Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Пикассо картины фото смотреть: Самые известные картины Пикассо | Пабло Пикассо

Содержание

Как Понять Картины Пикассо? Почему он так Рисовал?

Содержание Статьи

 

Вы знаете, кто такой Пабло Пикассо, можете узнать его самые известные работы, но когда видите картины художника, не можете взять в толк, в чём ценность его рисунков, и что там изображено. Как понять картины Пикассо? Сегодня мы научим вас смотреть на них по-другому.

 

«Я люблю искусство, и искусство – единственная цель моей жизни. Это приносит мне безмерную радость!»

«С детства я рисовал, как Рафаэль, но мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать, как ребенок.»

«Различные стили, которые я использовал в своем искусстве, нельзя рассматривать как эволюцию или как шаги к неизвестному идеалу живописи… Я не подчиняюсь правилам, и поэтому у меня нет стиля.»

Пикассо считается одним из самых известных и неординарных художников ХХ века. Цена его работ достигает миллионов долларов.

Этот человек оставил глубокий след в искусстве, а современники до сих пор пытаются понять его талант.

В детстве Пикассо подражал своему отцу, который был профессором рисования в Малаге. В 17 лет он безупречно овладел реализмом, чего многие художники никогда не добьются.

Но двигаясь вперед в своих работах, он посвятил себя поиску детского художественного духа, которого никогда не ощущал. Это объясняет, почему Пикассо так рисовал.

Первая реакция на картины

Три Музыканта

Чтобы понять картины Пикассо и работы других художников, важно запомнить первое впечатление от увиденного рисунка и то, какие чувства он вызывает.

Попытайтесь оценить повествование изображения со своей точки зрения и с точки зрения автора.

Отмечая используемые цвета, персонажи и предметы, а также структуру изображения, можно в целом расшифровать то, что хотел показать мастер.

Как понять картины Пикассо: содержание и контекст

Ночная Рыбалка на Антибах

Большинство работ художника – это сцены, запечатлённые в памяти. Он часто изображал жену и любовниц, виды, которые когда-то наблюдал издалека, и мир, в котором жил.

Чтобы лучше понять картины Пикассо, нужно спросить себя, кто на них изображен, где, и почему именно таким способом?

Например, в «Ночной рыбалке на Антибах» можно увидеть двух мужчин в лодке, ловящих рыбу ночью при свете газовой лампы, и двух разных женщин, ожидающих у причала.

Одна из женщин с явной грацией приветствует мужчин, а другая держит велосипед, ест мороженое и наблюдает за происходящим.

Не исключено, что женщины олицетворяют любовницу и жену Пикассо.

Такая яркая персона как Пикассо не могла не включать в свои произведения личные детали, события и даже себя.

Чтобы понять работы Пикассо, нужно задуматься над тем, что он пережил.

Возвращаясь к той же «Ночной рыбалке на Антибах» можно предположить, что за двумя мужчинами кроется образ самого художника.

Один – человек, крепко держащий острогу, но не нанёсший удара, чтобы убить рыбу.

И второй – искаженная, потерявшаяся, волнистая фигура, привязанная веревкой за ногу.

Два совершенно разных спектра и оба — части Пикассо.

Особенности картин Пикассо

Голубая Обнаженная

Будь то его знаменитый кубизм, сюрреализм, коллаж или реализм, Пикассо не следовал никакому стилю, а искал способ выразить свою идею наилучшим образом, в том стиле, который ему больше всего подходил.

Чтобы вызвать разные эмоции, он мог использовать смешение стилей в одной работе.

В той же картине «Ночная рыбалка на Антибах» рука рыбака с острогой нарисована довольно реалистично.

Но с этого момента реализм расширяется в сторону кубизма, от реального к искаженному.

Влияние прогресса и истории на странные картины Пикассо

Герника

Чтобы понять странные картины Пикассо, следует вспомнить, что в 20-м веке фотография практически вытеснила с художественного рынка не только портреты на холстах, но и самих художников.

Пикассо воспользовался этим как возможностью, предложив то, чего не мог сделать ни один фотограф.

Он сумел объединить в картинах различные точки восприятия, создавая портреты с непропорциональными чертами лиц, разбросанными по всей голове глазами, носами, ушами и т.д.

Помимо стремительного развития технического прогресса на гения оказывала давление история. Один из его шедевров «Герника» показывает, как сильно на произведения Пикассо повлияла историческая эпоха, в которой он жил.

Фреска размером 3,5 х 7,8 метра изображает ужасные страдания жертв войны.

А в дополнение к сказанному предлагаем послушать интересную лекцию о творчестве Пабло Пикассо, которая поможет вам лучше понять картины мастера, их духовное и художественное наполнение. Не пропустите видео ниже!

 

Ранний Пикассо

С 10 августа 2021 года постоянная экспозиция закрыта.
Следите за обновлениями на сайте!

Творчество одного из столпов искусства ХХ века – Пабло Пикассо – представлено в Галерее работами 1900–1910-х годов. В первых скромных композициях художник, переехавший из Барселоны в Париж, стремится выразить впечатления от повседневной жизни небогатых кварталов, где обитала богема. Уже в этих работах проявляется редкое дарование Пикассо превращать подчас прозаический мотив в сильную и цельную пластическую формулу, знак. Таковы и «Свидание» (1900), и последовавшие за ним «Арлекин и его подружка» (1901), и «Портрет поэта Сабартеса» (1901) – друга и секретаря Пикассо. К так называемому «голубому периоду» относится картина «Старый еврей с мальчиком» (1903), плод философских размышлений художника.

Следующему, «розовому периоду» (1905–1906) присуще спокойное, эпическое настроение. 1907–1908 годы стали для Пикассо переломными; в это время вместе с французским художником Жоржем Браком он разрабатывает принципы нового художественного направления – кубизма. Одним из импульсов, приведших к его рождению, стало знакомство Пикассо с искусством африканских народов, обозначившее начало «негритянского периода» в творчестве мастера. В 1909–1912 годах на смену пришел «аналитический» кубизм, когда художник решился разрушить привычный мир на плоскости картины, разъять его на части, отдельные геометрические формы и вновь собрать воедино, подобно творцу новой вселенной. Окружающий мир, лишенный привычной выразительности, предстает в кубистических картинах хаосом, из которого не без труда вычленяются, высвобождаются некие «первоэлементы», напоминающие фигуры людей или предметы. Такие полотна производили на публику поистине ошеломляющее впечатление, а Пикассо стали называть могущественным «демоническим испанцем».

Знакомство с произведениями Пикассо произвело переворот и в сознании русского коллекционера С.И. Щукина. Сумев преодолеть первоначальное отторжение, он почувствовал силу и экспрессию «скандальных» картин и стал крупнейшим в России собирателем кубистических полотен. Опыт кубизма значительно повлиял на развитие искусства ХХ столетия, не только на зарубежных, но и на отечественных мастеров, многие из которых познакомились с работами великого испанца в галерее С.И. Щукина.

Пять самых дорогих картин Пикассо — Российская газета

25 октября исполнилось 140 лет со дня рождения Пабло Пикассо — великого провокатора, большого поклонника женщин, одного из самых плодовитых и дорогих художников в мире.

«РГ» предлагает вспомнить, сколько покупатели отдавали за его произведения (а всего их, по разным подсчетам, никак не меньше 150 тыс. работ).

«Портрет Анхеля Фернандеса де Сото», 1903

Фото: Warren Allott / AFP

Или знаменитый «Любитель абсента». На картине изображен друг Пабло Пикассо, испанский художник, большой поклонник абсента, который не оставил большого следа в истории искусства, зато остался в веках на полотне знаменитого мастера. В число самых дорогих картин Пикассо работа вошла в 2010 году после продажи на аукционе Christie’s за $51,6 млн. На аукцион ее выставил англичанин, известный композитор Эндрю Ллойд Уэббер. Кстати, до продажи она не висела в закромах у мэтра, а была явлена публике в Лондонской королевской академии художеств. Перед торгами картина даже побывала в Москве — на предаукционной выставке. Кто теперь владеет шедевром, до сих пор неизвестно. Аноним купил картину по телефону.

«Молодая девушка с цветочной корзиной», 1905

Фото: wikipedia.org

Великолепное полотно в стиле ню так называемого «розового» периода Пикассо. Девушка изображена обнаженной с ниткой жемчуга на шее и с розовой лентой в темных волосах. А в руках — корзина с красными цветами. Когда-то эта работа находилась в коллекции Рокфеллеров. А в 2018 году ее купил аноним на аукционе Christie’s за $115 млн. Любопытно, что сам художник продал эту работу галеристу Кловису Саго за смешные 75 франков.

«Мальчик с трубкой», 1905

Фото: STAN HONDA / AFP

Еще одна картина «розового» периода. Пикассо только-только переехал на Монмартр. Художник молод — ему всего 24, он верит, что весь мир будет у его ног. Для этого полотна в стиле реализма позировал уличный мальчишка Луи. Долгое время владельцем полотна был американский коллекционер и магнат Дж. Уитни. На аукционе Sotheby’s стартовая цена за шедевр была $70 млн. Но картину продали за рекордные $104,1 млн. Рекорд держался более 6 лет.

«Сон», 1932

Фото: Alberto Pezzali/NurPhoto via Getty Images

Очень личная работа мастера. На полотне Мария-Тереза Вальтер — его возлюбленная. Она сидит в кресле, ее голова наклонена, а на ее лице покой и умиротворение — то ли дремлет, то ли наслаждается своим состоянием — она как раз ждет от Пикассо ребенка. Картину продали в 2013 году главе инвестиционного фонда Стивену Коэну за $155 млн.

«Алжирские женщины», 1955

Фото: TIMOTHY A. CLARY / AFP

Это даже не одна картина, а серия поздних работ мастера — от «А» до «О». Последняя версия под названием «О» — самая дорогая — была продана за $179,3 млн в 2015 году на аукционе Christie’s. Всю серию Пикассо создал под впечатлением от знаменитого полотна Эжена Делакруа «Алжирские женщины в своих покоях» 1834 года, на котором изображены наложницы, и, конечно, «Одалисок» Анри Матисса. Моделью на всех картинах выступила последняя жена Пикассо Жаклин Рок, которая была моложе художника на 46 лет.

Ранние работы Пабло Пикассо, раскрывающие другую сторону художника – Zagge.ru

«Знание и милосердие», 1897 год

«Ранние работы» художников обычно относят к произведениям, которые были выполнены в начале их карьеры. В случае Пабло Пикассо (1881-1973), самые ранние примеры его плодовитого художественного таланта датируются временем, когда он был ещё ребёнком.

Первые уроки художественного мастерства Пабло Пикассо получил у своего отца — учителя рисования Хосе Руиса Бласко, и вскоре сильно в этом преуспел. Его ранняя картина маслом «Пикадор», написанная им в 8-летнем возрасте, вероятно, является самой старой из сохранившихся картин художника. В течение следующих нескольких лет Пикассо создавал академические рисунки и картины, которые демонстрировали быстрое улучшение его художественных навыков.

В первых картинах Пикассо образы обладали максимальным сходством с оригиналом, реалистичной цветовой палитрой и отличались повседневной тематикой. В частности, он любил рисовать портреты своих близких и сцены, навеянные религиозными сюжетами. Оба этих художественных интереса видны в портрете матери художника, написанном в 1896 году, и в «Первом причастии» того же года.

Но с конца 1890-х годов Пабло Пикассо начал всё дальше уходить от реализма. К началу нового века он начал сталкиваться со многими трудностями, поэтому в начале 1900-х годов художник начал писать в стиле, который впоследствии был назван «голубым» периодом. Это тот этап, который открыл темы меланхолии и печали в его творчестве, и вместе с этим положивший конец этапу, известный как «ранний период» Пабло Пикассо. «Мне потребовалось четыре года, чтобы рисовать как Рафаэль, но потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как ребенок».

Полную эволюцию стиля живописи Пикассо можно проследить здесь.

«Первое причастие», 1896 год

Мужской торс, 1893 год

«Пикадор», 1890 год. Первая картина Пикассо, написанная в 8-летнем возрасте

Портрет матери художника, 1896 год

«Вид на порт Валенсии», 1895 год

Торс, 1892 год

«Мальчик из хора», 1896 год

«Карьеры», 1896 год

«Старый рыбак», 1895 год

«Аликанте, вид на корабли», 1895 год

Автопортрет, 1896 год



Оценить статью:

Загрузка…

главные экспонаты — «Мадонна с Младенцем» да Винчи и Рафаэля, «Даная» Тициана и другие.

Эрмитаж входит в «высшую лигу» мировых музейных сокровищниц. В его коллекции — три миллиона экспонатов, а великолепное собрание, начатое еще Екатериной Великой, пополняется по сей день. Предлагаем короткий тур по Эрмитажу — и 10 картин, которые обязательно нужно посмотреть.


Леонардо да Винчи. Мадонна с Младенцем (Мадонна Бенуа)

Италия, 1478–1480 годы

Второе название происходит по фамилии владельцев картины. При каких обстоятельствах произведение великого Леонардо попало в Россию, до сих пор неизвестно. Существует легенда, что семейство Бенуа купило ее у бродячего цирка. Шедевр достался Марии Сапожниковой (после замужества — Бенуа) в наследство от отца. В 1914 году Эрмитаж приобрел у нее эту картину. Правда, после революции, в тяжелые 1920–30-е годы, правительство СССР чуть не продало ее министру финансов США, страстному коллекционеру Эндрю Меллону. Искусствоведам, выступавшим против этой продажи, повезло: сделка сорвалась.


Рафаэль. Мадонна с Младенцем (Мадонна Конестабиле)

Италия, около 1504 года

«Мадонна с Младенцем» — одно из ранних произведений Рафаэля. Александр II приобрел эту картину в Италии у графа Конестабиле для любимой жены Марии Александровны. В 1870 году этот подарок обошелся императору в 310 тысяч франков. Продажа работы Рафаэля возмутила местную общественность, однако у итальянского правительства не было средств, чтобы выкупить картину у владельца. Собственность императрицы сразу же была выставлена в здании Эрмитажа.


Тициан. Даная

Италия, около 1554 года

Полотно Тициана Екатерина II приобрела в 1772 году. Картина написана по мотивам мифа, в котором царю Акрисию предсказали, что он умрет от руки собственного внука, и чтобы избежать этого, он заточил свою дочь Данаю в темницу. Однако находчивый бог Зевс все же проник к ней в виде золотистого проливного дождя, после чего Даная родила сына Персея.

Екатерина II была просвещенным монархом, обладала прекрасным вкусом и отлично понимала, что именно надо приобретать для своей коллекции. В Эрмитаже есть еще несколько картин с подобным сюжетом. Например, «Даная» Фервилта и «Даная» Рембрандта.


Эль Греко (Доменикос Теотокопулос). Апостолы Петр и Павел

Испания, между 1587–1592 годом

Картину подарил музею в 1911 году Петр Дурново. За несколько лет до этого Дурново показывал ее на выставке императорского общества поощрения художеств. Тогда об Эль Греко, которого считали весьма посредственным художником, заговорили как о гении. В этом полотне живописец, который всегда был далек от европейского академизма, оказался особенно близок византийской иконописной традиции. Он постарался передать духовный мир и характеры апостолов. Павел (в красном) напорист, решителен и уверен в себе, а Петр, напротив, — сомневающийся и колеблющийся… Считается, что в образе Павла Эль Греко запечатлел самого себя. Но исследователи об этом до сих пор спорят.

Читайте также:

Караваджо. Юноша с лютней

Италия, 1595–1596 годы

Караваджо — известный мастер барокко, перевернувший своим «погребным» светом сознание нескольких поколений европейских художников. В России хранится лишь одна его работа, которую художник написал еще в юные годы. Для картин Караваджо характерна некая драма, есть она и в «Лютнисте». В нотной тетради, изображенной на столе, записана популярная в то время мелодия мадригала Якова Аркадельта «Вы знаете, что я вас люблю». А треснувшая лютня в руках юноши — символ несчастной любви. Полотно приобрел Александр I в 1808 году.


Питер Пауль Рубенс. Портрет камеристки инфанты Изабеллы

Фландрия, середина 1620-х годов

Несмотря на название, считается, что это портрет дочери художника — Клары Серены, умершей в 12 лет. Картина создана уже после смерти девушки. Художник тонко выписал и пушистые волосы, и нежную кожу лица, и задумчивый взор, от которого невозможно отвести глаза. Перед зрителем возникает одухотворенный и поэтический образ.

Картину в коллекцию Эрмитажа приобрела Екатерина II в 1772 году.


Рембрандт ван Рейн. Возвращение блудного сына

Голландия, около 1668 года

Одну из самых известных и узнаваемых картин Рембрандта Екатерина II купила в 1766 году. Евангельская притча о блудном сыне волновала художника на протяжении всей его жизни: первые рисунки и офорты на этот сюжет он создал еще в 1630–40-е годы, а за написание картины взялся в 1660-е. Полотно Рембрандта стало вдохновением и для других творческих личностей. Композитор-авангардист Бенджамин Бриттен под впечатлением от этой работы написал оперу. А режиссер Андрей Тарковский процитировал «Возвращение блудного сына» в одной из заключительных сцен «Соляриса».


Эдгар Дега. Площадь Согласия (Виконт Лепик с дочерьми, переходящий площадь Согласия)

Франция, 1875 год

Картина «Площадь Согласия» была перевезена в Россию после Второй мировой войны из Берлина — там она хранилась в частном собрании. Полотно интересно тем, что, с одной стороны, это портрет, а с другой — типичная для импрессионистов жанровая зарисовка из жизни города. Дега изобразил своего близкого друга, аристократа Людовика Лепика, вместе с двумя дочерьми. Многофигурный портрет до сих пор хранит в себе немало загадок. Неизвестно, когда и при каких обстоятельствах картина была создана. Искусствоведы предполагают, что работа была написана в 1876 году и не на заказ. Другой подобной картины ни до, ни после художник не писал. Нуждаясь в деньгах, он продал все же полотно графу Лепику, и до конца XIX века о нем не знали. После падения Берлина в 1945 году шедевр в числе других «трофейных» произведений был отправлен в Советский Союз и оказался в Эрмитаже.


Анри Матисс. Танец

Франция, 1909–1910 годы

Картина была создана по заказу Сергея Щукина, известного русского коллекционера французской живописи XIX — начала XX века. Композиция написана на тему золотого века человечества, и потому на ней изображены не конкретные люди, а символические образы. Матисс вдохновлялся народными плясками, которые, как известно, хранят в себе ритуальность языческого действа. Неистовство древних вакханалий Матисс воплотил в сочетании чистых цветов — красного, синего и зеленого. Как символов Человека, Неба и Земли. Картина была передана в Эрмитаж из московского собрания Государственного музея нового западного искусства в 1948 году.


Василий Кандинский. Композиция VI

Германия, 1913 год

В Эрмитаже есть целый зал, посвященный творчеству Василия Кандинского. «Композиция VI» была создана в Мюнхене в мае 1913 года — за год до начала Первой мировой войны. Динамичная яркая картина написана свободными и размашистыми мазками. Первоначально Кандинский хотел назвать ее «Потоп»: в основу абстрактного полотна лег библейский сюжет. Однако позже художник отказался от этой идеи, чтобы название работы не мешало зрительскому восприятию. Полотно поступило в музей из Государственного музея нового западного искусства в 1948 году.

В материале использованы иллюстрации с официального сайта Государственного музея «Эрмитаж»..

Музей Пикассо в Малаге (Малага, Испания) — авторский обзор, часы работы, цены, фото

Ценители современного искусства, бывая в Малаге, стараются посетить Музей Пикассо. А почему тем, кто отдыхает с детьми в Коста дель Соль и не особенно разбирается в авангарде, тоже стоит прийти в этот музей? Один из ответов вам точно подойдет: билет в музей значительно дешевле билета в парк развлечений, а за детей вообще не нужно платить; есть шанс разобраться, какие каляки-маляки считаются искусством; можно увидеть работы художника, который пользуется наибольшей популярностью у читателей газеты «Таймс» и у похитителей картин.

Музей Пикассо в Малаге появился неслучайно – художник родился и долгое время жил в этом городе. До сих пор сохранился дом, где Пикассо провел свое детство, но музей размещается в другом здании – во дворце Буэнависта. Король Испании Хуан Карлос I, которому принадлежал дворец, распорядился передать его для размещения картин великого живописца.

В Museo Picasso de Malaga выставлено более 200 работ художника, созданных в разные периоды его жизни. Одной из самых понятных неподготовленному зрителю картин является портрет Ольги Хохловой, русской балерины и первой жены Пикассо. А вот других своих женщин, Дору Маар и Жаклин Рок, мастер рисовал уже в кубистической манере. Да, на них не разглядеть черты лица конкретного человека, но можно прочесть боль, отчаяние, грусть, задумчивость. Дети легко считывают смысл нефигуративной живописи по колориту картины, угловатости или плавности линий, величине фрагментов. Поэтому им стоит предоставлять возможность поразмыслить о том, что изобразил художник.

Помимо живописных полотен, в музее представлены скульптуры Пикассо, а также его опыты в сфере росписи керамики. Например, пузатое керамическое «Насекомое» так и просится в качестве иллюстрации «Мухи-цокотухи».

Еще одно большое собрание работ основоположника кубизма находится в Музее Пикассо в Барселоне. Среди прочих полотен там демонстрируется цикл «Менины», который является переосмыслением одноименной картины Веласкеса.

Раскрыта кража века: в Греции обнаружены картины Пикассо и Мондриана

+ A —

Они были похищены из Национальной галереи 9 лет назад

Это дерзкое ограбление, случившееся ранним утром 9 января 2012 года, назвали не иначе как кражей века. Злоумышленники проникли в одно из крупнейших художественных собраний страны и вынесли оттуда несколько шедевров, в том числе работы Пабло Пикассо и Пита Мондриана. Картины «Женская голова» и «Ветряная мельница» были украдены всего за день до закрытия на капитальный ремонт Национальной галереи в Афинах. Теперь пропавшие шедевры, стоимость которых оценивается в десятки миллионов евро, обнаружили — в маленьком городе Кератея, что находится в 30 км от столицы Греции.

Подобные сюжеты всегда поразительны. Хотя бы потому, что картины такого уровня известности нельзя просто так взять и продать на арт-рынке, их не реализуешь через частного антиквара. Преступники чаще всего действуют на удачу, не осознавая всей бессмысленности затеи. Бывает, конечно, и такое, что крадут под заказ: чтобы какой-то безумный коллекционер запер шедевр в своем тайном хранилище и украдкой любовался произведением в гордом одиночестве. Но такие случаи — на грани фантастики. Чаще музейные кражи совершаются с большим риском и по какой-то необъяснимой глупости. Так и тут.

В 4 утра 9 января 2012 года похитители разбили окно первого этажа музея, влезли в здание и отключили сигнализацию в Национальной художественной галерее. Они успели вырезать из рам три полотна. Однако сработал детектор движения — охранники побежали к месту преступления. Преступники бросили одну из картин Мондриана, спасаясь от преследования, но две все же удалось унести. Похитителей чудом не догнали — им очень повезло. Естественно, информация о пропавших шедеврах тут же попала в международные базы утерянных и украденных произведениях искусства — Art Loss Register (ALR) и Интерпола.

Обе пропавшие живописные работы хорошо известны в музейной среде. Одна из них — портрет Доры Маар, подруги и музы Пабло Пикассо, — создана в 1939 году. Художник подарил музею картину «Женская голова» в 1949 году в знак признания греческого сопротивления нацистской Германии. Стоимость произведения оценивается в 20 миллионов евро. Другая картина, кисти одного из основоположников абстракционизма Пита Мондриана, была написана в 1905 году, а в Национальную галерею попала в 1963-м. Ее купил греческий коллекционер Александрос Паппас и подарил музею. Эта картина, так же как и работа Пикассо, оценивается в миллионы евро. Кроме того, пропал рисунок итальянского художника Гульельмо Качча (1568—1625), известного как Иль Монкальво. Маньерист славится своими работами на библейские сюжеты, украденный рисунок изображает один из них. Такой рисунок может стоить от 500 до 2000 евро.

После девяти лет поисков греческой полиции удалось обнаружить картины — внимание! — на небольшом складе, расположенном в ущелье города Кератея. Задержан 49-летний грек, владелец «схрона». Сейчас он находится в главном полицейском управлении Афин ГАДА. Мужчина сознался и сам показал место, где хранил похищенные произведения. У него был сообщник, сейчас его ищет полиция.

Ожидается, что картины скоро вернутся в музей и после реставрации будут вновь выставлены в Национальной галерее. Как раз недавно, в марте, завершилась реконструкция здания на проспекте Василеоса Константина, где музей базируется с 1976 года. До того Национальная галерея, открытая в 1900 году, занимала разные площадки, до 1939 года располагалась в Политехнической школе Афин. С момента создания музея его коллекция и площади сильно возросли — из маленькой галереи с собранием в пару сотен вещей он превратился в один из крупнейших музеев, в его фондах сейчас около 20 тысяч произведений искусства. Так что вскоре шедевры должны вернуться в обновленное здание, а презентация возвращенных картин станет отдельным событием. Надо думать, оно будет иметь особый резонанс еще и потому, что греческая публика изголодалась по культурной жизни: на время пандемии музеи были закрыты, они распахнули свои двери для зрителей только 14 мая.

Опубликован в газете «Московский комсомолец» №28569 от 30 июня 2021

Заголовок в газете: Раскрыта кража века

картин Пикассо каждого периода демонстрируют эволюцию художника

На протяжении всей жизни художника следует ожидать изменений в подходе, тематике и даже стиле. Этот феномен очевиден в эволюции самых любимых художников современного искусства, от движения Моне к абстракции до яркой цветовой палитры Ван Гога. Хотя он широко распространен среди большинства мастеров живописи, он особенно подчеркивается в картинах Пабло Пикассо .

Его карьера длилась 79 лет и включала успехи в живописи, скульптуре, керамике, поэзии, сценическом дизайне и письме, поэтому его склонность к экспериментам со своим ремеслом неудивительна.Однако степень изменения его стиля в каждой дисциплине, особенно в живописи, не похожа на стиль любого другого художника. Поэтому, чтобы проследить его стилистическую эволюцию, его работы часто делятся на периоды: ранние работы , синий период , период роз , африканский период , кубизм , неоклассицизм , Сюрреализм и , более поздние работы .

Здесь мы исследуем эти изменения, начиная с этапа, который часто упускается из виду и даже полностью неизвестен: корни Пикассо в реализме.

Ранняя работа

Пабло Пикассо родился в 1881 году в семье артистов. С раннего возраста отец обучал его формальным техникам рисования, достигнув высшей точки в мастерстве масляной живописи, когда ему было всего восемь лет.

В возрасте тринадцати лет Пикассо начал свою карьеру художника. В это время работал в реалистическом стиле ; он изображал предметы достоверно и использовал реалистичную цветовую палитру. Ему особенно нравилось рисовать сцены, вдохновленные его католической верой, и портреты членов своей семьи.

Этот традиционный академический подход очевиден в его картинах, вдохновленных церковью, и изображениях близких, таких как The Altarboy и Portrait of the Mother of Artist .

The Altarboy (1896) (Фото: Wiki Art)

Портрет матери художника (1896 г.) (Фото: Wiki Art)

Однако с 1897 года картины Пикассо стали менее реалистичными. Несомненно, под влиянием экспрессиониста Эдварда Мунка и художника-постимпрессиониста Тулуз-Лотрека, эти произведения — например, The Artist’s Sister Lola — передают растущий интерес Пикассо к экспериментам с более свободной формой, авангардным стилем.

«Сегодняшний мир не имеет смысла, — сказал Пикассо, — так почему я должен писать такие картины?»

Сестра художника Лола (ок. 1899-1900) (Фото: The Athenaeum)

Голубой период (1901-1904)

В 1901 году Пикассо, казалось, полностью отказался от реализма. Это особенно заметно в его предпочтении цвета, которое эволюционировало от натуралистических оттенков к более холодным тонам. Это изменение пигмента продолжалось до 1904 года и теперь характеризуется как Синий период художника .

Искусство этого периода мрачно как по цвету, так и по предмету — подход, вероятно, вызван депрессией из-за самоубийства близкого друга. На монохромных пьесах часто изображены фигуры, живущие в нищете или отчаянии, такие как изможденный гитарист в Старый гитарист , несчастная любительница абсента , сидящая со скрещенными руками, и обнимающие Мать и дитя , которые на самом деле живут в доме. женская тюрьма, охваченная болезнями.

Старый гитарист (ок.1903-1904) (Фото: Coldcreation через Википедию)

Любитель абсента (1901 г.) (Фото: The Athenaeum)

Мать и дитя (1901 г.) (Фото: The Athenaeum)

Голубой период Пикассо (и причинная депрессия) длился до 1904 года. В это время в его картинах стали появляться менее торжественные сюжеты и более теплая цветовая гамма.

Период роз (1904-1906)

Когда Пикассо перешел к своему периоду роз в 1904 году, он продолжал изображать фигуры в своем характерном для него живописном стиле.Хотя в этих картинах все еще присутствуют синие тона, им контрастируют более теплые оттенки. Точно так же после переезда на Монмартр, богемный район Парижа, он переключил свое внимание с людей, живущих в отчаянии, на артистов, включая арлекинов, акробатов и других артистов цирка.

Акробат и молодой арлекин (1905 г.) (Фото: UGA через Википедию)

Мать и дитя, акробаты (ок. 1904–1905) (Фото: Pictify через Википедию)

Актер (ок. 1904-1905) (Фото: Википедия)

В это время Пикассо начал экспериментировать с примитивизмом, стилем, который он в конечном итоге принял в 1906 году.

Далее: Больше стилей живописи Пикассо

Воссоздание модернистского искусства по фотографии | Искусство и культура

Слева: одноименная адаптация Le Rêve (1932), Нико Луома, 2015. Справа, Le Rêve , Пабло Пикассо, 1932. Нико Луома; Bridgeman Images / © 2020 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

Пятнадцать лет назад, как говорит финский фотограф Нико Луома, «весь мой фотографический процесс переместился с передней части камеры внутрь.«Он уже раздвигал границы фотографии с помощью минималистичных пейзажей и цветовых исследований, но теперь, вместо того, чтобы тренировать свой объектив на внешнем мире, он составлял изображения в своей студии в Хельсинки с перекрывающимися цветными фильтрами и шаблонами на световом столе. В своей новой книге « For Each Minute, Sixty-Five Seconds » Луома черпал вдохновение в каноне западного искусства. Его насыщенные цветом изображения, каждое из которых представляет собой «диалог с картиной», отдают дань уважения Винсенту Ван Гогу, Дэвиду Хокни и Пабло Пикассо, художникам, чье знакомство с ними может, по иронии судьбы, слепить нас в отношении их блеска.Интерпретации Луомы побуждают нас видеть заново. «Самая знакомая вещь в мире может выглядеть совершенно иначе, если вы просто притормозите, обратите внимание. Вы чувствуете, что выигрываете время », — говорит Луома, предлагая ключ к разгадке названия своей книги, искажающего время. «Что-то волшебное происходит, когда ты немного сбавляешь скорость».

Художественные фотографы Художественная Фотография Книги Пабло Пикассо Рисование Фотографов Фотография

Рекомендованные видео

сотен ранее не публиковавшихся фотографий из личной жизни Пикассо

Спустя почти 40 лет после его смерти внук художника, Бернар Руис-Пикассо, только что представил коллекцию фотографий из личного архива Пабло Пикассо.Они предлагают интимный взгляд на его жизнь и любовь, показывая, как он играет со своими собаками, проводит время с семьей и друзьями, а также работает в студии.

Руис-Пикассо в партнерстве с галереей Гагосяна в Нью-Йорке и биографом Пикассо Джоном Ричардсоном демонстрирует многие из этих изображений на новой выставке « Пикассо и камера », которая исследует, как фотография повлияла на творчество художника в живописи и скульптуре. Независимо от того, снимал ли он скульптуры в процессе их развития или фотографировал своих любовников, чтобы рисовать их портреты, изображения с его камеры часто служили пищей для художественных идей.Представленные изображения охватывают 60 лет и включают многие из них, сделанные художником, но никогда ранее не публиковавшиеся, наряду с рисунками, картинами и печатными изданиями, которые вдохновили эти фотографии.

Пабло Пикассо
Водохранилище (Орта-де-Эбро), 1909
Музей Пикассо, Париж © 2014 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York © RMN-Grand Palais / Art Resource, NY. Фото: Мишель Белло. Предоставлено галереей Гагосяна.

Пикассо постоянно фотографировал женщин в своей жизни и писал их портреты по своим снимкам, а также рисовал их с натуры.Есть бесчисленное количество потрясающих снимков его первой жены Ольги, дягилевской танцовщицы, в которую безумно влюбился Пикассо. Зеленоглазая темноволосая красавица на таких картинах, как «« Ольга в кресле »», частично написанная по фотографии объекта, сделанной в студии Пикассо в 1917 году, представленной здесь. Брак пары был непростым, и хронология фотографий свидетельствует о его упадке. В одном кадре 1925 года она делает пируэты в белой пачке и балетных туфлях, в одежде, которую она носит на карандашном наброске Группа танцоров: Ольга Хоклова лежит на переднем плане .В домашнем фильме она срывает лепестки с ромашки, говоря: «Он любит меня, он не любит». На более позднем снимке Ольга стоит на переднем плане в своем характерном элегантном платье; на заднем плане — бюст французской любовницы Пикассо Мари-Терезы Вальтер, которой было 17 лет, когда начались их отношения. В интервью Guardian, Ричардсон описывает жизнь Ольги как «грустную»: «Она оказалась довольно невротичной. Это плохо закончилось. Она не совсем сошла с ума, но стала очень раненой женщиной », — говорит он.Еще одна любовница, французский фотограф Дора Маар, которую Пикассо называл своей «частной музой» и которая была героем его знаменитой «Плачущей женщины », также видна на этих фотографиях.

Щелкните слайд-шоу выше, чтобы увидеть подборку недавно выпущенных изображений, от снимков Пикассо, триумфально держащего Боба, его Великие Пиренеи, до пируэта Ольги в пачке летом 1925 года.

Знаменитая картина Пабло Пикассо показывает заброшенные произведения искусства внизу

В начале 1900-х годов, когда Пабло Пикассо (1881–1973) впервые пытался заявить о себе как о лучшем художнике мира, денег было мало.Таким образом, испанский художник нередко закрашивал ранее законченный холст. Историки искусства знают, что он сделал это, например, с его работой «Голубой период» La Soupe (1902-03). Что необычно, так это то, что исследователи, спустя почти пять десятилетий после его смерти, теперь находят больше примеров этого в его работе.

Но это именно то, что группа исследователей из Института искусств Чикаго обнаружила и обсудила в недавно опубликованном отчете в Applied Science . Исследователи обнаружили, что на холсте, использованном для его шедевра 1922 года Натюрморт , Пикассо впервые попытался нарисовать другой, более неоклассический натюрморт. Они решили присмотреться к холсту, когда заметили, что поверхность картины покрыта множеством морщин. То, что начиналось как мягкое любопытство, привело к прорывному открытию. После того, как исследователи применили рентгенографию и инфракрасное изображение, они были ошеломлены, обнаружив под картиной совершенно иную композицию.

Что сделало эту находку еще более увлекательной, так это то, что Пикассо, казалось, стремился к тому, чтобы ее никогда не заметили. В то время как художник обычно хотел, чтобы его зрители видели множество итераций, которые входили в его работу, позволяя показывать предыдущие наброски через его окончательную работу, Пикассо намеренно затушевал первый набросок тяжелой белой краской. Почти гарантируя его исчезновение до сих пор. «Пикассо был игривым и изобретательным художником, у которого часто было больше идей, чем материалов», — говорит Эллисон Лэнгли, руководитель отдела сохранения картин Института искусств Чикаго.«Он часто рисовал более ранние работы, которые были частично или полностью закончены, часто отвечая на цвета, формы или темы более ранней композиции».

Натюрморт (1922) Пабло Пикассо. Фонд Ады Тернбулл Хертл. © 2018 Поместье Пабло Пикассо / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк.

Фото любезно предоставлено Чикагским институтом искусств

Картины Пабло Пикассо

Когда мы думаем о живописи, мы думаем о Пикассо.Здесь мы исследуем его различные стили, средства и невероятные достижения, а также галерею его самых известных работ.

Стиль живописи Пикассо значительно меняется на протяжении его карьеры, принимая во внимание множество различных влияний. Это был человек, который по максимуму использовал творчество, всегда пытался заново изобретать новые способы изображения объектов, которые он уже покрыл.Семья художника имела художественное образование, и ему сразу же посоветовали следовать реалистическому стилю, которому научил его отец. Только после того, как он вырвался из этого жесткого семейного контроля, он начал получать удовольствие от новых идей и влияний. Мадридский Прадо познакомил его с работой таких художников, как Гойя и Эль Греко. Это открыло ему глаза на мир за гранью реализма, где на первый план выходит экспрессия художника. С этого момента его уже не было сдерживать.

Новый модернистский подход был разработан Пикассо после переезда в Париж.Он оставался во Франции большую часть своей оставшейся жизни, и его работы в течение этого продолжительного периода можно разделить на категории Голубого периода, периода роз, африканского влияния, кубизма, классицизма и сюрреализма, прежде чем он пришел к его последним годам. В начале 20 века в его творчестве преобладали синие и оттенки зеленого. 1901–1904 годы были названы «Голубым периодом» и ознаменовались трудным временем для художника, о чем свидетельствует мрачный характер его творчества в эти годы. Его борьба привела его к контакту с другими низшими слоями общества, и эти переживания фигурируют во многих произведениях искусства того периода.Его можно сравнить с ранними работами Ван Гога с более мрачными названиями, такими как «Едоки картофеля» до того, как он переключился на яркие тона Южной Франции.

Оранжевые и розовые оттенки с игривыми цирковыми персонажами и арлекинами свидетельствовали о том, что Пикассо в период его розового периода 1904–1906 годов все больше радовался. Многие из его портретов того времени изображали влюбленных в приподнятых размышлениях, поскольку художник, казалось, победил своих внутренних демонов.Влияния примитивистов, такие как африканское искусство, преобладали в годы после периода роз. Во Франции Анри Матисс, Пабло Пикассо и группа художников-единомышленников начали объединять идеи африканской скульптуры с постимпрессионистскими достижениями Поля Сезанна и Поля Гогена. Развитие картин, таких как Les Demoiselles d’Avignon, подтолкнуло европейское искусство к новым областям и помогло вызвать период кубизма, который вскоре последовал за ним. Принятые принципы формы теперь были оспорены несколькими различными художественными движениями, причем Пикассо возглавлял кубистов с 1909 года в течение примерно десяти лет.

Брак и Пикассо экспериментировали с элементами объектов, меняя их расположение, чтобы создать свои собственные композиции. Это направление в искусстве помогло бросить вызов идеям о том, что реально, а что нет на холсте. Несколько других значительных движений в искусстве возникли в результате того, что здесь было создано. Заклинание в Италии убедило Пикассо временно вернуться к своим классическим корням, прежде чем погрузиться в сюрреализм.В некоторых из этих картин начали появляться политические элементы, часто в монохромной цветовой гамме, например. Герника. В последние годы карьеры Пикассо было использовано все, что он узнал за предыдущие десятилетия. Со временем он решил быть еще более амбициозным, чем раньше, стать крупнее и смелее. См. Также отпечатки Пикассо здесь. Были также редкие работы, которые напоминали нам о его классическом воспитании, воспроизводя известные работы той эпохи в его собственных новых современных стилях. Множество картин, написанных Пикассо в последние годы его жизни, теперь широко признаны началом движения неоэкспрессионизма.


«Photo Wake-Up» делает фотографии и картины Пикассо пугающе живыми

Photo Wake-Up может превратить фотографию лунного человека с Аполлона в анимацию, в которой астронавт выходит из кадра.Щелкните изображение, чтобы увидеть его в отдельном окне браузера. (UW / NASA Image)

Как бы вы выглядели, если бы изображения луноликов, персонажей комиксов и нарисованные портреты встали и вышли прямо из своих рамок? Это жуткая мысль, но приложение Photo Wake-Up, разработанное компьютерными учеными из Вашингтонского университета и Facebook, дает вам представление о том, как это будет выглядеть.

И когда-нибудь приложение может появиться в гарнитуре дополненной реальности рядом с вами.

Над проектом работали несколько месяцев.В ноябре прошлого года он получил долю внимания на ежегодном конкурсе UW Madrona Prize, а месяц спустя вызвал еще один шум в СМИ, когда команда выпустила препринт.

На следующей неделе исследователи представят свои результаты на конференции по компьютерному зрению и распознаванию образов в Лонг-Бич, Калифорния.

Идея превращения двухмерных изображений в нечто вроде живого действия была предметом кинофантазий на протяжении десятилетий, начиная с танца Джина Келли с мультипликационной мышью в «Якоря трепещет» почти 75 лет назад.Совсем недавно фильмы о Гарри Поттере и сериал ужасов «Кольцо» воспользовались этим тропом.

Компьютерные ученые тоже работали над этой проблемой, и не только в развлекательных целях.

«Это очень сложная фундаментальная проблема компьютерного зрения», — заявила в пресс-релизе соавтор исследования Ира Кемельмахер-Шлизерман, доцент Школы компьютерных наук и инженерии Пола Г. Аллена в Вашингтонском университете.

«Большой проблемой здесь является то, что ввод осуществляется только с одной позиции камеры, поэтому часть человека невидима», — сказал Кемельмахер-Шлизерман, который выполнял часть работы над проектом в качестве ученого-исследователя в Facebook.«Наша работа сочетает технический прогресс в решении открытой проблемы в этой области с художественной творческой визуализацией».

Когда Photo Wake-Up сочетается с дополненной реальностью, это может выглядеть так, как будто фигура абстрактного искусства иссякает из картины Пикассо. (UW Photo)

Другой автор исследования, профессор информатики UW Брайан Керлесс, сказал, что некоторые команды пытались построить трехмерные представления фотографических объектов, комбинируя несколько двухмерных точек обзора. «Но вы все равно не можете оживить кого-то и заставить его убежать со сцены, и вы не можете добавить в него AR», — сказал Керлесс.

Команда UW решила проблему путем определения компонентов тела фигуры на изображении, сопоставления этих компонентов с виртуальным трехмерным шаблоном, создания модели всего тела человека, наложения цветов и текстур на модель, а затем проецирования его обратно в двухмерное изображение.

«Очень сложно точно манипулировать в трехмерном пространстве», — сказал соавтор Чун-И Вэн, докторант UW. «Может быть, вы можете сделать это примерно, но любая ошибка будет очевидна, когда вы оживите персонажа. Поэтому нам нужно найти способ идеально справляться с задачами, и это проще сделать в 2D.”

Компьютерный алгоритм заполняет пробелы в данных в изображении, например, создавая точную копию спины человека, а также других частей тела, которые были скрыты на исходном изображении. Photo Wake-Up также заимствует данные изображения из других частей изображения, чтобы заполнить пустые места, когда виртуальные фигуры выходят из своих рамок.

Чтобы продемонстрировать, как это работает, команда сделала снимок, на котором изображен Стивен Карри из Голден Стэйт Уорриорз на баскетбольном матче, и оживила его так, чтобы он выглядел так, как будто он убегает прямо из кадра:

Подобные вольности были сделаны с другими спортивными фотографиями, фотографией астронавта Аполлона на Луне, фреской Бэнкси и обложкой альбома Beatles.Испытуемым даже не нужно было быть реалистичным, чтобы «проснуться». Персонажи из мультфильмов и фигуры абстрактного искусства, нарисованные Пабло Пикассо и Анри Матиссом, работали так же хорошо, и эффект был еще более жутким.

Исследовательская группа сообщила, что их методика работает намного лучше, чем другие алгоритмы для преобразования двухмерных неподвижных изображений в трехмерную анимацию. Есть несколько потенциальных применений: Видеоигры и иллюстраторы могут легко превратить свои работы в анимированных персонажей. Музей может создать опыт дополненной реальности, который позволит посетителям выпить чай с виртуальной Моной Лизой.А дети могли щелкнуть мышью, чтобы превратить свои оцифрованные рисунки в мультфильмы, сделанные на заказ.

«Пробуждение от фотографий — это новый способ взаимодействия с фотографиями», — сказал Вен. «Он пока не может делать все, но это только начало».

Алгоритм не работает так хорошо, если испытуемые не смотрят вперед, и если люди на картинке скрещивают ноги, он вообще не работает. Но, возможно, мы должны быть благодарны за то, что программа не идеальна: если Photo Wake-Up станет слишком хорошим, это может усугубить проблему «глубокой подделки», с которой мы уже сталкиваемся с измененными видео.

Пикассо закрасил работу другого художника — а затем и свою собственную, новое изображение показывает | Наука

ОСТИН— Скрытые мазки кисти масляной живописи Пабло Пикассо 1902 года La Miséreuse accroupie ( Крадущийся нищий, ) — это работа другого художника из Барселоны, Испания. И работа, лежащая в основе, кажется, вдохновила некоторых артистов Пикассо. Горы на оригинальной картине — пейзажная сцена — стали контуром спины объекта в работе Пикассо, который изображает присевшую женщину в плаще.

Специалистам известно о скрытом изображении с 1992 года, когда нижележащие слои картины были впервые исследованы с помощью рентгеновской радиографии. Но новая работа, в которой используются современные методы обработки изображений, раскрывает больше деталей — не только об исходной картине, но и о картине Пикассо. Исследователи обнаружили еще один скрытый слой: под плащом женщины Пикассо нарисовал изображение ее руки, сжимающей кусок хлеба, о чем команда объявила сегодня на ежегодном собрании AAAS, которое публикует Science .

Открытие позволяет нам «заглянуть внутрь головы Пикассо и понять, как он принимал решения, когда рисовал холст», — говорит Марк Уолтон, специалист по культурному наследию Северо-Западного университета в Эванстоне, штат Иллинойс, и ведущий исследователь. на исследование. «Он переработал, он потрудился над рисованием этого отдельного элемента, но затем решил отказаться от него в конце».

Во время недавних реставрационных работ в Художественной галерее Онтарио в Торонто, Канада, где находится La Miséreuse accroupie , консерватор Сандра Вебстер-Кук заметила цвета и текстуры, «выглядывающие сквозь линии трещин», которые не совпадали с тем, что был на поверхности картины.Она задалась вопросом, было ли это частью основного изображения пейзажа или что-то еще, поэтому она и куратор Кеннет Браммел попросили экспертов по неинвазивным методам визуализации копнуть глубже под поверхностью картины.

Пабло Пикассо создал La Miséreuse accroupie во время своего синего периода, когда он рисовал оттенками синего и сине-зеленого.

© Picasso Estate

Первым был Джон Делани, специалист по визуализации из Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.К., который сделал снимки картины с помощью гиперспектральной инфракрасной рефлектографии, техники, которая включает в себя световое излучение света с разной длиной волны на объект, некоторые из которых проникают глубже, чем другие. (Краска становится прозрачной при определенных длинах волн, в зависимости от того, из чего она сделана.) Проанализировав свет, отраженный от картины, он смог увидеть исходное изображение пейзажа, но он также впервые смог увидеть скрытую руку Пикассо. По словам Вебстера-Кук, «для нас было захватывающе обнаружить, что» Пикассо внес изменения в свою картину.

Чтобы получить более детальное представление о спрятанной руке, Уолтон и его коллеги проанализировали картину, используя макро-рентгеновскую флуоресцентную визуализацию. Инструмент, который поражает картину рентгеновскими лучами, позволяет исследователям увидеть, какие химические элементы — свинец, кадмий, железо — присутствуют в разных частях картины, не только на поверхности, но и в более глубоких слоях. И это полезно, потому что это может обеспечить окно в неповерхностные слои и рассказать экспертам о цветах, используемых для их рисования. Команда сообщила, что в белой краске, которую использовал Пикассо, много свинца, а скрытая рука, нарисованная белым, была особенно видна на изображении, показывающем, где была нанесена краска на основе свинца.

Исследователи установили рентгеновский флуоресцентный прибор, чтобы исследовать нижележащие слои картины Пабло Пикассо La Miséreuse accroupie .

© Художественная галерея Онтарио (AGO)

Этот тип визуализации не нов, но инструменты есть. В прошлом эту технику можно было выполнять только в лаборатории, оснащенной дорогим оборудованием. Уолтон и его коллеги разработали «простой набор типа» сделай сам «, который легко принести в художественную галерею и который стоит всего 1000 долларов, при условии, что у исследователя уже есть переносной рентгеновский спектрометр (распространенный во многих учреждениях культурного наследия). , Говорит Уолтон).Многие учреждения не хотят, чтобы «произведение искусства путешествовало, поэтому теперь мы можем принести эту технику в музей», — говорит он.

Это «феноменальная» работа — как с точки зрения того, что она раскрывает об артистизме Пикассо, так и о развитии новых технологий, — говорит Дженнифер Масс, специалист по культурному наследию из Научного анализа изящных искусств в Филадельфии, штат Пенсильвания, которая сделала похожие изображения.

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

2019 © Все права защищены. Интернет-Магазин Санкт-Петербург (СПБ)