Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Картины пикассо с названиями: Pablo Picasso — Biography, Famous Artworks, Cubism

Содержание

Все Картины Пабло Пикассо С Названиями

Галерея работ Пабло Пикассо по периодам

«Голубая обнаженная» — эту картину можно отнести к самым общеизвестным холстам Пикассо, несмотря на то, что она является одним из ранних его полотен (1902 год). С осени 1901 года он написал несколько посмертных портретов Касагемаса, которые завершились мрачной аллегорической картиной La Vie («Жизнь») (1903), в настоящее время представлена в Музее искусств Кливленда. Каретников, вышедшая в 1967 году.

Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938). Картина «Бойня» – последнее трагическое произведение Пикассо. Осенью 1944 года он вступает в коммунистическую партию.

В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся18. «Старый гитарист». Вот Мария-Тереза открывает своим ключом домик художника (ключ всегда прописывался достаточно четко) играет с мячом на пляже, забавляется с друзьями. Многие картины измождённых матерей с детьми датируются «голубым периодом», во время которого Пикассо разделил своё время между Барселоной и Парижем.

ТОП-10 Самые известные картины Пабло Пикассо

Фон картины написан в голубых и охристых тонах. Это были времена крайней нищеты, холода и отчаяния. Обучение Пикассо под руководством отца началось до 1890 года. С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931).

Именно в этом городе он увлекся керамикой. «Голубой период» Пикассо (1901-1904) характеризуется мрачными картинами, представленными в оттенках синего и сине-зелёного, которые лишь изредка согреты другими цветами.

Он был первым ребенком дона Хосе Руиса Бласко (1838-1913) и Марии Пикассо Лопес. Возможно, это одна из самых известных картин Пикассо. В этом же году Пикассо встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 году станет его женой и вдохновит на серию статуарных портретов. Спасти Паблито не удалось. Его похоронили в той же могиле на кладбище в Канне, где покоится прах Ольги. 6 июня 1975 года от цирроза печени умер 54-летний Поль Пикассо. Его двое детей – Марина и Бернар, последняя жена Пабло Пикассо Жаклини еще трое внебрачных детей – Майя (дочь Мари-Терез Вальтер), Клод и Палома (дети Франсуазы Жило) – были признаны наследниками художника. Начались долгие баталии за наследствоМарина Пикассо, унаследовавшая знаменитый особняк деда «Резиденция короля» в Канне, живет там со взрослыми дочерью и сыном и тремя усыновленными детьми-вьетнамцами. Она не делает между ними никакого различия и уже составила завещание, по которомувсе ее огромное состояние после кончины будет поделено на пять равных частей. Марина создала носящий ее имя фонд, который построил в пригороде Хошиминадеревушку из 24 домов для 360 вьетнамских сирот. «Дора Маар с кошкой».

10 самых дорогих картин Пикассо

«Герника» (1937) – эта картина является признаком того, что аполитичный творец Пикассо принял вызов тревожного времени.

Пабло Пикассо – не просто один из самых известных художников XX столетия. Немецкая оккупация не могла испугать Пикассо: он оставался в Париже с 1940 по 1944 год. «Девочка на шаре», написанная в 1905 году, одна из самых легендарных картин Пикассо относится к началу розового периода творчества художника, совпадающего с его переездом в Париж. Из первых работ Пикассо сохранились портреты отца, на которых он похож на Дон Кихота. Сюрреализм возродил тягу Пикассо к примитивизму и эротизму.

Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Она стала его возлюбленной, а затем второй женой в 1961 году. Художник использует кубистические приемы до 1923 года («Женщины, бегущие по берегу»).

Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. «Нет, — ответил художник, — это сделали вы. На данный момент за работы Пикассо должен был взяться арт-дилер Леон Розенберг. Это не просто обычная картина, а еще и сильное политическое заявление. Он написал несколько произведений на тему бродячего цирка, которым был увлечен. В Прадо размещены картины Диего Веласкеса, Франсиско Гойя и Франсиско Сурбарана. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо.

Пикассо ПаблоКартины и биография

Тем не менее, на первой выставке группы сюрреалистов в 1925 году Пикассо выставил работы в стиле кубизм понятие «психический автоматизм в его чистом виде», установленное в Manifeste du surralisme («Манифест сюрреализма»), никогда полностью его не интересовало. Пикассо нарисовал портрет Гертруды и её племянника Алана Стейна. Он также способствовал росту таких художников как Андре Дерен, Кеес ван Донген, Фернан Леже, Хуан Грис, Морис де Вламинк и нескольких других, которые приехали со всех уголков земного шара, чтобы жить и работать в то время в районе Монпарнас. Кубистические формы натюрморта напоминают мандолину, лютню или гитару.

Наравне с портретами Франсуазы художник не переставал рисовать натюрморты, многие из которых потом распродавал, устраивая из этого буквально театральную драму. С ранних лет Пикассо показывал страсть и способности к рисованию. Представленная фигура не известна это может быть птица, лошадь, женщина или полностью абстрактная форма. Канвейлер был немецким искусствоведом и коллекционером.

Пабло Пикассо, художник, картины с описанием, биография

Незадолго до смерти отличавшийся пророческим даромхудожник сказал: «Моя смерть станет кораблекрушением. Когда погибает большое судно, все, что находится вокруг него, затягивается в воронку». По Мане (1960). В этот день хотелось бы вспомнить пять самых известных и дорогих картин художника. Город, в котором сохранились уникальные памятники старины истории, город с двумя тысячами жителей в одну ночь был превращен в руины. И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. С 1926 года она хранится в Чикаго.

Настойчивое требование Хохловой на светском приличии столкнулось с богемной тенденцией Пикассо из-за чего оба жили в состоянии постоянного конфликта. С 1968 по 1971 года он создал множество картин и сотни медных гравюр. Образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет тему картины «Герника», самого знаменитого его произведения, которое он пишет вскоре после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков. Яркий, выразительный образ корриды в будущем не раз появлялся в его произведениях, как и в произведениях других всемирно известных испанцев – Гойи, Хемингуэя. Гений Пикассо обнаружил себя рано: в возрасте 10 лет он написал свои первые картины, а в 15 блестяще сдал приемный экзамен в барселонскую Школу Изящных Искусств (за день нарисовав обнаженного натурщика это было задание, на которое отводился месяц). Юный художник благополучно рос в городе, который со временем считал настоящим домом. Пикассо, который досконально знал принципы изобразительных систем использовал в «Гернике» и элементы линейной перспективы и принятые в кубизме наложения прозрачных плоскостей и расчлененность объемов, которую любили сюрреалисты.

Весной 1916 года Аполлинер вернулся с фронта раненным. С самого детства, как и все испанцы, Пикассо ходил смотреть тавромахию (бой быков).

Биография Пабло Пикассо и описание его картин

В тот же период, когда Пикассо сотрудничал с труппой Дягилева, он и Игорь Стравинский работали над балетом «Пульчинелла» в 1920 году. Пикассо оставался в Париже в период немецкой оккупации с 1940 по 1944 год. Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. С 1904 года Пикассо начинает жить во Франции.

В это время с пониманием художник относится к оступившимся, униженным судьбой и бедностью. По Делакруа (1955) Менины. С одной стороны— коммунист, прогрессивный деятель, борец за мир и трогать его было опасно с другой Дело не в том, что, с их точки зрения, он был «буржуазный формалист», с этим еще можно было примириться, главное— он был великий мастер и при сопоставлении с его работами все великие достижения советского искусства меркли и отбрасывались на столетие назад.

После этого картина не показывалась на публику около 40 лет. К 1905 году Пикассо стал фаворитом американских коллекционеров Лео и Гертруды Стайн. В своей книге 1964 года «Жизнь с Пикассо» Жило описывает его жестокое обращение и бесчисленные измены, которые привели к тому, что она бросила его, забрав детей. Его предки были незначительными аристократами. В итоге Лео Стайн переехал в Италию.

Картины Пикассо: фото с названиями

Однако его сын стал заниматься искусством в ущерб классной работе. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Обучение художника началось в Испании. Пожалуй, еще ни один женский образ не был так изуродован, как в серии «Плачущая женщина», где отвращение к Доре и к войне слились воедино.

Дору нельзя назвать нежной и хрупкой, ее женственность заключается в загадочности, силе, необычайной энергии. А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Национальная галерея). Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. После освобождения. Летом 1912 года Пикассо создает серию изображений музыкальных инструментов.

Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создаёт их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931). В доме на малагской площади Мерсед, где родился Пикассо, ныне размещается дом-музей художника и фонд, носящий его имя. Многие его произведение получили место в рейтинге самых дорогих картин в мире.

«Синяя Комната» Пикассо отражает влияние этих художников и показывает эволюцию творчества Пикассо в «голубой период», который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение нескольких лет. Этой любви, самой чувственной в его жизни, он обязан созданием своих лучших шедевров, таких как «Обнаженная, зеленые листья и бюст» (Nu au Plateau de Sculpteur), «Сон» (Le Rve), «Чтение» (La Lecture).

Пабло Пикассо: немного удивительных фактов

На данный момент расположено в выставочном зале Мадрида Museo Reina Sofia в Испании. По словам матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от «lpiz», что в переводе с испанского означает «карандаш». Она была не только его другом, но и покровителем, покупая его картины за небольшие деньги.

Данная картина является ярчайшим тому примером. На каждой картине под этим названием изображен Арлекин, Пьеро и монах. Академический реализм легко различимый в работах середины 1890-х годов хорошо отображён в «Первом причастии» (1896), большой композиции, которая изображает его сестру Лолу.

Самая ранняя картина Пабло Пикассо – Пикадора, которая была написана в 8 лет. Синяя Комната Пикассо (1901, Собрание Филипса, Вашингтон) отражает влияние этих художников и одновременно показывает эволюцию творчества Пикассо в голубой период, который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет. По Курбе (1950, Базель, Художественный музей) Алжирские женщины. Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если это были действительно превосходные картины (Менины, 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо).

Самые известные картины Пикассо

В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо». Несмотря на то, что Пикассо был крещеным католиком, позже он стал атеистом. Оккупация не ослабила деятельности Пикассо: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия). Это был серьёзный удар для Пикассо. Пикассо уставший от его любовницы Доры Маар, начал жить вместе с Жило.

Порой Пикассо возвращался к старым техникам, как будто прощупывая, смог бы он повторить их спустя столько лет. Глядя на это панно, вспоминаются слова Поля Элюара: «Отчаяние раздувает огонь надежды». В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. А полнозвучие земных красок заменил строгой гаммой черного, серого и белого. Появляется «кубистическая тайнопись» : зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков.

Начало оживления жизни. Мадрид хранил много других достопримечательностей. Первая выставка работ произошла в Барселоне в июне 1989, в кафе Els Quatre Gats.

Эволюция стиля живописи Пабло Пикассо

Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника. Однажды нацистский офицер увидев фотографию Герники спросил у Пикассо: Это вы сделали. За два месяца Пикассо создаёт свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Пикассо словно расширяет параметры этого спора. В том же году, в возрасте 14 лет, он написал «Портрет тёти Пепы», энергичное и драматическое изображение, которое Хуан-Эдуардо Сирлот назвал «без сомнения, одним из величайших во всей истории испанской живописи». Он стал одним из ведущих дилеров французского искусства XX века. Оба имели сына Пауло, который вырос распущенным мотогонщиком, а позже стал шофёром отца.

Пикассо считал – «кто грустен, тот искренен». В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (Пикассо создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931).

Пабло Пикассо — биография, факты, картины — великий испанский художник

За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт). Согласно устным высказываниям Блока, он заплатил 15 000. После эпикурейского изящества 1920-х годов (Танец, Лондон, галерея Тейт) в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов.

Перспектива исчезает, картины Пикассо зачастую сводятся к ребусам. Первое, что он воскликнул, когда Пикассо привел ее в гости: «Дорогая, если бы я рисовал ваш портрет, волосы были бы зелеными». Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914).

Пабло Пикассо и 5 самых известных его картин

Вдохновением для нее послужило самоубийство друга художника, Карлоса Касагемаса. Тема быков возникла в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году (Минотавромахия). Так и произошло. «Герника» – это Апокалипсис XX века, в страшных сумерках которого высвечивается растерзанная лошадь, поверженный всадник, бык, мать с убитым ребенком и женщина, которая держит в руке светильник. Кубизм. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968).

В 1947 году ведущие коллекционеры из Чикаго Ли и Мери Блок покупают портрет у Пьера Колле. Они возобновили свою дружбу, но Пикассо стал часто посещать новые социальные круги. Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточённостью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображённые в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассечённые потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Его семья была среднего класса. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо).

Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. После потери Евы Гуель, у художника был роман с Габи Леспинасс. Картина «Девочка на шаре» построена на контрастах: легкость, женственность, гибкость, грация акробатки на шаре против устойчивости, твердости, мужественности атлета на кубе. Панно размером 3, 5 метра в высоту и около 8 метров в длину художник исполнил за невероятно короткий срок – меньше чем за месяц. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря.

Персоны и личности (интересное о известных)

Родился в городе Малага в автономной области Андалузия в Испании. На момент поступления Пикассо было только 13 лет. Оба оставались вместе до конца жизни Пикассо. Это сгусток боли и страданий.

Кубизм развивается в совершенно ирреальные и сюрреалистические образы. Превысив все ожидания, портрет «Доры Маар с кошкой» ушел с молотка за 95, 216, 000.

Пабло Пикассо: жизнь и творчество художника

Эту энергию выплеснул художник на эту, пожалуй, самую узнаваемую картину Пикассо. «Голубая обнаженная», как можно легко догадаться уже по названию и одному взгляду на нее, относится к голубому периоду творчества мастера. Она также не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).

Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Орта-де-Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). На картине «Шарманка» изображен престарелый клоун со своим музыкальным инструментом и, вероятно, его ученик, мальчик-арлекин, которому он впоследствии передаст свой опыт. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер.

5 самых дорогих картин Пабло Пикассо

Он воспользовался возможностью, чтобы сделать несколько рисунков композитора. Коричневый цвет выходит за рамки общей цветовой гаммы картины. В течение первых пяти месяцев 1901 года Пикассо жил в Мадриде, где со своим другом анархистом Франциско де Асис-Сольером основал журнал Arte Joven («Молодое искусство»), у которого вышли пять номеров. В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже.

Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо»И. В 1955 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Образы «Герники» напоминают вневременные фантомы, галлюцинации. Как часто это бывало раньше, все изменила женщина. Свой редкий талант Пабло проявил в нежном возрасте 10 лет, когда он закончил свою первую картину под названием «Желтый пикадор», на которой изображен человек верхом на лошади во время корриды. Общеизвестная картина Пикассо «Три музыканта» написана в стиле кубизма.

Полное имя, которое будущий художник получил при крещении— Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано14 (Криспиниано15) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо.

В отличие от других известных коллег по цеху, Пикассо стал популярным еще при жизни, довольно успешно продавая свое творчество. В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Их старший брат Майкл Стайн и его жена Сара также коллекционировали его работы. В 1937 году симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолётов над позициями франкистов). Здесь изображен изогнутый слепой человек, который держит большую коричневую гитару.

В работы мастера приходят новые оттенки: светло-розовые, красные, серовато-жемчужные, воздушные, что отличает новый период от предыдущего (голубого). Тема быков возникла в творчестве Пикассо во время двух поездок в Испанию: образ Минотавра возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году («Минотавромахия»). За закрытыми дверьми он повторял: «Приходите завтра или, лучше, через месяц», а при всех похлопывал незадачливого дилера по плечу, делая вид, что сделка состоялась. Аполлинер и Жакоб были очень хорошими друзьями Пикассо в течение 1910-х годов. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки. «Портрет Амбруаза Воллара» (владельца галереи, коллекционера) выполнен в формах аналитического кубизма.

Обнаженная, зеленые листья и бюст

4. Он часами заставлял своих покупателей ждать в приемной и, пока чинный дворецкий утверждал, что «мсье очень занят», сам наотрез отказывался вылезать из кровати. Руис был традиционным академическим художником и преподавателем, который считал, что надлежащее обучение требует строгого копирования мастеров и рисования человеческого тела с гипсовых слепков и живых моделей.

Oливье появляется во многих его картинах «розового периода», на большую часть из которых повлияли их тёплые отношения, наряду с интенсивным изучением французской живописи. С 1 июля 1963 года владельцами стает другая пара из Чикаго Адель и Уиллард Джидвиц. Жаклин Роке (1927-1986) работала в гончарной мастерской Madoura в Валлорис на Лазурном берегу, где Пикассо делал и расписывал керамические изделия. Это довольно большая картина по размеру – ширина и высота ее более 2 метров. По Мане» (1960).

Не удостаивал вниманием равнодушных с той же миной, что и поклонников. Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. С творчеством импрессионистов Пабло познакомился позднее, после того как уехал в Париж. Все это взывает к сюрреалистическим, биоморфным мотивам.

Биография великого испанского художника

Пабло Руис и Пикассо, также известный как Пабло Пикассо (25 октября 1881 – 8 апреля 1973), был испанским художником, скульптором, гравёром, керамиком, театральным художником, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей жизни во Франции. Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. В 1925 на смену розовому и жизнерадостным картинам приходит самый сложный и трудный период в жизни художника. Некоторые историки, однако, считают, что «Три музыканта» — это запоздалый ответ Пикассо Матиссу и его «Уроку фортепиано». Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых и прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона. После произведений «голубого периода», картины «розового периода» представляют мир циркачей и бродяг («Семья акробатов с обезьяной», «Девочка на шаре», «Семейство комедиантов»).

Изначально на картине должны были присутствовать еще иные образы, олицетворяющие смерть, но впоследствии художник оставил лишь изображения женщин и фруктов как символ плодовитости. Собственный талант Франсуазы быстро чах под тесным крылом великого мастера, но ей одной из всех бывших и будущих любовниц удалось стать Пикассо другом и с годами не потерять его уважения. Именно так Пикассо не рисовал больше никого. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод., на что тот ему ответил: Это сделали вы. В то время он развивал новые образы и формальный синтаксис для эмоционального выражения себя, «выпуская насилие, психические страхи и эротизм, которые в значительной степени подавлялись или сублимировались в нём с 1909 года», – пишет историк искусства Мелисса Маккуиллан.

Описание картины Пабло Пикассо «Купальщица открывающая кабинку»

Переполненный отвращением к войне, художник написал гигантское обвинение фашизму: так родилась на свет «Герника» (Guernica), картина тираническая, пугающая и многословная. Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. По Делакруа» (1955) «Менины. Дама в шляпке и острыми синими ногтями невольно вызывает ассоциации с представителями семейства кошачьих, от нее веет независимостью, непокорным нравом. Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия.

Очень скоро родился знаменитый образ «женщины-цветка» — именно так художник видел свою новую музу. Вот таким образом он отказывал в визитах как конкурентам, так и друзьям. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано». «Авиньонские девицы», написанная в 1907 году картина относится к самым типичным примерам кубизма. Множество стилей (кубизм, сюрреализм, графика) и сумасшедшая энергия творца вызывали восторг у публики.

Описание картины Пабло Пикассо «Столик в кафе»

«Розовый период» (1904 – 1906) характеризуется более веселым стилем, оранжевыми и розовыми цветами и изображением циркачей, акробатов и арлекинов известных во Франции как «saltimbanques». Руис убедил чиновников в Академии разрешить его сыну сдать вступительный экзамен. В натюрморте Пикассо использует музыкальную метафору, согласно которой струнные инструменты являлись символом совершенства искусства. В «розовых» работах Пикассо чаще изображает не просто одного или двух людей, а целые семьи, людей, связанных не только кровными, но и духовными узами. Кубизм.

В частности, картина Алжирские женщины, Version O, ушла за 32 млн. С последней картиной, на которой изображены ужасы войны, связана одна известная история. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить отчасти влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956, Париж, музей Пикассо).

В 1946 году первым обладателем портрета «Доры Маар с кошкой» стает влиятельный парижский дилер Пьер Колле. По Веласкесу (1957) Завтрак на траве.

В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). Голубь, который стал символом движения за мир (изображен на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника. Первый выпуск был опубликован 31 марта 1901 года, когда художник начал подписывать свои работы «Пикассо» прежде он подписывал их «Пабло Руис и Пикассо».

непосредственно перед «голубым периодом»), а 1904 год можно считать переходом между двумя периодами. Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903 Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903). В этом же номере впервые в Европе была опубликована копия картины Les Demoiselles («Авиньонские девицы»).

В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Оба часто спорили. Пришедший к власти Франко отменил ее. Вместо солнца Пикассо изобразил электрическую лампочку. Стиль этот будет развиваться уже в Барселоне, когда художник возвратиться. Однако же, ничего не продавал.

Оба артиста противопоставляются заднему фону: девочка в любой момент сойдет с шара или переместится на нем дальше, в то время, как печальный пейзаж с одинокой лошадью не изменится еще очень долго, а, может быть, совсем никогда. Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Несмотря на то, что колени, лица, груди девушек изображены угловатыми, мы понимаем, что перед нами – жрицы любви.

Описание картины Пабло Пикассо «Женщина с вороной»

Портрет был приобретен И. А. Морозовым в 1913 году у самого Воллара. Женитьба Пикассо на балерине Ольге Хохловой, успех художника в обществе – все это объясняет этот возврат к фигуративности, при этом Пикассо продолжает писать и кубистические натюрморты. Наряду с циклом великанш и купальщиц, многочисленные портреты жены и сына Поля являют собой одни из самых пленительных произведений, написанных художником. Контакты с сюрреализмом. В Париже в 1904 году он встретил Фернанду Оливье, богемную художницу, которая стала его любовницей. Можете забрать на память». Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932).

Среди наиболее известных его работ находятся картины в стиле протокубизм такие как «Авиньонские девицы» (1907), «Герника» (1937) и изображение бомбардировки Герники немецкими и итальянскими ВВС по приказу испанского националистического правительства во время Гражданской войны в Испании. В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905).

Почти всю свою жизнь прожив во Франции, Пабло Пикассо всегда оставался испанцем. Контакты с сюрреализмом. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. По Курбе» (1950) «Алжирские женщины.

Франсуаз Жилло на протяжении десяти лет была женой Пикассо и потом написала книгу «Жизнь с Пикассо». В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт»1920. Картина Бойня (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо. В 1904году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Розовый цвет становится на два года главным в творчестве Пикассо. Договор с Канвейлером положил конец его изгнанию из Франции.

В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имён возлюбленных, названий улиц, кабачков. Самые узнаваемые произведения Пикассо – по большей части, те, что написаны в голубой период творчества. По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве. Пикассо отказался от оплаты в 100000, пожертвовав всю сумму жителям города. Пикассо и молодая художница Франсуаза Жило познакомились в 1943 году.

Описание картины Пабло Пикассо «Портрет Солера»

О Пабло Пикассо слышали все. Ее декоративная форма, популярная во французском искусстве XVII и XVIII веков, обладает внутренней гармонией, которая придает ей еще большее изящество. Он не выносил бездарных людей так же, как талантливых.

Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года (Женщины, бегущие по берегу, 1922, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Учился рисовать Пикассо у своего отца, который был учителем рисования. Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему картины Герника, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). Панно вытянуто в длину и построено как триптих.

По замыслу автора, зритель сам должен проделать определенную аналитическую работу по воссозданию образа музыкального инструмента. Среди самых красивых ранних натюрмортов художника – небольшая овальная картина «Музыкальные инструменты». Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. Идея подарить Франсуазе зеленые волосы принадлежала Матиссу. Эта картина оказалась первой из произведений художника, которую приобрел музей. Родился в Малаге 25 октября 1881 года.

Ему заказывали картины и он с удовольствием их писал. Светлые и тёмные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неравны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). Всего – 15 вариаций, которые обозначены в алфавитном порядке как Version А-О.

В музыкальных натюрмортах Пикассо заметно влияние Поля Сезанна. Она была на 40 лет моложе его. Знакомство с творчеством импрессионистов оказывает впечатление на молодого Пикассо. Ему было поручено сделать макет для огромной общественной скульптуры 50 футов (15 м) в высоту, которую должны были построить в Чикаго и обычно известную как Чикагский Пикассо.

Описание картины Пабло Пикассо «Муза»

Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). Картины художника отражают стиль Эль Греко, Веласкеса и Гойи. Конечно, Пикассо это всячески отрицал. «Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам. На момент начала Первой мировой войны (август 1914 года) Пикассо жил в Авиньоне. Можно было б назвать ее «Слепой музыкант», но художник сделал акцент на старости, в которой единственной отдушиной является творчество.

«Герника» – пророческая картина, но в ней есть не только предчувствие страшных катастроф, но и светоч веры. В начале июня панно, выставленное в Париже, получило мировую славу. В центре его треугольник, вершиной которого является светильник. Большая часть работ была сожжена, чтобы обогреть маленькую комнату.

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, создавало монстров, неких разорванных на части существ, раздутых до абсурда и бесформенных или воплощающих агрессивно-эротические образы. Гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия и Аристофану свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. В 1907 году Пикассо создает большое панно «Авиньонские девицы», персонажи которого, девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон, предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. Говорят, что он назван так в честь нескольких святых и родственников. Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Ивану Морозову она продала картину за 13 тысяч франков. В 1900 году вместе с друзьями он уезжает в Париж.

Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Однажды увидев репродукцию «Герники», гестаповцы спросили: «Это вы сделали. ». Сложно сказать, что хотел донести этой работой автор, хотел ли вообще: фигура женщины в позе эмбриона сидит к зрителю спиной. Примириться с этим было невозможно и борьба с Пикассо шла по разным направлениям. В этих обстоятельствах в начале 1902года Пикассо стал писать в стиле, по которому впоследствии период творчества художника в Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым». Наказания удалось избежать исключительно благодаря влиятельным друзьям. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря.

«Герника» — скрупулезное изображение трагедий войны и страданий мирных жителей. Пикассо создал более чем 20 тысяч работ.

Это полотно было создано в Мадриде и используемый искаженный стиль напоминает Эль Греко. Правда этот переход в работе Пикассо обусловлен кубизмом и его пространственными отношениями, как пишет Маккуиллан «объединение ритуала и порыва в изображении напоминает примитивизм «Авиньонских девиц» и неуловимый психологический резонанс его символических работ». Всегда и во всем он должен был быть единственным.



Самые дорогие картины Пикассо: названия, цена, фото

Экспертные оценки показали, что Пикассо – самый дорогой в мире художник. Практически половина рекордных продаж картин в мире относится к его работам. Полотна мастера есть в музеях и частных коллекциях, они созданы в разные периоды его творчества. У каждой картины есть своя история.

Алжирские женщины

Этот шедевр появился в 1955 году и относится к поздним работам мастера. Под таким названием была написана целая серия картин, что отражает неудовлетворенность художника собственным творчеством. Рекорд по стоимости в этой серии побила последняя ее версия «О».

Источником вдохновения для «Алжирских женщин» стали «Алжирские женщины в своих покоях». Автором является Эжен Делакруа, написавший это полотно еще за полвека до рождения Пикассо. Делакруа был одним из художников, восхищавших Пикассо. Версию «О» в составе всей серии приобрели Виктор и Салли Ганцы в 1956 году. Позже большую часть серии они продали Галерее Сайденберг, оставив себе 5 работ, включая и версию «О».

Картина написана в восточном стиле. Это 4 наложницы, но особенно выделяется одна фигура – остальные выполнены очень абстрактно. Художник совместил в одном полотне множество цветов, что великолепно передает восточный колорит.

Статус одной из дорогих работ Пикассо картина получила в 2015 году на аукционе Christie’s. Купил ее Хамид бен Джасим за 179,3 миллионов долларов. Полотно и сейчас находится в его частной коллекции.

Интересно, что покупка всей серии в 1956 году обошлась в 212,5 тысяч долларов, а из коллекции Ганцев в 1997 году версию «О» продали почти за 32 миллиона долларов.

Сон

Создано полотно в 1932 году, в момент преобладания сюрреализма в творчестве художника. Работа заняла у него всего один день.

На полотне изображена Мария-Тереза Вальтер – возлюбленная художника. Она сидит в кресле, голова ее склонена набок, на лице покой и умиротворение. У Марии-Терезы округлые формы, руки сложены на животе – на тот момент она ждала ребенка от Пикассо. Художник использовал в работе яркие и сочные тона, отражающие любовь и страсть, гармонию и умиротворение, спокойствие и ожидание чуда.

Это самая дорогая работа Пикассо в составе закрытых продаж. Продали ее в 2013 году за 155 миллионов долларов Стивену Коэну. Полотно сейчас находится в его частной коллекции.

Еще в 2006 году Коэн хотел приобрести этот шедевр за 139 миллионов долларов, но владевший им Стив Уинн банально порвал край полотна, зацепившись локтем. Первыми ее владельцами были Ганцы, отдавшие за нее в 1941 году 7000$. После их смерти картина ушла на аукционе Christie’s за 48,4 миллиона долларов – мировой рекорд для картины на тот момент.

Молодая девушка с цветочной корзиной

Полотно было написано в 1905 году – в творчестве Пикассо тогда наступил «Розовый период». На нем изображена во весь рост молодая девушка – она еще не вполне сформировалась. Девушка полностью обнажена, пропорции фигуры реалистичны без искажения линий и объемов. Она стоит боком, но лицо обращено на мастера – его выражение вызывает много вопросов. В руках корзинка с красными цветами – яркое пятно на фоне серо-голубых стен и обнаженного тела.

По результатам открытых продаж это полотно находится в первой десятке самых дорогих картин в мире. В 2018 году его продали на аукционе Christie’s за 115 миллионов долларов анониму, картина остается в его частной коллекции. Прежде ею владели Рокфеллеры.

Обнаженная, зеленые листья и бюст

Эту работу Пикассо написал в 1932 году. На картине изображена Мария-Тереза Вальтер. Женщина лежит, запрокинув голову и закинув за нее руки. Она полностью обнажена – формы искажены в соответствии с сюрреалистическим направлением в творчестве Пикассо того периода. По мнению некоторых специалистов, Пикассо придал здесь Марии-Терезе образ Дафны – прекрасной нимфы из древнегреческих мифов.

Помимо девушки на картине изображен бюст – он существует реально и сделан с этой же натурщицы. Выделяются на полотне также сочно-зеленые листья комнатного растения – этот яркий элемент отражен даже в названии работы.

Это еще одно творение Пикассо из десятки самых дорогих в мире. В 2010 году на аукционе Christie’s полотно ушло анониму за 106,5 миллионов долларов.

Мальчик с трубкой

Это работа 1905 года, когда в творчестве мастера царил «Розовый период». Тогда художник еще жил в общежитии, был молод и влюблен.

Позировал Пикассо уличный мальчишка Луи. Он сидит в раскованной позе с меланхоличным и отрешенным лицом. Использованные в работе тона создают великолепный контраст – розово-золотистые стены с выделяющимися на них цветочными рисунками, синий костюм. В одной руке мальчик держит трубку. Примечателен розовый венок на голове, подчеркивающий выражение лица – эта деталь появилась позже, так как мастер не мог определиться с завершающим штрихом.

Одной из самых дорогих работ Пикассо и всего мира «Мальчик с трубкой» стал в 2004 году на аукционе Sotheby’s – его стоимость составила 104,1 миллиона долларов. На тот момент эта сумма стала мировым рекордом и оставалась таковым еще 6 лет. Сегодня картина находится в частной коллекции.

Дора Маар с кошкой

Художник написал картину в 1941 году. На ней изображена Дора Маар, бывшая почти 10 лет возлюбленной Пикассо. Она сидит на стуле, а на его спинке разместился черный котенок.

Работа напоминает карикатуру – она выполнена в кубистической манере. Это отражается в изображении лица одновременно в профиль и анфас, резких углах и ярких цветах. Многие детали символичны. Пикассо называл Дору афганской кошкой, поэтому на полотне есть котенок. Темперамент женщины отражен в яркой одежде, длинных и острых ногтях, шляпе с цветами.

Среди самых дорогих картин в мире и работ мастера эта картина идет сразу же после «Мальчика с трубкой». Через 6 лет после ее создания картину приобрели чикагские коллекционеры Мэри и Ли Блок, еще через 16 лет – другая чикагская пара, Адель и Уиллард Джидвицы. После этого полотно увидели лишь в 2005 году на выставках Sotheby’s.

Еще через год аукционный дом продал картину за 95,2 миллионов долларов. Покупатель неизвестен, но предположительно это Бидзина Иванишвили – грузинский миллиардер. Картина сегодня находится в частной коллекции.

Певица кабаре

Эту картину Пикассо написал в 1901 году в «Голубом периоде». Женщина изображена обнаженной, ее очертания реалистичны. Это брюнетка с кудрявыми волосами, на которых выделяется красное украшение, которое может на самом деле быть и рисунком на стене. Отражены все недостатки фигуры – художник написал ее без прикрас. Выделяется также рисунок на стене – его яркие цвета создают контраст с сине-белым фоном и обнаженной натурой.

Картину продали на аукционе Sotheby’s в 2015 за 67,5 миллионов долларов. Сегодня она находится в частной коллекции.

Бюст женщины

У этой работы есть и другое название – «Женщина в сеточке для волос». Написана картина была в 1938 году.

Бюст женщины был написан с Доры Маар – в тот период их отношения с художником были в самом разгаре. Это работа в кубистической манере, использованы яркие и сочные тона. Сеточка для волос не является самым ярким элементом полотна – она в большей степени используется для уточнения, поскольку бюсты Пикассо писал неоднократно, в том числе и с Доры Маар.

В 2015 году картину продали на аукционе Christie’s за 67,4 миллионов долларов. Сделка совершена анонимно, картина находится в частной коллекции.

Женщина со скрещенными руками

Это полотно было закончено в 1902 году и стало одним из шедевров «Голубого периода» в творчестве Пикассо. Натурщицей стала предположительна пациентка парижской тюремной больницы Сен-Лазар. В картине преобладают холодные серо-голубые тона, усиливая мрачную атмосферу безысходности. Женщина сидит, скрестив руки, на лице ее печать горечи и отчуждения. Создается впечатление, что за ее плечами огромный жизненный опыт. Скрещенные руки символизируют смирение женщины со своей судьбой.

Долгое время с 1936 года до последнего аукциона картина принадлежала коллекционеру Чонси Маккормику. В списке ее прежних владельцев числится также Гертруда Стайн – среди работ Пикассо есть и ее портрет.

В 2000 году на аукционе Christie’s полотно ушло за 55 миллионов долларов неизвестному покупателю. Картина находится в частной коллекции.

Портрет Анхеля Фернандеса де Сото

Этот испанский художник был не только коллегой, но и другом Пикассо. Его портрет был написан в 1903 году в разгар «Голубого периода» в творчестве мастера.

У картины есть и другое название – Любитель абсента. Художник на ней находится в темном баре с трубкой в руке, окутанный табачным дымом. Перед ним стоит огромный бокал абсента – символичная деталь, поскольку выпить Анхель любил.

В число самых дорогих картин Пикассо эта работа вошла в 2010 году после продажи на аукционе Christie’s за 51,6 миллион долларов. Сегодня полотно остается в частной коллекции.

Прежде картиной владел Эндрю Ллойд Уэббер, приобретший ее пятью годами ранее минимум вдвое дешевле. Примечательно, что Ллойд хотел выставить картину на аукцион еще в 2006 году, но с торгов ее сняли в последний момент из-за претензий наследника бывшего владельца, которым был немецкий банкир Пауль фон Мендельсон-Бартольди. Было заявлено, что нацисты похитили полотно во время Второй мировой войны, однако эта информация не подтвердилась.

Стоимость многих работ Пабло Пикассо достигает десятков и даже сотен миллионов долларов. Несколько его картин числятся среди самых дорогих в мире, а одна даже занимает почетное второе место.

Все картины пикассо с названиями. Самые известные работы пикассо

Пабло Пикассо можно по праву назвать одним из самых удивительных и неподражаемых художников. Он всегда был разным, но всегда – шокирующим. Знаменитые картины Пикассо – это необыкновенный тандем традиционной живописи и оригинального искусства. Он настолько отдавался своим произведениям, что не замечал своего стилистического непостоянства. Да и не это главное в произведениях испанского живописца. Пабло Пикассо умело сочетал на холсте такие необыкновенные материалы как металл, камень, гипс, уголь, карандаш или масляные краски. Великолепный художник не останавливался ни перед чем. Возможно, поэтому картины Пикассо так удивляют своей эмоциональностью и смелостью.

Среди многообразия его работ особенно выделяются композиции с образами женщин. Здесь полотна художника поистине шокируют многообразием причуд и неординарных фантазий. Стоит вспомнить хотя бы « » (1932). Использованные линии и цвета ещё раз доказывают известный факт, что Пабло Пикассо очень не любил женщин. Именно поэтому так часто в его работах они удивляли несуразностью образов и форм. Особенной нелепостью увенчалась героиня «Утренней серенады» (1942). Здесь Пабло Пикассо постарался, как никогда. Рассеченные и раздутые тела, раздробленный профиль, странные шляпы – бурлескные формы были любимыми для знаменитого художника. Именно поэтому яркие сюжеты, пугающие своей силой и огромной притягательностью, так часто использовались автором, и до сегодняшнего дня не сходят с вершин художественного мира. Все просто. Ведь подобные картины Пикассо вызывают у зрителей неподражаемые, чувственные эмоции. А что ещё нужно для художника, который искренне передавал на холсте всю свою натуральную, подчас шокирующую, жизненную сущность.

Ксюша Корс

Пабло Пикассо – гений современного искусства

В Испании, в небольшом городе Малага, 25 октября 1881 года на свет появился малыш. Роды были тяжелыми, родившийся мальчик не мог дышать. Чтобы его легкие раскрылись, ему в носик вдули сигаретный дым. Так началась жизнь самого юного в мире «курильщика» и вместе с тем величайшего художника девятнадцатого века Пабло Пикассо.

Необычный талант начал проявляться у мальчика ещё в раннем детстве. Его первое слово было «карандаш», и рисовать он научился прежде, чем говорить.

Пабло был избалованным ребёнком. Родители души не чаяли в их единственном и к тому же очень красивом сынишке. Он ненавидел школу и очень часто отказывался туда идти до тех пор, пока отец не разрешал брать ему с собой ручного голубя из домашней голубятни.

Кроме голубей, он очень любил искусство. Когда Пабло было десять лет, отец часто брал его с собой в колледж, где работал учителем рисования. Он мог часами наблюдать, как отец рисовал, и иногда даже помогал ему. Однажды, отец Пабло рисовал голубей и ненадолго вышел из комнаты. Когда он вернулся, то увидел, что Пабло закончил картину. Она была настолько прекрасной и живой, что он отдал сыну свою палитру и кисти и больше никогда не рисовал сам. Тогда Пабло было всего тринадцать, но он уже превзошел своего учителя.

С тех пор краски и кисти стали жизнью Пабло. Было очевидно, что он гениален. Но, к разочарованию многих, его искусство не было классическим. Он всегда ломал правила и каноны традиционного искусства и шокировал своими странными, но такими энергетически мощными картинами. Больше всего он был известен картинами в стиле «кубизм» – живопись с использованием простых геометрических фигур. Например, людей он изображал треугольниками и квадратами, вырисовывая части тела и черты лица совсем не в тех местах, где им положено быть.

Его работы перевернули представление людей о современном искусстве. Теперь оно ассоциируется с именем Пабло Пикассо. Одним из шедевров современного искусства считается его картина « », написанная в 1937 году, на которой художник запечатлел бомбежку небольшого городка во время гражданской войны в Испании.

В общей сложности Пикассо создал более 6000 картин, рисунков и скульптур. Сегодня его работы стоят несколько миллионов долларов. Однажды, когда министр Франции был в гостях у Пикассо, художник случайно пролил немного краски на его штаны. Пабло извинился и предложил оплатить счет за чистку брюк, но министр сказал: «Ни в коем случае! Вы всего лишь расписались на моих штанах!»

Пабло Пикассо ушел из жизни из-за сердечной недостаточности после перенесенного гриппа в 1973 году.

Пабло Пикассо: все эпохи в одном художнике

На сегодняшний день Пабло Пикассо по праву считается одним из самых дорогостоящих художников по результатам современных аукционов. Свои первые работы нетривиальный испанский художник создал на заре 20 века, а всего на его счету – несколько десятков тысяч полотен и скульптур. Он не был «зациклен» на каком-то одном стиле, а искал способы и виды самовыражения в разных художественных направлениях. О работах Пикассо невозможно судить по одной-двум работам: свой богатый внутренний мир он переложил на язык красок, в каждой картине сделав это отличным от предыдущей способом. Внушительный почти столетний век его творчества принято делить на множество периодов:

Ранний период, когда происходила проба кисти, поиск настроений и смелые эксперименты. В это время он живет в Барселоне, затем уезжает в Мадрид, чтобы обучаться искусству, впоследствии – снова в Барселону.

«Голубой» период. Переезд в Париж и знакомство с импрессионистами глубоко способствовали становлению и огранке таланта испанца. В картинах 1900-1903 года он увековечивал различные проявления печали, грусти, меланхолии.

«Розовый» период ознаменовался новыми персонажами в его шедеврах: артистами, циркачами. К этому периоду относится и «Девочка на шаре» из Пушкинского музея. Атмосфера грусти в творчестве Пабло разбавлена более светлыми, романтичными настроениями.

«Африканский» период был первым вестником перехода автора к собственно кубизму.

Кубизм. Пикассо стал скрупулезно разбирать все, что он изображал на картинах, на большие и малые геометрические фигуры. Особенно интересно и новаторски смотрятся портреты, написанные в этой технике.

Классический период. Знакомство с русским балетом и со своей первой женой-балериной вносит некоторое переосмысление в творчество Пикассо, обратившегося в самом начале 20-х годов к догматам художественного искусства и создающего картины, резко отличающиеся от привычного ему кубизма. Одна из первых его работ в классическом стиле – «Портрет Ольги в кресле», где влюбленный художник запечатлел свою жену.

Сюрреализм. С 1925 года автор испытывает большие творческие переживания, которые угадываются в его картинах – персонажи являют собой ирреальную монструозность, художник делает вызов, заигрывает с воображением зрителя, обратившись к сюрреализму. Одна из самых известных сюрреалистичных картин – «Сон» 1932 года.

Военная тематика пришла в его творческую жизнь с гражданской войной, охватившей Испанию, а затем и всю Европу. Наряду с мрачным социальным фоном на жизненную атмосферу художника влияют также новые личные переживания: в его жизни появляется новая женщина.

После войны он создает всемирно известного «Голубя мира» и становится коммунистом. Этот период его художественной деятельности отражает его счастливые годы жизни. В этот период он активно реализует себя также как керамист.

Начиная с 50-х годов трудно отнести его картины к одному жанру и стилю – он реализовывает все недосказанное в разных манерах и техниках. Он также интерпретирует знаменитые полотна других художников, выписывая их в присущем ему восприятии.

Картины Пикассо разных периодов сегодня лидируют на рынке искусства, побив все мыслимые рекорды цен. Так, например, сумма в 104 млн долларов была заплачена в 2004 году за его картину «Мальчик с трубкой» 1905 года, а в 2010-м его картина «Обнажённая, зеленые листья и бюст», написанная им в 1932 году, была продана за 106 млн. Сегодня купить картины Пикассо можно на открытых аукционах, однако самые известные шедевры его творчества уже заняли свои почётные места в частных коллекциях и лучших музеях мира.

Любовь и отношения с женщинами занимали большое место в жизни Пабло Пикассо. Несомненное влияние на жизнь и творчество мэтра оказали семь женщин. Но ни одной из них он не принёс счастья. Он не только «калечил» их на полотнах, но и доводил до депрессии, психлечебницы, самоубийства.

Каждый раз, когда я меняю женщину, я должен сжечь ту, что была последней. Таким образом я от них избавляюсь. Это, возможно, и возвращает мне молодость.

Пабло Пикассо

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге не юге Испании, в семье художника Хосе Руиса. В 1895 году семья переехала в Барселону, где юный Пабло без труда был зачислен в художественную школу Ла Лонха и стараниями отца обзавёлся собственной мастерской. Но большому кораблю — большое плаванье, и уже в 1897 году Пикассо отправляется в Мадрид, учиться в Королевской академии Сан-Фернандо, которая, впрочем, разочаровала его с первых же шагов (музей он посещал гораздо чаще, чем лекции). И уже в это время совсем ещё ребёнок Пабло лечится от «дурной болезни».

Пабло Пикассо и Фернанда Оливье

В 1900 году, убегая от печальных мыслей после самоубийства своего друга Карлоса Касагемаса, Пабло Пикассо оказывается в Париже, где вместе с другими бедынми художниками снимает комнаты в ветхом доме не площади Равиньян. Там Пикассо встречает Фернанду Оливье, или «Прекрасную Фернанду». Эта молодая женщина с тёмным прошлым (сбежала из дома со скульптором, который потом сошёл с ума) и шатким настоящим (позировала художникам) на несколько лет стала любовницей и музой Пикассо . С её появлением в жизни мастера завершается так называемый «голубой период» (сумрачные картины в сине-зелёных тонах) и начинается «розовый», с мотивами любования обнажённой натурой, тёплым колоритом.

Обращение к кубизму приносит Пабло Пикассо успех даже за океаном, и в 1910 году они с Фернандой переезжают в просторную квартиру, проводят лето на вилле в Пиренеях. Но роман их подходил к концу. Пикассо встретил другую женщину — Марсель Умбер, которую он называл Евой. С Фернандой Пикассо расстался дружески, без взаимных обид и проклятий, так как Фернанда в это время уже была любовницей польского живописца Луи Маркуссиса.

Фото: Фернанда Оливье и работа Пабло Пикассо , где она изображена «Лежащая обнажённая» (1906)

Пабло Пикассо и Марсель Умбер (Ева)

О Марсель Умбер известно мало, так как она рано умерла от туберкулёза. Но её влияние на творчество Пабло Пикассо неоспоримо. Она изображена на полотне «Моя красавица» (1911), ей посвящена серия работ «Я люблю Еву», где нельзя не заметить хрупкости, почти прозрачной красоты этой женщины.

В период отношений с Евой Пикассо рисовал фактурные, сочные полотна. Но продолжалось это недолго. В 1915 году Ева умерла. Пикассо не смог жить в той квартире, где жил вместе с ней, и переехал в маленький дом в предместье Парижа. Некоторое время он жил уединённой, затворнической жизнью.

Фото: Марсель Умбер (Ева) и работа Пабло Пикассо , на которой она изображена, — «Женщина в сорочке, лежащая в кресле» (1913)

Пабло Пикассо и Ольга Хохлова

Спустя некоторое время после смерти Евы у Пикассо завязывается тесная дружба с писателем и художником Жаном Кокто. Именно он приглашает Пабло принять участие в создании декораций к балету «Парад». Так, в 1917 году труппа вместе с Пикассо отправляются в Рим, и эта работа возвращает художника к жизни. Именно там, в Риме, Пабло Пикассо знакомится с балериной, полковничьей дочерью Ольгой Хохловой (Пикассо называл её «Коклова»). Выдающейся балериной она не была, ей недоставало «высокого горения» и выступала она преимущественно в кордебалете.

Ей минуло уже 27 лет, не за горами был конец карьеры, и она достаточно легко согласилась оставить сцену ради брака с Пикассо . В 1918 году они обвенчались. Русская балерина делает жизнь Пикассо более буржуазной, пытаясь превратить его в дорогого салонного художника и примерного семьянина. Она не понимала и не признавала . А так как живопись Пикассо всегда была связана «с музой во плоти», что имелась у него на данный момент, он вынужден был отойти от кубистической стилистики.

В 1921 году у супругов родился сын Паоло (Поль). Стихия отцовства временно захлестнула 40-летнего Пикассо , и он без конца рисовал жену с сыном. Однако рождение сына уже не могло скрепить союз Пикассо и Хохловой, они всё более отдалялись друг от друга. Дом они поделили на две половины: Ольге было запрещено посещать мастерскую мужа, он же не наведывался в её спальни. Будучи женщиной исключительно порядочной, Ольга имела шансы стать доброй матерью семейства и осчастливить какого-нибудь почтенного буржуа, но с Пикассо она «не справилась». Остаток жизни она провела в одиночестве, страдая депрессиями, мучаясь ревностью и злобой, но оставалась законной женой Пикассо до своей смерти от рака в 1955 году.

Фото: Ольга Хохлова и работа Пабло Пикассо , где она изображена «Портрет женщины с горностаевым воротником» (1923)

Пабло Пикассо и Мари-Терез Вальтер

В январе 1927 года Пикассо повстречал 17-летнюю Мари-Терез Вальтер. На предложение поработать для него моделью девушка не отказалась, хотя о художнике Пабло Пикассо никогда не слыхала. Через три дня после знакомства она уже стала его любовницей. Пикассо снял для неё квартиру неподалёку от собственного дома.

Пикассо не афишировал свои отношения с несовершеннолетней Мари-Терез, но полотна его выдавали. Самая знаменитая работа этого периода — «Обнажённая, зелёные листья и бюст» — вошла в историю как первое полотно, проданное дороже, чем за 100 миллионов долларов.

В 1935 году Мари-Терез родила дочь Майю. Пикассо пробовал получить у жены развод, чтобы жениться на Мари-Терез, но эта попытка не увенчалась успехом. Отношения Мари-Терез и Пикассо продлились намного дольше, чем продолжалась их любовная связь. Даже после расставания, Пикассо продолжал поддерживать её и их дочь деньгами, а Мари-Терез надеялась, что он, любовь всей её жизни, в конце концов женится на ней. Этого не случилось. Спустя несколько лет после смерти художника Мари-Терез повесилась в гараже своего дома.

Фото: Мари-Терез Вальтер и работа Пабло Пикассо , на которой она изображена, — «Обнажённая, зелёные листья и бюст» (1932)

Пабло Пикассо и Дора Маар

1936 год ознаменовался для Пикассо знакомством с новой женщиной — представительницей парижской богемы, фотографом Дорой Маар. Это произошло в кафе, где девушка в чёрных перчатках играла в опасную игру — стучала острием ножа между расставленными пальцами. Она поранилась, Пабло попросил её окровавленные перчатки и сохранил их на всю жизнь. Так, с крови и боли начались эти садомазохистские отношения.

Впоследствии Пикассо говорил, что запомнил Дору, как «плачущую женщину». Он находил, что слёзы чрезвычайно идут ей, делают её лицо особенно выразительным. Временами художник проявлял по отношению к ней феноменальную нечуткость. Так, однажды, Дора пришла в слезах к Пикассо сказать о смерти своей матери. Не дав ей договорить, он усадил её перед собой и начал писать с неё картину.

В период отношений Доры и Пикассо произошла бомбардировка фашистами города Герника — культурной столицы Басконии. В 1937 году появилось на свет монументальное (3х8 метров) полотно — обличающая нацизм знаменитая « ». Опытный фотограф Дора зафиксировала различные этапы работы Пикассо над картиной. И это помимо множества фотопортретов мастера.

В начале 1940-х годов «тонкая душевная организация» Доры перерастает в неврастению. В 1945 году, опасаясь нервного срыва или самоубийства, Пабло отправляет Дору в психиатрическую лечебницу.

Фото: Дора Маар и работа Пабло Пикассо , на которой она изображена, — «Плачущая женщина» (1937)

Пабло Пикассо и Франсуаза Жило

В начале 1940-х годов Пабло Пикассо познакомился с художницей Франсуазой Жило. В отличие от других женщин, ей удалось «держать оборону» целых три года, после чего следовал 10-летний роман, двое общих детей (Клод и Палома) и полная простых радостей жизнь на побережье.

Но Пикассо не мог предложить Франсуазе ничего большего, чем роль любовницы, матери его детей и модели. Франсуаза же хотела большего — самореализации в живописи. В 1953 году она забрала детей и уехала в Париж. Вскоре она выпустила книгу «Моя жизнь с Пикассо », по которой был снят фильм «Прожить жизнь с Пикассо ». Таким образом, Франсуаза Жило стала первой и единственной женщиной, которую Пикассо не раздавил, не сжёг.

Фото: Франсуаза Жило и работа Пабло Пикассо , на которой она изображена, — «Женщина-цветок» (1946)

Пабло Пикассо и Жаклин Рок

После ухода Франсуазы у 70-летнего Пикассо появилась новая и последняя любовница и муза — Жаклин Рок. Поженились они только в 1961 году. Пикассо было 80 лет, Жаклин — 34. Жили более, чем уединённо, — во французской деревне Мужен. Бытует мнение, что именно Жаклин не жаловала посетителей. Даже дети не всегда допускались на порог его дома. Жаклин поклонялась Пабло , как богу, и превратила их дом в подобие личного храма.

Это было именно тем источником вдохновения, которого не хватало мастеру с предыдущей возлюбленной. 17 из 20-ти прожитых с Жаклин лет он не рисовал никаких других женщин, кроме неё. Каждая из последних картин Пикассо — это уникальный шедевр. И очевидно, что стимулировала гений Пикассо именно молодая жена, обеспечивая старость и последние годы художника теплом и самоотверженной заботой.

Умер Пикассо в 1973 году — на руках Жаклин Рок. В качестве памятника на могилу установили его скульптуру «Женщина с вазой».

Фото: Жаклин Рок и работа Пабло Пикассо , на которой она изображена, — «Обнажённая Жаклин в турецком головном уборе» (1955)

По материалам:

«100 человек, изменивших ход истории. Пабло Пикассо ». Выпуск №29, 2008

А также, http://www.picasso-pablo.ru/

У Пабло Пикассо огромное творческое наследие. Как-то он признался, что в небогатые времена отапливал своими работами комнату, в которой проживал. Его работы — это десятки, если не сотни тысяч полотен, о которых в точности не знают даже профессиональные исследователи творчества художника и биографы.

Но, как говорится, короля играет свита, и у любого мастера есть основное ядро произведений, которые являются лучшими в его творчестве. Именно они — гордость государственных и частных коллекций, лакомый кусок для музейных грабителей. Они занимают достойное место в каталогах и справочниках по изобразительному искусству, их изучают в школах и высших учебных заведениях, они — достояние культуры всего человечества. Каждый знает знаменитую «Гернику» и «Девочку на шаре», но не всякий слышал об остальных, не менее уникальных шедеврах великого мастера, который опередил свое время, создал особый стиль, поменял мировоззрение.

«Первое причастие». Картина была создана в 1896 году для Выставки изящных искусств по совету отца Пикассо. Пятнадцатилетний Пабло воспользовался студией, а также реквизитом своего преподавателя — Гарнело Альда, который специализировался на живописи академического жанра.

Произведение не завоевало премий, и не было продано, но юному художнику поручили написать несколько картин религиозного содержания для женского монастыря в Барселоне. В июле 1909 года картины сгорели вследствие антиклерикального и антимилитаристского восстания в Каталонии.

Пикассо не отличался особой набожностью, но в его ученических работах периода 1895-1896 годов присутствуют сюжеты из жизни Христа (Распятие, Тайная вечеря, Трапеза в Эммаусе), немало изображений святых (св. Петр, св. Себастьян, св. Антоний Падуанский), Благовещение.

Изучая иконографические схемы и средства выразительности мастеров прошлого, Пикассо формирует свой индивидуальный стиль и манеру изображения.

«Любительница абсента». Картина написана в 1901 году, это период (1900-1904), когда мастер много ездит по маршруту Барселона-Париж. В это время его полотна выражают одиночество и неустроенность, опустошенность и потерянность. Кроме того, художник поддается традиции изображать несчастного, одинокого посетителя кафе, пьющего абсент — этот мистический напиток, который погружает человека в мир своеобразных фантазий и удивительных галлюцинаций.

«Любительнице абсента» присущ обостренный драматизм, который выражается в изображении гипертрофированной кисти правой руки. Женщина как будто пытается защитить себя от всего в этом неуютном мире.

Пикассо написал не одну картину на тему абсента. В июне 1901 года мир увидел «Любительницу абсента» с кусочком сахара в руках. Осенью того же года было создано полотно под названием «Аперитив», или (по данным архива Канвейлера), «Женщина с бокалом абсента». Именно эту работу купил Сергей Иванович Щукин, а позже собрал в своей коллекции 51 произведение всемирно известного мастера. После революции его собрание разошлось по фондам Эрмитажа и ГМИИ.

«Две сестры». Полотно было создано в 1902 году, в период, когда Пикассо посещает приюты, психиатрические больницы, лечебницы. Таким образом он ищет персонажи своих картин. Наброски к этому произведению мастер делает в Сен-Лазар — больнице для проституток в Париже.

«Две сестры» — это встреча монахини и проститутки. В почти обнимающихся фигурах — молчаливое согласие, печаль страдания, всепрощение и нежность. Картина являет собой равновесие, — два женских силуэта на голубом фоне. Одеяния обеих женщин — того же цвета. Это мир безмолвия, символ боли и одиночества.

«Девочка на шаре». Картина была создана в 1905 году, и является переходом от «голубого периода» в творчестве мастера к «розовому». Полотно построено на контрастах, наполнено внутренним драматизмом. Фон картины — это унылый пейзаж, выжженная солнцем земля, на которой пасется одинокая лошадь; женщина с ребенком, идущая куда-то, холмистая местность, проселочная дорога… Постоянство, которое будет оставаться неизменным еще очень долгое время.

Контрастом фону служат бродячие артисты, жизнь которых — всегда в движении, всегда в толпе. Безмолвие заднего плана заканчивается с приездом циркачей, несущих с собой атмосферу веселья и шумной радости.

Реквизит артистов — шар и куб — также обыгрывается художником как противопоставление устойчивости, постоянства — движению, изменчивости. Гибкость, грация девочки, удерживающей равновесие, и застывший атлет, который слился со своим постаментом.

Нежные розовые, жемчужные тона, новизна и ощущение наполненности, воздушности, легкости, подчеркиваются красочным штрихом — ярким красным цветком в волосах девочки-гимнастки. Это практически единственное яркое пятно, которое обращает на себя внимание среди пастельно-спокойных цветов картины.

«Авиньонские девицы». Полотно было написано в 1907 году и ознаменовало собой новый творческий этап в жизни Пикассо. Парижская богема приняла «Девиц» не однозначно. А. Матисс усмотрел в этом произведении ключ к новому развитию изобразительного искусства, приревновал, а потому отошел к тем, кто был против картины. Жорж Брак, наоборот, настолько восхитился картиной, что она вдохновила его на создание своей «Обнаженной».

История написания полотна тесно связана с личным кризисом отношений мастера и Фернанды Оливье — они девять лет вместе, Пикассо начинает тяготиться этими отношениями, и решает проверить чувства альтернативными связями.

В картине нет сюжетности, она наполнена неким мистическим смыслом.

Своим названием полотно обязано Анре Сальмону — поэту и близкому другу Пикассо.

«Портрет Амбруаза Воллара». Картина была создана в 1910 году и представляет собой портрет в стиле кубизма.

Пикассо изобразил одного из самых уважаемых торговцев произведениями искусств в Париже. В конце XIX, начале XX вв. Воллар финансово и морально поддерживал уже известных и только начинающих художников, среди которых были: Гоген, Майоль, Сезанн, Пикассо, ван Гог. Для Пикассо он организовал первую выставку.

После автокатастрофы, в которой Воллар погиб, его коллекция разошлась по дальним родственникам, а большая ее часть была разграблена в годы войны. «Портрет Амбруаза Воллара» считается лучшей картиной периода кубизма в творчестве Пикассо.

«Две женщины, бегущие по пляжу». Полотно было создано в 1922 году и относится к реалистическому периоду творчества Пабло Пикассо. Неоклассицизм мастера — это обращение к классическим сюжетам и в то же время собственная интерпретация видения. Женщины, изображенные художником, отнюдь не тонкостанные, легкие нимфы. Это, скорее, крестьянки-колхозницы, с гиперболизированными частями тела, грузными, мощными ногами и руками. Изображение мастера экспрессивно и искажено, доминантой в нем выступает идея монументальных размеров. Реальность искривляется и изменяется, но в то же время никогда не отталкивается.

В 1924 году это изображение появится на занавесе к постановке балета «Le Train Bleu». Реалистический период в творчестве Пабло Пикассо обусловлен многими факторами. Это чувства и женитьба на Ольге Хохловой, которой хотелось иметь свой портрет, написанный мужем только в узнаваемой, классической манере, и поездка в Рим, где античные статуи, культ тела, идеальность и безупречность форм являлись основой классицизма — монументальным и материальным, ну, и, конечно же, собственные ощущения и настроения художника.

«Герника». Полотно было создано в 1937 году и является самым объемным (3,5 × 7,8 м), а также наиболее известным. История, изображенная на картине — реальные события — бомбардировка баскского городка Герника фашистской авиацией. Из 5 тысяч населения погибло 2 тысячи мирных жителей.

Картина «Герника» будет написана в рекордные сроки — менее чем за 1 месяц, а ее основные образы — мать с мертвым ребенком на руках, растерзанная лошадь, поверженный всадник, бык, женщина со светильником — определятся в первые дни работы, когда мастер будет стоять у холста более 12 часов. Кажется, что Пикассо давно задумал нечто подобное, и потому пишет картину столь стремительно.

В середине 1937 года картину выставили в Париже, на Всемирной выставке, но она не произвела должного впечатления ни на простых посетителей, ни, даже, на некоторых специалистов. Ле Корбюзье, французский архитектор, отмечал, что «Герника» видела, в основном, только спины. Но, тем не менее, было много тех, кому понравилась картина, и кто увидел в ней весь ужас войны.

Абстрактная форма исполнения только улучшает восприятие, а трагические, истерзанные образы, подчеркивают ненависть фашизма ко всему живому. Глядя на это полотно, кажется, что слышен звук разрывающихся бомб, нечеловеческий крик, стоны, плачь и проклятия. Это символ гнева и боли, предостережение будущим поколениям.

Художник Пабло Пикассо родился в Испании в семье искусствоведа Хосе Руиса в 1881 году. Хосе Руис увлекался живописью, но как только понял, что в семье растет гений, отдал кисти и краски юному Пабло и стал его первым учителем. В 13 лет Пикассо поступил в Барселонскую академию художеств, затем — в академию «Сан-Фернандо» в Мадриде.

После учебы Пабло Пикассо переезжает в Париж. Именно во Франции испанский художник написал свои лучшие работы. Творческая биография Пабло Пикассо разделяется на несколько этапов.

Голубой период . Картины этого периода выполнены, в основном, в холодных сине-зеленых тонах. Герои — старики, бедные матери и дети. Сам художник в это время беден и несчастен.

Розовый период . Картины становятся более жизнерадостными, в них преобладают розовые и оранжевые тона. В этом период в жизни Пабло Пикассо появляется Фернанда Оливье — возлюбленная и муза.

Африканский период . Отход от изображения конкретного человека, появляются африканские мотивы.

Кубизм . Предметы, изображенные на картинах, как бы построены из кубиков. Искусствоведы не приняли кубизма, но картины замечательно продаются.

Неоклассицизм . Цвета становятся ярче, образы — четче. Первая женитьба на балерине Ольге Хохловой, рождение сына.

Сюрреализм . Четкий отпечаток на творчестве семейных проблем: серия портретов женщины-чудовища с уродливыми половыми признаками. Новая любовь, рождение дочери. Увлечение скульптурой.

Пабло Пикассо: художник, миллионер, долгожитель.

После войны Пабло Пикассо встречает Франсуазу Жило, у них рождается двое детей. Франсуаза — «женщина-цветок» в творческой и личной судьбе художника. В 1949 году Пабло Пикассо создал знаменитого «Голубя мира».

В 80 лет Пикассо женится на Жаклин Рок, которая стала его последней музой и ухаживала за ним вплоть до самой смерти. Пабло Пикассо умер в 1973 году, прожил 92 года и создал более 80 тысяч работ.

О Пабло Пикассо слышали все. Это не только известный испанский художник, но и скульптор, график, керамист, театральный художник, поэт и драматург. Его имя, данное при крещении, состоит из 23 слов — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис Клито Пикассо. Говорят, что он назван так в честь нескольких святых и родственников. Свой редкий талант Пабло проявил в нежном возрасте 10 лет, когда он закончил свою первую картину под названием «Желтый пикадор», на которой изображен человек верхом на лошади во время корриды. За свою жизнь Пабло Пикассо написал много шедевров, которые до сих пор заставляют мир благоговеть. В нашем списке мы перечислили самые знаменитые.

✰ ✰ ✰
10

Старый гитарист

Картина была написана в 1903 году после того, как друг Пикассо, Карлос Касагемас покончил жизнь самоубийством. В это время с пониманием художник относится к оступившимся, униженным судьбой и бедностью. Это полотно было создано в Мадриде, и используемый искаженный стиль напоминает Эль Греко. Здесь изображен изогнутый слепой человек, который держит большую коричневую гитару. Коричневый цвет выходит за рамки общей цветовой гаммы картины. Не только фактически, но и символически гитара заполняет все пространство вокруг старика, который, кажется, не обращая внимания на слепоту и бедность, полностью отдался музыке.

✰ ✰ ✰
9

Девушка перед зеркалом

На написанной в марте 1932 года картине мы видим образ французской любовницы Пикассо, Марии Терезы Вальтер. Стиль этой картины называется кубизм. Идея кубизма — взять объект, разбить его на более простые части, а затем, исходя из нескольких точек зрения, воссоздать те самые части на холсте. В «Девушке перед зеркалом» можно рассмотреть образ тщеславия. Картина на первый взгляд кажется довольно простой, но если присмотреться, то можно найти различные глубокие символы на всех частях картины.

✰ ✰ ✰
8

Герника

Возможно, это одна из самых известных картин Пикассо. Это не просто обычная картина, а еще и сильное политическое заявление. Здесь художник критикует бомбардировки баскского города Герника, проведенные нацистами во время гражданской войны в Испании. Картина размером 3,5 м в высоту и 7,8 м в длину представляет собой мощный обвинительный акт против войны. Используемый стиль живописи представляет собой сочетание в черно-белых тонах пасторали и эпоса. «Герника» — скрупулезное изображение трагедий войны и страданий мирных жителей.

✰ ✰ ✰
7

Три музыканта

Название картины заключает в себе название серии, которая была завершена Пикассо в 1921 году в Фонтенбло недалеко от Парижа. Это довольно большая картина по размеру – ширина и высота ее более 2 метров. Здесь используется синтетический стиль кубизма, который превращает художественное произведение в последовательность плоскостей, линий и дуг. На каждой картине под этим названием изображен Арлекин, Пьеро и монах. Считается, что этими тремя символическими героями являются сам Пикассо, Гийом Аполлинер и Макс Жакоб, соответственно. Аполлинер и Жакоб были очень хорошими друзьями Пикассо в течение 1910-х годов. Некоторые историки, однако, считают, что «Три музыканта» — это запоздалый ответ Пикассо Матиссу и его «Уроку фортепиано».

✰ ✰ ✰
6

Сидящая женщина. Мария Тереза Вальтер

Как и «Герника», это произведение искусства тоже создано в 1937 году. Музой Пикассо была Мария Тереза Вальтер, и он создал множество ее спокойных образов. Многие считают, что эта картина напоминает королеву из колоды игральных карт – такую образность часто проектируют с помощью полос. Работа также выполнена в стиле кубизм наряду с поляризацией красного и зеленого цветов.

✰ ✰ ✰
5

Дора Маар с кошкой

На картине, которая была написана Пикассо в 1941 году, его хорватская любовница изображена сидящей на стуле с маленькой кошкой на плече. За время отношений с Дорой Маар, которые длились десять лет, Пикассо рисовал ее портреты много раз. Сама Дора была фотографом-сюрреалистом. Эта картина считается одним из наименее агрессивных изображений Доры Маар, а также одной из самых дорогих картин в мире. В композиции Пикассо проявил исключительное внимание к деталям, многие из которых символичны.

✰ ✰ ✰
4

Голубая обнаженная

«Голубая обнаженная» является одним из самых ранних шедевров Пикассо. Она была написана в 1902 г. Эта картина из голубого периода Пикассо. В это время Пикассо использовал бледный, холодный синий цвет в качестве доминирующего цвета в его картинах и эскизах. В большинство его картин во время голубого периода с помощью одного цвета отражены сильные эмоции. «Голубая обнаженная» сидит к нам спиной в позе эмбриона. Картина не предлагает никакого подтекста, и ее эмоции не ясны.

✰ ✰ ✰
3

Авиньонские девицы

Этот шедевр написан в 1907 году и является одним из наиболее типичных примеров кубизма в живописи. Картина выходит за рамки традиционной композиции и подачи. Пикассо инновационно использует искаженные женские тела и геометрические формы. Ни одна из фигуры не изображена с традиционной женственностью, и женщины кажутся слегка угрожающими. Пикассо потребовалось девять месяцев, чтобы завершить это полотно. Эта картина также отражает влияние африканского искусства.

✰ ✰ ✰
2

Обнаженная, зеленые листья и бюст

Написанная в 1932 году, картина опять изображает любовницу Пикассо, Марию Терезу Вальтер. Полотно размером около полутора метров в длину и высоту было завершено в течение одного дня. Эта картина считается одним из самых больших достижений Пикассо в межвоенный период. Она порождает иллюзии и считается весьма сексуальной.

✰ ✰ ✰
1

Плачущая женщина

Холст, написанный маслом, «Плачущая женщина» создан Пикассо в 1937 г. Считается, что эта картина является продолжением темы трагедии, которая изображена в Гернике. Рисуя плачущую женщину, Пикассо непосредственно сосредоточился на человеческом аспекте страдания и создал уникальный универсальный образ. Эта картина завершала серию, которую Пикассо нарисовал в знак протеста. Моделью для картины (как и для всей серии) была Дора Маар, которая работала профессиональным фотографом.

✰ ✰ ✰

Это были самые известные картины Пабло Пикассо. Спасибо за внимание.

Знаменитые картины Пабло Пикассо — картины Пикассо с названиями и описаниями: работы, ТОП 10

Пабло Пикассо ставят на одну ступеньку с великими художниками XX века. Разноплановый и уникальный в своей манере, он считается вдохновителем и создателем кубизма. Он оставил миру около сотни тысячи работ, включая рисунки, скульптуру и керамику. Его произведения искусства хранятся во многих музеях мира. Картины – одни из самых дорогих и часто похищаемых.

Биография Пабло Пикассо

Ниже представлены знаменитые и известные картины Пикассо с названиями и кратким описанием.

Картина: «Любительница абсента» (1901 г.) Холст, масло. 73 × 54

Наряду с другими пятьюдесятью полотнами испанского художника, приобретенными российским эмигрантом Сергеем Щукиным, картина хранится в Эрмитаже. Именно он стал одним из первых щедрых покупателей Пикассо и помог ему выбраться из нищеты. По мнению искусствоведов, картина открывает «голубой период» творческой деятельности Пикассо, наполненного драматическими событиями в его жизни. Вокруг работы до сих пор не утихают споры, а в Париже на рубеже веков, она вообще шокировала многих. Не только манерой исполнения, смешением красок, но и эмоциональной напряженностью, в которую погружал зрителей художник.

«Старый гитарист» (1903 г.) Холст, масло. 121,3 × 82,5 см

Эта картина оказалась первой из произведений художника, которую приобрел музей. С 1926 года она хранится в Чикаго. Пикассо написал ее в возрасте 22-х лет, после того, как его друг застрелился из-за несчастной любви. Можно было б назвать ее «Слепой музыкант», но художник сделал акцент на старости, в которой единственной отдушиной является творчество. Инструмент он подчеркнул другим цветом в мире грязно-голубого: оттенка, характеризующего бедность и отсутствие надежд. Старика он нарисовал поверх другой работы: кормящей матери, контуры которой можно заметить на холсте.

«Девочка на шаре». (1905 г.) Холст, масло. 147 × 95 см.

Начало оживления жизни. Розовый цвет становится на два года главным в творчестве Пикассо. Он написал несколько произведений на тему бродячего цирка, которым был увлечен. В 1913 году ее приобрел коллекционер и потомок Саввы Морозова у писательницы Гертруды Стайн, которая открыла для молодого художника двери в богемную жизнь. Она была не только его другом, но и покровителем, покупая его картины за небольшие деньги. Ивану Морозову она продала картину за 13 тысяч франков. Работа хранится в Пушкинском музее, куда она попала из национализированной коллекции Морозовых.

«Мальчик с трубкой» (1905 г.) Холст, масло. 100 × 81 см.

Рекордсменка по стоимости в 2004 году, картина была куплена частным лицом с аукциона за $104 млн у коллекционера, американского посла в Великобритании. Его семья хранила работу более полувека, заработав на ней $74 млн.

Пикассо писал картину в общежитии молодых художников, куда частенько заглядывал подросток, изображенный в венке из роз. Эта деталь пришла в голову художника после мучительных размышлений о том, чем завершить работу.

Ранние картины художника практически все находятся в музеях, так что эта стала редким исключением. Имя частного коллекционера, купившего ее, не разглашается из-за опасений воровства.

«Авиньонские девицы» (1907 г.) Холст, масло. 244 × 234 см

Известна как одно из первых проявлений кубизма в творчестве художника. Обнаженные тела лишены им гибкости умышленно, а по их позам не трудно догадаться, что девушки списаны с обитательниц борделя, куда частенько наведывался автор.

В ней четко виден переход мастера с его увлечения голубым и розовым в африканский период, который вскоре перечеркнул новый жанр. Почти год работы. С этого времени Пикассо узнаваем: фишка, хоть и не понравилась публике и критике, но стала визитной карточкой для художника, а впоследствии послужила отправной точкой для целого направления в искусстве.

С ней художник расстался в 1920 году. Через семнадцать лет мир впервые увидел эту работу, а вскоре ее приобрел музей Нью-Йорка.

«Три музыканта» (1921 г.) Холст, масло. 200 × 222 см

Пикассо был женат на русской балерине Ольге Хохловой и его жизнь, наконец-то утопала в роскоши, когда он писал эту картину.

Никогда не признававший рамки и условности, он и в творчестве старался расширять границы. Картина относится к синтетическому кубизму – очередной самобытной манере художника.

Он изобразил вполне конкретных людей, зашифрованных в символах: это друзья Гийом Аполлинер и Макс Жакоб – свидетели на его свадьбе. Третий персонаж, который с гитарой – сам Пабло. Пьеро уже умер, Монах отрекся от мира, а Арлекин прощается с беззаботностью.

Картина хранится в музее современного искусства в Нью-Йорке.

«Обнажённая, зелёные листья и бюст» (1932 г.) Холст, масло. 162 × 130 см

С 1936 года дважды менялись ее владельцы. Пока она не была выставлена на аукцион. С него в 2010 году «Обнаженная…» ушла за $106,5 млн неизвестному частному лицу.

Еще одна рекордсменка по стоимости, как и многие работы Пикассо.

Ее писал художник тайно от своей жены с Марии Терезы Вальтер, молоденькой возлюбленной, подарившей ему дочь. Художнику было 46 лет, и начало романа было многообещающим.

Существует более полусотни ее портретов и скульптурных бюстов. Эта картина была написана всего за сутки в его сюрреалистической манере.

Вдохновение придает и подготовка к очередной выставке, посвященной 50-летию именитого художника. Он хочет превзойти своего конкурента и друга Матисса, который также намерен поразить публику своими выставочными работами.

«Герника» (1937 г.) Холст, масло. 349 × 776

Самая узнаваемая и трагическая картина, а также самая масштабная по смыслу и размеру. Известны антифашистские взгляды Пикассо, ее вступление в коммунистический союз Франции и смелый ответ нацистам, которые пришли в его мастерскую с обыском и все там перевернули. Один из них спросил, глядя на огромное полотно, сделал ли эту работу именно Пикассо. На что он ответил: «Нет, сделали это вы».

Герника – название городка на родине художника, которое стерла с лица земли немецкая авиация вместе с жителями. Боль, страдания, ужас войны – Пикассо работал над этой объемной картиной месяц.

Все это время его вдохновляла новая возлюбленная Дора Маар. Она же сняла весь процесс работы на фотоаппарат, и эти кадры облетели весь мир.

Картина выставлялась в основном в Америке, только в 1981 году переехала в музей Мадрида.

«Дора Маар с кошкой» (1941 г.) Холст, масло. 128 × 95 см.

Картина хранится у частного лица в Грузии. Миллионер приобрел ее за более $100 млн в 2006 году.

На ней изображена та самая Дора, с которой судьба свела художника на семь лет. Роман был ярким как комета, а закончился ее психическим расстройством. Она никогда не позировала, но ее образ запечатлен во многих портретах. В последние годы их отношений – улыбку на холсте сменили слезы. Плачущая Дора – персонаж целой серии его работ. Но эта дама в шляпке вполне энергична, уверена и чувствует себя победительницей. Черная кошка на плече демонстрирует ее независимый характер.

Сочетание цветов помогает зрителю погрузиться в настроение, разгадывая символы.

«Алжирские женщины. Версия O» 1955 г. Холст, масло. 114 × 146,5 см.

Эта картина побила все рекорды, когда ее купили два года назад за сто семьдесят девять миллионов долларов!

Причем она стала не только хитом творчества Пикассо, но возглавила список самых дорогих картин. Кто выложил за нее баснословную сумму – не раскрывается, но некоторые уверяют, что она была куплена по просьбе экс-министра Катара.

Пикассо создал несколько версий, но знаменитой стала последняя, с инициалом «О».

Образы женщин – собирательные с полотен Делакруа, Ренуара, Матисса. Хотя в одной из них некоторые искусствоведы видят последнюю возлюбленную художника Жаклин Рок.

Что Вы думаете о творчестве и работах Пикассо? Пишите в комментариях!

Это «уродливое» искусство: for_artaddicted — LiveJournal

Во все времена женскую красоту воспевали и ей же вдохновлялись поэты, художники, люди творческие и не совсем.

В первой половине 20 века, с появлением новых направлений в живописи таких как экспрессионизм, кубизм, абстракционизм и сюрреализм, художники стали «баловаться» с фигуративной живописью, что привело к искажению форм, пропорций, вплоть до неузнаваемости лиц и фигур.

Если говорить об искусстве с эстетической точки зрения, а не как о стилистических направлениях, изменилось отношение к красоте в изначальном ее проявлении.

Воспетая когда-то классиками женская красота абсолютно деформировалась. В ней стали искать изъяны, над ней начали потешаться. Художники перестали идеализировать красоту женщин, более того стали показывать их такими какие они есть, «во всей красе».


Знаменитый любитель подшутить над пропорциями тела и даже в некотором смысле продемонстрировать изъяны, — Пабло Пикассо (1881-1973) и его серия картин.

Тонко прорисованный, колоритный бюст женщины, изображенной в профиль. 

Pablo Picasso, Buste de femme, 1907.

Вот, еще одна удивительно задумчивая и грациозная особа, и снова в профиль.

Pablo Picasso, La Liseuse, 1920.

К слову, у Пикассо была целая серия схожих работ с однотипными названиями и изображениями на них.

Picasso. La Pisseuse. 16 avril 1965. Picasso. Две женщины, бегущие по пляжу. 1922.

Смотря на подобные картины я всегда задумываюсь над тем, что предшествовало такой интерпретации? Любовь к изъянам? К несовершенствам? Либо принятие женщины такой, какая она есть?

Как сильно художник должен восхищаться женской красотой, чтобы так честно и открыто продемонстрировать ее «уродство»?


Говоря о Пикассо невозможно не вспомнить его серию  картин «Купальщицы».

Симметрично построенная  композиция, отцентрированная обнаженным торсом мужчины, разделяющим ее на две части. В центре картины Пикассо изобразил свой автопортрет, искусно уменьшив свой рост по сравнению с другими купальщицами.

Идея «маленького человека» в сопоставлении себя рядом с  гипертрофированно увеличенными по размерам женщинами, изображенными по обеим сторонам от него.

Pablo Picasso. Купальщик и купальщицы. 1920-1921.

Испанский художник и скульптор Жоан Миро (1893-1983) также не отстал от тогдашнего течения. Его направление — абстрактное искусство, близкое к сюрреализму.

«Интерьер» Миро поистине достойный внимания шедевр.

Joan Miro. Interieur, juillet 1922 — printemps 1923.

Женщина, изображенная на картине, скорее всего кухарка. Озадаченное лицо и абсолютная диспропорция длины рук к длине ног, говорит о ее сложном бытие и непосильной тяжелой ноше в виде кошки и кролика, с которыми она удосужена уживаться в четырёх углах.

Как человек, повидавший огромное количество предметов искусства, с эстетическим взглядом на жизнь, мне при первом взгляде на работу бросаются в глаза крупные ступни ног. Проще представить стандартные пропорции тела.

Согласитесь, так было бы лучше.


После увиденного вспоминаются идеалы женской красоты в лучшем ее проявлении. Перед глазами встают сотни портретов классиков, живописцев эпохи Ренессанса,  прерафаэлитов, ценителей красоты. 

«Золотое сечение» Леонардо до Винчи, в конце концов, как краеугольный камень идеала человеческой  красоты.

Витрувианский человек. Леонардо да Винчи. 1490-1492.

Согласно теории «Витрувианского человека» Леонардо только идеальные пропорции тела человека позволяют позицию с разведенными ногами и руками вписать в круг, а с разведенными руками и сведенными ногами — в квадрат.

Леонардо да Винчи. Джоконда. 73 * 53 cm. 1503.

«Джоконда», она же «Мона Лиза» кисти Леонардо да Винчи, — наглядный пример идеальных пропорций, согласно теории «Золотого сечения лица». 

Согласно ей, расстояние от подбородка до носа составляет 1/3 длины всего лица, от линии волос до бровей составляет 1/3 длины лица, от кончика носа до линии бровей составляет 1/3 лица.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 54 * 39 cm. 1489 — 1490.

По мнению Леонардо и теории «Золотого сечения» именно так выглядят идеальные пропорции лица.


Немецкий художник-экспрессионист Отто Дикс (1891-1969) известен как автор эмоционально напряженных картин. 

В нацистской Германии его живопись отнесли к «дегенеративному искусству». Художник был вынужден тайно писать свои работы, уехав в деревню. 

Свое отношение к авангардному искусству Гитлер выразил в книге «Mein Kampf». Идеологическая дискредитация, запрет, прямые репрессии против создателей подобной живописи и уничтожение всяческих образцов «дегенеративного искусства». 

Otto Dix, Silvia von Harden, 1926.

Влияние феминизма, извращенная женственность в ее неправильном проявлении, свободные «американские» взгляды на  жизнь,  — как результат эмансипация женщины и известный всему миру «Портрет журналистки Сильвии фон Харден» Отто Дикса.

Вульгарная поза, преувеличенно длинные пальцы рук, короткая стрижка, оттопыренный подбородок, неправильный прикус, дымящая сигарета и клетчатое платье, — шокирующая картина  даже для современного общества.


Подведя итог, хочется верить, что такое гипертрофированно деформированное искусство и непропорциональность существует только на полотнах и в фантазиях художников. Сложно представить в жизни подобные параллели.

Все-таки женщина должна оставаться женственной. 

Согласитесь, это важно.


*Текст в блоге авторский. Публикация данной статьи без моего разрешения запрещена.

Описание картины пабло пикассо «столик в кафе»

Пабло Пикассо: картины как иллюстрация жизненного пути :

Если мы зададимся вопросом, кто из художников ХХ века является основоположником и квинтэссенцией современного изобразительного искусства, то ответ напрашивается один — Пабло Пикассо. Картины этого гения являются гордостью ведущих музеев мира. Все полотна мастера – а их несколько десятков тысяч! – знают разве что его биографы.

Время от времени из частных коллекций на лоты аукционов попадают еще неизвестные широкой публике работы художника. Вместе с тем, каждый уважающий себя человек видел (хотя бы в иллюстрациях) «Девочку на шаре», «Бег» и «Гернику». Что ж, давайте расширим свои горизонты и познакомимся поближе с известными полотнами мастера.

Ниже вы увидите фото, демонстрирующие некоторые картины Пабло Пикассо, с названиями которых связан творческий путь художника.

Эволюция собственного стиля

Родившийся в 1881 году Пабло Диего Хосе должен был бы по отцу носить фамилию Руис. Но мальчик с раннего детства хотел отличаться от своего предка-художника. А потому избрал фамилию матери – Пикассо. Талант у юного художника проявился рано.

Когда мальчик достиг семилетнего возраста, отец поручил ему дописывать фрагменты своих картин (например, лапки голубей). Когда Пабло исполнилось тринадцать, он написал натюрморт. Техника исполнения так потрясла отца, что он бросил рисовать. Все средства он тратил на то, чтобы дать сыну самое лучшее образование.

Пабло учился в Барселоне, Мадриде, неоднократно ездил в Париж, где посетил все музеи. В 1902 году его друг совершил суицид. Под впечатлением смерти начался «голубой период» в творчестве Пабло Пикассо. Картины его полны меланхолии. В основном затрагиваются темы смерти, печали.

В этом стиле написаны полотна «Любительница абсента», «Свидание», «Нищий с мальчиком», «Трагедия». В удлиненных пропорциях героев прослеживается влияние Эль Греко.

«Розовый период»

Поселившись на Монмартре, Пабло Пикассо постепенно отходит от грусти и окунается в бурный и гротескный мир цирка и театра. Серо-голубая палитра постепенно сменяется розовой и охристой. Полотно «Девочка на шаре» можно назвать переходным. Оно прославило Пабло Пикассо.

Самые известные картины «розового» периода наполнены странствующими комедиантами, циркачами, гимнастами. Это «Семья акробатов с обезьянкой», «Шут», «Молодой Арлекин». В том же 1904 году художник встретил Фернанду Оливье, которая стала его первой музой. Под конец розового периода Пикассо увлекся античными мотивами.

Так появились полотна «Мальчик, ведущий коня» и «Девочка с козлом».

Африканский период

С 1906 года Пикассо трудился над портретом своей знакомой – Гертруды Стайн. Более семидесяти раз он переписывал картину, и всякий раз был неудовлетворен результатом. На следующий год художник открыл для себя удивительный и магический мир африканских масок и скульптур.

Это послужило толчком к тому, что мастер стал изображать не конкретного человека, а личность как таковую. Африканские веяния оттолкнули от Пабло Пикассо, картины которого были непонятны французским художникам начала ХХ века, многих старых друзей.

Особенно шокировало зрителей полотно «Авиньонские девицы» (1907 год). Из-за этой скандальной картины с Пикассо порвал Матисс. Художник Ж. Брак так высказался об «Авиньонских девицах»: «Складывается такое впечатление, будто нас хотели попотчевать паклей и напоить керосином».

Однако искусствоведы признают, что эта работа стало отправной точкой авангарда.

Кубизм

Это довольно длительный период в творчестве художника. Поэтому его подразделяют на несколько этапов. Первый – так называемый «Сезановский». Пикассо наследует цветовую палитру французского художника. К этому этапу относятся «Бидон и миски», «Женщина с веером». В «аналитическом кубизме» предмет изображен разбитым на несколько фрагментов.

Это портреты Амбруаза Воллара, Фернанды Оливье, Канвейлера. Период «синтетического кубизма» порождает серию натюрмортов. Пабло Пикассо, картины которого теперь представляют по большей части ноты с музыкальными инструментами, курительные трубки, бутылки вина и столовые приборы, делает упор на декоративность и контрастность.

Яркими образчиками этого этапа являются полотна «Натюрморт с плетеным стулом», «Столик в кафе», «Скрипка и гитара». Потом началась Первая мировая война, перевернувшая сознание миллионов.

Художник вернулся к неоклассицизму («Портрет жены Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Портрет сына Поля»), а затем перешел к сюрреализму («Танец», «Женщина с цветком», «Девушка перед зеркалом» и другие).

Пабло Пикассо: самые известные картины

Долорес Ибаррури однажды сказала: «Если бы Пикассо не создал за свою жизнь ничего, кроме «Герники», то и тогда его можно было бы причислить к лучшим художникам своей эпохи». Толчком к созданию картины послужила бомбардировка маленького баскского городка.

В апреле 1937 года немецкая эскадрилья под названием «Кондор», ночью бомбила Гернику. Пабло Пикассо, известные картины которого являются вызовом современным диктаторам, никогда там не бывал. Но весть о гибели Герники подействовала на него, как удар хлыста.

Гигантское полотно в черно-белых тонах было создано за месяц. Техника «кубизм» не скрывала, а только подчеркивала ужас происходящего. Черные и белые краски, словно документальные хроники, фиксируют сцены насилия.

Однажды во время обыска в доме художника нацистский офицер спросил, указывая на фотографию «Герники»: «Это вы сделали?» И на это получил самый прямой ответ. «Нет, это сделали вы!»

Источник: https://www.syl.ru/article/188344/new_pablo-pikasso-kartinyi-kak-illyustratsiya-jiznennogo-puti

Жизнь Пабло Пикассо: история гения и донжуана

Биография одного из самых известных и противоречивых людей в истории искусства

Самый известный и влиятельный художник XX века, пионер жанра кубизма и испанский экспатриант Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года.

Родители Пикассо

Пожалуй, самый известный художник, чье до нелепого длинное имя стало нарицательным, родился в октябре 1881 года в городе Малага, Испания. В семье было три ребенка — мальчик Пабло и его сестры Лола и Консепсьон. Отец Пабло, Хосе Руиз Бласко, работал профессором в школе изящных искусств. Про мать Пикассо известно очень мало: донна Мария была простой женщиной.

Однако сам Пикассо часто упоминал про нее в своих интервью. Например, он вспоминал, что мать, обнаружив его неординарный талант к вязанию, произнесла слова, которые он запомнил на всю жизнь: «Сынок, если ты пойдешь в солдаты, ты станешь генералом. Если ты уйдешь в монастырь, ты вернешься оттуда Папой».

Тем не менее, как иронично отмечал художник, «я решил пойти в художники и стал Пабло Пикассо».

© Sputnik / Сергей Пятаков

Репродукция картины «Девочка на шаре» работы Пабло Пикассо

Детство Пикассо

Несмотря на то, что школьная успеваемость Пикассо оставляла желать лучшего, он демонстрировал уникальные навыки в рисовании, и в 13 лет уже мог соревноваться с отцом.

Хосе часто запирал его в комнате с белыми стенами и решетками в качестве наказания за плохую учебу.

Со свойственной ему иронией, Пикассо позже рассказывал, что сидеть в клетке ему доставляло огромное удовольствие: «В камеру я всегда проносил тетрадь и карандаш. Я сидел на скамье и рисовал. Я бы мог там сидеть вечно, сидеть и рисовать.»

Начало творческого пути

Будущая легенда художественного искусства впервые заявила о своей претензии на гениальность, когда семья Пикассо перебралась в Барселону. В 16 лет он поступил в Королевскую Академию Святого Фернанда.

Экзаменаторы были потрясены, когда Пабло за сутки прошел вступительные испытания, рассчитанные на целый месяц. Но вскоре подросток разочаровался в местной системе образования, которая, на его взгляд, «была слишком зациклена на классике».

Пикассо начал прогуливать занятия и бродить по улицам Барселоны, попутно делая наброски зданий. В свободное время он знакомился с богемой Барселоны. В то время все известные деятели искусства собирались в кафе «Четыре Кота», где Пикассо стал завсегдатаем.

Его неподражаемая харизма заработала ему широкий круг связей, и уже в 1901 году он организовал первую выставку своих картин.

© Sputnik / В. Громов

Репродукция картины П. Пикассо «Бутылка перно (столик в кафе)»

Кубизм, синий и розовый периоды Пикассо

Отрезок между 1901 и 1904 годами известен как синий период Пикассо. В работах Пабло Пикассо тех времен доминировали мрачные синие тона, и меланхоличные темы, точно отражавшие его душевное состояние — художник пребывал в тяжелой депрессии, которая подписывала его творческие порывы. Этот период ознаменовался двумя выдающимися картинами Старый Гитарист (1903) и Жизнь (1903).

© Sputnik / Алексей Свердлов

Репродукция картины Пабло Пикассо «Нищий с мальчиком»

Во второй половине 1904 года происходит радикальная смена парадигмы его творчества. Полотна розового периода исполнены розовых и красных красок, а цвета в целом гораздо нежнее, тоньше и деликатнее. Архетип розового периода — картина La famille de saltimbanques (1905).

В жанре кубизма Пикассо работал с 1907 года. Это направление отличается использованием геометрических форм, которые дробят реальные объекты на примитивные фигуры.

«Авиньонские девицы» — первая значительная работа кубического периода Пикассо. На этом полотне лица изображенных людей видны одновременно в профиль и в анфас.

В дальнейшем Пикассо придерживался именно такого подхода, продолжая дробить окружающий мир на отдельные атомы.

© Sputnik / А. Свердлов

Картина «Три женщины» художника П. Пикассо

Пикассо и женщины

Пикассо был не только выдающимся художником, но и довольно известным донжуаном. Он был женат дважды, но имел бессчетное количество связей с женщинами самого разного уровня и нравственности.

Сам Пикассо резюмировал свое отношение к женскому полу следующим образом: «Женщины — это машины для страдания. Я делю женщин на два вида: любовницы и тряпки для вытирания ног».

Неизвестно, связано ли открытое презрение Пикассо к прекрасному полу с тем, что две из семи самых важных женщин художника покончили с собой, а третья умерла на четвертый год совместной жизни.

Неоспоримым фактом остается то, что Пикассо не был привязан ни к одной из десятков или, возможно, сотен любовниц и жен, но активно использовал их, в том числе и финансово. Среди его законных жен была амбициозная советская танцовщица Ольга Хохлова.

Брак с влиятельной женщиной не помешал ему заводить отношения на стороне. Так, с молодой любовницей Дорой Маар Пикассо познакомился в баре, когда та искромсала свои пальцы в кровавое месиво, пытаясь ножом попадать в промежутки между пальцев.

Это глубоко впечатлило Пикассо, и он прожил с Дорой еще несколько лет втайне от Хохловой.

© Sputnik / Алексей Свердлов

Репродукция картины Пабло Пикассо «Свидание»

Душевные расстройства Пикассо

На протяжении его жизни и даже после смерти, Пикассо приписывали целый букет психических заболеваний. Впрочем, для этого не обязательно быть психиатром.

Чрезмерно завышенная самооценка Пикассо, чувство абсолютного превосходства и уникальности, и крайний эгоцентризм соответствуют критериям нарциссического расстройства личности, описанного в Международной Классификации Болезней (МКБ) четвертого издания.

Шизофренический статус Пикассо подвергается серьезным сомнениями со стороны медицинского сообщества, так как не представляется возможным диагностировать по картинам настолько сложное заболевание, но достоверно известно, что Пикассо страдал тяжелой формой дислексии — нарушение способности читать и писать при сохранении нормального интеллекта.

Пабло Пикассо умер в 1973-м в возрасте 91 года.

© Sputnik / РИА Новости

Пабло Пикассо беседует с Марселем Кашеном и Жаком Дюкло

Факты

• Пикассо был крайне суеверным. В последние годы жизни он запрещал своей жене отдавать его обноски их садовнику, опасаясь, что тот случайно смахнет с одежды его гениальность.

• Полное имя — Па́бло Дие́го Хосе́ Франси́ско де Па́ула Хуа́н Непомусе́но Мари́я де лос Реме́диос Сиприа́но де ла Санти́сима Тринида́д Ма́ртир Патри́сио Руи́с и Пика́ссо

• Картина Пикассо «Алжирские Женщины» — самая дорогая картина, когда-либо сошедшая с аукциона. В 2015-м ее приобрели за 179 миллионов долларов.

• Пикассо ненавидел водить из страха повредить свои руки. Его роскошным лимузином Hispano-Suiza всегда управлял личный водитель.

• У Пикассо был роман с Коко Шанель. Как вспоминала мадемуазель Шанель, «Пикассо был единственный мужчина во втором тысячелетии, который меня возбуждал.» Однако сам Пикассо опасался ее, и часто жаловался, что Коко была слишком известная и непокорная.

• Про самовлюбленность и астрономическую самооценку Пикассо ходят легенды. Впрочем, некоторые слухи вовсе таковыми и не являются. Легендарный художник однажды сказал другу: «Бог — это тоже художник… как и я. Я — Бог».

Источник: https://sputnik-ossetia.ru/spravka/20171026/5125710/pablo-pikasso-biografia-lichnaya-zhisn.html

Абсент и Пикассо

ГАЛЕРЕЯ

Абсент сложно назвать просто алкогольным напитком. Несмотря на то, что он не обладает такой многовековой историей, как, например, вино, абсент заслужил право называться

отдельным уникальным явлением в мировой культуре.

Портрет Пикассо, выполненный Хуаном Грисом (1912)

Во времена Прекрасной эпохи Зеленая фея — прозвище данное за его характерный цвет — был излюбленным напитком богемы в Париже. Питье абсента было своеобразным

ритуалом, символизирующим переход в вечер.

Бокал абсента 1910 год

Эффект от употребления абсента может быть самый разнообразный: спокойное расслабление, необыкновенная бодрость, эйфория, внезапный смех, агрессия, галлюцинации, нарушение

зрения, изменение цветов.

Пабло Пикассо Любительница абсента 1901

«Зеленую фею» (или, согласно Полю Верлену, «зеленую ведьму») воспевали в числе прочих Артюр Рембо, Оскар Уайлд и Эрнест Хемингуэй, увековечивали на своих полотнах Эдгар

Дега, Эдуар Мане, Анри Тулуз-Лотрек, Винсент Ван Гог и другие


Эдгар Дега Абсент (В кафе) 1873

Эдуар Мане Любитель абсента 1859


Анри де Тулуз-Лотрек Пьющая абсент в Гренель 1886


Винсент Ван Гог Натюрморт с абсентом 1887


Жан-Франсуа Рафаэлли Пьющие абсент 1881

Но все же, когда заходит речь об отношении этого напитка к живописи, на ум едва ли
не первой приходит «Любительница абсента» Пабло Пикассо.

Молодому испанцу посчастливилось жить в Париже в то время, когда здесь можно было в полной мере вкусить все прелести богемной жизни, включая походы по борделям в компании таких же полунищих художников и беспрепятственное употребление абсента.

Но во французскую столицу Пикассо переедет только в 1904 году, а пока же он постоянно курсирует между Парижем и Барселоной, работая, как проклятый, и страдая от безденежья и неустроенности. «Любительница абсента» появляется на свет именно в этот период, который при всем желании нельзя назвать счастливым.

В 1903 году Пикассо напишет «Портрет Анхеля Фернандеса де Сото», герой которого изображен за столиком перед

бокалом абсента.


Пабло Пикассо Портрет Анхеля Фернандеса де Сото 1903

В 1912 году художник вновь увековечит любимый напиток в

кубистической работе «Бутылка «Перно» и бокал».


Пабло Пикассо Столик в кафе

И, наконец, в 1914-м, за год до того, как «зеленая фея» была запрещена во Франции,

Пикассо создает скульптуру «Бокал абсента».


Пабло Пикассо Бокал абсента 1914 • Бронза, Глина

До легализации напитка в европейских странах художник не дожил.

«Любительница абсента» не отличается оригинальным сюжетом. Одиноких людей за столиком кафе до Пикассо и после него изображали многие живописцы. Однако именно в исполнении испанского художника эта тривиальная сцена обретает отпечаток глубокой драмы.

На картинах «голубого периода» («Голубой период» считается первым в творчестве Пикассо. Молодой художник приехал покорить Париж в 1901 и в этом же году потерял своего близкого друга Карлоса Касамегаса, который покончил жизнь самоубийством. Мрачная живопись с трагическими персонажами.

) Пикассо неоднократно будет изображать

людей, похожих на героиню этого полотна

Пабло Пикассо Арлекин и его подружка (Странствующие гимнасты) 1901

Пабло Пикассо Женщина с шиньоном 1901

Пабло Пикассо Портрет Себастьяна Видала с женщиной 1903


Более того, любителей абсента за стол в этот период он усадит еще дважды


Пабло Пикассо Любительница абсента 1901

Женщина с описываемой здесь картины сидит в углу на фоне грязно-красных стен и,
с одной стороны, кажется полностью погруженной в себя,


Пабло Пикассо Абсент

а с другой – производит впечатление сжатой пружины. Окружающее пространство будто бы стискивает ее со всех сторон, а сама она обхватывает себя неестественно длинными пальцами, словно хочет занимать как можно меньше места. Этот эффект «невидимости» только усиливает ощущение отверженности, одиночества среди толпы, которое хоть раз

в жизни испытывали большинство людей.

artchive.ru

Источник: https://ngasanova.livejournal.com/1715111.html

Две ярких истории из жизни Пабло Пикассо

Молодой Пабло Пикассо. Фото 1904 года.

Друзья и знакомые Пабло Пикассо (Pablo Picasso) описывали как крайне заносчивого и высокомерного человека, свято уверенного в своей исключительности.

Но он и правда был невероятно талантливым и чрезвычайно трудолюбивым: Музей современного искусства в Нью-Йорке оценивает количество работ, созданных Пабло Пикассо за всю свою жизнь в число, близкое к 20 тысячам.

Но здесь стоит вспомнить, что Пикассо был не только художником, но и скульптором, графиком, театральным художником, дизайнером и керамистом.

Пабло Пикассо на фоне собственной картины.

Сейчас работы Пикассо являются самыми дорогими в мире живописи. Так, в 2010 году его картина «Обнажённая, зелёные листья и бюст» была продана на аукционе «Кристис» за 106 482 000 долларов.

А всего за два года до этой сделки объем продаж работ художника уже оценивали в 262 миллиона долларов.

Самой же дорогой картиной стала работа Пабло Пикассо «Алжирские женщины (версия О)», которая поставила рекорд не только среди работ самого художника, но и вообще во всей истории продажи произведений искусств с аукционов: картина ушла за рекордные 179 365 000 долларов США.

Портрет Пабло Пикассо.

Тем удивительней выглядит история, случившаяся с молодым Пикассо по его приезду в Париж. В столице Франции он подружился с поэтом и журналистом Максом Джакобом, с которым напополам они стали снимать маленькую комнату.

Денег ни у одного, ни второго не было, зато амбиции били через край.

В комнате была всего одна кровать, и они решили поделить возможность спать «поровну» — Макс спал ночью, так как его деятельность была связана с многочисленными встречами днем, а Пабло отдыхал в дневное время, предпочитая спокойствие и тишину ночи для работы над своими картинами.

Репродукция картины «Девочка на шаре

Это было время расцвета культуры в Париже, многие художники и писатели прибывали в этот город в погоне за славой. Но Пикассо тогда отчаянно не везло.

Ни получить работу, ни продавать свои картины у него особо не получилось. И с приходом зимы ситуация особенно усугубилась, так как снимаемая комната оказалась совершенно неприспособленной для холодов.

В то время художнику приходилось сжигать собственные картины, чтобы хоть как-то согреться.

Старый гитарист.

Таким образом Пикассо сжигал не только результаты своих трудов, но и свои затраты на краски и холсты, не имея возможности вернуть потраченное с помощью продаж готовых картин.

Неудивительно, что из Парижа художник направился вскоре в гораздо более благоприятную по климату Барселону. Там начался так называемый «Голубой» период — художник создавал свои картины в сине-зеленых тонах, большей частью отображая негативную сторону жизни.

Именно тогда были созданы знаменитые картины «Любительница абсента» (1901), «Нищий старик с мальчиком» (1903) и «Трагедия» (1903).

Репродукция картины П. Пикассо *Бутылка перно (столик в кафе)*.

Пробыв два года в Испании, Пикассо снова возвращается во Францию и селится в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар.

Монмарт был тем местом, где жизнь по-настоящему бурлило, где всегда что-то происходило, и это не могло не отобразиться на мироощущении художника.

Так, его «Голубой» период сменился «Розовым,» и в картинах появились новые сюжеты: в основном, художник изображал бродячих артистов.

Молодой Пабло Пикассо.

В 1911 году, когда Пикассо, будучи уже частью парижской богемы, был довольно известным художником, его, также как и его друга Гийома Аполлинера, обвинили в краже картины из Лувра. Это была та самая кража, которая впоследствии сделала картину «Мона Лиза» такой знаменитой.

Пабло Пикассо «Женщина, пьющая абсент» (1901).Картина *Нищий с мальчиком* времени так называемого Синего периода Пикассо.

Считается, что обвинение было связано с тем, что накануне этого события Пикассо приобрел несколько картин у другого художника — Жери Пьере, не зная, что картины были крадеными. И выкрадены эти картины были именно из Лувра.

Впоследствии выяснилось, что вором был работник Лувра — итальянский мастер по зеркалам Винченцо Перуджа.

Источник: https://homsk.com/trombon/dve-yarkikh-istorii-iz-zhizni-pablo-pikasso

Презентация — Пабло Пикассо

Слайд 1

ПАБЛО ПИКАССОТрифонова Людмила Петровна Учитель ИЗО, МХК МБОУ Ареинская СОШ Нижнгородская область Составлена на основании программы Даниловой Г.И. «Мировая художественная культура»

Слайд 2

Детство и годы обучения (1881-1900) Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага, анадалузской провинции Испании. Пабло рано проявил талант к рисованию.

Уже с 7 лет он учился у своего отца технике рисования, который сначала поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах.

Но однажды, доверив тринадцатилетнему Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.

Слайд 3

В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Он поразил комиссию своим мастерством и был принят в Академию несмотря на свой юный возраст.

Отец Пикассо совместно с его дядей решили послать Пабло в Мадридскую академию «Сан Фернандо», считавшуюся на тот момент самой передовой Школой искусств во всей Испании. Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид.

Однако занятия в Школе искусств продлились недолго, меньше года, и Пабло был захвачен всеми другими прелестями мадридской жизни, а также изучением работ впечатливших его тогда художников — Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, и в особенности Эль Греко.

Слайд 4

Во время обучения в Мадриде Пикассо совершил свое первое турне в Париж — признанную тогда европейскую столицу искусств. Там он в течение нескольких месяцев посетил все без исключения музеи, изучая живопись великих мастеров: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван-Гога, Гогена и многих других.

Также он увлекался искусством финикийцев и египтян, готической скульптурой, японской гравюрой. Пабло интересовало абсолютно все. Тогда же, в первые годы жизни в Париже он познакомился с коллекционером и торговцем живописью Амбруазом Волларом, поэтами Максом Жакобом и Гийомом Аполлинером и многими другими.

Он вновь посещал в Париж в 1901 и в 1902 году и уже окончательно перебрался туда к 1904 году.

Слайд 5

«Голубой» период (1901-1904) «Голубой период», пожалуй, первый этап в творчестве Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности мастера: несмотря на все еще звучащие ноты влияний, мы уже имеем дело с проявлением истинной его индивидуальности. Первый творческий взлет, как ни странно, был спровоцирован долгой депрессией.

В феврале 1901 г. в Мадриде Пикассо узнал о смерти своего близкого друга Карлоса Касагемаса. 5 мая 1901 г. художник второй раз в своей жизни приехал в Париж, где все напоминало о Касагемасе, с которым он совсем недавно открывал для себя французскую столицу.

Пабло поселился в комнате, где провел свои последние дни Карлос, завел отнюдь не платонический роман с Жермен, из-за которой тот покончил с собой, общался с тем же, что и он, кругом людей. Можно представить, в какой сложный узел сплелись для него горечь потери, чувство вины, ощущение близости смерти…

Все это во многом послужило тем «сором», из которого вырос «голубой период». Позже Пикассо говорил: «Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв».

Слайд 6

Однако в июне 1901 г. на первой парижской выставке Пикассо, открытой Волларом, еще нет никакой «голубой» специфики: 64 представленные работы яркие, чувственные, в них ощутимо влияние импрессионистов.

Началом собственно «голубого периода» считается созданный в том же 1901 г. «Портрет Хайме Сабартеса».

Сам Сабартес сказал об этой работе: «Разглядывая себя самого на полотне, я понял, что именно вдохновило моего друга, — это был весь спектр моего одиночества, увиденный извне».

Слайд 7

Ключевыми словами для этого периода творчества Пикассо действительно являются «одиночество», «боль», «страх», «вина», примером тому может служить «Автопортрет» мастера, созданный за несколько дней до отъезда в Барселону.

Слайд 8

В январе 1902 г. он вернется в Испанию, не сможет остаться — слишком уж тесен для него испанский круг, слишком манит его Париж, снова отправится во Францию и проведет там несколько отчаянно тяжелых месяцев.

Работы не продавались, жилось очень тяжело. Ему пришлось вновь вернуться в Барселону и последний раз задержаться там на целых 15 месяцев.

Здесь созданы такие шедевры «голубого периода», как «Свидание (Две сестры)», «Трагедия», «Старый еврей с мальчиком»

Слайд 9

Картины «голубого периода».»Любительница абсента» 1901″Старый гитарист» 1903″Завтрак слепого» 1903

Слайд 10

Картины «голубого периода». «Склонившийся Арлекин» 1901″Гурман» 1901Аскет 1903

Слайд 11

«Розовый» период. (с осени 1904 г. до конца 1906 г.) «Розовый период» в творчестве Пикассо был относительно недолгим (с осени 1904 г. до конца 1906 г.) и не вполне однородным.

Однако большое количество картин отмечено светлым колоритом, появлением жемчужно-серых, охристых и розово-красных тонов; появляются и становятся доминирующими новые темы – актеры, акробаты, атлеты.

Цирк Медрано, располагавшийся у подножия Монмартрского холма, безусловно, давал массу материала для подобных работ.

Театральность во многих ее проявлениях (костюмы, акцентированные жесты), разнообразие типов людей, прекрасных и безобразных, юных и взрослых, казалось бы, «вернули» художника в мир несколько преображенных, но реальных форм, объемов, пространств; образы вновь наполнились жизнью, в противоположность многим статичным и словно «застылым» персонажам «голубого периода».

Слайд 12

Уже на выставке в галерее Серюрье (25 февраля — 6 марта 1905 г.) были показаны работы, знаменующие начало нового этапа творчества мастера, — «Актер» и «Сидящая обнаженная».

Также к началу «розового периода» относятся замечательные картины «Женщина в рубашке», «Акробаты. Мать и сын». Одним из признанных шедевров этого периода является полотно «Семейство комедиантов«.«Актер» «Акробаты.

Мать и сын». «Женщина в рубашке»,

Слайд 13

Картины «розового периода».»Дама с веером» 1905″Стрижка» 1906″Автопортрет с палитрой» 1906

Слайд 14

В 1907 году появилась знаменитые «Авиньонские девицы». Над ними художник работал больше года — долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики — шок. Матисс был в бешенстве. Даже большинство друзей не приняли эту работу.

«Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином», — говорил художник Жорж Брак, новый друг Пикассо. Скандальная картина, название которой дал поэт А.

Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.

Слайд 15

Кубизм (1909 — 1917) В «кубическом» периоде Пикассо выделяют несколько этапов.»Сезанновский» кубизм»Бидон и миски» (1908)»Три женщины» (1908)»Женщина с веером» (1909)

Слайд 16

«Аналитический» кубизм :предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте.»Портрет Амбруаза Воллара» (1910)»Завод в Хорта де Сан Хуан» (1909)»Портрет Канвейлера» (1910)

Слайд 17

На этапе «синтетического» кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами..»Натюрморт с плетеным стулом» (1911-1912), «Скрипка м гитара» (1913) Бутылка перно (столик в кафе)» (1912)

Слайд 18

Неоклассицизм (1918 — 1925) Весной 1917 года поэт Жан Кокто, сотрудничавший с Сергеем Дягилевым, предложил Пикассо сделать эскизы костюмов и декорации к будущему балету. Художник отправился работать в Рим, где влюбился в одну из танцовщиц Дягилевской труппы — Ольгу Хохлову. Они поженились в 1918 году, а в 1921-м у них родился сын Поль.

Слайд 19

В это время его полотна очень далеки от кубизма; на них: ясные и понятные формы, светлые тона, правильные лица.

Самая выразительная картина этих лет — «Портрет Ольги в кресле» (1917) Пикассо активно критиковали за смену стиля, как прежде критиковали за кубизм.

На эти обвинения он ответил в одном из интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано»

Слайд 20

Другие картины «реалистического» периода.«Купальщицы»(1918)»Женщины, бегущие по пляжу» (1922)»Детский портрет Поля Пикассо» (1923)

Слайд 21

Сюрреализм (1925 — 1936) В 1925 году Пикассо написал картину «Танец».Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отражает тяжелый период в семейной жизни художника и одновременно провозглашает новый перелом в его творчестве.

Слайд 22

Война в Испании. Герника. Вторая мировая война (1937-1945) Начиная с 1930-х годов в творчестве Пикассо появляется такая ключевая для него тема и образ как бык, Минотавр.

Художник создает целый ряд работ с этим персонажем («Минотавромахия», 1935), при этом миф о Минотавре Пикассо трактует по-своему. Для Пикассо бык, Минотавр — это разрушительные силы, война и смерть.

Апогеем развития этой темы стала знаменитая картина

Слайд 23

Апогеем развития этой темы стала знаменитая картина Пикассо «Герника» (1937). Герника — это маленький городок басков на севере Испании, практически стертый с лица земли немецкой авиацией 1 мая 1937 года.

Эта огромная (почти восемь метров в длину и три с половиной в высоту) монохромная (черный, белый, серый) картина была впервые выставлена в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже.

Слайд 24

Последние годы (конец 60-х — 1973) В позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок). Жаклин остается последней и верной женщиной Пикассо и ухаживает за ним, уже больным, ослепшим и плохо слышащим, до самой его смерти.

Умер Пикассо 8 апреля 1973 в возрасте 92 лет, мультимиллионером, в городе Мужене во Франции и похоронен около принадлежавшего ему замка Вовенарг. Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч). О смерти сам Пикассо говорил так: «Я все время думаю о Смерти.

Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня».

Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 усилиями наследников художника — уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстапмов, документов.

Слайд 25

ИСТОЧНИКИУчебник для 11 класса «Мировая художественная культура» Данилова Г.И. «Введение в искусствознание» А.Н.Донин Коллекция: мировая художественная культура Энциклопедия искусства

Источник: http://topslide.ru/mhk-izo/pablo-pikasso

Описание картины Пабло Пикассо «Натюрморт». Пикассо пабло описание картин

Главная » Пикассо картины » Пикассо пабло описание картин

В 1912 году, Пабло Пикассо пишет очень оригинальную картину «Столик в кафе (Бутылка перно)». Это своего рода натюрморт любимого напитка художника, который он часто изображал в своих работах, но на данном полотне впервые была попытка изобразить бутылку абсента в новом стиле кубизм.

В этот период творчества, знаменитый художник зачастую прибегал к необычной технике письма, при которой предметы изображались в виде мелких однородных деталей или разбитых зеркал, без плавных и гармоничных структур.Глядя на картину, мы видим небольшой деревянный столик, который располагается в кафе.

На нем стоит бутылка перно и рядом с ней рюмка на ножке. Эти два элемента выполнены в серо-зеленых тонах. За главными предметами натюрморта наш взгляд цепляется за четкие буквы, составляющие обрывки слов и цифр.

Картина буквально пропитана динамикой, взбудораживая голову, словно абсент, который мы видим на столике.

Пабло Пикассо является одним из первых основателей кубизма.

В своей работе «Столик в кафе (Бутылка перно)» он демонстрирует, что для восприятия обычного предмета достаточно отказаться от правдоподобных принятых норм изображения, продемонстрировав новые возможности письма.

Все элементы изображены совокупностью графических объёмных предметов, заключённых с помощью цветовой палитры в одну совокупность, образующую в нашем сознании представленный предмет.

После приобретения долгожданной популярности, Пабло Пикассо стал ассоциироваться у зрителей в основном как основоположник кубизма.

Но художника не устраивало такое положение дел, потому что он хотел только лишь донести свою творческую мысль и идею своей работы таким необычным способом.

Картина «Столик в кафе (Бутылка перно)» стала одним из последних шедевров Пикассо, написанных в этом необычном стиле.

opisanie-kartin.com

Описание картины Пабло Пикассо «Дружба»

В 1908 году известный художник Пабло Пикассо создал картину «дружба». В это время формировался такой стиль искусства, как абстрактный кубизм, который часто называют «сезанновским» кубизмом.

Для этого стиля свойственно изображение цельных предметов разложенными на мелкие элементы, что прослеживается в творчестве Пикассо, в частности, при изображении фигур на картине «Дружба». Их художник представил нам немного грубоватыми, простыми, но четко выделяющимися на затемненном фоне.

Знаменитое полотно «Дружба» открывает взору зрителя необычную композицию – две фигуры обнаженных женщин. Тона, которые применил мастер кисти, очень теплые, кажется, будто они сохраняют запах земли. Насыщенность цвета, а также цветовая палитра (оттенки коричневого, темно-зеленого и золотистого) только подчеркивают то, что картину можно отнести к «африканскому периоду».

Фигуры женщин немножко громадны, создается впечатление, что они сложены из деревянных деталей. Они, конечно, угловаты, но все-таки скульптурны. Женские фигуры Пикассо – это искусство многих народов. Они такие же естественные, как вся планета Земля, безо всяких новинок цивилизации.

Все формы женского тела выстроены из геометрических фигур, подчеркнутых тенями, ведь это типично для кубизма. А еще на полотне Пикассо «Дружба» контрастно построена композиция и ощущается ритм форм, цветов и линий.

При рассматривании картины взгляд созерцателя перемещается от верхнего угла, который затемнен, до более светлых оттенков.

Решение этого произведения искусства довольно обобщенное. Черты лица настолько упрощены, что в виде знаков напоминают маски для ритуалов и изображают какую-то отрешенность. Надо сказать, что Пикассо не имитирует внешность скульптур женщин-негритянок, а делает скачок к «концептуальному» искусству.

opisanie-kartin.com

Описание картины Пабло Пикассо «Натюрморт»

Картина «Натюрморт» согласно подписям под ней самого автора называлась – «Порей, череп и персики», и была создана в 1945 году.

В этот период художник создает целый ряд картин подобного рода, с одним и тем же сюжетом, но с изменением некоторых деталей.

Среди нагромождения всевозможных треугольников на картине явственно просматривается череп, тем явственней, чем больше его округлые формы отличаются от окружающей остроты углов.

«Натюрморт» написан в конце войны, которая так поразила художника, что ей он посвятил целый период своей жизни, так и называемый в искусстве – «Война. Герника». И действительно картины этого периода темные и мрачные, так в «Натюрморте» преобладают сиреневые и синие краски, и только золотистый череп выделяется из общего плана картины.

Но создав центр картины темным, как бы призывая зрителя посмотреть именно в эту сторону, Пикассо осветлил края полотна, придав им вид расходящихся солнечных лучей.

Видимо такое написание не случайно, поскольку война уже заканчивалась, и впереди маячило светлое будущее, в котором больше не будет черепов и костей, но по-прежнему останутся натюрморты.

Данная картина принадлежит к серии из трех подобных картин, которые носят такие же названия, но имеют слегка видоизмененный сюжет, написаны картины одновременно, и чтобы их как-то разделить, принято вводить цифровое деление от 1 до 4, так как именно столько картин под одним общим названием написал художник. Сам он себя величал Чертом, и потому, когда ему задавали вопросы о том, зачем он изображает в картинах настолько гнетущее воплощение смерти, отвечал, что Черту больше изображать то и нечего.

На самом деле жизнь художника не была настолько мрачна, как этом жжет показаться из черепа, изображенного на картине, поскольку Пикассо прожил до 90 лет и умер уже в известности, хотя самая настоящая слава все же пришла после смерти.

opisanie-kartin.com

Источник: http://evg-crystal.ru/pikasso-kartiny/pikasso-pablo-opisanie-kartin.html

Пабло Пикассо (кубизм)

    К концу 1909 года амбициозного 28-летнего Пабло Пикассо покинула уверенность в своих силах. Тяжело и мучительно он расставался с героями своих картин: меланхоличными циркачами, акробатами, любителями абсента, завсегдатаями кафе.

С их тихой печальностью, с не по годам помудревшими глазами детей, глядящими в бескрайнюю даль и потупленным взглядом матери — с лицом Фернаны Оливье – натурщицы и первой спутницы жизни Пикассо. Эти картины своим настроением печальной элегии, напоминали изображения Святого семейства эпохи Возрождения.

Время в картинах текло медленно и спокойно, иногда вовсе останавливалось, почти замирало, чтобы поведать о чем-то важном.

   И вдруг все сорвалось, понеслось куда-то…

   Небольшого роста и крепкого телосложения «чудаковатый испанец с горящими глазами», рядом с ним высокая — на голову выше своего кавалера — стройная и красивая Фернанда Оливье, Девять лет они вместе. Он бесконечно рисует ее портреты, но что-то случилось в их отношениях. С каждым портретом его раздражение все более и более отпечатывается в изображениях.

Видимо, усталость от многочисленных экспериментов, не приносящих ожидаемого качественного результата; психологическая усталость от объекта изображения; понимание невозможности преодолеть найденную трактовку модели, когда удачная трактовка превращается в неискоренимый и впечатанный в мозг шаблон, диктующий свои условия, приводящие в крайнее раздражение.

Его тяготит её присутствие.

    Следующий, 1910 год — аналитический период кубизма – Пикассо прекращает собственные эксперименты с формой и берет за основу метод Жоржа Брака. Основным жанром его творчества становится натюрморт. Портрет является скорее исключением.

    Он расстается с Фернандой. В его жизни появляется Марсель Умбер. Ева, – так называл ее Пикассо. Это случилось в 1911 году. Их встреча не просто совпала, но стимулировала Пикассо к переходу в новую фазу развития кубизма – синтетическому периоду. Он не рисует ее портреты, но фиксирует ее присутствие в его жизни в названиях картин: «Я люблю Еву!»

    Яркий, праздничный, сбросивший математически выверенные, сковывавшие своей методологической правильностью путы аналитического периода, следующий период похож на свободные изощренные джазовые импровизации.

Художник каким-то странным образом равнозначно сочетает в картинах творческую глубину, расчетливую сделанность коммерческого продукта, простоту метода и формы. Способность и умение Пикассо добиваться совершенства достигает наивысшей точки.

Еще не было всенародного признания, но многие выдающиеся люди своего времени увидели в этом печать гениальности. 

«Фрукты Блюдо»

«Дом на холме, Орта-де-Эбро»

«Дом в саду»

«Девушка с мандолиной»

«Две обнажённые фигуры»  1908 г. 

«Женщина с веером»  1908 г. 

«Кирпичный завод в Тортосе»  1909 г.  

«Голова женщины»  1909 г. 

«Женщина с веером»  1909 г. 

«Женщина с грушами (Фернанда)»  1909 г. 

«Водохранилище, Орта-де-Эбро»

«Бокал абсента»  1910 г. 

«Портрет Даниэла-Генри Кавейлера»  1910 г.
«Голубиный горох»

«Натюрморт с плетеным стулом»  1911 г. 

«Бутылка перно» (столик в кафе)  1912 г. 

«Обнажённая, Я люблю Еву» 1912 г. 

«Скрипка»  1912 г. 

«Гитара»  1913 г. 

«Портрет Амбруаза Воллара»  1915 г.  

«Зеленый натюрморт»

L’Amateur, Le Torrero

«Скрипка Джоли Ева»

«Кларнет и скрипка»

«Композиция с разрезанной грушей»

«Музыкальные инструменты»

«Трубка, стекло, бутылка рома»

«Скрипка в кафе»

«Фруктовая тарелка, бутылка и скрипки»

«Три музыканта»  1921 г. 

«Натюрморт с гитарой»  1921 г. 

Закономерности развития искусства от импрессионизма до наших дней:

(см. посты)

__________________________________________________________________________________

 (продолжение следует)

Источник: http://newart-paintab.blogspot.com/2013/04/blog-post_14.html

Пикассо голубой период картины с названиями. Голубой и розовый период в творчестве П. Пикассо. «Девочка на шаре»

Акробат и молодой Арлекин 1905

«Голубой» и «розовый» периоды в творчестве испанского художника Пабло Пикассо — это время формирования индивидуального стиля художника. В это время происходит отход от импрессионизма, наследования стилистик Тулуз-Лотрека, Дега и других известных художников.

«Голубой» период (1901-1904)

Автопортрет. 1901

Свое название он получил из-за общей тональности картин, выполненных в сине-голубой гамме, объединенных настроением отчаяния и одиночества. Одними из первых работ этого периода стали «Автопортрет» (1901) и «Любительница абсента» (1901). Большая часть героев картин Пикассо – это представители низших слоев общества, обездоленные, больные или порочные люди. Среди более поздних «голубых» работ стоит отметить картины «Голова женщины» (1902-1903), «Завтрак слепого» (1903), «Старый еврей с мальчиком» (1903), «Гладильщица» (1904). В эстетическом отношении важным является переход к новым способам изображения, исключение из композиции лишних деталей, и ряд других решений, позволяющих сосредоточить внимание зрителя на эмоциях, вызываемых картиной. В тоже время в полной мере считать эти работы Пикассо самобытными нельзя, т.к. в них частично использованы мотивы и приемы, характерные для испанской живописи. На формирование такого эмоционального настроя картин сильно повлияли жизненные реалии. Начало «голубого» периода связано с самоубийством близкого друга художника Карлоса Касагемаса в 1901 году. Близость смерти, одиночество, вынужденное возвращение в Барселону в 1903 году из-за нехватки средств оказали влияние на депрессивность картин.

«Девочка на шаре» — равновесие между жизнью и смертью

Девочка на шаре. 1905

Эта картина, написанная в 1905 году, является характерным произведением переходного периода. Времени, когда боль, отчаяние и страдание в картинах художника постепенно уходят, их заменяет интерес к живым человеческим радостям, олицетворением которых стали циркачи и артисты. Содержание этого произведения, построенного на контрастах (движение и статика, девочка и атлет, легкость и тяжесть и др.), вполне соответствует символике перехода между горечью смерти и радостями жизни.

«Розовый» период (1904 — 1906)

Постепенный переход к «розовому» периоду в творчестве обозначился еще 1904 году, когда в жизни художника стали происходить позитивные перемены: переезд в кипучий центр авангардной жизни – в общежитие художников на Монмартре, влюбленность в Фернанду Оливье, знакомство со множеством интересных людей, среди которых были Матисс и Гертруда Стайн. Главной темой работ этого периода, выполненных розовых, красных, жемчужных тонах становятся комедианты цирка Медрано. Картины отличаются разнообразием сюжетов, динамикой и движением. При этом художник продолжает развивать индивидуальный стиль, сформированный еще в «голубом» периоде. К этому времени относятся работы «Акробат и молодой Арлекин» (1905), «Семейство комедиантов» (1905), «Шут» (1905) и др. В конце «розового» периоа в картинах Пикассо появляются образы, навеянные античными мифами: «Девочка с козлом» (1906), «Мальчик, ведущий лошадь» (1906), проявляется интерес к изображению обнаженной натуры «Причесывание» (1906), Обнаженный мальчик (1906).

«Голубой период» в творчестве Пабло Пикассо.

Старый гитарист

Данный период явился начальным этапом в творческой карьере художника. Именно в работах этого периода просматривается индивидуальный стиль живописца, хотя именно тогда он был больше всего подвергнут влияниям других мастеров.

Селестина

В начале 1901 года Пабло был сражен новостью о кончине своего очень дорогого друга, Карлоса Касагемаса. Эта новость ввела художника в долгую печаль и депрессию. Через пол года он все-таки решил в очередной раз приехать в Париж, где буквально все напоминало ему о близком друге, который не так давно впервые показывал ему все прелести столицы Франции. Пикассо решил пожить в комнате, в которой из-за неразделенной любви свел счеты с жизнью его друг Карлос. Также он начал отношения с женщиной, из-за которой друг ушел из жизни, начал проводить много времени с людьми, окружавшими Карлоса. Все это позволило ему почувствовать себя на месте друга, что наполнило его разум мрачными мыслями о том, насколько каждый из нас близок к смерти. Все это положило начало тому самому мрачному периоду его творчества, который в последствии назвали голубым. Пикассо сам утверждал, что он буквально проникся синим цветом после осознания того, что его друга больше нет.

Через несколько месяцев после приезда в Париж, художник открыл свою первую выставку в этом городе. Однако тогда он еще не писал «голубых» картин, его работы больше походили на импрессионизм. Пикассо пытался добавлять картинам объема путем облачения объектов в темные контуры. Со временем его картины становились все более однообразными, все чаще все они были выполнены в синих тонах. Первой картиной данного периода стал «Портрет Хайме Сабартеса».

Страх, отчаяние, одиночество, страдание — данные слова были идеальным описанием к работам «голубого периода». Подтверждение этому можно найти в автопортрете Пикассо, созданном в то время. Тогда он переживал тяжелый период, картины никто не покупал, он часто метался между Испанией и Францией, каждая из которых по-своему давили на него. Испания в то время была в трудном положении, люди нищенствовали, постоянно мигрировали. Возможно, все это тоже сказалось на художнике и он в тот период написал картину «Старый еврей с мальчиком», на которой изображены голодные бедные люди. На своей родине Пикассо очень много времени провел за написанием картин. Довольно часто он писал новые картины поверх старых, так как у него не было денег на покупку новых холстов, так было потеряно множество возможных шедевров живописи. Но с другой стороны это можно представить как избавление от старых воспоминаний о близком человеке.

«Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касаджемас мертв», — признавался Пикассо позже. «Период с 1901 по 1904 год в творчестве Пикассо обычно называют «голубым» периодом, так как большинство картин этого времени написано в холодной сине-зеленой гамме, усугубляющей настроение усталости и трагической нищеты» . То, что позже назвали «голубым» периодом, приумножалось изображениями печальных сцен, картинами, полными глубокой меланхолии. На первый взгляд все это несовместимо с огромной жизненной силой самого художника. Но вспоминая автопортреты молодого человека с огромными печальными глазами, мы понимаем, что полотна «голубого» периода передают эмоции, владевшие художником в то время. Личная трагедия обострила его восприятие жизни и горя страдающих и обездоленных людей.

Парадоксально, но факт: несправедливость жизненного устройства остро чувствуют не только те, кто с детства пережил гнет жизненных тягот или еще хуже — нелюбовь близких, но и вполне благополучные люди. Пикассо — яркий тому пример. Мать обожала Пабло, и эта любовь стала для него непробиваемой броней до самой смерти. Отец, постоянно испытывавший материальные затруднения, умел из последних сил помочь сыну, хотя тот порой двигался совершенно не в том направлении, которое указывал дон Хосе. Любимый и благополучный юноша не стал эгоцентриком, хотя атмосфера декадентской культуры, в которой он формировался в Барселоне, казалось бы, способствовала тому. Напротив, он с огромной силой ощущал социальное нестроение, громадную пропасть между бедными и богатыми, несправедливость устройства общества, антигуманность его — словом, все то, что привело к революциям и войнам XX в.

«Обратимся к одному из центральных произведений Пикассо того времени — к картине «Старик нищий с мальчиком», выполненной в 1903 г. и находящейся сейчас в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. На плоском нейтральном фоне изображены две сидящие фигуры — дряхлый слепой старик и маленький мальчик. Образы даны здесь в их резко контрастном противопоставлении: изборожденное морщинами, как бы вылепленное мощной игрой светотени лицо старика с глубокими впадинами слепых глаз, его костлявая, неестественно угловатая фигура, ломающиеся линии его ног и рук и, как противоположность ему, широко открытые глаза на нежном, мягко промоделированном лице мальчика, плавные, текучие линии его одежды. Мальчик, стоящий на пороге жизни, и дряхлый старик, на которого смерть уже наложила свой отпечаток, — эти крайности объединены в картине какой-то трагической общностью. Глаза мальчика широко открыты, но они кажутся такими же невидящими, как и страшные провалы глазниц старика: он погружен в такое же безрадостное раздумье. Тусклый голубой цвет еще больше усиливает то настроение скорби и безысходности, которое выражено в печально сосредоточенных лицах людей. Цвет не является здесь цветом реальных предметов, он не является также цветом реального света, заливающего пространство картины. Одинаково тусклыми, мертвенно холодными оттенками синего цвета передает Пикассо и лица людей, и их одежды, и фон, на котором они изображены» .

Изображение жизнеподобно, но в нем немало условностей. Гипертрофированы пропорции тела старика, неудобная поза подчеркивает его изломанность. Худоба неестественна. Слишком упрощенно переданы черты лица мальчика. «Художник ничего не сообщает нам о том, кто эти люди, какой стране или эпохе они принадлежат и зачем они, вот так прижавшись друг к другу, сидят на этой голубой земле. И тем не менее картина говорит о многом: в контрастном противопоставлении старика и мальчика мы видим и печальное, безрадостное прошлое одного, и безнадежное, неминуемо мрачное будущее другого, и трагическое настоящее их обоих. Само скорбное лицо нищеты и одиночества смотрит на нас своими печальными глазами с картины. В своих работах, созданных в этот период, Пикассо избегает дробности, детализации и стремится всячески подчеркнуть главную идею изображаемого. Эта идея остается общей для подавляющего большинства его ранних произведений; так же как и в «Старике нищем с мальчиком», она заключается в раскрытии неустроенности, скорбного одиночества людей в трагическом мире нищеты» .

Профаны частенько мечут в сторону художников-авангардистов реплики, что, мол, рисовать не умеют, вот и изображают кубики и квадратики. Пикассо может служить иллюстрацией ложности и примитивности подобного утверждения. С юных лет он умел отразить на бумаге натуру с максимальным сходством с оригиналом. Талант, удачно попавший с рождения в творческую среду (отец самой яркой фигуры в живописи ХХ века был учителем рисования и декоратором), развился молниеносно. Мальчик начал рисовать едва ли не раньше, чем говорить…

«Голубой» период

«Голубой период», пожалуй, первый этап в творчестве Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности мастера, несмотря на все еще звучащие ноты влияний. Первый творческий взлет был спровоцирован долгой депрессией: в феврале 1901 г. в Мадриде Пикассо узнал о смерти своего близкого друга Карлоса Касагемаса. 5 мая 1901 г. художник второй раз в своей жизни приехал в Париж, где все напоминало о Касагемасе, с которым он совсем недавно открывал для себя французскую столицу. Пабло поселился в комнате, где провел свои последние дни Карлос, завел роман с Жермен, из-за которой друг покончил с собой, общался с тем же кругом людей. Можно представить, в какой сложный узел сплелись для него горечь потери, чувство вины, ощущение близости смерти… Все это во многом послужило тем «сором», из которого вырос «голубой период». Позже Пикассо говорил: «Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв»…

«Розовый» период

«Розовый период» был относительно недолгим (с осени 1904 года до конца 1906-го) и не вполне однородным. Однако большое количество картин отмечено светлым колоритом, появлением жемчужно-серых, охристых и розово-красных тонов; появляются и становятся доминирующими новые темы – актеры, акробаты, атлеты. Цирк Медрано, располагавшийся у подножия Монмартрского холма, безусловно, давал массу материала для художника. Театральность во многих ее проявлениях (костюмы, акцентированные жесты), разнообразие типов людей, прекрасных и безобразных, юных и взрослых, будто вернули художника в мир несколько преображенных, но реальных форм, объемов, пространств; образы вновь наполнились жизнью в противоположность персонажам «голубого периода»…

«Африканский» период

Первой работой, повернувшей кисти Пикассо в сторону новой фигуративности, стал портрет Гертруды Стайн 1906 года. Переписав его около 80 раз, художник отчаялся воплотить писательницу в классической стилистике. Художник явно созрел для нового творческого периода, и следование за натурой перестало его интересовать. Это полотно можно считать первым шагом в направлении деформации формы.

В 1907 году Пикассо впервые столкнулся с архаичным африканским искусством на этнографической выставке в музее Трокадеро. Примитивные идолы, статуэтки и маски, где обобщенная форма освобождалась от мельтешения деталей, воплощали в себе могучие силы природы, от которой первобытный человек не дистанцировал себя. Идеология Пикассо, неизменно ставившего искусство превыше всего, совпала с мощным посылом, заложенным в этих образах: для древних людей искусство служило не декорированию быта, оно было колдовством, приручавшим непонятных и враждебных духов, контролировавших полную опасности земную жизнь…

Кубизм

До кубизма в европейском искусстве одной из основных всегда оставалась проблема жизнеподобия. Несколько веков искусство эволюционировало, не беря эту задачу под сомнение. Даже импрессионисты, открывшие в истории живописи новую главу, посвященную свету, фиксации мимолетного впечатления, тоже решали вопрос: как запечатлеть на холсте этот мир.

Стимулом к развитию нового языка искусства, пожалуй, стал вопрос: зачем рисовать? К началу XX в. основам «правильного» рисования можно было научить практически любого. Активно развивалась фотография, и стало понятно, что изображения фиксационного, технического плана станут ее вотчиной. Перед художниками встал вопрос: как искусству остаться живым и актуальным в мире, где изобразительные образы становятся все доступнее и все легче тиражируются? Ответ Пикассо чрезвычайно прост: в арсенале живописи есть только ее собственные специфические средства — плоскость холста, линия, цвет, свет, и их совершенно не обязательно ставить на службу природе. Внешний мир лишь дает толчок для выражения индивидуальности творца. Отказ от правдоподобной имитации предметного мира открывал перед художниками невероятно широкие возможности. Шел этот процесс по нескольким направлениям. В области «освобождения» цвета лидировал, пожалуй, Матисс, а Брак и Пикассо — основатели кубизма — больше интересовались формой…

«Классический» период

1910-е годы оказались для Пикассо достаточно сложными. В 1911-м всплыла история с покупкой и хранением украденных из Лувра статуэток, которая продемонстрировала Пикассо ограниченность его собственных моральных, человеческих сил: он оказался и неспособным впрямую сопротивляться нажиму власти, и сохранять преданность дружбе (на первом допросе он пытался отречься даже от самого факта знакомства с Апполинером, «благодаря» которому он оказался вовлеченным в этот неприятный инцидент). В 1914 году началась Первая мировая война и выяснилось, что Пикассо не готов сражаться за Францию, ставшую его второй родиной. Это тоже развело его со многими друзьями. В 1915 году умерла Марсель Умбер…

Сюрреализм

Расчленение творчества на периоды — стандартный способ втиснуть искусство в рамки и разложить по полочкам. В случае с Пабло Пикассо, художником без стиля или, что вернее, художником множества стилей, такой подход условен, но традиционно применяется. Период близости Пикассо к сюрреализму хронологически вписывается в рамки 1925 – 1932 годов. Как правило, над каждым стилистическим этапом в творчестве художника властвовала определенная Муза. Пребывая в браке с экс балериной Ольгой Хохловой, жаждавшей «узнавать себя на полотнах», Пикассо от изобретенного им вместе с Жоржем Браком кубизма обратился к неоклассицизму.

Когда же в жизнь художника вошла юная блондинка

Родился Пабло Пикассо 25 октября 1881 г. в Испании в г. Малага в семье художника Хосе Руиса Бласко. Талант будущий художник начал демонстрировать рано. Уже с 7 лет мальчик дописывал некоторые детали на картинах отца (первой такой работой были лапки голубей). В 8 лет была написана первая серьезная картина маслом под названием «Пикадор».

«Пикадор» 1889

В 13 лет Пабло Пикассо стал студентом Академии художеств в Барселоне — на вступительных экзаменах Пабло настолько хорошо себя показал, что комиссия приняла его в академию не смотря на юный возраст.

В 1897 г. Пикассо уехал в Мадрид для поступления в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Но проучился там Пабло не больше года — слишком скучно и тесно было юному таланту в академии с ее классическими традициями. В Мадриде юношу больше увлекала бурная жизнь мегаполиса. Так же много времени Пабло посвящал изучению работ таких художников, как Диего Виласкес, Франциско Гойя и Эль Греко, которые произвели на художника большое впечатление.

В те годы художник впервые посетил Париж, считавшейся тогда столицей искусств. Он месяцами жил в этом городе, посещая различные музеи, с целью изучения работ мастеров живописи: Ван Гога, Гогена, Делакруа и многих других. Пикассо будет часто посещать Париж в дальнейшем, а позже этот город увлечет его настолько, что Пикассо решит окончательно переехать туда (1904г.).

Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

«Портрет матери» 1896

«Знание и милосердие» 1897

«Первое причастие» 1896

«Автопортрет» 1896

«Матадор Луис Мигель Доминген» 1897

«Испанская пара перед гостиницей» 1900

«Босоногая девочка. Фрагмент» 1895

«Человек на берегу пруда» 1897

«Человек в шапке» 1895

«Бульвар Клиши» 1901

«Портрет отца художника» 1895

Следующий период в творчестве Пабло Пикассо называют «голубым». В 1901 — 1904 гг. в палитре Пикассо преобладали холодные цвета — в основном голубой и его оттенки. В это время Пикассо поднимал темы старости, бедности, нищеты, характерным настроением картин этого периода были меланхолия и печаль. Художник отображал человеческие страдания, рисуя слепых, нищих, алкоголиков и проституток и т.п. — именно они были главными персонажами «голубого» периода.

Работы «голубого» периода (1901-1904)

«Завтрак слепого» 1903

«Мать и дитя» 1903

«Любительница абсента» 1901

«Гладильщица» 1904

«Нищий старик с мальчиком» 1903

«Жизнь» 1903

«Две сестры (Свидание)» 1902

«Голубая комната (Ванна)» 1901

«Гурман» 1901

«Сидящая женщина в капюшоне» 1902

В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.

Работы «розового» периода (1904 — 1906)

«Акрабат и арлекин» 1905

«Девочка с козлом» 1906

«Мальчик, ведущий лошадь» 1906

«Семейство комедиантов» 1905

«Крестьяне» 1906

«Обнаженная женщина с кувшином» 1906

«Причесывание» 1906

«Женщина с хлебом» 1905

«Два акрабата с собакой» 1905

«Туалет» 1906

Одну из известнейших картин П. Пикассо «Девочка на шаре» (1905), которая сейчас находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, некоторые специалисты называют переходной от «голубого» периода к «розовому».

«Девочка на шаре» 1905

Переломным моментом в творчестве Пикассо стал портрет Гертруды Штейн, написанный им в 1906 году.

Работа над портретом была тяжелой — художник около 80 раз переписывал портрет и в итоге Пикассо отдалился от портрета как жанра изобразительного искусства в своем классическом понимании. Все дальнейшее творчество Пикассо можно охарактеризовать всего лишь одной его фразой «Надо писать не то, что вижу, а то что знаю». Именно этой установки П. Пикассо и старался придерживаться до конца своей жизни.

Кубизм

Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Это время полного отказа от детализации персонажей: предмет и фон почти сливаются воедино, нет четко очерченных границ. Пикассо был убежден, что художник может больше, чем просто показывать то, что видит глаз.

Первый этап «сезанновский» он же «африканский» период. Этот этап отличается построением изображений с помощью простых- геометрических форм и преобладанием мутных размытых зеленых, охристых и коричневых тонов.

В 1907-1909 гг внимание художника было устремленно на африканское искусство, с которым он впервые познакомился в 1907 году на этнографической выставке в музее Трокадеро. Отныне в творчестве Пикассо стали преобладать простые, даже примитивные формы изображаемых предметов. В технике художник стал употреблять грубую штриховку. Первой картиной выполненной в «африканском» стиле считается «Авиньонские девицы» 1907 г.

Эта картина писалось автором на протяжении года. Ни с одной своей картиной Пикассо не работал так долго. В итоге эта работа так отличалась от предыдущих его картин, что была неоднозначно воспринята общественностью. Но нащупав новый, интересный для него стиль, Пикассо не собирался отступать и на протяжении 2 лет художник всячески развивал его.

Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)

«Фермерша» 1908

«Голова мужчины» 1907

«Купальщица» 1909

«Натюрморт с чашей и кувшином» 1908

«Обнаженная с драпировкой (Танец с покрывалами)» 1907

«Портрет Мануэля Пальяреса» 1909

«Три фигуры под деревом» 1907

«Бокалы и фрукты» 1908

«Бюст человека (Спортсмен)» 1909

«Женщина» 1907

В аналитическом периоде Пикассо пришел к осознанию того, что нужно полностью сосредоточиться на объеме и форме предметов, отодвинув на задний план цвет. Таким образом отличительной чертой аналитического кубизма стала монохромность. Так же стоит отметить структуру работ этого периода — художник словно дробит предметы на мелкие фрагменты. Между разными вещами пропадает грань и все воспринимается как единое целое.

Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)

«Человек с гитарой» 1911

«Человек со скрипкой» 1912

«Аккордионист» 1911

«Натюрморт с бутылкой ликера» 1909

«Поэт» 1911

«Портрет Фернанды» 1909

«Портрет Вильгельма Уде» 1910

«Сидящая обнаженная» 1910

«Женщина в зеленом» 1909

«Женщина в кресле» 1909

Началом синтетического периода стала картина «Воспоминания о Гавре», написанная Пабло Пикассо в 1912 г. В этой картине появились более яркие краски, не присущие аналитическому кубизму.

Монохромные работы вновь уступили место цвету. В основном на картинах этого периода преобладали натюрморты: бутылки вина, ноты, столовые приборы и музыкальные инструменты. Для разбавления абстрактности в работе над картинами использовались реальные предметы, такие как: веревки, песок, обои и т.д.

Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)

«Человек у камина» 1916

«Человек в цилиндре» 1914

«Бокал и игральные карты» 1912

«Гитара» 1912

«Натюрморт с фруктами на столе» 1914-1915

«Пьедестал» 1914

«Столик в кафе (Бутылка Перно)» 1912

«Харчевня (Ветчина)» 1914

«Зеленый натюрморт» 1914

«Человек с трубкой, сидящий в кресле» 1916

Несмотря на то, что кубизм активно критиковали многие, работы этого периода хорошо продавались и Пабло Пикассо наконец-то прекратил нищенствовать и переехал в просторную мастерскую.

Следующим периодом в творчестве художника стал неоклассицизм, которому положила начало женитьба Пикассо на русской балерине Ольге Хохловой в 1918 г. Этому предшествовала работа Пабло над декорациями и эскизами костюмов к балету «Парад» 1917 г. Именно выполняя эту работу художник познакомился с Ольгой Хохловой.

Занавес к балету «Парад» 1917

Программка балета Парад с рисунком Пикассо. 1917

Китайский маг, в костюме Пикассо, современная интерпретация, 2003

Персонаж французского «управителя» (зазывалы)

Этот период очень далек от кубизма: реальные лица, светлые тона, правильные формы… На подобные перемены в творчестве его вдохновляла русская жена, которая привнесла много нового в жизнь Пабло. Поменялся даже образ жизни художника — посещение светских раутов, костюмированных балетов и т.д. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано».

Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)

«Чтение письма» 1921

«Купальщицы» 1918

«Любовники» 1923

«Мать и дитя» 1921

«Ольга Хохлова в мантилье» 1917

«Ольга Пикассо» 1923

«Первое причастие» 1919

«Пьеро» 1918

«Портрет Ольги в кресле» 1917

«Портрет Паула» сына художника 1923

«Спящие крестьяне» 1919

«Три купальщицы» 1920

«Женщина с ребенком на берегу моря» 1921

«Женщина в мантилье» 1917

«Женщины, бегущие по берегу» 1922

В 1925 году художник написал картину «Танец», которая в полной мере отражает проблемы в личной жизни художника в это время.

Зимой 1927 года Пикассо встречает свою новую музу — семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер, которая стала персонажем многих картин периода сюрреализма. В 1935 году у пары родилась дочь Майя, однако в 1936 году Пикассо уходит от Марии Терезы и от Ольги Хохловой, с которой он так и не оформит официального развода вплоть до самой смерти Ольги в 1955 г.

Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)

«Акрабат» 1930

«Девушка, бросающая камень» 1931

«Фигуры на пляже» 1931

«Натюрморт» 1932

«Обнаженная и натюрморт» 1931

«Обнаженная на пляже» 1929

«Обнаженная на пляже» 1929

«Женщина с цветком» 1932

«Сон(портрет любовницы художника Марии Терезы Валтер)» 1932

«Обнаженная в кресле» 1932

«Обнаженная в кресле» 1929

«Поцелуй» 1931

В 30-е и 40-е годы героем многих полотен Пикассо стал бык, Минотавр. Минотавр в творчестве художника — олицетворение разрушительной силы, войны и смерти.

«Минотаврия» 1935


«Палитра и голова быка» 1938


«Баранья голова» 1939

«Натюрморт с бычьим черепом» 1942

«Череп быка, фрукты, кувшин» 1939

«Три бараньи головы» 1939

Весной 1937 года маленький город Испании Герника немецкие фашисты буквально стерли с лица земли. Это событие Пикассо не мог оставить без внимания и так на свет появилась картина «Герника». Эту картину можно назвать апофеозом темы Минотавр. Размеры картины впечатляют: длина — 8 м, ширина — 3,5 м. Известен один случай, связанный с картиной. Во время обыска, который устроил гестапо офицер-нацист обратил внимание на картину и спросил Пикассо: «Это вы сделали?» на что художник ответил «Нет. Это сделали вы!».

«Герника» 1937

Параллельно полотнам о Минотаврах, Пабло Пикассо создает серию о монстрах . Эта серия выражает позицию художника во время гражданской войны в Испании, в которой он поддерживал республиканцев и выступал против политики диктатора Франко.

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

Всю Вторую мировую войну Пабло Пикассо жил во Франции, где художник в 1944 году стал членом Французской коммунистической партии.

Работы военного времени (1937-1945)

«Фазан» 1938

«Голова женщины в шляпе» 1939

«Мария Тереза в венке» 1937

«Мастерская художника» 1943

«Майя с куклой» 1938

«Молящая» 1937

«Натюрморт» 1945

«Плачущая женщина с платком» 1937

«Птицы в клетке» 1937

«Раненная птица и кот» 1938

«Склеп» 1945

«Женщина в красном кресле» 1939

В 1946 году художник работал над картинамии панно для замка семьи Гримальди в Антибе (курортный город Франции). В первом зале замка было установлено панно под названием «Радость жизни». Основными персонажами этого пано были сказочные существа, фавны, кентавры и обнаженные девушки.

«Радость бытия» 1946

В этом же году Пабло познакомился с молодой художницей Франсуазой Жило, с которой они поселились в замке Гримальди. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В это время художник часто рисовал своих детей и Франсуазу, но долгой идиллия не продлилась: в 1953 году Франсуаза забрала детей и ушла от Пабло Пикассо. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Доказательство тому рисунки тушью, на которых уродливый старик-карлик с красивой молодой девушкой.

Один из самых известных символов «Голубя мира» был создан в 1949 году. Впервые он появился на Всемирном конгрессе сторонников мира в Париже.

В 1951 году Пикассо была написана картина «Резня в Корее», которая повествует о зверствах той «забытой» войны.

«Резня в Корее» 1951

В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Именно в этом городе он увлекся керамикой. Вдохновила Пикассо на такое увлечение ежегодная выставка керамики в Валлорисе, которую он посетил еще в 1946 году. Особый интерес художник проявил к изделиям из мастерской Мадура, в которой он позже и работал. Работа с глиной позволяла признанному живописцу и графику забыть ужасы войны и окунуться в иной радостный и безмятежный мир. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи… Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо» И. Каретников, вышедшая в 1967 году.

Пикассо в мастерской Мадура

Девушка перед зеркалом, Пабло Пикассо

Девушка перед зеркалом был написан в марте 1932 года. Он был выполнен в стиле, который использовал Пикассо в то время. и вызвал образ тщеславия, который использовался в искусстве в более ранние эпохи, хотя Пикассо сдвигает акцент и создает совсем другой вид изображения. Работа рассматривается с точки зрения эротика в творчестве Пикассо, а критики в разные периоды давали свои оценки произведению показать широкий спектр реакций.

Девушку звали Мари Тереза ​​Вальтер, и в 1930-х годах Пикассо неоднократно рисовал ее.

Девушка перед зеркалом был написан в период кубизма Пикассо. Пикассо был очень смелым художником. с его работами. Даже с фоном, который обычно используется в качестве фона и в основном помогает основной предмет. Он включает это в картину, чтобы сделать ее столь же интенсивной, как и главный фокус картины. изображение.

Пикассо был частью движения, которое впоследствии стало известно как модернизм, имя, которое включало в себя ряд разные художественные стили и эстетические отклики. Термин «модернизм» задним числом применяется к определенным литературно-художественные направления начала ХХ века. Разрозненное чувство времени, полет от условностей реализма и принятия сложных новых форм и стилей в период модернизма были предприняты, чтобы придать новый смысл, осветить мир по-другому и показать разные отношения в наблюдаемом мире.Модернизм отверг традиции, существовавшие в девятнадцатом веке. и стремился раздвинуть границы.

Если вы внимательно посмотрите на изображение, вы можете интерпретировать множество разных символов в разных частях изображения. картина. Женское лицо, например; раскрашивается с боковым профилем и изображением во весь фронт. Одна сторона показывает дневное время, когда она больше похожа на женщину, одетую с накрашенным макияжем.Другая сторона с грубая текстура древесного угля изображает ее ночью. Когда она снимает маску с макияжа и становится более уязвимой как юная леди. Один из способов интерпретации картины — это когда женщина смотрит на себя в зеркало; она видя себя старухой. От зеленого пятна на лбу, потемнения черт лица до линии, которые показывают, что ее молодое тело было искажено, и гравитация заняла свое законное место.Другой способ рассматривать картину таков, что она застенчива, и она видит в себе все недостатки, которые мир не видит.

Картины Пабло Пикассо

Когда мы думаем о живописи, мы думаем о Пикассо. Здесь мы исследуем его различные стили, средства и невероятные достижения, а также галерею его самых известных работ.

Стиль живописи Пикассо значительно меняется на протяжении его карьеры, принимая во внимание множество различных влияний.Это был человек, который максимально использовал творчество, всегда пытался заново изобретать новые способы изображения объектов, которые он уже покрыл. Семья художника имела артистическое образование, и ему сразу же было предложено следовать реалистическому стилю, которому научил его отец. Только после того, как он вырвался из этого жесткого семейного контроля, он начал получать удовольствие от новых идей и влияний. Мадридский Прадо познакомил его с работой таких художников, как Гойя и Эль Греко. Это открыло ему глаза на мир за гранью реализма, где на первый план выходит экспрессия художника.С этого момента его уже не было сдерживать.

Новый модернистский подход был разработан Пикассо после переезда в Париж. Он оставался во Франции большую часть своей оставшейся жизни, и его работы в течение этого продолжительного периода можно разделить на категории Голубого периода, периода роз, африканского влияния, кубизма, классицизма и сюрреализма, прежде чем он пришел к его последним годам. В начале 20 века в его творчестве преобладали синие и оттенки зеленого.1901–1904 годы были названы «Голубым периодом» и ознаменовались трудным временем для художника, о чем свидетельствует мрачный характер его творчества в эти годы. Его борьба привела его к контакту с другими низшими слоями общества, и эти переживания фигурируют во многих произведениях искусства того периода. Его можно сравнить с ранними работами Ван Гога с более мрачными названиями, такими как «Едоки картофеля» до того, как он переключился на яркие тона Южной Франции.

Оранжевые и розовые оттенки с игривыми цирковыми персонажами и арлекинами ознаменовали возросшее счастье Пикассо в период его розового периода 1904–1906 годов.Многие из его портретов того времени изображали влюбленных в приподнятых размышлениях, поскольку художник, казалось, победил своих внутренних демонов. Влияния примитивистов, такие как африканское искусство, преобладали в годы после периода роз. Во Франции Анри Матисс, Пабло Пикассо и группа художников-единомышленников начали объединять идеи африканской скульптуры с постимпрессионистскими достижениями Поля Сезанна и Поля Гогена. Развитие картин, таких как Les Demoiselles d’Avignon, подтолкнуло европейское искусство к новым областям и помогло вызвать период кубизма, который вскоре последовал за ним.Принятые принципы формы теперь были оспорены несколькими различными художественными движениями, причем Пикассо возглавлял кубистов с 1909 года в течение примерно десяти лет.

Брак и Пикассо экспериментировали с элементами объектов, меняя их расположение, чтобы создать свои собственные композиции. Это направление в искусстве помогло бросить вызов идеям о том, что реально, а что нет на холсте. Несколько других значительных движений в искусстве возникли в результате того, что здесь было создано.Заклинание в Италии убедило Пикассо временно вернуться к своим классическим корням, прежде чем погрузиться в сюрреализм. В некоторых из этих картин начали появляться политические элементы, часто в монохромной цветовой гамме, например. Герника. В последние годы карьеры Пикассо было использовано все, что он узнал за предыдущие десятилетия. Со временем он решил быть еще более амбициозным, чем раньше, стать крупнее и смелее. См. Также отпечатки Пикассо здесь. Были также редкие работы, которые напоминали нам о его классическом воспитании, воспроизводя известные работы той эпохи в его собственных новых современных стилях.Множество картин, написанных Пикассо в последние годы его жизни, теперь широко признаны началом движения неоэкспрессионизма.


Это самые известные картины Пабло Пикассо,

Blog Home

11 апреля 2016 г.

Определить количество самых известных картин Пабло Пикассо — непростая задача.Пабло Пикассо (иначе известный под своим полным именем при крещении — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено де лос Ремедиос Криспин Сиприано де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо) внесен в Книгу рекордов Гиннеса как самый плодовитый профессиональный художник в истории. Он создал от 1300 до 1900 картин в период между его первым уроком рисования в возрасте 7 лет и своей смертью в 91 год. Однако самым примечательным является не количество картин Пикассо, а то, сколько из них считается шедеврами.Понимая, что ни один список топ-10 Пикассо не может быть бесспорным, наша скромная попытка включает в себя известные работы каждого из его многочисленных этапов, проливая свет на всю его впечатляющую карьеру.

Голубой период (1901–1904)

Эта эпоха названа так из-за синих оттенков, преобладающих во многих картинах Пикассо того времени. Пикассо объяснил свой выбор рисовать только блюз депрессией, которую он испытал после смерти своего друга Карлоса Касагемаса, который выстрелил себе в голову в парижском кафе.Одна из самых любимых работ Пикассо в синем цвете — это Старый гитарист , на котором изображен изможденный пожилой мужчина в лохмотьях, сидящий на земле и играющий на гитаре.

Пабло Пикассо — Старый гитарист, 1903 год. Масло. 122,9 см × 82,6 см. Чикагский институт искусств. © Поместье Пабло Пикассо, 2019 / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Период роз (1904–1906)

В 1904 году Пикассо влюбился в Фернанду Оливье и изменил направление своего творчества. стиль двумя способами.Во-первых, при переходе от горя к романтике он перестал рисовать голубыми оттенками и перешел на оттенки розового. Во-вторых, он перешел от скрупулезного изображения человеческой формы к более стилизованному человеческому изображению. Самый известный образец этого периода — Мальчик с трубкой .

Пабло Пикассо — Гарсон а ля трубка (Мальчик с трубкой), 1905. Холст, масло. 100 см × 81,3 см. Мемориальная коллекция Хелен Берч Бартлетт. 1926. 253. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

Африканский период (1907 — 1909)

Под влиянием произведений африканских народных художников, в частности их масок, Пикассо освободился от нужды изображать человеческие лица в традиционной манере.Одновременно его вдохновила плоскостность более поздних работ Поля Сезанна, умершего в 1906 году. В это время бурных экспериментов Пикассо значительно сократил визуальный язык своих картин, все больше склоняясь к абстракции. Самая значительная картина этого периода — Les Demoiselles d’Avignon , которая считается прото-кубистской, поскольку содержит все основные элементы, которые в конечном итоге стали определять этот стиль.

Пабло Пикассо — Les Demoiselles d’Avignon, 1907.Масло на холсте. 243,9 см × 233,7 см. Музей современного искусства, Нью-Йорк. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

Кубизм и коллаж (1908-1912)

Кубизм был одним из самых влиятельных движений в истории абстрактного искусства, и Пикассо считается изобретатель стиля, в котором двухмерность сочетается с использованием множества перспектив и сведением форм к геометрическим фигурам. Помимо изобретения кубизма, Пикассо и его современник Жорж Брак одновременно начали экспериментировать с добавлением в свои работы детрита, такого как измельченная бумага, веревка и ткань.Одна из самых известных работ Пикассо того времени, «Натюрморт со стулом Канинга» , помимо того, что является оригинальной кубистской работой, также представляет собой изобретение коллажа.

Пабло Пикассо — Натюрморт с плетением стула, 1912 год. Клеенка, масло, холст, окантованный веревкой. 29 × 37 см. Музей Пикассо. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

Неоклассицизм (1918-1928)

В 1918 году, незадолго до окончания Первой мировой войны, Пикассо женился на своей первой жене Ольге Хохловой .Ольга была балериной, с которой Пикассо познакомился, когда создавал декорации и костюмы для постановки Parade . Послевоенные социальные круги, в которых путешествовали Пикассо и Ольга, внесли свой вклад в новую эволюцию работ Пикассо, поскольку он тяготел от кубизма к более классическому стилю живописи (хотя он возвращался к кубистским тенденциям на протяжении всей остальной части своей карьеры). Прекрасным примером такой эволюции стиля является картина Пикассо с изображением его новой жены в 1918 году.

Пабло Пикассо — Портрет Ольги в кресле, 1918. Холст, масло. 130 х 88,8 см. Музей Пикассо Париж, Париж, Франция. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

Сюрреализм (1928-1948)

С начала 1920-х годов область сюрреализма начала процветать во всех искусствах. Как и многие художники того времени, Пикассо глубоко интересовался сюрреалистическими теориями, которые пытались примирить жизнь мечты человечества с реальностью.Некоторые из ранних сюрреалистических работ Пикассо включены в то, что некоторые называют его «Костным периодом», в котором он изображал человеческие фигуры, напоминающие гротескные коллекции фрагментов костей.

Пабло Пикассо — Фигуры на берегу моря, 1931 год. Холст, масло. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

Другие картины Пикассо, созданные в это время, исследовали новые направления в абстракции, включая упрощение и искажение фигур и лиц.Одна из его самых известных картин этого периода называется « Сон » и представляет собой сексуальное изображение любовницы художника. В эту эпоху также возрос интерес Пикассо к теме Минотавра. За 30 лет, с 1928 по 1958 год, Пикассо написал огромное количество картин и рисунков с участием Минотавра, очевидно очарованный подтекстом природы этого существа как получеловека-полуживотного пленника Лабиринта.

Пабло Пикассо — Минотавр с мертвой лошадью перед пещерой лицом к лицу с девушкой в ​​пелене, 1936.Гуашь, тушь, бумага. 65,6 х 50,4 см. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

Герника (1937)

С 1936 по 1939 год Испания находилась в состоянии гражданской войны между националистическими и республиканскими силами. Националисты были связаны с фашистскими державами в Германии и Италии. Весной 1937 года немецкие и итальянские самолеты бомбили баскскую деревню Герника по просьбе испанских националистов. Это был первый случай, когда современные военно-воздушные силы атаковали безоружное гражданское население.Ранее в том же году испанские республиканцы поручили Пикассо нарисовать фреску для Всемирной выставки 1937 года в Париже. Работа Пикассо, созданная для ярмарки, отреагировала на бомбежку. Названный Герника , он показывает груды искореженных тел в агонии среди городских руин. Считается его шедевром. В произведении сочетаются различные эстетические подходы — от кубизма до неоклассицизма и сюрреализма. Использование черного, белого и серого цветов напоминает новостную фотографию, ссылаясь на то, что он раньше использовал вырезки из новостей в своих коллажах, и стирает границу между искусством и журналистикой.

Пабло Пикассо — Герника, 1937. Холст, масло. 349 см × 776 см. Национальный музей Centro de Arte Reina Sofía. © Поместье Пабло Пикассо, 2019 / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

После Второй мировой войны

До своей смерти в 1973 году Пикассо продолжал заниматься искусством, часто возвращаясь к методам и стилям, которые он изучал ранее в своей жизни. Он стал самым известным в мире художником из ныне живущих, и ему было поручено создать все, от крупномасштабных общественных работ до обычных предметов домашнего обихода.В 1953 году он встретил женщину, которая стала его второй женой, Жаклин Рок. Пикассо в то время было 72 года; Жаклин было 27 лет. Его картина с ее изображением 1954 года является примером зрелой эстетики мастера-художника на пике успеха.

Пабло Пикассо — Жаклин с цветами, 1954. Холст, масло. 29 x 24 дюйма. Музей Пикассо, Париж, Франция. © Поместье Пабло Пикассо, 2019 / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Изображение: Пабло Пикассо — Le Rêve (Мечта), 1932.Масло на холсте. 130 см × 97 см. Частная коллекция. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк
Все изображения использованы только в иллюстративных целях
Филип Барсио

Пять известных произведений Пабло Пикассо, которые вы должны знать

Главная »Художники» Пять знаменитых произведений Пабло Пикассо, которые вы должны знать

Пять знаменитых произведений Пабло Пикассо Знаменитые произведения, которые вы должны знать!

Художник Пабло Руис Пикассо родился в Испании, но большую часть своей сознательной жизни провел во Франции.Испанец начал рисовать в возрасте семи лет и продолжал рисовать и творить, пока не умер в возрасте 91 года.

Пикассо также был невероятно плодовит при своей жизни. Он создал около 50 000 произведений искусства. Это включало более 1800 картин, более 4000 скульптур и керамических изделий, около 12000 рисунков и тысячи гравюр. Кроме того, Пикассо создавал гобелены и коврики.

Уникальный художественный стиль Пабло Пикассо продолжал меняться на протяжении всей его карьеры. В разные периоды жизни испанец продолжал расширять художественные границы, создавая уникальные произведения искусства.Сегодня Пикассо признан одним из самых влиятельных и значимых художников 20 века.

Ниже приведен список из пяти известных работ Пикассо, которые показывают, как он раздвигал художественные границы и творил, как никто другой!

1. Трагедия (1903)

Картина Пабло Пикассо « Трагедия » во время его голубого периода. В этот период на большинстве картин Пикассо изображены мрачные сцены страданий и отчаяния. Также он писал преимущественно в оттенках синего.

Голубой период Пикассо — трагедия

Во время голубого периода сам Пикассо переживал тяжелые эмоциональные времена.Он направил свои личные страдания в революционную форму художественного выражения. Трагедия — прекрасный тому пример.

Трагедия изображает трех фигур, свернувшихся на пляже. Это не разгадка самой трагедии, а скорее чувство печали, которое испытывают эти фигуры. В этой картине Пикассо мастерски передал человеческий опыт трагедии и страданий. Эмоции, изображенные на этом полотне, универсальны и находят отклик у каждого, кто его видит.

Вы можете увидеть эту картину в Национальной галерее искусств в Вашингтоне.

2. Les Demoiselles d’Avignon (1907) — Молодые дамы Авиньона

Пикассо закончил картину Les Demoiselles d’Avignon в 1907 году. Первоначальным намерением испанца было нарисовать типичную сцену публичного дома с проститутками и их клиентами-мужчинами . Однако со временем (а на самом деле Пикассо потребовалось два года, чтобы завершить эту картину), Пикассо отошел от своей первоначальной идеи.

Конечным результатом стала новаторская картина пяти женщин в кубистическом, абстрактном и почти коллажном стиле. Эта картина считается отправной точкой революционного художественного движения кубизм.

Когда Пикассо выставлял эту картину, ее предмет и уникальный стиль вызвали огромное количество споров и споров. Мир искусства и его друзья ненавидели эту картину.

Les Demoiselles d’Avignon

Жорж Брак, сам художник и близкий друг Пикассо, утверждал, что Пикассо, должно быть, выпил бензин, чтобы пролить огонь на холст.Коллекционер современного искусства Сергей Иванович Щукин сказал: «Какая потеря для французского искусства!» когда увидел эту картину!

Однако на протяжении всей истории искусства мы видим, что миру искусства иногда требуется время, чтобы оценить революционные произведения искусства. Так было и с Les Demoiselles d’Avignon .

Сегодня Les Demoiselles d’Avignon провозглашены важной картиной в истории искусства. Он по-прежнему вызывает жаркие споры, но он также демонстрирует, как искусство развивается с течением времени, раздвигая границы того, что приемлемо в мире искусства.

Как и предыдущие импрессионисты, видение искусства Пикассо и его использование совершенно новых стилей и техник открыли путь другим художникам к самовыражению.

Les Demoiselles d’Avignon висит на стенах Музея современного искусства в Нью-Йорке.

3. Ма Джоли (1912)

Знаменитая картина Пикассо под названием « Ма Джоли » (по-английски: «Моя красивая девушка») была вдохновлена ​​припевом популярной песни, которую Пикассо любил слушать, когда жил в Париже.На картине также изображена красивая молодая любовница Пикассо, Ева Гуэль, которую он называл ma jolie.

Пикассо начал эту картину зимой 1911 года, но завершил ее в 1912 году. Он написал эту картину в стиле аналитического кубизма. Аналитический кубизм был первым этапом в развитии искусства кубизма. Для этого стиля характерно сведение форм к основным геометрическим элементам и использование однотонных цветов .

Ма Джоли (1812) — одно из известных произведений Пабло Пикассо

Мир искусства считает эту картину революционной.Пикассо объединил язык, используя черные буквы, и символику через музыкальные элементы. Он также заложил основы абстрактной формы.

Эта картина не похожа на традиционный портрет. Пикассо предпочитает использовать небольшие скрытые и символические элементы для изображения своего предмета. И снова Пикассо раздвигает свои художественные границы до форм и стилей, которых еще не видел мир искусства.

Картину Ма Джоли можно посмотреть в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Как партнер Amazon я буду получать небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас, если вы сделаете покупку по ссылкам ниже.

Герника (1937)

Герника — одна из САМЫХ известных картин Пикассо. Мир искусства считает его одним из самых трогательных и мощных антивоенных шедевров, когда-либо созданных.

Пикассо нарисовал Герника в ответ на бомбардировку нацистами и разрушение баскского города Герника во время гражданской войны в Испании.Когда Пикассо завершил эту картину, она отправилась в международное мировое турне. Картина имела мгновенный успех и, что более важно, помогла привлечь внимание всего мира к гражданской войне в Испании.

Герника — одно из самых известных произведений Пабло Пикассо

Даже сегодня картина Пикассо Герника привлекает миллионы посетителей. К сожалению, темы человеческих страданий в трагедиях войны Пикассо неподвластны времени. Эта картина продолжает сильно резонировать с этими темами для всех, кто ее видит.

Сегодня вы можете увидеть Герника в музее королевы Софии в Мадриде. Чтобы узнать больше об этой пронзительной и важной картине, нажмите здесь.

Les Femmes d’Alger (1955 — версия O) —
Самая известная и дорогая картина Пикассо

Между 1954 и 1963 годами Пикассо иногда писал свои собственные версии картин старых мастеров. Одной из картин, которые наполнили его трепетом, была картина Эжена Делакруа под названием: Les Femmes d’Alger (Женщины Алжира) .На основе этой картины Делакруа Пикассо воссоздал пятнадцать картин маслом зимой 1954-55 годов (версии от А до О).

Увлечение Пикассо Делакруа началось еще в 1940 году и на протяжении этого десятилетия. Находясь в Париже, он регулярно посещал Лувр и всегда тяготел к картине Делакруа « Les Femmes d’Alger ».

Картина Эжена Делакруа под названием: Les Femmes d’Alger

Воссоздание испанцем картины Делакруа Les Femmes d’Alger лишь отчасти основано на оригинале.В типичном для Пикассо стиле он искажает женские тела, рисует более яркими красками и добавляет элементы кубизма и абстрактного искусства.

Искусствоведам особенно понравилась версия О, последняя картина из этой серии. Они сказали следующее:

Американский искусствовед Лео Стейнберг написал:
« В Canvas O все сводится воедино… синтез на многих уровнях ».

Джерри Зальц из New York Magazine назвал версию O
« эпическим мастер-классом о способах живописи, истории искусства, цвете, структуре и форме .

В 2015 году картина Пикассо Les Femmes d’Alger (версия O) установила новый мировой рекорд по самым дорогим произведениям искусства, когда-либо проданным на аукционах. Он был продан за 160 миллионов долларов.

Les Femmes d’Alger (версия O) — одна из самых известных и дорогих картин Пикассо.

Чтобы узнать больше о Пабло Пикассо и его работах, нажмите на статьи ниже.

Новый музей Пикассо в Экс-ан-Провансе

Лучшие художественные музеи во Франции

Музеи Пикассо в Европе

10 самых известных картин Пабло Пикассо

Имя Пабло Пикассо фактически является синонимом современного искусства.Как бы вы ни наблюдали за его карьерой, нельзя отрицать тот факт, что картины Пабло Пикассо изменили ход истории искусства своими революционными нововведениями. Легендарный испанский художник полностью трансформировал множество сред, создав так много работ, что трудно полностью осознать его достижения. По оценкам, Пикассо за свою жизнь создал около 13 500 изображений и рисунков, около 100 000 гравюр и гравюр, 34 000 книжных иллюстраций и более 300 скульптур. Этому способствовала увлекательная трудовая этика испанского художника, поскольку Пикассо создавал произведения буквально без перерыва с 1900 по 1973 год, когда он умер. Что еще более впечатляет, чем эти невероятные цифры, так это осознание того, что все, что написал Пикассо, было по сути инновационным. К счастью, мы не можем знать это как факт, но совершенно логично утверждать, что многие художественные движения 20-го века не возникли бы без влияния картин Пабло Пикассо.

Трансформация картин Пикассо

Как это часто бывает со всеми авангардными движениями , причина важности художника мало связана с его техническим мастерством.Вместо этого о представителях таких движений судили по их креативности и способности мыслить нестандартно — в чем Пикассо был чрезвычайно хорош. Однако это не должно приводить к ошибочному выводу о том, что Пикассо не был способен рисовать на таком уровне, как некоторые из величайших художников в истории. Фактически, мастерство Пикассо могло соперничать с некоторыми из крупнейших художников 19 века, такими как Каспар Давид Фридрих и Теодор Жерико, когда ему было всего тринадцать лет! К своему пятнадцатилетию Пикассо был способен рисовать, как любой великий итальянский мастер.Из-за такого несравненного таланта он считался вундеркиндом в художественных кругах, а ранние картины Пабло Пикассо рассматривались их современниками как чудеса. Хотя эта увлекательная способность сама по себе является невероятным достижением, истинная ценность Пикассо не имеет к этому никакого отношения. На самом деле, именно в этот момент он осознал, что технические навыки не могут продвинуть его дальше, что эффективно положило начало роли Пабло Пикассо в истории искусства.

Насколько важны картины Пабло Пикассо?

Это было целое собрание влияний в его жизни, начиная от изображений Поля Сезанна и изображений Анри Руссо джунглей до архаического и племенного искусства, которые в конечном итоге сформировали визуальный словарь Пикассо после 1906 года.Примерно в то же время Пабло Пикассо впервые начал придавать своим фигурам больше веса и структуры — решение, которое поставило его работу на путь кубизма. Во время этого знаменитого авангардного движения, которое Пикассо сформировал и разделил с другим художником Жоржем Браком , Пикассо деконструировал условности перспективы, которые доминировали в живописи со времен Возрождения. Кубизм сломал мертвую хватку репрезентативной тематики в искусстве и задал темп для других художников 20-го века , что имело далеко идущие последствия практически для всего современного искусства. Поскольку выбрать десять самых интересных картин Пабло Пикассо — чрезвычайно сложная задача, мы не осмелились ранжировать их. Вместо этого мы организовали их в хронологическом порядке, представив их таким образом, чтобы отобразить все эмоции, страсти, ненависть и страхи художника в точном порядке, в котором их испытал сам Пикассо.

Совет редакции: Пикассо: 200 шедевров с 1898 по 1972 год

Помимо обзора самых известных картин Пабло Пикассо, эта книга также освещает некоторые другие, менее известные произведения.Поскольку Пикассо на протяжении всей своей жизни был чрезвычайно плодовитым художником, есть логика, что многие редко увиденные работы хранятся в частных коллекциях, спрятанных от публики и ее любопытных глаз. Пикассо: 200 шедевров с 1898 по 1972 год «» представляет более 250 таких произведений, которые все были показаны на выставке в миланском Palazzo Reale осенью 2001 года. Поскольку выставка не проходила, эта книга теперь предлагает миру способ увидеть эти шедевры. Они включают в себя масляные изделия, акватинты, гравюры, скульптуры и терракоты всех периодов творчества Пабло, а также текстиль, например, русские балетные костюмы, созданные Пикассо для Дягилева.Цель этой книги — открыть творчество и личное наследие Пикассо более широкому кругу общественности. В нем также представлены все женские портреты, когда-либо созданные Пабло Пикассо.

Избранные изображения: Портрет Пабло Пикассо — Изображение через Magnum photos; Портрет Пабло Пикассо рядом с его питомцем — Изображение с godubrovnik.com; Пабло Пикассо в шляпе с револьвером и кобурой, предоставленными Гэри Купером, Канны, 1958 г. — Изображение с imgur.com

Старый гитарист, 1903-04 гг.

Старый гитарист — картина маслом, которую Пабло написал где-то между 1903 и 1904 годами.На этой темной картине Пикассо изображен слабый старик, склонившийся над гитарой и играющий на своем инструменте на улицах Барселоны. Говорят, что Пикассо написал это произведение после того, как его близкий друг Касагемас решил покончить с собой. Это было также время, когда он с сочувствием относился к обездоленным и пораженным бедностью. Представляя нам визуальные эффекты, сравнимые с суровой работой Эль Греко, Старый гитарист часто называют венцом голубого периода Пикассо.

Показанное изображение: Старый гитарист, 1903 г. — Изображение с сайта alternatearts.ca

Арлекин со стеклом, 1905 год

Арлекин со стеклом был написан Пикассо в 1905 году. Именно в это время стиль художника претерпел серьезные изменения, отчасти вызванные личными причинами. Начав с этого красочного произведения, Пабло оставил позади безрадостный мир Голубого периода и обратил свое внимание на новый вид образов. Кроме того, Пикассо представил новые цвета, которые характеризуют Harlequin с Glass .Художник уже не так пессимистичен, и впервые в своей карьере Пикассо действительно прославляет жизнь. Это лишь одна из нескольких картин Пикассо, на которых художник запечатлел жизнь артистов цирка и карнавала, которые он часто бывал время от времени.

Посмотрите и изучите другие работы Пабло Пикассо!

Показанное изображение: Арлекин со стеклом, 1905 г. — Изображение предоставлено metmuseum.org

Мальчик с трубкой, 1905 год

Мальчик с трубкой был написан в 1905 году, когда Пикассо было 24 года.Он был создан во время его знаменитого периода роз, вскоре после того, как художник поселился в легендарном районе Монмартр в Париже. На этой масляной картине изображен парижский мальчик, держащий трубку в левой руке и с гирляндой или венком из цветов на голове. Говорят, что подготовка к Мальчик с трубкой была длительным процессом, так как Пикассо поместил молодого человека во все типы поз, которые включали стояние, сидящие или прислоненные к стене. После долгих перестановок модели Пабло Пикассо в конце концов решил пойти с мальчиком. Мальчик с трубкой — важная веха, заложившая основу для многих будущих картин Пикассо.

Показанное изображение: Мальчик с трубкой, 1905 г. — Изображение взято с wikimedia.org

Les Demoiselles d’Avignon, 1907 год.

Знаменитая картина Les Demoiselles d’Avignon была написана в 1907 году и является одной из самых образцовых моделей величайших нарушителей правил в истории искусства. Эта внутренняя сцена борделя в Барселоне представляет новые авангардные концепции кубизма и представляет собой картину, которая полностью отходит от традиционной композиции и представления живописи.В Les Demoiselles d’Avignon Пикассо использовал искаженные женские тела и геометрические формы, развивая новый визуальный словарь кубизма. Пикассо работал над этим произведением более девяти месяцев. Необработанный и примитивный стиль картины заимствован из африканского искусства, которое Пикассо увидел в парижском музее этнографии Трокадеро , , и считается одной из самых известных картин Пабло Пикассо.

Featured Image: Les Demoiselles d’Avignon, 1907 — Изображение с Викимедиа.орг

Девушка с мандолиной, 1910 год

Как свидетельствует Девушка с мандолиной , живописный язык картин Пикассо уже к зиме 1910 года становился все труднее расшифровывать. Это один из самых интересных примеров, которые история имеет в своем арсенале в этом отношении. Образы Пабло становились все более абстрактными, но не совсем. Пикассо неуклонно лишал свои изображения простого сходства, что бесспорно, но это было не то же самое, что постепенное устранение предмета, обычно обнаруживаемого, например, в работе Василия Кандинского .Несмотря на значительные проблемы анализа и интерпретации, которые представляет эта картина, Девушка с мандолиной ни в коем случае не лишена реализма.

Показанное изображение: Девушка с мандолиной, 1910 — Изображение с сайта weebly.com

Мужчина с трубкой, 1915 год

1915 год был для Пикассо мрачным. В то время как некоторые из его коллег-художников, такие как Брак, участвовали в Первой мировой войне, современное общество относилось к Пикассо с подозрением, поскольку он был молод и здоров, но не участвовал в битвах и не выполнял свою часть работы.Определенно созданный под эмоциональным воздействием такой неудобной ситуации, Человек с трубкой был написан в 1915 году. Вся красочная композиция подчеркнута спокойным юмором и чувством хладнокровия — качествами, которые Пикассо не часто имел в своем репертуаре. Использование точек в стиле пуантилистов и точек знаменует возвращение Пикассо к исследованию цвета, а также его интерес к развитию процессов дизайна интерьера.

Показанное изображение: Человек с трубкой, 1915 г. — Изображение через taggreen.com

Ле Рев, 1932 год.

Le Rêve — картина маслом 1932 года, которую Пабло Пикассо написал в возрасте 50 лет. В нем художник изобразил свою 22-летнюю любовницу Мари-Терезу Вальтер. Хотя нет никакого способа подтвердить это как факт, говорят, что он был написан всего за один день. Это венец периода искаженных изображений Пикассо, для него характерны упрощенные очертания и контрастные цвета, напоминающие ранний фовизм года. Le Reve , что по-французски означает Сон , часто называют одной из самых эротических картин Пикассо, когда-либо созданных — даже говорят, что художник изобразил собственное мужество на перевернутом лице Мари-Терезы Вальтер.

Featured Image: Le Reve, 1932 — Изображение предоставлено artpaintingartist.org

Девушка перед зеркалом, 1932 год

Написано в марте 1932 года, Девушка перед зеркалом представляет нам еще одно изображение французской любовницы Пикассо, Мари-Терез Вальтер.Вся работа служит определенным руководством к кубизму — художник берет объект, разбивает его на более простые части, а затем воссоздает эти элементы на холсте, изображая геометрические формы. Тема Девушка перед зеркалом — это размышление о женском тщеславии и страхе старения. Яркие визуальные эффекты быстро уступают место пугающему изображению женщины, смотрящей в темную и искаженную бездну своего будущего «я», опасаясь неизбежного, которое обязательно наступит.

Показанное изображение: Девушка перед зеркалом, 1932 — Изображение предоставлено третьим днем.com

Герника, 1937 год.

Наверное, лучший пример того, как искусство может давать сильные политические комментарии. Герника — это композиция, созданная в 1937 году и считающаяся одной из самых известных картин Пикассо. С тематической точки зрения, в нем рассказывается об ужасающих бомбардировках, которые нацистские силы использовали во время оккупации баскского города Герника во время гражданской войны в Испании. Помня об этом, Пабло изобразил трагедии войны и страдания невинных мирных жителей.Стиль Guernica — это уникальное сочетание пасторали и эпоса. Этот шедевр высотой одиннадцать футов и шириной двадцать пять футов является громким и мощным обвинением против войны. К сожалению, в 1974 году на пути к этой картине случилось ужасное событие. Художник Тони Шафрази, впоследствии ставший галеристом, искалечил картину аэрозольной краской. К счастью, MoMA удалось восстановить Guernica , потому что Шафрази был по крайней мере достаточно предусмотрительным, чтобы использовать краску, которую можно было легко счистить.Однако это событие наложило отпечаток на состав, и Guernica уже никогда не был прежним.

Featured Image: Guernica, 1937 — изображение с jkrweb.com

Дора Маар в Шате, 1941 год.

Дора Маар в чате — это картина, написанная Пикассо в 1941 году. На ней изображен хорватский любовник испанца, который изображен сидящим на стуле с миниатюрной кошкой на плечах. По его собственному признанию, у Пикассо были десятилетние отношения с Дорой Маар, и за это время он много раз писал ее портреты, причем большинство изображений было крайне антагонистическим.Тем не менее, Dora Maar au Chat 1941 года считается наименее враждебной картиной Доры Маар, а также одной из самых выразительных картин Пикассо, которые он когда-либо создавал. Необычайное внимание к деталям подчеркивает величие этого шедевра.

Показанное изображение: Дора Маар в Чате, 1941 — Изображение взято с сайта thirddime.com

Обзор движения кубизм | TheArtStory

«Кубизм — это все равно что стоять в определенной точке на горе и смотреть по сторонам.Если вы подниметесь выше, все будет выглядеть иначе; если вы опуститесь ниже, они снова будут выглядеть иначе. Это точка зрения ».

1 из 14

« Кубизм — это не реальность, которую можно взять в руки. Это больше похоже на духи, перед вами, позади вас, по бокам, запах везде, но вы не совсем знаете, откуда он. «

2 из 14

» Цель, которую я поставил перед собой кубизм? Рисовать и не более того … методом, связанным только с моей мыслью.. Ни хорошего, ни истинного; ни полезное, ни бесполезное ».

3 из 14

« Что меня очень привлекало — и это было основным направлением продвижения кубизма — так это то, как дать материальное выражение этому новому пространству, о котором я подозревал. Так что я начал писать в основном натюрморты, потому что в природе существует тактильное, я бы сказал, ручное пространство … это была самая ранняя кубистская живопись — поиски космоса ».

4 из 14

« Если бы я назвали кубизм новым порядком, без каких-либо революционных идей или каких-либо реакционных идей… Невозможно уйти от своей собственной эпохи, какой бы революционной она ни была ».

5 из 14

« Кубизм движется вокруг объекта, захватывая несколько последовательных проявлений, которые сливаются в один образ, воссоздают его во времени ».

6 из 14

«Было традицией изображать танцора, застывшего в выбранном положении, как на снимке. Я отошел от этой традиции, накладывая позы, смешивая свет и движение и карабкаясь по плоскостям ».

7 из 14

« Огромные увеличения объекта или фрагмента придают ему индивидуальность, которой у него никогда не было раньше, и таким образом, он может стать средством совершенно новой лирической и пластической силы.»

8 из 14

» Пусть картинка ничего не имитирует; пусть это открыто демонстрирует смысл своего существования. » отношения между перпендикулярами, все это только показывает, что кубизм вовсе не родился из авторитетной теории [mot d’ordre]; что он лишь обозначил у нескольких художников желание закончить искусство, которое никогда не должно было пережить осуждение, вынесенное ему Паскалем.»

10 из 14

» Кубизм был атакой на перспективу, которая была известна и использовалась в течение 500 лет. Это было первое большое изменение. Это сбивало людей с толку: они говорили: «Вещи так не выглядят!» »

11 из 14

« Он начал долгую борьбу не за то, чтобы выразить то, что он мог видеть, но и за то, чтобы выразить то, что он не видел, что означает то, что каждый уверен, что видит, но на самом деле не видит ».

12 из 14

Гертруда Стайн, о раннем искусстве Пикассо

« По сути, живопись никогда не была зеркалом внешнего мира, и при этом это когда-либо было похоже на фотографию; это было создание знаков, которые современники всегда правильно читали… Кубисты создали знаки, которые, несомненно, были новыми, и именно поэтому их картины было так трудно читать »

13 из 14

« Изображений объекта столько, сколько глаз смотрят на него; его основных образов столько же, сколько и умов, которые его постигают »

14 из 14

Метцингер и Глейзес — Du Cubisme (1912)

Галерея 12 самых известных картин Пабло Пикассо

Пабло Руис-и-Пикассо, также известный как Пабло Пикассо, был испанским художником, скульптором, гравером, керамистом, сценографом, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей взрослой жизни во Франции.Вы готовы прочитать его полное имя? Пабло (или Паблито) Диего Хосе Сантьяго Франсиско де Паула Хуан Непомучено Криспиньяно де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Руис Бласко и Пикассо Лопес.

В любом случае мир знает его как «Пикассо». Пабло Пикассо, вероятно, самая важная фигура 20-го века с точки зрения искусства и художественных движений, возникших в этот период. Испанский экспатриант Пабло Пикассо был одним из величайших и самых влиятельных художников 20-го века, а также одним из создателей кубизма.На самом деле выбрать лучшее из 12 невозможно, потому что большинство его работ восхитительны.

Вот неофициальный список из 12 самых известных произведений Пабло Пикассо. Это список величайших произведений, которые Пабло Пикассо сделал за всю свою удивительную карьеру.

12 — Мальчик ведет коня, 1905

Мальчик ведет лошадь — еще один шедевр, который критики хвалят, не пытаясь объяснить. Либо они считают, что это не имеет смысла, либо объяснить это невозможно.

11 — Любительница абсента, 1901

Пикассо создал эту работу осенью 1901 года, во время своей второй поездки в Париж, когда ему было всего 22 года.Тема мужского одиночества в кафе.

10 — Три музыканта

Это произведение сейчас находится в Нью-Йоркском музее современного искусства. Оно является частью серии, написанной летом 1921 года вместе с его молодой семьей в Фонтенблюо. Три музыканта — это большая картина, ширина и высота которой превышает 2 метра.

Три музыканта-Пабло-Пикассо

9 — Девушка перед зеркалом

Картина написана в марте 1932 года.Девушку звали Мария Тереза ​​Вальтер, и в 1930-х годах Пикассо неоднократно рисовал ее.

Девушка перед зеркалом Пабло Пикассо

8 — Старый гитарист

Она написана после самоубийственной смерти близкого друга Пикассо Касагемаса в 1903 году. Работа создана в Мадриде, а искаженный стиль напоминает работы Эль Греко.

Старый гитарист

7 — Сидящая женщина (Мария-Тереза)

«Сидящая женщина» написана в начале удивительно плодотворного года, когда Пикассо создал множество ярких творений, в том числе «Гернику» (1937).Пабло Пикассо снова возвращается к своей технике красной и зеленой поляризации, чтобы добавить еще одно измерение анимации.

Сидящая женщина (Мария-Тереза) Пабло Пикассо

6 — Дора Маар в Чате

Дора Маар в Шате была написана в 1941 году. Это одно из самых ценных изображений Пикассо его возлюбленной и творческой спутницы. Картина также примечательна яркостью красок и сложным и плотным узором платья модели.

Дора Маар в чате Пабло Пикассо — Самые известные произведения Пабло Пикассо

5 — синий голый корпус

Этот шедевр — одна из ранних работ Пикассо. Он был создан в 1902 году, когда Пабло Пикассо все еще оплакивал трагическую смерть друга.

Синий N * de Пабло Пикассо

4 — Le Rêve (Мечта)

Картина маслом 1932 года.На этом произведении он изображает свою 24-летнюю любовницу Мари-Терезу Вальтер. Он принадлежит к периоду искаженных изображений Пабло Пикассо с его чрезмерно упрощенными контурами и контрастными цветами, напоминающими ранний фовизм.

Le Rêve (Мечта) Пабло Пикассо

3 — Спящий

Модель — это снова Мария-Тереза ​​Вальтер. Картина 1932 года. Мы видим ее спящей, ее тело покоится между двумя мощными поляризованными цветными блоками — красным и зеленым.Это действительно странное сочетание красоты и уродства — еще одна тема, которая постоянно очаровывала Пикассо.

Спит Пабло Пикассо

2 — ndre, зеленые листья и бюст

Этот шедевр создан в первые месяцы 1932 года. Мария-Тереза ​​Вальтер снова модель. Картина была продана за 106,5 миллиона долларов, что стало мировым рекордом 2010 года.

Раздет, зеленые листья и бюст Пабло Пикассо

1 — Les Demoiselles d’Avignon

Эта картина была написана в 1907 году и была названа самой новаторской картиной со времен Джотто.Редукционизм и искривление пространства в живописи были невероятными, а дислокация лиц — взрывной.

Les Demoiselles d Avignon

Теперь загружайте свое необходимое программное обеспечение для рисования и получайте доступ к нему удаленно из любого места на любом устройстве с популярным Citrix xendesktop из CloudDesktopOnline, доступным по самой низкой цене xendesktop. Вы также можете повысить свою продуктивность, добавив надстройку Office 365 к тому же xendesktop из O356CloudExperts.com.

Какая ваша любимая?

.

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

2019 © Все права защищены. Интернет-Магазин Санкт-Петербург (СПБ)