыры, уставленные с усталостью и разочарованием, а ее рот — это щель, направленная вниз. Тем временем жестко покрытые лаком волосы и пурпурная шляпа говорят об отчаянной потребности в хорошем настроении по поводу того, что действительно идет очень плохо. Его раздробленное отчаяние резко контрастирует с ярким неоклассическим портретом Ольги, завершенным Пикассо 12 годами ранее, в котором она изображена полностью ответственной за себя, безмятежной, как римская матрона.

Женщина в шляпе (1941) Фотография: Наследие Пикассо / DACS, Лондон, 2016

А затем еще одна женщина в другой шляпе, на этот раз из 1941 года. Это Дора Маар, нарисованная в тот момент, когда они с Пикассо вернулись в Оккупированный нацистами Париж, чтобы открыть для себя ужасы, в которые они не могли поверить. Как и Ольга, Дора старается держаться вместе, умница в деловом костюме. Однако ее веселая шляпа ужасно мала для гигантской головы, которая с тревогой смотрит сразу в двух направлениях, настораживая на топот сапог или стук в дверь.Ее тело, застывшее от страха, кажется, слилось со стулом, на котором она сидит (даже самые ненатуралистические портреты Пикассо использовали стандартную сидячую позу из классической традиции). А еще есть руки, скрюченные от напряжения, ногти, выкрашенные в спелый красный цвет, предполагая, что на улицах внизу уже идет смертельная схватка. В этом, несомненно, заключен решительный ответ Пикассо любому, кто утверждал, по-прежнему утверждает, что его портреты были безразличны к своим предметам и небрежно относились к их обстоятельствам.На самом деле он взял умирающую традицию, касающуюся поминовения самого простого вида, и вернул ее к захватывающей жизни.

Picasso Portraits находится в Национальной портретной галерее, Лондон, WC2, с 6 октября. npg.org.uk.

Эта головоломка с фотографиями Пикассо поставила экспертов в тупик. Можете ли вы помочь решить эту проблему?

Наряду с Пикассо (справа), собака Андре Дерена Сентинель — единственный другой объект на этой фотографии, о котором историки уверены. © RMN-Grand Palais (Национальный музей Пикассо в Париже) / Мишель Белло © Александр Зиновьев

Загадка для наших читателей: можете ли вы идентифицировать на этой фотографии друга Пикассо, возможную любовницу и парижскую студию? Администрация Пикассо, управляемая наследниками художника, хотела бы получить ответы.Традиционно это изображение было обозначено как «Амбруаз Воллар, Ева Гуэль и Пикассо с Сентинель, собакой Андре Дерена, в студии в 1914 году».

Ив Брокар, автор будущей книги, посвященной любовной связи художника с Гуэлем, считает, что единственная определенная фигура — это Пикассо. Пикассо, наиболее известный своей повседневной одеждой, часто без рубашки, носит костюм и галстук, хотя пиджак кажется неподходящим.

В статье на сайте администрации Пикассо Брокард опубликовал свои предложения.Человек слева, конечно, не Воллар, первый крупный дилер Пикассо, у которого были совсем другие телосложение и внешность. Лицо на фотографии похоже на лицо мексиканского художника-настенного художника Диего Риверы, хотя это не точно, потому что Ривера был высоким (1,85 м), а Пикассо — низким (1,63 м).

Признавая нарциссизм Пикассо, Брокар предполагает, что художник «всегда старался казаться выше, чем он был на самом деле, снимая свои фотографии под низким углом, как в этом случае, и немного вставая вперед».Если идентификация верна, то это единственная сохранившаяся фотография Пикассо и Риверы вместе.

Женщина в шляпе мало похожа на Гуэля, компаньона Пикассо в его кубистский период (она умерла в 1915 году в возрасте 30 лет). На фотографии черты лица похожи на черты художницы Мари Лорансен, хотя она бежала в Испанию в начале Первой мировой войны. Брокар предполагает, что женщина на фотографии — русская художница Анджелина Белофф, тогдашняя любовница Риверы, задолго до его брака с Фридой Кало.Кажется, что у Пикассо всегда был хотя бы один любовник (а обычно несколько), так могла ли это быть еще одна из его муз?

А в чьей студии они фотографируются? Конечно, с такой большой картиной на мольберте и другими картинами на заднем плане ее можно будет идентифицировать. Брокар утверждает, что это была мастерская Александра Зиновьева, русского художника в Париже и друга Белоффа. Зуновьев также знал и Пикассо, и Риверу, и картины на фотографии похожи на русские, хотя ни одна из них не была идентифицирована.

В то время Зиновьев был нанят царским правительством для слежки за русскими революционерами в Париже. Брокар даже предполагает, что фотография могла быть сделана Зиновьевым, чтобы отправить его кассирам в Санкт-Петербурге. Если предположить, что все его отождествления верны, изображение должно быть датировано периодом с июля 1915 года до начала 1916 года.

Наряду с самим Пикассо единственной достоверной информацией является собака. Это Сентинель, который изображен на других фотографиях с Пикассо. Она принадлежала художнику Андре Дерену, который доверил ее Пикассо, когда тот был призван участвовать в Первой мировой войне.Немецкая овчарка Sentinelle вряд ли была самым патриотичным выбором породы во Франции в этот неспокойный период.

Пабло Пикассо 1881–1973 | Тейт

Пабло Руис Пикассо (25 октября 1881 — 8 апреля 1973) был испанским художником, скульптором, гравером, керамистом и театральным дизайнером, который провел большую часть своей взрослой жизни во Франции. Считается одним из самых влиятельных художников 20-го века, он известен как соучредитель кубистского движения, изобретением искусственной скульптуры, совместным изобретением коллажа и широким разнообразием стилей, которые он помогал разрабатывать и исследовать. .Среди его самых известных работ — прото-кубизм Les Demoiselles d’Avignon (1907) и Guernica (1937), драматическое изображение бомбардировки Герники немецкими и итальянскими военно-воздушными силами во время гражданской войны в Испании.

Пикассо в ранние годы проявил незаурядный художественный талант, рисовал в естественной манере в детстве и юности. В течение первого десятилетия 20-го века его стиль изменился, поскольку он экспериментировал с различными теориями, техниками и идеями.После 1906 года фовистские работы художника чуть старше Анри Матисса побудили Пикассо исследовать более радикальные стили, положив начало плодотворному соперничеству между двумя художниками, которых впоследствии критики часто объединяли в пары как лидеров современного искусства.

Работы Пикассо часто делятся на периоды. Хотя названия многих из его более поздних периодов обсуждаются, наиболее общепринятыми периодами в его творчестве являются Голубой период (1901–1904), период роз (1904–1906), период африканского влияния (1907–1909), Аналитический кубизм (1909–1912) и синтетический кубизм (1912–1919), также называемый периодом кристаллов.Большая часть работ Пикассо конца 1910-х — начала 1920-х годов написана в неоклассическом стиле, а его работы середины 1920-х годов часто имеют черты сюрреализма. Его более поздние работы часто сочетают в себе элементы его более ранних стилей.

Исключительно плодовитый на протяжении своей долгой жизни, Пикассо добился всемирной известности и огромного состояния за свои революционные художественные достижения и стал одной из самых известных фигур в искусстве 20-го века.

.

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *