Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Натюрморт история возникновения: История развития натюрморта

Содержание

История натюрморта | Мария Иванова-Очерет

История натюрморта

Натюрморт (фр. nature morte — «мертвая природа») — это жанр изобразительного искусства, в котором изображаются окружающие нас предметы, имеющие между собой смысловую связь. Натюрморт передает нам определенные образы и символы окружающего нас мира. Вовлекает нас в мир общения предметов, предоставляя возможность побыть в роли собеседника. Истинный художник организовывает возможность зрителю увидеть тайный смысл окружающих нас предметов.

Первые натюрморты

Древние авторы упоминают о первом мастере натюрморта, жившем в эллинистическую эпоху — греческом живописце Периакосе. В знаменитой «Естественной истории» древнегреческий ученый, писатель и государственный деятель Плиний Старший рассказывает о споре между греческими живописцами Зевксисом и Паррасием: Зевксис столь правдоподобно написал виноградные гроздья, что птицы слетались их клевать. Паррасий же настолько совершенно изобразил занавес в своей мастерской, что сам Зевксис принял его за настоящий.

Кроме того, натюрмортные мотивы как детали композиций, декоративные и символические изображения вещей встречаются уже в древневосточном, античном и средневековом искусстве. Элементы натюрморта входят в древнеримские фрески и мозаики начиная с I в.

 


Римская мозаика


В восточном искусстве

Применительно к восточному, а именно китайскому и японскому, искусству трудно говорить о натюрморте в классическом понимании.  Отчасти с жанром натюрморта сопоставимы произведения так называемого жанра «цветы и птицы», а также отдельные изображения фруктов.


Картина жанра цветы и птицы


«Ранний натюрморт»

Рождение натюрморта как полноценного самостоятельного жанра связано с общим становлением европейского искусства нового времени, выделением станковой живописи и формированием разветвленной системы жанров. Уже в произведениях итальянских и особенно нидерландских мастеров эпохи Возрождения наблюдаются небывалое внимание к материальному миру.

Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV-XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа.


Симоне Мартини. Благовещенье


Самостоятельный жанр

Окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи натюрморт в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию — либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо — в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения.

 


Францискус Гейсбрехтс, Vanitas


Расцвет жанра

В целом, XVII век в Европе отмечен как век расцвета натюрморта. В этот промежуток были созданы все основные разновидности натюрморта. К тому же, не смотря на принятое в это время символическое наполнение смыслом всех изображаемых предметов, их повседневная красота интересовала художников отнюдь не меньше. Например, в картинах нидерландца Питера Артсена и его последователей, иногда ещё религиозных по сюжету, большое место уделено изображению кухонь и лавок с нагромождением снеди и утвари.

 


Питер Артсен, Рыночная торговка овощами


 

Ботаническая точность воспроизведения различных цветов, красота и разнообразие их форм и расцветки занимают фламандца Брейгеля Бархатного не меньше, чем их символика.


 Ян Брейгель, Натюрморт с цветами


 

Разнообразие типов и форм натюрморта, сложившихся в этот период, объясняется активным формированием национальных школ, каждая из которых привносила в жанр что-то своё. Становление итальянского натюрморта в значительной мере определяется реформами Караваджо, излюбленными темами в нём становятся цветы, овощи и фрукты, дары моря, кухонная утварь, музыкальные инструменты и книги.


Караваджо, Корзина с фруктами 


 

Традиции караваджизма ощутимы и в испанском натюрморте. Изображения вещей (часто обыденных) в испанском натюрморте отличаются возвышенной строгостью и особой значительностью, как бы отрешённостью от быта.


Томас Йепес, Фрукты из Делфта и две вазы 


 

Но одним из самых ярких национальных школ этого периода остаётся, несомненно, фламандская.
Её развитие связано с именами крупнейших художников  Фландрии,  вошедших  в  историю  искусства  Западной  Европы:  Франса Снейдерса и его ученика Яна Фейта.


Франс Снейдерс, Натюрморт с ведёрком для охлаждения вина 


 

Их картины -это огромные декоративные натюрморты с изображением сочных и спелых плодов, фруктов, битой птицы, кабаньих и оленьих голов, разделанных мясных туш, разнообразных рыб, от самых обычных до редких и экзотических пород. Все, чем богата земля Фландрии, что попадает в сети фламандских рыбаков, горами громоздится на столах и витринах, свисает и падает на тяжелые дубовые прилавки.

Сами полотна составляют оригинальный и своеобразный тип натюрморта, получивший наименование «лавка».


Ян Фейт, Добыча


 

Другая мощная школа натюрморта известна под названием “голландский натюрморт”.  Авторами этих произведений были харлемские живописцы Виллем Хеда и Питер Клас.


Виллем Хеда, Натюрморт с ветчиной


 

Они стали создателями национального натюрморта с изображением накрытых столов, уставленных огромным набором предметов, типичным для семьи голландского бюргера 1630-1640-х годов. Простота и серьезность этих произведений отражают бытовой уклад, вкусы, и настроения первого поколения голландских буржуа.


Питер Клас, Натюрморт с фруктами


 

С развитием академической системы образования возникает учебный или постановочный натюрморт, ставший одним из обязательных элементов обучения. В середине 18 в. возник термин «nature morte», который отразил пренебрежительное отношение к натюрморту со стороны академических кругов, отдававших предпочтение жанрам, областью которых была «живая натура» (исторический жанр, портрет и др.

). Идеи классицизма отнесли натюрморт к числу «низменных» жанров, однако именно в это время появляются великолепные полотна Ж.Б. Шардена, оживляющего мир «мертвой натуры».


Жан Батист Шарден, Скат 


 

Интерес к натюрморту значительно усиливается во второй половине XIX века. Импрессионизм, постимпрессионизм, а также течения изобразительного искусства XX века дали новый толчок в развитии этого жанра. Импрессионисты во Франции ставят акцент на живописное восприятие мира вещей, решают проблемы светоцветовых отношений, нередко трактуют натюрморт как своеобразное декоративное панно. Постимпрессионисты разрабатывают сложные проблемы цветового решения картины.  Натюрморт становится прежде всего выражением идей и темперамента художника. Также, как и на полотнах XVII века, натюрморт зачастую обладает иносказательным смыслом.


Ренуар, Цветы в вазе 


 

В первые годы XX века происходит не только размывание границ вещей внутри натюрморта, но и в значительной мере размывание границ самого жанра. В распахнутых полотнах Матисса составляющие натюрморт предметы, пронизанные органическими ритмами природы, сливаются с пейзажем или сами превращаются в пейзаж, преодолевая преграду между миром живого и миром неживого.


Матисс, Натюрморт с голубой скатертью 


 

В сконструированных кубистических пейзажах Пикассо «сама природа опредмечивается, приобретает черты сделанности, вещности, пейзаж уподобляется натюрморту».


Пикассо, Ваза с фруктами 


 

В России натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в начале XVIII века. Представление о нём первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца XIX века натюрморт, в отличие от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве «низшего» жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.


Хруцкий, Цветы и плоды


 

Начало ХХ века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.


Осипов, Васильки


 

В 30-40-е годы ХХ столетия это развитие приостановилось, но уже с середины 50-х годов натюрморт переживает в советской живописи новый подъём и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.

Натюрморт продолжает развиваться и по сей день. Современная петербургская художница Мария Иванова-Очерет, обращаясь к жанру натюрморта, создаёт сложные композиции включающие в себя не только традиционные для этого жанра букеты цветов или бытовые предметы, но и аллюзии на произведения великих мастеров живописи, таких как Микеланджело, Вермеер, Рембрандт.

..

Мария Иванова-Очерет, Ирисы и рисунки Микеланджело

Благодаря этому натюрморты художницы приобретают многоуровневый подтекст и глубокую символичную наполненность, как бы вступая в диалог с шедеврами мирового искусства.

подготовила искусствовед Ксения Подлипенцева

«История развития натюрморта, как жанра живописи».

    1. История развития натюрморта, как жанра живописи.

Натюрморт (фр. nature morte — «мертвая природа») — это жанр изобразительного искусства, в котором изображаются окружающие нас предметы, имеющие между собой смысловую связь. Данный вид искусства привлекает своими большими изобразительными возможностями, которые способствуют развитию композиционных навыков и цветовому построению.

Натюрморт передает нам определенные образы и символы окружающего нас мира. Вовлекает нас в мир общения предметов, предоставляя возможность побыть в роли собеседника. Истинный художник организовывает возможность зрителю увидеть тайный смысл окружающих нас предметов. Предварительно выбирая и выстраивая те или иные атрибуты в определенную композицию, которая несет в себе конкретную смысловую задачу.

Натюрморт зародился в Европе в период 16-17 столетия, но его предыстория возникла гораздо ранее. Наравне с бытовым жанром натюрморт продолжительное время не мог занять лидирующие позиции в живописи. Так как считалось невозможным передать через этот вид живописи основные общественные идеи. Благодаря великим мастерам этот жанр был признан вполне способным для передачи различных социальных условий, тем самым затрагивая различные общественные добродетели. С помощью различных атрибутов создавался тот или иной образ, отражающий смысл основной идеи. Вещи домашнего обихода, классифицировали социальное положение, образ жизни их обладателя, что было значимо для передачи образов социальных слоев.

Обращаясь к хронологии истории искусств, можно проследить за последовательностью расцветов и падений такого своеобразного жанра как натюрморт.

« Становление натюрморта как самостоятельного жанра живописи произошло благодаря творчеству голландских и фламандских художников XVII века. XVII век в Европе отмечен как век расцвета натюрморта. В этот промежуток были созданы все основные разновидности натюрморта.

Прогрессивное развитие натюрморта в западноевропейской живописи XVII века в значительной мере может быть объяснено особенностями общекультурной и мировоззренческой ситуации, в частности, предельным разведением и одновременно взаимным олицетворением таких категорий, как материальное и духовное, единичное и всеобщее. В натюрморте художественно утверждалась самая конкретная из всех конкретностей посюстороннего мира — вещь, продукт вполне конкретной деятельности человека, вместе с тем эти земные рукотворные вещи наделялись иносказательным, эмблематическим значением, воспринимались как знаки невещественных, духовных ценностей, как олицетворенное раздумье над смыслом человеческой жизни. Вещь, утратив иносказательное значение, перестает быть объектом большого искусства. Жанр натюрморта начинает постепенно изживать себя.

Возрождение его совершается в конце XIX — начале XX столетия. Благодаря своей сюжетной и, до некоторой степени, смысловой стерильности натюрморт в эти бурные для развития искусства десятилетия оказывается особенно удобным для творческого экспериментирования. Один из самых консервативных, с точки зрения иконографии, один из самых отстоявшихся в композиционном отношении, натюрморт позволял художникам осуществить самые смелые, порой доходившие до парадокса нарушения законов жанра, оставаясь в то же время в пределах его. Большинство экспериментов в этой области имело своей задачей возможно более полное сюжетное и образное развеществление вещей.

Вещи, как бы выходят за свои границы, теряют самозначимость, перестают быть равными самим себе. Они либо растворяются в свете и цвете, распыляются в излучении энергий, либо уплотняются в сгустки материи, образуя сочетания простейших объемов, либо рассыпаются на множество осколков — и из всего этого творятся на полотне новые вне вещественные или, наоборот, сверхвещественные вещи. Как и на полотнах XVII века, они обладают иносказательным смыслом, но, в отличие от классических натюрмортов, роль первичных элементов в этих живописных криптограммах выполняют не столько сами предметы, сколько их отдельные признаки, их качества которые насыщаются при этом повышенным смысловым напряжением.

В первые годы XX века происходит не только размывание границ вещей внутри натюрморта, но и в значительной мере размывание границ самого жанра. В распахнутых полотнах Матисса составляющие натюрморт предметы, пронизанные органическими ритмами природы, сливаются с пейзажем или сами превращаются в пейзаж, преодолевая преграду между миром живого и миром неживого. В сконструированных кубистических пейзажах Пикассо сама природа опредмечивается, приобретает черты сделанности, вещности, пейзаж уподобляется натюрморту». [8, с.46].

«Натюрморт занимал видное место и в творчестве французских художников – импрессионистов ( Мане, Сезанн, Моне и др.). Они стремились в своих произведениях воплотить первые свежие впечатления от увиденного. Для их натюрмортов, как и вообще для живописи импрессионистов, характерны: гармония чистых цветов, воспринятых непосредственно в природе, естественность и жизненная простота композиции.

Одним из лучших мастеров натюрморта был известный французский художник Шарден, сумевший проникнуть в интимную жизнь самых обыденных вещей, приблизить их к зрителю, и этому в большей степени способствует неяркий колорит его картин, глубоко продуманных и идущих от наблюдения жизни, простота и естественность в расстановке предметов.

В натюрмортах Шардена нет выработанных голландской школой строгих схем, однообразия в композиционных приемах, выборе предметов, палитры красок». [8, с.47].

В России натюрморт, как самостоятельный жанр живописи, появился в начале XVIII века. Представление о нем первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца XIX века натюрморт, в отличие от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве «низшего» жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

Начало XX века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.

В 30—40-е годы XX века это развитие приостановилось, но уже с середины 50-х годов натюрморт переживает в советской живописи новый подъем и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.

натюрморт — Галерея Art Icon

Натюрморт — один из популярных жанров живописи. Его целью считается отображение предметов, находящихся между собой в определенной логической связи. Он привлекает художников широкими возможностями по цветопостроению полотна и способствует развитию композиционных навыков. Чаще всего натюрморт отображает срезанные цветы, фрукты, кухонную утварь, овощи, процесс приготовления пищи.

Появление жанра

Натюрморт возник в 16-17 веках. Однако долгое время жанр, вовлекающий нас в мир общения предметов, не был признан искусствоведами и публикой. На тот момент целью живописи, как и других направлений искусства, являлось отображение общественных проблем и идей. Однако благодаря талантливым фламандским и голландским мастерам люди сумели рассмотреть красоту жанра и глубокий философский смысл.

Клара Петерс «Натюрморт с цветами и золотым бокалом»

Официально временем рождения натюрморта считается 17 век. Этот период характеризуется разделением мира духа и вещей, но при этом их синкретизма. При помощи атрибутики создавался образ, предоставляющий зрителю возможность понять и прочувствовать идею полотна. В это время на картинах мастера часто отображали социальные условия жизни. После того как изображение вещи в иносказательном смысле изжило себя, натюрморт переживал кризисные времена.

Возрождение жанра

В связи с неспокойной политической атмосферой в середине 19 века натюрморт становится базой для самовыражения мастеров. В это время восприятие вещей самих по себе теряет сроки, и на первый план выходят какие-то их характеристики или свойства. Именно они становятся новой концептуальной площадкой. Объекты полотен имеют особое значение на философском, культурном, личном, общественном и религиозном уровне. Поднимаемые в полотнах темы вызывают массу разнообразных эмоций у зрителя, позволяя заняться аналитической деятельностью.

Современный этап развития

В первые годы 20 года намечается тенденция по размыванию границ внутри жанра. Натюрморты становятся органичной частью пейзажей, кубических полотен или картин импрессионистов. На сегодняшний день объектами полотен могут выступать общественные уборные или пустые пивные банки. Натюрморт тесно переплетается с другими жанрами, в том числе фотореализмом и поп-артом, в которых особенно прославился Энди Уорхол.

Энди Уорхол «200 однодолларовых купюр»

В России жанр появился в 18 веке. В то время художники отображали на полотнах мир вещей, окружавших человека в повседневной жизни. Часто натюрморты показывали нам море и собранный урожай. 20 век ознаменован расцветом жанра в России. В тот момент он закрепился в живописи. Художники активно экспериментировали с композицией, формой и цветом. В это время появилось много новых идей и образов, которое нашли отражение на полотнах.

В 50-е годы развитие жанра приостановилось. Именно в это время натюрморт окончательно закрепился в искусстве.


История развития и становления натюрморта как вида изобразительного искусства

Русских Жанна Леонидовна,студентка факультета технологии и дизайнаФГБОУ ВПО «Вятский государственный гуманитарный университет», г. Киров[email protected]

История развития и становления натюрморта

как вида изобразительного искусства

Аннотация. В статье представлена история развития и становления натюрморта как вида изобразительного искусства. Рассматриваются все эпохи становления натюрморта, начиная с XVвека изаканчивая русским натюрмортом XXвеков, где рассматривается проблема развития и главные особенности натюрморта того времени.Ключевые слова:натюрморт, история развития натюрморта, становление натюрморта, натюрморт как вид изобразительного искусства.Раздел:(05) филология; искусствоведение; культурология.

Натюрморт, жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи), который посвящен изображению вещей, размещенных в единой среде и организованных в группу. В буквальном переводе «натюрморт» –слово французское означает «мертвая натура». Но кроме неодушевленных предметов, в натюрморт могут входить изображение живых существ –птиц, животных,насекомыхи даже людей, но только лишь дополняя его основной мотив. Одним из основных компонентов в натюрмортеявляется правильная постановка. Изображение вещей в натюрморте имеет самостоятельное художественное значение; художник может создать в натюрморте ёмкий, многослойный образ, обладающий сложным смысловым подтекстом [1]. В историческом развитии натюрморта, в его меняющемся в разные эпохи содержании специфически отражается социальная обусловленность искусства в целом. Натюрморткак определенный вид или жанр живописи знает в истории искусства свои расцветы и падения.Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV—XVI веках, когда онрассматривался как часть историческойили жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Р. ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана КаронделяЯ. Госсарта. Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши [2].Суровое искусство Византии, создавая монументальнообобщенные, возвышенногероические образы, с необыкновенной выразительностью пользовалось изображениями отдельных предметов. В древнерусской иконописи немногочисленные предметы играли большую роль, которые вносили непосредственность, жизненность, порой казались открытым выражением чувства в произведении, посвященном отвлеченномифологическому сюжету в строго канонических произведениях.Рождение натюрморта как самостоятельного жанра связано с общим становлением европейского искусства нового времени, выделением станковой живописи и формированием разветвленной системы жанров. Это наблюдается в произведениях итальянских и особенно нидерландских мастеров эпохи Возрождения, где внимание к материальному миру очень важно. В произведениях показывается привязанность к конкретночувственной красоте вещей, образы которых вместе с тем порой сохраняют символическое значение, часто присущее изображению предметов в средневековом искусстве [1].В XVXVI века в эпоху Возрождения натюрморт играл значительную роль, так как отражал окружающий его мир. Предметы обихода приобретали благородство и горделивую значительность их обладателя, того, кому они служили. Однако в изображении этих вещей было столько поэтической влюбленности в природу, смысл их так высоко одухотворён, что здесь уже можно увидеть все черты, которые определили в дальнейшем самостоятельное развитие целого жанра [3].Распространение жанра натюрморта приходится на 2ю половину XVI–начало XVII веков, чему способствовал интерес искусства к быту и частной жизни человека, а также само развитие методов художественного освоения мира. Многообразие его типов и форм в это время связано с развитием национальных школ живописи. В Голландиинатюрморт достигает своего наивысшего расцвета в творчестве таких художников, как П.Клас, Г.Виллем, А.Бейерен, И.Фейт, Ф. Снейдерс,произведения которых украшают многие крупнейшие музеи мира. Здесь вырабатывается основной тип натюрморта с четким трёхплановымчленением пространства, с ясно выраженным композиционным центром. Первый план заполняется мелкими предметами, на втором плане помещается центр композиции картины, а третий план нейтрален, выполняет роль фона. Голландские мастера наполняли натюрморт смысловым содержанием, где раскрывается неразрывная связь человека с окружающим миром. Творчество этих мастеров развивалось под благотворительным влиянием искусства эпохи Возрождения. XVII век –эпоха расцвета натюрморта, где складываются главные черты натюрмортного жанра. В это время работают такие видные мастера живописи, как Х.Рембрант, Ф. Сурбаран, А. Переда. Всех их объединяет общее стремление –интерес к бытовому характеру вещей, показывая гармонию мира вещей, окружающих человека, красоту их форм и материала, передавая радость быта. Сформулированные в практической деятельности художников задачи искусства натюрморта существовали и в дальнейшем, но решение их не повторяло прошлого опыта, а осуществлялось новыми средствами в соответствии с новыми требованиямивремени [4].Особенно полно и ярко натюрморт расцвел во Фландрии и Нидерландах. Возникновение натюрморта связано с революционными событиями, в результате которых эти страны получили независимость и вступили на путь буржуазного развития. Перед искусством открылись новые горизонты, где общественные отношения направляли и определяли творческие запросы, изменения в решении стоящих перед живописцем проблем. Художники нашли новые ценности в человеке, отражая национальный быт,предавали отпечаток трудов и дней простых людей. Становление итальянского натюрморта в значительной мере определяется реформами Караваджо, повлекшими обращение художников к простым, «низким»мотивам и обусловившими стилистические особенности живописи итальянских натюрмортистов. Излюбленные темы мастеров итальянского натюрморта (П. П. Бонци, М. Кампидольо, Дж. Рекко, Дж. Б. Руопполо, Э. Баскенис и др.) –цветы, овощи и фрукты, дары моря, кухонная утварь, музыкальные инструменты и книги. В целом итальянскому натюрморту присущи ритмическое разнообразие композиций, насыщенность и яркость колорита, пластическая выразительность передачи предметного мира [1]. В испанском натюрморте отражаются традиции караваджизма с его любовью к отточенной пластике формы, выявленной контрастами светотени. Натюрморты (Х.Санчес Котан, Ф. Сурбаран, А. Переда и др.) отличаются возвышенной строгостью и особой значительностью, как бы отрешённостью от быта.В XVIIвеке развивается также немецкий (Г. Флегель, К. Паудис) и французский (Л. Вожен) натюрморт. С конца XVIIвека во французском натюрморте восторжествовали декоративные тенденции придворного искусства. Но в XVIIIвеке во Франции работает один из самых значительных мастеров натюрморта –Ж. Б. С. Шарден, вошедший в историю мировой живописи как мастер бытовой жанровойкартины. Его натюрморты выделяются особой глубиной содержания, свободой композиций и богатством колористических решений. Свои произведения Шарден пишет с предметов скромного домашнего обихода. Его образы мира повседневных вещей демократичны по своей сути, интимны и человечны, словно согреты поэзией домашнего очага. Замечательными образцами этого типа натюрморта являются «Медный бак», «Натюрморт с коробкой, трубкой и кувшином».Простота и классическая ясность композиции отличает и натюрморты, объединённые под общим названием «Атрибуты искусства». Совершенство и разнообразие приёмов, используемых для передачи материала предметов в их неразрывной связи со световоздушной средой. Развивая принципы реалистического искусства, Шарден вместе с тонким колористическим видением натуры внёс в натюрморт одухотворенность и простоту композиции. В XIXвеке судьбы натюрморта определяют ведущие мастера живописи, работающие во многих жанрах и вовлекающие натюрморт в борьбу эстетических и художественных идей (Ф. Гойя в Испании, Э. Делакруа, Г. Курбе, Э. Мане и импрессионисты во Франции, эпизодически обращавшиеся к натюрморту). Именно импрессионизм оказал сильное влияние на искусство. Импрессионисты противопоставили своёпонимание живописи (К. Моне, А.Сислей и др.),обратились к работе над природными мотивами, ставили и решали проблему создания живописного изображения спектрально чистымикрасками. Где главнойзадачейбыло воспроизведение состояния природы, сам же предмет утратил былое значение, как бы растворяясьв световоздушной среде. Это связано со снижением интереса к содержательной стороне искусства, но в этот период есть и положительнаясторона –обогащение цветовой палитры. Живописная система импрессионизма, получившая наиболее полное развитие в пейзаже, неизбежно затрагивала и область натюрморта.Испытав в начале пути сильное влияние импрессионистов, П. Сезанн пришел к логическому отрицанию их метода. В натюрмортах зрелого периода, он стремился найти пути и средства передачи объективных свойств предмета –объёма, материала, цветовой устойчивости в его характеристике. Достигая вершин живописного мастерства, мастер понимает роль реалистического искусства. Подъём натюрморта связан с выступлением мастеров постимпрессионизма, для которых мир вещей становится одной из основных тем. В конце XIXвека экспрессивные возможности натюрморта вплоть до остродраматического выражения социальной и нравственной позиции художника воплощаются в творчестве голландца В. ван Гога. Пластическое совершенство живописи, верной как природе, так и высоким идеалам картины, возрождает в натюрморте француз П. Сезанн [2].Такой жанр становится принципиальным для его творческой концепции, оказавшей большое влияние на развитие натюрморта иживописи в искусстве XXвека. С начала XXвека во Франции мастера фовизма (А. Матисс и др.) идут по пути обострённого выявления эмоциональных и декоративноэкспрессивных, плоскостных возможностей цвета и фактуры, а представители кубизма (Ж. Брак, П. Пикассо, Х. Грис и др.), используя заложенные в специфике натюрморта аналитические возможности, стремятся утвердить новые способы передачи пространства и формы.С новыми открытиями в живописи проходят мастера поздних течений (Пикассо во Франции, А. Канольдт в Германии, Дж. Моранди в Италии)до представителей сюрреализма и «попарта», чьи произведения в целом выходят за рамки исторически сложившегося жанра натюрморта. Реалистические традиции натюрморта в XXвеке представлены творчеством Д. Риверы и Д. Сикейроса в Мексике, Р. Гуттузо в Италии.В русском искусстве натюрморт появился в XVIIIвекевместе с утверждением светской живописи, отражая познавательный пафос эпохи и стремление правдиво и точно передать предметный мир («обманки»Г. Н. Теплова, П. Г. Богомолова, Т. Ульянова и др. ). Дальнейшее развитие натюрморта носит эпизодический характер. Подъём в 1й половине XIXвека (Ф. П. Толстой,школа А. Г. Венецианова, И.Т.Хруцкий) связан с желанием увидеть прекрасное в малом и обыденном. Во 2й половине XIXвека к натюрморту этюдного характера лишь изредка обращаются И.Н. Крамской, И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. Д. Поленов, И. И. Левитан. Такое положение натюрморта в художественной системе передвижников следовало из их представления о главенствующей роли сюжетнотематической картины. Самостоятельное значение натюрмортаэтюда возрастает на рубеже XIXи XXвеков (М.А.Врубель, В. Э. БорисовМусатов). Расцвет русского натюрморта приходится на начало XX века. Лучшие работы относятся к импрессионистическим веяниями К.А. Коровина, И. Э. Грабаря, М.Ф.Ларионова. Историкобытовой характер вещей несут произведения художников «Мира искусства»(А. Я. Головин и др.): романтизированноприподнятые и остродекоративные образы П. В. Кузнецова, Н. Н. Сапунова, С. Ю. Судейкина, М. С. Сарьяна и др. Живопись объединения «Голубой розы»яркая, а более пластичные натюрморты мастеров «Бубнового валета»(П. П. Кончаловский,И. И. Машков, А. В. Куприн, В.В. Рождественский, А. В. Лентулов, Р. Р. Фальк, Н. С. Гончарова) с их культом единства цвета и формы и пафосом самого процесса интерпретации натуры [5].В XVII–XVIIIвеках в северной Европе натюрморт занимал важное место. Он принимал активное участие в самой гуще изысканной бытовой культуры барокко, рококо и классицизма. И лишь с уходом «галантного века»роль натюрморта в быту становится все более орнаментальной и украшательной.Натюрморт в течении долгого времени развивался как вид изобразительного искусства. На протяжении эпох менялись не только методы и способы живописного решения натюрморта, но накапливался художественный опыт, совершенство, красота и уважение к труду. В процессе становления развивался более сложный и постоянно обогащающийся взгляд на мир. Искусство развивалось через раскрытие вновь понятых качеств вещей и выражало своёсовременное отношение к действительности, происходила переоценка ценностей, мера понимания реальной действительности. К настоящему времени у натюрморта как вида изобразительного искусства сформировались свои характерные черты и особенности.

Ссылки на источники1.Подорога В. Натюрморт. –URL:http://ecdejavu.ru/n/Nature_morte.html(дата обращения 07.01.15).2.Художественная галерея.–URL: http://xn-80aaa5aniti.xn-p1ai/gallery/nature/page3(дата обращения 08.01.15).3.Васильев И. А. Живопись.–URL:http://www.bibliotekar.ru/isk/28.htm(дата обращения 07.01.15).4.Живопись. Натюрморт. Масло.–URL:http://www.greatarts.ru/grars631.html(дата обращения 06.01.15).5.Болотина И.С. Натюрморт. Большая Советская энциклопедия.–2006. –С. 51 –URL: http://mreadz.com/new/index.php?id=161411&pages=250(дата обращения 06.01.15).

Zhanna Russkikh,

Student, Technology and DesignDepartment, Vyatka State University of Humanities, [email protected] and formation of still lifeas a form of fine artsAbstract.The paperpresents the history of development and formation of still life as a form of art. We consider all epochs of still life from the XV centuryand the last Russian XX century still life, describing the problem of development and the main features of still life at the time. Keywords: still, history of still life, becoming still life, still life as a kind of art.

Рекомендованокпубликации:

Г.Н.Некрасовой,докторомпедагогических наук, членом редакционной колллегиижурнала «Концепт»

НАТЮРМОРТ. История возникновения и развития

 

В. Левина «Любопытная чайка», 2009

Что это — натюрморт? В картине представлено распахнутое окно, через него открывается вид на пейзаж: достаточно ли небольшой вещицы, чтобы это произведение получило основание называться не пейзажем, не интерьером, а натюрмортом?

Мир натюрморта — это мир искусственной реальности, реальности в той или иной мере преображенной человеком. Все живое в натюрморте становится мертвым — и тем самым прираннивается к вещам.

Мир натюрморта — мир неподвижного? Чтобы попасть в натюрморт, цветы должны быть срезаны, плоды и фрукты — сорваны, звери и птицы — убиты, морские животные — выловлены. Натюрморт — это изображение вещей, созданных руками человека, или продуктов живой деятельности.  

 

Шарден Жан Батист «Натюрморт с цветами в вазе», 1760-1763

 

Если в композицию включается изображение животного, способного к движению: мухи, ползающие по фруктам, бабочки, порхающей над цветами, собаки, принюхивающейся к дичи, или, наконец, человека, торгующего снедью, — то все это живое в натюрморте служит лишь целям выявления специфики мертвой природы — искусственной или ставшей искусственной реальности. В этом своем качестве натюрморт противостоит пейзажу, также изображающему внешний мир, но мир живой природы, естественной реальности.

 Бальтазар ван дер Аст «Корзина с фруктами», 1632

Натюрморт — это мир малых величин, композиционно укрупненных вещей, увиденных вблизи, рассмотренных в деталях.  В натюрморте предметы вырванны из естественных природных или функциональных связей и представляют в соотношениях, заданных человеком, поэтому всякий натюрморт содержит в себе некоторое сообщение: сознательно составленную криптограмму или неосознанно оставленный след. Самое расположение предметов часто указывает на на существование второго смыслового плана. Они сознательно расставлены только для данного раза, — и этим уже задан характер их восприятия: если вещи расставлены именно так, следовательно, сама расстановка значима.

 

Антонио Переда-и-Сальгадо «Натюрморт с часами» 1652 

Здесь, в картине, часы не просто измерительный прибор, они сохраняют от символики быстротекущего, неумолимого земного времени, и это усилено тем, что пьедесталом для циферблата служит несоразмерно маленькая, как бы сгибающаяся под его грузом человеческая фигура. Часы — эта эмблема бренности земного существования, помещены на границе двух зон: справа тяжелый красный бархатный занавес, перед ним хрупкая посуда, бытовая по своему назначению, как островок вещей, окружающих человека в этой кратковременной жизни; слева, на фоне глубокой тьмы, — два тяжелых глиняных кувшина, похожих на амфоры или урны. На переднем плане помещены морские раковины, напоминающие о море, о его вечном движении, а рядом — орехи, изъеденные червем. Расположение предметов в картине создает установку на разгадывание, любой предмет, любая деталь могла наделяться символическим смыслом, вне зависимости от того, вкладывал ли художник менно этот смысл в свое произведение.

 

Католическая религия, сурово пресекавшая ересь и инакомыслие, снисходительно взирала на роскошь, веселье богачей, пиры, гулянья и обжорство. И вот эта привлекательно-грешная сторона бытия Фландрии нашла великолепное выражение в произведениях Снейдерса. Его картины, формально еще сюжетные, по существу уже натюрморты.

 

Франс  Снейдерс «Торговец рыбой» 17 век

 

Более изощрен натюрморт другого крупного мастера — Виллема ван Альста. Его картину можно уподобить музыкальной пьесе, где тема разрабатывается и развивается в десятках вариаций. Здесь все пронизано повторами и контрастами, перекличкой линий и объемов. Натюрморт Альста — сложный образ природы, утонченной, скрытной, холодно-обольстительной и сильной.

Виллем ван Альст «Натюрморт с фруктами» 1681

 

 Балтазар ван дер Аст «Натюрморт с фруктами и цветами» 17 век

 

Натюрморт как самостоятельный жанр окончательно определяется на рубеже 16 и 17 веков. 17век в Европе — это век расцвета натюрморта. Во второй половине 17 века появился тип натюрморта, посвященный изображению насекомых, рептилий, показанных на фоне леса, поляны. 

Постепенно простые мотивы в голландских натюрмортах были окончательно вытеснены такми темами, как редкие цветы и привезенные из дальних стран плоды.

Абрахам Миньон, 17 век

 

Полотно Класа ,,Трубки и жаровня,, — шедевр гениальной простоты. Тема натюрморта — пиво и табак, но с какой сакраментальной торжественностью она обыграна.  

Питер Класс «Трубки и жаровня» 17 век                                                                         В длинных горизонталях и коротких вертикалях композиции — тишина, спокойствие. Изящны в своей непритязательной простоте тонкие, длинные скрещенные трубки и соломки. Зеленовато-серый колорит навевает дремотную умиротворенность. Горящие угли в жаровне оживляют центр картины, контрастируя с холодноватыми, меланхоличными тонами трубок. Художник предусмотрел все по формулам гармонии. Если бы не было круглой жестянки с табаком слева или оловянная тарелка не выступала бы за край стола, то вертикаль кувшина и соответствующая горизонталь стола слишком грубо и прямолинейно повторяли бы раму полотна. Если бы не было темно-зеленой скатерти, то пропало изысканное цветовое взаимоотношение с белыми трубками и желтыми соломками. Срез стола справа художник уравновесил возвышающимся кувшином слева. Округлости этого кувшина смягчают обилие прямых линий в натюрморте. Таков сложный механизм простоты, не сразу открывающийся зрителю.

 

Из немецких художников 17 века бесспорно выделяется Кристоф Паудисс. Его известный натюрморт полон необычной для того времени тихой поэзии. 

 

Кристоф Паудис, 17 век

…Уголок кухни. Обшарпанная стена и стол перед ней залиты нежным трепещущим светом. Зеленоватый кувшин в тени слева, листы скомканных нот, белая трубка, луковичная шелуха — все это, робкое, застенчивое, как бы расступилось по сторонам, прижалось к краям, чтобы дать место главному. В роли «главного» выступает неприметный в жизненной иерархии предмет — связка луковиц — золотое сосредоточие картины, благородное звучание которого сопровождается дымкой серых, серебристых, зеленоватых и коричневых обертонов окружающих предметов. И как трогательно заявляют о своем присутствии черные нотные знечки и красные искорки букв на скомканной бумаге!

 Только в наше время стала выясняться личность оригинального итальянского художника 17 века — Карло Маджини. 

 

Карло Марджини «Натюрморт с куском сырого мяса», 18 век

Торжество геометрии, подобного которому не встретится вплоть до 20 века.Обилие прямоугольников, кривых и сферических объемов. Отсутствие диагоналей и неправильных кривых. Господство твердых, ровных, полированных поверхностей. В картине нет ничего мягкого, рыхлого, неопределившегося, кроме нескольких «вольных» кусков мяса. Смягчает неумолимость строгих форм также легкая игра теней и полутонов, разбросанных повсюду нежными касаниями кисти.

 

Пример аллегорического натюрморта — «Натюрморт с атрибутами искусства» французского художника Симеона Шардена. Художник высказывается здесь как моралист, гражданин, в известной степени даже как философ. 

Шарден пытается по-своему, как художник, рассказать о прозаической, трудоемкой стороны работы живописца. Подбором и расстановкой предметов он указывает на тесную связь живописи, графики, скульптуры — этих «чистых» искусств — с их более практическими, утилитарными собратьями: архитектурой, фортификацией, черчением, геометрией.

Жан Батист Симеон Шарден «Натюрморт с атрибутами искусства»

 Устойчивая композиция полотна с преобладанием горизонталей способствует филосовско — созерцательному настроению.  В картине доминируют  простые геометрические тела; особую роль играет изображение гипсовой статуэтки Меркурия ассиметричной, беспокойной, очень сложной формы. Возникающее таким образом движение оживляет несколько скованное тяжеловатое пространство картины. Общее впечатление равновесия настолько сильно, что даже как бы выступающие вперед, за плоскость картины, чертежи, линейка и орден не нарушают целостности композиции. Искусствоведы говорят: «Нельзя сказать, что идейный замысел картины полностью сочетается с ее живописным качествам. Художник слишком многоречив, но живопись его безупречна».

 

В 18 веке начинается процесс постепенной десимволизации вещей. Лишенная своего второго, метафизического смысла, вещь становится равной сама себе; но утратив иносказательное значение, она перестает быть объектом большого искусства. Жанр натюрморта начинает постепенно изживать себя.

 Жан Батист Симеон Шарден 18 век

 

Возрождение натюрморта совершается в конце 19 — начале 20 века. Благодаря своей сюжетной и, до некоторой степени, смысловой стерильности, натюрморт в эти бурные для развития искусства десятилетия оказывается особенно удобным для творческого экспериментирования.

ПОЛЬ СЕЗАНН конец 19 века

Принципиально новый этап развития натюрморта начинается творчеством гениального Сезанна, который во многом предопределил поиски Матисса, Пикассо и Дерена в этом жанре. В своих натюрмортах Сезанн меньше всего задается, целью передать перспективу, светотень или фактуру предметов в их традиционном устоявшемся смысле. У него свое понимание пространства. Он изображает не уголок комнаты, а целый мир сразу. 

Поль Сезанн «Натюрморт» конец 19 века

Так, живое тепло фруктов чисто живописными приемами убедительно отделено от холодных масс скатерти и посуды; плотное, определенное, статичное существо стола — от вялого, способного принять самую неуклюжую форму, безвольного полотна скатерти; компактная, ценная сама по себе плоть фруктов — от податливых, мягких, служащих для наполнения, плоских тарелок. Опуская второстепенные в живописном отношении качества вещей, Сезанн находит в них то общее, что позволяет организовать вещи в монолитный цветоритмический ансамбль.

Один из самых консервативных, с точки зрения иконографии, один из самых отстоявшихся в композиционном отношении жанров, натюрморт позволял художникам осуществить самые смелые, порой доходившие до парадокса, нарушения законов стиля, оставаясь в то же время в пределах его.

 Большинство экспериментов в этой области имело своей задачей возможно более полное сюжетное и образное развеществление вещей. Вещи как бы выходят за свои границы, теряют присущую им самозначимость, перестают быть равными себе. Они либо растворяются в цвете и свете, распыляются в излучении энергий, либо уплотняются в сгустки материи, образуя сочетания простейших объемов, либо рассыпаются на множество осколков — из всего этого творятся на полотне новые вневещественные или, наоборот, сверхвещественные вещи.

Пабло Пикассо, нач. 20 века

Как и на полотнах 17 века, они обладают иносказательным смыслом, но в отличие от классических натюрмортов, роль первичных элементов в этих живописных криптограммах выполняют не столько сами предметы, сколько отдельные признаки, их качества , которые насыщаются при этом повышенным смысловым напряжением. Образная выразительность натюрмортов этого времени достигается в большой мере прямым или скрытым внутренним сопоставлением — и одновременно отталкиванием — от традиционных иконографических и композиционных клише.

 

Пабло Пикассо «Зеленая миска и черная бутылка», нач. 20 века

Пикассо пишет именно не так , как другие, менно вопреки картинам других. Его натюрморт «Зеленая миска и черная бутылка» — вызов, и не столько натурализму, импрессионизму, символизму, сколько самому Матиссу. Этот натюрморт — броская, сверхлаконичная вещь. С желчным сарказмом, с мрачной одержимостью лепит Пикассо на холсте две посудины: ядовито-зеленую чашу и чернильно-черную ребристую бутыль.

 

Важный шаг в развитии натюрморта был сделан Матиссом. Он многое взял от импрессионистов, Сезанна, Гогена и Ван Гога. Противоречия, мучившие современников он решил просто, раз и навсегда: зла и хаоса не существует. Воспринимая окружающее сквозь призму вечно юного и мудрого оптимизма, Матисс писал только о счастье. Солнце, музыка,танец, дети, женщины, красивые вещи, цветы — вот темы его картин.

АНРИ МАТИСС «Букет»  конец 19 — нач 20 века

 

В натюрморте Матисса «Букет» соединены свежесть наивного впечатления и расчетливость декоратора.

 АНРИ МАТИСС «Красная комната»  нач 20 века 

 Вскоре Матисс преодолевает в себе остатки импрессионистического вИдения. «Красная комната» — по настоящему програмное полотно, полностью выявляющее лицо художника, лучшее, может быть, из того,что создал Матисс. Когда-то у Снейдерса натюрморт был почти картиной мира. Затем тематика и идейные притязания жанра натюрморта стали скромнее. Так продолжалось три века. Но, начиная с Сезанна, натюрморт покидает отведенный ему уголок и начинает все больше и больше претендовать на роль картины вообще. И вот в «Красной комнате» человек, пейзаж, интерьер, вещи объединяются в своеобразную картину-натюрморт, чтобы на новом уровне еще решительней, чем у Снейдерса, высказаться о сути и смысле мироздания. Плоскостное построение картины, беспощадное в своей смелости и последовательности, снимает не только разницу между объемом, глубиной, плоскостью, не только разницу между духовным, растительным и предметным, но и вообще разницу между предметом и пространством, между предметом, линией и цветом. Везде жизнь, везде духовное и прекрасное. Нет разницы между большим и малым, совершенным и еще не оформившимся. Радостны и откровенны краски картины. Скатерть, незаметно переходящая в стену, предельно красная, а арабески, под которыми подразумеваются цветы, пронзительно синие. Повсюду, как разноцветные лампочки, вспыхивают фрукты-пятна. Фигура женщины, как и причудливые силуэты деревьев, также включаются в игру цветовых узоров, а линия окна, стула и графинов вносят какой-то порядок, умеривают, приостанавливают это расплавленное буйство природы.

Андре Дерен «Стол и стулья», нач 20 века

Это полотно Дерена перекликается с натюрмортом Пикассо «Зеленая миска». …Гамма серых тонов, от белесоватых до зеленоватых, коричневатых и предельно темных. Это сгусток враждебных вещей. Обрывки спиральных линий ведут все ближе и ближе к центру, как будто засасывают в воронку. Мрачный, мучительный драматизм.

Джорджо Моранди, нач. 20 века

Примером одного из путей дальнейшего развития натюрморта служит полотно Джорджо Моранди. Что здесь изображено? Как будто гранат с воткнутым в него ножом, бутылка или подсвечник. Но не обязательно так расшифровывать именно так эти цветовые пятна. Вещи на полотнах Моранди призрачно неопределены и многозначны.

 

Джорджо Моранди «Метафизический натюрморт», нач. 20 века

Имя Джорджо Моранди стоит особняком. Его нельзя отнести ни к одному из многочисленных течений современного искусства, хотя он прошел путь через увлечение так называемой «метафизической живописью» , но этот период был кратким в его творческой биографии. 

Не вмешиваясь в бурные политические диспуты и конфликты своего времени, Моранди всегда был верен принципам эстетического аскетизма, в том числе и в колорите, где предпочитал мягкие: приглушенные тональности, лишь иногда тревожащие внезапным контрастом.

Джорджо Моранди, нач. 20 века

 

Из книги «Натюрморт в европейской живописи», Ю. Филатов и И. Данилова, издательство «Аврора», Санкт-Петербург, издательство «Янтарный сказ», Калининград

Вступите в группу, и вы сможете просматривать изображения в полном размере

История натюрморта как жанра.

В изобразительном искусстве натюрмортом (от фран. natur morte – “мертвая природа”) принято называть изображение неодушевленных предметов, объединенных в единую композиционную группу. Натюрморт может иметь как самостоятельное значение, так и быть составной частью композиции жанровой картины.

В натюрморте выражается отношение человека к окружающему миру. В нем раскрывается то понимание прекрасного, которое присуще художнику как человеку своего времени.

Искусство вещи издавна, еще задолго до превращения в самостоятельную область художественного творчества, было неотъемлемой частью всякого значительного произведения. Роль натюрморта в картине никогда не исчерпывалась простой информацией, случайным добавлением к основному содержанию. В зависимости от исторических условий и общественных запросов предметы более или менее участвовали в создании образа, оттеняя ту или иную сторону замысла. До того, как натюрморт сложился в самостоятельный жанр, вещи, окружающие человека в обыденной жизни, лишь в той или иной мере входили в качестве атрибута в картины древности. Иногда такая деталь приобретала неожиданно глубокую значительность, получала собственный смысл.

Как определенный вид или жанр живописи натюрморт знает в истории искусства свои расцветы и падения.

Суровое, напряженно-аскетическое искусство Византии, создавая бессмертные, монументально-обобщенные, возвышенно-героические образы, с необыкновенной выразительностью пользовалось изображениями отдельных предметов.

В древнерусской иконописи также большую роль играли те немногочисленные предметы, которые художник вводил в свои строго канонические произведения. Они вносили непосредственность, жизненность, порой казались открытым выражением чувства в произведении, посвященном отвлеченно-мифологическому сюжету.

Еще большую роль натюрморт играл в картинах художников XV – XVI веков в эпоху Возрождения. Живописец, впервые обративший пристальное внимание на окружающий его мир, стремился указать место, определить ценность каждой вещи, служащей человеку. Предметы обихода приобретали благородство и горделивую значительность их обладателя, того, кому они служили. На больших полотнах натюрморт занимал обычно очень скромное место: стеклянный сосуд с водой, изящная серебреная ваза или нежные белые лилии на тонких стеблях чаще ютились в углу картины. Однако в изображении этих вещей было столько поэтической влюбленности в природу, смысл их так высоко одухотворен, что здесь уже можно увидеть все черты, которые определили в дальнейшем самостоятельное развитие целого жанра.

Предметы, вещественный элемент получили в картинах новое значение в XVII веке – в эпоху развитого натюрмортного жанра. В сложных композициях с литературной фабулой они заняли свое место наряду с другими героями произведения. Анализируя произведения этого времени, можно увидеть какую важную роль стал играть натюрморт в картине. Вещи стали выступать в этих произведениях, как главные действующие лица, показывая, что может достичь художник, посвятив этому роду искусства свое мастерство.

Предметы, сделанные умелыми, трудолюбивыми, мудрыми руками, несут на себе отпечаток мыслей, желаний, влечений человека. Они служат ему, радуют его, внушают законное чувство гордости. Недаром мы узнаем о давно исчезнувших с лица земли эпохах по тем черепкам посуды, домашней утвари и ритуальных предметов, которые становятся для археологов разрозненными страницами истории человечества.

Вглядываясь в окружающий мир, проникая пытливым умом в его законы, разгадывая увлекательные тайны жизни, художник все полнее и многостороннее отображает его в своем искусстве. Он не только изображает окружающий его мир, но и передает свое понимание, свое отношение к действительности.

История сложения и развития различных жанров живописи – живое свидетельство неустанной работы человеческого сознания, стремящегося охватить бесконечное многообразие деятельности, эстетически ее осмыслить.

Натюрморт – сравнительно молодой жанр. Самостоятельное значение в Европе он получил лишь в XVII веке. История развития натюрморта интересна и поучительна.

Особенно полно и ярко натюрморт расцвел во Фландрии и Нидерландах. Его возникновение связано с теми революционными историческими событиями, в результате которых эти страны, получив независимость, в начале XVII столетия вступили на путь буржуазного развития. Для Европы того времени это было важным и прогрессивным явлением. Перед искусством открылись новые горизонты. Исторические условия, новые общественные отношения направляли и определяли творческие запросы, изменения в решении стоящих перед живописцем проблем. Прямо не изображая исторических событий, художники по-новому взглянули на мир, новые ценности нашли в человеке. Жизнь, обыденно предстали перед ними с неизвестной дотоле значительностью и полнотой. Их привлекали особенности национального быта, родной природы, вещей, хранящих на себе отпечаток трудов и дней простых людей. Именно отсюда, из сознательного, углубленного, самим строем подсказанного интереса к жизни народа, родились обособленные и самостоятельные жанры бытовой картины, пейзажа, возник и натюрморт.

Искусство натюрморта, сложившееся в XVII веке, определило основные качества этого жанра. Картина, посвященная миру вещей, рассказывала об основных свойствах, присущих предметам, окружающим человека, раскрывала отношение художника и современника к тому, что изображено, выражала характер и полноту познания действительности. Живописец передавал материальное бытие вещей, их объем, вес, фактуру, цвет, функциональную ценность предметов обихода, их живую связь с деятельностью человека.

Красота и совершенство домашней утвари определялись не только их необходимостью, но и мастерством их создателя. В натюрморте революционной эпохи побеждающей буржуазии отражалось уважение художника к новым формам национальной жизни соотечественников, уважение к труду.

Сформулированные в XVII веке, задачи жанра в общих чертах существовали в европейской школе вплоть до середины XIX века. Однако это не означает, что художники не ставили перед собой новых задач, механически повторяя готовые решения.

На протяжении эпох менялись не только методы и способы живописного решения натюрморта, но накапливался художественный опыт, в процессе становления развивался более сложный и постоянно обогащающийся взгляд на мир. Не один предмет как таковой, но различные его свойства становились объектом перевоплощения, и через раскрытие вновь понятых качеств вещей выражалось свое, современное отношение к действительности, переоценка ценностей, мера понимания реальной действительности.

Импрессионизм как течение.

. Импрессионизм, живопись импрессионистов… сегодня, в последние годы уходящего тысячелетия, одно лишь упоминание этих окрашенных эмоциями понятий неизменно вызывает теплые чувства у тех, кто знаком с творчеством представителей, быть может самого популярного направления современного искусства. Французские слова “импрессион” (“впечатление”) и “импрессионисты” ассоциируются с поэтической атмосферой небольших по формату пейзажей, словно наполненных солнечным светом и вибрирующим воздухом, с прекрасными женскими образами, как бы материализующими встречу с “мимолетным видением”.

За относительно короткий исторический период импрессионизм как художественное течение прошел эволюционный путь становления, расцвета и, наконец, кризиса. Прежде монолитная группа художников – единомышленников распалась, в творчестве каждого из них произошел перелом, обусловивший отход от канонов импрессионистической системы. Полотна импрессионистов с точки зрения американского поставангардизма превращаются в милые сердцу виньетки, засушенные цветы между страницами любимых книг, успокаивающие и вызывающие ностальгию о прошлом, не более; им нет места в мире бездушной технократии. Но так ли это? И кто же они импрессионисты? Последние романтики отжившей цивилизации, стремительными, яркими мазками как бы перечеркнувшие грязно-коричневые холсты XIX века или аляповатые по цвету, зализанные и залаченые полотна прославленных академиков, что бы в этом легком прикосновении кистью заодно проститься и с переполненным эмоциями культурным пространством “века романтиков” и не менее романтичных “реалистов”? Или первые бунтари, интеллектуалы, ощутившие свободу и мощь собственно живописи, материальной стихии красок, способных “проживать” вместе с художником реальные мгновения бытия, преломлять лучи дневного света с помощью положенных прямо на холст, но не скрытых под слоями лака и лессировок выпуклых мазков, нести информацию данном, конкретном, ускользающем состоянии мира и зависящей от него эмоциональной сферы, смены настроений?

В противоположность академическому искусству, опиравшемуся на каноны классицизма – обязательное помещение главных действующих лиц в центре картины, трехплановость пространства, использование исторического сюжета, – импрессионисты выдвинули собственные принципы восприятия и отображения окружающего мира. Они перестали разделять предметы на главные, достойные высокого искусства, и второстепенные. Отныне изображенным в картине мотивом мог стать стог сена, фрагмент неровной поверхности каменного готического собора, разноцветные тени от предметов в полуденные часы, куст сирени, отражение зелени и неба в воде, движение снующей по улице толпы. При этом они не ставили перед собой задачу копировать переходящее состояние природы. Беспрерывная вибрация пульсирующих шероховатых мазков на картинах импрессионистов уничтожала иллюзию трехмерного пространства, обнажая исконную двухмерность холста и, заставляя зрителя расшифровывать тайны самой живописи.

От времени, когда импрессионисты вели яростные сражения с академическими мэтрами за утверждение новых средств в живописи, нас отделяет больше столетия. Но споры вокруг интерпретации их наследия не утихли до тех пор. В сотнях монографий, посвященных отдельным художникам, каталогов выставок статей даются разные оценки роли их искусства в становлении нового языка живописи XX века.

Двумя главными завоеваниями импрессионистов стали: изменение живописной техники и психологического содержания картины. И сегодня, даже зная обстановку той эпохи, трудно сразу найти ответ на вопрос, почему же пейзажи импрессионистов, столь радостные, бесхитростные, поэтические, вызывали резкое неприятие и насмешки публики и критиков. Главная причина понимается в том, что для обывателей и официальной критики, импрессионистическая живопись не укладывалась в рамки общепринятого, воспринималась как нечто низменное и вульгарное, недостойное того, чтобы быть признанным “истинным” искусством.

Весной 1874 года группа молодых художников пренебрегла официальным салоном и устроила собственную выставку. Подобный поступок ужу сам по себе был революционным и рвал с вековыми устоями. Картины же этих художников на первый взгляд казались еще более враждебными традиции. Реакция на это новшество со стороны посетителей и критиков была далеко не дружественной. Они обвиняли художников в том, что те пишут не так как призванные мастера, – просто для того, чтобы привлечь внимание публики. Наиболее снисходительные рассматривали их работы как насмешку, как попытку подшутить над честными людьми. Потребовались годы жесточайшей борьбы, прежде чем члены маленькой группы смогли убедить публику не только в своей искренности, но и в своем таланте. Эта группа включала Моне, Ренуара, Писсаро, Сислея, Дега, Сезанна и Берту Моризо. Члены ее обладали не только различными характерами, но в известной мере придерживались также различных концепций и убеждений. Однако все они принадлежали к одному поколению, прошли через одни и те же испытания и боролись против общей оппозиции. Объединившись почти случайно, они сообща разделили свою участь. Так же как и приняли название “импрессионисты” – название, придуманное в насмешку одним журналистом – сатириком.

Новый этап искусства, начавшийся выставкой 1874 года, не был внезапным взрывом революционных тенденций, он явился кульминацией медленного и последовательного развития. Когда импрессионисты организовывали свою выставку, они уже не были неопытными, начинающими художниками; это были люди, перешагнувшие за 30, имевшие за плечами свыше пятнадцати лет усердной работы. Из уроков прошлого и настоящего они создали свое собственное искусство.

Натюрморт в импрессионизме.

Новую концепцию натюрморта наиболее отчетливо сформулировал в своем творчестве величайший французский реалист Гюстав Курбе. Непосредственность его контакта с природой и демократизм, лежащий в основе его творчества, вернули западноевропейскому натюрморту жизненную силу, сочность и глубину. Курбе был первым крупным мастером XIX столетия, который создал школу в натюрморте.

Дальнейшее развитие реалистический натюрморт получил в творчестве Эдуарда Мане. В серьезном внимании Мане к этому жанру пример Курбе сыграл не последнюю роль. Обоих мастеров объединяло сходное стремление к наибольшему приближению к натуре. Однако в понимании задач и возможностей натюрморта позиции художников значительно расходились. Там, где Курбе стремился с пристрастием подчеркнуть проявление извечных общих законов жизни, Мане через фиксацию внешних и как бы случайных качеств пытался проникнуть в трудно уловимый индивидуальный характер предмета. Поэтому рядом с Курбе Мане кажется менее солидным и основательным. Но в изображении доступной глазу красоты художник был непревзойден. Более того, Мане и в натюрморте точно так же, как в других жанрах, стремится постичь современную жизнь, современное ему понимание прекрасного. Он упрощает композицию, сокращая количество предметов. Мы никогда не встретим у него перегруженности или искусственной многосложности, которые так любили его предшественники. Но зато все возможные материальные качества мира вещей, являемые в тех двух – трех предметах, которыми он ограничивается, запечатлены всегда с большим блеском и виртуозностью. Примером такого решения темы могут служить его натюрморты, возникшие в 1860-е годы.

В 1863 году в “Салоне отверженных” среди других картин Мане выставил “Завтрак на траве”(1863, Лувр, Париж), на долю которой выпало наибольшее количество насмешек и совсем не литературной брани критиков, хотя в этой работе он взял на себя смелость всего лишь пересказать любимый им “Сельский концерт” Джорджоне, хранящийся в Лувре, на современный лад, воодушевившись прогулкой с Прустом на берег Сены в Аржантейле и зрелищем купальщиц на солнце.

Человеческие фигуры “Завтрака на траве” и натюрморт на первом плане картины – шляпа, платье, хлеб, корзина с фруктами – превосходны. Они очень реальны. Прозрачны и солнечны чистые и нежные оттенки натюрморта переднего плана – серебристые, голубые, сливающиеся в подлинную музыкальную гармонию. Мане впервые здесь решил с такой новизной и блеском задачу настоящей пленэрной живописи, словно вобравший в себя все находки и открытия Веласкеса, Гойи, Шардена, Констебля, но еще более свободной, открытой и смелой. Но в ней он еще не довел до конца свою живописную революцию. В ней еще нет солнца прозрачности воздуха, еще нет чистоты цвета и цвет еще локальный и мертвый. В полотне присутствует еще театральность и условность. Но лежащие на траве платье, шляпа, фрукты все равно полны пленэрной свежести, легкости и изящества. Именно из-за этих, не предвиденных Мане композиционных и колористических противоречий в картине возник оттенок рассудочности и условности, явно в замысел Мане не входивший.

Мане быстро разобрался в причинах противоречий в “Завтраке на траве” и никогда их больше не повторял. Картина эта была переломной в его творчестве.

Большое внимание уделено натюрморту в последнем его шедевре – написанным за два года до его ранней смерти, картине “Бар в Фоли – Бержер”(1881,Лондон, Институт Варбурга и Курто) Обращенная к зрителю девушка – продавщица за стойкой бара, уставленной бутылками и фруктами, – задумчива и печальна. За ней в зеркале во всю стену отражено переливающееся серебром, заполненное публикой, залитое сверканием ламп и люстр обширное пространство бара. Прозаическая стойка бара превращена волшебством художника в драгоценную оправу, из сверкающего нежными и глубокими оттенками натюрморта, для прекрасной девушки – продавщицы, представленной нам Эдуардом Мане прекрасной богиней. В мерцающем свете люстр на белой поверхности стойки бара зелеными и коричневыми тонами переливается стекло бутылок с вином, золотыми искрами поблескивают их головки. В прозрачной хрустальной вазе, которая словно соткана из сверкающих бликов, золотистой горкой лежат фрукты. Прямо перед девушкой на стойке в прозрачном, как воздух бокале, стоят две розы. Их лепестки также нежны, как и кожа девушки.

Портрет и натюрморт в этой картине гармонично соединены талантом художника единое целое и живут одной жизнью. Эта картина стала блестящим завершением той колористической революции, которую Мане развернул в своей живописи, начиная с “Олимпии”, “Выхода у Булонского порта” и ряда натюрмортов в 1860-1870-х годах. Мане опирался на цветовую гармонию и пленэрные открытия своих предшественников, но он придал своему цвету и свету особенную остроту и прозрачность, изгнал из своей живописи черные тени, заменив их окрашенными в дополнительный цвет солнечного спектра, выбросив глухие, землистые краски, освободился от сухой и искусственной академической моделировки.

Начиная с 1875 года и, особенно в натюрмортах последних лет жизни, Эдуард Мане приближается к импрессионизму, хотя и в эти годы остается верен принципу предметной характеристики образа. Его многочисленная серия цветов, выполненная уже серьезно больным художником, демонстрирует новый взлет творчества Мане – натюрмортиста. Работы этих лет поражают чистотой вдохновения и искренностью, тем особым тонким чувством трепетной жизни цветка, которое, пожалуй, никто, кроме него, не мог уловить. Перед нами его картина “Ваза с цветами”(1882, Париж, Лувр). Композиция натюрморта крайне проста – в небольшом сосуде стоит скромный букет, Зеленые листья и крупные цветы небрежно и естественно переплелись между собой. Сумрак фона ласковой воздушной волной окутывает и как бы пронизывает легкую трепетную массу букета. Каждый лепесток, словно радужное крыло бабочки, хранит отблеск других цветов и листьев, отсвет солнца, голубой рефлекс небесной синевы. Стекло воспринимает отражение стеблей внутри и краски предметов снаружи вазона. Отдельная вещь уже не обладает единственным, ему присущим цветом, а как бы связана общей красочной средой с другими, откликаясь на близлежащие тона и полутона. Благодаря этому создается особое, новое для искусства той поры ощущение многокрасочности и целостности мира. Рефлексы заставляют чувствовать роль света для выявления звучности, интенсивности отдельных цветовых пятен.

Вместе с освещением в натюрморт “входит” воздух. Предметы кажутся окутанными легкой голубоватой думкой прозрачной пространственной среды. От этого живая ткань цветов и листьев обретает новую трепетность едва ощутимую подвижность. Лепестки, напоенные влагой, раскрываются, тянутся к свету чашечки цветов, зелень топорщится вырезанным кружевом. Жизнь предстает еще в одном своем качестве – в прелести единственного, непрочного, неповторимо прекрасного мгновения. Возникает по-своему яркое, хотя и несколько одностороннее раскрытие определенных свойств окружающего мира.

В ключе изысканности тончайших оттенков написан другой натюрморт Мане с цветами “Белая сирень стеклянной вазе” (1882 или 1883 год, Берлин – Далем, Музей). Мане легко и свободно лепит пластику букета, стакана и глубину пространства точными и немногими ударами кисти и большими плоскостями чистого цвета, а светоносную среду передает выверенной градацией и смелыми контрастами тончайших оттенков белого и зеленого. Натюрморт удивительно лаконичен, в нем нет ничего лишнего. Только ветка сирени и луч света. Мане ввел в живопись солнце. Белые гроздья цветов словно напоены, как влагой, солнечным светом, который выхватывает их из нежных зеленых сумерек заднего фона картины. Напоен светом и стеклянный стакан, в котором стоят цветы. Он похож на кристалл благородного и чистого хрусталя.

Не так уж много было до него художников, чье искусство было полно такого же, поистине солнечного и мудрого, утверждения жизни.

Новый метод чрезвычайно обогатил живопись, открыв ей целый мир, ускользавший раньше от внимания художников. Картины молодых живописцев отличались небывалой свежестью восприятия, говорившей об их предельной искренности, о трепетном, живом чувстве природы.

В этом же ключе пишет свои полотна и Эдгар Дега. Наиболее значительную часть творчества раннего Дега составляют портреты. Они отличаются высоким мастерством. В его творчестве получают развитие тенденции бытового портрета. Примером этого может служить портрет “Дамы с хризантемами”. (1865, Нью-Йорк, Музей Метрополитен). Большую часть картины занимает громадный букет пестрых цветов. Фигура сидящей женщины отодвинута в сторону и гораздо скромнее дана колористически, однако благодаря мудрому композиционному решению, между ней и букетом хризантем устанавливается своеобразное эмоциональное равновесие, при котором они взаимно дополняют друг друга: цветы придают поэтическую прелесть образу задумывавшейся женщины, ее же присутствие сообщает их красоте особую одухотворенность. Здесь натюрморт занимает большую часть картины. Задумалась на мгновение женщина, и на мгновение застыли пестрым ковром роскошные пушистые цветы.

Дега – не только умелый рисовальщик и опытный колорист, но и столь же талантливый литератор и философ, что чувствуется в каждом произведении этого глубокого художника.

Клод Моне берется за рисование всего, что поражает его взгляд: луг, уголок сада, вокзал, интерьер квартиры, фрукты на столе – все одинаково его интересует. Все его картины свидетельствуют о наблюдательности искренности большого художника.

Перед нами его натюрморт “Яблоки и виноград”(1880, Чикаго, Институт искусств). Гармоничность и лаконичность этого натюрморта ласкает глаз. Отличительной его чертой является простота, посредством которой и достигается гармония. Весь секрет тут в очень точном наблюдении и взаимоотношении тонов, умении, чувствовать которые во всей их точности, есть совершенно особый дар, которым и определяется талант живописца.

Белая скатерть играет всеми оттенками голубого. Поблескивают гладкие упругие бока сочных яблок. Налитые соком гроздья винограда живописно улеглись на изящной плетеной тарелке. Несколько прозрачных, налитых соком и светом виноградин скатились на скатерть. Чувствуется, что натюрморт существует не в пустоте. Пространство вокруг него наполнено голубоватым воздухом и светом.

В этом натюрморте Моне вкладывает в предметы ту силу и динамичность, которые придают им жизнь, он одушевляет их. На его картине все живет напряженной жизнью, которую никто до него не сумел уловить, о которой никто даже не догадывался.

При взгляде на это полотно испытываешь восхищение, а если и сожалеешь, то лишь о том, что не можешь взять в руку эти плоды и ягоды и почувствовать их спелые и тугие, налитые соком бока.

В отличие от Моне в творчестве Огюста Ренуара сложно найти полотна в жанре натюрморта. Их очень немного, они небольшие по размерам и почти все находятся в частных коллекциях.

Ренуар любил цветы и писал их с большой любовью. Может, поэтому он часто их использовал и в своих жанровых композициях, и в своих натюрмортах. Ранние натюрморты, где главенствуют цветы, написаны в пастельных тонах; да и сложно сказать, что они относятся к импрессионизму. Но вот перед нами небольшой натюрморт “Анемоны” (1898, Нью-Йорк, Частное собрание)”. Здесь уже нет никаких пастельных тонов. Вглядываясь в него, можно увидеть, что Ренуар очень тонко передает не только различные оттенки цветов и их очевидную красоту, но и их форму: одни цветы стоят вертикально, другие – согнулись, а третьи – опустили свои головки почти до стола. Каждый цветок настолько естественен и неповторим, словно художник проник взглядом в его сущность.

Этот холст выполнен в той же технике, что и все его картины этих лет. В нем есть все то новое, что привнес в живопись импрессионизм: воздух и свет. Желто – коричневый фон лежит тонким слоем и словно вода обтекает цветы и вазу, создавая эффект воздушности. И на этом фоне яркими цветными бабочками пламенеют головки цветов. Штриховые мазки подчеркивают эффект огня. Темная ваза уравновешивает букет. Поверхность стола сливается с фоном, чтобы большое пространство одного цвета не перевешивало композицию. И только небольшое световое пятно указывает поверхность, на которой стоят цветы. Игра бликов и цветных штрихов создают неповторимую естественность и непосредственность, которая присутствует во всех работах Ренуара.

Другой его натюрморт из частного собрания – “Плоды в вазе в форме раковины (Fruits of the midi)” (1881,Нью-Йорк). Плоды, которые запечатлел Ренуар на этом полотне, словно живые.

В то время, когда Ренуар писал это полотно, он часто бывал у друзей в Эстаке, где встречался с Сезанном и видел его работы. Ренуар был в восторге от натюрмортов Сезанна, он считал его непонятым талантом. И этот натюрморт Ренуар явно пишет под влиянием картин Сезанна. Но есть и отличия в их работах. Если Сезанн создавал свои композиции из нескольких предметов, то у Ренуара – их двадцать четыре! И все самые разные: изобилие форм и красок! Все предметы в этом натюрморте Ренуара очень декоративны. Декоративно и блюдо в форме створки раковины. Композиция очень живописна: ярко – красный перец, фиолетовые баклажаны с голубыми бликами света –словно живут в плоскости этой картины. Очень четко разделены светлые и темные стороны композиции. Темная – в левой верхней стороне холста и в противовес ей светлая – в основном на переднем плане и справа. Яркие пятна красных перцев образуют почти равносторонний треугольник. Темно – фиолетовый и голубой, желтый и зеленый сохранены для другой стороны. Вся эта композиция усиливается двумя круглыми ярко красными плодами слева и уравновешивается двумя пурпурными гранатами с фиолетовыми бликами – справа. Во всем этом опять чувствуется влияние Сезанна. Все нюансы верхней части композиции повторяются в складках скатерти, словно она впитала в себя со светом все краски плодов.

Великолепный натюрморт есть и в его жанровом полотне “Завтрак гребцов” (1881, Вашингтон, Галерея Филлипс).

Вся картина написана в удивительно радостной гамме. Свет заливает все полотно, в нем все – и радость, и ясность, и жаркий летний день, и трепетные зеленые заросли кустарника, и заставленный посудой, фруктами и бутылками стол. Не смотря на обилие предметов на столе, натюрморт на перегружен, все в нем гармонично. Сразу чувствуется, что картина написана подлинным художником – импрессионистом, наблюдателем, не только умеющим подмечать живописное, но и делающим это со всей добросовестностью. Этот натюрморт обладает высокой художественностью и исключительным вкусом. Как и вся картина, натюрморт обаятелен во многих отношениях: эффекты верны, гамма утонченная, впечатление едино и отчетливо, свет превосходно распределен. Натюрморт написан с большой искренностью, которой отличаются все картины импрессионистов. Прелестны оттенки белого на солнце. Безмятежность и ясность не только в фигурах людей, но и в предметах. Во всем царит жизнь, задорное веселье летнего дня. Предметы оживают под кистью художника. Дробятся солнечные блики в стекле бутылей с вином, в хрустальных гранях бокалов и само вино – густое и терпкое – пронизано солнечным светом. Блики солнца играют и на тугих боках, нагретых солнцем, фруктов и винограда, которые удобно расположились в высокой изящной вазе. Одна золотистая кисть винограда на белой скатерти вся искрится в лучах солнца. Голубые тени, словно живые, спрятались в складках белой скатерти. Глядя на этот накрытый стол солнечным летним утром, чувствуешь, что и натюрморт, и вся картина полны жизни и безмятежности. Эти молодые люди на террасе наслаждаются жизнью, великолепной погодой, утренним солнцем, чудесным завтраком. “Они счастливы” – вот, что приходит в голову каждому, кто видит эту очаровательную картину.

Ренуар – импрессионист – романтик, наделенный сверхчувствительным темпераментом. Все в его картине сохраняет подлинную динамичность, а лучи света – свою трепетность. Переданные впечатления в этой картине столь же неуловимы, как непосредственное впечатление от утренней свежести реки, от тепла, которым дышит нагретый солнцем песок, запаха реки, румянца девичьих щек… Мы должны быть признательны этому великому художнику, что он уловил и сохранил для нас их на своем полотне.

В творчестве импрессионистов натюрморт не был столь же важной темой, как у реалистов и Мане. Импрессионисты создали свою концепцию натюрморта, как бы походя, перенеся на этот жанр принципы пленэра разработанные ими в области пейзажа. Признав и в натюрморте активным началом лишь свет и воздух, они превратили предмет в простого носителя световоздушных рефлексов. Поэтому предмет начинает терять свои объективные свойства, контуры его расплываются, объем и масса утрачивают свою материальную ощутимость. Воспринимая мир вещей лишь с одной красочно – живописной стороны и достигнув определенного прогресса в наблюдении и фиксации изменчивости освещения в природе, они дошли, наконец, до того, что утеряли и последнее материальное качество предмета – устойчивость цвета. Эта дематереализация предмета в искусстве импрессионистов явилась первым симптомом упадка западноевропейского натюрморта, хотя импрессионизм, с его культом солнечного света и сверкающей чистыми цветами радуги палитрой, внес в этот жанр радостные, светлые, оптимистические нотки.

Импрессионизм недолго был ведущим направлением в западноевропейском натюрморте. Помимо К. Моне и О. Ренуара, весьма немногие среди импрессионистов создали значительные произведения в этом жанре. Но отдельные мастера, в том числе даже такие крупные, как П. Боннар, следовали примеру К. Моне и XX веке. Первой реакцией на импрессионисткую концепцию изображения предметного мира были натюрморты Сезанна.

Натюрморт был вторым важнейшим жанром, после пейзажа, в творчестве Поля Сезанна. Работы начала 1870- х годов еще несложны по расстановке предметов, и в них сквозит какая – то теплота, напоминающая о Шардене. К этому периоду относится романтический по настроению “Натюрморт с черными часами”(1869 – 1870, Частное собрание). В нем часы, раковина, ваза, чашка, лимон – послужили Сезанну мотивом для натюрморта, представляющего собой по силе выполнения, по простоте, а главное – по пластичности формы, бесспорно, одну из самых больших удач Сезанна. Выбранные предметы несут символические ассоциации, но акцент перемещается в область конструктивного настроения: здесь чувствуется пространство, со всех сторон окружающее вещи, но вместе с тем подчеркнута и плоскость картины.

Проблема пространства в творчестве Сезанна была решающей, ибо “продолжать импрессионизм было некуда и незачем. Разве что в тупик к абстракции. Оставался только один путь спасения искусства, способного охватить мир в его целостности, – путь создания новейшей системы видения, которая могла бы вместить в себя как пространство, так и время. Нужно было пойти на штурм времени, как когда – то Джотто пошел на штурм пространства. Вот тогда-то и появился Сезанн” (Прокофьев В.Н)

В 1873 году в Овер-сюр-Уаз Сезанн ходит к другу доктору Гаше писать натюрморты. Доктор Гаше предоставляет в его распоряжение фрукты, кувшины и кружки, итальянский фаянс, ячеистое стекло и всякую всячину. Цветы, собранные для него госпожой Гаше, художник ставит в дельфитские вазы.

Сезанн терпеливо, обостряя свое виденье, постигает сложное сочетание красок, какое дарит ему мир. К этому времени Сезанн – ученик Писсаро – становится поистине художником – импрессионистом. Однако в силу своей природной склонности, а может быть, сказывается и привычка к точности и порядку, Сезанну трудно удовлетвориться простой передачей “впечатлений”; у него врожденная потребность “организовать” свое полотно, придать ему стройность, ритм, единство, постичь его разумом. Импрессионизм, безусловно, научил Сезанна всему или, по крайней мере, существенно важному. А главное – тому, что в живописи цвет имеет решающее значение. Но есть в импрессионизме какая – то тенденция к поверхностным впечатлениям, которая мешает художнику, и которую он более или менее сознательно старается устранить. Кроме всего прочего, разум тоже должен сказать свое слово. Импрессионисты с восторгом поэтов ограничиваются тем, что непосредственно во всей его свежести фиксируют ощущение, вызванное натурой. Но Сезанн больше не считает это допустимым так просто, без всякого усилия, отдаваться на волю своего чувственного восприятия. “Художник, – говорит он, – не должен передавать эмоции, подобно безумно поющей птичке, художник творит сознательно”.

Странная загадка эта живопись! Наблюдая предметы, Сезанн приходит к выводу, что симметрия, которую мы вносим в изображение, не более чем обман. В действительности же, если подробно и внимательно изучать форму, замечаешь, что та сторона предмета, которая освещена с боку, как бы разбухает, увеличивается, обогащенная тысячью оттенков, в то время как тень сокращает, уменьшает, словно гасит темную сторону. Выясняет он это с кистью в руках. Под его мазками бока вазы – “Голубой вазы”(1885 – 1887 года) – теряют пропорциональность.

Уже давно в живописи Сезанн опередил эпоху. Он устремился в будущее. Зрело обдуманная и точно построенная, каждая работа Сезанна становится песней, которую художник насыщает волнующей поэзией и трепетным чувством.

“Залитые светом в фарфоровых вазах, разбросанные на белой скатерти лежат груши и яблоки, грубоватые, топорные, как будто вылепленные лопаткой штукатура и поправленные большим пальцем. Если подойти вплотную, перед вашими глазами – неистовое нагромождение мазков киновари и желтого цвета, зеленого и синего; отступив на фокусное расстояние, видите плоды, достойные витрины лучшего магазина”, сочные, спелые, аппетитные. И тут вам открывается то, чего вы до сих пор не замечали: странные и в то же время реальные тона, цветовые пятна неожиданные в своей достоверности, прелестные грубоватые тени в складках скомканной скатерти и вокруг разбросанных по ней плодов. Сравнивая эти полотна с обычными натюрмортами, выполненными в неприглядных серых тонах и на невыразительном фоне, вы с особой ясностью ощущаете всю их новизну. Словом, перед нами колорист – предвестник будущего, который в еще большей мере, чем Мане, способствовал развитию импрессионизма; “он открыл горизонты нового искусства” – так писал о натюрмортах Сезанна парижский журналист “Ла краваш” Гюисманс в 1888 году.

К концу 1880-х годов относится натюрморт “Персики и груши” (Москва, музей им. А. С. Пушкина). Рассматривая его, ощущаешь внутреннюю напряженность картины. Здесь Сезанн сам задает себе урок, расставляет посуду, подкладывает мелкие монетки под фрукты, чтобы придать им разный наклон, выбирает точку зрения.

Простой столик с выдвижным ящиком фигурирует в натюрмортах десятки раз, но каждый раз он служит площадкой для иного действа.

Предметы не напоминают о частной жизни художника, нет в них никаких ассоциаций, как было в ранних работах. Сила их и красота в сопоставлении простых форм и чистых цветов. В этом натюрморте струится волнами салфетка, смятая на столе, и, сопротивляясь ее движению, лежат тяжелые груши, слегка накренилась тарелка с персиками, а высокий молочник стоит устойчиво прямо, указывая своим носиком в левый верхний угол картины. Динамичность в натюрморте подчеркивает то, что на фоне его видна, идущая под углом к краю стола, нижняя часть стены с широкой синей полосой по низу. Пространство веером раскрывается слева направо, обтекая и обволакивая все предметы, создавая между ними некое напряженное поле. Легко заметить, что в картине отнюдь не соблюдаются правила прямой перспективы, совмещается несколько точек зрения – так откровенно этот прием в живописи до Сезанна не применялся.

В свой краткий импрессионистский период он разглядел и попытался преодолеть слабые стороны этого течения. Сезанн вернул цвету устойчивый характер, отказавшись от чрезмерно нюансированного цвета импрессионистов – цвета, починенного задачам изображения света. Благодаря этому Сезанн вновь обрел материальный предмет в натюрморте. Любое цветовое пятно в зрелых произведениях художника ложится строго по форме предмета, свидетельствует о его реальном цвете, подчеркивает его контур и объем.

Импрессионисты – приверженцы оптического, поверхностного, и в буквальном и в переносном смысле слова, восприятия предмета – начисто забыли о существовании материальной субстанции вещей, об их внутреннем содержании и структуре. В поиске этих качеств Сезанн несколько перегибает палку. Стремление вернуть предмету вес, костяк и объем приводит его к попыткам утвердить неизменные, как бы изначальные формы предметов, прообразы которых он видел в основных простейших фигурах стереометрии – шаре, цилиндре, пирамиде. Композиции его натюрмортов получают устойчивость и почти классическую уравновешенность, но мир, воссозданный по законам его искусства, выглядит лишенным подлинной жизни – статичным. Так односторонность импрессионистского восприятия предмета только лишь мимолетном моменте беспрерывного, не знающего покоя движения сменяется у Сезанна другой крайностью – восприятием его в момент абсолютного, ничем не нарушенного покоя вечности. В произведениях последнего периода творчества Сезанн в известной степени преодолевает этот свой недостаток – его композиции становятся динамичнее, эмоциональнее, подавляемое раньше чувство природы чаще находит себе единственный выход.

Русский натюрморт XIX века.

Русская культура на рубеже веков имеет самое непосредственное отношение к истории импрессионизма. А Москва, наряду с Парижем и Нью-Йорком, является третьим городом мира, где перед первой мировой войной была сосредоточена лучшая часть импрессионистического наследия. Это заслуга представителей двух старинных купеческих фамилий – Щукиных и Морозовых, обогативших нашу столицу в начале века уникальными коллекциями новейшей французской живописи, от Моне до Пикассо.

В творчестве русских реалистов середины и второй половины XIX столетия натюрморт был явлением сравнительно редким. И только на рубеж

Если интересуют блоки керамзитобетонные в Москве и области ищите инфу в инете.

Tags: История натюрморта как жанра.

This entry was posted on Tuesday, January 13th, 2009 at 17:22 and is filed under Арт история. You can follow any responses to this entry through the RSS 2.0 feed. Both comments and pings are currently closed.

Глава 1. Натюрморт, как жанр изобразительного искусства.

СОДЕРЖАНИЕ

Введение………………………………………………………………………4 Глава 1. Натюрморт, как жанр изобразительного искусства…………… ….5 1.1 История развития и становление натюрморта как вида изобразительного искусства………………………………………….6 1.2 Особенности натюрморта как вида изобразительного искусства……………………………………………………………….10

Глава 2. Техника и технология живописи маслом……………………….13 2.1 Материалы для выполнения работы……………………………16 2. 2 Методика выполнения практической части курсовой работы…………………………………………………………………17 2.3 Этапы выполнения практической части курсовой работы…………………………………………………………………18

Заключение…………………………………………………………………..19

Список используемой литературы…………………………………………20

Приложение…………………………………………………………………..21

Введение

Натюрморт (фр. nature morte — «мёртвая природа») – изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики. В натюрморте изображаются предметы обихода, труда, творчества, цветы и плоды, битая дичь, выловленная рыба, входящие в созданный художником контекст. Исходную точку раннего натюрморта можно найти в 15-16 веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа. Актуальность выбранной темы обусловлена тем, чтобы раскрыть суть исследуемого вопроса и показать степень её проработанности в литературе, изобразительном искусстве. Целью данной работы является создание художественного образа, верно передающего смысл и содержание изображаемого объекта. Объект изучения курсовой работы заключается в проведении анализа живописи и жанра натюрморт, изображающего неживую природу. Предмет исследования особенности техники выполнения живописного произведения в жанре натюрморт. Задача работы заключается в том, чтобы изучить данный жанр живописи и выполнить практическую работу в этом жанре. Чтобы выполнить курсовую работу в данном жанре живописи, нужно изучить техники и технологии, используемые для написания декоративного натюрморта, используя полученные практические навыки.

Натюрморт (франц. nature morte, буквально – мёртвая природа; англ. still life – неподвижная жизнь) – жанр изобразительного искусства, посвященный изображению вещей, организованных в группу. Кроме неодушевлённых предметов, в натюрморте также изображают объекты живой природы, изолированные от своих естественных связей и тем самым обращенные в вещь, – рыбу на столе, цветы в букете и т.п. Изображение живых, движущихся существ – насекомых, птиц, зверей, даже людей – может иногда входить в натюрморт, но лишь дополняя его основной мотив. По сравнению с другими жанрами в натюрморте вырастает значительность малых предметов, выделенных из контекста быта, уделяется повышенное внимание к структуре и деталям объектов, фактуре поверхности.

Натюрморт – жанр изобразительного искусства, показывающий неодушевленные предметы, размещенные в реальной бытовой среде и организованные в определенную группу; картина с изображением предметов обихода, цветов, плодов, битой дичи, выловленной рыбы.

Натюрморт может быть наделен сложным символическим смыслом, играть роль декоративного панно, быть “обманкой”, которая дает иллюзорное воспроизведение реальных предметов или фигур, вызывающих эффект присутствия подлинной натуры.

Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV–XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа. Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа. Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.

Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию – либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти, либо – в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов – в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.

1.1 История развития и становление натюрморта, как вида изобразительного искусства

В изобразительном искусстве натюрмортом (от фран. natur morte — «мертвая природа») принято называть изображение неодушевленных предметов, объединенных в единую композиционную группу. Натюрморт может иметь как самостоятельное значение, так и быть составной частью композиции жанровой картины.

В натюрморте выражается отношение человека к окружающему миру. В нем раскрывается то понимание прекрасного, которое присуще художнику как человеку своего времени.

Искусство вещь издавна, еще задолго до превращения в самостоятельную область художественного творчества, было неотъемлемой частью всякого значительного произведения. Роль натюрморта в картине никогда не исчерпывалась простой информацией, случайным добавлением к основному содержанию. В зависимости от исторических условий и общественных запросов предметы более или менее участвовали в создании образа, оттеняя ту или иную сторону замысла. До того, как натюрморт сложился в самостоятельный жанр, вещи, окружающие человека в обыденной жизни, лишь в той или иной мере входили в качестве атрибута в картины древности. Иногда такая деталь приобретала неожиданно глубокую значительность, получала собственный смысл.

Как определенный вид или жанр живописи натюрморт знает в истории искусства свои расцветы и падения.

Суровое, напряженно-аскетическое искусство Византии, создавая бессмертные, монументально-обобщенные, возвышенно-героические образы, с необыкновенной выразительностью пользовалось изображениями отдельных предметов.

В древнерусской иконописи также большую роль играли те немногочисленные предметы, которые художник вводил в свои строго канонические произведения. Они вносили непосредственность, жизненность, порой казались открытым выражением чувства в произведении, посвященном отвлеченно-мифологическому сюжету.

Еще большую роль натюрморт играл в картинах художников XV — XVI веков в эпоху Возрождения. Живописец, впервые обративший пристальное внимание на окружающий его мир, стремился указать место, определить ценность каждой вещи, служащей человеку. Предметы обихода приобретали благородство и горделивую значительность их обладателя, того, кому они служили. На больших полотнах натюрморт занимал обычно очень скромное место: стеклянный сосуд с водой, изящная серебреная ваза или нежные белые лилии на тонких стеблях чаще ютились в углу картины. Однако в изображении этих вещей было столько поэтической влюбленности в природу, смысл их так высоко одухотворен, что здесь уже можно увидеть все черты, которые определили в дальнейшем самостоятельное развитие целого жанра.

Предметы, вещественный элемент получили в картинах новое значение в XVII веке — в эпоху развитого натюрмортного жанра. В сложных композициях с литературной фабулой они заняли свое место наряду с другими героями произведения. Анализируя произведения этого времени, можно увидеть какую важную роль стал играть натюрморт в картине. Вещи стали выступать в этих произведениях, как главные действующие лица, показывая, что может достичь художник, посвятив этому роду искусства свое мастерство.

Предметы, сделанные умелыми, трудолюбивыми, мудрыми руками, несут на себе отпечаток мыслей, желаний, влечений человека. Они служат ему, радуют его, внушают законное чувство гордости. Недаром мы узнаем о давно исчезнувших с лица земли эпохах по тем черепкам посуды, домашней утвари и ритуальных предметов, которые становятся для археологов разрозненными страницами истории человечества.

Вглядываясь в окружающий мир, проникая пытливым умом в его законы, разгадывая увлекательные тайны жизни, художник все полнее и многостороннее отображает его в своем искусстве. Он не только изображает окружающий его мир, но и передает свое понимание, свое отношение к действительности.

История сложения и развития различных жанров живописи — живое свидетельство неустанной работы человеческого сознания, стремящегося охватить бесконечное многообразие деятельности, эстетически ее осмыслить.

Натюрморт — сравнительно молодой жанр. Самостоятельное значение в Европе он получил лишь в XVII веке. История развития натюрморта интересна и поучительна.

Особенно полно и ярко натюрморт расцвел во Фландрии и Нидерландах. Его возникновение связано с теми революционными историческими событиями, в результате которых эти страны, получив независимость, в начале XVII столетия вступили на путь буржуазного развития. Для Европы того времени это было важным и прогрессивным явлением. Перед искусством открылись новые горизонты. Исторические условия, новые общественные отношения направляли и определяли творческие запросы, изменения в решении стоящих перед живописцем проблем. Прямо не изображая исторических событий, художники по-новому взглянули на мир, новые ценности нашли в человеке. Жизнь, обыденно предстали перед ними с неизвестной дотоле значительностью и полнотой. Их привлекали особенности национального быта, родной природы, вещей, хранящих на себе отпечаток трудов и дней простых людей. Именно отсюда, из сознательного, углубленного, самим строем подсказанного интереса к жизни народа, родились обособленные и самостоятельные жанры бытовой картины, пейзажа, возник и натюрморт.

Искусство натюрморта, сложившееся в XVII веке, определило основные качества этого жанра. Картина, посвященная миру вещей, рассказывала об основных свойствах, присущих предметам, окружающим человека, раскрывала отношение художника и современника к тому, что изображено, выражала характер и полноту познания действительности. Живописец передавал материальное бытие вещей, их объем, вес, фактуру, цвет, функциональную ценность предметов обихода, их живую связь с деятельностью человека.

Красота и совершенство домашней утвари определялись не только их необходимостью, но и мастерством их создателя. В натюрморте революционной эпохи побеждающей буржуазии отражалось уважение художника к новым формам национальной жизни соотечественников, уважение к труду.

Сформулированные в XVII веке, задачи жанра в общих чертах существовали в европейской школе вплоть до середины XIX века. Однако это не означает, что художники не ставили перед собой новых задач, механически повторяя готовые решения.

На протяжении эпох менялись не только методы и способы живописного решения натюрморта, но накапливался художественный опыт, в процессе становления развивался более сложный и постоянно обогащающийся взгляд на мир. Не один предмет как таковой, но различные его свойства становились объектом перевоплощения, и через раскрытие вновь понятых качеств вещей выражалось свое, современное отношение к действительности, переоценка ценностей, мера понимания реальной действительности.

Натюрморт и как он пережил тысячи лет

Эдуард Мане однажды назвал натюрморт «пробным камнем живописи». Этот жанр искусства, характеризующийся интересом к неодушевленным, был популярен в разных движениях, культурах и периодах, и такие крупные фигуры, как Поль Сезанн и Пабло Пикассо, разделяли взгляды художников-импрессионистов.

Здесь мы исследуем вековой жанр, прослеживая его историю и смотрим на известные работы, чтобы ответить на вопросы: что такое натюрморты и как они развивались с течением времени?

Натюрморт Определение

Натюрморт (также известный под французским названием « nature morte ») — это произведение, на котором в качестве сюжета изображены неодушевленные предметы.Обычно эти предметы устанавливаются на стол и часто включают органические предметы, такие как фрукты и цветы, а также предметы домашнего обихода, такие как стеклянная посуда и текстиль.

Термин «натюрморт» происходит от голландского слова s tilleven , получившего известность в 16 веке. Хотя именно в это время натюрморт получил признание как жанр, его корни уходят в глубь веков.

История

Древнее искусство

Самые ранние известные натюрморты были созданы египтянами в 15 веке до нашей эры.В древних захоронениях были обнаружены погребальные рисунки с изображением еды, в том числе сельскохозяйственных культур, рыбы и мяса. Самый известный древнеегипетский натюрморт был обнаружен в гробнице Менны , на месте, стены которого были украшены исключительно подробными сценами повседневной жизни.

Натюрморт, найденный в гробнице Менны (Фото: Проект Йорка через Wikimedia Commons Public Domain)

Древние греки и римляне также создавали похожие изображения неодушевленных предметов. Хотя они в основном использовали натюрморты для мозаик, они также использовали его для фресок , таких как «Натюрморт со стеклянной чашей с фруктами и вазами» , настенная живопись 1-го века из Помпеи.

«Натюрморт со стеклянной чашей с фруктами и вазами» (63–79 гг. Н. Э.) (Фото: Проект Йорка через Wikimedia Commons Public Domain)

Средневековье

В средние века художники приспособили натюрморт для религиозных целей. Помимо включения символических композиций в изображения библейских сцен, они также использовали их для украшения иллюминированных манускриптов. В границах этих книг можно найти такие предметы, как монеты, ракушки и бушели фруктов, в том числе тщательно декорированный Часы Екатерины Клевской 15 века.

«Часы Екатерины Клевской» (1440)

Ренессанс

Художники Северного Возрождения популяризировали натюрмортную иконографию, выпустив цветочных картин . Эти произведения обычно демонстрируют красочную флору «из разных стран и даже с разных континентов в одной вазе и в один момент цветения» (Музей искусств Метрополитен) и часто не содержат других сюжетов. Эти картины приобрели известность в начале 17 века, когда художники Северного Возрождения все больше интересовались созданием реалистичных этюдов повседневных предметов.

Ян Брейгель Старший, «Цветы в деревянном сосуде» (1606–1607) (Фото: Google Art Project через Wikimedia Commons Public Domain)

Голландский золотой век художников продвинули этот интерес к детальному цветочному искусству на шаг вперед, создав свои картины vanitas . Картины Vanitas вдохновлены жанром memento mori , латинское название которого переводится как «помни, что ты должен умереть». Как и memento mori , изображает , , эти части часто сочетают срезанные цветы с такими объектами, как человеческие черепа, тусклые свечи и перевернутые песочные часы, чтобы прокомментировать мимолетную природу жизни.

В отличие от memento mori art, картины vanitas «также включают другие символы, такие как музыкальные инструменты, вино и книги, чтобы явно напомнить нам о тщеславии мирских удовольствий и благ» (Тейт).

Питер Клас, «Ванитас — Натюрморт» (1625 г.) (Фото: «Память о Нидерландах» через Wikimedia CommonsPublic Domain)

Современное искусство

Натюрморт оставался популярным во многих направлениях современного искусства. В то время как художники-импрессионисты, такие как Пьер-Огюст Ренуар, баловались этим жанром, он дебютировал в современном стиле в период постимпрессионизма, когда Винсент Ван Гог использовал вазы для цветов в качестве своего предмета, а Сезанн написал знаменитую серию натюрмортов с яблоками и винными бутылками. , и кувшины с водой, покоящиеся на перевернутых столешницах.

Винсент Ван Гог, «Подсолнухи» (1889 г.) (Фото: Национальная галерея через Wikimedia Commons (общественное достояние)

Поль Сезанн, Корзина яблок (ок. 1895 г.) (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

Некоторые изображения Сезанна даже отдают дань уважения жанру vanitas , включая черепа.

Поль Сезанн, «Натюрморт с черепом» (ок. 1895-1900) (Фото: Иллюстрация только через Wikimedia Commons Public Domain)

Помимо постимпрессионистов, мастера кубизма Пабло Пикассо и Жорж Брак и пионер поп-арта Рой Лихтенштейн также отдавали предпочтение повседневным предметам, от мисок с фруктами до технологических изобретений.

Жорж Брак, «Натюрморт с метрономом» (1909 г.)
Фото: Музей искусств Метрополитен через Wikimedia Commons

Современное искусство

Сегодня многие художники вносят современный поворот в вечную традицию, рисуя натюрморты с современной едой и предметами в гиперреалистичном стиле. Как и предметы, которые их вдохновляют, эти картины высокого разрешения доказывают, что даже самые приземленные предметы можно превратить в шедевры.

Тьялф Спарнай, «Здоровый бутерброд» (2013)

Статьи по теме:

Причудливые диеты знаменитостей, воссозданные как классические натюрморты

Изысканные композиции из цветов и блюд напоминают изящную красоту натюрмортов

Красочные натюрморты, вышивки причудливых комнатных растений и современный дизайн интерьера

Художник дает старым кистям новую жизнь и индивидуальность в образе персонажей в стиле барокко

Натюрморт | Британника

Натюрморт , изображение неодушевленных предметов с учетом их качества формы, цвета, текстуры и композиции.Хотя декоративные фрески и мозаики с натюрмортами иногда появлялись в античности, только в эпоху Возрождения натюрморт возник как самостоятельный жанр живописи, а не существовал в основном как вспомогательный элемент в композиции. Ранние нидерландские натюрморты изображали черепа, свечи и песочные часы как аллегории смертности или сочетали цветы и фрукты всех времен года, чтобы символизировать цикл природы ( см. vanitas). Интерес к наблюдению, а затем реалистичное представление материальных деталей окружающей среды, рост богатого среднего класса, который хотел, чтобы произведения искусства украшали свои дома, и растущий спрос на светские предметы в живописи, кроме портретной живописи, в результате длительного воздействия Реформации — все это факторы, которые способствовали возникновению натюрморта в 16-17 веках.Картина, которую принято считать первым натюрмортами, — это работа итальянского художника Якопо де Барбари, написанная в 1504 году. «Золотой век» натюрмортов пришелся на низменность в 17 веке.

Подробнее по этой теме

картина: Натюрморт

Самый ранний европейский натюрморт обычно приписывают Якопо де Барбари (т. е. Мертвая птица, 1504 г.).В западной живописи …

Среди самых известных голландских и фламандских художников, специализирующихся на натюрмортах, были Виллем Хеда, Виллем Кальф, Ян Фит, Франс Снайдерс, Ян Веникс, Мельхиор д’Ондекотер, Ян ван Хейсум и семья де Хем. С 18 века до подъема необъективной живописи после Второй мировой войны Франция стала центром натюрморта. Большинство крупных художников, которые когда-то проживали здесь в течение этого 250-летнего периода, выполняли натюрморты, например, e.г., Ж.-Б.-С. Шарден, Эжен Делакруа, Гюстав Курбе, Эдуард Мане, Клод Моне, Поль Сезанн, Винсент Ван Гог, Пабло Пикассо, Жорж Брак, Анри Матисс и Пьер Боннар.

История натюрморта

Instagram и Facebook может быть тем местом, где вы найдете больше всего натюрмортных фотографий, каждый снимок сочных гамбургеров и модных коктейлей, попадающих в категорию натюрмортов, но натюрморты есть существует уже некоторое время.

Древние египтяне были первыми (известными нам), кто производил натюрморты. К счастью, на этом дело не закончилось, и спустя тысячи лет искусство натюрморта живо и процветает.

По прошествии столетий этот вид искусства развивался, изменялся, видоизменялся. От очень утилитарных древнеегипетских фресок до ультрареалистов Золотого века Голландии картин и современных трехмерных инсталляций — натюрморты продолжают оставаться признанной формой искусства и составляют существенную часть любого уважаемого музея искусства.

Эта статья познакомит вас с развитием искусства натюрморта на протяжении всей истории.


«Что такое телевизионный аппарат для человека, которому достаточно закрыть глаза, чтобы увидеть самые недоступные области видимого и невидимого, кому нужно только вообразить, чтобы пробить стены и вызвать все планетарный Багдад его мечты восстанет из праха ».

— Сальвадор Дали, испанский художник


Карлос Кальвет был португальским художником-сюрреалистом. На этой картине 1951 года изображена улица Рибейра (автор pedrosimoes7)

Древняя история

Как и искусство жизни, в искусстве натюрморта нет ничего нового.На самом деле он очень (очень) старый, поскольку первые натюрморты и резные фигурки восходят к Древнему Египту.

Натюрморт как вид искусства впервые возник из древнеегипетских высококодифицированных погребальных ритуалов . Египтяне в то время считали, что предметы, представленные на стенах тумана или внутри саркофага , будут сопровождать мертвых в загробной жизни.

Они также использовали натюрморты в качестве подношений богам, а корзины с инжиром, виноградом, хлебом или мясом обычно рисовали на фресках.

Греки и римляне позже реализовали похожие типы картин, хотя они больше не связывали с ними никакой религиозной символики. Однако, в отличие от египетской фрески , в которой не использовалась перспектива или затенение, греческая и римская начали развивать несколько сложную форму натюрморта, более реалистичную и детализированную.

Множество мозаик и красок уцелело в Помпеи под пеплом, покрывшим город после взрыва вулкана Везувий в 79 году нашей эры.Сцены и объекты, изображенные на римских мозаиках и картинах, показывают важность того, что римляне уделяли гостеприимству, обычно натюрморты, обнаруженные в Помпеях и Геркулануме , показывают подношение еды и воды, сделанное хозяевами хозяевам. гости.

Посмотрите уроки рисования для начинающих.

Одним из самых известных произведений искусства, найденных в руинах Геркуланума, является натюрморт с персиками , который был частью входа в одну из самых богатых вилл города.

От древних времен до Возрождения

Вероятно, из-за того, что натюрморты очень рано передавали религиозный символизм, такие коннотации закрепились в этом виде искусства, и на протяжении всего средневековья натюрморты в основном сопровождали священных христианских текстов и рукописей.

Один из лучших образцов иллюминированных рукописей с натюрмортами — это Часы Екатерины Клевской. Екатерина Клевская была богатой герцогиней, которая сейчас является частью Германии.Она заказала свою книгу молитв в 1430 году, и нанятым ею голландским художникам понадобилось от четырех до десяти лет, чтобы закончить книгу.

Часы Екатерины Клевской, освещенные художником из Дукта между 1430 и 1440 годами, украшены множеством натюрмортов.

Неизвестный художник выбрал необычно широкий спектр сюжетов для иллюстраций каждой страницы. Границы страниц заполнены фантастическими иллюстрациями trompe l’oeil , изображающими природу: мидии, фрукты, птиц, рыбу и многое другое.Иллюстратор также решил изобразить созданные человеком предметы, такие как украшения, плитка, монеты и мебель. Он также включил повседневные занятия скромного класса, такие как доение коров, выпечка хлеба или продажа вина, наряду с роскошными сценами, указывающими на то, что книга предназначена для благородного клиента.

Узнайте больше о художниках-натюрмортах и ​​их искусстве.

Движение Возрождения

Движение Возрождения зародилось в Италии в конце XIII века и медленно распространилось по Европе в течение четырехсот последующих лет, навсегда изменив европейское искусство.

Лишь в 16 веке движение Возрождения полностью охватило Низких земель (название Нидерландов в то время), но прошло некоторое время, прежде чем голландские художники действительно оставили свой след в искусстве натюрморта. .

Религиозный аспект натюрморта оставался значительным влиянием на художников эпохи Возрождения художников голландского золотого века . В то время как итальянские и французские художники движения раннего Возрождения часто отдавали предпочтение предметам из человеческой материи, около голландских мастеров решили сосредоточить свои работы на натюрмортах и ​​возродили интерес к этому стилю искусства.

Голландцы проявили особый интерес к натюрмортам Барокко , часто выбирая колоссальные холсты, изображающие эпические пира, обычно скрывающие религиозных сцен и символику на заднем плане. Фламандские художники семнадцатого века также славились своими фантастическими пейзажами, еще одним жанром натюрморта.

Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой — это картина испанского художника в стиле барокко Франсиско де Сурбарана, написанная маслом на холсте в 1633 году.В настоящее время он выставлен в музее Нортона Саймона в Пасадене как часть его постоянной коллекции. Это единственный натюрморт, подписанный и датированный им, и считается шедевром жанра.

Натюрморты Vanitas были широко распространенным жанром голландских натюрмортов . В их состав часто входили череп , символ смертности, а также гнилые фрукты, часы и песочные часы, все напоминания о прошедшем времени и мимолетной природе жизни. Обычно с черным фоном они напоминали зрителю о неизбежности смерти и о том, что все богатых предметов, пышные пира и роскошные декорации , нарисованные художником, не имеют значения.

Еще одним частым предметом голландского искусства того времени были цветы в вазе. Одним из наиболее часто представленных цветов было тюльпанов . Поскольку Нидерланды и Амстердам стали крупнейшими производителями цветов, составленный букет тюльпанов был вполне подходящим сюжетом и обычно раскрашивался маслом на холсте .

Импрессионизм и постимпрессионизм

К концу восемнадцатого века Французская академия , чрезвычайно влиятельное художественное учреждение того времени, заявила, что тематика картины важнее техники рисования и цвета. гармония использовалась.

Человеческая форма считалась самой важной и более сложной для изображения, поэтому натюрморт был поставлен в конец Иерархии Субъектной Материи . Лишь в конце XIX века эта точка зрения снизилась, и возникло движение импрессионизма .

Движение зародилось в Париже в 1860-х годах под влиянием одной группы, состоящей из четырех молодых художников: Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль . Все они познакомились, когда учились у одного и того же мастера-художника, но решили последовать более раннему влиянию художников, таких как J.M.W. Тернер или Эжен Делакруа.

Звездная ночь — холст, масло голландский художник-постимпрессионист Винсент Ван Гог. На картине, написанной в июне 1889 года, изображен вид из окна, выходящего на восток, в его приют в Сен-Реми-де-Прованс.
С 1941 года находится в постоянной коллекции Музея современного искусства в Нью-Йорке.

«Художник , стремящийся к совершенству во всем, не достигает этого ни в чем.»

— Эжен Делакруа, французский художник-романтик


Их стиль помещает свободно окрашенных цветов перед четко очерченными контурами и линиями, подчеркивает игру естественного света, смело рисует тени и уделяет пристальное внимание отражение света и цветов от объекта к объекту

Они также использовали технику мокрой краски в ожидании краски , вместо того, чтобы ждать высыхания первого слоя краски, что привело к более мягким контурам и перекрытию цветов.

Хотя они не изобрели какую-либо из используемых ими техник рисования или рисования, они были первыми, кто использовал их все вместе, придавая своей работе уникальный и оригинальный вид.

Картина под названием «Натюрморт после Яна Давидса». Картина де Хема «Десерт» была написана Анри Матиссом осенью 1915 года.

Движение Постимпрессионизм , в основном возглавляемое Полем Сезанном. , было продолжением и продолжением импрессионизма, но оно отвергало его ограничения.Художники-постимпрессионисты, такие как Винсент Ван Гог или Пол Гогин , по-прежнему использовали яркие цвета, толстые мазки кисти и реальные предметы, но подчеркивали геометрические формы, часто искажая их предмет, чтобы передать сообщение и используя субъективные цвета.

Именно из постимпрессионизма возникли кубизм и фовизм , два других направления живописи

Найдите лучшие уроки рисования в Интернете.

Современное искусство натюрморта

В последние годы работы Джорджии О’Киф заложили основу американского модернизма с ее городскими пейзажами небоскребов Нью-Йорка и пейзажами Нью-Мексико.Ее крупномасштабные картины, изображающие цветов крупным планом, являются одними из лучших образцов современного натюрморта.

Наследие О’Киф на американской арт-сцене неоспоримо, и всего через несколько лет после переезда в Нью-Йорк в 1918 году она стала самой высокооплачиваемой женщиной-художницей в Америке, открыв дорогу многим другим.

С развитием технологий и появлением движения абстрактного искусства натюрморты пошли по многим дорогам.

В начале 1950-х гг. Возникло движение протопоп-арта, за которым вскоре последовало движение поп-арта, которое изменило смысл натюрморта.

В произведениях современного искусства использованы элементы поп-арта и импрессионизма в современных натюрмортах. Вот New York Harlem Old Tube. (автор balestra_art. fr)

«Искусство должно быть чем-то, что освобождает вашу душу, пробуждает воображение и побуждает людей идти дальше».
— Кейт Харинг, американский художник


Такие художники, как Энди Уорхол , использовали отпечатки на холсте в качестве средства массовой информации, застрявшего между живописью и фотографией.

Некоторые современные художники сделали еще один шаг вперед в искусстве натюрморта, представив массивные инсталляции. Такая установка была создана эпической художницей-феминисткой Джуди Чикаго в 1979 году. Шедевр под названием The Dinner Party , состоял из треугольного стола почти 15 метров с каждой стороны. Каждая сторона была выложена с 13 серверами, и каждый набор был включен на стол, расписанную вручную фарфоровую тарелку, керамические столовые приборы и чашу вместе с вышитой золотом салфеткой.

Эта массивная инсталляция , на завершение которой ушло более шести лет и четверть миллиона долларов, была сделана в честь женщин, значимых на протяжении всей истории. Каждое место было посвящено отдельной женщине, ее имя было вышито на скатерти. Каждая сторона таблицы соответствовала разному периоду истории.

Эта работа Джимми Дарема под названием «Натюрморт с Кситлом и духом» сделана из автомобиля, вулканического камня и акриловой краски. (подготовлено Malaysia Business Insider).

Натюрморт долгое время был представлен только в виде двумерных произведений искусства, картин, рисунков или фотографий. Такая визуально эффектная трехмерная инсталляция позволила погрузить зрителя в натюрморт и привнести в гораздо более интерактивный подход, чем классический натюрморт.

Ищете уроки базового рисования?

Натюрморт

A Натюрморт — произведение искусства, рисунок или рисование (обычно) группы предметов.Объекты не двигаются, поэтому слово «еще». В прошлом такими объектами были цветы, фрукты и другие виды пищи или мертвые животные — отсюда «жизнь». Французское слово «натюрморт» — «nature morte», что означает «мертвая природа». Вы уловили идею. Настоящее время, однако, натюрморт может означать любые предметы, достаточно маленькие, чтобы их можно было поставить перед вы, как правило, на столе. Так когда же это началось?

Древние египтяне

человек рисовали коллекции объекты на тысячи лет.Древние египтяне рисовали стопки подношения богам в храмах или гробницах (см. справа). Египтяне не интересовались перспективой или штриховкой. Они не заботились о делать вещи реалистичными. Они просто хотели наглядно показать, что каждый из эти объекты были. Можете ли вы узнать кого-нибудь из них?

Вы можете увидеть корзину инжира, винограда, хлеба, говяжья нога, утиная ножка, еще мяса и огурец. Настоящий пир для богов.

Греки и римляне

Греческие и римские художники тоже иногда рисовали предметы. Это было более реалистично, чем Усилия египтян. Есть много мозаик объектов, которые вы можете увидеть на полы на виллах или в музеях, а также настенные росписи — особенно в Помпеях (Римский город, покрытый пеплом во время извержения Везувия в 79 г. н.э.). Здесь требуется гораздо больше усилий для точного затенения и раскраски, чем для Египтяне справились. Посмотрите на фрукт слева и на то, как изображены белыми линиями. Однако это не делается с истинной точки зрения.Для этого мы должны прыгнуть вперед во времени.

16-17 века

Серьезные натюрморты только начали снимать в 1500-е годы в Северной Европе. В средние века искусство считалось служить христианству, иллюстрируя сцены из Библии. Высоко квалифицированный художники 1400-х и 1500-х годов, такие как Ян Ван Эйк, включали аранжировки объектов как часть их христианских сцен.Посмотреть картину Христос в Эммаусе справа, работы Караваджо (1601 г. ). Вы видите фрукты, хлеб, вареная птица и вино? Другой пример — Послы , внизу, Гольбейна (1533). Вы видите научные инструменты между двумя мужчинами?

Обе эти картины находятся в Национальной Галерея в Лондоне. Щелкните по ссылкам для получения дополнительной информации.

За это время художники пытались создать драматические сцены в очень реалистичном стиле.В натюрмортах 17 века сам по себе стал видом искусства, особенно в Нидерландах. Эти картины не считались такими важными, как религиозные сцены или портреты, но они были очень популярны. Создано много красивых работ — смотрите примеры ниже.

Питер Клас, Натюрморт (между 1625-30)

Сравните бокал для вина с римским бокалом над. Эллипс вверху очень тонкий — нарисован в перспективе, так как будет казаться глазу.

Ян де Хем, Гирлянда Фрукты и цветы (между 1635 и 1684)

Картины Vanitas

В это время стали популярны картины ванитаса. тоже. Название относится к отрывку из Библии в Откровении, в котором говорится: «суета сует — все суета». Идея заключалась в том, что люди любят свое радости в жизни, то, что заставляет их чувствовать себя важными или богатыми, и но все это ничего не значит, потому что время скоро проходит, и мы умираем.Немного удручает если ты спросишь меня. Хотя, возможно, это правда, что мы не должны слишком привязываться в нашу собственность. Как бы то ни было, картины vanitas всегда были дорогими и модными. предметы, музыкальные инструменты и винные кубки, предназначенные для удовольствия, и т. на — но также напоминания о времени, такие как свеча или песочные часы, или смерти, обычно череп. Вот пара примеров.

Хармен Стенвейк, Ванитас (1640)

Адриан ван Утрехт, Ванитас Натюрморт с букетом и черепом (1643)

XIX век

Художники продолжали писать натюрморты, но они по-прежнему считались менее важными, чем сцены из Библии или древние мифы, например.Все изменилось в 19 веке с появлением Импрессионисты и постимпрессионисты. Теперь художников не волновали делать фотореалистичную картину — не было смысла, теперь фотография был изобретен. Вместо этого они экспериментировали с цветом, формами и способом краска была нанесена на холст, чтобы создать работы, которые были красивы в сами — не из-за того, что они имели в виду . Самый большой из них Художником натюрморта был Поль Сзанн.Он в одиночку поднял натюрморт до уважаемого вида искусства. Другие известные натюрморты из на этот раз включить Ван Гога Подсолнухи один из которых был продан в 1987 году за 40 миллионов долларов.

Посмотрите на интенсивность и нереалистичное использование цвета в этих картинах. Эти художники хотели вызвать красоту эти объекты не путем создания их фотографических изображений, а использование преувеличенных цветов или цветов, которые хорошо работают вместе. Смотреть по мазкам — теперь их видно, а до нанесения краски должен был быть невидимым.Теперь сама картина была сосредоточиться, художники могли рисовать как угодно, пока результат работал.

Ван Гог, Двенадцать подсолнухов в вазе (1888)

Czanne

Поль Сзанн написал большое количество неподвижных жизни, а также пейзажи и портреты. Он один из моих любимых художников, поэтому я включил сюда так много его работ.Он был гений с цветом. Посмотрите крупным планом на грушу и чайную чашку. и вы увидите использование неожиданных цветных штрихов рядом, чтобы придать яркости образу. Подобные вещи чрезвычайно сложно хозяин — я точно не могу!

Стоит обратить внимание на использование теплых цветов. (красные, оранжевые и коричневые), чтобы выделяться на фоне холодных цветов (синий и зеленый). Но есть удивительная гамма тонко смешанных цветов в некоторые из фонов этих картин — он не просто рисовал стол коричневый верх или белый лист, он дал им множество цветов, чтобы они более живым.

Czanne, Горшок с цветами и фруктами (1888-1890) Обратите внимание на разные цвета на столешнице и стене позади нее.

Czanne, Натюрморт с имбирной банкой и Баклажаны (1890-1894)

Деталь груши — см. Гамму интенсивных цвета и широкие мазки

Czanne, Натюрморт с тарелкой вишен (1885–1887)

Чашка: деталь от Czanne, Женщина с Кофейник (1890-1895)

Посмотрите на используемые цвета — фиалки с дополнительные желтые среди синих теней, нереалистично, но очень эффективный.А эллипсы не в перспективе! Чанн часто нарушал правила перспективы, чтобы изображение выглядело лучше. Часто его эллипсы слишком широкий, потому что очень тонкий эллипс выглядит менее интересно. Итак, у нас есть снова вернулся к египтянам!

Кубисты

Жорж Брак и Пабло Пикассо потребовали Чанн был «отцом всех». Эти двое изобрели стиль живописи называется «кубизм».Они взяли идею Чанна из того, что нельзя рисовать перспектива — с одной точки зрения — но с нескольких точек зрения, в чтобы создать что-то более оригинальное и эффектное. И Брак, и Как мы видим здесь, Пикассо написал множество натюрмортов. В некоторых случаях это трудно увидеть, что это были за объекты, которые они изображали. Мы приближаемся к абстрактной живописи, в которой художник не рисует что-нибудь реальное, только создание привлекательных изображений с помощью краски.

Пикассо, Натюрморт с корзиной фруктов (ок. 1910-1912)

Мы здесь далеко от Питера Класа!

ХХ век

Конечно художники продолжили рисовать натюрморты. Со времен кубистов было много стилей. Надеюсь, вы уже поняли, что не существует единственно правильного способа заниматься искусством.Важно освоить ряд навыков, а затем развить свои собственные. стиль. Все великие художники первыми научились рисовать и раскрашивать перспектива для создания точных форм, тона и цвета. Но однажды у них было овладев этим, они потратили годы на разработку своего собственного образа действий, чем их помнят. Так что стоит изучить основы навыки, но, в конце концов, важно только одно: «хорошо ли это выглядит?»

Наслаждайтесь рисованием!

Пикассо, Натюрморт с фруктовым блюдом на Стол (1914-1915)

Банка вы узнаете какой-либо из этих объектов? Это имеет значение? Тебе нравится, как это выглядит?

Натюрморт


Натюрморт с цветами и фруктами
(1910) Алексей фон Явленский.
Neue Nationalgalerie, Берлин.

НАТЮРМОРТ В ИРЛАНДИЯ
Ирландские художники, известные своей жизнью
, включая Марка О’Нила (Классика),
Брайан Баллард (Экспрессионист). или
колорист), Джеймс Инглиш (реалист),
Питер Коллис (постимпрессионист),
и Конор Уолтон.

Натюрморт как искусство Форма

Начинающим картинам натюрморты майские. кажутся довольно скучными по сравнению с насыщенной историей живопись, вызывающие воспоминания пейзажи или эмоциональные портреты.Однако некоторые из величайшие натюрморты содержат сложные сообщения (повествования), инкапсулированные в типе отображаемых объектов и в их расположении. Таким образом, когда изучая композицию натюрморта, помните, что представленные предметы могут быть символами, придавая изображению символическое значение. Как результат, хотя, как и пейзаж, натюрморты обычно не содержат человеческие формы, он способен представлять политическую, моральную или духовную сообщение, как наиболее сложные образцы истории (istoria) живописи.Этот противоречит «официальной линии», которой придерживаются сторонники академических искусство, ставившее натюрморт на нижний уровень из пяти жанров, после: история, портретная живопись, жанровая живопись и пейзаж.

Виды натюрморта

Проще говоря, натюрморты можно классифицировать на четыре основные группы, включая: (1) цветочные композиции; (2) завтрак или банкетные изделия; (3) кусочки животных. Многие из этих работ выполнены чисто для демонстрации технической виртуозности и рисования способности художника.Или они могут быть раскрашены, чтобы передать определенный вид искусства (как в случае с Поля Сезанна докубистские натюрморты) или для демонстрации художественных эмоций (как в Van Гога о «желтом» подсолнечнике).

Однако иногда художник может в виду более сложное сообщение. Следовательно, последняя группа (4) Symbolic Still Жизни. Это более широкая категория, которая обозначает натюрморты любого типа с откровенное символическое повествование, обычно религиозное или квазирелигиозное по своей природе.Конкретным примером такой символики является тип, известный как Vanitas. картина (т.н. из Экклезиаста 12: 8 «Суета сует» говорит проповедник, все суета «), которые содержат символические изображения (например, черепа, потухшие свечи, песочные часы с текущим песком, часы, бабочки), чтобы напомнить зрителю о быстротечности и банальности смертная жизнь. Однако символические образы могут быть более откровенно религиозными, включая хлеб в той или иной форме, вино, воду и другие неясные ссылки к Евхаристии, Страстям, Святой Троице или Святым.Один из величайшие представители этого жанра, процветавшего между 1620 и 1650, был Хармен ван Стенвик (1612-56) из Делфта / Лейдена школы.

История Still Живопись из жизни

Натюрморт не был редкостью в древнем мире. Фрески с натюрмортами композиции были обнаружены в многочисленных египетских гробницах (предположительно выставленные продукты питания предназначались для употребления умершим в Загробная жизнь), а также в римских домах, раскопанных в Геркулануме и Помпеях. Видеть например, «Прозрачная ваза с фруктами и вазы» (70 г. н.э.) неизвестный художник, найден в Помпеях). Кроме того, художественность натюрморта на самом деле упоминается в древнегреческой легенде о Зевксисе и Парразии. Однако в средневековье после падения Рима (около 350 г.) натюрморт картина исчезла полностью. Он снова появился в раннем Возрождении, но просто как фон для религиозных картин или как предметы в Яне Ван Интерьеры Эйка, а не отдельный жанр.

Руководство для класса по JSTOR

Art Education издается два раза в месяц: январь, март, май, июль, сентябрь и ноябрь. Темы посвящены вопросам, представляющим профессиональный интерес для преподавателей искусств, и подходят для разнообразной аудитории. Каждый выпуск Art Education посвящен определенной теме или теме. Рукописи, принятые к публикации, планируются к самому раннему случаю, когда освещается тема или статья считается подходящей для выпуска. Факторы, определяющие, когда рукопись будет напечатана, включают наличие свободного места после включения запланированных функций, а также учет графики, визуальных элементов и макета. Из-за большого количества рукописей, представляемых каждый год, процесс рассмотрения может занять до десяти недель.

Национальная ассоциация художественного образования, основанная в 1947 году, является крупнейшей в мире ассоциация профессионального художественного образования и лидер образовательных исследований, политика и практика художественного образования.Миссия NAEA — продвигать художественное образование через профессиональное развитие, обслуживание, продвижение знаний и лидерство. Членский состав (около 48000) включает учителей начальных и средних школ искусств. (а также учащиеся средних и старших классов в программах National Art Honor Society), художники, администраторы, преподаватели музеев, сотрудники художественного совета и университет профессора со всех концов Соединенных Штатов и нескольких зарубежных стран. В него также входят издатели, производители и поставщики художественных материалов, родители, студенты, бывшие преподаватели искусств и другие лица, озабоченные качеством художественного образования в наших школах.Ассоциация издает несколько журналов, статей и листовок по художественному образованию; ежегодно проводит съезд; проводит исследования; спонсирует программу поощрения учителей; разрабатывает стандарты обучения студентов, школьных программ и подготовки учителей; и соучредители мастерских, семинаров и институтов по художественному образованию.

Арт-объект Страница

  • Голландцы часто использовали такие ковры в качестве покрытий для столов.В семнадцатом веке их, вероятно, можно было найти только в домах богатых из-за их высокой стоимости. Они были импортированы в Нидерланды из Персии и Индии Голландской Ост-Индской компанией. Поскольку этот конкретный ковер виден лишь частично, и поскольку возможно, что художник использовал некоторую лицензию на его дизайн, его страну происхождения трудно определить. Один эксперт по коврам, г-н Честер Эллис из Кингстона, штат Нью-Йорк, указал, что, по его мнению, это индийский ковер (беседа с г-номЭллис, сентябрь 1980 г.). Для более полного обсуждения ковров в голландском искусстве см. Онно Идема, «Ковры в голландской и фламандской живописи 17-го века», в журнале The European Fine Art Fair (Маастрихт, 1988), 15–28; и особенно Онно Идема, Ковры и их даты в нидерландской живописи, 1540–1700 (Зютфен, 1991).

  • Люциус Гризебах, Виллем Кальф, 1619–1693 (Берлин, 1974), 114–115, 258, no.102, использует эту картину как характерный образец этого типа композиции. Он прямо сравнивает картину с четырьмя другими работами: тремя картинами 1659 года, его номерами. 95–97, и недатированная картина в Институте искусств Детройта, его нет. 100. Композиционные и стилистические характеристики этой работы настолько похожи на характеристики других картин Кальфа начала 1660-х годов, что я не могу согласиться с оценкой Клауса Гримма о том, что картина Галереи является работой Юрриана ван Стрика (1632–1687). См. Клаус Гримм, Stilleben: Die niederländischen und deutschen Meister (Штутгарт, 1988), 223, репро.

  • Кальф, который, похоже, отказался от живописи как профессии, чтобы стать торговцем произведениями искусства примерно в 1680 году, вполне мог коллекционировать фарфор Ван-Ли, поскольку он изобразил на своих картинах множество изысканных предметов.Чаша на этой картине известна в Нидерландах как clapmuts . См. T. Volker, «Фарфор и Голландская Ост-Индская компания», как зарегистрировано в реестрах дагов замка Батавия, реестрах Хирадо и Дешимы и других современных документах, 1602–1682 (Лейден, 1954), перепечатка. 4.

  • Эти причудливые украшения были закрашены во время консервации в 2010 г. (см. Техническое резюме).О голландском стекле см. Ада Полак, «Стекло в голландской живописи», Connoisseur 193, no. 776 (октябрь 1976 г.): 121.

  • Фарфор, изготовленный в Китае в период правления Ван Ли (1563–1620), высоко ценился в Нидерландах. Большая его часть была доставлена ​​кораблями голландской Ост-Индской компании, основанной 20 марта 1602 года.Настоящее увлечение китайским фарфором произошло после захвата португальских кораблей, перевозивших большой груз фарфора Ван-Ли в марте 1603 года. Когда груз, состоящий из более чем ста тысяч фарфора, был продан в Амстердаме 15 августа 1604 года. , покупатели приехали со всей Западной Европы. См. Т. Волкер, Фарфор и Голландская Ост-Индская компания, как зарегистрировано в реестрах дагов замка Батавия, регистрах Хирадо и Дешимы и других современных документах, 1602–1682 (Лейден, 1954), 22; и Клэр Ле Корбейлер, Китайский торговый фарфор: образцы обмена, дополнения к коллекции Хелены Вулворт Макканн в Метрополитен-музее (Нью-Йорк, 1974), 1–4.

  • В документе 1672 года Кальф явился свидетелем перед нотариусом в Амстердаме вместе с рядом других художников, в том числе Жераром де Лайресом (голландский, 1641–1711). Дело касалось оценки итальянских картин. См. Lucius Grisebach, Willem Kalf, 1619–1693 (Берлин, 1974), 193, док.20. Насколько хорошо де Лересс и Кальф знали друг друга, неизвестно, но, судя по хвалебным комментариям де Лересса о Кальфе в его трактате о живописи, можно было бы предположить, что дружба существовала. См. Gérard de Lairesse, Groot schilderboek , 2 vols. (Haarlem, 1740; перепечатка, Soest, 1969), 266–267: «De vermaarde Kalf, die veel heerlyke en uitmuntende voorbeelden daar van heeft nagelaaten, heeft in deze zeer uitgemunt, en boven allen ver hodiendten lof». (Знаменитый Кальф, оставивший нам много восхитительных и превосходных образцов [натюрморта], очень преуспел в этом и заслужил наивысшую похвалу из всех.) Перевод Генриетты Рахузен.

  • Gérard de Lairesse, Groot schilderboek , 2 vols. (Haarlem, 1740; перепечатка, Soest, 1969), 266: «Het is die welke in Allerhande kostelykheden bestaat, als goud, zilver, kristalle en andere glazen, paerlen, edelgesteentens en paerlemoer, gemeenlyk Vanitassen .»([Другой тип натюрморта], содержащий все виды драгоценных предметов, таких как золото, серебро, хрустальные и другие стекла, жемчуг, драгоценные камни и перламутр, обычно называемый Vanitassen .)

  • Gérard de Lairesse, Groot schilderboek , 2 vols.(Haarlem, 1740; перепечатка, Soest, 1969), 268: «Hoewel wy hier voor gezegt hebben, dat de vermaarde Kalf in de Stillevens boven anderen heeft uitgemunt, heeft hy nochtans, zo min als navol reden van zyne verbeeldingen weeten te geeven, waarom hy dit of dat vertoonde: maar slechts het geen hem in den zin schoot (также как een porcelyne pot of schaal, een goude bokaal, een fluit of roemer met wyn, en daar in een citroenschil hangen een horologie, paerlemoere hoorn op een goude of zilvere voet, een zilvere schaal of bord met persikken, of well opengesnedene chinaasappelen of citroenen, een tapyt, en diergelyke gewoonlyke dingen) verbeeld, zonder eens van teang hebben, laortach te brengen daar een byzondere zin in stak, of’t geen ergens op toegepast kon worden.

  • Станьте первым комментатором

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *