Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Пикассо и его картины: Художники по направлению: Кубизм — WikiArt.org

Содержание

Художники по направлению: Кубизм — WikiArt.org

направление

Куби́зм (фр. Cubisme) — модернистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века во Франции и характеризующееся использованием подчёркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Английский искусствовед Эрнст Гомбрих выводит истоки кубизма из творчества французского художника Поля Сезанна, приводя как пример его работы «Гора Сент-Виктуар со стороны Бельвю» и «Горы в Провансе», а также его ответ на письмо молодого Пабло Пикассо: «В одном из писем Сезанн рекомендует молодому художнику рассматривать натуру как совокупность простых форм — сфер, конусов, цилиндров. Он имел в виду, что эти базисные формы необходимо держать в сознании как организующее начало картины. Однако Пикассо и его друзья восприняли совет буквально».

Возникновение кубизма традиционно датируют 1905—1907 годами и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Ж. Брака. Термин «кубизм» появился в 1908 году, после того как Анри Матисс увидев пейзажи Дома в Эстаке, написанные Ж. Браком в 1908 воскликнул «Что за кубики» (фр. bizarreries cubiques).

Начиная с 1912 года в кубизме зарождается новое ответвление, которое искусствоведы назвали «синтетическим кубизмом». Простую формулировку основных целей и принципов кубизма дать довольно трудно; в живописи можно выделить три фазы этого направления, отражающие разные эстетические концепции, и рассмотреть каждую в отдельности: сезанновский (1907—1909), аналитический (1909—1912) и синтетический (1913—1914).

Наиболее известными кубистическими произведениями начала XX века стали картины Пикассо «Авиньонские девицы», «Гитара», работы таких художников, как Хуан Грис, Фернан Леже, Марсель Дюшан, скульптуры Александра Архипенко и др.

Кубизм развивался и за пределами Франции; особенно плодотворно — в Чехословакии.

В России кубизм соединился с элементами итальянского футуризма (кубофутуризм).

В «кристаллической» манере письма М. А. Врубеля часто находят предчувствия кубизма.

Подлинным первооткрывателем кубизма является предприниматель и коллекционер С. И. Щукин, привёзший в Москву ранние кубистские опыты Пикассо.

В целом же русский кубизм был сугубо переходным явлением, своего рода «школой авангарда». Большинство мастеров, составивших ядро «Бубнового валета» (в том числе П. П. Кончаловский, А. В. Куприн, И. И. Машков, Р. Р. Фальк), не пошло дальше раннего, «сезаннистского» этапа, самобытно и красочно его обогатив. Художники же настроенные более радикально (К. С. Малевич, В. Е. Татлин и др.) быстро перешли к кубофутуризму, честолюбиво выдвигая его в противовес кубизму в качестве более передового и уже свободного от французских влияний метода.

Однако и позднее, в свой витебский период (1919—1922) Малевич утверждал: «Если ты стремишься изучать искусство, то изучай кубизм».

Художница Наталья Гончарова в 1912 году отмечала, что «кубизм — вещь хорошая, но не совсем новая». По её словам, в этом же стиле выполнены и скифские каменные бабы, и крашеные деревянные куклы, продаваемые на ярмарках.

К кубистам позднего периода примыкал некоторое время и скульптор А. Архипенко. Он пытался, и иногда достаточно успешно, решать в пластике задачи, поставленные кубистами-живописцами. При этом объёмность и иная материальная фактура, использование реального света и тени на скульптурных объёмах, пространств, сдвиги плоскостей, форм, объёмов, варьирование пустотами и наполненностями открыли перед ним и новые, чисто пластические перспективы, в результате чего он достаточно скоро отошёл от кубизма и двинулся своим путём в искусстве.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru. wikipedia.org/wiki/Кубизм

Художники по направлению: Постимпрессионизм — WikiArt.org

направление

Постимпрессиони́зм (фр. postimpressionisme, от лат. post — «после» и «импрессионизм») — художественное направление, условное собирательное обозначение неоднородной совокупности основных направлений в европейской (главным образом — французской) живописи; термин, принятый в искусствознании для обозначения магистральной линии развития французского искусства начиная со второй пол. 1880-х гг. до нач. ХХ в.

Художники этого направления отказывались изображать только зримую действительность (как натуралисты) или сиюминутное впечатление (как импрессионисты), а стремились изображать её основные, закономерные элементы, длительные состояния окружающего мира, сущностные состояния жизни, при этом подчас прибегая к декоративной стилизации.

К выдающимся представителям постимпрессионизма в живописи относятся Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Поль Сезанн. Для постимпрессионизма характерны разные творческие системы и техники, объединённые по сути лишь тем, что они отталкивались от импрессионизма. Они сильно повлияли на последующее развитие изобразительного искусства, став основой направлений в современной живописи. Крупные мастера своей проблематикой положили начало многим тенденциям изобразительного искусства XX в.: работы Ван Гога предвосхитили появление экспрессионизма, Гоген проложил путь к символизму и модерну. При этом многие мелкие направления (например, пуантилизм), существовали только в данный хронологический период.

Термин «постимпрессионизм» ввел в обиход английский критик Роджер Фрай, говоря о впечатлении от устроенной им в Лондоне в 1910 г. выставке современного французского искусства, на которой были представлены работы Ван Гога, Тулуз-Лотрека, Сёра, Сезанна и других художников.

Начало постимпрессионизма приходится на кризис импрессионизма в конце XIX века. Тогда, в 1886 году, состоялась последняя выставка импрессионистов, где были впервые показаны работы постимпрессионистов — неоимпрессионистов. Тогда же был опубликован «Манифест символизма» французского поэта Жана Мореаса. Однако некоторое время импрессионизм и постимпрессионизм (несмотря на его название), существуют параллельно, причём постимпрессионизм одновременно и принимал, и отвергал некоторые принципы своего предшественника.

Будущие художники-постимпрессионисты (многие из которых ранее примыкали к импрессионизму), начали искать новые методы и выразительные средства, которые были бы более созвучны эпохе. Желая преодолеть эмпиризм художественного мышления, они отказались от стремления импрессионистов запечатлеть сиюминутность («впечатление»), и принялись осмысливать длительные состояния окружающего мира, стремились запечатлеть длительные, сущностные состояния жизни, причём — и материальные, и духовные. Кроме того, вырос интерес к философским и символическим началам искусства, что также было результатом определенного духовного кризиса европейской культуры этого времени, поисков художниками устойчивых идейно-нравственных ценностей.

Тем не менее, художники, ныне объединяемые под термином «постимпрессионисты», не были объединены ни общей программой, ни школой, ни методом.

Возникшие новые течения декларативно отказывались от эстетики импрессионизма и реализма. Художники занимались поисками, которые приводили к возникновению различных направлений, из которых и сложился постимпрессионизм: пуантилизм (Жорж Сёра, Поль Синьяк), символизм Гогена и группы «наби» (Морис Дени, Поль Серюзье, Пьер Боннар), создание линейно-живописного строя будущего стиля модерн (Тулуз-Лотрек и др.), принципы Сезанна, и проч. Различные направления и индивидуальные творческие системы активно влияли друг на друга.

Сезанн, например (и его последователи сезаннисты), считал, что задача художника заключается не в фиксации мгновенных впечатлений от действительности, а в глубоком её изучении, выявлении и передаче общих, основополагающих качеств — объёма, структуры, весомости; в интересе вечного монументального характера мира, его устойчивых, непреходящих черт.

Его методом было построение контрастами цвета прочной, устойчивой объемной формы, на её обобщение и геометричность, а основой живописи были рисунок, цвет и контрасты.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Постимпрессионизм

Художники по направлению: Сюрреализм — WikiArt.org

направление

Сюрреализм (от фр. surréalisme, буквально «сверх-реализм», «над-реализм») — направление в литературе и искусстве двадцатого века, сложившееся в 1920-х годах. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.

Основоположником сюрреализма считается писатель и поэт Андре Бретон, автор первого манифеста сюрреализма (1924). В пьесе Гийома Аполлинера «Груди Тиресия» (фр. «Les mamelles de Tirésias») 1917 года, сюрреалистической драме в двух актах и с прологом, было введено понятие «сюрреализм». Известными литераторами сюрреализма также являются Поль Элюар и Луи Арагон. Выдающимися мастерами сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Рене Магритт, Жоан Миро, Макс Эрнст. Наиболее яркими представителями сюрреализма в кинематографе считаются Жан Кокто, Луис Бунюэль, Дэвид Линч и Ян Шванкмайер[источник не указан 117 дней]. Сюрреализм в фотографии получил признание благодаря работам Филиппа Халсмана.

Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.

Это направление сложилось под большим влиянием теории психоанализа Фрейда (правда, не все сюрреалисты увлекались психоанализом, например, Рене Магритт относился к нему весьма скептически). Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода, а также иррациональность.

Сюрреализм коренился в символизме и первоначально был подвержен влиянию таких художников-символистов, как Гюстав Моро (фр. Gustave Moreau) и Одилон Редон.

Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Они работали с такими тематиками, как эротика, ирония, магия и подсознание.

Нередко сюрреалисты выполняли свои работы под воздействием гипноза, алкоголя, наркотиков или голода, ради того, чтобы достичь глубин своего подсознания. Они провозглашали неконтролируемое создание текстов — автоматическое письмо. Одна из техник сюрреализма была изобретена Вольфгангом Пааленом (фьюмаж).

Однако хаотичность образов порой уступала место их большей продуманности, и сюрреальность становилась не просто самоцелью, но обдуманным методом высказывания идей, стремящихся разорвать обыденные представления (пример тому — зрелые работы классика сюрреализма Рене Магритта). Такая ситуация хорошо видна в кинематографе, продолжившем традиции сюрреализма, потерявшие со временем свежесть в живописи и литературе. Примеры — картины Луиса Бунюэля, Дэвида Линча, Яна Шванкмайера. Интересным примером сюрреализма являются экспериментальные фильмы режиссёра Матьё Сейлера.

Весной 1917 года Гийом Аполлинер придумал и впервые употребил термин «сюрреализм» в своём манифесте «Новый дух», написанном к скандально нашумевшему балету «Парад». Этот балет был совместной работой композитора Эрика Сати, художника Пабло Пикассо, сценариста Жана Кокто, и балетмейстера Леонида Мясина: «В этом новом союзе ныне создаются декорации и костюмы, с одной стороны, и хореография — c другой, и никаких фиктивных наложений не происходит. В „Параде“, как в виде сверхреализма (сюрреализма), я вижу исходную точку для целого ряда новых достижений этого Нового духа».

Хотя центром сюрреализма был Париж, с 1920 по 60-е годы он распространился по всей Европе, Северной и Южной Америке (включая страны Карибского бассейна), по Африке, Азии, а в 80-х годах и по Австралии.

Наиболее значительным вкладом в Золотой век сюрреализма является первый Манифест сюрреализма 1924 года, созданный Андре Бретоном. Пятью годами ранее Бретон и Филипп Супо написали первый «автоматический» текст, книгу «Магнитные поля». К декабрю 1924 года началось издание «Сюрреалистическая революция» под редакцией Пьера Навиля, Бенжамена Пере и, позже, Бретона. Кроме того, в Париже начало работу Бюро сюрреалистических исследований. В 1926 году Луи Арагон написал книгу «Парижский крестьянин». Многие из популярных художников в Париже в 20-е и 30-е годы были сюрреалистами, в том числе Рене Магритт, Макс Эрнст, Сальвадор Дали, Альберто Джакометти, Валентина Гюго, Мерет Оппенгейм, Ман Рэй, Туайен, Ив Танги, Виктор Браунер, Роберто Матта и многие другие. Хотя Бретон искренне восхищается Пабло Пикассо и Марселем Дюшаном и призывает их присоединиться к движению, они держатся от сюрреалистов на некотором расстоянии, хотя и не избегают их влияния.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Сюрреализм

Пабло Пикассо: картины и биография

   Художник Пабло Пикассо родился в Испании в семье искусствоведа Хосе Руиса в 1881 году. Хосе Руис увлекался живописью, но как только понял, что в семье растет гений, отдал кисти и краски юному Пабло и стал его первым учителем. В 13 лет Пикассо поступил в Барселонскую академию художеств, затем — в академию «Сан-Фернандо» в Мадриде.

   После учебы Пабло Пикассо переезжает в Париж. Именно во Франции испанский художник написал свои лучшие работы. Творческая биография Пабло Пикассо разделяется на несколько этапов.

   Голубой период. Картины этого периода выполнены, в основном, в холодных сине-зеленых тонах. Герои — старики, бедные матери и дети. Сам художник в это время беден и несчастен.

   Розовый период. Картины становятся более жизнерадостными, в них преобладают розовые и оранжевые тона. В этом период в жизни Пабло Пикассо появляется Фернанда Оливье — возлюбленная и муза.

   Африканский период. Отход от изображения конкретного человека, появляются африканские мотивы.

   Кубизм. Предметы, изображенные на картинах, как бы построены из кубиков. Искусствоведы не приняли кубизма, но картины замечательно продаются.

   Неоклассицизм. Цвета становятся ярче, образы — четче. Первая женитьба на балерине Ольге Хохловой, рождение сына.

   Сюрреализм. Четкий отпечаток на творчестве семейных проблем: серия портретов женщины. Новая любовь, рождение дочери. Увлечение скульптурой.

Пабло Пикассо: художник, миллионер, долгожитель.

   После войны Пабло Пикассо встречает Франсуазу Жило, у них рождается двое детей. Франсуаза — «женщина-цветок» в творческой и личной судьбе художника. В 1949 году Пабло Пикассо создал знаменитого «Голубя мира».

   В 80 лет Пикассо женится на Жаклин Рок, которая стала его последней музой и ухаживала за ним вплоть до самой смерти. Пабло Пикассо умер в 1973 году, прожил 92 года и создал более 80 тысяч работ.

10 знаменитых картин Пабло Пикассо

Пабло Пикассо был не только испанским художником, но и скульптором, гравёром, гончаром, художником сценических декораций, поэтом и сценаристом. Имя при рождении — Па́бло Дие́го Хосе́ Франси́ско де Па́ула Хуа́н Непомусе́но Мари́я де лос Реме́диос Сиприа́но де ла Санти́сима Тринида́д Ма́ртир Патри́сио Руи́с и Пика́ссо. Говорят, его назвали в честь многочисленных родственников и святых.

Он заявил о своем редком таланте в возрасте десяти лет, когда создал свою первую работу, названную «Пикадор», которая изображает наездника на корриде. Однако, его первой академической работой на ниве искусства стало «Первое причастие». Она изображает его отца, мать и младшую сестру, коленопреклонёнными у алтаря. Заметьте, Пикассо было лишь 15 лет, когда он закончил эту работу! И он создал еще больше произведений искусства, которые просто поразили мир. Некоторые из них представлены ниже:

10. Старый гитарист


Картина была нарисована в 1903 году в честь друга художника, Касагемаса, после его смерти в результате самоубийства. Это было время, когда он проникся сочувствием к угнетенным и нищим. Отсюда и картина. Она была создана в Мадриде и нарисована в искаженном стиле, перенятом от Эль Греко. Картина изображает согнутого и слепого мужчину с большой коричневой гитарой в руках.

Коричневый цвет — единственное отклонение от цветовой схемы всей картины. Не только физически, но и символически — гитара наполняет пространство вокруг старого мужчины, который забывает о своей слепоте и нищете, пока играет.

9. Девушка перед зеркалом


Нарисованная в 1932 году, картина представляет портрет французской любовницы Пикассо — Марии Терезы Вальтер. Стиль, в котором нарисована картина, называется кубизм. Основная идея Кубизма — взять и разбить определённый объект на более простые части, а затем помочь показать его с разных точек зрения путем переноса этих частей на холст.

Эта картина изображает тщеславие. На первый взгляд картина может показаться простой, но при ближайшем рассмотрении можно обнаружить множество символов, скрытых в разных элементах картины.

8. Герника


Эта картина, вероятно, одна из самых узнаваемых работ Пикассо. Это не обычная картина, а ярое политическое заявление. Она критикует обстрел бомбами городка Герника в стране Басков во время испанской гражданской войны. Эта картина является сильным обвинительным приговором против войны. Стиль картины являет собой объединение пасторального и грандиозного. Она тщательно демонстрирует трагедии войны и страдания невинных людей.

7. Три музыканта


Название этой картины объединяет серию произведений, которую Пикассо закончил в 1921 году в Фонтебло недалеко от Парижа, Франция. Это довольно большая картина более двух метров в высоту и ширину. Это отражение стиля синтетического кубизма, который преобразует произведение искусства в последовательность плоскостей, линий и арок.

Каждая картина с таким названием изображает Арлекина, Пьеро и Монаха. Считается, что эти три героя олицетворяют Пикассо, Гийома Аполинера и Макса Жакоба соответственно. Аполинер и Жакоб были близкими друзьями художника в 1910-х. Некоторые историки, однако, утверждают, что «Три музыканта» были запоздалым ответом Пикассо на «Урок фортепиано».

6. Сидящая женщина (Мария-Тереза)


Как и Герника эта работа написана в 1937 году. Мария Тереза была музой Пикассо и он нарисовал много ее портретов. Многие уверены, что эта картина напоминает узор с рубашки игральных карт, которые обычно были оформлены полосами. Опять же, кубизм тоже использован и в этой картине, в виде контраста между красными зелеными цветами.

5. Дора Маар с кошкой


Картина, созданная Пикассо в 1941 году, изображает хорватскую любовницу художника, Дору Маар, с маленькой кошкой на плечах, сидящую на стуле. Пикассо состоял в отношениях с Дорой Маар 10 лет и в течение этого времени нарисовал множество ее портретов.

Сама Дора работала фотографом-сюрреалистом. Эту картину принято считать наименее враждебным портретом Доры, и самой дорогостоящей картиной в мире. Необычное внимание к деталям, которое уделил Пикассо в этой картине, делают поистине произведением искусства.

4. Голубая обнаженная


Одна из самых ранних работ Пикассо. Она была написана в 1902 году. Эта картина результат «голубого периода» Пикассо. Это был период, когда Пикассо использовал холодный бледно-голубой в качестве доминирующего цвета в своих картинах и рисунках.

Большая часть картин «Голубого периода» отражают буйство эмоций одним цветом. Голубая обнаженная изображает спину женщины, склонившейся в позе эмбриона. На картине не прорисован фон и от этого понять ее эмоции проблематично.

3. Авиньонские девицы


Эта картина нарисована в 1907 году и является самым ярким примером кубизма. Эта картина отходит от всех канонов традиционной композиции и представлении картины. Пикассо использует искаженное изображение женских тел и геометрические фигуры новаторским способом.

Ни одна фигура не нарисована традиционно, и в итоге женщины кажутся даже немного устрашающими. Как мы видим эта картина довольно больших размеров и у Пикассо заняло девять месяцев, чтобы ее закончить. В этой картине заметно как африканское искусство повлияло на Пикассо.

2. Обнаженная, зеленые листья и бюст


Портрет любовницы писателя Марии Терезы, выполненный в 1932 году. Этот холст был закончен всего за один день. Эта картина рассматривается как одно из великих достижений Пикассо в междувоенный период. Картина создает иллюзии и считается довольно эротической.

1. Плачущая женщина


Картина, выполненная масляными красками «Плачущая женщина», написана в 1937 году. Считается, что картина продолжает тему трагедии в след за картиной «Герника». Нарисовав плачущую женщину, Пикассо целенаправленно сфокусировал внимание на человеческой составляющей страданий и создал единый образ вселенской трагедии. Это последняя работа Пикассо в серии работ, нарисованных в знак протеста. Позировала для картины (как и для целой серии других картин) Дора Маар, которая сама работала профессиональным художником.

Без сомнений Пикассо демонстрировал неординарные художественные способности с ранних лет! Один из создателей кубизма, он был поразительно плодовитым художником, который не только получил всемирную известность и богатство, благодаря потрясающим произведениям искусства, но и стал самым знаменитым деятелем искусства XX века.

Рекомендуем посмотреть:

Если вам не терпится осуществить свою мечту — научиться рисовать — то данная серия видеоуроков — то, что нужно для первого шага.

Пабло Пикассо — Стиль и техника

НОВАТОРСКАЯ ПЕРСПЕКТИВА

В начале XX века Пикассо совершил революционный переворот в искусстве. Он неутомимо искал новые формы для передачи своего уникального эмоционального видения. Впрочем, для него результат всегда был гораздо важнее самого поиска. Как любил повторять художник: «Я не ищу, я нахожу».

Пабло Пикассо на редкость разносторонен и плодовит. Он сделал себе имя, прежде всего, как живописец, однако был при этом изобретательным скульптором, талантливым театральным художником, отличным рисовальщиком, мастером офорта и керамики. Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20000 работ.

Пикассо работал с феноменальной скорость. По собственному признанию, в первые годы своей жизни в Париже он мог писать до трёх картин в день. Впечатляющий пример — «Гернику», ширина которой составляет почти восемь метров, — он создал всего за шесть недель.

Мозайка стилей

Пикассо оставил после себя гигантское наследие — около 20000 работ, исполненных в самой разной стилистической манере. Хотя карьеру Пикассо принято делить на отдельные фазы, его мысль и рука творили с такой быстротой, что художник в своём стремлении к новому как бы обгонял самого себя. Он говорил: «Несколько стилей, используемых мною в работе, не следует рассматривать как эволюцию или как поиск идеала. Когда я хочу что-то выразить, я делаю это, не задумываясь ни о прошлом, ни о будущем…».

И в самом деле, Пикассо с завидной лёгкость переключался с почти абстрактных, искажённых образов на реалистический рисунок, в котором не уступал лучшим рисовальщикам XIX века.

Источник вдохновения

Пикассо внимательно изучил множество художественных систем. Иногда работы других художников оказывали влияние на его собственный стиль. Так, в ранней картине «Авиньонские девицы» можно найти отголосок «Трёх купальщиц» Сезанна. Другим источником вдохновения, оказавшим огромное влияние на Пикассо, стали предметы, показанные на парижской выставке примитивного искусства народов Африки и Океании в 1907 году. Пикассо признавался, что эту выставку воспринял как откровение. Особенно потрясли его искажённые пропорции фигур и двумерное изображение лиц — как на этой ритуальной маске из Центральной Африки.

Работа для театра

В 1916 году Жан Кокто пригласил Пикассо для оформления балета «Парад», поставленного на музыку Эрика Сати русским балетмейстером Сергеем Дягилевым. Дягилев страстно верил в то, что балет должен быть синтетическим и объединять в себе все формы искусства. Для «Парада» Пикассо создал опускающийся занавес и костюмы персонажей, которые назывались в балете «Управляющими». Костюм Американского Управляющего представлял собой небоскрёб, изображённый в неоклассическом стиле.

Рождение кубизма

Ещё одна цитата из Пикассо: «Я рисую предмет так, как представляю его, а не так как вижу». В этой фразе выражена вся суть кубизма, созданного Пикассо в сотрудничестве с Жоржем Браком. Мировую славу принёс Пикассо именно кубизм, оказавший огромное влияние на развитие всего искусства XX века. Известный историк искусства Джон Голдинг писал, что «кубизм, совершивший полный и радикальный переворот в живописи, вероятно, самое важное и значительное явление в искусстве со времён Ренессанса».

Само название этого направления появилось случайно. Это слово впервые произнёс критик, написавший в насмешку, что на своих картинах Брак всё уменьшает до «маленьких кубиков».

Пикассо и Брак приняли этот термин, несмотря на то, что предметы на картинах художников-кубистов разложены не на кубы, а скорее на грани. Самым революционным в кубизме стал отказ от традиционного для европейской живописи изображения объектов в одном ракурсе. Теперь для изображения предмета одновременно использовались разные точки зрения. В результате художник показывал, из чего состоит предмет, а не то, как он выглядит «здесь и сейчас».

Последователи Пикассо и Брака научились разлагать предмет на формы и перемещать их таким образом, что их картины были не раскрытым в мир окном, а плоскостью, выражающей восприятие предмета художником.

Темы и вариации

Брак и Пикассо придумали новое направление в живописи не за одну ночь. Идея кубизма постепенно вызревала с 1907 по 1914 год (с началом войны Брака мобилизовали в армию). Наиболее тесным их сотрудничество было в период между 1910 и 1912 годами. В это время работы Брака и Пикассо были настолько похожими, что даже специалисты затруднялись порой сказать, кому из них принадлежит то или иное полотно.

Раннюю стадию кубизма (вплость до 1911 года) часто называют аналитическим кубизмом. Брак и Пикассо анализировали формы предметов, а затем переносили их на холст. Поздняя стадия кубизма носит название синтетического кубизма. Художники «синтезировали» картины, часто используя при этом готовые материалы. Мысль о том, что картину можно сделать из любого материала, включая ткань, кусочки металла или дерева, была для того времени по-настоящему новаторской.

Неоклассицизм

После Первой мировой войны Пикассо большую часть времени работал на юге Франции. Это был период неоклассицизма, предполагавшего изображение массивных, скульптурно вылепленных тел. Художник мог при этом испытывать влияние средиземноморской культуры (в 1917 году Пикассо осматривал фрески Помпеи) и, как полагают некоторые критики, Энгра, великого мастера точной линии. Картина «Бег» позже была воспроизведена на опускающемся занавесе, созданном Пикассо для Дягилевского балет «Голубой экспресс».

Примитивизм

Свободное владение различными стилями письма прекрасно иллюстрирует картина «Игра в мяч» 1928 г. Спустя шесть лет после «Бега» Пикассо вновь изображает крупные фигуры на фоне морского ландшафта, но теперь классические пропорции и изысканные формы заменены примитивными «детскими» фигурами. Цвет реформирован по тому же принципу. Эта картина лишь одно из многих, похожих по манере, полотен, написанных Пикассо в 1928 и 1929 годах, когда его семья проводила отпуск на нормандском побережье Франции.

Пикассо неоднократно говорил, как он восхищается примитивным искусством и рисунками детей. Однажды он сказал: «Когда я был в их возрасте, я умел рисовать как Рафаэль. Мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они».

Кубистический переворот

Написанный в 1912 году «Натюрморт с плетёным стулом» был первой картиной, относящейся к синтетическому кубизму. Синтетический кубизм предполагает использование реальных, а не нарисованных художником, элементов — например, обычной газеты. Это картина с двойным сюрпризом, поскольку ненастоящим тут является как раз плетёный стул — его рисунок отпечатан на клеёнке. Если на аналитической стадии своего развития кубизм сам по себе был радикальным новшеством, то на синтетической он стал ещё более дерзким. Со времён Ренессанса европейские художники писали то, что они видят. Никому из них не приходило в голову разложить предмет на внешние элементы и композиционно объединить их. Пикассо и Брак пошли именно по этому пути, взорвав традиционные представления.

Синтетический кубизм позволил художникам-бунтарям использовать более яркие краски. Прежде они были скованы рамками аналитического кубизма, в котором ключевой была форма (а не цвет). Теперь, помимо доминировавших до этого серых и коричневых тонов, в палитре кубистов добавились живые цвета. Аналитический кубизм эксплуатировал довольной узкий круг тем, в основном ограничиваясь жизнью кафе. Выходы за эти рамки были редки. Примером такого выхода служат портреты, созданные Пикассо, — например, портрет торговца произведениями искусства Амбруаза Воллара.

При создании кубистических картин Брак и Пикассо обычно ограничивались узким кругом тем и жанров (среди последних они предпочитали натюрморт). По большей части, художники изображали простые «вневременные» предметы и формы, чтобы зритель яснее представил, из каких форм состоит хорошо знакомый ему предмет и как можно переставлять эти формы.

Пикассо-кубист очень много работал с человеческим телом, хотя иногда в кубистической манере писал и портреты. Он обладал острым взглядом и умел создавать впечатляющие образы. Позже художник неоднократно обращался к мифологическим сюжетам. Особенно его привлекали мифы о минотавре, который был наполовину мужчиной и наполовину быком.

Гравюра

За свою жизнь Пикассо создал более 2000 гравюр. Многие из них вошли в так называемую «Сюиту Воллара» (1930-е годы) — в частности, «Минотавр, обнажающий женщину». Помимо этого, Пикассо занимался литографией и линогравюрой. Гравюры Пикассо различаются по настроению и стилю — от изысканных ранних гравюр до поздних гравюр, исполненных в дерзкой манере. Линолеум позволяет получать большие четкие изображения, так как вырезать рисунок на его поверхности гораздо легче, чем на дереве или металле. Этим объясняется привязанность Пикассо к этой технике — в ней он создал целый ряд плакатов, изобретя при этом способ наносить несколько цветов с одного и того же клише.

Пикассо и политика

«Герника» стала выражением протеста против бушевавшей в Испании гражданской войны. Пикассо был потрясён событиями Второй мировой войны — это одна из причин его вступления в 1944 году во Французскую коммунистическую партию. В послевоенный период художник написал немало картин с явной политической окраской. Фреска «Мир» (1952 г.) — одна из них.

Формы и чувства

Пикассо не слишком доверял теориям и говорил: «Когда мы любим женщину, мы не начинаем измерять её конечности. Мы любим её нашими чувствами». Он стремился как можно живее и непосредственнее передать свои эмоции. Приём искажения человеческой фигуры всегда работал на решение именно этой задачи.

Характерным для художественной системы Пикассо было разложение на части человеческого тела. Перемещение в пространстве глаз, ушей, рта и носа позволяло художнику острее и адекватнее передать свои ощущения.

Многие работы Пикассо автобиографичны, и, в первую очередь, это относится к портретам женщин, которых любил художник. Некоторые из этих образов откровенно эротичны. За это Пикассо и хвалили, и осуждали. Некоторые поздние женские образы Пикассо отличаются грубой агрессивностью, однако другие написаны с удивительной нежностью.

Методы работы

Парадоксально, но Пикассо-новатор в художественной технике часто бывал довольно консервативен. Он любил писать маслом по холсту, иногда предпочитая дерево или картон. Для небольших картин использовал бумагу и акварель. Впрочем, Пикассо, не задумываясь, отвергал традиционные методы, если они становились для него веригами. Особенно это касается кубистических картин. Чтобы создать фактурную поверхность, он смело смешивал краску с песком или опилками. Свои картины художник чаще всего писал на столе, а не на мольберте, и обыкновенно работал по ночам, при электрическом освещении, находя это освещение более «восхитительным», чем солнечный свет. Большинство картин Пикассо не поражают внушительными размерами; «Гернику» можно назвать исключением. Рисунки Пикассо, как правило, представляют собой самостоятельные работы, хотя для самых значительных своих картин он делал ряд предварительных набросков.

Мнения критиков о последнем этапе творчества Пикассо неоднозначны. Некоторые склонны считать, что после окончания Второй мировой войны Пикассо не создал ничего значительного. Другие полагают, что он оставался выдающимся мастером до самой смерти. Его поздние работы отличаются богатством красок и свободой письма. Ряд специалистов называют позднего Пикассо предтечей неоэкспрессионизма — направления, ставшего доминирующим в авангардном искусстве 1980-х годов.

Не только живопись

В своём неустанном стремлении расширить рамки искусства Пикассо обращался к скульптуре и керамике. Его работы и здесь по-настоящему революционны.

Согласно традиционным представлениям о скульптуре, она могла быть либо высечена из твёрдого материала (камень, мрамор и т.д.), либо вылеплена из мягкого материала (вроде глины). С 1912 гола Пикассо начал «собирать» свои скульптуры из самых разных материалов. Так, «Женская голова» (1931 г.) сделана из предметов кухонной утвари, а голова обезьянки («Обезьяна с малышом», 1952 г.) — из игрушечной машинки.

Позже Пикассо увлёкся керамикой и обнаружил, что трёхмерные керамические предметы имеют двумерные, пригодные для рисования, плоскости. Он очень любил работать с материалом, позволявшим ему создавать сложные формы, какой является, например, ваза в виде птицы с раскрытыми крыльями-руками и нарисованными на груди лицами.

Пабло Пикассо: картины с изображением любимых женщин

Всем известен Пабло Пикассо — гениальный художник, но мало кто знает его со стороны, которой он поворачивался к женщинам. Его можно смело назвать разрушителем — почти все, кого он любил, сходили с ума или кончали с собой. Он говорил, что женщины продлевают жизнь, и если увлекался кем-то, то создавал целую серию работ. Ровно 45 лет назад в возрасте 91 года Пикассо ушел из жизни — предлагаем вспомнить семь муз художника.

Фернанда Оливье

Натурщицу Фернанду Оливье — первую большую любовь — Пикассо встретил в Париже в 1904 году. Именно с появления Фернанды мрачная живопись Пикассо приобрела краски. Они были молоды, быстро сблизились и прошли вместе через нищету и безызвестность первого десятилетия художника в Париже. Когда его картины стали покупать, их отношения уже были на исходе. Пикассо без сожаления порывал с бывшими возлюбленными: так получилось и с Фернандой, когда художник встретил Марсель Умбер, ставшей его привязанностью на трехлетний период кубизма. Портрет Фернанды «Женщина с грушами» — один из первых опытов в период раннего кубизма.

Ольга Хохлова

Балерину Ольгу Хохлову — первую жену и мать первого ребенка — Пикассо встретил в Италии в 1917 во время работы над «Русскими сезонами». Дягилев предупреждал Пикассо, что с русскими женщинами не шутят, на них женятся. Ольга Хохлова не просто стала женой Пикассо — он венчался с ней по православному обряду. Расставшись после 17 лет противоречивой семейной жизни, они так и не развелись — Пикассо не хотел делить имущество поровну, что требовалось по условиям брачного договора.

Охлаждение к жене пришло вместе с охлаждением к буржуазной жизни, которую так любила Хохлова. Натянутые отношения нашли отражение в картинах — если в начале их любовной истории портреты Ольги реалистичны, то ко времени распада брака Пикассо пишет ее только в стилистике сюрреализма. «Женщина в шляпе» создана в 1935-м — в год, когда Ольга узнала, что у Пикассо ребенок от любовницы Марии-Терезы Вальтер. Она хоть и ушла сама, но долгие годы преследовала Пикассо — ее смерть в 1955 году принесла художнику лишь облегчение.

Мария-Тереза Вальтер

Мария-Тереза Вальтер появилась в жизни Пикассо в 1927 году. Ей было всего 17, ему уже 45. До встречи с художником она даже не слышала его имени. В 1935-м Вальтер родила ему дочку Майю, которую он продолжал навещать даже после расставания с ее матерью. Мария-Тереза долгие годы писала бывшему возлюбленному нежные письма, которые тот зачитывал новым подругам. Она покончила с собой через четыре года после смерти Пикассо. Обычно художник изображал ее блондинкой с короткой стрижкой, но на портрете 1937 года появляются яркий макияж и накрашенные ногти — знак того, что у Пикассо роман с Дорой Маар.

Дора Маар

Дора Маар — та самая «плачущая женщина» Пикассо. Этот сюжет отражает не только восприятие художником характера этой женщины, но и предвоенные настроения в Европе. На момент их знакомства в 1935 году Дора была уже сама сформировавшимся художником и фотографом — их отношения носили скорее интеллектуальный характер, чем романтический. Разрыв с Пикассо после девятилетнего романа довел Дору до психиатрической клиники, а последние годы она вела затворническую жизнь. Перед вами — одна из самых известных картин из серии «плачущих женщин».

Франсуаза Жило

Франсуаза Жило — единственная женщина, которой удалось выйти сухой из воды после десятилетнего романа с Пикассо. Художник познакомился с годившейся ему во внучки Франсуазой в ресторане в 1943 году — она была прекрасной собеседницей и со временем Пикассо стал нуждаться в ней. Франсуаза родила ему двоих детей, сына Клода и дочь Палому, а в 1953-м вместе с ними ушла, став единственной женщиной, которой удалось выйти из-под влияния Пикассо без психологических проблем — она состоялась как художник, дважды вышла замуж, написала книгу о Пикассо, которая легла в основу фильма «Прожить жизнь с Пикассо» с Энтони Хопкинсом в главной роли. Образ «женщины-цветка» появился весной 1946-го, когда художник наконец-то уговорил Франсуазу переехать к нему.

Сильветт Давид

Сильветт Давид, с которой у Пикассо никогда не было близких отношений, стала музой художника в 1950-х — она несколько раз ему позировала в 1954-м, что вылилось в целую серию работ — их легко можно угадать по пышному хвосту светлых волос. Романа с Сильветт не случилось — девушку всегда сопровождал жених, а сама она чувствовала себя неуютно рядом со знаменитостью, но знакомство с великим художником сыграло ей на руку — Пикассо подарил ей один из портретов, и на деньги от его продажи она смогла купить жилье в Париже.

Жаклин Рок

Жаклин Рок — последняя любовь Пикассо и вторая официальная жена — стала главным персонажем его картин в последние 20 лет. На момент их знакомства в 1953 году ей было 27, ему — 73. Жаклин сносила его тяжелый характер и называла монсеньором — с ней он прожил до самой смерти. Уход Пикассо она переживала тяжело, балансируя на грани безумия, а спустя 13 лет накануне ретроспективы его работ застрелилась. «Жаклин со скрещенными руками» — один из самых известных портретов последней музы Пикассо.

Подпишитесь и станьте на шаг ближе к профессионалам мира моды.

Фото: Getty Images

150 известных картин, биографии и цитат Пикассо

Пабло Пикассо , вероятно, самая важная фигура 20-го века с точки зрения искусства и художественных движений, имевших место в этот период. До 50 лет художник испанского происхождения стал самым известным имя в современном искусстве, с ярко выраженным стилем и умением создавать художественные произведения. До Пикассо не было других художников, которые оказали бы такое влияние на мир искусства или имели столько поклонников и критиков, как он.

Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году и вырос там, прежде чем провести большую часть своей взрослой жизни, работая художником во Франции. За свою долгую карьеру он создал более 20 000 картины, рисунки, скульптуры, керамика и другие предметы, такие как костюмы и театральные декорации. Он всемирно известен как один из самых влиятельных и знаменитых художников ХХ века.

Способность Пикассо создавать работы в удивительном диапазоне стилей снискала ему уважение еще при жизни.После его смерти в 1973 году его ценность как художника и вдохновение для других художников снизились. выросли. Без сомнения, ему суждено навсегда вписаться в ткань человечества как один из величайших художников всех времен.

Как художник и новатор, он вместе с Жоржем Браком является соучредителем всего кубистского движения. Кубизм был авангардным движением, навсегда изменившим лицо европейской живописи. и скульптура, одновременно влияя на современную архитектуру, музыку и литературу.Предметы и объекты в кубизме разбиты на части и перестроены в абстрактной форме. За период Примерно с 1910-1920 годов, когда Пикассо и Брак закладывали фундамент кубизма во Франции, его влияние было настолько далеко идущим, что вдохновляло такие ответвления, как стили футуризма, дадаизма и Конструктивизм в других странах.

Пикассо также приписывают изобретение искусственной скульптуры и соавторство в изобретении стиля коллажного искусства. Он также считается одним из трех художников двадцатого века, которым приписывают определение элементов. пластических искусств.Эта революционная форма искусства привела общество к социальным достижениям в живописи, скульптуре, гравюре и керамике путем физического манипулирования материалами, которые ранее не были вырезаны или сформированы. Эти материалы были не просто пластиком, это были вещи, которые можно было каким-то образом формовать, обычно в трех измерениях. Художники использовали глину, гипс, драгоценные металлы и дерево для создания революционных скульптурных композиций. произведения искусства, которых мир никогда раньше не видел.

Каждый акт творения — это прежде всего акт разрушения.» — Пабло Пикассо

Ранние годы Пикассо

Пикассо родился в Малаге, Испания, в семье дона Хосе Руиса-и-Бласко и Марии Пикассо-и-Лопес. Его крещеное имя намного длиннее, чем имя Пабло Пикассо, и по традиционным андалузским обычаям в честь нескольких святых и родные. Его отец был художником и профессором искусства, и рисунок сына произвел на него впечатление с раннего возраста. Его мать однажды сказала, что его первыми словами было попросить карандаш.В возрасте семь Пикассо начинает получать формальное образование у своего отца. Из-за своего традиционного академического образования Руиз считал, что обучение состоит из копирования шедевров и рисования человеческих форм с живых изображений. фигурные модели и гипсовые слепки.

В 1891 году в возрасте десяти лет семья переехала в Ла-Корунья, где Школа изящных искусств наняла Руиса профессором. Они провели там четыре года, где Руиз почувствовал, что его сын превзошел его как художника в возрасте 13 лет. и, как сообщается, поклялся бросить рисовать.Хотя картины Руиса, кажется, все еще создавались годами позже, отец Пикассо определенно чувствовал себя униженным природными навыками и техникой своего сына.

Пикассо и его семья были в ужасе, когда его семилетняя сестра умерла от дифтерии в 1895 году. Они переехали в Барселону, и Руис начал работать в Школе изящных искусств. Он убедил тамошних чиновников позволил своему сыну сдать вступительный экзамен в продвинутый класс, и Пикассо был принят в возрасте всего 13 лет. В возрасте 16 лет его отправили в лучшую художественную школу Испании в Мадриде, Королевскую академию Сан-Фернандо.Пикассо не понравились формальные инструкции, и он решил прекратить посещать занятия вскоре после прибытия. Он заполнял свои дни в мадридском Прадо, где выставлялись такие картины, как Франсиско Гойя и Эль Греко.

Объем работ, созданных Пикассо на протяжении всей своей жизни, огромен и охватывает период от раннего детства до его смерти, создавая более исчерпывающий отчет о его развитии, чем, возможно, любой другой. художник. При изучении записей его ранних работ, как говорят, произошел сдвиг, когда детское качество его рисунков исчезло, что стало официальным началом его карьеры.Эта дата Говорят, что это был 1894 год, когда Пикассо было всего 13 лет. В 14 лет он написал «Портрет тети Пепы», поразительное изображение, которое называют одним из лучших портретов. в истории Испании. А в 16 лет Пикассо создал отмеченную наградами книгу «Наука и благотворительность».

Его техника реализма, столь укоренившаяся в его отце и его детских исследованиях, эволюционировала с его знакомством с символистскими влияниями. Это побудило Пикассо разработать свой собственный взгляд на модернизм, а затем сделать свой первая поездка в Париж, Франция.Поэт Макс Жакоб, друг из Парижа, учил Пикассо французскому языку. Они делили квартиру, где они познали истинное значение того, что значит быть «голодающим художником». Они были холодно и в нищете, сжигая собственное дело, чтобы согреть квартиру.

Пикассо большую часть своей взрослой трудовой жизни провел во Франции. Его работы были примерно разделены на периоды времени, в течение которых он полностью раскрыл сложные темы и чувства, чтобы создать объединяющее план работ.

Голубой период (1901-1904)

Мрачный период, в течение которого Пикассо лично испытал бедность и ее влияние на окружающее его общество, характеризуется картинами, по сути, монохромными картинами в оттенках синего и синего. сине-зеленый, лишь изредка согреваемый другими цветами. Работы Пикассо этого периода изображают недоедание, проституцию и посмертные портреты друга Карлоса Касагемаса после его самоубийства. завершается мрачной аллегорической картиной La Vie.La Vie (1903) изобразил душевные муки своего друга перед лицом любовника, которого он пытался убить.

Период Розы (1904-1906)

Подходя к названию, как только Пикассо, казалось, нашел небольшую долю успеха и преодолел часть своей депрессии, у него был более веселый период с оранжевыми и розовыми оттенками и игривыми миры циркачей и арлекинов. Пикассо познакомился с богемной художницей по имени Фернанда Оливье, которая стала его возлюбленной. Впоследствии она появилась во многих из этих более оптимистичных картин.

Американские коллекционеры произведений искусства Лео и Гертруда Стайн стали большими поклонниками Пикассо. Они не только стали его главными покровителями, Гертруда также была изображена в его Портрет Гертруды Стайн, один из самых известных его портретов.

Искусство — это ложь, которая заставляет нас осознать истину », — Пабло Пикассо

Влияние Африки (1907-1909)

Для Пикассо поворотным моментом стала ретроспектива Поля Сезанна, состоявшаяся в Осеннем салоне через год после смерти художника в 1906 году.Хотя раньше он был знаком с Сезанном, только на ретроспективе Пикассо испытал на себе все влияние его художественных достижений. В работах Сезанна Пикассо нашел модель того, как выделить существенное. с натуры, чтобы получить связную поверхность, которая выражает уникальное видение художника. Примерно в то же время эстетика традиционной африканской скульптуры стала оказывать сильное влияние на европейские народы. художники. Во Франции Анри Матисс, Пабло Пикассо и их друзья из Парижской школы начинают смешивать высоко стилизованную обработку человеческой фигуры в африканских скульптурах. со стилями живописи, заимствованными из постимпрессионистских работ Сезанна и Гогена.

«Авиньонские девицы» были первым шедевром Пикассо. На картине изображены пять обнаженных женщин с фигурами, состоящими из плоских, расколотых плоскостей, и лицами, вдохновленными иберийским. скульптура и африканские маски. Сжатое пространство, в котором обитают фигуры, кажется, выступает вперед зубчатыми осколками; Яростно заостренный ломтик дыни в натюрморте с фруктами внизу композиции качается на невозможно перевернутой столешнице. В этой картине Пикассо радикально отходит от традиционной европейской живописи, адаптируя примитивизм и отказываясь от перспективы в пользу квартиры. двухмерная картинная плоскость.

Когда впервые появился Les Demoiselles d’Avignon , мир искусства словно рухнул. Полностью отказались от известной формы и представительства. За это ее назвали самой новаторской картиной в современном искусстве. история. Благодаря новым стратегиям, примененным в картине, Пикассо внезапно обрел свободу выражения вдали от современных и классических французских влияний и смог проложить свой собственный путь. Формальные идеи развиты этот период ведет непосредственно к следующему периоду кубизма.

Другие видели, что есть, и спрашивали, почему. Я видел, что могло быть, и спросил, почему бы и нет ».
— Пабло Пикассо

Кубизм (1909-1919)

Это было слияние влияний — от Поля Сезанна и Винсента Ван Гога до архаического и племенного искусства, — которое побудило Пикассо придать своим фигурам больше веса и структуры. примерно в 1907 году. И они в конечном итоге направили его на путь кубизма, в котором он деконструировал условности перспективы, которые доминировали в искусстве Возрождения.В этот период стиль, разработанный Жоржем Браком и Пикассо, использовал в основном нейтральные цвета и основывался на том, что они «разбирают» объекты и «анализируют их» с точки зрения их формы. Кубизм, особенно вторая форма, известная как синтетический кубизм, сыграла большую роль в развитии западного мира искусства. Работы этой фазы подчеркивают комбинацию или синтез форм в картине. цвет очень важно в форме предметов, потому что они становятся больше и декоративнее.Неокрашенные предметы, такие как газеты или табачные обертки, часто наклеиваются на холст в сочетании с окрашенными участками — включение большого количества посторонних материалов особенно связано с новой техникой коллажа Пикассо. Эта техника коллажа подчеркивает различия в фактуре и ставит вопрос о том, что есть реальность и что такое иллюзия в живописи. Используя цвет, форму и геометрические фигуры, а также свой уникальный подход к изображению изображений, Пикассо изменил направление искусства для будущих поколений.

Неоклассицизм, сюрреализм и скульптура

Обладая непревзойденным мастерством и мастерством, Пикассо совершил свою первую поездку в Италию в 1917 году и сразу же начал период поклонения неоклассическому стилю. Отказ от крайнего модернизма он рисовал и раскрашивал работы, напоминающие Рафаэля и Энгра. Это была всего лишь прелюдия перед тем, как Пикассо, казалось бы, без особых усилий начал объединять свои модернистские концепции со своим мастерством в сюрреалистические. такие шедевры, как «Герника» (1937), безумное и мастерское сочетание стиля, воплощающего отчаяние войны. Герника считается самой мощной антивоенной утверждение современного искусства. Это было сделано, чтобы продемонстрировать поддержку Пикассо прекращению войны и осуждение фашизма в целом. С самого начала Пикассо предпочитает не изображать ужас Герники в реалистическом стиле. или романтические отношения. Ключевые фигуры — женщина с распростертыми руками, бык, агонизирующий конь — уточняются в эскизе за эскизом, затем переносятся на вместительное полотно, которое он также несколько раз переделывает.Темный Цветная и монохромная тема использовалась для изображения тяжелых времен и страданий, которые были перенесены. Герника бросает вызов представлениям о войне как о героическом и разоблачает ее как жестокий акт самоуничтожения. Работы были не только практическим отчетом или живописью, но и оставались очень мощной политической картиной в современном искусстве, с которой конкурировали несколько фресковых картин мексиканского художника. Диего Ривера.

Последние годы

Последние работы Пикассо представляли собой смесь многих стилей, которые он использовал на протяжении всей своей жизни.Он осмелился сделать скульптуры крупнее, а свои картины — более выразительными и красочными. Ближе к концу карьеры Пикассо любил изучать классические произведения, которые повлияли на его развитие на протяжении многих лет, и создал несколько серий вариаций картин старых мастеров, в том числе Рембрандта, Диего Веласкес и Эдуард Мане, основоположник современных традиций. Некоторые из его наиболее заметных работ, в том числе «Резня в Корее». после Гойи, «Менины» после Веласкеса и «Завтрак на траве» после Мане.Многие из эти произведения по-прежнему имеют влияние в мире искусства; и, фактически, благодаря видению и особому творческому стилю, они по-прежнему являются одними из самых инновационных произведений, представленных в мире искусства, даже в последние годы. Множество картин, написанных Пикассо в последние годы его жизни, теперь широко признаны началом движения неоэкспрессионизма.

Влияние Пабло Пикассо

Когда Пикассо умер в возрасте 91 года в апреле 1973 года, он стал одним из самых известных и успешных художников за всю историю.Леонардо да Винчи ХХ века, истинное величие Пикассо и значение заключается в его двойной роли одновременно революционера и традиционалиста. Он был уникальным в 20 веке, с одной стороны, он был способен на радикальные инновации, а с другой — на продолжение традиционных линий. Так, в «Авиньонских девицах» он победил репрезентативную картину, а в «Гернике» возродил жанр исторической живописи в новой форме. Он также несомненно самый плодовитый гений в истории искусства.Его карьера охватила более 78 лет, в течение которых он создал: 13 500 картин, 100 000 гравюр и гравюр и 34 000 иллюстраций. Пикассо считался и остается фокусник писателей и критиков, метафора, которая улавливает как художника, способного трансформировать все вокруг себя одним прикосновением, так и человека, который также может трансформировать себя, ускользать от нас, очаровывать и гипнотизировать.

Как Уильям Шекспир по литературе и Зигмунд Фрейд по психологии, влияние Пикассо на искусство огромно.Никто не достиг такой степени широко известной или продемонстрировал такую ​​невероятную многогранность, как Пабло Пикассо в истории искусства. Свободный дух Пикассо, его эксцентричный стиль и его полное игнорирование того, что другие думают о его работах и творческий стиль, сделал его катализатором для художников. Теперь известный как отец современного искусства, оригинальность Пикассо затронула всех крупных художников и художественных течений, последовавших за ним. Даже на сегодняшний день его жизнь и труды продолжают привлекать бесчисленные научные интерпретации и привлекать тысячи последователей по всему миру.

Картины Пабло Пикассо

Портрет тети Пепы — Пабло Пикассо
Наука и благотворительность — Пабло Пикассо
Автопортрет — Пабло Пикассо
Смерть Касагемаса — Пабло Пикассо
Большая купальщица — Пабло Пикассо
Голова женщины — Пабло Пикассо
Художник и модель — Пабло Пикассо
Аккордеонист — Пабло Пикассо
Автопортрет — Пабло Пикассо
Acrobat — Пабло Пикассо
Художник и его модель — автор: Пабло Пикассо
Спящий — Пабло Пикассо
Авиньон — Пабло Пикассо
Купальщица с пляжным мячом — Пабло Пикассо
Купальщицы — Пабло Пикассо
Голубая обнаженная — Пабло Пикассо
Мальчик ведет лошадь — автор: Пабло Пикассо
Жаклин на коленях — Пабло Пикассо
Гарсон а ля трубка — Пабло Пикассо
Хлеб и фрукты Блюдо на столе — Пабло Пикассо
Бой быков — Пабло Пикассо
Коррида 3 — Пабло Пикассо
Сцена боя быков — Пабло Пикассо
Кот ловит птицу — автор: Пабло Пикассо
Селестина — Пабло Пикассо
Ребенок с голубем — Пабло Пикассо
Распятие — Пабло Пикассо
Дон Кихот — Пабло Пикассо
Дора Маар Au Chat — Пабло Пикассо
Семья Салтимбанков — Пабло Пикассо
Femme Aux Bras Croises — Пабло Пикассо
Фигуры на берегу моря — Пабло Пикассо
Девушка перед зеркалом — автор: Пабло Пикассо
Девушка в сорочке — Пабло Пикассо
Герника — Пабло Пикассо
Арлекин со стеклом — автор: Пабло Пикассо
Арлекин — Пабло Пикассо
Joie De Vivre — Пабло Пикассо
La Lecture — Пабло Пикассо
La Vie — Пабло Пикассо
Les Noces de Pierrette — Пабло Пикассо
Обед на траве — автор: Пабло Пикассо
Ма Джоли — Пабло Пикассо
Человек с трубкой — Пабло Пикассо
Резня в Корее — Пабло Пикассо
Материнство — Пабло Пикассо
Майя с куклой — Пабло Пикассо
Средиземноморский пейзаж — Пабло Пикассо
Минотавромахия — Пабло Пикассо
Мать и дитя 1921 — автор Пабло Пикассо
Мать и дитя — Пабло Пикассо
Ночная рыбалка в Антиб — Пабло Пикассо
Обнаженные зеленые листья и Бюст — Пабло Пикассо
Обнаженная в черной руке Стул — Пабло Пикассо
Ольга в кресле — автор: Пабло Пикассо
Художник и его модель — автор: Пабло Пикассо
Пол в костюме клоуна — автор: Пабло Пикассо
Портрет Амбруаз Воллар — Пабло Пикассо
Портрет Доры Маар 1941 — Пабло Пикассо
Портрет Доры Маар — автор: Пабло Пикассо
Портрет Гертруды Штейн — Пабло Пикассо
Портрет Сабарта — автор Пабло Пикассо
Чтение — Пабло Пикассо
Лежащая обнаженная — Пабло Пикассо
Сидящая купальщица — Пабло Пикассо
Сидящая обнаженная — Пабло Пикассо
Сидящая женщина 1938 — Пабло Пикассо
Сидящая женщина — Пабло Пикассо
Автопортрет с Палитра — Пабло Пикассо
Спящие крестьяне — Пабло Пикассо
Натюрморт с кувшином и яблоками — Пабло Пикассо
Сильветта — Пабло Пикассо
Tete Dune Femme Lisant — Пабло Пикассо
Сон — Пабло Пикассо
Поцелуй — Пабло Пикассо
Кухня — Пабло Пикассо
Старый гитарист — Пабло Пикассо
Сковорода — Пабло Пикассо
Похищение Сабинянки — Пабло Пикассо
Жаровня — Пабло Пикассо
Плачущая женщина — Пабло Пикассо
Три танцовщицы — Пабло Пикассо
Три музыканта — Пабло Пикассо
Три женщины в Весна — Пабло Пикассо
Две сестры — Пабло Пикассо
Крестьянский пир, 1917 — Пабло Пикассо
Две бегущие женщины на пляже — Пабло Пикассо
Женщина в кресле — автор: Пабло Пикассо
Женщина в шляпе и мехе Воротник — Пабло Пикассо
Женщина, бросающая камень — Пабло Пикассо
Женщина с цветком — автор: Пабло Пикассо
Йо Пикассо — Пабло Пикассо
Молодой акробат на шаре — Пабло Пикассо
Скульптор — Пабло Пикассо
Минотавр с мертвой кобылой перед пещерой — Пабло Пикассо
Театральный занавес для парада — Пабло Пикассо
Умирающий бык — Пабло Пикассо
Женщина в красном кресле — Пабло Пикассо
На пляже — Пабло Пикассо
Мать и дитя — Пабло Пикассо
Суп — Пабло Пикассо
Дома на холме — Пабло Пикассо
La Rue-des-Bois — Пабло Пикассо
Танец с вуалью — Пабло Пикассо
Портрет мадам Х.П. — Пабло Пикассо
Похищение сабинянок — Пабло Пикассо
Портрет художника после Эль Греко — Пабло Пикассо
Маленький домик в саду — Пабло Пикассо
Завод в Орто-де-Эбро — Пабло Пикассо
Сидящая женщина в саду — Пабло Пикассо
Лежащая обнаженная женщина — Пабло Пикассо,
Портрет Даниэля-Генри Канвейлера — Пабло Пикассо
Женщина с сигаретой — Пабло Пикассо
Ожидание — Пабло Пикассо
Портрет Анхеля Фернандеса де Сото — Пабло Пикассо
Чаша с фруктами, скрипка и бутылка — Пабло Пикассо
Женщина в шляпе — Пабло Пикассо
Алжирские женщины — Пабло Пикассо
Графин и три чаши — Пабло Пикассо
Saltimbonques Арлекин и его спутник — Пабло Пикассо
Женщина с веером — Пабло Пикассо
Дружба — Пабло Пикассо
Купальщицы в лесу — Пабло Пикассо
Las Meninas — Пабло Пикассо
Мулен де ла Галетт — Пабло Пикассо
Голуби, Канны — Пабло Пикассо
Студия в Ла Колифорни — Пабло Пикассо
Дом Чернелей — Пабло Пикассо
Женщина с вороном — Пабло Пикассо
Сидящая обнаженная женщина — Пабло Пикассо
Две обнаженные — Пабло Пикассо
Отцовство — Пабло Пикассо
Первое причастие — Пабло Пикассо
Натюрморт с плетением стула — Пабло Пикассо
Натюрморт с компотом и стеклом — Пабло Пикассо
Молодые дамы на берегу Сены — Пабло Пикассо
Бюст мужчины в шляпе — Пабло Пикассо
Голова женщины в шляпе — Пабло Пикассо
Поцелуй — Пабло Пикассо
Мушкетер и Амор — Пабло Пикассо
Мушкетер с мечом — Пабло Пикассо
Сидящая женщина в зеленой шали — Пабло Пикассо
Мушкетер — Пабло Пикассо
Женщина с артишоком — Пабло Пикассо
Актер — Пабло Пикассо
Девушка с мандолиной — Пабло Пикассо
Обнаженная женщина в красном кресле — Пабло Пикассо
Козий череп, бутылка и свеча — Пабло Пикассо
Портрет Сильветты — Пабло Пикассо
Вакханалия — Пабло Пикассо
Женщина с собакой — Пабло Пикассо
Женщина под сосной — Пабло Пикассо
Женщина с грушами — Пабло Пикассо
Женщина укладывает волосы — Пабло Пикассо
Анхель Фернандес де Сото — Пабло Пикассо
Пейзаж Мужена, 1965 — Пабло Пикассо
Портрет Уильяма Шекспира, 1964 — Пабло Пикассо
Чикаго Пикассо, 1962-64 — Пабло Пикассо
Голова женщины, Фернанда, 1909 — Пабло Пикассо
Студия, 1928 — Пабло Пикассо
По Рембрандту: Ecce Homo, 1970 — Пабло Пикассо
Le Baiser — Пабло Пикассо
Автопортрет, 1896 — Пабло Пикассо
Мушкетер — Пабло Пикассо

Пабло Пикассо Биография

Пабло Пикассо оказал значительное влияние на искусство 20-го века. Он был художником-новатором, который экспериментировал и вводил новшества в течение своих 92 с лишним лет на Земле.Он был не только мастером живописи, но и скульптором, гравером, керамист, офорт, писатель. Его работы созрели от натурализма его детства через кубизм, сюрреализм и другие, формируя направление современного искусства на протяжении десятилетий. Пикассо пережил две Мировые войны, произвел на свет четверых детей, снялся в фильмах и написал стихи. Он умер в 1973 году.

Ранние годы: 1881-1900

Хотя Пикассо большую часть своей взрослой жизни прожил во Франции, по рождению он был испанцем.Родом из города Малага в Андалусии, Испания, он был первенцем Дона Хосе Руиса-и-Бласко и Марии Пикассо-и-Лопес. Он был воспитан как католик, но в более поздней жизни объявил себя атеистом.

Отец Пабло Пикассо был самостоятельным художником, зарабатывая на жизнь рисованием птиц и других диких животных. Он также вел уроки изобразительного искусства и курировал местный музей. Дон Хосе Руис-и-Бласко начал обучать сына рисовал и рисовал маслом, когда мальчику было семь, и он обнаружил, что молодой Пабло был способным учеником.

Пикассо учился в Школе изящных искусств в Барселоне, где преподавал его отец, в 13 лет. В 1897 году Пикассо начал учебу в мадридской Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, которая была высшим произведением искусства Испании. академия в то время. Пикассо присутствовал лишь ненадолго, предпочитая бродить по художественным выставкам в Прадо, изучая картины Рембрандта, Эль Греко, Франсиско Гойя и Диего Велакес.

В этот зарождающийся период жизни Пикассо он писал портреты, такие как Первое причастие своей сестры Лолы.К концу XIX века элементы символизма и его собственные интерпретация модернизма стала проявляться в его стилизованных пейзажах.

Средние годы: 1900-1940

В 1900 году Пикассо впервые отправился в Париж, центр европейской художественной сцены. Он жил в одной квартире с Максом Джейкобом, поэтом и журналистом, взявшим художника под свое крыло. Эти двое жили в крайней нищете, иногда сокращающейся. сжигать картины художника, чтобы согреться.

Вскоре Пикассо переехал в Мадрид и прожил там первую половину 1901 года. Он сотрудничал со своим другом Франсиско Асисом Солером в литературном журнале «Молодое искусство», где иллюстрировал статьи и создавал мультики с симпатией к беднякам. К моменту выхода первого номера развивающийся художник начал подписывать свои работы «Пикассо», а не свое обычное «Пабло Руис и Пикассо».

Синий период

Период искусства Пикассо, известный как Голубой период, продолжался с 1901 по 1904 год.В это время художник писал преимущественно в оттенках синего с редкими акцентами. Например, на знаменитом произведении 1903 года «Старый гитарист» изображена гитара в более теплых коричневых тонах на фоне синих оттенков. Работы Пикассо «Голубой период» часто воспринимаются как мрачные из-за их приглушенные тона.

Историки связывают Голубой период Пикассо в значительной степени с явной депрессией художника после самоубийства друга. Некоторые из повторяющихся тем Голубого периода — слепота, бедность и обнаженная женщина.

Период роз

Период роз длился с 1904 по 1906 год. Оттенки розового и розового наполнили искусство Пикассо более теплым и менее меланхоличным воздухом, чем его картины Голубого периода. Арлекины, клоуны и цирк народ — одна из повторяющихся тем в этих произведениях искусства. Он написал одну из своих самых продаваемых работ в период розового периода — «Мальчик с трубкой». Элементы примитивизма в картинах периода Розы отражают эксперименты с художественным стилем Пикассо.

Влияние Африки

В период своего африканского искусства и примитивизма с 1907 по 1909 год Пикассо создал одно из своих самых известных и противоречивых произведений — Les Damoiselles d’Avignon. Вдохновленный угловатым Африканское искусство, которое он рассматривал на выставке во Дворце Трокадеро, и африканская маска, принадлежащая Анри Матиссу, искусство Пикассо отразило эти влияния в этот период. Как ни странно, Матисс был одним из самых громких обличителей «Авиньонских девиц», когда Пикассо впервые показал ее своему ближайшему окружению.

Аналитический кубизм

С 1907 по 1912 год художник работал с другим художником Жоржем Браком над созданием начала кубистского движения в искусстве. В их картинах использована палитра землистых тонов. В произведениях изображены деконструированные объекты сложной геометрической формы.

Его семилетняя романтическая партнерша Фернанда Оливье фигурировала во многих кубистских работах художника, в том числе «Голова женщины» Фернанды (1909).Историки считают, что она также появился в «Les Demoiselles d’Avignon». Их отношения были бурными, и в 1912 году они расстались навсегда.

Синтетический кубизм

Эта эпоха жизни Пикассо продолжалась с 1912 по 1919 год. Работы Пикассо продолжали работать в духе кубизма, но художник ввел новую форму искусства — коллаж в некоторые из своих творений. Он также включил человеческую форму во многие картины кубизма, такие как «Девушка с мандолиной» (1910) и «Ма Джоли» (1911–12).Хотя ряд художников, которых он знал, покинули Париж, чтобы сражаться в Первую мировую войну Пикассо провел в своей мастерской.

К тому времени, как его отношения с Фернандой Оливье закончились, он уже влюбился в другую женщину. Он и Ева Гуэль, герой его картины 1911 года «Женщина с гитарой», были вместе до тех пор, пока она не преждевременно смерть от туберкулеза в 1915 году. Затем Пикассо вступил в недолгие отношения с Габи Депейр Леспинесс, которые длились всего год.В 1916-17 годах он ненадолго встречался с 20-летней актрисой Пакеретт и Ирен Лагут.

Вскоре после этого он встретил свою первую жену, Ольгу Хоклову, балерину из России, на которой он женился в 1918 году. Через три года у них родился сын. Хотя вскоре после этого артист и балерина расстались, Пикассо отказался предоставить Хокловой развод, поскольку это означало, что ему придется отдать ей половину своего состояния. Они оставались женатыми только по имени, пока она не умерла в 1955 году.

Неоклассицизм и сюрреализм

Период искусства Пикассо с 1919 по 1929 год характеризовался значительным изменением стиля. После его первого визита в Италию и окончания Первой мировой войны картины художника, такие как акварель Спящие крестьяне (1919) отразили восстановление порядка в искусстве, а его неоклассические работы резко контрастируют с его картинами в стиле кубизма. Однако, как французское сюрреалистическое движение набравший популярность в середине 1920-х годов, Пикассо начал воспроизводить свою склонность к примитивизму в таких сюрреалистических картинах, как «Три танцовщицы» (1925).

В 1927 году 46-летний художник познакомился с Мари-Терез Вальтер, 17-летней девушкой из Испании. У них сложились отношения, и Мария-Тереза ​​родила Пикассо дочь Майю. Они оставались парой до 1936 года, и она вдохновила художника на «Сюиту Воллара», которая состоит из 100 неоклассических офортов, выполненных в 1937 году. Пикассо познакомился с художницей и фотографом Дорой Маар в конце 30-х годов.

В 1930-х годах работы Пикассо, такие как его знаменитая «Герника», уникальное изображение гражданской войны в Испании, отражали насилие военного времени.Грозный минотавр стал центральным символ его искусства, заменяющий арлекина его ранних лет.

Спустя годы: 1940-1973

Во время Второй мировой войны Пикассо оставался в Париже под немецкой оккупацией, терпя преследования со стороны гестапо, продолжая творить искусство. Иногда он писал стихи, завершив более 300 работ в период с 1939 по 1959 год. Он также написал две пьесы: «Желание, пойманное хвостом» и «Четыре маленьких девочки».»

После освобождения Парижа в 1944 году Пикассо завязал новые отношения с гораздо более молодой студенткой-искусствоведом Франсуазой Жило. Вместе они произвели на свет сына Клода в 1947 году и дочь Палому в 1949 году. Их отношения однако был обречен, как и многие предыдущие работы Пикассо, из-за его постоянных неверностей и жестокого обращения.

Он сосредоточился на скульптуре той эпохи, участвуя в международной выставке в Художественном музее Филадельфии в 1949 году.Впоследствии он создал скульптуру по заказу. известный как Чикагский Пикассо, который он подарил городу США.

В 1961 году в возрасте 79 лет художник женился на своей второй и последней жене, 27-летней Жаклин Рок. Она оказалась одним из величайших вдохновителей его карьеры. Пикассо создал более 70 ее портретов во время последние 17 лет он был жив.

Подходя к концу жизни, художник испытал прилив творчества.Полученные в результате произведения искусства представляли собой смесь его предыдущих стилей и включали красочные картины и медные офорты. Позже искусствоведы признали истоки неоэкспрессионизма в последних произведениях Пикассо.

Влияние Пикассо на искусство

Пабло Пикассо, оказавший огромное влияние на течение искусства 20-го века, часто смешивал различные стили, чтобы создать совершенно новые интерпретации увиденного. Он был движущей силой в развитии кубизма, и он поднял коллаж до уровня изобразительного искусства.

Обладая храбростью и уверенностью в себе, не сдерживая условностей или страха остракизма, Пикассо следовал своему видению, которое привело его к новым инновациям в его ремесле. Точно так же его постоянный поиск страсти во многих Романтические связи на протяжении всей его жизни вдохновляли его на создание бесчисленных картин, скульптур и офортов. Пикассо — это не просто человек и его работа. Пикассо — всегда легенда, даже почти миф. В глазах общественности он давно был олицетворением гения в современном искусстве.Пикассо — идол, одно из тех редких существ, которые действуют как тигли, в которых сосредоточены разнообразные и часто хаотические явления культуры, которые, кажется, воплощают художественную жизнь своего возраст в одном человеке.

Поль Сезанн и Пабло Пикассо

Основополагающим моментом для Пикассо стала ретроспектива Поля Сезанна, состоявшаяся в Осеннем салоне через год после смерти художника в 1906 году. Хотя он раньше был знаком с Сезанном, она только на ретроспективе Пикассо полностью испытал влияние своих художественных достижений.Как он позже выразился: «Влияние Сезанна постепенно затопило все».

Пабло Пикассо считал Сезанна «парящей матерью», Анри Матисса — «отцом для всех нас». Неизбежно наше понимание живописи Сезанна окрашено более поздним кубизмом и абстракцией, акцентируя внимание на формальные аспекты его работы. Его сокращение видимого мира до основных, лежащих в основе форм, граненых мазков, которые, кажется, воссоздают природу через чисто живописные формы, излом и сглаживание пространства — все это их можно рассматривать как истоки современного искусства.Однако сам Поль Сезанн подчеркивал, что писал с натуры и в соответствии со своими ощущениями, стремясь реализовать «гармонию, параллельную природе».

Много лет спустя в беседе с журналистом Пикассо повторил эту точку зрения:

Важно не то, что делает художник, а то, кем он является. Сезанн никогда бы не заинтересовал меня, если бы он жил и думал, как Жак-Эмиль Бланш, даже если бы на нарисованном им яблоке было был в десять раз красивее.Наше внимание привлекает тревога Сезанна — это урок Сезанна. ”

Настаивание Сезанна на воссоздании природы в соответствии с системой основных форм было важным для интересов самого Пикассо в то время. В творчестве Сезанна Пикассо нашел модель того, как извлечь из природы существенное, чтобы достичь связной поверхности, которая выражает уникальное видение художника. Начиная с 1907 года, Пикассо начал экспериментировать с техникой Сезанна вместе с другим художником Жоржем Браком.Сезанн был постоянным пробным камнем для двоих. художников в течение этого периода сотрудничества, которое в конечном итоге привело к изобретению кубизма к 1909 году. На протяжении всей стилистической эволюции Пикассо в течение следующих семи десятилетий он продолжал заимствовать и переосмысливать творчество Сезанна. Изобразительное искусство.

Пабло Пикассо — 1167 произведений

Пабло Пикассо был самым влиятельным и влиятельным художником 1-й половины 20-го века.Связанный больше всего с новаторским кубизмом, он также изобрел коллаж и внес большой вклад в сюрреализм. Он считал себя прежде всего художником, но его скульптура оказала большое влияние, и он также исследовал такие разнообразные области, как гравюра и керамика. Наконец, он был известной харизматичной личностью, ведущей фигурой в Ecole de Paris. Его многочисленные отношения с женщинами не только просочились в его искусство, но и, возможно, направили его ход, и его поведение стало воплощением поведения современного богемного художника в народном воображении.

Пикассо отверг взгляд Матисса на первостепенную важность и роль цвета и вместо этого сосредоточился на новых живописных способах представления формы и пространства. Под влиянием новинок Сезанна, а также африканской скульптуры и древнего иберийского искусства он начал придавать своим фигурам больше структуры и деконструировать условности перспективы, которые доминировали в живописи с эпохи Возрождения. Это привело его (вместе с Жоржем Браком) к развитию совершенно нового кубистского движения, которое быстро стало передовым направлением современного искусства.В то же время сам Пикассо отказался от ярлыка «кубизм», особенно когда критики начали различать два ключевых подхода, которые он преследовал — аналитический и синтетический.

В 1920-е и 1930-е годы Пикассо принял неоклассический образный стиль. Повзрослев, он работал над собственными версиями канонических шедевров таких художников, как Пуссен, Энгр, Веласкес, Гойя, Рембрандт и Эль Греко.

Влияние Пикассо было глубоким и далеко идущим на протяжении большей части его жизни. Его работа в области новаторского кубизма установила набор изобразительных проблем, приемов и подходов, которые оставались важными вплоть до 1950-х годов.Музей современного искусства в Нью-Йорке (MoMA) был назван «домом, который построил Пабло», потому что в нем так широко представлены работы художника. Пикассо создал одни из величайших картин 20-го века, некоторые из которых достигли культового статуса («Авиньонские девицы», «Герника», «Плачущая женщина»).

Более …

Пабло Пикассо (/ pɪˈkɑːsoʊ, -ˈkæsoʊ /; испанский: [ˈpaβlo piˈkaso]; 25 октября 1881 г. — 8 апреля 1973 г.) был испанским художником, скульптором, гравером, керамистом, сценографом, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей взрослой жизни. во Франции.Считается одним из самых влиятельных художников 20-го века, он известен как соучредитель кубистского движения, изобретением искусственной скульптуры, совместным изобретением коллажа и широким разнообразием стилей, которые он помогал разрабатывать и исследовать. . Среди его самых известных работ — прото-кубистские «Авиньонские девицы» (1907) и «Герника» (1937), драматические изображения бомбардировок Герники немецкими и итальянскими военно-воздушными силами.

Пикассо в ранние годы проявил незаурядный художественный талант, рисовал в естественной манере в детстве и юности.В течение первого десятилетия 20-го века его стиль изменился, поскольку он экспериментировал с различными теориями, техниками и идеями. После 1906 года работы в стиле фовизма более старшего художника Анри Матисса побудили Пикассо исследовать более радикальные стили, положив начало плодотворному соперничеству между двумя художниками, которых впоследствии критики часто объединяли в пары как лидеров современного искусства.

Работы Пикассо часто делятся на периоды. Хотя названия многих из его более поздних периодов обсуждаются, наиболее общепринятыми периодами в его творчестве являются Голубой период (1901–1904), период роз (1904–1906), период африканских влияний (1907–1909), Аналитический кубизм (1909–1912) и синтетический кубизм (1912–1919), также называемый периодом кристаллов.Большая часть работ Пикассо конца 1910-х — начала 1920-х годов написана в неоклассическом стиле, а его работы середины 1920-х годов часто имеют черты сюрреализма. Его более поздние работы часто сочетают в себе элементы его более ранних стилей.

Исключительно плодовитый на протяжении своей долгой жизни, Пикассо добился всемирной известности и огромного состояния за свои революционные художественные достижения и стал одной из самых известных фигур в искусстве 20-го века.

Пикассо был крещен Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо, серия имен, посвященных различным святым и родственникам.Руис и Пикассо были включены в список для его отца и матери соответственно, согласно испанскому законодательству. Он родился в городе Малага в Андалузском регионе Испании, он был первым ребенком Дона Хосе Руиса и Бласко (1838–1913) и Марии Пикассо и Лопес. Его мать была итальянского происхождения с территории Генуи. Хотя Пикассо крестился как католик, позже он стал атеистом. Семья Пикассо принадлежала к среднему классу. Его отец был художником, который специализировался на натуралистических изображениях птиц и других диких животных.Большую часть своей жизни Руис был профессором искусства в Школе ремесел и хранителем местного музея. Предки Руиза были мелкими аристократами.

Пикассо с ранних лет проявлял страсть и умение рисовать. По словам его матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от lápiz, испанского слова «карандаш». С семи лет Пикассо получил формальное художественное образование у своего отца в рисовании фигур и масляной живописи. Руис был традиционным академическим художником и преподавателем, который считал, что для надлежащего обучения требуется дисциплинированное копирование мастеров и рисование человеческого тела по гипсовым слепкам и живым моделям.Его сын стал заниматься искусством в ущерб своим классным занятиям.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →


Подробнее …

Картины и скульптуры Пикассо, биография, идеи

Резюме Пабло Пикассо

Пабло Пикассо был самым влиятельным и влиятельным художником первой половины 20-го -го -го века.Связанный больше всего с новаторским кубизмом, наряду с Жоржем Браком, он также изобрел коллаж и внес большой вклад в символизм и сюрреализм. Он считал себя прежде всего художником, но его скульптура оказала большое влияние, и он также исследовал такие разнообразные области, как гравюра и керамика. Наконец, он был известной харизматичной личностью; его многочисленные отношения с женщинами не только просочились в его искусство, но и, возможно, направили его ход, и его поведение стало воплощением поведения современного богемного художника в народном воображении.

Достижения

  • Слияние влияний — от Поля Сезанна и Анри Руссо до архаического и племенного искусства — побудило Пикассо придать своим фигурам больше структуры и в конечном итоге направило его на путь кубизма, в котором он деконструировал условности перспективы, которые доминировали в живописи со времен Возрождения. Эти нововведения будут иметь далеко идущие последствия практически для всего современного искусства, революционизируя отношение к изображению формы в пространстве.
  • Погружение Пикассо в кубизм также в конечном итоге привело его к изобретению коллажа, в котором он отказался от идеи картины как окна на объекты в мире и начал воспринимать ее просто как набор знаков, использующих разные, иногда метафорические средства для обозначения этих объектов. Это тоже окажет огромное влияние на долгие десятилетия.
  • У Пикассо было эклектическое отношение к стилю, и хотя в любое время его работы обычно характеризовались одним доминирующим подходом, он часто попеременно перемещался между разными стилями — иногда даже в одном и том же произведении искусства.
  • Его встреча с сюрреализмом, хотя и не изменила полностью его работы, поощряла не только мягкие формы и нежный эротизм портретов его любовницы Марии-Терезы Вальтер, но и резко угловатые образы Герники (1937), самого известного столетия. знаменитая антивоенная картина.
  • Пикассо всегда стремился войти в историю, и некоторые из его величайших работ, такие как Les Demoiselles d’Avignon (1907), ссылаются на множество прошлых прецедентов, даже опрокидывая их.По мере взросления он только больше осознавал необходимость сохранения своего наследия, и его поздние работы характеризуются откровенным диалогом со старыми мастерами, такими как Энгр, Веласкес, Гойя и Рембрандт.

Биография Пабло Пикассо

«Я рисую предметы так, как я думаю о них, а не так, как я их вижу». Сказал Пикассо, и независимо от того, сотрудничал ли он с Браком в области кубизма или проводил время с поэтами, которыми он восхищался, или с музами, которых он любил и жаждал, он находил новые способы видеть и представлять то, что он видел.Его жизнь — это виртуальный прогресс модернизма.

Обзор движения в стиле сюрреализм | TheArtStory

«Хотя сон — очень странное явление и необъяснимая тайна, гораздо более необъяснимым является таинство и аспект, который наш разум придает определенным объектам и аспектам жизни».

1 из 17

«Сюрреализм основан на вере … во всемогущество снов, в беспристрастную игру мысли».

2 из 17

Андре Бретон — Манифест сюрреализма

«Возлюбленное воображение, в тебе больше всего мне нравится твое безжалостное качество.»

3 из 17

» Умение выглядеть — это способ изобретать. «

4 из 17

» Искусство — это роковая сеть, которая ловит эти странные моменты на крыльях, как таинственные бабочки, спасаясь от невинности и отвлекающих факторов. простых людей. «

5 из 17

» Коллаж — это благородное завоевание иррационального, соединение двух непримиримых по внешнему виду реальностей в плоскости, которая их явно не устраивает. «

6 из 17

«Все, что мы видим, скрывает другое, мы всегда хотим видеть то, что скрыто тем, что мы видим.«

7 из 17

« Искусство вызывает тайну, без которой мир не существовал бы ».

8 из 17

« Работы должны быть задуманы с огнем в душе, но выполнены с клинической прохладой ». из 17

«Природа не создает произведений искусства. Это мы и способность толкования, свойственная человеческому разуму, видим искусство ».

10 из 17

« Я бы сфотографировал идею, а не объект, сон, а не идею.«

11 из 17

« Если бы нам пришлось подчиняться постановлениям, установленным группой сюрреалистов, не было бы практически никакой сюрреалистической фотографии или даже каких-либо действительно сюрреалистических фильмов, но сюрреализм — не теорема »

12 из 17

«Сюрреализм разрушителен, но он разрушает только то, что он считает оковами, ограничивающими наше видение».

13 из 17

«Сюрреализм оказал на меня большое влияние, потому что тогда я понял, что образы в моем сознании не были безумием. .Сюрреализм для меня — это реальность. «

» [вклад заключался в их решимости] задействовать творческие и творческие силы разума в их источнике в бессознательном и, посредством увеличения самопознания, достигнутого путем противостояния людям их реальным природа, чтобы изменить общество ».

15 из 17

Саймон Уилсон, из предисловия к выставке Дали в галерее Тейт, Лондон, 1980

« Вопреки распространенным ошибочным определениям, сюрреализм не является ни эстетической доктриной, ни философской системой, ни просто литературная или художественная школа.Это неумолимый бунт против цивилизации, которая сводит все человеческие стремления к рыночным ценностям, религиозным обманам, всеобщей скуке и страданиям ».

16 из 17

Франклин Роузмонт, из Андре Бретон и Первые принципы сюрреализма

» Поставив психическую жизнь на службу революционной политике, сюрреализм публично бросил вызов авангардному модернизму, который настаивал на «искусстве ради искусства».

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *