Пикассо картины с названиями на русском: Pablo Picasso — Biography, Famous Artworks, Cubism

Кубизм в живописи – 20 известных картин и художников-кубистов

Автор Наталья Юршина На чтение 14 мин. Просмотров 18.4k. Опубликовано 19.10.2020

Что такое кубизм? Когда стало зарождаться это направление в живописи? Какие самые известные картины, и кто такие художники-кубисты? На все эти и другие вопросы про одно из самых неоднозначных направлений в живописи ХХ века читайте в моей новой статье!

Что такое кубизм: особенности и характерные черты

Наверняка вы хотя бы раз, но видели такие, странные картины, по сравнению с классической живописью, где все предметы изображены геометрическими фигурами, подчас в самой разнообразной форме.

Но странными они могут показаться только на первый, не искушенный искусством, взгляд. Действительно, картины в стиле кубизм, для простого, обывательского взгляда кажутся каким-то набором форм и цвета, не имеющих никакой связи и смысла.

Так что же такое кубизм? Как его понимать, и где та тонкая грань, разделяющая простую «мазню» от подлинного искусства? Ниже я буду приводить много примеров картин известных художников в жанре кубизм с названиями работ, чтобы показать вам все многообразие этого направления.

Само слово «cubisme» появилось во Франции, столице искусства, примерно в 1908 году. Но изначально, конечно же, само слово было образовано в Древней Греции и обозначало какое-либо кубическое тело.

Кубизм представляет собой абстрактное, модернистское направление в живописи европейских художников, которое зародилось и активно существовало в первые несколько десятилетий ХХ века.

Основа этого направления, как вы уже могли понять из названия, заключается в том, что художник намеренно изображает объекты своей живописи не как обычно, реалистически и трехмерно, а делает это с помощью геометрических фигур.

Поль Сезанн, «Пьеро и Арлекин», 1888 год

Таким образом, разделяя общее произведение на части, словно писатель свою книгу на главы, художник разнообразными геометрическими формами пишет картину, состоящую из разных единых «кусков».

Одной особенностью этого направления, в самом начале была очень скудная цветовая палитра. Художники старались использовать всего несколько цветов: коричневы, серый и черный. Это нужно было в первую очередь для того, чтобы не отвлекать внимание зрителя от форм и дать им возможность как можно глубже погрузиться в сюжет, в историю картины.

Одним из самых ярких представителей кубизма был испанский художник и скульптор, Пабло Пикассо. Во многих его работах вы можете встретить буйство красок и форм, что в общем-то не мешало ему быть очень значимым кубистом своего времени. Но об этом я расскажу ниже, в отдельном блоке про художника.

А пока давайте посмотрим, как вообще зародился кубизм, почему именно такие формы и какова вообще история этого направления в живописи.

История кубизма

Отцом-основателем этого, как некоторые думают, странного и непонятного направления, был Поль Сезанн. Этот французский художник-постимпрессионист повлиял на создание кубизма своими идеями, а также, несомненным влиянием на молодого Пабло Пикассо.

Поль Сезанн специально искажал перспективу в своих произведениях, чтобы передать предмет максимально разнообразно и многогранно. Иногда, он доходил в своих работах до того, что намеренно делал объекты проще по своей геометрической форме, что тоже, несомненно, было прямой отсылкой к зарождающемуся кубизму.

Шестидесятидевятилетний француз Поль Сезанн, состоял в переписке с двадцатисемилетним испанцем, Пабло Пикассо. В одном из таких писем, французский художник советует Пикассо «рассматривать натуру как совокупность простых форм – сфер, конусов, цилиндров». Многие историки искусства и живописи считают, что именно это и послужило впоследствии возникновению кубизма.

Картина Поля Сезанна, «Гора Сент-Виктуар со стороны Бельвю»

Конечно, кубизм такой, каким мы его знаем, возник благодаря самому Пабло Пикассо и другому французскому художнику, Жоржу Браку. А сам термин «кубизм», появился, благодаря Анри Матиссу, автору знаменитого «Танца». Он увидел картину Жоржа Брака «Дома в Эстаке», не удержался, и воскликнул: «Что за кубики!».

Жорж Брак, «Дома в Эстаке», 1908 год

Виды кубизма

В живописи принято выделять три основных периода кубизма, которые по-разному отражали саму суть этого направления, имели разные концепции и представителей. Остановимся на каждом виде отдельно и разберем основные характерные особенности.

Первый вид, или период, как вы могли догадаться, назван в честь основоположника кубизма, Поля Сезанна и называется, соответственно, «сезанновский». Этот ранний период датируется 1907-1909 годами и во многом на его развитие повлияли работы самого Поля Сезанна.

• Пабло Пикассо, «Блюдо с фруктами», конец 1908-начало 1909 года
• Жорж Брак, «Музыкальные инструменты», 1908 год

Характерно то, что в этот период, художники начинали отходить от привычного изображения объекта, и начинали передавать его с помощью геометрических форм. Но это были большие и массивные части геометрических фигур, созданные с помощью жирных линий – прямых и ломанных.

Также, особое внимание кубисты «сезанновского» периода уделяли цветовой палитре произведения. Так как объект, изображаемый на холсте, был поделен на геометрические фигуры, то и цвет нужно было распределять на картине, согласно этим геометрическим правилам. Так, передний план картины состоял преимущественно из красок теплых оттенков, а на заднем фоне наоборот, художники использовали более холодные тона.

Второй вид кубизма приходится на 1909-1912 года и называется «аналитический». Само название этого вида отсылает нас к какой-то аналитике, к тому, чтобы разобрать произведение на части и понять его суть.

Жорж Брак, «Скрипка и подсвечник», 1910 год

В общем-то, так и есть – за те четыре года, что длится этот период, художники постарались стереть все границы, между пространством картины и формой изображаемых предметов.

Что касается формы, то она стала еще меньше, по сравнению с «сезанновским» периодом, который отличался объемными и грубыми геометрическими фигурами, но которые был поделен объект. Теперь же художники, как бы разбирают на мелкие детали объект, стараясь понять его структуру и самые основные, неизменные элементы.

Пабло Пикассо, «Бутылка и книги», 1911 год

В этот период художники-кубисты концентрируют свое внимание на натюрмортах и портретах, редко пишут пейзажи. В какой-то мере, это деление на более мелкие частицы помогает художникам заново переосмыслить кубизм в искусстве. Но из-за их особого видения, а также деления на мелкие геометрические формы, простому зрителю нередко становится непонятно, что же изображено на картине и, главное, зачем художник изобразил это именно так?!

Жорж Брак, «Посвящение И. С. Баху», 1912 год

Как вы можете заметить, на картинах этого периода, цвет играет не особо значительную роль, формы становятся все более неясными и нечеткими. Не удивительно, что у многих, именно «аналитический» период характеризуется вообще со всем направлением.

Завершающий, третий вид кубизма – это «синтетический» кубизм. Этот период отличается таким приемом как коллаж. Основные годы, когда можно проследить этот вид – 1913-1914-е.

Художники создавали свои картины, как сейчас бы сказали, из того, «что под руку попадется». Так, например, можно было увидеть картины, сделанные из кусочков обоев, газет, листовок, наклеек и прочего, казалось бы, мусора. Иногда, художники не вклеивали это в свои работы, а просто рисовали на хосте так, как это могло бы быть в реальности, только, конечно же, в плоском виде. В этот период художники позволяли своим зрителям воплощать образ с картины сами в своем воображении.

«Синтетический» период, это уже довольно развитый кубизм. Сами картины уже становятся более выразительными, самодостаточными. И опять, любимый жанр кубистов этого времени – натюрморт.

Цвет по-прежнему не играет огромной роли в произведениях, но сохраняет свое место на самой картине. Как и раньше, на передний план выходят предметы светлых оттенков, на заднем фоне – темных оттенков.

Известные кубисты, Жорж Брак и Пабло Пикассо, одни из самых ярких представителей этих периодов, какое-то время работали вместе, но потом Брак стал сторонником фовизма, а Пикассо уходит в период классицизма и сотрудничает с Дягилевым, работая над его «Русскими сезонами».

Известные картины и представители кубизма

Выше я уже приводила вам примеры работ наиболее ярких представителей кубизма в живописи — Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Теперь хочется остановиться подробнее на их творчестве и творчестве и работах других художников-кубистов.

Картины Пабло Пикассо в стиле кубизм

В основе любой, даже самой сложной формы, всегда лежит простая, геометрическая – шар, куб, конус. И Пабло Пикассо прекрасно эти начинает овладевать, поддавшись «сезанновскому» направлению в кубизме.Самый известный художник-кубист в 1907-1909 годах, испытывая влияние древнего искусства Африки, он пишет следующие картины:

• 
  «Авиньонские девицы», 1907 год
• 
  «Дерево», 1907 год
• 
  «Женщина», 1907 год
• 
  «Бокал и фрукты», 1908 год

Следующий период после «сезанновского», или «африканского», как его называли из-за увлечения Пикассо искусством стран Африки, является «аналитический» кубизм.

Это очень короткий период в его творчестве, всего два года, но зато каких плодотворных и важных для всей истории кубизма!

В это время, в 1909-1912-е года, Пикассо считал, что цвет делает произведение более слабым, обманывает зрение. Он считал, что нужно ослабить окраску всего мира, писать более монохромно, а все внимание сосредоточить на форме, чтобы суметь показать все сущее в своих работах.

Предмет и фон должны практически слиться воедино, от прорисовки мелких деталей и деталей в принципе нужно отказаться, а перспектива вообще должна исчезнуть – вот основные положения кубизма Пикассо в «аналитическом» периоде.

В результате всего этого, мы видим на картине нечто однородное, как по цвету, так и по форме, без каких-либо границ в пространстве. Посмотрите сами на некоторые картины этого периода в творчестве Пикассо:

• «Человек с мандолиной», 1911 год
• «Блюдо с фруктами», 1910 год
• «Дома на холме», 1909 год

Именно в этот «аналитический» период Пикассо начинает общаться с Жоржем Браком – своим соратником и союзником. При встречах, постоянном общении, обмене мнениями насчет того или иного произведения, этот союз вскоре сформировал основные и характерные черты кубизма.

Со временем Пикассо снова вернется к цвету и декоративным формам, именно так начнется его третий период в кубизме – «синтетический». Весной 1912 года Пикассо представляет свою новую картину «Воспоминание о Гавре». Эта картина новая во всех смыслах, ведь тут впервые, за 2 года появляется цвет в работе художника.

«Воспоминание о Гавре», 1912 год

Теперь картины Пикассо становятся более живыми и понятными, появляются дополнительные детали, снова свои границы приобретает форма. Однажды, декор у Пабло дойдет до такой степени, что он вклеит почтовую марку в свою картину.

Сочетая несочетаемое, Пикассо все больше начинает работать с фактурой и разными материалами – бумагой, деревом, воском, углем, и даже с ложками. Таким образом, художник синтезирует вымышленную реальность в реальность настоящую.

• «Скрипка», 1912 год
• «Гитара», 1913 год
• «Харчевня», 1914 год

Таковы были картины Пабло Пикассо в период кубизма.

Картины Жоржа Брака в стиле кубизм

Сначала Жорж Брак был декоратором, но потом пошел учиться дальше и стал изучать искусство, в том числе и на примерах работ Сезанна и Коро.

Имя Жоржа Брака незаслуженно мало упоминают в истории кубизма, а ведь он творил его наравне с Пикассо

В 1907 году Брак посещает выставку Поля Сезанна и знакомится с Пабло Пикассо. Эти два события станут решающими в жизни Брака-кубиста.

Подружившись с Пикассо, Жорж Брак старался писать картины по наитию, так, как еще никто не писал. Одно время стили Брака и Пикассо стали настолько похожими, что его работы не могли отличить от работ Пикассо.

«Базилика Сакре-Кер», 1910 год

Безусловно, визуально картины этих двух художников были похожи, но художники сосредотачивали внимание на разном и цели у них были разные. Брак любил работать с разными материалами, текстурами, играть со светом и пространством на картине. Он хотел, чтобы его работы были гармоничными, в отличие от бунтарских работ Пикассо.

• «Португалец», 1911 год
• «Замок Ла Рош Гюйон», 1909 год
• «Скрипка и палитра», 1909 год

Через несколько лет после Первой мировой войны, его творчество заметно меняется, как и творчество Пикассо. Но, картины, написанные Жоржем Браком в период кубизма, останутся в истории навсегда.

Портреты в стиле кубизм

Портрет в стиле кубизм, как вы понимаете, это не портрет в привычном понимании этого слова. Как и другие работы кубистов, портрет состоит из нескольких геометрических фигур. И только зритель должен собрать их в единое произведение в своем воображении, чтобы увидеть сам портрет.

• Фернан Леже, «Дама в голубом», 1912 год
• Любовь Попова, «Портрет философа», 1915 год. Прототипом для этой картины послужил образ брата художницы, Павла Попова.
• Хуан Грис, «Портрет Пабло Пикассо», 1912 год

Если же вы хотите научиться писать обычные портреты, дарить их близким или делать на заказ — могу вас обрадовать! Как начать свой путь в портретной живописи я рассказываю на своем БЕСПЛАТНОМ мастер-классе по портретной живописи! Мы разберем как правильно и с учетом всех пропорций построить лицо человека. А всем посетителям я ДАРЮ урок “Реалистичный глаз”

Зарегистрироваться можно здесь — https://nyschool.ru/mk_port?utm_source=seo&utm_medium=blog&utm_campaign=allseo

Натюрморт в стиле кубизм

Натюрморт в стиле кубизм – один из самых популярных жанров этого направления в искусстве. К нему обращались все художники, работавшие в стиле кубизм в период с 1907 по 1914 года.

• Пабло Пикассо, «Натюрморт с чашей и кувшином», 1908 год
• Жорж Брак, «Тарелка с фруктами и бокал», 1912 год

Кубизм в России

В России не было «чистого» кубизма, как например, в Париже или других европейских городах. В России в начале ХХ века кубизм представлял собой авангардистский симбиоз, состоящий из французского кубизма и итальянского футуризма.

Каземир Малевич, «Туалетная шкатулка», 1913 год. Картина написана на простой мебельной полке, и отражает внутреннее состояние художника, который находится в поиске новых средств выразительности.

Русские художники, преимущественно, писали только в «сезанновском» периоде, не трансформируя свое творчество дальше – в «аналитический» и «синтетический» кубизм. Так, создалась небольшая творческая группа художников-авангардистов, которая привнесла в русский кубизм ноты самобытности и оригинальности.

Роберт Фальк, «Бутылки у окна», 1917 год. Несмотря на обилие цвета, в этом натюрморте с «поющими бутылками» (как их окрестила жена художника, Раиса) можно проследить характерные черты кубизма. Михаил Врубель, «Демон сидящий», 1890 год. Обратите внимание на фрагмент справа – на форму, в какой написана эта часть картины

Как рисовать в стиле кубизм и нужно ли это?

Теперь, когда вы знаете, что такое кубизм, его историю и основных, наиболее ярких представителей этого направления, у вас может возникнуть вопрос: а как рисовать в стиле кубизм? Что для этого нужно?

Прежде всего, как и в любом другом виде живописи, важно подготовить свое рабочее место и все необходимые материалы: хорошо освещенное помещение, краски, холст и прочие принадлежности. Помните, что в «синтетический» период художники использовали самые разнообразные материалы, так что вы тоже можете проявить фантазию и попробовать что-то экспериментально новое.

Теперь, когда все готово, решите, что вы будете рисовать/писать. Вы можете выбрать для своей первой картины в стиле кубизм чей-то портрет, а можете, например, составить натюрморт из подручных средств.

Сделайте набросок и разделите его прямыми линиями с помощью линейки. Можете сразу раздробить объект на геометрические фигуры – шар, конус, цилиндр.

Поработайте над палитрой. Если монохром для вас слишком скучно, то выберете несколько основных цветов, лучше не больше 3-4, чтобы сохранить геометрию произведения. Кстати, если вам нравится какой-то один цвет, то вы можете сделать монохромную палитру из разных его оттенков.

Старайтесь избегать растушевки и смешения красок – линии границ предметов всегда должны оставаться четкими.

Для первого опыта можно взять акриловые краски. Из-за быстрого высыхания акрила, вы сможете накладывать один цвет на другой, чтобы придать картине дополнительный объем.

А вот на вопрос, нужно ли писать в стиле кубизм, у меня нет для вас однозначного ответа. Ведь если нравится такой жанр, то зачем себя останавливать и запрещать. С другой стороны, если вы хотите стать профессиональным художником, вы можете начать писать в стиле кубизм, изменяя и трансформируя его. И тогда, возможно, у вас получится заново переосмыслить этот вид искусства, как это сделали его отцы-основатели.

Хотите узнавать больше о мировой художественной культуре и своих любимых художниках?

В своем блоге ВКонтакте я веду постоянную рубрику  #о_художниках_по_средам. Каждую среду недели я выкладываю пост, в котором рассказываю об отдельной теме: о жанрах живописи, о художниках, о развитии искусства.

Если хотите больше таких статей, подписывайтесь на мой блог — https://vk.com/ny_school6

Картины Пикассо: розовый период (Picasso)

Розовый период Пабло Пикассо

Пабло Пикассо  (Picasso, Pablo) (1881-1973 гг.) — французский художник, испанец по происхождению. Скульптор, график, живописец, керамист и дизайнер. Совместно с Жоржем Браком является основоположником кубизма.

В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар; отсюда в многом проистекает настроение его работ тех лет. «Розовый период» — условное название периода в творчестве Пабло Пикассо. Этот период ограничивают 1905—1906 годами. Название возникло по контрасту с определением предыдущего «голубого периода» в творчестве художника (1904— 1905 гг.), когда в его палитре преобладали грустные голубые краски. В «розовый период» художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами были странствующие комедианты, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных. Печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка и колорит его картин стали определять нежные розовые, охристые, красные тона. Переходной от «голубого» к «розовому» периоду считают знаменитую картину Пабло Пикассо «

Девочка на шаре». Для работ «розового периода» массу материала давал цирк Медрано, располагавшийся у подножия Монмартрского холма. Путешествие же в Испанию в 1906 году дало новый толчок поискам художника и послужило окончанием «розового периода».

P.S. Смотрите здесь ->

картины Пикассо голубого периода.

Акробаты (Мать и сын)

 

Семейство комедиантов

Автопортрет с палитрой

Девочка с козлом

Мальчик, ведущий лошадь

Портрет Гертруды Стайн

Акробат и молодой Арлекин

Сидящий на красной скамье Арлекин

Дама с веером

Два брата

Стеклянная посуда

Крестьяне. Композиция

Актёр

Два юноши

В кабаре Лапин Агиль или Арлекин с бокалом

Девочка на шаре

Последние материалы в этом разделе:

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

10 знаменитых картин Пабло Пикассо

Пабло Пикассо был не только испанским художником, но и скульптором, гравёром, гончаром, художником сценических декораций, поэтом и сценаристом. Имя при рождении — Па́бло Дие́го Хосе́ Франси́ско де Па́ула Хуа́н Непомусе́но Мари́я де лос Реме́диос Сиприа́но де ла Санти́сима Тринида́д Ма́ртир Патри́сио Руи́с и Пика́ссо. Говорят, его назвали в честь многочисленных родственников и святых.

Он заявил о своем редком таланте в возрасте десяти лет, когда создал свою первую работу, названную «Пикадор», которая изображает наездника на корриде. Однако, его первой академической работой на ниве искусства стало «Первое причастие». Она изображает его отца, мать и младшую сестру, коленопреклонёнными у алтаря. Заметьте, Пикассо было лишь 15 лет, когда он закончил эту работу! И он создал еще больше произведений искусства, которые просто поразили мир. Некоторые из них представлены ниже:

10. Старый гитарист

Картина была нарисована в 1903 году в честь друга художника, Касагемаса, после его смерти в результате самоубийства. Это было время, когда он проникся сочувствием к угнетенным и нищим. Отсюда и картина. Она была создана в Мадриде и нарисована в искаженном стиле, перенятом от Эль Греко. Картина изображает согнутого и слепого мужчину с большой коричневой гитарой в руках.

Коричневый цвет — единственное отклонение от цветовой схемы всей картины. Не только физически, но и символически — гитара наполняет пространство вокруг старого мужчины, который забывает о своей слепоте и нищете, пока играет.

9. Девушка перед зеркалом

Нарисованная в 1932 году, картина представляет портрет французской любовницы Пикассо — Марии Терезы Вальтер. Стиль, в котором нарисована картина, называется кубизм. Основная идея Кубизма — взять и разбить определённый объект на более простые части, а затем помочь показать его с разных точек зрения путем переноса этих частей на холст.

Эта картина изображает тщеславие. На первый взгляд картина может показаться простой, но при ближайшем рассмотрении можно обнаружить множество символов, скрытых в разных элементах картины.

8. Герника

Эта картина, вероятно, одна из самых узнаваемых работ Пикассо. Это не обычная картина, а ярое политическое заявление. Она критикует обстрел бомбами городка Герника в стране Басков во время испанской гражданской войны. Эта картина является сильным обвинительным приговором против войны. Стиль картины являет собой объединение пасторального и грандиозного. Она тщательно демонстрирует трагедии войны и страдания невинных людей.

7. Три музыканта

Название этой картины объединяет серию произведений, которую Пикассо закончил в 1921 году в Фонтебло недалеко от Парижа, Франция. Это довольно большая картина более двух метров в высоту и ширину. Это отражение стиля синтетического кубизма, который преобразует произведение искусства в последовательность плоскостей, линий и арок.

Каждая картина с таким названием изображает Арлекина, Пьеро и Монаха. Считается, что эти три героя олицетворяют Пикассо, Гийома Аполинера и Макса Жакоба соответственно. Аполинер и Жакоб были близкими друзьями художника в 1910-х. Некоторые историки, однако, утверждают, что «Три музыканта» были запоздалым ответом Пикассо на «Урок фортепиано».

6. Сидящая женщина (Мария-Тереза)

Как и Герника эта работа написана в 1937 году. Мария Тереза была музой Пикассо и он нарисовал много ее портретов. Многие уверены, что эта картина напоминает узор с рубашки игральных карт, которые обычно были оформлены полосами. Опять же, кубизм тоже использован и в этой картине, в виде контраста между красными зелеными цветами.

5. Дора Маар с кошкой

Картина, созданная Пикассо в 1941 году, изображает хорватскую любовницу художника, Дору Маар, с маленькой кошкой на плечах, сидящую на стуле. Пикассо состоял в отношениях с Дорой Маар 10 лет и в течение этого времени нарисовал множество ее портретов.

Сама Дора работала фотографом-сюрреалистом. Эту картину принято считать наименее враждебным портретом Доры, и самой дорогостоящей картиной в мире. Необычное внимание к деталям, которое уделил Пикассо в этой картине, делают поистине произведением искусства.

4. Голубая обнаженная

Одна из самых ранних работ Пикассо. Она была написана в 1902 году. Эта картина результат «голубого периода» Пикассо. Это был период, когда Пикассо использовал холодный бледно-голубой в качестве доминирующего цвета в своих картинах и рисунках.

Большая часть картин «Голубого периода» отражают буйство эмоций одним цветом. Голубая обнаженная изображает спину женщины, склонившейся в позе эмбриона. На картине не прорисован фон и от этого понять ее эмоции проблематично.

3. Авиньонские девицы

Эта картина нарисована в 1907 году и является самым ярким примером кубизма. Эта картина отходит от всех канонов традиционной композиции и представлении картины. Пикассо использует искаженное изображение женских тел и геометрические фигуры новаторским способом.

Ни одна фигура не нарисована традиционно, и в итоге женщины кажутся даже немного устрашающими. Как мы видим эта картина довольно больших размеров и у Пикассо заняло девять месяцев, чтобы ее закончить. В этой картине заметно как африканское искусство повлияло на Пикассо.

2. Обнаженная, зеленые листья и бюст

Портрет любовницы писателя Марии Терезы, выполненный в 1932 году. Этот холст был закончен всего за один день. Эта картина рассматривается как одно из великих достижений Пикассо в междувоенный период. Картина создает иллюзии и считается довольно эротической.

1. Плачущая женщина

Картина, выполненная масляными красками «Плачущая женщина», написана в 1937 году. Считается, что картина продолжает тему трагедии в след за картиной «Герника». Нарисовав плачущую женщину, Пикассо целенаправленно сфокусировал внимание на человеческой составляющей страданий и создал единый образ вселенской трагедии. Это последняя работа Пикассо в серии работ, нарисованных в знак протеста. Позировала для картины (как и для целой серии других картин) Дора Маар, которая сама работала профессиональным художником.

Без сомнений Пикассо демонстрировал неординарные художественные способности с ранних лет! Один из создателей кубизма, он был поразительно плодовитым художником, который не только получил всемирную известность и богатство, благодаря потрясающим произведениям искусства, но и стал самым знаменитым деятелем искусства XX века.

Рекомендуем посмотреть:

Если вам не терпится осуществить свою мечту — научиться рисовать — то данная серия видеоуроков — то, что нужно для первого шага.

Украденный шедевр в засохшей реке. В Греции обнаружена похищенная картина Пикассо

29 июня 2021

Автор фото, EPA

Подпись к фото,

Две картины, показанные полицией во вторник, были украдены в 2012 году в ходе рейда на Национальную галерею в Афинах

В Греции была обнаружена картина Пабло Пикассо «Голова женщины», украденная девять лет назад во время ограбления в греческой галерее. За кражу работы Пикассо и произведения голландского художника Пита Мондриана был арестован 49-летний строитель из Афин.

Удалось определить судьбу и похищенной работы итальянского художника XVI века Гульельмо Каччиа. Однако спасти ее не удалось: подозреваемый сообщил полиции, что она была повреждена, и он смыл ее в унитаз. Человек, укравший картины, сам пришел в полицию и признался в совершенном им преступлении. Он также показал, где были спрятаны украденные шедевры.

Изначально в нападении на Афинскую национальную галерею в 2012 году подозревали двух человек. Произведения искусства сорвали с рам и вынесли из галереи всего за семь минут.

«Невозможно продать»

Картина Пикассо и работа Мондриана 1905 года «Ветряная мельница» были обнаружены поздно вечером в понедельник. Утром во вторник полиция сообщила репортерам дополнительные подробности дела.

Полицейские надеялись, что картины не покинули территорию Греции — об этом они говорили еще несколько месяцев назад.

Министр культуры Лина Мендони заявила журналистам, что произведение искусства было бы «невозможно продать или выставить», потому что на обороте холста художник написал по-французски: «Греческому народу, дань уважения от Пикассо».

Автор фото, EPA

Подпись к фото,

Картины обнаружились на окраине Афин

Он передал картину Национальной галерее в Афинах в знак уважения к греческому сопротивлению нацистской Германии в годы Второй мировой войны. Работа в стиле кубизма, написанная в 1939 году, — это один из многочисленных портретов партнерши Пикассо Доры Маар.

Месяцы планирования

Во время пресс-конференции во вторник полиция заявила, что 49-летний подозреваемый признался в краже, и рассказал, как он планировал преступление за полгода до его совершения.

По словам полицейских, почти каждый день он следил за передвижениями охранников и других сотрудников, отмечая время, когда те выходили покурить. 9 января 2012 года подозреваемый поднял ложную тревогу в другой части здания и проник на первый этаж музея.

Автор фото, National Art Gallery

Подпись к фото,

Вместе с «Головой женщины» похититель унес и «Ветряную мельницу» Мондриана

Меры безопасности в афинской Национальной галерее в то время оказались не на высоте: сигнализация не работала, отдельные части здания не покрывались камерами наружного наблюдения.

В течение нескольких минут вор вырезал из рам четыре работы и скрылся, хотя вторая картина Мондриана, по-видимому, была утеряна во время побега.

Полиция сообщила, что строитель годами прятал картины в своем доме и не собирался их продавать. Однако недавно он завернул их в пластиковую пленку и перевез в высохшее русло реки в Кератеа, недалеко от Афин, куда в итоге он привел полицейских. Полотна находились в хорошем состоянии.

Автор фото, Reuters

Подпись к фото,

Полиция опубликовала снимок высохшего русла реки, где были обнаружены картины

После ограбления система безопасности музея была модернизирована, и правительство Греции приветствовало обнаружение картин, назвав его «крупным успехом».

По словам министра культуры, «самая тяжелая рана Национальной галереи зажила», а ее директор Марина Ламбраки-Плака в интервью греческим СМИ сравнила возвращение картин с воскрешением из мертвых.

Все сходят с ума по Пикассо. От поп-артистов до Кунса и Кустурицы

«Каждое новое его произведение рождает по одному европейскому или американскому художнику» — это меткое наблюдение искусствоведа Валерия Турчина о Пабло Пикассо вполне могло бы послужить эпиграфом к выставке Picasso.mania в парижском Гран-пале — монументальной саге о том, как в искусстве второй половины XX — начала XXI века складывался культ Пикассо. В ней 80 действующих лиц — художников разных направлений и культур (где еще могут встретиться Джефф Кунс и Эмир Кустурица?) и более 400 произведений. Из них 100 — самого Пикассо, от Авиньонских девиц и кубистических натюрмортов через сюрреализм 1930-х годов к поздним Мушкетерам, показанным в Авиньоне в 1970 и 1973 годах.

В отдельную главу помещена Герника — политическая икона, написанная в ­1937-м по заказу республиканского правительства Испании для национального павильона на Всемирной выставке в Париже. Она, кстати, наглядный пример «пикассомании», шагнувшей за пределы искусства. Слава картины давно затмила само историческое событие. Об испанской Гернике, которую разбомбил Франко, сегодня вспоминают разве что историки. Для остальных это монументальный шедевр Пикассо и антивоенный символ. Гернику цитировали американские художники-активисты, противники войны во Вьетнаме (Леон Голуб, Рудольф Бараник), ее репродукции не раз можно было видеть на манифестациях и в США, и на Ближнем Востоке.

Но главным производителем любых маний в искусстве был поп-арт. Из Пикассо он сделал такой же товар общества потребления, как Coca-Cola или фото Элизабет Тейлор. Чаще других его цитировал Рой Лихтенштейн, на манер поп-арта переписывая его купальщиц, Дору Маар и быков. Энди Уорхол превращал картины Пикассо в размноженные полароидные снимки, Эрро — в комиксы. Отдельного зала на выставке удостоился британский поп-артист Дэвид Хокни, подхвативший «пикассоманию» в 1960-е, еще будучи студентом лондонского Королевского колледжа искусств. Переехав в Париж, как когда-то это сделал и его кумир, Хокни создал серию гравюр, посвященных Пикассо. В 1980-х кубизм стал главной темой его работ, и, даже экспериментируя с разными техниками и составляя коллажи из полароидных снимков, Хокни не перестал апеллировать к работам испанца.

Особые отношения с творчеством Пикассо сложились и у Джаспера Джонса: Тень (1954) Пикассо отчетливо проступает в его Сезонах (1985), позже переименованных в Лето.

Скульпторов «пикассомания» также не обошла стороной: они считают мэтра «своим» не меньше, чем живописцы. «Вопреки всем ожиданиям, Пикассо, пожалуй, был даже более изобретательным в скульптуре, чем в живописи, — говорит Ричард Серра, — потому что здесь ему не надо было конкурировать с прошлым, тогда как в живописи он все время старался утереть нос истории». А для Луиз Невельсон кубизм был даже ни больше ни меньше как структурой мироздания. «Долго вы еще собираетесь писать?» — спросил как-то журналист у 80-летнего Пабло Пикассо. — «Да, потому что для меня это мания». Как оказалось, весьма заразительная.

Пабло пикассо: картины и биография

Пабло Пикассо — испанский живописец, основоположник кубизма, по опросу издания Тhe Times 2009 года самый известный художник XX столетия.

Родился будущий гений 25 октября 1881 года в Андалузии, в селенье Малага. Отец Хосе Руис занимался живописью.

Своим творчеством Руис не прославился, поэтому вынужден был устроиться на работу в местный музей изобразительного искусства смотрителем.

Мать Мария Пикассо Лопес принадлежала к зажиточному роду владельцев плантаций винограда, но с детства испытала на себе, что такое нужда, так как отец бросил семью и переехал в Америку.

Пабло Пикассо в детстве

Когда у Хосе и Марии появился первенец, его окрестили именем Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо, в котором по традиции были указаны почитаемые предки и католические святые. После рождения Пабло в семье появилось еще две девочки — Долорес и Кончита, которых мать любила меньше обожаемого сына.

Мальчик был очень красив и талантлив. В 7 лет он уже начал помогать отцу в написании полотен. В 13 лет Хосе позволил сыну завершить объемную часть работы и был очень удивлен мастерством Пабло. После этого случая все свои художественные принадлежности отец отдал мальчику, а сам перестал писать.

Учеба

В этом же году юноша поступает в Академию художеств в город Барселону. Пабло не без труда удалось убедить преподавательский состав вуза в своей профессиональной состоятельности.

Через три года учебы, набравшись опыта, юный студент переводится в Мадрид в престижную академию «Сан Фернандо», где на протяжении полугода изучает технику работы испанских художников Диего Веласкеса, Франсиско Гойи и Эль Греко.

Здесь Пикассо создает картины «Первое причастие», «Автопортрет», «Портрет матери».

Юному живописцу не удалось в силу своенравного характера и вольного образа жизни удержаться в стенах учебного заведения, поэтому, бросив учебу, Пабло пускается в свободное плавание. Его близким другом к тому времени становится такой же строптивый американский студент Карлес Касагемас, с которым Пабло неоднократно посещает Париж.

Первые поездки друзья посвящали изучению живописи Делакруа, Тулуз Лотрека, Ван Гога, Гогена, а также древних финикийских, египетских фресок, японских гравюр. Молодые люди завели знакомство не только с представителями богемы, но и с богатыми коллекционерами.

Творчество

Впервые Пабло начинает подписывать собственные картины псевдонимом Пикассо, девичьей фамилией своей матери. В 1901 году случается трагедия, которая наложила отпечаток на творчество художника: его друг Карлес заканчивает свою жизнь самоубийством из-за несчастной любви. В память об этом событии Пабло создает ряд картин, которые принято относить к первому «Голубому периоду».

Обилие синих и серых цветов на картинах объясняется не только подавленным состоянием юноши, но и отсутствием денежных средств на масляную краску других оттенков.

Пикассо пишет работы «Портрет Хайме Сабартеса», «Свидание», «Трагедия», «Старый еврей с мальчиком». Все картины пронизаны ощущением тревоги, уныния, страха и тоски.

Техника письма становится угловатой, рваной, перспектива заменяется жесткими контурами плоских фигур.

Картина Пабло Пикассо «Свидание»

В 1904 году, несмотря на отсутствие финансов, Пабло Пикассо решается на переезд в столицу Франции, где его ждут новые впечатления и события. Перемена места жительства дала толчок второму периоду творчества художника, который принято называть «Розовым». Во многом на жизнерадостность картин и их сюжетный ряд повлияло место, где жил Пабло Пикассо.

В основании Монмартрского холма стоял цирк Медрано, артисты которого и служили натурой для произведений молодого художника. За два года была написана целая серия картин «Актер», «Сидящая обнаженная», «Женщина в рубашке», «Акробаты. Мать и сын», «Семейство комедиантов».

В 1905 году появилось самое значительное полотно этого периода «Девочка на шаре». Через 8 лет картину приобрел российский меценат И. А. Морозов, который и привез ее в Россию. В 1948 году «Девочка на шаре» была выставлена в музее им. А. С. Пушкина, где и находится до сих пор.

Картины Пабло Пикассо «Девочка на шаре» и «Женщина в рубашке»

Художник постепенно отходит от изображения натуры как таковой, в его творчестве появляются модернистские мотивы с использованием чистых геометрических форм, из которых составляется структура изображаемого объекта. Пикассо интуитивно подошел к новому направлению, когда создавал портрет своей поклонницы и меценатки Гертруды Стайн.

В 28 лет Пикассо пишет картину «Авиньонские девицы», которая и стала предшественницей произведений, написанных в стиле кубизма. Портретный ансамбль, на котором были изображены обнаженные красавицы, был встречен большим потоком критики, но Пабло Пикассо продолжил развитие найденного направления.

Картина в стиле кубизм Пабло Пикассо «Авиньонские девицы»

Начиная с 1908 года появляются полотна «Бидон и миски», «Три женщины», «Женщина с веером», «Портрет Амбруаза Воллара», «Завод в Хорта де Сан Хуан», «Портрет Фернанды Оливье», «Портрет Канвейлера», «Натюрморт с плетеным стулом», «Бутылка перно», «Скрипка и гитара». Новые работы характеризуются постепенным усилением плакатности изображений, приближением к абстракционизму. Наконец, Пабло Пикассо, несмотря на скандальность, начинает хорошо зарабатывать: картины, написанные в новом стиле, приносят прибыль.

В 1917 году Пабло Пикассо предоставилась возможность сотрудничества с «Русскими сезонами» Сергея Дягилева.

Жан Кокто предложил мэтру балета кандидатуру испанского художника в качестве создателя эскизов к декорациям и костюмам новых постановок.

Для работы на время Пикассо перебрался в Рим, где познакомился с первой супругой Ольгой Хохловой, русской танцовщицей, дочерью эмигрировавшего офицера.

Ольга Хохлова и Сергей Дягилев

Светлый период жизни отразился и на творчестве художника — на время Пикассо отходит от кубизма, и создает ряд полотен в духе классического реализма. Это прежде всего «Портрет Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Детский портрет Поля Пикассо».

Сюрреализм

Пресытившись жизнью состоятельного буржуа, Пабло Пикассо возвращается к прежнему богемному существованию. Переломный момент ознаменовался написанием в 1925 году первой картины в сюрреалистической манере «Танец». Искаженные фигуры танцующих, общее ощущение болезненности надолго поселились в творчестве художника.

Картина Пабло Пикассо «Девушка перед зеркалом»

Неудовлетворенность личной жизнью отразилась в женоненавистнических картинах Пикасо «Зеркало», «Девушка перед зеркалом». В 30-е годы Пабло увлекся созданием скульптур. Появляются работы «Лежащая женщина», «Мужчина с букетом». Одним из экспериментов художника становится создание иллюстраций в виде гравюр к произведениям Овидия и Аристофана.

Военный период

В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже. Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже.

Небольшой городок на севере Испании был полностью стерт с лица земли весной 1937 года немецкой авиацией. Народная трагедия нашла отражение в собирательных образах погибшего воина, скорбящей матери, разрубленных на части людей.

Символом войны у Пикассо становится изображение быка Минотавра с большими безразличными глазами. С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида.

Картина Пабло Пикассо «Герника»

В конце 30-х годов появляются картины «Ночная рыбалка на Антибах», «Плачущая женщина». Во время войны Пикассо не эмигрировал из оккупированного немцами Парижа. Даже в стесненных бытовых условиях художник продолжал работать. В его картинах «Натюрморт с бычьим черепом», «Утренняя серенада», «Бойня» и скульптуре «Человек с ягненком» появляются темы смерти и войны.

Послевоенное время

Радость жизни вновь поселяется в картинах мастера, созданных в послевоенный период. Красочность палитры и светлые образы нашли свое воплощение в цикле жизнеутверждающих панно, которые Пикассо создавал для частной коллекции в содружестве с художниками Паломой и Клодом Уже.

Картина Пабло Пикассо «Голубь мира»

Излюбленной тематикой этого периода для Пикассо становится древнегреческая мифология. Она находит воплощение не только в живописных полотнах мастера, но и в керамике, которой увлекся Пикассо. В 1949 году для Всемирного Конгресса сторонников мира художник пишет полотно «Голубь мира». Создает мастер и вариации в стиле кубизма на темы живописцев прошлого — Веласкеса, Гойи, Мане.

Личная жизнь

С молодых лет Пикассо был постоянно в кого-то влюблен. В юности подругами и музами начинающего художника становились натурщицы и танцовщицы. Первую любовь молодой Пабло Пикассо испытал, учась в Барселоне.

Девушку звали Росита дель Оро, она работала в кабаре. В Мадриде художник познакомился с Фернандо, которая на несколько лет стала его верной подругой.

В Париже судьба свела молодого человека с миниатюрной Марсель Умбер, которую все называли Евой, но скоропостижная смерть девушки разлучила влюбленных.

Пабло Пикассо и Марсель Умбер

Работая в Риме с русской балетной труппой, Пабло Пикассо женится на Ольге Хохловой. Молодожены обвенчались в русском храме на окраине Парижа, а затем переехали в особняк на берегу моря. Приданое девушки, а также доходы от продажи работ Пикассо позволяли семье вести жизнь зажиточных буржуа. Через три года после свадьбы у Ольги и Пабло рождается первенец, сын Пауло.

Пабло Пикассо и Ольга Хохлова

Вскоре Пикассо пресыщается хорошей жизнью и вновь становится свободным художником. Он поселяется отдельно от жены и начинает встречаться с молодой девушкой Мари-Терез Вальтер. От внебрачного союза в 1935 году на свет появляется дочь Майя, которую Пикассо так и не признал.

Во время войны очередной музой мастера становится югославская подданная, фотограф Дора Маар, которая своим творчеством подтолкнула художника на поиски новых форм и содержания. Дора осталась в истории как владелица большой коллекции картин Пикассо, которые она сохранила до конца своей жизни. Известны также ее фото полотна «Герника», на которых поэтапно изображен весь путь создания картины.

Пабло Пикассо с Франсуазой Жило

После войны художник знакомится с Франсуазой Жило, которая внесла в его творчество ноту радости. На свет появляются дети — сын Клод и дочь Палома. Но в начале 60-х годов Жаклин уходит от мастера из-за его постоянных измен.

Последней музой и второй официальной женой 80-летнего художника становится обычная продавщица Жаклин Рок, которая боготворила Пабло и оказывала большое влияние на его круг общения.

После смерти Пикассо, спустя 13 лет, Жаклин не выдержала разлуки и покончила жизнь самоубийством.

Смерть

В 60-е годы Пикассо полностью отдает всего себя созданию женских портретов. В качестве натурщицы художнику позирует его последняя жена Жаклин Рок. К концу жизни Пабло Пикассо обладал уже мультимиллионным состоянием и несколькими личными замками.

Памятник Пабло Пикассо

За три года до смерти гения в Барселоне был открыт музей его имени, а через 12 лет после его смерти — музей в Париже. За свою долгую творческую биографию Пикассо создал 80 тысяч полотен, более 1000 скульптур, коллажи, рисунки, эстампы.

8 апреля 1973 года на фоне воспаления легких сердце 92-летнего гения остановилось.

Картины

• «Первое причастие», 1895—1896 гг.
• «Девочка на шаре», 1905 г.
• «Сидящий на красной скамье Арлекин», 1905 г.
• «Девушка в сорочке», 1905 г.
• «Семейство комедиантов», 1905 г.
• «Портрет Гертруды Стайн», 1906 г.
• «Авиньонские девицы», 1907 г.
• «Молодая дама», 1909 г.
• «Мать и ребенок», 1922 г.
• «Герника», 1937 г.
• «Плачущая женщина», 1937 г.
• «Франсуаза, Клод и Палома», 1951 г.
• «Мужчина и женщина с букетом», 1970 г.
• «Объятия», 1970 г.
• «Двое», 1973 г

Источник: https://24smi.org/celebrity/4243-pablo-pikasso.html

Пабло Пикассо: жизнь и творчество художника

Па́бло Дие́го Хосе́ Франси́ско де Па́ула Хуа́н Непомусе́но Мари́я де лос Реме́диос Сиприа́но де ла Санти́сима Тринида́д Ма́ртир Патри́сио Руи́с и Пика́ссо (1881 -1973) — великий испанский художник и самый провокационный живописец ХХ века Пабло Пикассо прожил 91 год. Почти во всех направлениях современного искусства он оставил свой неизгладимый след. 

СОДЕРЖАНИЕ

• Биография Пабло Пикассо
• Творчество Пабло Пикассо
• Интересные факты из жизни художника
• Картины Пабло Пикассо
• Библиография и фильмография

Биография пабло пикассо

Он родился в 1881 году. Пабло взял фамилию матери, поскольку фамилия отца – Руис – была очень обыденной, к тому же отец будущего художника и сам был художником, и Пабло было у кого учиться.

В детстве отец разрешал Пабло заканчивать за него работы – например, дорисовывать лапки голубей. Однажды, когда Пабло выпал случай выполнить более масштабную работу, Хосе Руис был поражён его техникой, причем, как гласит одна из легенд о Пикассо, поражён настолько, что с этого дня сам бросил заниматься живописью.

Уже в 16 лет Пабло отправился в Мадрид, в лучшую на то время художественную школу. Проучился он там недолго, хотя успел поразить и соучеников, и преподавателей своим мастерством. Значительно сильнее он заинтересовался различными сторонами жизни большого города, а также с головой погрузился в творчество интересных ему художников – Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, а особенно Эль Греко.

Пикассо прожил очень долгую жизнь, никогда не переставая творить. За почти вековую жизнь он пережил множество творческих перемен, романтичных встреч с женщинами, сменил с десяток шикарных домов и умер мультимиллионером.

Творчество пабло пикассо

«Блестящий талант» — так охарактеризовали подростка в Мадридской Академии изящных искусств.

Однако Пабло вскоре объявил родителям, что там царит сплошной консерватизм и ничему новому он не научится. В 15 лет молодой художник создал глубокое по содержанию произведение – «Знание и милосердие».

Картина получила золотую медаль, а в кафе «Четыре кота» прошла первая персональная выставка Пабло. 

В 1900 году Пикассо посетил Париж и заболел им. Через четыре года он перебрался туда жить. «Склонившийся Арлекин», «Любительница абсента».

Художник убирает из композиций всё лишнее, великолепно передавая эмоциональное состояние героев. 
Постепенно многоцветность уходит из картин Пикассо, уступая место пронзительному голубому цвету.

Произведения наполняет чувство тоски и одиночества, которые сродни настроениям самого живописца. 

Знание и милосердие

Склонившийся Арлекин

Любительница абсента

Изменения в жизни мастера последовали после его знакомства с русским меценатом и коллекционером Петром Щукиным. Он приобрёл несколько полотен молодого художника.

Ну а затем жизнь Пабло осветила любовь к рыжеволосой красавице Фернанде Оливье, вдохновившей художника на создание знаменитого образа женщины-гитары. Девушка жила в том же доме, что и мастер.

Ревнивец Пикассо поставил замок на дверь, оберегая своё сокровище. В его палитре появились прозрачные и лёгкие краски. 

«Розовый» период отражает увлечение Пабло цирком. Арлекины и уличные гимнасты – его излюбленные персонажи.

Миниатюрная гимнастка хочет удержать равновесие, стоя на крутящемся шаре; она впечатлена своими успехами, показывая сидящему рядом мужчине свою ловкость и грацию («Девочка на шаре»).

Картина обладает поистине магическим свойством: из неё нельзя исключить ни одну деталь – иначе вся композиция рассыплется. 

Соединение геометрических предметов и человеческих фигур. В 1906 году манера художника резко изменилась.

В «Авиньонских девицах» мастер создал совершенно новую реальность, построив фигуры из геометрических объёмов, изломанных острыми углами. Публика и друзья Пикассо были шокированы.

Однако именно эту работу назовут важным шагом на пути к кубизму. Изобразительное эсперанто, так называют этот жанр, развивалось поэтапно. 

Для «сезанновского» этапа характерны серые, коричневые и зеленые тона («Женщина с веером»), а изображение построено на сопоставлении геометрических фигур. «Аналитический» кубизм буквально «дробит» образ на части.

Полотно напоминает осколки разбитого стекла, хранящие отражение человека («Портрет Амбруаза Воллара»). Декоративностью и контрастностью отличается «синтетический» кубизм («Скрипка и гитара»).

Несмотря на неприятие зрителями большинства идей Пикассо, его картины хорошо продавались.

Женщина с веером

Портрет Амбруаза Воллара

Скрипка и гитара

В 1917 году художник решил попробовать свои силы на новом поприще, создавая декорации и костюмы к спектаклям Дягилевского балета в Париже.

Ольга Хохлова танцевала в кордебалете, имела гордую осанку, была аристократически утончённа и неприступна («Портрет Ольги в кресле»). Страстно влюблённый, Пабло венчался с любимой. Ольга стремилась сделать богемного супруга более изысканным.

Однако вскоре оказалось, что они абсолютно разные люди. Гибнущие отношения не спасло даже рождение сына. 

Ну а с 1927 года на полотнах художника стал появляться образ светловолосой женщины («Сон»). Увлечение Мари-Терез Вальтер совпало с попытками высказаться в сюрреалистической манере. Скандалы в семье и ссоры с Мари-Терез – этот гордиев узел Пикассо разрубил одним махом, оставив обеих женщин. 

Интеллектуальной отдушиной для художника выступила авангардный фотограф Дора Маар. Она отсняла весь процесс создания знаменитого триптиха «Герника» — отклика мастера на события военного времени.

Дора стала на долгие годы главной моделью Пикассо. 
Настоящую радость жизни познал Пабло с юной художницей Франсуазой Жилло («Радость жизни»).

Самостоятельная и свободолюбивая, она подарила художнику сына Клода и дочь Палому, но не смогла быть с ним вместе. 

Последняя спутница и вторая официальная супруга мэтра – Жаклин Рок называла его «монсеньор» и целовала руки. Одно из лучших произведений позднего творчества Пикассо – «Поцелуй». В нём всё преувеличенно большое. Женщина прильнула к любимому мужчине с доверчивой преданностью, всматриваясь в дорогие для неё черты. 

Портрет Ольги в кресле

Сон

Радость жизни

Поцелуй

Можно долго спорить о том, любил ли Пикассо своих муз или принимал увлечение за любовь.

Ясно одно: все они были нужны, чтобы осталось бесценное наследие гения, значение которого для мирового искусства сложно переоценить. Это 50 тысяч картин, скульптурных работ, изделий из керамики и рисунков.

Такая творческая энергия полностью изменила ландшафт мировой живописи, ещё при жизни Пикассо был признан гением XX века.

Интересные факты из жизни пабло пикассо

При рождении Пабло посчитали мертвым — настолько слабым родился ребенок. У матери были очень тяжелые роды, и это не могло не сказаться на наследнике. Акушерка даже пошла сообщать матери ребенка печальную новость о том, что младенец родился мертвым.

Однако дядя Пикассо любил сигары, и даже в комнату, где лежал «мертвый» племянник, вошел, держа во рту дымящуюся сигару. Недолго думая, дядя выпустил струю дыма в лицо младенца, а тот отреагировал плачем. Естественно, после этого его перестали считать мертвым.

Первым словом, которое произнес мальчик, было «PIZ» — сокращение от «LAPIZ» («карандаш» по-испански). Отец Пабло, художник по профессии, начал воспитывать в сыне художника, начиная с 7 лет. Однако отец Пикассо поклялся отказаться от своего призвания, когда сыну исполнилось 13 лет — уже тода он превзошел своего отца (кстати, профессора искусств).

Первую картину художник нарисовал в девятилетнем возрасте, это был всадник, на лошади, который участвовал в корриде. Уже в 15 лет Пикассо создал свой первый шедевр — картину с изображением своих родных у алтаря.

Художник с детства был очень вспыльчив, и его постоянно наказывали. Темперамент художника с возрастом становился все эксцентричнее, но его талант не исчезал, а становился все ярче.

Первую серьезную работу Пикассо получил, заключив контракт с продавцом картин Pere Menach из Парижа. Это приносило ему 150 франков (на современные деньги примерно 750 долларов США — естественно, в пересчете).

В 1909 году молодой Пикассо и его друг изобрели кубизм — правда, название придумали не они, а французский критик, заметивший, что картины Пикассо полны кубиками.

Пикассо был необычайно богат, и оставил после себя только недвижимости на полтора миллиарда долларов. Его картины вообще неоценимы. Сейчас некоторые произведения Пабло Пикассо оценивают в сотни миллионов долларов.

БИБЛИОГРАФИЯ

Костеневич А. «Дриада». Генезис и смысл картины Пикассо // Вестник истории, литературы, искусства. Отд-ние ист.-филол. наук РАН. М.: Собрание; Наука. Т. 1. 2005. C. 118—131.

Пабло Пикассо. Стихотворения.

М., Марина Пикассо. Дедушка: воспоминания.

М., Надеждин Н. Я. Пабло Пикассо: «Пламя Герники»: Биографические рассказы. — 2-е изд. — М.: Майор, Осипенко, 2011. — 192 с. — (Серия «Неформальные биографии»). — 2000 экз.

Герман М. Ю. «Пикассо. Путь к триумфу» // М.: Искусство- 21 век. 2013

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: ru.wikipedia.org, xage.ru, cigar-style.ru, znayuvse.ru.

Если вы нашли неточности, или желаете дополнить эту статью, присылайте нам информацию на электронный адрес [email protected], мы, и наши читатели, будем вам очень благодарны.

Пабло Пикассо: картины художника

Пабло Пикассо — все картины Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Пабло Пикассо: жизнь и творчество художника

4.3 (86.67%) 6 голос(ов)

Источник: https://allpainters.ru/pikasso-pablo.html

Каpтины Пикассо

Пабло Пикассо ставят на одну ступеньку с великими художниками XX века. Разноплановый и уникальный в своей манере, он считается вдохновителем и создателем кубизма. Он оставил миру около сотни тысячи работ, включая рисунки, скульптуру и керамику. Его произведения искусства хранятся во многих музеях мира. Картины – одни из самых дорогих и часто похищаемых.

Биография Пабло Пикассо

Ниже представлены знаменитые и известные картины Пикассо с названиями и кратким описанием.

Наряду с другими пятьюдесятью полотнами испанского художника, приобретенными российским эмигрантом Сергеем Щукиным, картина хранится в Эрмитаже. Именно он стал одним из первых щедрых покупателей Пикассо и помог ему выбраться из нищеты.

По мнению искусствоведов, картина открывает «голубой период» творческой деятельности Пикассо, наполненного драматическими событиями в его жизни. Вокруг работы до сих пор не утихают споры, а в Париже на рубеже веков, она вообще шокировала многих.

Не только манерой исполнения, смешением красок, но и эмоциональной напряженностью, в которую погружал зрителей художник.

Эта картина оказалась первой из произведений художника, которую приобрел музей. С 1926 года она хранится в Чикаго. Пикассо написал ее в возрасте 22-х лет, после того, как его друг застрелился из-за несчастной любви.

Можно было б назвать ее «Слепой музыкант», но художник сделал акцент на старости, в которой единственной отдушиной является творчество. Инструмент он подчеркнул другим цветом в мире грязно-голубого: оттенка, характеризующего бедность и отсутствие надежд.

Старика он нарисовал поверх другой работы: кормящей матери, контуры которой можно заметить на холсте.

Начало оживления жизни. Розовый цвет становится на два года главным в творчестве Пикассо. Он написал несколько произведений на тему бродячего цирка, которым был увлечен.

В 1913 году ее приобрел коллекционер и потомок Саввы Морозова у писательницы Гертруды Стайн, которая открыла для молодого художника двери в богемную жизнь. Она была не только его другом, но и покровителем, покупая его картины за небольшие деньги.

Ивану Морозову она продала картину за 13 тысяч франков. Работа хранится в Пушкинском музее, куда она попала из национализированной коллекции Морозовых.

Рекордсменка по стоимости в 2004 году, картина была куплена частным лицом с аукциона за $104 млн у коллекционера, американского посла в Великобритании. Его семья хранила работу более полувека, заработав на ней $74 млн.

Пикассо писал картину в общежитии молодых художников, куда частенько заглядывал подросток, изображенный в венке из роз. Эта деталь пришла в голову художника после мучительных размышлений о том, чем завершить работу.

Ранние картины художника практически все находятся в музеях, так что эта стала редким исключением. Имя частного коллекционера, купившего ее, не разглашается из-за опасений воровства.

Известна как одно из первых проявлений кубизма в творчестве художника. Обнаженные тела лишены им гибкости умышленно, а по их позам не трудно догадаться, что девушки списаны с обитательниц борделя, куда частенько наведывался автор.

В ней четко виден переход мастера с его увлечения голубым и розовым в африканский период, который вскоре перечеркнул новый жанр. Почти год работы. С этого времени Пикассо узнаваем: фишка, хоть и не понравилась публике и критике, но стала визитной карточкой для художника, а впоследствии послужила отправной точкой для целого направления в искусстве.

С ней художник расстался в 1920 году. Через семнадцать лет мир впервые увидел эту работу, а вскоре ее приобрел музей Нью-Йорка.

Пикассо был женат на русской балерине Ольге Хохловой и его жизнь, наконец-то утопала в роскоши, когда он писал эту картину.

Никогда не признававший рамки и условности, он и в творчестве старался расширять границы. Картина относится к синтетическому кубизму – очередной самобытной манере художника.

Он изобразил вполне конкретных людей, зашифрованных в символах: это друзья Гийом Аполлинер и Макс Жакоб – свидетели на его свадьбе. Третий персонаж, который с гитарой – сам Пабло. Пьеро уже умер, Монах отрекся от мира, а Арлекин прощается с беззаботностью.

Картина хранится в музее современного искусства в Нью-Йорке.

С 1936 года дважды менялись ее владельцы. Пока она не была выставлена на аукцион. С него в 2010 году «Обнаженная…» ушла за $106,5 млн неизвестному частному лицу.

Еще одна рекордсменка по стоимости, как и многие работы Пикассо.

Ее писал художник тайно от своей жены с Марии Терезы Вальтер, молоденькой возлюбленной, подарившей ему дочь. Художнику было 46 лет, и начало романа было многообещающим.

Существует более полусотни ее портретов и скульптурных бюстов. Эта картина была написана всего за сутки в его сюрреалистической манере.

Вдохновение придает и подготовка к очередной выставке, посвященной 50-летию именитого художника. Он хочет превзойти своего конкурента и друга Матисса, который также намерен поразить публику своими выставочными работами.

Самая узнаваемая и трагическая картина, а также самая масштабная по смыслу и размеру. Известны антифашистские взгляды Пикассо, ее вступление в коммунистический союз Франции и смелый ответ нацистам, которые пришли в его мастерскую с обыском и все там перевернули. Один из них спросил, глядя на огромное полотно, сделал ли эту работу именно Пикассо. На что он ответил: «Нет, сделали это вы».

Герника – название городка на родине художника, которое стерла с лица земли немецкая авиация вместе с жителями. Боль, страдания, ужас войны – Пикассо работал над этой объемной картиной месяц.

Все это время его вдохновляла новая возлюбленная Дора Маар. Она же сняла весь процесс работы на фотоаппарат, и эти кадры облетели весь мир.

Картина выставлялась в основном в Америке, только в 1981 году переехала в музей Мадрида.

Картина хранится у частного лица в Грузии. Миллионер приобрел ее за более $100 млн в 2006 году.

На ней изображена та самая Дора, с которой судьба свела художника на семь лет. Роман был ярким как комета, а закончился ее психическим расстройством. Она никогда не позировала, но ее образ запечатлен во многих портретах.

В последние годы их отношений – улыбку на холсте сменили слезы. Плачущая Дора – персонаж целой серии его работ. Но эта дама в шляпке вполне энергична, уверена и чувствует себя победительницей.

Черная кошка на плече демонстрирует ее независимый характер.

Сочетание цветов помогает зрителю погрузиться в настроение, разгадывая символы.

Эта картина побила все рекорды, когда ее купили два года назад за сто семьдесят девять миллионов долларов!

Причем она стала не только хитом творчества Пикассо, но возглавила список самых дорогих картин. Кто выложил за нее баснословную сумму – не раскрывается, но некоторые уверяют, что она была куплена по просьбе экс-министра Катара.

Пикассо создал несколько версий, но знаменитой стала последняя, с инициалом «О».

Образы женщин – собирательные с полотен Делакруа, Ренуара, Матисса. Хотя в одной из них некоторые искусствоведы видят последнюю возлюбленную художника Жаклин Рок.

Что Вы думаете о творчестве и работах Пикассо? Пишите в х!

Источник: https://qoon.ru/articles/kaptinyi-pikasso-pablo/

Биография Пабло Пикассо

Пикассо Пабло (25.10.1881-08.04.1973) – испанский художник, график, скульптор, керамист. Внес серьезный вклад в развитие изобразительного искусства, один из основоположников кубизма. Является автором неподдающегося счету работ, которые лидируют по своей стоимости и чаще других подвергаются похищению.

Юные годы

Пабло родился в провинциальном испанском городе Малага, позже семья перебралась в Барселону. Он взял фамилию матери, потому что отцовская ему казалась слишком простой. Пикассо был убежден, что стремление творить передала ему мать, рассказывавшая ему сказки, основываясь на пережитых за прошедший день впечатлениях.

Мальчик пошел по стопам отца Хосе Руиса, который был художником, и с семилетнего возраста стал осваивать технику рисования, дописывая картины Хосе.

Первая собственная работа «Пикадор», написанная в 8 лет, которую он бережно хранил всю жизнь. Когда Пабло было тринадцать, ему доверили дорисовать большую часть натюрморта.

Существует версия, что отец мальчика, увидев результат, бросил изобразительное искусство.

За неделю Пикассо подготовился к вступительным экзаменам в Академию художеств в Барселоне и с легкостью прошел их, несмотря на слишком малый возраст.

В те времена лучшая школа искусств находилась в Мадриде, и Хосе мечтал, чтобы сын учился именно там. В 1897 году Пабло перебрался в столицу.

Его больше интересовал опыт художников, а не классические лекции, которые навевали на юношу тоску. Он изучал работы в музеях, впервые посетил Париж.

Спустя год Пикассо вернулся в Барселону, где стал членом сообщества художников Els Quatre Gats. В одноименном кафе в 1900 году состоялись его первые выставки. Здесь же он познакомился со своими приятелями Х. Сабартесом и К. Касахемасом, ставшими впоследствии героями его работ.

Творчество художника было продуктивным и всегда находилось в состоянии развития. Поэтому его творческую жизнь принято рассматривать по периодам.

Голубой и розовый периоды (1901-1906)

Художник стал совершать поездки в Париж, где изучал импрессионизм. В те годы он сталкивался с трудностями. Покончил с собой его друг Карлос Касахемас, из-за чего Пикассо сильно переживал. Работы до 1904 года относят к «голубому периоду».

Тогда стиль художника характеризовался печальными образами, тематикой нищеты и смерти. Его персонажами были алкоголики, падшие женщины, слепцы и нищие. В цветовой палитре преобладали голубые оттенки.

К работам того времени относятся «Женщина с шиньоном», «Любительница абсента», «Свидание», «Трагедия» и др.

С 1904 года, когда Пикассо переезжает в Париж, где поселяется в бедняцком общежитии для художников, здесь и берет начало «розовый период». Известную во всем мире «Девочку на шаре» относят к переходному времени. Краски на полотнах художника оживляются, появляются розовые и золотистые тона.

Тематика сменяется на театрально-цирковую, а героями картин становятся странствующие артисты. В жизни художника появляется модель Фернанда Ольвье, которая сильно повлияла на биографию Пабло Пикассо и стала его вдохновителем. Тогда были написаны: «Шут», «Сидящий арлекин», «Девочка с козлом» и др.

«Семья комедиантов» (1905) – существует предположение, что на полотне изображены люди из окружения художника

Переход к кубизму

Если на ранних этапах Пикассо экспериментировал с цветами, передачей на холст эмоций, то после 1906 года он стал изучать форму, интересоваться скульптурой, африканской культурой, коллекционировать ритуальные маски.

Ему стало неинтересно рисовать конкретного человека, Пабло привлекали формы и структура, их искажения. Первая работа нового стиля ¬– «Авиньонские девицы» – повергла в настоящий шок друзей художника.

В 1907 году он познакомился с Жоржем Браком, вместе с которым они становятся авторами совершенно нового направления – кубизма.

Поначалу работы Пикассо нового периода были в коричнево-зеленоватых тонах, несколько размытыми, изображение состояла из простых форм («Три женщины», «Женщина с веером», «Бидон и миски»).

В 1909-1910 годах предмет изображается состоящим из более мелких частей с четким разделением («Портрет Фернанды Оливье», «Портрет Канвейлера»).

Далее на картинах появляются конкретные предметы, натюрморты, стиль коллажа («Бутылка перно», «Скрипка и гитара»).

«Портрет Воллара» (1910) автор считал лучшим кубистическим портретом. Картины Пикассо начинают неплохо продаваться, несмотря на отрицание кубизма большинством. К 1909 году материальное положение Пабло улучшается, и он перебирается в большую мастерскую.

Период кубизма заканчивается с наступлением Первой мировой войны, когда ему пришлось расстаться со многими единомышленниками, в том числе с Ж. Браком. Но отдельные приемы кубистического стиля Пикассо еще долго будет использовать в своих работах.

Русский балет и сюрреализм

В 1916 году Пикассо предложили принять участие в постановке русского балета С. Дягилева. Эта идея увлекла художника, вместе с балетной труппой он едет в Рим, где занимается декорациями и эскизами костюмов.

Там он встречает балерину Ольгу Хохлову, на которой женится в Париже в 1918 году. В 1921 году появляется на свет их сын.

В то же время художник несколько меняет стиль, в работах появляются светлые тона («Купальщицы», «Портрет Ольги в кресле»).

С 1925 года в семейной жизни и творческой деятельности художника начинается сложный период, сочетающийся с влиянием сюрреалистических настроений.

В его картинах прослеживаются признаки агрессии, абсурда, истерии, рваные образы («Женщина в кресле», «Сидящая купальщица»). В 1932 году он встречает Марию-Терезу Вальтер, которая становится его моделью, рожает ему дочь.

Пикассо создает скульптуры («Лежащая женщина», «Конструкция» и др.).

Война и послевоенное время

В 30-х годах на полотнах художника появляется образ быка, несущего с собой агрессию и смерть. Во время войны в 1937 году был разрушен испанский город «Герника».

Пикассо на фоне этих событий создает свою «Гернику» – большое полотно длиной 8 метров и шириной 3,5 метра в черно-белых тонах. Картина передает боль и ужас людей, пострадавших от немецких налетчиков.

Война сильно повлияла на работы художника, которые стали мрачными и тревожными («Бойня», «Плачущая женщина»).

В 1945 году Пабло встречает Франсуазу Жило, будущую мать его двоих детей. Эта женщина вдохновляет художника на создание полотен с семейными образами.

После переезда на средиземноморский юг Франции он увлекается керамикой, его работы становятся более гармоничными и ироничными. Среди них много блюд, тарелок, скульптур. В 1949 году художник создает всем известного «Голубя мира».

В 1953 году Франсуаза уходит от Пабло из-за его непростого характера и измен.

Пикассо снова женится в 1958 году, его избранницей становится Жаклин Рок, которая в два раза младше него, для жены он написал более 400 портретов. Среди картин 50-х годов наиболее известны вариации работ по Мане, Гойя, Делакруа и др.

Пикассо с супругой Ж. Рок – фото, представленное на выставке «Пикассо и Жаклин» в Нью-Йорке

Последние годы художника

На закате жизни для Пикассо были характерны разноплановые работы, однако, как и всегда, лидировали женские образы. Его последней музой была до конца верная художнику жена. Жаклин ухаживала за ним до последних дней, когда он ослеп, почти не слышал и был очень болен. Умер Пикассо во французском городе Мужене, похоронен у своего замка Вовенарг.

Еще при жизни художника его другом в 1963 году был создан музей с работами Пикассо в Барселоне, теперь он занимает пять особняков и насчитывает более 3,5 тысячи экспонатов. В 1985 году начал работу парижский музей Пикассо, в 2003 – музей в Малаге. Художник оказал сильнейшее влияние на культуру своего времени.

Любопытные факты

• Начиная свое творчество в нищенстве, великий художник умер мультимиллионером.
• Работа «Алжирские женщины» ушла с нью-йоркского аукциона за 179 миллионов долларов в 2015 году. Более дорогой картины не было еще продано ни на одном аукционе мира.
• По оценкам экспертов Пикассо создал более двадцати тысяч работ.
• Автомобильная компания Citroen назвала именем художника несколько моделей машин.
• Младшая дочь Пикассо Палома является дизайнером в транснациональной ювелирной компании Tiffany.
• После смерти Пабло Пикассо ушли из жизни и несколько его близких: внук от первой жены в день похорон художника выпил хлорку из-за запрета присутствовать на церемонии; в 1975 году умер сын Поль от цирроза; в 1977 году покончила с собой Мария-Тереза Вальтер; в 1986 году – вдова Пикассо Жаклин.

Источник: https://stories-of-success.ru/pablo-pikasso

Биография Пикассо

• Пабло Пикассо (1881 – 1973) – величайший испанский художник, основоположник кубизма, осветивший своим талантом большинство направлений современного искусства.
• Детство и период обучения.
• 25 октября 1881 года в городе Малага, что в Испании, родился Пабло Диего Хосе Франсиско Де Паула Хуан Непомусено Мария Де Лос Ремедиос Сиприано Де Ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо, вошедший в историю мирового искусства под именем Пабло Пикассо.

Пикассо – девичья фамилия матери художника, которую он предпочел для себя взамен отцовской – Руис. Тому было несколько причин. Во-первых, в испанской среде фамилия Руис считалась довольно простой и была широко распространена, а во-вторых, Хосе Руис тоже был художником-любителем и искусствоведом. Читать далее

Творчество Пабло Пикассо: «голубой» и «розовый» периоды.

В начале XX века Пикассо со своим другом К. Касахемасом покидает Испанию и приезжает в Париж. Здесь Пабло вплотную знакомится с работами французских импрессионистов, в частности, А. Тулуз-Лотрека и Э. Дега, которые в свое время окажут серьезное влияние на развитие творческой мысли художника.

К несчастью, влюбленный во француженку и отвергнутый ею, Касахемас в феврале 1901 года совершает самоубийство. Грани реальной жизни и искусство для Пикассо всегда были неразрывны, и это трагическое событие, глубоко потрясшее художника, нашло отражение в последующих его работах. Читать далее

 «Кубизм» Пабло Пикассо.

Во все времена независимо от направлений, к которым принадлежало их творчество, художники искали способы передачи мира, его красок и форм на плоскости холста.

К началу XX века, времени развития фотографии, стало очевидно, что живопись отныне не является единственным способом отображения художественных образов в их «правильном» свете.

Чтобы иметь право на жизнь и не утратить своей актуальности в условиях меняющегося мира, искусству требовалось открыть новый язык общения с ним. Для Пикассо этим языком стал кубизм. Читать далее

Пабло Пикассо: период неоклассицизма.

Начало Первой мировой войны, расколовшей мир на части, смерть любимой женщины – Марсель Умбер (Евы), сложные отношения с друзьями и близкими, заставили Пикассо заново переосмыслить свою жизнь и творчество.

Результатом подобного самоанализа явилось осознание главенства живописи, затмевающей собой все прочие стороны жизни художника. Ни долг служения родине, ни отношения с женщинами, ни заведение дружеских знакомств не были для него так же важны, как искусство.

При этом Пабло все больше отдаляется от созданного им кубизма, который из его основного стиля творчества превращается в пройденный этап на пути развития художественных взглядов мастера. Читать далее

Сюрреализм Пикассо.

Пикассо никогда не был приверженцем одного стиля в искусстве, вся его жизнь прошла в творческих исканиях. В 1925 году поиски новых способов, форм и приемов отображения мира глазами художника привели его к сюрреализму.

Во многом этому повороту способствовала атмосфера разрушающейся семейной жизни испанского художника и русской балерины. Ольга Хохлова, получившая воспитание в лучших традициях высокого общества, требовала от Пикассо соблюдения подобных же правил приличия при посещении светских мероприятий. Читать далее

Война в Испании. Герника. Вторая мировая война

В 1936 году в Испании вспыхнула Гражданская война. Сторонники молодого республиканского правительства ожесточенно пытались противостоять властным стремлениям военно-националистической диктатуры во главе с генералом Франко и установлению фашистского режима на испанской земле.

Как истинный патриот, Пабло Пикассо не мог остаться в стороне от происходящих событий. Он не боролся с врагом на поле боя, не бросался на баррикады. Художник делал то, что умел лучше многих – с кистью в руках он выражал свою позицию посредством картин, своими полотнами вдохновлял сражающихся и обличал совершаемые против человечества преступления. Читать далее

Творчество Пабло Пикассо в послевоенный период.

С окончанием Второй мировой войны настроения мира и радости осветили жизнь художника и поселились на его картинах.

В 1946 году Пикассо получает заказ от княжеской семьи Гримальди на создание серии картин и панно для их замка в курортном городе Антибе. Вдохновленный Природой Средиземноморского побережья Франции, художник создает 27 прекрасных полотен, олицетворявших гармонию мира, где обитают обнаженные прекрасные нимфы и мифические сказочные создания – фавны и кентавры. Читать далее

Источник: http://picasso-picasso.ru/biografiya-pikasso/

самые дорогие картины столичных галерей – Москва 24, 03.06.2015

Пабло Пикассо. Дама с веером. Фото: www.arts-museum.ru

11 мая на аукционных торгах за рекордную сумму в 179 миллионов долларов была продана картина Пабло Пикассо. Она ушла в частную коллекцию. Корреспондент М24.ru решила разобраться, какие дорогостоящие шедевры сегодня могут увидеть москвичи и гости столицы в постоянных или временных экспозициях музеев.

В Москве не так много действительно дорогостоящих произведений искусства, а 2015 год не богат выставками с громкими именами в названиях. Но при этом есть работы, мимо которых совершенно невозможно пройти . Причем не только в рамках временных выставок, но и в постоянных коллекциях музеев Москвы. Если вы начинающий коллекционер и думаете о том, с шедевра какого автора начать свою коллекцию, или просто следите за тенденциями в мире современного искусства, то посещение этих музеев и выставок стоит внести в свои планы.

Великие модернисты: Пабло Пикассо

За последние 10-15 лет сложился определенный круг художников, чьи имена неизменно появляются в списках рекордных продаж. Среди них всегда встречается имя Пабло Пикассо.

Каждая картина этого мастера, попав на аукционные торги, становится настоящей сенсацией и гарантировано будет продана более чем за 100 миллионов долларов.

На майских торгах аукциона Christie’s был установлен очередной ценовой рекорд. В центре внимания оказался очередной шедевр мастера: на этот раз работа «Алжирские женщины (Версия «О»)» была продана за 179,365 миллионов долларов. За последние 11 лет это уже четвертая картина испанского гения, установившая рекорд на аукционных торгах. В первую очередь, тенденция связана с тем, что Пикассо стал признанным классиком еще при жизни.

В Москве его шедевры можно увидеть в ГМИИ им. Пушкина. В Галерее Искусств Стран Европы и Америки ГМИИ можно посмотреть такие работы Пикассо, как «Портрет Амбруаза Воллара», «Даму с веером» и, конечно же, знаменитую «Девочку на шаре» – шедевр, ознаменовавший начало розового периода в творчестве художника.

Пабло Пикассо. Девочка на шаре. Фото: www.arts-museum.ru

Поль Гоген

Помимо открытых аукционных продаж, рекорды также устанавливаются при частных сделках. И, по слухам, сегодня лидером таких продаж является Поль Гоген, цены на картины которого достигают сумм в 350 миллионов долларов. В коллекции все той же Галереи Искусств Стран Европы и Америки ГМИИ есть несколько работ Гогена. При этом среди них есть произведения, занимающие важное место в истории современного искусства. Так, например, работа «Кафе в Арле» скрывает за собой историю дружбы художника с Винсентом Ван Гогом. Художники, поспорив, написали парные работы. (Картина Ван Гога «Ночное кафе» находится в Художественной галерее Йельского университета).

Возможность увидеть подлинные шедевры этих мастеров в коллекции ГМИИ – уже большая удача. А учитывая, что организаторы выставок время от времени делает интересные проекты, сопоставляя и сравнивая их работы по стилистическим или хронологическим принципам, то, возможно, вам повезет увидеть их в каких-либо кураторских или мультимедийных проектах.

Поль Гоген. Кафе в Арле. Фото: arts-museum.ru

Русский авангард: Казимир Малевич

Если же вам ближе искусство отечественных художников, то стоит отправиться в здание Третьяковской галереи на Крымском валу. Тут среди множества русских авангардистов вы сможете увидеть работы Казимира Малевича, Василия Кандинского, Петра Кончаловского, Натальи Гончаровой, за которые, попади они на аукцион, будут сражаться множество коллекционеров.

Периодически в продаже оказываются версии «Черного Квадрата» Казимира Малевича, оригинальная версия которого находится именно в Третьяковке. Количество трактовок и интерпретаций, часто не имеющих под собой никаких серьезных оснований, сотворили этой картине славу манифеста супрематизма, русского авангарда и всего современного искусства в целом. При этом, у художника существует еще масса интереснейших работ, как с точки зрения искусствоведа, так и с точки зрения простого зрителя.

Например, в одну серию с «Черным квадратом» входят картины «Черный крест» (Центр Помпиду, Париж) и «Черный круг» из Русского Музея в Санкт-Петербурге. Сегодня Казимир Малевич входит в десятку самых дорогих и самых подделываемых русских художников. Познакомиться с его работами можно в постоянной экспозиции Третьяковской галереи.

Казимир Малевич. Черный квадрат. Фото:www.tretyakovgallery.ru

Василий Кандинский

Вообще русский авангард пользуется почетов по всему миру, и в большей степени потому, что весь мир знает его по великим эмигрантам первой половины XX века и русским сезонам Дягилева: в нью-йоркской Neue Galerie сегодня проходит выставка работ русского авангарда из коллекции Петра Авена. Но цены на него за всю историю аукционных торгов не поднимались выше 60 млн. долларов. Рекорд был установлен «Супрематической композицией» Василия Кандинского в 2008 году на аукционе Sotheby’s, ушедшей в частную коллекцию. Интерес к работе подогрела скандальная история с отчуждением произведения искусства наследниками у голландского музея Stedelijk по решению суда.

Василий Кандинский. Композиция VII. Фото: www.tretyakovgallery.ru

Ссылки по теме

Шедевры временных экспозиций: от русского авангарда до московского концептуализма

Коллекции ГМИИ и Третьяковской галереи в большей степени, конечно, заслуга меценатов и коллекционеров прошлого века. Сегодня в галереях и музеях, выставляющих современное искусство, очень редко происходят столь значимые события мирового масштаба. Выставка работ Марка Ротко в ЦСИ Гараж в 2010, выставки, посвященные Сальвадору Дали и Пабло Пикассо в ГМИИ — достаточно редкое явление, особенно в кризис. Но и в 2015 году надо отметить несколько значимых событий в московской культурной жизни.

Несколько дней назад в Еврейском музее и центре толерантности завершилась выставка «Современники будущего. Еврейские художники в русском авангарде 1910–1980». На выставки были представлены работы 35 художников из крупных музейных и частных собраний, в том числе произведения Роберта Фалька, Марка Шагала и Ильи Кабакова – мастеров, получивших мировое признание и высоко оцененных критиками, коллекционерами и аукционистами, чьи работы можно при желании отыскать среди шедевров постоянной экспозиции Третьяковки.

Фаберже из собрания Музея изящных искусств штата Виргиния

Музей Фаберже в конце года представит выставку шедевров фирмы Фаберже – знаменитую коллекцию Лилиан Томас Пратта из собрания Музея изящных искусств штата Виргиния. Жена американского бизнесмена Джона Ли Пратта, скончавшаяся в 1947 году, завещала музею свою коллекцию из более чем 400 объектов, среди которых 5 пасхальных императорских яиц. Это одно одно из крупнейших собраний Фаберже в мире.

Императорское пасхальное яйцо Фаберже. Фото: vmfa.museum

Александр Колдер, Фрэнсис Бэкон и «Художники-путешественники» в ГМИИ

Совсем скоро в главном здании ГМИИ откроется выставка работ художника-изобретателя Александра Колдера. Сегодня его мобили – кинетические скульптуры из легких металлических пластин и стержней, приводимые в движение ветром или с помощью электрического мотора, становятся громкими продажами аукционных торгов. В 2012 году висячая конструкция «Летучая рыба», созданная в 1957 году, была продана почти за 26 млн долларов на аукционе Christie’s.

Александр Колдер. Лев и Геркулес. Фото: arts-museum.ru

Также летом в Москве можно будет увидеть работы одного из самых дорогих художников во всем мире Фрэнсиса Бэкона. В 2013 году его триптих «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда» был продан на аукционе Christie’s за рекордную на тот момент сумму в 142,4 миллиона долларов, которую смогла перебить только сумма, заплаченная за картину Пикассо 11 мая 2015 года. Проведенная Эрмитажем выставка «Фрэнсис Бэкон и наследие прошлого» частично приедет в ГМИИ им. Пушкина. Здесь покажут только картины и вещи мастерской Фрэнсиса Бэкона из собрания Центра изобразительных искусств Сейнсбери, без эрмитажной части коллекции.

А завершит год ГМИИ проектом «Путешествие в экзотические страны…Художники-путешественники», посвященный русским и европейским художникам-путешественникам: Полю Гогену, Анри Матиссу, немецким экспрессионистам. В нем картины одних из самых дорогих художников в мире окажутся вписанными в новый контекста.

Кончено, говорить о ценах на искусство достаточно сложно. Те работы, что путешествуют по частным коллекциям и продаются на аукционах, очень редко можно увидеть в свободном доступе, на выставках частных собраний или при передаче в коллекцию музея. А то, что уже находится в музеях – бесценно.

Екатерина Кинякина

Влияние России на Пикассо отмечается в Москве

МОСКВА (Рейтер) — Влияние России на Пабло Пикассо было отмечено на новой московской выставке, посвященной испанскому художнику, скульптору и соучредителю движения кубизм.

Картины Пикассо с выпученными глазами и скульптурами с его фирменными треугольными носами входят в коллекцию из 240 работ одного из самых плодовитых и доминирующих художников ХХ века.

Крупнейшая выставка Пикассо на российской земле за более чем 50 лет открылась в пятницу, и именно русское влияние на Пикассо — через его русскую жену и доступ к ее миру — взволновало посетителей мраморных залов Московского музея Пушкина. возле Кремля, в котором находится выставка.

«В то время Россия была столицей революции, и эта энергия сильно повлияла на Пикассо, она повлияла на то, как он творил», — сказал Рейтер представитель Кремля по культуре Михаил Швыдкой.

Анн Бальдассари, директор французского Национального музея Пикассо в Париже, который предоставляет большую часть работ, сказала, что художественные движения и мастера в России, такие как художники-авангардисты Казимир Малевич и Василий Кандинский, сыграли «бесспорно большую» роль в творчестве Пикассо. жизнь и вдохновение.

Через год после русской революции 1917 года Пикассо, родившийся в 1881 году в Малаге, женился на балерине Ольге Хохловой, чьи задумчивые взгляды и овальные глаза стали отличительными чертами многих его рисованных женщин.

Несмотря на то, что через восемь лет, когда у художника завязался роман со своей 17-летней музой, они потерпели неудачу, Хохлова, как полагают, вдохновила Пикассо на темы матери и ребенка.

Проходя мимо картины «Ольга в кресле», изображающей Хохлову с опущенной головой в драпированном черном платье с цветочным рисунком, Швыдкой добавил: «Он был окружен русской культурой, и это сделало его человеком света».

Пикассо большую часть своей взрослой жизни прожил во Франции, но, как сказал министр культуры Франции Фредерик Миттеран, присутствуя на открытии выставки: «Россия научила его, воодушевила, тронула его.

РУССКИЙ БАЛЕТ

Работы пяти основных участников творчества Пикассо — его периодов синего, розового, африканского, кубизма и сюрреализма — экспонируются в течение трех месяцев в Москве, в то время как музей Пикассо в Париже находится на реконструкции.

Мгновенно узнаваемые и полюбившиеся картины, такие как «Поцелуй» 1967 года, изображающая черно-белую пару с зажатыми губами и вертикальными глазами, кубистская «Сидящая женщина» 1937 года и «Жаклин со скрещенными руками», его картина 1954 года. его второй и последней жены венчают выставку.

Первая леди России и самопровозглашенная любительница искусства Светлана Медведева, украшенная жемчугом и обрамленная черной норкой на шее, прошла через тщательно продуманную коллекцию, но, как и следовало ожидать, не произнесла ни слова.

Она остановилась, чтобы посмотреть на 30 картин и 20 фотографий, непосредственно связанных с Россией, с тех пор, как Пикассо создал дизайн для русского балетмейстера Сергея Дягилева.

Министр Миттеран добавил, что отношения Пикассо с Россией перекликаются с досоветской эпохой, когда российская элита говорила друг с другом по-французски, а две страны обменивались идеями и литературой.

Государственный музей Пушкина предоставил несколько собственных картин Пикассо, таких как «Старый еврей с мальчиком» 1903 года из его более мрачного, рефлексивного «голубого» периода.

Репортаж Эми Феррис-Ротман, редактирование Пола Кашиато

Богатый русский, покровительствовавший Пикассо, сделал Матисса

Немногие впечатления могут сравниться с хроматическим толчком, волной красоты, захлестывающей человека при входе в зал Матисса на выставке «Иконы современного искусства» в Фонде LVMH в Париже.

Великолепная коллекция произведений искусства импрессионистов, постимпрессионистов и раннего модерна Сергея Щукина была фактически заточена за железным занавесом большую часть ХХ века. После того, как коллекция была национализирована Лениным в 1918 году, роль Щукина была скрыта советскими властями. В 1948 году Сталин разделил коллекцию между Пушкинским музеем в Москве и Эрмитажем в Санкт-Петербурге.

Сегодня коллекция является таким источником национальной гордости, что президент Владимир Путин хотел открыть выставку, но отменил свой визит в Париж из-за того, что Франция осудила российские бомбардировки Алеппо.

«Произведения, которые мы собрали здесь, покинули Францию ​​более века назад, — говорит Анн Бальдассари, бывший директор музея Пикассо и заказчик выставки LVMH. «В течение десятилетий их практически запрещали показывать по идеологическим причинам как« буржуазное искусство ». Коллекцию невозможно было увидеть из-за географической и идеологической удаленности. Поэтому и по сей день коллекция Щукина остается легендарной.”

российских музея одолжили элементы коллекции с 1990-х годов, но не в таком масштабе. «Были важные работы, которые нельзя было поехать, потому что они были сильно повреждены во время путешествия в Сибирь для сохранности во время Второй мировой войны», — говорит Балдассари. «Но суть коллекции здесь. Даже в России они никогда не воссоединились, потому что они принадлежали двум великим музеям, конкурирующим друг с другом ».

Щукин, текстильный миллионер, в период с 1898 по 1914 год приобрел 275 полотен, в том числе 50 Пикассо, 38 Матиссов и 13 Моне.Он увозил их в Москву, иногда с еще влажной краской. С тех пор большинство из них не видели на западе.

Художественный критик Яков Тугенхольд описал Трубецкий дворец Щукина в 1914 году «с бледно-зелеными драпировками, розовым потолком и вишневым ковром на деревянном полу, среди которых ярко и радостно светятся малиновые и изумрудные цвета Матисса».

Цвета Матисса все еще светятся более века спустя. Pink Studio , построенная по заказу Щукина в 1911 году, была отреставрирована Пушкинским музеем в рамках подготовки к поездке в Париж. Студия художника была явно счастливым местом с розовым полом, стенами в полоску лаванды, скульптурами и картинами в стиле ню, а также видом на зеленый сад.

Гармония в красном , также заказанная Щукиным для своего дома, стоит перед ним. Щукин хотел, чтобы фон был синим, чтобы он дополнял Гогенов в его столовой.Но как бы ему ни был нужен обычай Щукина, Матисс настаивал на том, чтобы картина была красной.

Самым ранним Моне, купленным Щукиным, был Завтрак на траве (1866), чопорный ответ Моне на одноименный скандальный холст Мане. Он был написан на открытом воздухе, что было основным принципом зарождающегося импрессионистского движения. Сохранились только фрагменты готовой картины, поэтому купленный Щукиным этюд — единственная запись оригинала.

«Моне» Щукина — это история великого импрессиониста. Последний купленный им холст, « Чайки, Река Темза, здание парламента » (1904) — это типичный образец Моне, с едва заметными в туманном лиловом свете чайками перед призрачным Вестминстером. На переднем плане даже кувшинки.

В 1898 году Щукин посетил выставку в галерее Амбруаза Воллара в Париже, посвященную работе Гогена «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем? .Заглавная картина уже была продана, но Щукин скупил столько Гогенов, сколько смог. Он повесил их на стене своей столовой в виде иконостаса — ширм с иконами, которые отделяют алтарь от нефа в православных церквях.

Щукин был членом «старообрядцев», которые откололись от Русской православной церкви в 17 веке в знак протеста против реформ.Несмотря на длительные преследования, старообрядцы занимали видное место среди богатых семей промышленников. Как набожного старообрядца, Щукина беспокоили картины обнаженной натуры. Он безуспешно пытался уговорить Матисса облачить фигуры в Танец и Музыка , которые он заказал для своего Трубецкого дворца.

Щукин сделал исключение для экзотического примитивизма Гогена. Aha Oe Feii? (Что? Вы ревнуете?) «», написанная на Таити в 1892 году, изображает обнаженных таитянских девушек, лежащих на пляже или на берегу реки и обсуждающих свои завоевания.

Щукин заставлял себя покупать картины, которые ему не нравились, — говорит Балдассари. «Каждая картина — это испытание для Щукина. Он покупает их не из удовольствия или желания. . . Он борется со своим вкусом, движимый собственным сопротивлением, своего рода негативным компасом. . . Он глубоко верит в художников и доверяет им больше, чем себе. Он говорит о Пикассо: «Мне не нравятся его работы, но Пикассо прав, а я ошибаюсь».

Щукин познакомился у Воллара с американскими братом и сестрой коллекционерами Гертрудой и Лео Стайн.Семья Штейнов познакомила его с Матиссом, а Матисс познакомил его с Пикассо. Он купил свое « Три женщины » (1907-08), знаковую картину в стиле кубизма, у Штейнов во время их «развода».

Три женщины является аналогом Demoiselles d’Avignon, , который принадлежит MoMa в Нью-Йорке. Обе картины высмеивали. « Demoiselles остаются в некотором роде образными, — говорит Балдассари.«Есть натюрморт, почти традиционная женская аллегория. . . но Три женщины был чрезвычайно смелым для того времени; изменивший мир ».

Считается, что Щукин собирал произведения искусства в качестве утешения. Его старший сын утонул в Москве-реке в 1905 году. Его жена тогда умерла от рака. В 1910 году, в годовщину смерти матери, заболел болезнью мозга, вызвавшей ужасные мигрени. Второй сын покончил с собой.А брат Щукина Иван покончил жизнь самоубийством в Париже.

Коллекция Щукина до череды трагедий складывалась наполовину. Но, как отмечает Балдассари, «изменился способ его сбора. У него ничего не осталось в жизни, и он чувствовал себя глубоко виноватым. Коллекция стала его единственной целью, была формой искупления ».

Щукин открыл свой дом для публики как музей современного искусства с 1908 года.Постоянными посетителями стали молодые российские художники, в том числе Малевич, Клюн, Родченко и Гончарова. «Они подтолкнули его пойти дальше, — говорит Балдассари. «Они смеялись над Щукиным, потому что он заикался и произносил речи. . . Их забавляло, что промышленник пытался объяснить им искусство. . . Он купил Матисса и Пикассо, чтобы оживить дискуссию. Между ними был настоящий диалог ».

Щукин решил покинуть Россию до большевистской революции.Он повторно женился и стал отцом маленькой девочки Ирины. Легенда гласит, что ее кукла была набита бриллиантами, когда семья уехала в Западную Европу.

В 1922 году Щукин и его новая семья поселились в уютной парижской квартире с прислугой. Возможно, из-за того, что он ассоциировал искусство с горем и трауром, Щукин не имел ничего общего с художниками или торговцами.

Однако его влияние остается неизмеримым.Как один из первых покровителей Матисса и Пикассо, он изменил их жизнь.

Парижская выставка побудила директоров Эрмитажа и Пушкинского музея обратиться к российскому правительству с просьбой отреставрировать Трубецкой дворец, долгое время использовавшийся в качестве государственного министерства. Они хотят организовать вращающуюся постоянную выставку коллекции Щукина в его первоначальном доме. Если план осуществится, это будет еще одна победа искусства над историей.

Жизнь Сергея Щукина

1854 г. — Сергей Щукин родился в Москве в богатой семье торговцев текстилем.

1898 — Щукин покупает свою первую картину в Париже. К 1914 году у него будет 275 полотен импрессионистов, постимпрессионистов и модернистов.

1908 — Щукин превращает свой московский дом, Трубецкий дворец, в публичный музей, который часто посещают русские художники-авангардисты.

1918 — Ленин национализирует коллекцию Щукина. Щукин отправляется в изгнание, сначала в Веймар, Германия, затем во Францию, где он умирает в 1936 году в возрасте 81 года. Его наследники оценивают коллекцию, из которой они были лишены права собственности, в 10 миллиардов евро.

1941 — Нацистская Германия нападает на Россию. Коллекция Щукина спешно упаковывается и отправляется поездом в Новосибирск, Сибирь, до конца войны.Некоторые картины сильно повреждены.

1948 — Сталин делит собрание Щукина между Пушкинским музеем в Москве и Эрмитажем в Санкт-Петербурге.

1956 — Через три года после смерти Сталина на ретроспективе Пикассо в музеях Пушкина и Эрмитажа начинается реабилитация «буржуазного» искусства.

22 октября 2016 г. — 20 февраля 2017 г. — Впервые за более чем столетие лучшие картины из коллекции Щукина воссоединяются на Западе, на выставке Иконы современного искусства в Фонде LVMH в Париже.

Пабло Пикассо — 2265 работ, периоды искусства, биография, фото, видео, цитаты, выставки

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городке Малага. Его полностью окрестили Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо. Это была последовательность имен почитателей святых и родственников его семьи.Пикассо — это была девичья фамилия его матери, которую он взял себе. Его отца звали Хосе Руис, это было слишком обыкновенно, и в то же время он был еще и художником.

Пабло проявлял свой талант рисования с раннего детства. Его изучал отец с 7 лет. Его проинструктировали нарисовать лапы голубей на отцовских картинах. Но однажды его отец поручил закончить картину довольно большого натюрморта и настолько удивился технике сына, что по легенде отказался от собственной живописи.

Когда Пабло было 13 лет, он блестяще поступил в Барселонскую академию искусств. Экзаменаторы были удивлены его мастерством, и он был принят в Академию, несмотря на юный возраст. Его отец и дядя решили отправить Пабло в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде, известную как передовая школа искусств в Испании. Итак, Пабло приехал в Мадрид в 1897 году, когда ему было 16 лет. Однако занятия в Школе искусств длились недолго (менее года), он был очарован стилем мадридской жизни и изучением работ впечатляющих художников того времени: Диего Веласкеса. , Франсиско Гойя и особенно Эль Греко.В период обучения в Мадриде Пикассо совершил первые гастроли в Париже. Этот город был уверенной европейской столицей искусства. Пабло за несколько месяцев посетил там все музеи и учился шедевры великих живописцев: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван Гога, Гогена и многих других. Также увлекался финикийским и египетским искусством, готической скульптурой, японским рисунком. Пабло интересовало абсолютно все.

февраля 1901 года в Мадриде Пикассо узнал о смерти его близкого друга Карлоса Касагемаса.5 мая 1901 г. художник во второй раз посетил Париж; все напомнило ему о Касагемасе, с которым он не так давно открыл для себя французскую столицу. Пабло остался в комнате, где Карлос провел свои последние дни, завязал роман с Жермен, из-за которой Карлос покончил жизнь самоубийством, и болтался с теми же людьми. Можно только представить, как тяжело было Пикассо справиться с болью утраты, вины и неминуемой смерти … Это составило почву для «голубого периода».

«Период роз» представлен более насыщенным жизненными тонами сиены и розового, а также устойчивыми сюжетами картинок — клоуны, бродяги. актеры, акробаты. Очарованный комиками, которые стали моделями его картин, он часто посещал цирк Медрано. В то время его любимым персонажем был клоун. В 1904 году Пикассо познакомился с моделью Фернандой Оливье, которая вдохновила его на создание многих важных картин того времени. Они жили в центре богемы Парижа и Мекке художников — в Ле Бато-Лавуар.В этом странном полуразрушенном здании с темными лестницами и извилистыми коридорами собиралась разная компания: поэты, торговцы, дворники. Здесь, в атмосфере абсолютной нищеты, на грани нищеты и в неописуемом творческом хаосе, Пикассо рисовал свою Фернанду и искал свой путь.
В 1906 году Пикассо нарисовал портрет Гертруды Стайн. Он перерисовывал ее около 80 раз, и, наконец, по ее воспоминаниям, Пикассо яростно сказал ей: «Я останавливаюсь, чтобы увидеть тебя, когда я смотрю на тебя». и он прекратил свою работу.Это был поворотный момент в его творчестве, и оттуда он начал свой путь от представлений отдельных людей к представлению человека как человека и к форме, подобной замкнутой структуре. Пикассо требовались новые впечатления для получения новой творческой энергии. С момента открытия того времени целый пласт африканской культуры стал импульсом для творчества художника. Он особенно интересовался африканской культурой и масками, он считал, что они обладают магической силой, и он нашел в них чувственную простоту форм.

Сезанн провозгласил: «Природа — это вещь, которую нельзя воспроизвести, но она должна быть представлена ​​чем-то другим — цветом». Ему вторил Пикассо: «Кубизм никогда не был ничем иным, как искусством ради искусства, которое исключает все концепции нематериальной реальности. Цвет важен лишь постольку, поскольку он помогает изобразить объемы ». Они выделяют период «кубизма» Пикассо по некоторым ступеням: «кубизм Сезанна» характеризует тона «Сезанна»: сиенские, светло-зеленые, коричневые, но более размытые, мутные с использованием простых геометрических форм, из которых построена картина. из.«Аналитический» кубизм: предмет разделяется на мелкие части, которые отчетливо отделяются одна от другой, и форма предмета на полотне блекнет. На ступени «синтетического» кубизма картины Пикакко носили декоративно-контрастный характер. В основном это были натюрморты различной тематики: музыкальные инструменты, музыка, бутылки с виноградом, дымовые трубы, посуда, плакаты.

24 фотографии, которыми чаще всего делятся

Несмотря на то, что большинство людей недооценивают картины Пикассо, они покупаются очень хорошо.Наконец-то бедное существование положено, Пабло и Фернанда переехали в сентябре 1909 года в просторную и светлую мастерскую на улице Клиши. Пикассо, конечно, не забыл передать свой принудительный хаос: причудливые бутылки и вазы, гитары, старый ковер, картины любимых художников — Матисса, Сезанна, Руссо, собрание африканских масок. Он всегда говорил, что испытывает ужас от гармонии и хорошего вкуса. Он покупал вещи, которые ему нравились, не волновался, как они выглядят.

В 1911 году Осень Пикассо рассталась с Фернандой.Его новой музой стала Ева (Марсель Гумберт). Они жили вместе, и он создал свои собственные работы в стиле кубизма на Монпарнасе и в Авиньоне. Затем наступили тяжелые годы: Первая мировая война, мобилизация и разлука со многими друзьями, внезапная болезнь и трагическая смерть Евы.

Весной 1917 года поэт Жан Кокто, сотрудничавший с Сергеем Дягилевым, предложил Пикассо сделать эскизы и декорации для будущего балета. Художник уехал работать в Рим, где полюбил одного из танцоров дягилевского коллектива — Ольгу Хохлову.Они поженились в 1918 году, а их сын Поль родился в 1921 году. В то время картины Пикассо были очень далеки от кубизма, у них были четкие и понятные формы, светлые тона, правильные лица. Пикассо жестко критиковали за смену стиля, как прежде на кубизм. Он ответил на эти обвинения в своем интервью: «Каждый раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю это в такой манере, которая, по моему ощущению, должна сказать».

24 цитаты

Все, что вы можете вообразить, реально.

Моя мать сказала мне: «Если ты солдат, ты станешь генералом. Если ты монах, ты станешь Папой ». Вместо этого я был художником и стал Пикассо.

Что такое лицо на самом деле? Собственное фото? Его макияж? Или это лицо, нарисованное тем или иным художником? То, что впереди? Внутри? Позади? И остальное? Разве каждый не смотрит на себя по-своему? Деформаций просто не бывает.

Дайте мне музей, и я его заполню.

Есть художники, которые превращают солнце в желтое пятно, но есть другие, которые с помощью своего искусства и своего интеллекта превращают желтое пятно в солнце.

Не ищу. Я нахожу.

Я всегда делаю то, что не могу, чтобы я мог научиться это делать.

Некоторые художники превращают солнце в желтое пятно, другие превращают желтое пятно в солнце.

Вдохновение существует, но оно должно заставить нас работать.

Все чудо. Это чудо, что человек не растворяется в ванне, как кусок сахара.

Искусство — это ложь, которая заставляет нас осознать истину.

Каждый ребенок — художник. Проблема в том, как остаться артистом, когда вырастет.

Плохие художники копируют. Хорошие художники воруют.

Отправной точкой является идея, и не более того. Как только вы его разрабатываете, мысль трансформирует его.

Должны ли мы рисовать то, что на лице, что внутри лица или что за ним?

Искусство — это не применение канона красоты, а то, что инстинкт и разум могут постичь за пределами любого канона.Когда мы любим женщину, мы не начинаем измерять ее конечности.

Искусство — это устранение ненужного.

Искусство смывает с души пыль повседневности.

Цвета, как и особенности, следуют за сменой эмоций.

Компьютеры бесполезны. Они могут только дать вам ответы.

Будь прокляты ученики. Это не интересно. Только мастера имеют значение. Те, кто творит.

Каждый акт творения — это прежде всего акт разрушения.

Каждое положительное значение имеет свою отрицательную цену … гений Эйнштейна ведет в Хиросиму.

Бог на самом деле всего лишь другой художник, он создал слона, жирафа и кошку. У него нет настоящего стиля, но он продолжает пробовать новые идеи.

«Красота будет конвульсивной или не будет вовсе», — сказал Андре Бретон, основоположник сюрреализма как направления в искусстве, поставивший своей целью достижение истинных глубин художественного существа за счет проникновения в мир сновидений и непроизвольного.В статье о Пикассо Бретон проанализировал причины собственного восхищения художником и пришел к выводу, что «реальность не ограничивается тем, что мы видим», и что «художник должен был схватить модель или« внутреннюю концепцию ». Многочисленные портреты Мари-Терезы Вальтер, составляющие сюрреалистическое наследие Пикассо, можно назвать пониманием модели. Это было в 1927 году, в один холодный день Пикассо встретил 17-летнюю Мари-Терезу. Он купил для нее замок Château de Boisgeloup, и она стала там его единственной моделью и героиней некоторых его известных картин.В 1935 году Мари-Тереза ​​родила дочь Майю, но до 1936 года Пикассо расстался с ними, а с Ольгой Хохловой он не был привязан до ее смерти в 1955 году.

12 самых дорогих картин

С 1930-х годов в творчестве Пикассо проявляется его ключевой аспект и образ — Бык, Минотавр. Художник создал серию работ с этим персонажем и проследил свою точку зрения на миф о Минотавре. Для него Бык, Минотавр был разрушительной силой, войной и смертью.Хорошо известная картина Пикассо «Герника» (1937) стала апогеем развития этой темы. Герника — небольшой городок басков на севере Испании, практически разрушенный немецкой авиацией в 1937 году, 26 апреля. Эта большая монохромная (черная, белая, серая) картина была впервые показана в Павильоне Испанской Республики в Париже во время Всемирной выставки. Однажды немецкие офицеры произвели обыск в доме Пикассо, и нацист, взглянув на настольную фотографию Герники, спросил: «Вы это сделали?».»Нет, ты сделал». ответил художник. Пиказо познакомился со своей новой музой и любовницей Дорой Маар в 1936 году. Она была нервной и неуравновешенной женщиной, часто плакала и занималась историей. Поэтому среди картин художника так много портретов «плачущих женщин». Благодаря ей мы можем следить за процессом создания Герники. В этот же период создавалась серия монстров про Франко (в 1936 году Пикассо поддерживал республиканцев и выступал против приверженцев Франко) и множество картин на близкую тематику.

После войны творчество художника по понятным причинам становится более ярким и радостным. К тому же в его жизни появилась новая любовь. В 1946 году Пикассо познакомился с молодой художницей Франсуазой Жило и приехал с ней в замок Гримальди. Вскоре она подарила ему сына Клода и дочь Палому. Он часто пишет Франсуазу с детьми, и изысканная декоративность этих картин подчеркивает атмосферу уюта и семейной идиллии. Они прожили вместе почти 10 лет на юге Франции.Но в 1953 году она сбежала от Пикассо с обоими детьми из-за его непростого характера и постоянной неверности; Ему было тяжело это расставание, и это отразилось на его творчестве того периода. Противопоставлены некрасивый старый карликовый и молодая красивая девушка как фарс на многих рисунках тушью. Даже в 70 лет Пикассо продолжает много работать. Он постоянно экспериментирует и пробует новые техники. Однажды, посетив гончарную ярмарку в Валлорисе, он пробует себя в этом новом ремесле и надолго влюбляется в керамику.Он много времени проводит в керамической мастерской Мадуры, создавая самые разные тарелки, вазы, кувшины, статуэтки. Там же в 1953 году художник встречает свою новую возлюбленную. В 1961 году 80-летний Пикассо женился на 34-летней Жаклин Рок. Она вдохновила его на серию снимков, где каждый может увидеть ее точеного профильного сфинкса. Он купил виллу в Каннах для себя и для себя. Она осталась последней и верной Пикассо женщиной. Она до самой смерти заботилась о его здоровье, когда он был болен, слеп и слабослышен.

Пикассо умер 8 апреля 1973 года. Ему было 92 года, мультимиллионером, он похоронен недалеко от собственного замка Вовенарг. Он оставил более 80 000 работ (по другой информации около 20 000). Он сказал о Смерти: «Я все время думаю о Смерти, она как женщина, которая никогда не оставит меня». В 1970 году в Барселоне был открыт музей Пикассо (картины для этого музея были переданы в его собственность), а в 1985 году с помощью его наследников был основан музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, 150 скульптур и несколько тысяч рисунков. , коллажи, принты, документы.На создание Пикассо оказало влияние развитие искусства и культуры ХХ века. А на мировых аукционах до сих пор ищут и выставляют на продажу все новые и новые малоизвестные работы известного художника из его огромного наследия.

произведений искусства, приписываемых Пикассо, обнаруженных в шкафу штата Мэн спустя 50 лет | Умные новости

Домовладелец из Новой Англии недавно был потрясен, когда он заново открыл для себя редкую работу Пабло Пикассо в доме своего родственника в штате Мэн.Лист бумаги размером 16 на 16 дюймов в рамке с подписью художника в правом нижнем углу простоял в шкафу 50 лет, пишет неназванный человек в заявлении, опубликованном на сайте LiveAuctioneers.com .

После десятилетий, проведенных в тайне, эта удивительная находка была продана на аукционе в прошлую субботу за более чем 150 000 долларов, сообщает Трэвис Андерсен для Boston Globe. Работа была продана с аукциона вместе с более чем 550 картинами, скульптурами и другими предметами, обнаруженными в частных владениях в Массачусетсе, Нью-Гэмпшире, Мэне и Коннектикуте, отмечает John McInnis Auctioneers в отдельном заявлении.

В своем заявлении продавец, пожелавший остаться неизвестным, говорит, что их бабушка и двоюродная бабушка изучали искусство в Европе в 1920-х годах. Сообщается, что их тетя собирала «редкие книги и произведения искусства».

«Каждая [женщина] вела интересную жизнь с необычными путешествиями, которые были предоставлены им через их дядю, который владел мельницами в штате Мэн», — говорится в заявлении. «… Эта картина была обнаружена в доме, принадлежащем моей двоюродной бабушке, который был передан ей от дяди в конце 1930-х годов.”

Пабло Пикассо, около 1912 года. (Общественное достояние через Wikimedia Commons)

Продавец добавляет: «В шкафу в течение 50 лет хранилось несколько картин (включая этот пример), которые она оставила во время передачи дома моему отцу, а теперь и мне. . »

Пикассо сделал себе имя в Европе начала 20-го века, экспериментируя с кубизмом. Его геометрические картины, от Герники до Les Demoiselles d’Avignon , находились на грани между абстракцией и фигурацией.Но, как указывает Национальная опера Парижа, у художника была долгая, менее известная карьера театрального дизайнера.

По данным Associated Press (AP), эксперты аукционного дома в Эймсбери, штат Массачусетс, говорят, что Пикассо, вероятно, создал эту работу как макет или предварительный макет монументального сценического занавеса, написанного в 1919 году для балета Le Треуголка ( Трехгранная шляпа ). Насколько им известно, аукционисты считают эту работу единственной в своем роде, судя по описанию лота.

Стоит отметить, что произведение искусства еще не было официально подтверждено сыном художника и единственным аутентификатором, Клодом Руис-Пикассо. У покупателя, который также пожелал остаться анонимным, есть не менее 120 дней, чтобы отправить работу на экспертизу.

Пикассо, вероятно, создал этот рисунок на бумаге во время своего единственного длительного пребывания в Лондоне. Летом 1919 года художник испанского происхождения отправился с русским импресарио Сержем Павловичем Дягилевым и его новаторской парижской балетной труппой Ballet Russes (Русский балет) в английский город, где он создал декорации и костюмы для The Three- Угловая шляпа .По сообщению Tate Britain, спектакль дебютировал 22 июля того же года в театре Альгамбра.

Художник познакомился с Дягилевым в 1916 году, когда русский инструктор поручил художнику сшить костюмы для его балета Parade (1917), согласно Национальной галерее Австралии. Позже Пикассо женился на одной из звезд труппы Ольге Хохловой.

Дягилев черпал вдохновение для создания Трехугловая шляпа из увлекательного романа испанского писателя Педро де Аларкона.В знак уважения к своим «андалузским корням» Пикассо включил тореадоров в дизайн костюмов, а также в дизайн сценического занавеса, отмечает Парижская опера.

В 1959 году занавес был перенесен в Нью-Йорк, где до 2014 года висел на стенах ресторана Four Seasons в здании Seagram Building. После ожесточенного судебного спора по поводу судьбы предмета 19 на 20 футов, Как сообщили Бенджамин Мюллер и Энни Корреаль для New York Times в 2014 и 2015 годах, команда профессиональных установщиков произведений искусства осторожно перевезла произведение в свой нынешний дом в Историческом обществе Нью-Йорка (NYHS).

Согласно обществу, биограф Джон Ричардсон однажды охарактеризовал работу Пикассо по дизайну для Трехугловая шляпа как его «высшее театральное достижение».

10 самых известных картин Пабло Пикассо

Пабло Руис-и-Пикассо (1881 — 1973) был испанским художником, которого многие считают величайшим художником в истории. Он был одним из самых влиятельных художников ХХ века. Он сломал традиции прошлого и стал одним из пионеров художественного движения кубизм, которое произвело революцию в европейской живописи и скульптуре.Пикассо был плодовитым художником, и, помимо создания большого объема работ в других средствах массовой информации, за свою долгую карьеру он создал около 1900 картин. Некоторые из его картин являются одними из самых дорогих из когда-либо проданных, но самые известные его работы обычно хранятся в музеях. Вот 10 самых известных картин Пабло Пикассо, включая его шедевры кубизма и работы синего периода.

---

№ 10 Семья Салтимбанков

Год: 1905

Семья Салтимбанков (1905)

«Период роз» — термин, используемый для описания работ Пабло Пикассо с 1904 по 1906 год .Он последовал за его мрачным Голубым периодом и положил начало его стилистическим экспериментам с примитивизмом ; под влиянием доримской иберийской скульптуры; и Искусство океана и Африки . Картины периода Розы Пикассо обычно красочных и оптимистичных по настроению с частыми изображениями циркачей, акробатов и арлекинов. На этой картине изображены шесть артистов цирка в пустынном пейзаже. Слово «saltimbanco» происходит от итальянского и используется для обозначения street исполнителей .Критики предположили, что эта картина представляет собой групповой портрет Пикассо и его круга, изображенных как бедных, независимых и изолированных. Семья Салтимбанков — самая известная картина Период роз Пикассо .

---

# 9 Ма Джоли

Английский Название: Моя красотка

Год: 1911-1912

Ма Джоли (1912)

Пабло Пикассо стал одним из пионеров художественного движения Кубизм , которое произвело революцию в европейской живописи и скульптуре. Аналитический кубизм был первой фазой движения, которое характеризовалось сокращением форм до основных геометрических частей и тенденцией к монохроматическому использованию цвета. Эта картина представляет собой образец стиля аналитического кубизма. На нем изображено Марсель Умбер , которая была любовницей Пикассо в то время и умерла тремя годами позже в 1915 году. Ма Джоли было прозвищем Пикассо для Марсель. Это был также припев популярной песни, которая исполнялась в парижском мюзик-холле, который часто посещал Пикассо.Ма Джоли входит в число самых известных картин Пикассо Аналитический кубизм .

---

# 8 La Vie

Английский Название: Life

Год: 1903

La Vie (1903)

Синий период — термин, используемый для обозначения работ Пабло Пикассо между 1901 и 1904 годами . Картины этого периода по сути однотонных в оттенках синего и сине-зеленого.Синий период, который обычно характеризуется грустными сюжетами , отчасти был вызван самоубийством дорогого друга Пикассо Карлоса Касагемаса . Касагемас был студентом-художником и поэтом, который застрелился из-за безответной любви к модели художника по имени Жермен Пишо. Наряду со «Старым гитаристом» La Vie считается вершиной «Голубого периода » Пикассо. На картине изображена обнаженная пара, противостоящая матери с ребенком на руках.Мужская фигура на картине — портрет Карлоса Касагемаса, которого Пикассо запечатлел в нескольких посмертных портретах.

---

---

# 7 Девушка перед зеркалом

Год: 1932

Девушка перед зеркалом (1932)

На этой картине изображена Мария-Тереза ​​Вальтер , любовница и модель Пабло Пикассо с 1927 по 1935 год. Молодая Мария-Тереза ​​была одним из его любимых персонажей в начале 1930-х годов. Девушка перед зеркалом изображает ее красивой и одетой с макияжем с левой стороны; в то время как с правой стороны ее лицо затемнено, ее глаза круглые и пустые, а ее очень женственное тело искривлено и искажено.Картина известна разнообразными интерпретациями . Некоторые критики считают, что это изображение «я» Уолтера днем ​​и ее ночное «я». Другие рассматривают это как Уолтер противостоит ее смертности , глядя в зеркало, которое подсказывает ей ее окончательную судьбу. Это также может означать ее переход от невинной девушки к мирской женщине, осознающей свою сексуальность .

---

# 6 Три музыканта

Y ухо: 1921

Три музыканта (1921)

Наряду с Жорж Брак , Пабло Пикассо стал пионером кубизма, художественного движения начала 20-го века, в котором художник изображает предмет с множества точек зрения . Синтетический кубизм был второй фазой движения, которое характеризовалось более широким использованием цвета; более простые линии и формы; и имитация или введение ряда материалов, таких как бумага для вырезок , в живопись. Эта картина является ярким примером стиля синтетического кубизма. На нем изображены Арлекин, Пьеро, и монах , которых принято считать, соответственно, Пикассо; и его друзья-поэты Гийом Аполлинер , умерший в 1918 году; и Макс Иаков , который вошел в монастырь в 1921 году.«Три музыканта» — не только один из величайших шедевров Пикассо, но и один из самых известных произведений Синтетический кубизм .

---

# 5 Le Rêve

Английский Название: Мечта

Y ухо: 1932

Le Reve (1932)

На этой картине также изображена Мария-Тереза ​​Вальтер. В отличие от своей более поздней любовницы Доры Маар , которую Пикассо часто изображал мучимой или угрожающей, Мария-Тереза ​​обычно появляется на его картинах как светловолосая, солнечная и яркая.Пикассо создал множество работ с элементами эротизма, и эротическое содержание этой знаменитой картины часто отмечается критиками, указывающими на то, что Пикассо нарисовал эрегированный пенис, предположительно символизирующий свой собственный, на перевернутом лице своей 22-летней модели. В марте 2013 года картина Le Rêve была продана на частной продаже за долларов, 155 миллионов долларов , что сделало ее пятой по стоимости картиной, когда-либо проданной на тот момент . По состоянию на 2016 год эта цена была на второй по величине, когда-либо уплаченной за картину Пикассо после Les Femmes d’Alger (Женщины Алжира) , которые были проданы за 179 долларов.4 миллиона в мае 2015 года.

---

# 4 Старый гитарист

Год: 1903-1904

Старый гитарист (1903)

Старый гитарист был написан Пикассо во время его синего периода (1901 — 1904) , который был вызван его борьбой с бедностью и самоубийством его дорогого друга Касагемаса. На картине изображен согнутый незрячий мужчина, который держит рядом с собой большую гитару. Голубая палитра добавляет меланхолии и подчеркивает трагическую и печальную тему.В 1998 году исследователи использовали инфракрасную камеру, чтобы обнаружить молодую мать, сидящую в центре композиции, протянувшую левую руку к стоящему на коленях ребенку справа от нее и теленка или овцу с левой стороны от матери. Хотя Пабло Пикассо позже отклонил свои работы Голубого периода как «ничего, кроме сантиментов» , эти картины по-прежнему пользуются огромной популярностью, и «Старый гитарист» является самым известным среди них .

---

---

# 3 Плачущая женщина

Y ухо: 1937

Плачущая женщина (1937)

В своем шедевре Герника Пабло Пикассо изобразил плачущую женщину, держащую своего мертвого ребенка.Затем он создал несколько портретов, основанных на этой фигуре, кульминацией которых стала эта картина, последняя и самая сложная картина из этой серии. Модель на картине — французский фотограф и художник Дора Маар, , которая была его любовницей с 1936 по 1944 год. Маар была одной из самых влиятельных фигур в жизни Пикассо во время их отношений, а также его основной моделью. Пикассо блестяще использует искаженные изображения, стратегически размещенные слезы, синие стучащие зубы и пронзительные черные глаза, чтобы изобразить боль и ужас, которые испытывает фигура на портрете.Помимо того, что это самая известная работа из серии «Плачущая женщина», этот портрет также является самым знаменитым изображением Маара Пикассо.

---

# 2 Les Demoiselles d’Avignon

Английский Название: Авиньонские девушки

Год: 1907

Les Demoiselles d’Avignon (1907)

Первоначально названный Le Bordel d’Avignon (Авиньонский бордель) , этот революционный шедевр считается одним из самых влиятельных картин двадцатого века как он играл Ключевая роль в развитии как кубизма, так и современного искусства .Это был радикальный отход от традиционной европейской живописи. Пикассо использовал разные стили, чтобы изобразить каждую фигуру на картине, где голова женщины, задергивающей занавеску в правом верхнем углу, была самым строго кубистским элементом. Картина вызывала споры не только по своему радикальному стилю, но и по сюжету. Впервые он был представлен публике в 1916 году, и его название было изменено на , чтобы уменьшить его скандальное влияние . Авиньон в названии произведения является отсылкой к улице в Барселоне, известной своим борделем .На картине изображены пять обнаженных проституток в конфронтационной манере. Они визуализированы с угловатыми и несвязанными телами, причем две фигуры справа показаны с чертами, подобными африканским маскам. L es Demoiselles d’Avignon оказал огромное и глубокое влияние на современное искусство .

---

# 1 Герника

Год: 1937

Герника (1937)

Герника — город на севере Испании.26 апреля 1937 г., , во время Гражданской войны в Испании, , , Герника подверглась бомбардировке немецкими нацистами и итальянскими фашистами по просьбе испанских националистов. Пикассо создал этот шедевр в ответ на бомбардировку Герники. Она привлекла внимание всего мира к гражданской войне в Испании и считается одной из самых мощных антивоенных картин в истории . С момента создания Герники было множество интерпретаций. Слева от холста широко раскрытый бык стоит над женщиной, скорбящей по мертвому ребенку на руках.В центре доминирует лошадь, падающая в агонии, как от оружия. Под лошадью находится расчлененный солдат, а справа от нее — испуганная женская фигура, которая, кажется, проплыла в комнату через окно. Справа к центру, шатаясь, идет потрясенная женщина. Два доминирующих элемента в картине, бык и лошадь, являются важными персонажами испанской культуры. Герника самая известная картина Пабло Пикассо и считается одним из самых блестящих произведений искусства, когда-либо созданных .

Как жены и любовницы Пабло Пикассо вдохновляли его искусство

Секс, любовь и искусство были взаимосвязаны в мире Пабло Пикассо, и хотя некоторые из его сторонников утверждали, что у него явно нежная сторона к женщинам, было бы трудно отрицать это серийный аферист, по большому счету, использовал своих жен и любовниц как средство для корыстной цели — этой целью была его художественная идентичность.

«Есть только два типа женщин: богини и коврики», — сказал однажды Пикассо.

Среди его многочисленных возлюбленных есть шесть известных женщин, которые вдохновили его на создание некоторых из величайших шедевров испанского художника и помогли ему стать одним из самых значимых художников 20 века.

Фернанда Оливье

Фернанда Оливье, около 1900-х годов

Фото: Fine Art Images / Heritage Images / Getty Images

Фернанда Оливье, родившаяся Амели Ланг, пережила трудное детство и вышла замуж за жестокого мужа, чтобы избежать властной тети. В 19 лет она бросила мужа, сменила имя и сбежала в Париж, где познакомилась с Пикассо и стала его моделью и любовницей примерно в 1904 году, что повлияло на его период Розы и ранние кубистские работы.

Картина Пабло Пикассо « Les Démoiselles d’Avignon» (на заднем плане)

Фото: Герберт Гер / Коллекция изображений LIFE через Getty Images / Getty Images

Пример вдохновения Оливье можно найти в работе Пикассо Les Démoiselles d’Avignon ( 1907) и Голова женщины (Фернанда) (1909), среди других работ. Фактически, Пикассо создал более 60 портретов Оливье, прежде чем их беспорядочные отношения закончились в 1912 году, когда обе стороны изменяли друг другу.

К тому времени, когда их пути разошлись, Пикассо был на пике своей популярности, и Оливье решил извлечь выгоду из их отношений, опубликовав серию мемуаров в бельгийской газете. Чтобы она не разглашала более интимные подробности их совместной жизни, Пикассо предложил ей пенсию, которую она приняла. Полный текст мемуаров был выпущен в 1988 году после того, как эти двое уже не были в живых.

Ольга Хохлова

Пабло Пикассо и Ольга Хохлова, около 1918 г.

Фото: Fine Art Images / Heritage Images / Getty Images

Русская балерина, голубая кровь, Ольга Хохлова встретила 36-летнего Пикассо, когда он работала художником по костюмам и декорациями в своей танцевальной труппе.Связанная с художником, Хохлова вышла за него замуж 12 июля 1918 года, и пара поселилась во Франции. Спустя несколько лет бывшая танцовщица родила Пикассо первенца, сына по имени Пауло.

В этот период с Хохловой Пикассо вышел за рамки кубизма, соединив его с более реалистичными формами. Хохлова вдохновила его на изучение таких заботливых тем, как домашняя жизнь и материнство, но все же к тому времени, когда в 1921 году родился его сын Пауло, Пикассо уже бежал в объятия нескольких женщин, включая Мари-Терезу Вальтер, которая забеременела в 1935 году.

Хотя Хохлова потребовала развода, Пикассо отказался разделить с ней свое имущество. Чувствуя, что у нее нет выбора, она оставалась замужем за ним до своей смерти в 1955 году.

Мария-Тереза ​​Вальтер

Мария-Тереза ​​Вальтер на фотографии в паспорте

Фото: Apic / Getty Images

Пикассо было 45 лет когда он увидел 17-летнего Уолтера, выходящего из универмага в Париже. Для Пикассо видеть контуры ее лица и тела не было чисто похотливым желанием.Скорее, он был очарован тем фактом, что он уже начал рисовать ее точные изгибы за два года до того, как проиллюстрировать, как он считал, форму идеальной женщины.

« Le Rêve» Пабло Пикассо

Фото: Пабло Пикассо

Вскоре после того, как Вальтер и Пикассо стали любовниками, Пикассо начал тайно выгравировать их инициалы на своих портретах. После 1930 года он сделал Уолтер более заметной в своих работах, продолжая демонстрировать ее изгибы сентиментальным, небесным образом в своих рисунках, скульптурах и картинах, подчеркнутых эротическими жестами.В 1935 году Уолтер родил свою первую дочь Майю, которую очень любил и рисовал.

Одно из самых заметных наследий Уолтера можно увидеть в неоклассических рисунках Пикассо Vollard Suite (1930-1937) и яркой картине Le Rêve (1932), но ее время в качестве музы Пикассо закончилось примерно в 1944 году. в конце концов оставил Уолтера французскому фотографу Доре Маар.

Вскоре после смерти Пикассо Уолтер покончила жизнь самоубийством, повесившись в 1977 году.

Дора Маар

Дора Маар

Фотограф-сюрреалист и антифашистский политический активист, Маар привлек внимание Пикассо, когда он был связан с Уолтером, и он начал творческое сотрудничество с ней во время Второй мировой войны.

Пабло Пикассо «Плачущая женщина»

Фото: Пикассо / Тейт Модерн

В отличие от Уолтера, Маар бросила вызов Пикассо: она была политической, интеллектуальной и упрямой. Двое влюбленных начали экспериментировать с фотографией и живописью, и искусство Пикассо отразило сильное влияние Маара на него благодаря использованию резких углов, деконструированных форм и ярких цветов.Когда Пикассо произвел Плачущую женщину (1937), это было политическим заявлением, и он использовал Маара для изображения своего персонажа на многих рисунках и картинах. Как фотограф Маар запечатлел создание масляной картины Пикассо на военную тему Герника (1937).

Отношения Маара с Пикассо были спорными, физически жестокими и полными ревности (он настраивал Маара и Уолтера друг против друга). К 1946 году Маар и Пикассо разошлись, в результате чего Маар пережил нервный срыв и стал отшельником.Позже она обратилась к католицизму со своим знаменитым заявлением: «После Пикассо — только Бог».

Франсуаза Жило

Франсуаза Жило и Пабло Пикассо, 1951 г.

Фото: Липницки / Роджер Виолле / Getty Images

Отношения Маара и Пикассо отчасти разрушила его связь с художницей Франсуазой Жило, которой на выставке было всего 21 год. когда она встретила шестидесятилетнего мужчину в 1943 году. Жило и Пикассо переехали вместе, и в конце концов у них родились сын и дочь.

Пабло Пикассо «Femme Debout»

Фото: Pablo Picasso

В то время картины Пикассо были семейными по своей природе, и он представлял Жило через цветочные изображения и скульптуру, в первую очередь Femme Debout .Однако их отношения были трудными для Жило, который пережил годы издевательств Пикассо и его многочисленных романов. В 1953 году она оставила его и написала книгу об их отношениях, рассердив художника, который в результате отрекся от своих детей.

Жилот вышла замуж за Джонаса Солка, который разработал вакцину против полиомиелита и сделал успешную карьеру в живописи и преподавании.

Жаклин Роке

Пабло Пикассо танцует с Жаклин Рок в Каннах, Франция, 1956 год.

Фото: Getty Images

После долгих ухаживаний со стороны Пикассо 26-летняя Жаклин Рок уступила настойчивым романтическим предложениям 71-летней девушки. В 1961 году, через шесть лет после смерти Хохловой, Роке вышла за него замуж, и эти двое оставались вместе до его смерти в 1973 году.

Хотя Пикассо использовал Роке в своем искусстве, ее внешность была более символической. абстрактное, сочетающее в себе различные культурные и художественные элементы. Тем не менее, он нарисовал Роке более 160 раз и использовал ее в более чем 400 работах — это больше всего портретов любой женщины в своей жизни.После его смерти она продолжила управлять его имением.

Роке ссорился с Жило из-за поместья Пикассо, отказываясь позволить ей или ее детям присутствовать на его похоронах, но в конце концов две женщины помирились друг с другом и даже вместе основали Музей Пикассо в Париже.

В 1986 году Роке застрелилась.

Штрафы французского судьи Ив Бувье 30 миллионов долларов

Ив Бувье.
Фото: архивы Оливье Минера через Paperjam.

Ив Бувье явился в парижский суд в понедельник, чтобы ответить на вопросы и предоставить информацию о продаже якобы украденных картин и рисунков Пабло Пикассо, которые ранее принадлежали падчерице художника Катрин Хутин-Блей, которая сообщила об их исчезновении в начале этого года. .

Бувье был оштрафован на 27 миллионов евро (30 миллионов долларов), из которых ему было приказано немедленно выплатить 5 миллионов евро (5,6 миллиона долларов). Его адвокат, Франсис Шпинер, сказал французской газете Le Parisien : «Когда он узнал, что находится под международным ордером на арест, выданным французским правосудием, он представился властям».

Однако его представитель, Марк Комина, не смог подтвердить местонахождение международного бизнесмена, когда сегодня Artnet News запросил его по электронной почте.15 сентября Комина подтвердила Artnet News, что Бувье вернулся в Женеву.

Бувье решительно настаивает на том, чтобы он провел комплексную проверку работ Пикассо и не подозревал, что они были украдены. Комина сообщил Artnet News в пресс-релизе, что «хотя он считает необоснованным решение подвергнуть его расследованию за утаивание, он вновь заявляет о своем полном доверии к системе правосудия и убежден, что расследование снимет с него все подозрения».

В марте 2013 года Бувье продал две гуаши Пикассо Tête de Femme (1957) и Espagnole à l’eventail (1957) российскому миллиардеру Дмитрию Рыболовлеву.Бувье утверждает, что он подтвердил их подлинность по их появлению в каталоге Zervos raisonne, а затем провел поиск в Реестре утраченных произведений искусства (последний в последние месяцы подвергся критике из-за сомнительного обращения с произведениями, включенными в ряд международных правовые споры).

Ранее в 2010 году Бувье продал Рыболовлеву рабочую тетрадь Пикассо с 58 рисунками тушью. Согласно заявлению Бувье, «две гуаши и 58 рисунков тушью были куплены в 2010 году через арт-дилера, действующего от имени и за счет фонда, представленного как траст Катрин Хутин-Блей.Хутин-Блей — дочь второй жены художника, Жаклин Рок.

В заявлении лагеря Бувье говорится, что «имя этого арт-дилера, которого Ив Бувье очень хорошо знал и с которым он работал с 2002 года, было передано судье, но публично не разглашается».

Примерно в то время, когда Хутин-Блей сообщил о пропаже работ, агентство artnet News сообщило, что парижский дилер и бывший руководитель Люксембургского Свободного порта Оливье Томас был задержан французскими властями, хотя неясно, было ли ему когда-либо предъявлено официальное обвинение.

Le Figaro сообщила, что Хутин-Блей утверждал, что Томас украл у нее три картины: картину Рембрандта «Человек в золотом шлеме» (1656) вместе с двумя портретами ее матери.

По сообщениям, картины исчезли из дома Хутин-Блея в Мужене, где Пикассо имел свою последнюю мастерскую, недалеко от Грасса на юге Франции. Хутин-Блей попросил Томаса провести инвентаризацию перед тем, как перевезти работы на склад Art Transit, предприятие по упаковке, транспортировке и хранению в северо-западном пригороде Парижа.

Однако сегодня источник, близкий к делу, который настоял на анонимности, сказал Artnet News, что Томас «абсолютно не» рассматриваемый дилер.

Адвокат Рыболовлева, Татьяна Бершеда, ответила на запрос Artnet News о комментариях по поводу сегодняшнего разбирательства в электронном письме, заявив: «Мы принимаем к сведению наличие международного ордера на арест и сегодняшнее заключение г-на Ива Бувье под следствие по делу о продаже украденного. товары. Сейчас он находится под судебным контролем французских криминальных властей.”

Бершеда подтвердила, что связанная с Рыболовлевым компания, известная как Accent Delight, «владеет двумя картинами Пабло Пикассо, которые являются предметом расследования, приобретенными в 2013 году через г-на Ива Бувье». Она продолжила: «Компания подала прошение о присоединении к ней в качестве жертвы иска, поданного г-жой Кэтрин Хутин-Блей в марте по поводу кражи и продажи украденных товаров, в том числе этих двух произведений искусства. С тех пор французские власти расширили расследование и включили в него факты мошенничества и отмывания денег.”

После многих лет использования Бувье в качестве арт-дилера и брокера, Бершеда сказал, что в январе, «когда они обнаружили, что стали жертвами мошенничества со стороны г-на Бувье, Accent Delight International и Xitrans Finance подали уголовное дело. с прокурором Княжества Монако ».

В заявлении Бувье говорится, что два Пикассо «не были тайно проданы втихомолку, чтобы Дмитрий Рыболовлеб мог навсегда спрятать их в сейфе; напротив, они продали по счету … чтобы украсить стены шале Рыболовлева в Гштааде на виду у всех его посетителей.”

В какой-то момент Бувье сказал, что они с Рыболовлевым рассматривали возможность «перепродажи копеек для получения денег». В рамках этого рассмотрения Бувье «показал их большому аукционному дому в связи с возможной публичной продажей».

Он продолжает: «Кто сойдет с ума, чтобы выставить несколько картин на продажу, если он знает, что они украдены?»

Мы связались с адвокатом Кэтрин Хутин-Блей, но не получили ответа к моменту публикации.

No related posts.