Пабло пикассо знаменитые картины: Самые известные картины Пикассо | Пабло Пикассо

Самые известные картины пикассо. Великая любовь пикассо Пабло пикассо известные картины

24.04.2017 в 18:43 · Pavlofox · 1 700

Пабло Пикассо – признанный гений 20 века, его полотна узнаваемы, а стиль сложно спутать с другими живописцами. Одной из излюбленных тем в творчестве художника стал цирк и его персонажи. Мастер любил повторять, что истинные живописцы – это Рембрандт, Джотто, он же всего лишь клоун. Самые известные картины Пикассо продаются за огромные деньги, но сам художник считал живопись чем-то вроде личного дневника. За свою долгую, почти вековую, жизнь он никогда не переставал творить.

10. Девочка на шаре

«Девочка на шаре» , написанная в 1905 году, одна из самых легендарных картин Пикассо относится к началу розового периода творчества художника, совпадающего с его переездом в Париж. В работы мастера приходят новые оттенки: светло-розовые, красные, серовато-жемчужные, воздушные, что отличает новый период от предыдущего (голубого). Настроение также меняется: если раньше темы выбирались печальные, проблемные, то теперь появляются простые мотивы радости, восторга от жизни. Картина «Девочка на шаре» построена на контрастах: легкость, женственность, гибкость, грация акробатки на шаре против устойчивости, твердости, мужественности атлета на кубе. Оба артиста противопоставляются заднему фону: девочка в любой момент сойдет с шара или переместится на нем дальше, в то время, как печальный пейзаж с одинокой лошадью не изменится еще очень долго, а, может быть, совсем никогда.

9. Любительница абсента

« Любительница абсента» — одно из самых нашумевших полотен Пикассо было написано в 1901 году, его темой стал любимый напиток модной богемы – абсент. Хоть впечатление от этого творения весьма тягостное, нельзя не отметить великолепно подобранную цветовую палитру: контрастные цвета выражают внутреннюю борьбу героини, ее борьбу с внешним миром, противоречия, сложности, возникающие на пути. От образа на картине веет одиночеством и покинутостью, он угловат, будто поломан, поза скованна, а слишком большая правая рука будто отгораживает женщину от мира, ищет уединения, защиты. И только легкая саркастичная улыбка на губах персонажа говорит нам о том, что эта дама все еще жива.

8. Авиньонские девицы

«Авиньонские девицы», написанная в 1907 году картина относится к самым типичным примерам кубизма. Казалось бы, кубизм совершенно не уместен там, где нужно изобразить гибкие женские тела, но Пикассо удается сделать это так, что никакого диссонанса при взгляде на холст не чувствуется. Несмотря на то, что колени, лица, груди девушек изображены угловатыми, мы понимаем, что перед нами – жрицы любви. Прообразом для них стали реальные девушки из публичного дома в квартале Авиньон в Барселоне. Изначально на картине должны были присутствовать еще иные образы, олицетворяющие смерть, но впоследствии художник оставил лишь изображения женщин и фруктов как символ плодовитости. Здесь вызов заключается не в теме, не том, что изображается, а в форме, том, как это изображено.

7. Три музыканта

Общеизвестная картина Пикассо «Три музыканта» написана в стиле кубизма. В шутовских одеяниях изображены не просто музыканты, художник символически изобразил Гийома Аполлинера с кларнетом, Макса Жакоба с аккордеоном и самого себя со скрипкой. Герои словно наклеены на полотно отдельно друг от друга, а контуры их тел будто движутся в пространстве, придавая изображению объем, динамичность. Несмотря на видимую простоту, схожесть с аппликацией и небольшую палитру цветов, картина, безусловно, является выдающимся произведением искусства.

6. Голубая обнаженная

«Голубая обнаженная» — эту картину можно отнести к самым общеизвестным холстам Пикассо, несмотря на то, что она является одним из ранних его полотен (1902 год). «Голубая обнаженная», как можно легко догадаться уже по названию и одному взгляду на нее, относится к голубому периоду творчества мастера. Сложно сказать, что хотел донести этой работой автор, хотел ли вообще: фигура женщины в позе эмбриона сидит к зрителю спиной. Лишь по цвету и позе можно уловить оттенок отчаяния, безысходности, одиночества, обнаженности не только в прямом, но и переносном смысле.

5. Дора Маар с кошкой

«Дора Маар с кошкой». У художника с Дорой Маар сложились яркие, страстные отношения длиной в десять лет, она была его музой неоднократно. Дору нельзя назвать нежной и хрупкой, ее женственность заключается в загадочности, силе, необычайной энергии. Эту энергию выплеснул художник на эту, пожалуй, самую узнаваемую картину Пикассо. Дама в шляпке и острыми синими ногтями невольно вызывает ассоциации с представителями семейства кошачьих, от нее веет независимостью, непокорным нравом. Лицо, изображенное одновременно и в профиль, и анфас с деформированными носом, ртом и глазами, нельзя назвать красивым, но сложно забыть. Изображение маленькой черной кошки на плече женщины лишь подчеркивает яркость характера, некую агрессивность Доры Маар.

4. Сидящая женщина. Мария Тереза Вальтер

« Сидящая женщина. Мария Тереза Вальтер» — одно из самых известных полотен Пикассо вдохновлено другой музой – Марией Терезой Вальтер. Женская фигура занимает собой почти все полотно, ее очертания грузны, грубы и угловаты. Лицо обнаженной женщины выражает глубокую задумчивость. Пикассо стремится показать многогранность женской натуры, при этом намеренно забывая об анатомии и реалистичности изображения человеческого тела.

3. Герника

«Герника» — это практически самая узнаваемая картина Пикассо, главным образом из-за политического смысла. Этим полотном мастер не только говорит слово против нацистских бомбардировок Герники (Испания) во время гражданской войны, но и изображает образ войны вообще, со всеми трагедиями и страданиями. От холста веет физической болью, чувством потери, разрушениями, смертью. При всей схематичности образов людей, каждый из них наделен сильной эмоциональностью.

2. Девушка перед зеркалом

«Девушка перед зеркалом» — еще одно весьма популярное произведение Пикассо вдохновлено уже знакомой нам Марией Терезой Вальтер. Основная идея картины – девушка видит в зеркале не совсем свое отражение, а нечто потустороннее, иное. Яркие контрастные цвета подчеркивают неоднозначность натуры. Мария Тереза будто видит в зеркале свою истинную натуру, деформированную, искаженную, окрашенную в яркие оттенки, отыскивает новые грани самой себя.

1. Старый гитарист

«Старый гитарист» . Самые узнаваемые произведения Пикассо – по большей части, те, что написаны в голубой период творчества. Данная картина является ярчайшим тому примером. Вдохновением для нее послужило самоубийство друга художника, Карлоса Касагемаса. Холодный синий цвет выражает тоску, фрустрацию, уход в себя, фигура гитариста сгорблена и сжата, обхватывает большую коричневую гитару. Размер инструмента и его цвет символично говорят о том, что музыка – способ уйти от проблем жестокого мира и забыть о бедности и даже слепоте.

Что ещё посмотреть:

Пабло Пикассо можно по праву назвать одним из самых удивительных и неподражаемых художников. Он всегда был разным, но всегда – шокирующим. Знаменитые картины Пикассо – это необыкновенный тандем традиционной живописи и оригинального искусства. Он настолько отдавался своим произведениям, что не замечал своего стилистического непостоянства. Да и не это главное в произведениях испанского живописца. Пабло Пикассо умело сочетал на холсте такие необыкновенные материалы как металл, камень, гипс, уголь, карандаш или масляные краски. Великолепный художник не останавливался ни перед чем. Возможно, поэтому картины Пикассо так удивляют своей эмоциональностью и смелостью.

Среди многообразия его работ особенно выделяются композиции с образами женщин. Здесь полотна художника поистине шокируют многообразием причуд и неординарных фантазий. Стоит вспомнить хотя бы « » (1932). Использованные линии и цвета ещё раз доказывают известный факт, что Пабло Пикассо очень не любил женщин. Именно поэтому так часто в его работах они удивляли несуразностью образов и форм. Особенной нелепостью увенчалась героиня «Утренней серенады» (1942). Здесь Пабло Пикассо постарался, как никогда. Рассеченные и раздутые тела, раздробленный профиль, странные шляпы – бурлескные формы были любимыми для знаменитого художника. Именно поэтому яркие сюжеты, пугающие своей силой и огромной притягательностью, так часто использовались автором, и до сегодняшнего дня не сходят с вершин художественного мира. Все просто. Ведь подобные картины Пикассо вызывают у зрителей неподражаемые, чувственные эмоции. А что ещё нужно для художника, который искренне передавал на холсте всю свою натуральную, подчас шокирующую, жизненную сущность.

Ксюша Корс

Пабло Пикассо – гений современного искусства

В Испании, в небольшом городе Малага, 25 октября 1881 года на свет появился малыш. Роды были тяжелыми, родившийся мальчик не мог дышать. Чтобы его легкие раскрылись, ему в носик вдули сигаретный дым. Так началась жизнь самого юного в мире «курильщика» и вместе с тем величайшего художника девятнадцатого века Пабло Пикассо.

Необычный талант начал проявляться у мальчика ещё в раннем детстве. Его первое слово было «карандаш», и рисовать он научился прежде, чем говорить.

Пабло был избалованным ребёнком. Родители души не чаяли в их единственном и к тому же очень красивом сынишке. Он ненавидел школу и очень часто отказывался туда идти до тех пор, пока отец не разрешал брать ему с собой ручного голубя из домашней голубятни.

Кроме голубей, он очень любил искусство. Когда Пабло было десять лет, отец часто брал его с собой в колледж, где работал учителем рисования. Он мог часами наблюдать, как отец рисовал, и иногда даже помогал ему. Однажды, отец Пабло рисовал голубей и ненадолго вышел из комнаты. Когда он вернулся, то увидел, что Пабло закончил картину. Она была настолько прекрасной и живой, что он отдал сыну свою палитру и кисти и больше никогда не рисовал сам. Тогда Пабло было всего тринадцать, но он уже превзошел своего учителя.

С тех пор краски и кисти стали жизнью Пабло. Было очевидно, что он гениален. Но, к разочарованию многих, его искусство не было классическим. Он всегда ломал правила и каноны традиционного искусства и шокировал своими странными, но такими энергетически мощными картинами. Больше всего он был известен картинами в стиле «кубизм» – живопись с использованием простых геометрических фигур. Например, людей он изображал треугольниками и квадратами, вырисовывая части тела и черты лица совсем не в тех местах, где им положено быть.

Его работы перевернули представление людей о современном искусстве. Теперь оно ассоциируется с именем Пабло Пикассо. Одним из шедевров современного искусства считается его картина « », написанная в 1937 году, на которой художник запечатлел бомбежку небольшого городка во время гражданской войны в Испании.

В общей сложности Пикассо создал более 6000 картин, рисунков и скульптур. Сегодня его работы стоят несколько миллионов долларов. Однажды, когда министр Франции был в гостях у Пикассо, художник случайно пролил немного краски на его штаны. Пабло извинился и предложил оплатить счет за чистку брюк, но министр сказал: «Ни в коем случае! Вы всего лишь расписались на моих штанах!»

Пабло Пикассо ушел из жизни из-за сердечной недостаточности после перенесенного гриппа в 1973 году.

Пабло Пикассо: все эпохи в одном художнике

На сегодняшний день Пабло Пикассо по праву считается одним из самых дорогостоящих художников по результатам современных аукционов. Свои первые работы нетривиальный испанский художник создал на заре 20 века, а всего на его счету – несколько десятков тысяч полотен и скульптур. Он не был «зациклен» на каком-то одном стиле, а искал способы и виды самовыражения в разных художественных направлениях. О работах Пикассо невозможно судить по одной-двум работам: свой богатый внутренний мир он переложил на язык красок, в каждой картине сделав это отличным от предыдущей способом. Внушительный почти столетний век его творчества принято делить на множество периодов:

Ранний период, когда происходила проба кисти, поиск настроений и смелые эксперименты. В это время он живет в Барселоне, затем уезжает в Мадрид, чтобы обучаться искусству, впоследствии – снова в Барселону.

«Голубой» период. Переезд в Париж и знакомство с импрессионистами глубоко способствовали становлению и огранке таланта испанца. В картинах 1900-1903 года он увековечивал различные проявления печали, грусти, меланхолии.

«Розовый» период ознаменовался новыми персонажами в его шедеврах: артистами, циркачами. К этому периоду относится и «Девочка на шаре» из Пушкинского музея. Атмосфера грусти в творчестве Пабло разбавлена более светлыми, романтичными настроениями.

«Африканский» период был первым вестником перехода автора к собственно кубизму.

Кубизм. Пикассо стал скрупулезно разбирать все, что он изображал на картинах, на большие и малые геометрические фигуры. Особенно интересно и новаторски смотрятся портреты, написанные в этой технике.

Классический период. Знакомство с русским балетом и со своей первой женой-балериной вносит некоторое переосмысление в творчество Пикассо, обратившегося в самом начале 20-х годов к догматам художественного искусства и создающего картины, резко отличающиеся от привычного ему кубизма. Одна из первых его работ в классическом стиле – «Портрет Ольги в кресле», где влюбленный художник запечатлел свою жену.

Сюрреализм. С 1925 года автор испытывает большие творческие переживания, которые угадываются в его картинах – персонажи являют собой ирреальную монструозность, художник делает вызов, заигрывает с воображением зрителя, обратившись к сюрреализму. Одна из самых известных сюрреалистичных картин – «Сон» 1932 года.

Военная тематика пришла в его творческую жизнь с гражданской войной, охватившей Испанию, а затем и всю Европу. Наряду с мрачным социальным фоном на жизненную атмосферу художника влияют также новые личные переживания: в его жизни появляется новая женщина.

После войны он создает всемирно известного «Голубя мира» и становится коммунистом. Этот период его художественной деятельности отражает его счастливые годы жизни. В этот период он активно реализует себя также как керамист.

Начиная с 50-х годов трудно отнести его картины к одному жанру и стилю – он реализовывает все недосказанное в разных манерах и техниках. Он также интерпретирует знаменитые полотна других художников, выписывая их в присущем ему восприятии.

Картины Пикассо разных периодов сегодня лидируют на рынке искусства, побив все мыслимые рекорды цен. Так, например, сумма в 104 млн долларов была заплачена в 2004 году за его картину «Мальчик с трубкой» 1905 года, а в 2010-м его картина «Обнажённая, зеленые листья и бюст», написанная им в 1932 году, была продана за 106 млн. Сегодня купить картины Пикассо можно на открытых аукционах, однако самые известные шедевры его творчества уже заняли свои почётные места в частных коллекциях и лучших музеях мира.

Любовь и отношения с женщинами занимали большое место в жизни Пабло Пикассо. Несомненное влияние на жизнь и творчество мэтра оказали семь женщин. Но ни одной из них он не принёс счастья. Он не только «калечил» их на полотнах, но и доводил до депрессии, психлечебницы, самоубийства.

Каждый раз, когда я меняю женщину, я должен сжечь ту, что была последней. Таким образом я от них избавляюсь. Это, возможно, и возвращает мне молодость.

Пабло Пикассо

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге не юге Испании, в семье художника Хосе Руиса. В 1895 году семья переехала в Барселону, где юный Пабло без труда был зачислен в художественную школу Ла Лонха и стараниями отца обзавёлся собственной мастерской. Но большому кораблю — большое плаванье, и уже в 1897 году Пикассо отправляется в Мадрид, учиться в Королевской академии Сан-Фернандо, которая, впрочем, разочаровала его с первых же шагов (музей он посещал гораздо чаще, чем лекции). И уже в это время совсем ещё ребёнок Пабло лечится от «дурной болезни».

В 1900 году, убегая от печальных мыслей после самоубийства своего друга Карлоса Касагемаса, Пабло Пикассо оказывается в Париже, где вместе с другими бедынми художниками снимает комнаты в ветхом доме не площади Равиньян. Там Пикассо встречает Фернанду Оливье, или «Прекрасную Фернанду». Эта молодая женщина с тёмным прошлым (сбежала из дома со скульптором, который потом сошёл с ума) и шатким настоящим (позировала художникам) на несколько лет стала любовницей и музой Пикассо . С её появлением в жизни мастера завершается так называемый «голубой период» (сумрачные картины в сине-зелёных тонах) и начинается «розовый», с мотивами любования обнажённой натурой, тёплым колоритом.

Обращение к кубизму приносит Пабло Пикассо успех даже за океаном, и в 1910 году они с Фернандой переезжают в просторную квартиру, проводят лето на вилле в Пиренеях. Но роман их подходил к концу. Пикассо встретил другую женщину — Марсель Умбер, которую он называл Евой. С Фернандой Пикассо расстался дружески, без взаимных обид и проклятий, так как Фернанда в это время уже была любовницей польского живописца Луи Маркуссиса.

Фото: Фернанда Оливье и работа Пабло Пикассо , где она изображена «Лежащая обнажённая» (1906)

О Марсель Умбер известно мало, так как она рано умерла от туберкулёза. Но её влияние на творчество Пабло Пикассо неоспоримо. Она изображена на полотне «Моя красавица» (1911), ей посвящена серия работ «Я люблю Еву», где нельзя не заметить хрупкости, почти прозрачной красоты этой женщины.

В период отношений с Евой Пикассо рисовал фактурные, сочные полотна. Но продолжалось это недолго. В 1915 году Ева умерла. Пикассо не смог жить в той квартире, где жил вместе с ней, и переехал в маленький дом в предместье Парижа. Некоторое время он жил уединённой, затворнической жизнью.

Фото: Марсель Умбер (Ева) и работа Пабло Пикассо , на которой она изображена, — «Женщина в сорочке, лежащая в кресле» (1913)

Спустя некоторое время после смерти Евы у Пикассо завязывается тесная дружба с писателем и художником Жаном Кокто. Именно он приглашает Пабло принять участие в создании декораций к балету «Парад». Так, в 1917 году труппа вместе с Пикассо отправляются в Рим, и эта работа возвращает художника к жизни. Именно там, в Риме, Пабло Пикассо знакомится с балериной, полковничьей дочерью Ольгой Хохловой (Пикассо называл её «Коклова»). Выдающейся балериной она не была, ей недоставало «высокого горения» и выступала она преимущественно в кордебалете.

Ей минуло уже 27 лет, не за горами был конец карьеры, и она достаточно легко согласилась оставить сцену ради брака с Пикассо . В 1918 году они обвенчались. Русская балерина делает жизнь Пикассо более буржуазной, пытаясь превратить его в дорогого салонного художника и примерного семьянина. Она не понимала и не признавала . А так как живопись Пикассо всегда была связана «с музой во плоти», что имелась у него на данный момент, он вынужден был отойти от кубистической стилистики.

В 1921 году у супругов родился сын Паоло (Поль). Стихия отцовства временно захлестнула 40-летнего Пикассо , и он без конца рисовал жену с сыном. Однако рождение сына уже не могло скрепить союз Пикассо и Хохловой, они всё более отдалялись друг от друга. Дом они поделили на две половины: Ольге было запрещено посещать мастерскую мужа, он же не наведывался в её спальни. Будучи женщиной исключительно порядочной, Ольга имела шансы стать доброй матерью семейства и осчастливить какого-нибудь почтенного буржуа, но с Пикассо она «не справилась». Остаток жизни она провела в одиночестве, страдая депрессиями, мучаясь ревностью и злобой, но оставалась законной женой Пикассо до своей смерти от рака в 1955 году.

Фото: Ольга Хохлова и работа Пабло Пикассо , где она изображена «Портрет женщины с горностаевым воротником» (1923)

В январе 1927 года Пикассо повстречал 17-летнюю Мари-Терез Вальтер. На предложение поработать для него моделью девушка не отказалась, хотя о художнике Пабло Пикассо никогда не слыхала. Через три дня после знакомства она уже стала его любовницей. Пикассо снял для неё квартиру неподалёку от собственного дома.

Пикассо не афишировал свои отношения с несовершеннолетней Мари-Терез, но полотна его выдавали. Самая знаменитая работа этого периода — «Обнажённая, зелёные листья и бюст» — вошла в историю как первое полотно, проданное дороже, чем за 100 миллионов долларов.

В 1935 году Мари-Терез родила дочь Майю. Пикассо пробовал получить у жены развод, чтобы жениться на Мари-Терез, но эта попытка не увенчалась успехом. Отношения Мари-Терез и Пикассо продлились намного дольше, чем продолжалась их любовная связь. Даже после расставания, Пикассо продолжал поддерживать её и их дочь деньгами, а Мари-Терез надеялась, что он, любовь всей её жизни, в конце концов женится на ней. Этого не случилось. Спустя несколько лет после смерти художника Мари-Терез повесилась в гараже своего дома.

Фото: Мари-Терез Вальтер и работа Пабло Пикассо , на которой она изображена, — «Обнажённая, зелёные листья и бюст» (1932)

1936 год ознаменовался для Пикассо знакомством с новой женщиной — представительницей парижской богемы, фотографом Дорой Маар. Это произошло в кафе, где девушка в чёрных перчатках играла в опасную игру — стучала острием ножа между расставленными пальцами. Она поранилась, Пабло попросил её окровавленные перчатки и сохранил их на всю жизнь. Так, с крови и боли начались эти садомазохистские отношения.

Впоследствии Пикассо говорил, что запомнил Дору, как «плачущую женщину». Он находил, что слёзы чрезвычайно идут ей, делают её лицо особенно выразительным. Временами художник проявлял по отношению к ней феноменальную нечуткость. Так, однажды, Дора пришла в слезах к Пикассо сказать о смерти своей матери. Не дав ей договорить, он усадил её перед собой и начал писать с неё картину.

В период отношений Доры и Пикассо произошла бомбардировка фашистами города Герника — культурной столицы Басконии. В 1937 году появилось на свет монументальное (3х8 метров) полотно — обличающая нацизм знаменитая « ». Опытный фотограф Дора зафиксировала различные этапы работы Пикассо над картиной. И это помимо множества фотопортретов мастера.

В начале 1940-х годов «тонкая душевная организация» Доры перерастает в неврастению. В 1945 году, опасаясь нервного срыва или самоубийства, Пабло отправляет Дору в психиатрическую лечебницу.

Фото: Дора Маар и работа Пабло Пикассо , на которой она изображена, — «Плачущая женщина» (1937)

В начале 1940-х годов Пабло Пикассо познакомился с художницей Франсуазой Жило. В отличие от других женщин, ей удалось «держать оборону» целых три года, после чего следовал 10-летний роман, двое общих детей (Клод и Палома) и полная простых радостей жизнь на побережье.

Но Пикассо не мог предложить Франсуазе ничего большего, чем роль любовницы, матери его детей и модели. Франсуаза же хотела большего — самореализации в живописи. В 1953 году она забрала детей и уехала в Париж. Вскоре она выпустила книгу «Моя жизнь с Пикассо », по которой был снят фильм «Прожить жизнь с Пикассо ». Таким образом, Франсуаза Жило стала первой и единственной женщиной, которую Пикассо не раздавил, не сжёг.

Фото: Франсуаза Жило и работа Пабло Пикассо , на которой она изображена, — «Женщина-цветок» (1946)

После ухода Франсуазы у 70-летнего Пикассо появилась новая и последняя любовница и муза — Жаклин Рок. Поженились они только в 1961 году. Пикассо было 80 лет, Жаклин — 34. Жили более, чем уединённо, — во французской деревне Мужен. Бытует мнение, что именно Жаклин не жаловала посетителей. Даже дети не всегда допускались на порог его дома. Жаклин поклонялась Пабло , как богу, и превратила их дом в подобие личного храма.

Это было именно тем источником вдохновения, которого не хватало мастеру с предыдущей возлюбленной. 17 из 20-ти прожитых с Жаклин лет он не рисовал никаких других женщин, кроме неё. Каждая из последних картин Пикассо — это уникальный шедевр. И очевидно, что стимулировала гений Пикассо именно молодая жена, обеспечивая старость и последние годы художника теплом и самоотверженной заботой.

Умер Пикассо в 1973 году — на руках Жаклин Рок. В качестве памятника на могилу установили его скульптуру «Женщина с вазой».

Фото: Жаклин Рок и работа Пабло Пикассо , на которой она изображена, — «Обнажённая Жаклин в турецком головном уборе» (1955)

По материалам:

«100 человек, изменивших ход истории. Пабло Пикассо ». Выпуск №29, 2008

А также, http://www.picasso-pablo.ru/

Профаны частенько мечут в сторону художников-авангардистов реплики, что, мол, рисовать не умеют, вот и изображают кубики и квадратики. Пикассо может служить иллюстрацией ложности и примитивности подобного утверждения. С юных лет он умел отразить на бумаге натуру с максимальным сходством с оригиналом. Талант, удачно попавший с рождения в творческую среду (отец самой яркой фигуры в живописи ХХ века был учителем рисования и декоратором), развился молниеносно. Мальчик начал рисовать едва ли не раньше, чем говорить.

Первую свою картину маслом – «Пикадор» (1889) Пабло написал в восьмилетнем возрасте и хранил ее при себе всю жизнь. Он рисовал постоянно, сохранилось огромное множество набросков на тему корриды (какой испанец не любит бой быков!), этюды из жизни местного населения. Отец начал привлекать сына к росписям интерьеров, поручая ему писать ножки голубей. Затем именно отец настоял на поступлении Пабло в Барселонскую Академию художеств «Ла Конха». 13-летний вундеркинд исполнил экзаменационный рисунок фигуры обнаженного натурщика за один день, хотя на создание его отводился месяц.

Даже по самым ранним работам Пикассо видно, что в русле академического искусства он чувствует себя как рыба в воде . Впрочем, штудирование гипсовых слепков не могло надолго занять уже состоявшегося юного художника и он покинул Академию. В Мадридской Королевской Академии «Сан Фернандо», более престижной, Пикассо тоже проучился недолго. Учителями 16-летнего живописца стали полотна мастеров в столичных музеях: Веласкеса, Гойи, Эль-Греко.

Темой картин Пикассо продолжает оставаться окружающая действительность: это прохожие, рыбаки, купальщики, многочисленные соседи, друзья, отец, похожий на Дон Кихота, матерь и сестра. Сестра Лола фигурирует в жанровой картине «Первое причастие» (1896) , образ матери блестяще исполнен в портрете того же года. Тогда же создан один из первых автопортретов художника.

В 15 лет Пикассо написал большую картину «Знание и милосердие» (1897) , которую можно трактовать и как жанровую, и как символическую. Врач (фигуру которого Пабло писал с отца) щупает пульс лежащей на кровати женщины, с другой стороны монахиня, держащая ребенка, подносит стакан воды. Таким образом, медицинская наука и сострадание противопоставляются друг другу. На выставке в Мадриде в 1897 году эта картина вызвала неприязнь критиков: рука больной показалась им недостаточно реалистично выписанной, они назвали ее перчаткой. А ведь именно неправдоподобно длинные пальцы вялой руки – предвосхищение будущей стилистики «голубого периода» .

Достигнув профессионализма в реалистической передаче натуры, Пикассо смог отвергнуть этот архаичный для него вариант живописи, как пройденный этап. Пробы молодого мастера «поговорить на различных стилистических языках» включают портрет сестры , вызывающий в памяти полотна импрессионистов, а завершают галерею ранних работ такие произведения, как «Испанская пара перед гостиницей»(1900) . Яркие цветовые пятна приближают эту картину к протофовизму, а четкое очерчивание контуров – дань модерну. Именно в этом году Пикассо впервые посетил Париж – Мекку всех творческих личностей, где из «адской смеси» талантов всех наций создавалось современное искусство. В 1904 году художник переехал в Париж навсегда.

«Голубой» период

«Розовый» период

«Африканский» период

В 1907 году Пикассо впервые столкнулся с архаичным африканским искусством на этнографической выставке в музее Трокадеро. Примитивные идолы, статуэтки и маски, где обобщенная форма освобождалась от мельтешения деталей, воплощали в себе могучие силы природы, от которой первобытный человек не дистанцировал себя. Идеология Пикассо, неизменно ставившего искусство превыше всего, совпала с мощным посылом, заложенным в этих образах: для древних людей искусство служило не декорированию быта, оно было колдовством, приручавшим непонятных и враждебных духов, контролировавших полную опасности земную жизнь…

Кубизм

Стимулом к развитию нового языка искусства, пожалуй, стал вопрос: зачем рисовать? К началу XX в. основам «правильного» рисования можно было научить практически любого. Активно развивалась фотография, и стало понятно, что изображения фиксационного, технического плана станут ее вотчиной. Перед художниками встал вопрос: как искусству остаться живым и актуальным в мире, где изобразительные образы становятся все доступнее и все легче тиражируются? Ответ Пикассо чрезвычайно прост: в арсенале живописи есть только ее собственные специфические средства — плоскость холста, линия, цвет, свет, и их совершенно не обязательно ставить на службу природе. Внешний мир лишь дает толчок для выражения индивидуальности творца. Отказ от правдоподобной имитации предметного мира открывал перед художниками невероятно широкие возможности. Шел этот процесс по нескольким направлениям. В области «освобождения» цвета лидировал, пожалуй, Матисс, а Брак и Пикассо — основатели кубизма — больше интересовались формой…

«Классический» период

Сюрреализм

Когда же в жизнь художника вошла юная блондинка

большие деньги и важная социальная значимость

О художнике Пабло Пикассо слышали даже люди, практически не интересующиеся живописью. Можно вообще не знать его картин, но всё равно невольно в сознании остаётся информация: был такой художник, писал странные картины, абсолютно отличающиеся от классического стиля. Информация о Пикассо постоянно всплывает благодаря двум причинам. Во-первых, это, пожалуй, самый дорогой художник XX века, а во-вторых, некоторые его картины приобрели необычайно мощный социальный смысл и стали своеобразными символами эпохи. Самые известные картины Пикассо находятся в частных коллекциях или музеях во многих странах мира.

Трудности выбора

А, впрочем, как их выбрать, эти самые известные картины? Пикассо был чрезвычайно плодовитым художником, создавшим за свою долгую жизнь свыше 10 000 художественных полотен. Даже его биографы, люди, изучающие творчество художника, не в состоянии назвать точную цифру. В особо насыщенные творческие периоды Пикассо создавал до 300 картин в год!

Кроме того, трудно подобрать критерии, по которым выделяются самые выдающиеся картины. Это могут быть и наиболее дорогие полотна, и самые узнаваемые, популярные, и самые ценные в художественном отношении (а последние два критерия не всегда оказываются идентичными). Кроме того, самыми известными могут оказаться различные картины в разных странах мира. Поэтому наш выбор, безусловно, не лишён определённого субъективизма, и, тем не менее, его нужно сделать.

Блистательная «десятка» картин Пикассо

«Голубь»

Так назвал картину сам автор, хотя во всём мире она известна под названием «Голубь мира». Написанная в 1949 году, картина стала символом Первого Всемирного Конгресса сторонников мира. Это было время, когда планета начала приходить в себя после разрушительной Мировой войны. В мастерской Пикассо полотно увидел Луи Арагон. С той выставки картина воспринимается как настоящий мировой символ пацифистских, антивоенных сил. Она известна именно своей исключительной социальной значимостью, а выражение «голубь мира» стало нарицательным. Сейчас полотно хранится в музее Чикаго.

«Герника»

Наряду с «Голубем», это самое социально значимое художественное творение Пикассо. Примечательно, что сам художник всю жизнь считал себя абсолютно аполитичным человеком и всячески сторонился какой бы то ни было политической деятельности. Но душа и сердце любого художника всегда оказываются в гуще мировых страстей. Так случилось и в этот раз.

Пикассо создал своё полотно, громадное уже даже по размерам (4 на 8 метров) в 1937 году, когда во время гражданской войны в Испании нацисты подвергли тотальной бомбардировке небольшой городок басков, Гернику. Огромный холст внушает зрителю ужас перед надвигающейся катастрофой предстоящей Мировой войны. Картина создана в свойственной Пикассо кубической манере, она наполнена символизмом и сюрреализмом.

Фигуры плачущей женщины, мёртвого ребёнка, раненых животных, далёкие всполохи передают страдания простых людей, являются мощным предупреждением человечеству. Автор отобразил страх и бессилие людей перед большой войной, подчеркнул свой протест против её бесчеловечности. «Гернику» признали самым мощным политическим художественным произведением XX века.

«Девочка на шаре»

Картина написана в 1905 году, в тот период творчества художника, который принято называть «розовым». Оказалась чрезвычайно популярной в СССР, а сейчас и в России. Возможно, причина ещё и в том, что картина хранится в Музее Пушкина в Москве. В остальных странах мира её хорошо знают, но к числу лучших работ Пикассо не причисляют. Картина отражает тот период в жизни молодого художника, когда он поселился на Монмартре, превозносил свободный, романтический стиль жизни творческой богемы.

«Мальчик с трубкой»

Полотно написано тогда же, когда и предыдущая картина, в том же стиле «розового периода». В художественном отношении не входит в число самых лучших картин Пикассо, но уверенно вошла в список наиболее дорогих: продана на аукционе «Сотбис» в 2004 году более, чем 100 млн долларов.

«Сон»

Ещё одна очень дорогая картина художника. Созданная в 1932 году, в период увлечения «эротической темой», она была продана в 2013 году за $155 млн. Специалисты считают, что картина наполнена скрытыми эротическими символами, пробуждающими чувственность.

«Алжирские женщины, версия «О»»

Завершая обзор наиболее дорогостоящих картин Пабло Пикассо, нельзя обойти эту. На самом деле, художник создал целую серию из 15 картин, написанных под впечатлением полотна «Алжирские женщины в своих покоях», кисти Эжена Делакруа. Постепенно вся серия, картины которой обозначались буквами, «разбрелась» по отдельным коллекциям, а вот версия «О» прославилась тем, что была продана в 2015 году на аукционе «Кристис» более, чем за 179 млн долларов! Она оказалась самой дорогой картиной, проданной на открытых торгах.

«Плачущая женщина»

Эту картину Пикассо создал в 1937 году, практически сразу же после «Герники». Специалисты считают её своеобразным продолжением темы человеческого страдания, приносимого войнами. В картине художник выразил свой протест против мирового насилия, а натурщицей ему послужила Дора Маар, фотограф-сюрреалист, с которой у Пабло был длительный и непростой роман. Она не раз становилась натурщицей для его картин, но самой знаменитой из них стала та, о которой речь пойдёт ниже.

«Дора Маар с кошкой»

Созданная в 1941 году, картина сейчас входит в число наиболее дорогих мировых полотен. Обычно Пикассо изображал женщин в довольно агрессивной манере, особенно это относится к портретам Доры. Но её изображение с котёнком на плече не отличается агрессивностью. В то же время, картина наполнена символизмом, несёт черты сюрреализма, намекая на профессию натурщицы.

«Авиньонские девицы»

Пикассо создал этот шедевр в 1907 году, увлёкшись стилем кубизма, который, в сущности, сам и придумал. В отличие от большинства других его известных полотен, это создавалось долго, много месяцев. Здесь художник «нащупывал» свой новый стиль. В картине отразились черты, которые впоследствии стали характерными для многих творений Пикассо: искажённые фигуры женщин, их нарочитое уродство, преобладание угрожающих и даже агрессивных мотивов. Здесь нет места привычной для зрителя женственности. К тому же, в картине отчётливо прослеживается влияние африканского изобразительного искусства.

«Старый гитарист»

Ещё юный Пабло написал картину в 1903 году, за несколько лет до увлечения кубизмом. Поводом к написанию стала трагическая гибель его давнего друга, Карлоса Касагемаса. Стиль картины напоминает рисунки Эль Греко. Автор, используя глубокую символику, попытался выразить идею, что искусство, музыка сильнее тяжестей и невзгод, которые повсюду преследуют обычного человека.

Вместо заключения

В этой десятке — едва ли четверть тех картин Пикассо, которые специалисты и любители живописи считают настоящими шедеврами. Сюда следовало бы внести хотя бы такие полотна, как:

• «Девушка перед зеркалом»;
• «Три музыканта»;
• «Сидящая женщина. Мария Вальтер»;
• «Голубая обнажённая»;
• «Любительница абсента»;
• «Купальщицы»;
• «Обнажённая, зелёные листья и бюст».

Эти, а также многие другие полотна художника являются настоящими жемчужинами картинных галерей и частных собраний. Самые известные картины Пикассо неизменно входят в число наиболее дорогих полотен последнего столетия, а их участие в той или иной выставке гарантирует неизменный зрительский аншлаг. Пикассо любят и ругают, его обожают и проклинают, но он никого не оставляет равнодушным.

Читайте также:

Самые дорогие монеты России 1997 – 2014: стоимость сегодня

Самый дорогой в мире кофе из помета

Музеи Пабло Пикассо в Испании. Испания по-русски

Основоположник кубизма, самый дорогой художник в мире, лучший художник прошлого века, самый «похищаемый» художник – все это Пабло Пикассо. На его родине хранится большая часть его работ. О том, где их увидеть, пойдет речь в статье.

Па́бло Дие́го Хосе́ Франси́ско де Па́ула Хуа́н Непомусе́но Мари́я де лос Реме́диос Сиприа́но де ла Санти́сима Тринида́д Ма́ртир Патри́сио Руи́с и Пика́ссо – так звучит полное имя мастера. Пабло Пикассо – испанский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер. По опросу, проведенному журналом Times в 2009 году, Пикассо назван лучшим художником, жившим за последние 100 лет. Возможно, поэтому он остается самым «похищаемым» художником. Коллекции его картин разбросаны по всему миру, но самые многочисленные находятся на родине, в Испании.

Museo Сasa natal de Pablo Picasso (Малага)

Художник родился в 1881 году в Малаге, где сейчас расположены посвященный ему музей и фонд. Музей Casa natal de Pablo Picasso – «Дом, где родился Пикассо» на Plaza de la Merced, 15 в Малаге – был объявлен историческим памятником в 1983 году. Изначально в качестве музея был открыт только первый этаж, но постепенно весь дом переделали под выставочные залы и торжественно открыли в 1998 году.

Casa natal de Pablo Picasso – это в первую очередь фонд изучения и продвижения творческого наследия художника. Большой интерес для поклонников представляет первый этаж, где сохранены интерьеры комнат с XIX века, когда в нем жила семья Руис-Пикассо.

В музее фонда собраны картины более 200 художников, помимо мастера. Из самых ценных экспонатов – грубые наброски Пабло Пикассо к его картине «Авиньонские девицы», выполненные в 1907 году. Коллекция литографий содержит 238 работ, созданных в период с 1930 по 1960 год, это вторая в мире по величине коллекция этого рода. Также здесь выставлено более 50 книг, иллюстрированных художником вместе с Шагалом, Миро и другими мастерами. Фонд может похвастать 34 керамическими работами, выполненными с 1940 по 1946 год. Также фонд выставляет уникальную коллекцию фото, изображающих художника в последние годы его жизни.

До 5 июня 2016 года открыта выставка «После Пикассо» – работы художников, работающих в его манере и вариации на тему самых известных произведений художника. С февраля работает выставка «Пикассо: решающие моменты» – это 18 работ художника, включая эскизы к «Авиньонским девицам» и к «Гернике» и полотна из переходного периода от голубого к розовому этапу.

Открыто с 9:30 до 20:00. Постоянная выставка, дом-музей, временная выставка и аудиогид стоят 4 евро.

Адрес: Plaza de la Merced, 15, Málaga.

Сайт: fundacionpicasso.malaga.eu

Museo Picasso (Малага)

Музей Пикассо в Малаге возник по желанию самого художника. Идея создания родилась в 1953 году, но реализовалась только в 1992 году, когда жена его покойного сына Кристина Руис-Пикассо устроила выставку своего свекра в Малаге. В 2003 году, спустя 50 лет после задуманного, музей был торжественно открыт королем Хуаном Карлосом и королевой Софией.

В фонде музея – 233 творения мастера, охватывающие огромный период от ранних академических работ до новаторских шедевров середины прошлого века и зрелых картин последних лет. Постоянная выставка называется «Восемь десятилетий искусства Пикассо» и пошагово представляет разные эпохи творчества знаменитого художника между 1892 и 1972 годами. Этим музей реализует просьбу мастера, мечтавшего поделиться с родным городом своим наследием.

Сейчас в музее проходит выставка «Игры глаз», посвященная теме взгляда в портретах Пикассо. Он придавал огромное значение выражению глаз моделей, изображенных на его полотнах, и посетители могут оценить магию их взглядов. Выставка открыта до 11 сентября 2016 года.

Стоимость посещения постоянной и временной экспозиции – 8 евро. С марта по июнь и в сентябре-октябре открыто с 10:00 до 19:00, в июле-августе – до 20:00, с ноября по февраль – до 18:00, есть аудиогид на русском.

Адрес: Palacio de Buenavista, Calle San Agustín, 8, Málaga.

Cайт: www.museopicassomalaga.org

Museu Picasso (Барселона)

В 1960 году близкий друг и секретарь Пикассо Хайме Сабартес принял решение пожертвовать свою коллекцию картин художника и организовать музей в Барселоне. В 1963 году в готическом дворце Беренгера д’Агилара открылся музей, названный «Коллекция Сабартеса». Сегодня он известен как Музей Пикассо и занимает уже 5 особняков, потому что после смерти Сабартеса сам Пикассо пожертвовал в музей значительную долю своих творений. На сегодняшний день в фонде музея хранится более 4 тысяч его работ, это самая большая коллекция Пикассо в мире.

Преимущественно это ранние работы с 1895 по 1904 год, расположены они в строго хронологическом порядке – от карандашных детских набросков до зрелых произведений. Здесь же можно увидеть и картины знаменитого голубого и частично розового периода, созданные до переезда в Париж. Из самых ранних произведений наиболее значимые – «Наука и милосердие», среди поздних выделяют серию «Менины» 1957 года – вариации на тему известного полотна Веласкеса, а также серию «Голуби», созданную в том же году в Каннах. Важна и собранная здесь коллекция керамики, переданная в музей вдовой художника Жаклин Роке, с которой он, кстати, познакомился в керамической лавке.

С 23 июня по 23 октября 2016 года будет проходить выставка «Керамика Пикассо».

Работает с 9:00 до 19:00, кроме понедельника (в четверг – до 21:30). Полный билет, включая основную и временную выставки, стоит 14 евро. Обычно у входа большие очереди, нужно запастись терпением и прийти пораньше.

Адрес: Carrer Montcada, 15-23, Barcelona.

Сайт: www.museupicasso.bcn.cat

Fundació Palau (Барселона)

Фонд Палау, где хранится около 50 произведений мастера, – второй по числу выставленных работ музей Пикассо в Каталонии. Фонд был создан в 2003 году для сохранения работ художника, подаренных основателю выставки литератору Хосепу Палау-и-Фабре самим Пикассо, с которым тот поддерживал тесные отношения в течение 25 лет. Здесь есть малоизвестный автопортрет Пикассо, кукольный театр, созданный художником для своей дочери Майи. Вход – 5 евро.

Адрес: Carrer Riera, 54, Caldes d’Estrac, Barcelona.

Сайт: www.fundaciopalau.cat

Pueblo Español (Барселона)

В архитектурном музее Pueblo Español, или «Испанская деревня», в Барселоне выставлена достаточно большая коллекция керамики Пикассо, в которую входят созданные в 60-е годы прошлого столетия подносы, тарелки, чашки, вазы с изображением животных и сцен из испанской жизни. Также в коллекции музея хранятся несколько гравюр художника.

Адрес: Posada de las Ánimas, 62, Carrer Andalusia, Barcelona.

Сайт: www.poble-espanyol.com

Casa Museo Picasso (Ла-Корунья)

Дом-музей Пикассо в Ла-Корунье открыт с 2002 года. В этом типичном галисийском особняке семья художника жила с 1891 по 1895 год. Здесь собрано 33 работы, из которых 4 – рисунки отца художника, профессора, преподавателя изящных искусств. Все создано во время жизни в Ла-Корунье, когда юный художник уже публиковал свои рисунки и карикатуры в местных газетах. Интерьеры особняка бережно восстановлены и сохранены в неприкосновенности. Вход в музей бесплатный.

Адрес: Calle Payo Gómez, 14, La Coruña.

Центр искусств королевы Софии (Мадрид)

В коллекции Пикассо в Музее королевы Софии в основном хранятся работы 30-х годов. Самая ранняя – это «Женщина в голубом», 1901 год, самые поздние – это три картины из серии «Модель и живописец» 1963 года. Всего в коллекции – 292 работы, это картины и скульптуры.

Но жемчужина коллекции – это, без сомнения, «Герника». Здесь выставлена сама картина, а также подготовительные эскизы и фотографии художника за работой, созданные Дорой Маар. Полотно в 1981 году вернулось в Испанию из Музея современного искусства в Нью-Йорке. Эту картину о разрушении фашистами города Герника Пикассо создал по заказу правительства Второй республики для украшения испанского павильона на Международной парижской выставке 1937 года.

Адрес: Calle de Santa Isabel, 52, Madrid.

Сайт: www.museoreinasofia.es

Museo Picasso (Буитраго-дель-Лосоя, Мадрид)

Основа этого музея, открытого в 1985 году, – коллекция парикмахера и друга художника Эухенио Ариаса. Свое собрание Ариас перевез в дар из Франции в 1982 году, а место для открытия музея было его условием – он хотел сделать подарок родному городу.

Коллекция состоит из 65 работ: это рисунки, литографии, плакаты и керамика. Здесь есть единственная работа Пикассо в техники пирографии, или выжигания. Также в музее хранится много фотографий и артефактов, касающихся жизни Пикассо, его дружбы с Ариасом и другими соотечественниками.

Адрес: Plaza de Picasso, 1, Buitrago del Lozoya, Madrid.

Сайт: www.madrid.org/museopicasso

Центр услуг для жизни и бизнеса «Испания по-русски» – это Ваш гид в мире индивидуального туризма. Организация туров, маршрутов, поездок, билеты на различные события, экскурсии с лучшими гидами, организация праздников. Услуги для взыскательных клиентов.

+7 495 236 98 99 или +34 93 272 64 90, [email protected]

Автопортрет, 1901 — Пабло Пикассо

Подобно Эль Греко и Винсенту Ван Гогу, его прославленным предшественникам в этом жанре, Пикассо, кажется, имел пристрастие к автопортрету, где внешний образ человека проникается субъективной проекцией художника; на протяжении всей своей долгой карьеры он рисовал различные образы самого себя, которые раскрывали его жизненный прогресс и успехи в искусстве. Этот автопортрет, написанный во время его второго пребывания в Париж зимой 1901 года стал концом серии и положил начало Голубому периоду.Он вернулся в Барселону в январе 1902 года.

Пикассо в то время было всего двадцать лет, но на этом портрете он выглядит значительно старше. Его лицо изможденное и изможденное от невзгод парижской зимы. Багровая бледность лица, облегчающаяся только от апельсина. оттенок губ, тощая борода и пальто с высоким воротником, окутывающее тело, усиливают чувство печали и одиночества, исходящие от холста. Использование холодных тонов, особенно глубокого фиолетового цвета. шерсть и легкая, почти «анемичная» манера письма в целом — за исключением лица — полностью соответствуют суровому аскетическому образу.Плавный контур шинели, обработанной широкими вертикальными участками, разделенными черной линией напоминает о влиянии Гогена. Психологическая напряженность, выраженная в мрачном и почти галлюцинаторном взгляде художника, напоминает автопортреты Винсента Ван Гога. Работа в значительной степени обязана позднему автопортрету Винсента Ван Гога, особенно его Автопортрет с перевязанным ухом. Форма пальто и расположение композиции в дальнейшем почти повторились. идентично портрету Селестины.

В этом бескомпромиссном видении самого себя Пикассо не скрывает испытаний и невзгод, переживающих молодого художника, но он не становится жертвой сентиментальности. У испанца до сих пор есть гордость.

10 самых известных картин Пикассо

Пабло Пикассо был испанским художником, скульптором и гравером. Он один из самых признанных художников 20 века.

Он оказал неизгладимое влияние на популярную культуру и современное искусство.

Художественный стиль Пикассо менялся на протяжении всей его карьеры, но он всегда сохранял уникальное понимание условий жизни человека, с которым не мог сравниться ни один другой художник.

Художественный стиль Пабло Пикассо характеризовался большими красочными поверхностями и искаженными пропорциями на его картинах. Его работы считались революционными, потому что его разнообразные техники бросали вызов традиционным представлениям о том, как должны выглядеть картины.

Его стиль известен использованием жирных контурных линий.Он часто совмещал репрезентативное и абстрактное, ставя одно поверх другого.

Пикассо был пионером движения кубизм, исследовавшего значение геометрических форм в контексте живописи. Эта техника использовалась и до сих пор используется многими художниками, которые хотят подчеркнуть функциональность, а не красоту.

Самые известные картины Пабло Пикассо

1.

Пикассо был глубоко потрясен ужасами гражданской войны в Испании, которая началась 17 июля 1936 года, когда генерал Франсиско Франко возглавил военный переворот против Испанской республики.

Семь месяцев спустя войска Франко полностью контролировали страну. Посетив Барселону в октябре 1936 года и засвидетельствовав широкомасштабные разрушения в результате тяжелых боев, Пикассо сказал своему другу Жоану Миро, что хочет сделать что-нибудь, чтобы выразить свой гнев.

Позже он написал: «Я собираюсь нарисовать что-то невероятно огромное… Я сделаю это со всей моей яростью». Эскизы к картине начал 2 декабря 1936 года.

Герника был назван самым мощным творением художника и одним из его немногих произведений поистине эпического масштаба.

Картина была создана в ответ на бомбардировку Герники, города Страны Басков на севере Испании, немецкими самолетами под командованием генерала Франко во время гражданской войны в Испании. На нем с поразительной силой изображены трагедия и страдания войны.

Картина была написана Пикассо в 1937 году и считается одной из его самых известных работ. На нем изображены ужасы войны, включая насилие и смерть.

На картине изображено не какое-то конкретное сражение или событие, а скорее все события, произошедшие во время войны.

2.

«Les Demoiselles d’Avignon» считается первым произведением искусства в стиле кубизма. Это картина, созданная Пабло Пикассо в 1907 году. Картина была создана в разгар его формирующего периода кубизма и является одним из самых важных произведений в истории современного искусства.

Пикассо прибыл в Париж в то время, когда было много художников, создающих новые, новаторские стили искусства. Для Пикассо это означало, что он еще не был привязан к одному стилю и мог исследовать множество направлений, не беспокоясь ни со стороны критиков, ни со стороны других художников.

Эта свобода дала ему возможность исследовать свои творческие способности и экспериментировать с различными техниками и методами, не чувствуя давления, чтобы он соответствовал тому, что другие делали в то время.

Картина создана из смешения стилей, с которыми Пикассо экспериментировал в тот период. Это был важный момент в его карьере, поскольку он помог ему прорваться к абстракции и современному искусству.

Эта картина имеет большое значение еще и потому, что, когда она была представлена ​​публике, она шокировала многих людей и вызвала множество негативных реакций, потому что в то время они не привыкли к таким картинам.

3.

Пабло Пикассо был известен своими причудливыми интерпретациями различных персонажей, которых он рисовал. Позже он начал рисовать в более ярких тонах, чтобы передать эмоциональную важность предмета.

«Плачущая женщина» — картина Пабло Пикассо, написанная маслом на холсте, работа над которой была завершена в 1937 году во Франции. На снимке Дора Маар, любовница и муза Пикассо.

Фирменный профиль Пикассо женского лица присутствует в этом произведении, но другие мелкие детали намекают на более высокую степень перспективы для восприятия зрителем.

Изделие в первую очередь связано с женским лицом, которое изображено во множестве противоречащих друг другу цветов и геометрических форм. Использование Пикассо тонких голубых оттенков на ее лице под глазами, которые, кажется, предполагают, что ее лицо покрыто слезами, еще больше подчеркивает ее высокую степень эмоциональной печали.

«Плачущая женщина» изображает обезумевшую плачущую женщину, прижимающую к лицу носовой платок, чтобы собрать свои обильные слезы.

Эта универсальная картина страдания нарисована в уплощенной манере раннего аналитического кубизма Пикассо, который отличается использованием угловатых и перекрывающихся частей лица объекта, как если бы он был нарисован с разных точек зрения одновременно.

4.

Пикассо провел большую часть своей жизни в крайней нищете, и, как утверждается, в этот период он проникся сильной симпатией к обездоленным и угнетенным.

«Старый гитарист» был создан в 1903 году, в период, когда Пикассо считался почти банкротом, живя в Барселоне.

Это время было названо его «синей» фазой, когда он нарисовал почти все холсты в тусклой монохроматической палитре синего цвета, оттенок, который соответствовал предмету, к которому он обращался.

Пикассо создал это произведение вскоре после того, как его близкий друг Касагемас покончил жизнь самоубийством в результате длительной борьбы с психическим заболеванием и отчаянием.

Художник посвятил это произведение, как и другие произведения того времени, сосредоточению внимания на людях, которые часто угнетены и обременены заботами и проблемами, которые так часто поглощают человечество.

Поскольку вся работа выполнена в темно-синем цвете, картина вызывает у зрителя сильное чувство запустения.

Мужчина на картинке держит гитару и, кажется, играет печальную песню, его лицо выражает агония и отчаяние.

Превосходное использование Пикассо синего цвета, по наблюдениям искусствоведов и историков, правильно налагает чувство меланхолии, которое так много людей испытывают в этом произведении.

Гитара — это прорыв в приглушенных, почти плоских, двумерных формах однотонного синего, в то время как музыкант кажется подавленным и грустным.

Последующие рентгеновские снимки картины показали присутствие призрачной фигуры (женщины), которую Пикассо начал рисовать, но затем передумал и решил закрасить ее.

5.

Пикассо на этом автопортрете был довольно молод, ему тогда было всего двадцать, но на этом снимке он выглядит намного старше. Его лицо выглядит изможденным и изможденным из-за суровой зимы в Париже, ведущей очень забитую жизнь.

Он только недавно прибыл в Париж и еще не установил каких-либо значимых дружеских отношений, когда создал это произведение вскоре после самоубийства своего друга Карлоса Касагемаса.

Смерть сильно ударила по нему и серьезно подорвала его психическое здоровье.

Этот автопортрет — не первый автопортрет Пикассо, но это одна из самых ранних работ Голубого периода.

6.

Пабло Пикассо написал картину «Девушка перед зеркалом» в 1932 году как картину, написанную маслом на холсте. На картине изображена любовница и муза Пикассо, Мария-Тереза ​​Вальтер, стоящая перед зеркалом и смотрящая на свое отражение.

В 1930-е годы Пикассо много раз писал Мари-Терезу. Его фотографии 1932 года стали первой публичной выставкой их тайного романа во время его брака с Ольгой Хохловой.

Творческая карьера Пикассо сформировалась к 1932 году. На этом этапе своей жизни ему исполнилось 50 лет, и он зарекомендовал себя как выдающийся художник.

Пикассо был куратором ретроспективы своих работ в Galerie Georges Petit в 1932 году, что было необычным явлением для художника, и, что еще более неожиданно, Пикассо взял на себя ответственность за кураторство.

Девушка перед зеркалом — это фотография женщины, смотрящей в зеркало, в которой открывается более темное отражение самой себя.Лицо женщины разделено на две части, одна из которых окрашена в мирный сиреневый цвет, а другая — в яркий желтый оттенок.

Отражение изображает объект в ином свете, заставляя ее казаться старше и с запавшим лицом, возможно, как символ ее смерти.

7.

La Vie (Жизнь) — картина маслом на холсте, завершенная в мае 1903 года в Барселоне.

Обычно считается пиком голубого периода Пикассо.Тем не менее, в то время он был 22-летним неизвестным художником, которому еще предстояло повлиять на мир искусства.

Интерпретация загадочной композиции вызвала серьезные споры. Ясно одно: это дань уважения Пикассо своему близкому другу Карлосу Касагемасу, который покончил жизнь самоубийством.

Забота Пикассо о жизни и смерти полностью представлена ​​в его мрачном настроении.

8.

Картина Пикассо 1911 года «Ма Джоли» открыто изображает его девушку Марсель Гумберт.

Пикассо утверждал, что «Ма Джоли», что означает «моя прекрасная», была отсылкой к известной песне мюзик-холла того времени, но реальный смысл держался в секрете и был известен только тем, кто был близок к его кругу знакомых.

По мере того, как основное изображение исчезает в глубине абстрактных поверхностей и крошечных деталей, неправильные формы и темные, солоноватые оттенки, кажется, передают более глубокий смысл.
Фигура Марсель Гумберт построена случайным образом с использованием характерных для аналитического кубизма меняющихся плоскостей.

Шесть струн в середине изображения указывают на гитару, а треугольник справа, кажется, представляет женский локоть.

9.

Три музыканта — так называется два коллажных и масляных произведения Пикассо. Оба были закончены в 1921 году в Фонтенбло, Франция, недалеко от Парижа, и являются прекрасными образцами стиля синтетического кубизма.
На каждом произведении изображены Арлекин, Пьеро и монах, которых называют Пикассо, Гийомом Аполлинером и Максом Джейкобом соответственно.

Арлекин, играющий на гитаре посередине, периодически заменяет самого Пикассо на протяжении всей его работы. Пьеро и Арлекин — стандартные фигуры из старинного итальянского комедийного театра, известного как Commedia dell’Arte, который часто встречается в творчестве Пикассо.

Три музыканта кажутся коллажем, созданным из вырезанных кусочков цветной бумаги, несмотря на то, что это картина маслом. Формы уменьшены до угловатых узоров, которые соединяются, как головоломки.

«Три музыканта» — это часть серьезного изменения в творчестве Пикассо, которое произошло после 1914 года. Пикассо создал всего несколько коллажей после 1914 года. Вместо этого он использовал кубистские техники в традиционной среде масла на холсте, что позволило ему создавать значительно более крупные и красочные картины. работает.

У этой новой техники было главное преимущество: картины маслом можно было продавать по гораздо более высокой цене, чем коллажи.

10.

Портрет Гертруды Стайн — холст, масло, портрет американской писательницы и коллекционера Гертруды Стайн.Пикассо начал работу над картиной в 1905 году, но она была завершена только в следующем году.
Считается одной из самых значительных картин Пикассо периода Розы.

Картина иллюстрирует геометрические искажения и формальные эксперименты, которые стали определяющими в его творчестве после появления кубизма.

Пикассо бросает вызов традиционным правилам портретной живописи, изображая объект в виде огромной неповоротливой фигуры, тупо смотрящей через картину, а не на зрителя.У нее круглая фигура, она наклоняется вперед, тяжело опираясь руками на колени.

Этот стилистический сдвиг имел огромное историческое значение, поскольку указывал путь, по которому Пикассо шел шаг за шагом до создания кубизма.

Марк Шагал — 1022 произведения

Марк Захарович Шагал (/ ʃəˈɡɑːl / shə-GAHL; урожденный Мойше Захарович Шагал; 6 июля [ст. Ст. 24 июня] 1887 г. — 28 марта 1985 г.) был русско-французским художником белорусского еврейского происхождения.Ранний модернист, он был связан с несколькими основными художественными стилями и создавал произведения практически во всех художественных форматах, включая живопись, книжные иллюстрации, витражи, декорации, керамику, гобелены и репродукции изобразительного искусства.

Искусствовед Роберт Хьюз называл Шагала «типичным еврейским художником двадцатого века» (хотя Шагал считал свои работы «мечтой не одного народа, но всего человечества»). По словам историка искусства Майкла Дж. Льюиса, Шагал считался «последним оставшимся в живых из первого поколения европейских модернистов».На протяжении десятилетий его «также уважали как выдающегося еврейского художника мира». Используя витражи, он изготовил окна для соборов Реймса и Меца, окна для ООН и Иерусалимские окна в Израиле. Он также написал крупномасштабные картины, в том числе часть потолка Парижской оперы.

Перед Первой мировой войной он путешествовал между Санкт-Петербургом, Парижем и Берлином. В этот период он создал свою собственную смесь и стиль современного искусства, основанный на его представлении о восточноевропейской еврейской народной культуре.Он провел годы войны в Советской Беларуси, став одним из самых выдающихся художников страны и участником модернистского авангарда, основал Витебское художественное училище, прежде чем снова уехать в Париж в 1922 году.

У него было две основные репутации, пишет Льюис: как пионер модернизма и как крупный еврейский художник. Он пережил «золотой век» модернизма в Париже, где «он синтезировал художественные формы кубизма, символизма и фовизма, а влияние фовизма породило сюрреализм».Тем не менее, на протяжении всех этих этапов своего стиля «он самым решительным образом оставался художником-евреем, чьи работы были одной долгой мечтательной мечтой о жизни в его родном селе Витебске». «Когда Матисс умрет, — заметил Пабло Пикассо в 1950-х годах, — Шагал останется единственным художником, который поймет, что такое цвет на самом деле».

Марк Шагал родился Мойше Сегал в литовской еврейской хасидской семье в Лиозне, недалеко от города Витебск (Беларусь, тогда входившая в состав Российской империи) в 1887 году. На момент его рождения население Витебска составляло около 66 000 человек, из них половина население еврейское.Живописный город церквей и синагог, он был назван «Русским Толедо» в честь космополитичного города бывшей Испанской империи. Поскольку город был построен в основном из дерева, немногие из них пережили годы оккупации и разрушения во время Второй мировой войны.

Шагал был старшим из девяти детей. Фамилия, Шагал, является вариантом имени Сегал, которое в еврейской общине обычно носила семья левитов. Его отец Хацкл (Захар) Шагал работал у торговца селедкой, а мать Фейге-Ите продавала продукты из их дома.Его отец много работал, таскал тяжелые бочки, но зарабатывал всего 20 рублей в месяц (средняя заработная плата по Российской империи составляла 13 рублей в месяц). Позже Шагал будет включать рыбные мотивы «из уважения к своему отцу», пишет биограф Шагала Яков Баал-Тешува. Шагал писал об этих ранних годах:

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA).Полный текст статьи здесь →

Эль Греко — 169 произведений

Доменикос Теотокопулос, также известный как Эль Греко из-за своего греческого происхождения, был популярным греческим художником, скульптором и архитектором испанского Возрождения. Он стал мастером поствизантийского искусства к 26 годам, когда побывал в Венеции, а затем в Риме, где открыл свою первую мастерскую.В отличие от других художников, Эль Греко изменил свой стиль, чтобы отличаться от других художников того времени, изобретая новые и необычные интерпретации религиозной тематики. Он создавал подвижные вытянутые фигуры и использовал яркий атмосферный свет. После смерти Рафаэля и Микеланджело он был полон решимости оставить свой собственный художественный след и предложил нарисовать Тайную вечерю Микеланджело Папе Пию V. Его нетрадиционные художественные убеждения (включая его неприязнь к Микеланджело), ​​наряду с его сильной личностью, привели к к развитию множества врагов в Риме, особенно враждебности искусствоведов.

В 1577 году Эль Греко переехал в Толедо, где написал большинство своих зрелых работ. Хотя он выполнил крупные заказанные работы в церквях вокруг Толедо, он оставался в немилости у короля, и поэтому не получил королевского покровительства, которого он так желал. Эль Греко сделал Толедо своим домом, сняв у маркиза де Вильена серию квартир, в том числе три квартиры и двадцать четыре комнаты. Он проводил много времени, учился, рисовал и жил в высоком стиле, часто нанимая музыкантов, которые играли для него, пока он обедал.

Хотя он был очень известным и плодовитым художником, ближе к концу своей жизни он испытал экономические трудности, усугубляемые неоплатой за его работу в Больнице благотворительности в Ильескасе. Он умер в возрасте 73 лет из-за внезапной болезни. После его смерти работы Эль Греко по большей части игнорировались. Его необычная трактовка сюжета и сложная иконография заставили многих современников дискредитировать его работы. Лишь с наступлением периода романтизма его работы были открыты заново, что вызвало возрождение интереса к работам художника.Его работы позже повлияли на художников-реалистов, импрессионистов, кубистов и абстрактных художников, включая Пабло Пикассо и Эдуарда Мане.

Доменикос Теотокопулос (греч .: Δομήνικος Θεοτοκόπουλος [ðoˈminikos θeotoˈkopulos]; 1541 — 7 апреля 1614), наиболее широко известный как Эль Греко («Грек»), был художником, скульптором и архитектором эпохи Возрождения. «Эль Греко» — это прозвище, отсылка к своему греческому происхождению, и художник обычно подписывал свои картины своим полным именем при рождении греческими буквами Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Доменикос Теотокопулос), часто добавляя слово Κρής (Krēs, «критский»). .

Эль Греко родился в Королевстве Кандия, которое в то время было частью Венецианской республики и центром поствизантийского искусства. Он обучался и стал мастером в рамках этой традиции, прежде чем отправиться в 26 лет в Венецию, как это сделали другие греческие художники. В 1570 году он переехал в Рим, где открыл мастерскую и выполнил ряд работ. Во время своего пребывания в Италии Эль Греко обогатил свой стиль элементами маньеризма и венецианского Возрождения, заимствованными у многих великих художников того времени, особенно Тинторетто.В 1577 году он переехал в Толедо, Испания, где жил и работал до своей смерти. В Толедо Эль Греко получил несколько крупных заказов и написал свои самые известные картины.

Драматический и экспрессионистский стиль Эль Греко был встречен его современниками с недоумением, но нашел признание в 20 веке. Эль Греко считается предшественником как экспрессионизма, так и кубизма, а его личность и работы были источником вдохновения для поэтов и писателей, таких как Райнер Мария Рильке и Никос Казандзакис.Современные ученые характеризуют Эль Греко как художника, настолько индивидуального, что он не принадлежит ни к какой традиционной школе. Он наиболее известен своими чрезвычайно вытянутыми фигурами и часто фантастической или фантасмагорической пигментацией, сочетающей византийские традиции с традициями западной живописи.

Эль Греко родился в 1541 году в деревне Фоделе или Кандии (венецианское название Чандакс, современный Ираклион) на Крите. Эль Греко происходил из зажиточной городской семьи, которая, вероятно, была изгнана из Ханьи в Кандию после восстание против католиков-венецианцев между 1526 и 1528 годами.Отец Эль Греко, Георгиос Теотокопулос (ум. 1556), был купцом и сборщиком налогов. О его матери и первой жене, тоже гречанке, ничего не известно. Старший брат Эль Греко, Манусос Теотокопулос (1531–13 декабря 1604 г.), был богатым купцом и провел последние годы своей жизни (1603–1604 гг.) В доме Эль Греко в Толедо.

Эль Греко получил начальное образование иконописца критской школы, ведущего центра поствизантийского искусства. Помимо живописи, он, вероятно, изучал классиков Древней Греции, а также, возможно, латинских классиков; он оставил «рабочую библиотеку» из 130 книг после своей смерти, включая Библию на греческом языке и аннотированный Вазари.Кандия была центром художественной деятельности, где гармонично сосуществовали восточная и западная культуры, где в 16 веке действовали около двухсот художников, которые организовали гильдию художников по итальянскому образцу. В 1563 году, в возрасте двадцати двух лет, Эль Греко был описан в документе как «мастер» («маэстро Домениго»), что означает, что он уже был мастером гильдии и, предположительно, руководил собственной мастерской. Три года спустя, в июне 1566 года, в качестве свидетеля контракта он подписал свое имя как μαΐστρος Μένεγος Θεοτοκόπουλος σγουράφος («Мастер Менегос Теотокопулос, художник»).

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

10 самых известных картин Пабло Пикассо

Эта статья содержит 10 самых известных картин Пабло Пикассо. Пабло Пикассо был испанским художником, керамистом, сценографом, скульптором, гравером, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей взрослой жизни во Франции.

Старый гитарист

Старый гитарист — это картина, написанная Пабло Пикассо между 1903 и 1904 годами. Экспрессионизм повлиял на стиль испанского художника, который в то время превратился в художественное движение. На этой картине изображен пожилой слепой человек в потертой одежде, играющий на гитаре на улице.

Дора Маар в Чате

Дора Маар в Чате — это картина, созданная Пабло Пикассо в 1941 году. Эта картина была известна своим стилем кубизма, который сделал ее одной из самых дорогих картин.В этом художнике Дора Маар, его любовь к художнику, сидит на стуле.

Девушка перед зеркалом

Девушка перед зеркалом — это картина, написанная Пабло Пикассо в 1932 году. Эта картина известна своим мастер-классом и разнообразными интерпретациями любовника и возлюбленной. На этой картине женщина смотрит в зеркало, в то время как изображение в зеркале другое.

Герника

Герника — картина, написанная Пабло Пикассо в 1937 году.Она считается одной из наиболее политически обоснованных картин с сильным призывом против войны. Испанский художник попытался показать агонию людей, животных и окружающей среды вокруг себя.

Сидящая женщина

Сидящая женщина — это картина, написанная Пабло Пикассо в 1937 году. В этом году Пикассо создал множество ярких произведений, включая эту и Гернику. Влияние любви на жизнь испанского художника заставило его стать легендой в этой жизни.

Семья Салтимбанков

Семья Салтимбанков — это картина, написанная Пабло Пикассо в 1905 году.Эта картина считается шедевром циркового периода Пикассо. Работа на этой картине изображает шесть сальтимбанков, своего рода странствующего артиста цирка, в пустынном пейзаже.

Плачущая женщина

Плачущая женщина — картина, созданная Пабло Пикассо в 1937 году. Эта картина входила в серию картин Пикассо, изображающих этот предмет. Дора Маар была плачущей женщиной, изображенной на этой картине.

Свадьба Пьеретта

Свадьба Пьеретта — это картина, написанная Пабло Пикассо в 1905 году.Эта картина относится к периоду цирка Пикассо или периоду роз, но художественно она дает характерные черты синего периода. В этот период художник столкнулся с бедностью и депрессией.

La Vie

La Vie — это картина, написанная Пабло Пикассо в 1903 году. Эта картина широко известна голубым периодом Пикассо. На этой картине обнаженной паре противостоит женщина с ребенком на руках. На заднем плане этой картины еще две картины.

Мальчик ведет лошадь

Мальчик ведет лошадь — это картина, созданная Пабло Пикассо между 1905 и 1906 годами.Считается, что эта картина относится к периоду Розы Пикассо. На этой картине изображен обнаженный мальчик, ведущий свою лошадь.

Семь шедевров Пикассо, которые нужно знать

Вниз по улице от Санта-Мария-дель-Мар вы найдете знаменитый музей Пикассо. Пабло Пикассо, испанский художник, один из самых известных и влиятельных художников 20 века. Вот семь шедевров Пикассо, которые должен знать каждый.

Пикассо в Калифорнии | © Pere Coba / Flickr

«Жизнь» — одна из самых значительных картин карьеры Пикассо в его голубой период, который существовал с 1901 по 1904 год.За это короткое, но невероятное время Пикассо создал некоторые из своих лучших работ, в том числе «Ла Вие», написанную в Барселоне. «Ла Ви» — это высокая картина, на которой изображены обнимающиеся обнаженные мужчина и женщина напротив женщины с младенцем на руках. На заднем плане — две другие картины, изображенные в декорациях. Синие цвета придают картине унылый вид, что довольно точно отражает настроение Пикассо в то время.

Герника — всемирно известный шедевр, и большинство людей увидят его и узнают, что это произведение Пикассо.Картина написана маслом на холсте и выполнена в оттенках черного, белого и серого. Как следует из названия, картина символизирует войну или, в случае Пикассо, пацифизм. Считается, что антивоенная картина была вдохновлена ​​бомбардировками страны Басков немецкими и итальянскими войсками. Фреска была завершена в 1937 году и была выставлена ​​на Всемирной выставке в Париже, где в то время жил Пикассо.

Картина Пикассо Эль-Герника, Париж 1937 | © Recuerdosdepandora / Flickr

Пикассо был одним из основоположников кубизма, и одно удивительное произведение, изображающее его, — это не что иное, как «Авиньонская девица» Пикассо.На этом произведении изображены пять проституток в форме, которую многие сегодня сразу же признали уникальной для Пикассо. Хотя в то время картина маслом была двухмерной, она представляла очень трехмерное послание как в отношении Пикассо к европейскому искусству, так и в резкой критике, которую он получил за нее, когда работа была завершена.

Хотя многие люди могут узнать этот классический рисунок Дон Кихота, немногие знают, что Человек де Ла Манча на самом деле был нарисован самим Пикассо. Возможно, это связано с тем, что Пикассо сделал набросок в конце своей карьеры в 1955 году, и он не был нарисован с помощью обычных техник, которые так долго ассоциировались с ним.Хотя многие критики могут на самом деле не считать его «шедевром», Пикассо уже был настолько знаменит, что даже такой небольшой набросок покорил сердца всех, кто его видел.

Девушка перед зеркалом | © Nathan Laurell / Flickr

«Девушка перед зеркалом» исследует романтическую сторону Пикассо, поскольку на картине изображен предмет, который ему больше всего нравился: его жена Мария-Тереза ​​Вальтер. Это один из его самых верных примеров кубизма, поскольку картина маслом на холсте прекрасно подчеркивает уникальную способность Пикассо изобразить этот особый стиль в таком великолепном произведении.Картина интерпретировалась по-разному, но суть в том, что то, как Пикассо видел свою женщину, и то, как она видела себя, были разными.

Старый гитарист (1903) | © NichoDesign / Flickr

«Старый гитарист», также созданный в «голубой период» Пикассо, был столь же знаменит, если не больше, чем La Vie. На картине изображен печальный старик, играющий на гитаре. Хотя вся картина синего цвета, единственная вещь, которая имеет немного цвета, — это гитара. Предположительно, на картине были обнаружены и другие тонкие образы.Старый гитарист объединил множество различных художественных стилей, которые были популярны в то время, наиболее очевидным из которых был экспрессионизм. Это не совпадение; Пикассо определенно было что выразить в те дни.

Начало 20 века было популярным временем для писателей и художников, которые переезжали в Париж, где они могли быть окружены единомышленниками в месте, которое легко вдохновляло на творчество. Когда Пикассо переехал туда после своего «голубого периода» в 1904 году, он подружился со многими эмигрантами, одной из которых была Гертруда Стайн.Если вы не знаете о Гертруде Стайн, она была известной американской писательницей, коллекционировавшей произведения искусства, многие из которых принадлежали Пикассо. В 1905 году он создал ее особенный портрет, который, несомненно, напоминал их близкие отношения и те важные времена, которые они провели вместе в те годы.

Пикассо Картины и скульптуры, биография, идеи

Краткое содержание Пабло Пикассо

Пабло Пикассо был самым влиятельным и влиятельным художником первой половины ^{-х годов} века.Связанный больше всего с новаторским кубизмом, наряду с Жоржем Браком, он также изобрел коллаж и внес большой вклад в символизм и сюрреализм. Он считал себя прежде всего художником, но его скульптура имела большое влияние, и он также исследовал такие разнообразные области, как гравюра и керамика. Наконец, он был известной харизматичной личностью; его многочисленные отношения с женщинами не только просочились в его искусство, но и, возможно, направили его ход, и его поведение стало воплощением поведения современного богемного художника в народном воображении.

Достижения

• Слияние влияний — от Поля Сезанна и Анри Руссо до архаического и племенного искусства — побудило Пикассо придать своим фигурам больше структуры и в конечном итоге направило его на путь кубизма, в котором он деконструировал условности перспективы, которые доминировали в живописи со времен Возрождения. Эти нововведения будут иметь далеко идущие последствия практически для всего современного искусства, революционизируя отношение к изображению формы в пространстве.
• Погружение Пикассо в кубизм также в конечном итоге привело его к изобретению коллажа, в котором он отказался от идеи картины как окна на объекты в мире и начал воспринимать ее просто как расположение знаков, которые использовали разные, иногда метафорические средства для обозначения этих объектов. Это тоже окажет огромное влияние на долгие десятилетия.
• У Пикассо было эклектическое отношение к стилю, и хотя в любое время его работы обычно характеризовались одним доминирующим подходом, он часто попеременно перемещался между разными стилями — иногда даже в одном и том же произведении искусства.
• Его встреча с сюрреализмом, хотя и не изменила полностью его работы, поощряла не только мягкие формы и нежный эротизм портретов его любовницы Мари-Терезы Вальтер, но и резко угловатые образы Guernica (1937), самого популярного столетия. знаменитая антивоенная картина.
• Пикассо всегда стремился войти в историю, и некоторые из его величайших работ, такие как Les Demoiselles d’Avignon (1907), ссылаются на множество прошлых прецедентов — даже опрокидывая их.По мере того, как он повзрослел, он стал только более осознавать необходимость сохранения своего наследия, и его поздние работы характеризуются откровенным диалогом со старыми мастерами, такими как Энгр, Веласкес, Гойя и Рембрандт.

Биография Пабло Пикассо

«Я рисую предметы так, как я думаю о них, а не так, как я их вижу». Сказал Пикассо, и независимо от того, сотрудничал ли он с Браком по кубизму или проводил время с поэтами, которыми он восхищался, или с музами, которых он любил и жаждал, он находил новые способы видеть и представлять то, что он видел.