Пикториализм это: Пикториализм в фотографии и его особенности

Содержание

Пикториализм в фотографии и его особенности

Пикториализм (или пиктореализм — в специальной литературе можно встретить два варианта написания) представлял собой эстетическое течение, приверженцы которого стремились к пикториальному (картинному, подражающему живописи) фотографическому изображению. В работах фотографов-пикториалистов заметно влияние австрийского символизма, английского прерафаэлизма, немецкого югендштиля, французского ар-деко и особенно импрессионизма, поэтому пикториализм еще иногда называют фотоимпрессионизмом.

Пикториализм открыл для фотографии различные способы печати изображения, так называемые благородные техники (общее название пигментной и бромомасляной техник). Бромомасляный процесс (Bromoil) заключался в дополнительной обработке позитива, отпечатанного на бромосеребряной фотобумаге. Суть процесса состояла в отбеливании изображения и одновременном дублении фотоматериала биохроматами с последующим нанесением на задубленные участки масляной краски желаемого цвета.

O’Keeffe Hands and Thimble. Фото Альфреда Стиглица, 1919 г. © [Alfred Stieglitz / 2000 George Eastman House, Rochester, NY] (http://www.eastman.org)

С появлением нового метода фотографы смогли кисточкой накладывать светочувствительные соли серебра. Фотографии после такой обработки напоминали рисунки, сделанные углем или акварелью. Пигментная печать (chromogenic print) приближала фотоснимок к гравюре. Для получения цветных (пигментных) изображений применялась специальная пигментная бумага, политая желатиновым слоем, содержащим мелко растертый нерастворимый в воде краситель.

Пикториалисты использовали мягкорисующие объективы, дающие изображения пониженного контраста за счет уменьшения их резкости, и монокли, которые позволяли с большей свободой передавать в пейзажах воздушную дымку, морскую даль, придавать расплывчатость рисунку.

Европейские фотографы-пикториалисты стремились поднять светопись до уровня высокого искусства. Деятельность многих известных светописцев была связана с фотографическими клубами. Английский фотограф Александр Кейгли (Alexander Keighley) был одним из основателей и самым известным участником фотоклуба «Звено» (The Linked Ring), учрежденного в Лондоне в 1892 году. Кейгли занимался светописью на протяжении многих лет и за это время создал выдающиеся образцы пикториальной фотографии. Он, как и многие пикториалисты, стремился создать некий идеализированный мир, и этим отчасти обусловлен выбор его сюжетов. Излюбленные мотивы Кейгли — романтические развалины древних храмов, пасторальные пейзажи сельской местности, лесные поляны, залитые потоками солнечного света.

Dance Study. Фото Франтишека Дртикола, Прага 1926 г. © František Drtikol

Непревзойденным мастером пикториальной фотографии во Франции был Робер Демаши (Robert Demachy). Демаши показал себя замечательным портретистом, живописное решение его фотографий тонко передает характер модели. В его работах стирается грань между фотографией и живописью: смелые, широкие мазки обрамляют фигуры людей, закручиваются вокруг них вихрем штрихов. Для создания подобных эффектов Демаши применял особую ретушь: выскабливал участки слишком плотных мест на негативе. Он также ввел в практику перенос масляных изображений с желатиновой бумаги на японскую, что придавало снимку характер графического произведения.

То, что не удалось в полной мере осуществить французским и английским пикториалистам, а именно — добиться признания фотографии как вида изобразительного искусства, сделали американские мастера светописи Клэренс Х. Уайт, Эдвард Штайхен и Альфред Стиглиц. В 1902 году Стиглиц создал группу Photo-Session. В это же время он начал издавать иллюстрированный журнал Camera Work, посвященный фотографии, а в 1905 году открыл Галерею «291» на Пятой авеню в Нью-Йорке. Вместе с фотографиями на выставках экспонировались полотна А. Матисса, О. Ренуара, П. Сезанна, Э. Мане, П. Пикассо, Ж. Брака, Д. О’Кифф, скульптуры О. Родена и К. Бранкузи. Светопись заняла равноправное место среди изобразительных искусств не только в выставочном пространстве, но и в отношении критиков и публики.

Spring Showers. Фото Альфреда Стиглица, 1901 г. © [Alfred Stieglitz / 2000 George Eastman House, Rochester, NY] (http://www.eastman.org)

Несмотря на то что ранние снимки Стиглица выполнены в пикториальном стиле, он никогда не использовал средства художественной обработки снимков, которыми обычно пользовались пикториалисты. Только в некоторых случаях, как, например, при создании снимка Spring Showers, он пользовался мягкорисующей оптикой. Стиглиц не раз экспериментировал с различными фотографическими приемами. Например, при создании фотографии O’Keeffe Hands and Thimble он добился соляризации изображения (на границе между темным фоном и руками), максимально увеличив экспозицию.

Творчество Эдварда Штайхена (Edward Steichen) сложно отнести к какому-то определенному направлению. Широкий диапазон сюжетов (пейзаж, портрет, рекламная фотография…) и разнообразие техник ставят его работы в ряд лучших произведений, созданных не только в пикториальном стиле. Но ранние снимки Штайхена, несомненно, относятся к наследию пикториализма. Фотографию The Flatiron критики сравнивали с «Ноктюрнами» американского живописца Д. Уистлера. В фотографии Штайхена тот же нежный колорит растворяющегося в вечерних сумерках города, золотые огни фонарей, отраженные в блестящей от дождя мостовой…

К концу Второй мировой войны Стиглиц и Штайхен отошли от пикториализма и обратились к «чистой» фотографии. Друг Стиглица и один из основателей группы Photo-Session Клэренс Холланд Уайт (Clarence Holland White) продолжал создавать снимки в живописном стиле и после войны, когда пикториализм уже клонился к закату. В 1916 году вместе с Гертрудой Кэзибир (Gertrude Käsebier) он основал Американское общество фотографов-пикториалистов, которое, впрочем, не нашло большого числа сторонников среди современников. Постановочные кадры Уайта и Кэзибир словно принадлежали другой эпохе, традициям живописи XIX века.

Из представителей немецкого пикториализма стоит назвать фотографа-портретиста Гуго Эрфурта (Hugo Erfurth). На фотографии Knabenbildnis in Landschaft изображен юноша, стоящий на фоне сельского пейзажа. Эрфурт замечательно передает психологические черты модели, весь кадр как бы заражен энергией юности.

С пикториализмом связано начало творческого пути знаменитого чешского фотографа Франтишека Дртикола (František Drtikol). Дртикол обучался фотографическому ремеслу в Мюнхене — родине немецкого модерна, который оказал заметное влияние на его снимки. В творчестве мастера проявилась склонность к живописи, рисунку и графике. Поэтому с самого начала он использовал разнообразные пикториалистические «благородные» техники печати, подавлявшие многие характерные черты фотоизображения и подчеркивавшие возможность авторского вмешательства в конечный снимок.

Фотоимпрессионизм проявляется в ранних снимках классика чешской фотографии Йозефа Судека (Josef Sudek) «Утренний трамвай» и «Утренние виадукты». На первом снимке изображен трамвай, проезжающий через арку, уходящую за верхнюю кромку кадра. Поток света, напоминающий по форме треугольник, падает из арки на мостовую. Здесь впервые появляется излюбленный мотив Судека — диагонально падающий поток света. Позднее, отойдя от пикториализма с его размытостью форм, Судек будет фиксировать свет не единым потоком, а пучками световых лучей. Аналогичные снимки были у американского фотографа чешского происхождения Драгомира Йозефа Ружички (Drahomír Josef Růžička), с которых, возможно, и взял пример Й. Судек. Ружичка, ученик К. Х. Уайта, был одним из основоположников Американского общества фотографов-пикториалистов. Как и А. Стиглиц, он отвергал манипулированную печать и допускал лишь смягчение оптического рисунка объектива. На фотографии Ружички «Вокзал» свет, диагонально падающий из маленького (по сравнению с огромным пространством вокзального помещения) окна, световыми ступенями ложится на пол. Здесь доминирует интерес автора не к предметам, а к потоку света и тени как композиционным и, возможно, содержательным элементам.

Arabian Nude Study. Фото Франтишека Дртикола, Прага 1912 г. © František Drtikol

Пикториализм был эхом XIX века. В 1920-х годах живописный стиль уступил место более прогрессивным направлениям фотоавангарда. Фотографы, начинавшие как пикториалисты, во второй четверти XX века продолжали творческие поиски уже в других направлениях. Теперь их внимание сконцентрировалось на экспериментах с ракурсами и композицией.

Пикториализм — это… Что такое Пикториализм?

Пикториализм (англ. pictorialism, от англ. pictorial — живописный) — течение в европейском и американском фотографическом искусстве конца XIX — начала ХХ вв., подчеркивавшее в фотографии те черты, которые сближали ее с живописью и графикой эпохи (импрессионизм, живопись прерафаэлитов, символизм, югендстиль, арт-нуво и др.). Для достижения подобного эффекта фотографы использовали особые техники съемки и печати (мягкорисующие объективы, фильтры, обработка позитива бихроматами, солями серебра и др.).

История

Обычно период влиятельности пикториализма ограничивают 1885—1914 годами. С расцветом модернизма пикториалистский подход потерял привлекательность и популярность. Позднее, начиная с 1970-х гг., наблюдается оживление интереса к наследию пикториалистов и даже определенное возвращение к их художественным методам (Салли Манн, в России — Георгий Колосов и др.).

Обложка журнала Camera Work, 1903

Организации и представители

В Великобритании пикториалистов объединяло общество The Linked Ring, в США — организованное Альфредом Стиглицем общество Photo-Secession, печатным органом пикториалистов стал руководимый Стиглицем ежеквартальник Camera Work.

К числу крупнейших пикториалистов причисляют во Франции Робера Демаши и Констана Пюйо, в Германии — Г. Г. Эммериха, в Швеции — Хенри Гудвина, в Чехии — Франтишека Дртикола, в Великобритании и США — Э. Л. Кобурна, А.Стиглица, Э.Стайхена, Гертруду Кезебир, Кларенса Хадсона Уайта, Ф. Х. Дея, Сару Сирс и др.

Робер Демаши. Примавера, 1896

Пикториализм в России

Движение пикториализма в России шло вслед за европейским, уже к концу XIX в. добилось международного признания (работы Алексея Мазурина, Сергея Лобовикова, Василия Улитина, Мирона Шерлинга, Соломона Юдовина^[1] и др.), но с начала 1930-х гг.было подвергнуто идеологическому разгрому, а его наследие на несколько десятилетий оказалось выведено из художественного обихода.

Техника

Существовало два направления пикториализма — оптический (применение мягкорисующих объективов, таких как монокль, перископ и др.) и технический (технологические методы позитивной печати).

См. также

Примечания

Литература

Daum P. a.o. Impressionist camera: pictorial photography in Europe, 1888—1918. London; New York: Merrell; Saint Louis: Saint Louis Art Museum, 2006
Pictorialism: hidden modernism: photography 1896—1916/ Annette Kicken a.o. Vienna: Georg Karl Fine Arts; Berlin: Galerie Kicken, 2008
Тихое сопротивление: русский пикториализм 1900-1930-х/ Елена Мисланди, Ольга Свиблова. М.: ГУК, 2005

Ссылки

запечатление прекрасного — Российское фото

Конечная цель — красота. Таков лозунг пионеров художественной фотографии на рубеже веков. Их главной задачей была эстетизация, и она приобретала разные формы с течением времени. О том, когда фотография стала считаться искусством, читайте в нашем материале.

В слове «пикториализм» угадывается английское pictorial («живописный»). Это авангардное направление в фотографии, принцип которого заключался в сближении снимка и живописного полотна. Течение возникает в 1880-х годах, когда английский предприниматель Джордж Истмен изобретает портативную камеру «Кодак», доступную всем обеспеченным фотолюбителям. Возникает массовый интерес к запечатлению действительности, и в связи с этим потребитель убеждается: фотография может документировать жизнь. Это практически шаг к бессмертию личности. Последовательная реакция проявилась в стремлении некоторых фотографов-любителей создавать художественные, эстетичные снимки, которые отражали бы не объективную реальность, а субъективное видение фотографа. А это практически шаг к бессмертию души.


Фото: Александр Гринберг	Фото: Эдвард Стайхен

Генри Пич Робинсон одним из первых изложил принципы пикториализма в своей книге. В противовес бытовавшему утверждению, что фотоаппарат — инструмент документации истории, Робинсон считал устройство незаменимым для отражения красоты, которую может выхватить и показать только чуткий художник. Пикториалисты смешивали реальность и искусственность в процессе обработки снимков, например, рисовали на них акварельными красками и офортной иглой, как это делал Фрэнк Юджин. Элвин Лэнгдон Коберн прибегал к сложному гумми — платиновому процессу: отпечаток с негатива покрывался смесью гуммиарабики, затем неоднократно подвергался воздействию света, после чего получались изображения в нежных, бархатистых тонах.

Фото: Александр Гринберг

Постепенно сообщество фотографов, как и многих художников, начинает распадаться на сецессионы — отдельные объединения, в которые доступ был только «избранным». Сецессионы были освобождены от условностей, которые навязывало определенное течение. Его члены подчинялись только собственному воображению. Так образовывались «закрытые клубы» пикториалистов. Например, Венский клуб фотолюбителей, организовавший выставку арт-фотографов, среди которых были Генрих Кун, Хьюго Хеннеберг и Ганс Ватзек. В Лондоне появилось настоящее «Братство кольца», и вступить в него было честью для фотографа-пикториалиста. Его члены, среди которых был и Робинсон, тайно встречались, выпускали газету, проводили выставки и экскурсии. «Братство кольца» было одним из самых уважаемых фото-сецессионов, его пикториалисты твердо преследовали принцип «свобода и верность». Наверное, в эпоху модернизма этот либеральный лозунг находил отклик в сердцах как любителей современного искусства, так и приверженцев классического.

Фото: Александр Мазурин

В США пикториализм привозит Альфред Стиглиц, который становится первым американским участником «Братства кольца». Он серьезно сотрясает это направление. Набравшись опыта в Европе, фотограф основывает американский фото-сецессион в 1902 году. Теперь художественная фотография становится преимущественно урбанистической. Но основной принцип пикториализма — создание прекрасного — остается. Художников начинает интересовать их место в огромном городе. Они ищут красоту в неожиданных местах.


Фото: Альфред Стиглиц	Фото: Джулия Маргарет Камерон

Предприимчивый Стиглиц, мечтая внушить большой аудитории, что фотография тоже может быть искусством, открывает журнал Сamera Work. «Вы увидите грандиозные фотографические публикации», — обещал Стиглиц, говоря о своей задумке. Первый номер вышел в декабре 1902 года и включал мастерские фотогравюры, критические статьи о фотографии, об эстетике и искусстве, обзоры последних фотографических выставок. Подобные журналы Сamera Work превосходил качеством иллюстраций.

Фото: Генри Пич Робинсон

Эдвард Стайхен был близким Стиглицу не только по духу, но и по взгляду на фотографию. В прошлом художник, Стайхен применял эти знания при работе с камерой. Его снимки представляют суетливый Нью-Йорк романтичным, полным красоты и очарования.

Пикториалисты пытались увидеть красоту не только в окружающем мире, но и внутри личности. В частности, они пытались раскрыть внутренний мир художника. Вслед за исследованиями Фрейда и Юнга о бессознательном, фотографы через камеру передавали переживания собственных душ. Эта идея чуть позже разовьется в сюрреалистической фотографии постмодернизма, например, у Дианы Арбус и Салли Манн.

Фото: Эдвард Стайхен

К 1917 году интерес к пикториализму постепенно утих. Причиной тому стали модные в то время течения кубизма и экспрессионизма, на которые переключился Стиглиц. Романтичность отступила.

Фото: Альфред Стиглиц

Русский пикториализм развивался параллельно западному. Во многом это происходило благодаря фотографам-путешественникам, которые посещали выставки, знакомились с коллегами, не упуская возможности заснять красоту окружающего мира. В 1880-1900 годах в композиции пикториалистических фотографий еще отчетливо просматривается влияние изобразительного искусства. Главной темой выступает освобождение русского крестьянства, например, у Александра Мазурина и Сергея Лобовикова. С утверждением модернизма в искусстве внимание фотохудожников перемещается на исследование личности. Например, работы Александра Гринберга в 10-х годах — это нежное, мягкое изображение беспечной молодости и загадочной красоты в фольклорном переложении.

Фото: Фрэнк Юджин

Пикториализм в России продлился на десятилетие дольше, чем на западе, и неизвестно, какой бы была русская художественная фотография сейчас, если бы не коммунистическая политика в 30-х годах. Советские идеологи называли пикториализм «пережитком буржуазии», обвиняли в освещении ненужного периода переустройства деревни (Василий Утилин), распространении эротических фотографий (Александр Гринберг). Так советская документальная фотография сместила искусство дореволюционного пикториализма.

Фото: Фрэнк Юджин

Художественные фотографии рубежа веков увековечили быстротечную красоту человека и бессмертное величие природы. Цель пикториалистов достигнута.

Фото: Элвин Лэнгдорн Коберн

История пикториализма в искусстве

Эксперименты с негативами, постановочные снимки, использование «виньетки» — эти приёмы считались новшеством в искусстве фотографии и являлись основными чертами пикториализма. Что это такое и откуда возникло, разбирался «Парафраз».

«Два образа жизни» Оскара Рейландера, 1857

Не отображение, а выражение

Пикториализм (от англ. pictorial — живописный) — эстетическое течение, суть которого заключается в сближении живописи и фотографии. Оно возникло в конце XIX века после того, как англичанин Джордж Истмен изобрёл портативную камеру «Кодак».

Изначально фотоискусство считалось документацией истории – объективным отражением действительности и ничем больше. Но появились такие фотографы, которым не нравилась «чистая фотография», они хотели в снимках отражать собственное видение мира и экспериментировать с негативами. Эти творческие люди и стали приверженцами пикториализма.

Словосочетание «пикториальная фотография» ввёл английский фотограф Генри Пич Робинсон. В прошлом художник, он придерживался мнения о том, что снимки могут быть не только паспортного, семейного или надгробного формата, но и иметь художественность, передавать авторское видение. Основой любого искусства для него всегда было создание прекрасного.

«Увядание» Генри Пич Робинсона, 1858

«Любой обман, трюк и колдовство любого сорта открыты для фотографа. Можно сделать очень много и создать прекрасные картины, смешивая в фотографии реальное и искусственное» Генри Пич Робинсон

Немецкий физик Герман фор Гельмгольц говорил, что человеческий глаз способен фокусироваться только на центре предмета, а периферию изображения — видит расплывчато. Взяв за основу этот принцип, Робинсон в своих работах акцентировал внимание на деталях.

Он любил делать коллажи негативов фотографий. Например, при создании работы «Увядание» (Fading Away, 1858) фотограф использовал 5 разных негативов. Этот снимок также был постановочным, впрочем, как и все его произведения.

Именно Робинсона мы должны поблагодарить за «виньетки» из фотошопа — он был первым, кто стал использовать белые углы и овальное изображение посередине. Фотограф достигал такого эффекта с помощью накладывания специальной маски на негатив. За эти и другие приёмы Робинсона прозвали первым в мире фотохудожником. А за его оригинальные методы создания фотографии, он вошёл в историю как создатель пикториализма. Эксперименты разрешаются

Благодаря английскому фотографу, творческие люди поняли, что над изображениями отныне можно издеваться, как угодно — рисовать на них красками, тыкать иглой, покрывать негативы разнообразными химическими смесями и подвергать солнечному воздействию. Все это давало разные эффекты. Зачастую изображения приобретали нежные, бархатистые тона — это и нравилось экспериментаторам того времени.

«Лодки, ожидающие прилива» Питера Генри Эмерсона, 1886

В стандартный набор художника-пикториалиста входили мягкорисующий объектив и монокли. Изображения старались получать пониженного контраста, с большей расплывчатостью, чтобы потом из фотографии среднего качества получить шедевр.

Благодаря пикториализму в искусстве фотографии появились новые способы печати изображения. Например, бромомасляный процесс — вид дополнительной обработки фотографии, заключающийся в отбеливании изображения и нанесения на задубленные биохроматами участки масляной краски любого цвета, а многие фотографы любили накладывать светочувствительные соли серебра. После такой коррекции фотографии напоминали акварельные рисунки. Чтобы получить размытое изображение, фотографы капали на объективы масло.

Клубы по интересам и закат пикториализма

На рубеже XIX–XX веков появляются художественные организации и объединения, участники которых были приверженцами идей пикториальной фотографии. В Англии многие известные фотографы такие как Алвин Кобурн, Пол Мартин, Фредерик Эванс, Альфред Стиглиц, Кларенс Уайт состояли в обществе «Братство соединённого кольца». Альфред Стиглиц, основоположник пикториализма в Америке, создал организацию «Фото-Сецессион» и журнал Camera Work. Помимо этого, было общество «Фотографов-пикториалистов Америки», президентом которого был Кларенс Хадсон Уайтт — самый преданный представитель пикториализма.

Во Франции гением «экспериментальной» фотографии считался Робер Демаши. В его работах действительно сложно отличить картину от фотографии. Такого эффекта он добился благодаря японской бумаге которую использовал вместо желатиновой, а также он выскабливал «плотные места» на негативе. У французских фотографов тоже был свой кружок по интересам, который назывался «Парижский фотоклуб», куда входили Констан Пюйо, Робер Демаши и др.

«Леди Шалотт» Генри Пич Робинсона, 1861

В Российской империи самым известным пикториалистом считался Алексей Мазурин. Его работы в изданиях по художественной фотографии 1890-х годов ставили в один ряд с произведениями Генриха Кюна (Германия), Константа Пюйо (Франция), Дюркопов (Германия), Роберта Демаши (Франция). Русский пикториализм прожил дольше всех. Последняя масштабная выставка состоялась в 1935 году.

После 1915 года на смену пикториализму пришло новое искусство. На фоне модернистских художественных течений он стал выглядеть слишком буржуазно. Работы пикториалистов стали выглядеть сухо и посредственно. Однако, стоит отметить, что даже сегодня многие фотографы положительно отзываются о технике художников-пикториалистов и порой подражают их методам.

#искусство #культура #фотография #inspiration #история #ликбез

Пикториальная фотография — стилизация или искусство?

Пикториальная фотография (от английского слова pictorial — живописный) – это направление в художественной фотографии, появившееся в конце XIX – начале XX веков. Впервые словосочетание «пикториальная фотография» ввел в оборот английский фотограф Генри Робинсон, опубликовавший в 1869 году книгу под названием «Пикториальный эффект в фотографии». В ней, помимо вышеупомянутого словосочетания, также предлагались некоторые советы и эстетические концепции построения изображения в художественной фотографии. Робинсон, в частности, полагал, что фотограф в своей работе должен подчиняться тем же правилам, что и художник, пользующийся красками и карандашом для создания картины.

Надо сказать, что в конце XIX столетия развитие фотографии пошло по двум направлениям. Это простая бытовая и любительская фотография, преимущественно, со съемкой семейных портретов и пейзажей. Такая работа казалась излишне скучной и неинтересной целому ряду фотографов, поэтому образовалось другое направление фотографии, основанное на творческих экспериментах, использовании различной оптики и возможностях печатных лабораторий для создания настоящих художественных фотографий. Так и появилась на свет пикториальная фотография, сущность которой заключается в заимствовании живописных традиций и изощренных приемов для построения художественной формы фотоизображения.

Представители этого яркого направления пропагандировали подход к фотографии как к одному из видов художественного искусства, очень близкого к живописи. Отличия же фотографии от живописи пикториалисты видели только в технической реализации получения изображения. После нескольких десятилетий забвения пикториальная фотография вернулась в современную фотографическую практику, а значит, есть смысл рассказать о ней более подробно.

Уже на рубеже XIX – XX столетий многие фотографы прекрасно осознавали, что одно только отражение действительности и документальное сходство не может превратиться в искусство. Поэтому они начали стремиться к тому, чтобы придать своим фотографическим снимкам оттенок загадочности, тайны и выразительности. Благодаря этому зритель мог бы увидеть в нерезких силуэтах на фотографии определенный художественный подтекст. Такие уникальные фотографические изображения приходилось создавать вручную, поскольку фотохудожники стремились умышленно исказить реальность на снимке и придать ему художественную выразительность.

Для решения этой непростой задачи применялась специальная оптика и разнообразные растворы при проявке негатива для воплощения тех или иных эффектов. Использование красителей и йодида серебра, масляная печать, ретуширование – все это и многое другое входило в арсенал творческих приемов пикториальной фотографии. В основе такого подхода к фотографии лежало распространенное мнение о том, что фотография как искусство должна фиксировать не действительность, а лишь представление о действительности, которое хочет передать зрителю фотограф. Поклонники пикториальной фотографии в своей работе очень часто использовали такую мягкорисующую оптику, как монокль. Это простой однолинзовый объектив, позволяющий добиваться эмоционального восприятия фотографии, особой воздушности и живописности изображения.

Какие особенности имеет пикториальная фотография? В первую очередь, в отличие от обычной фотографии в пикториальной все нацелено на создание определенного художественного эффекта. Для этого фотограф может использовать самые разнообразные приемы, трюки и даже оптические обманы. В целом, пикториальные фотоизображения отличаются размытостью силуэтов и отсутствием резкости деталей, что добавляет сходства фотографии с картинами художников-импрессионистов. Поклонников пикториальной фотографии совсем не интересовали какие-либо социальные темы или реалистичное отображение действительности, их работы несли в себе яркий декоративный эффект и эмоциональность.

Мягкие образы и отсутствие излишних деталей, пожалуй, являются наиболее узнаваемыми чертами пикториальной фотографии. С помощью мягкого фокуса фотографы могут выразить в снимке свои личные чувства и придать ему глубокую эмоциональную выразительность. В пикториальной фотографии, помимо различных художественных эффектов, всегда большое значение имела простота композиции. На снимке все линии и формы снимаемого объекта, свет и тени должны подчиняться основополагающему принципу, заключающемуся в визуальной простоте. Для снижения документальности изображения фотографы применяли особые способы позитивной печати, позволяющие добиться меньшей проработки деталей и полутонов, а также стилизации фотографии под обычный рисунок художника или гравюру.

Пикториальная фотография получила на рубеже XX века большое распространение в Европе, а затем и в России. Появился совершенно новый класс фотографов, называвших себя фотохудожниками. Такие фотохудожники работали преимущественно в жанре портрета, натюрморта и пейзажа, тем самым, еще больше доказывая сходство своих работ с классической живописью. Особое внимание в изображениях фотохудожников уделялось романтическим пейзажам, женской красоте, обнаженной натуре, цветам и предметам домашней утвари, олицетворяющим красоту. Среди российских фотографов того времени, относящихся к направлению пикториальной фотографии, можно отметить А.О. Карелина, А. Мазурина и Н. Петрова. Последний внес огромный вклад в разработку теоретических основ пикториальной фотографии, опубликовав множество интересных работ на английском, русском и немецком языках. Российскую школу пикториальной фотографии всегда отличала утонченная эстетика и разнообразие применяемых творческих приемов.

Но пикториализм как одно из направлений фотографического искусства просуществовал недолго. Стремительное развитие фотографии и появление цветных фотоизображений привело к появлению новых направлений, которые фактически вытеснили пикториализм. Уже к 30-м годам XX столетия пикториальная фотография полностью утратила былую популярность. В нашей стране снижение интереса к пикториализму было продиктовано еще и тем, что пикториальная фотография была объявлена советскими властями антинародной.

Только в начале 2000-х годов у фотографов вновь возник интерес к пикториальной фотографии. Они начали экспериментировать с различными старинными техниками ручной печати, оптикой и ретушированием фотоизображений. Появилось два основных направления пикториализма – первое, основанное на применении оптического оборудования, и второе, предполагающее внесение корректив при проявке и изменение стилистики изображений в фоторедакторах. Конечно, наиболее творческие фотографы пытаются обратиться к опыту прошлого, снимая на камеру с уникальными объективами иногда собственной конструкции. Таким образом, они возрождают забытые технологии и ищут варианты для их современной интерпретации.

Современная пикториальная фотография отличается не сюжетами или темами, а используемыми приемами и техникой, которые превращают обычные фотографии в произведения искусства. Главное для пикториального фотографа – это умение применять те или иные приемы для воплощения своих творческих задумок. Пикториальные фотографии часто печатаются на акварельной бумаге. Это преимущественно однотонные и одноцветные фотоизображения, отличающиеся мягкостью, глубиной и особой эмоциональной выразительностью. На создание и печать одного снимка у фотографа может уйти несколько дней. Ведь при печати изображения фотографы-пикториалисты часто экспериментируют с целым набором химикатов, использование которых помогает превратить простые снимки в настоящие живописные картины.

Несмотря на то, что пикториальная фотография имеет уже более чем столетнюю историю, отношение к ней в фотографической среде остается противоречивым. Кто-то считает ее простой, декоративной стилизацией под живопись, а кто-то настоящим искусством. Как бы то ни было, одно можно сказать наверняка – пикториальные фотографии пользуются серьезной популярностью у коллекционеров, ведь практически каждое такое фотоизображение создается чуть ли не в единственном экземпляре посредством уникальной техники обработки негатива.

Источник: Фотокомок.ру – тесты и обзоры фотоаппаратов (при цитировании или копировании активная ссылка обязательна)

“ФОТОГРАФИЯ КАК ИСКУССТВО”: ЧТО ТАКОЕ ПИКТОРИАЛИЗМ И ПРИ ЧЕМ ТУТ СОВРЕМЕННАЯ ФОТОГРАФИЯ

Сегодня в Петербурге фотовыставки встречаются в самых разных музеях: в Эрарте, музее искусства Санкт-Петербурга XX–XXI веков и даже в Эрмитаже. Снимки экспонируются в тех же залах, где когда-то своё место занимали исключительно картины. В наши дни это стало обыденностью, но в начале XX века пикториалисты боролись за право называть фотографию искусством. Кто они такие? Чем хороши их работы? Что осталось от пикториализма в современной фотографии?

Пикториализм – течение в фотографии на рубеже XIX-XX веков. Его приверженцы стремились максимально приблизить снимки к картинам своего времени, превращая их из документа в форму искусства.

Фотосъёмка как явление в XIX веке существовала лишь для избранных: камеры были у единиц, процесс печати не отличался простотой. Чаще всего снимали исторические события и портреты. Люди замирали перед камерами на несколько минут, чтобы получить чёткое изображение. Фотографию хвалили за исключительную реалистичность и достоверность, однако не воспринимали как искусство. Переломный момент случился в 1888 году: Kodak выпустил первый фотоаппарат с плёнкой на сто кадров и открыл пункт печати снимков. Тогда родился знаменитый рекламный слоган, который положил начало широкому распространению любительской фотографии: “Нажмите кнопку — мы сделаем всё остальное”.

Теперь снимать мог каждый. На фотографии запечатлевали родных, друзей, семейные события. Любители, не знавшие правил и не скованные традициями и модой, следовали лишь собственному вкусу и воображению. Постепенно оформилась мысль: фотография может выразить чувства и думы автора. Это искусство, та же живопись, но вместо кисти в руках художника — камера. Для таких творцов проблемой стала реалистичность и достоверность, из-за которой снимки воспринимали как документы, отпечатки пальцев. Они желали возвести фотографию в ранг искусства. Заимствовали сюжеты и особенности стиля у современных художников. От импрессионистов — стремление передать мимолётность, впечатление через смазанность, нечёткость. От прерафаэлитов — мягкие контуры, символичность, культ женской красоты и охряные оттенки картин эпохи Возрождения. Снимали утро в сосновом лесу или морской закат, создавали идеализированный мир. Старались сделать фотографию оригинальной и запоминающейся. Например, чтобы добиться эффекта дымки, мазали объектив маслом или использовали оптику с мягким фокусом. Отпечатанные снимки дорабатывали углём или солями серебра. Чтобы придать ещё больше индивидуальности, экспериментировали с плёнкой, проявкой, бумагой и техникой наложения изображения.

Так родилась пикториальная фотография. Она была нечёткой, визуально красивой, эмоциональной и не несла социального подтекста. Её ярким представителем в Англии был Александр Кейгли, во Франции — Робер Демаши, в США — Клэренс Х. Уайт, Эдвард Штайхен и Альфред Стиглиц. К сожалению, английским и французским авторам не удалось популяризовать пикториальную фотографию.

Особенного успеха достиг Альфред Стиглиц. В 1902 году он начал издавать иллюстрированный журнал CameraWork, посвященный фотографии, а в 1905 году открыл Галерею “291” на Пятой авеню в Нью-Йорке. Всё это подействовало на общество. Если первая выставка фотографов в Лондоне в 1892 году вызывала споры, то после 1905 года фотографии уже экспонировались вместе с полотнами Матисса, Ренуара, Сезанна, Мане, Пикассо. Через пару лет Стиглица заинтересовала тема места человека в городе: на смену романтичным изображениям в его творчество пришли урбанистические мотивы. Подобная перемена произошла и с другими фотографами.

К 1917 году пикториализм окончательно сошёл со сцены, а в искусстве актуальным направлением стал модернизм. Отдельные авторы продолжили создавать красивые неконтрастные снимки, напоминающие картины, но их работы перестали нести отпечаток времени. Фотография продолжила своё развитие как искусство. Теперь можно было делать с изображением всё, но ”бум” на доступные камеры прошёл. Фотоаппараты вновь взяли в руки профессионалы и художники, подчиняющие всякую обработку изображения идее.

Так что же осталось в фотографии от пикториализма? Он позволил авторам отображать не объективную реальность, а индивидуальное представление о ней. Возможность использования любых техник создания фотоизображения подарила свободу самовыражения. За прошедшие 100 лет манипуляции с отпечатками, плёнками, оптическими фильтрами и объективами дополнили компьютерные программы. Современные снимки по воле и задумке авторов рассказывают истории об одиночестве, важности доверия, искренности, свободе убеждений, проблемах экологии и отношениях в семье. Художественные фотографии заставляют думать, тосковать, смеяться, плакать, меняться. Не это ли сила искусства?

«Пикториализм был детской болезнью» | Colta.ru

В Центре фотографии им. братьев Люмьер до 10 марта проходит выставка российского арт-фотографа Вадима Гущина «Из частной библиотеки». Снимая самые простые повседневные предметы — книги, блокноты и ластики, он создает неосупрематические работы, в которых чувствуется опора и на голландский натюрморт — например, на открытого лишь в XX веке минималиста Адриана Коорта. Наталия Киеня поговорила с художником о том, как с помощью снимков создать слепок времени, как супрематизм связан с иконами и может ли фотография освободиться от своей функциональной роли, как когда-то благодаря ее появлению это сделала живопись.

— Выставка посвящена книге. Почему вы выбрали такой предмет?

— Когда я готовил выставку, то рассматривал все свои работы за последние два с половиной года. Визуально и интуитивно мне показалось, что правильно будет выбрать эту тему. Я не зациклен на сто процентов на книге и снимаю другие предметы. Например, в 2013 году я выпустил альбом «Повседневные вещи / культурные ценности». К культурным ценностям относятся самые разные объекты, в том числе и книги. Видимо, за последние два с половиной года я, во-первых, часто их снимал, во-вторых, снимки оказались удачнее других.

— Некоторые молодые люди могут сказать, что книга — это уже не повседневный предмет.

— Я бы не согласился. В метро люди читают книги. Процентов у семидесяти книги электронные, но можно встретить и бумажные. Это вопрос субъективных пристрастий. Но тем не менее в России и особенно в Москве есть огромное количество книжных магазинов, которые не разоряются. Люди покупают книги целыми стопками.

И потом, ничто не заменит общения с объектом. Книга может быть произведением искусства, есть дорогие авторские экземпляры. Мне кажется, вряд ли когда-нибудь окажется так, что книг не будет нигде и останутся одни гаджеты с текстами из интернета. Книга — один из универсальных архетипов.

Думаю, в России супрематическая традиция до сих пор ни разу не прерывалась.

— Должна сказать, что с точки зрения искусства ваш взгляд очень супрематический. Понятно, что выставка — про цвет, но кажется, что от «подсобной роли» в этом случае освобождается не столько цвет, сколько сам инструмент фотографии.

— Фотография освободиться полностью не может: ведь это просто медиум, с помощью которого мы выражаем идею. Это, скорее, освобождение цвета от формы. Термин «супрематизм» происходит от слова supremus — «высший». Когда Малевич придумал его, он имел в виду превосходство цвета. Цвет всегда был слугой формы: сначала рисовали, к примеру, контуры канапе, а потом окрашивали его в тот или иной тон. А Малевич позволил цвету главенствовать.

Я, конечно, ссылаюсь на Малевича и на его последователей. Думаю, в России супрематическая традиция актуальна и сейчас — во-первых, потому что она русская, и во-вторых, потому что она до сих пор ни разу не прерывалась. Малевич написал свой квадрат в 1915 году, потом был мощный всплеск популярности супрематизма благодаря работе его последователей — не только в России, но и в Европе (в частности, в Германии). А затем начало развиваться неофициальное советское искусство. Многие шестидесятники так или иначе продолжали традицию Малевича. Можно назвать Владимира Немухина, Эдуарда Штенберга и ныне здравствующего Юрия Желтова. Поскольку я общался с Немухиным и общаюсь с Желтовым, параллель, конечно, очевидна. Мне нравится, что люди, так или иначе знакомые с историей искусства и понимающие, о чем идет речь, видят это направление моей деятельности. Так я оказываюсь встроен в эту великую традицию. Очень важно быть встроенным в то или иное течение искусства.

Другое дело, что я пытаюсь создавать супрематические работы с помощью фотографии, а это сложнее. В отличие от живописцев, которые управляют цветом и могут создавать его на палитре, фотограф ограничен. У него куда меньше возможностей. Фотограф имеет дело с тем, что увидит. Если он не манипулирует изображением в Photoshop — а я этим не занимаюсь, — цвет получится таким, каким был. А живописец может сделать его более светлым или темным, теплым или холодным.

Но фотография открывает и новые возможности. Она позволяет достигать абстрактных результатов, но в то же время остается стопроцентно фигуративной. Позволяет передавать фактуру, форму. Даже если ты убегаешь от формы и делаешь ее, как болванку для отливки.

Я пытаюсь быть абстрактным, используя при этом реальные предметы.

Русский авангард начала ХХ века — великое достижение искусства. Сейчас, на новом витке гегелевской спирали развития, мы пришли к той же точке. Другое дело, что сегодня нельзя просто копировать шаблоны, которые были созданы сто лет назад. К этому надо относиться творчески. Для меня важно сохранять связь со временем и фотографировать вещи здесь и сейчас. Я отказываюсь от съемок вычурных антикварных предметов: все, что я снимаю, — это мои вещи. Одна из моих выставок так и называлась — «Мои вещи». В 1999 году она прошла сначала в России, в галерее РОСИЗО, а потом — в Германии, в музее фотографии в Брауншвейге. Тот же принцип я использую и сейчас. Связь с эпохой обеспечивает то, что объект — современный. Книга — такая же, как и столетие назад. Но одновременно — совершенно другая. Меняются дизайн, форма подачи. Появились, например, прозрачные футляры, блокноты. Вот это уже из сегодняшнего дня.

Я называю свои работы не натюрмортами, а предметными абстракциями. Конечно, искусствоведы могут не согласиться с этим термином. Но он мне нравится, поскольку в двух словах определяет то, чем я занимаюсь. Я пытаюсь быть абстрактным, используя при этом реальные предметы. На выставке есть, скажем, ластики в виде книжечек, которые только недавно появились в Москве. Или оранжевый листок для заметок, куда можно записать цитату.

Фотография требует связи со временем. Салонные фотографы от времени пытаются оторваться и испытывают ностальгию. Они любят снимать псевдобарочный натюрморт в духе малых голландцев. Чтобы этого избежать, надо тщательно выбирать предмет и то, как ты подаешь его с визуальной точки зрения.

— Насколько важно обладать национальностью в искусстве?

— Я не стремлюсь показать, что я из России, но думаю, что мы все равно предрасположены к родной культуре. Когда я в 1993 году попал в Центр Помпиду в Париже, то увидел картину с фантастическим синим цветом. Он буквально потянул меня к себе. Я подошел и увидел, что это работа Василия Кандинского.

Мы, может быть, этого не осознаем, но авангард выходит из иконы. Малевич это, кстати говоря, подчеркивал. «Черный квадрат» — это антиикона, и он повесил его в красном углу. Малевич — вовсе не безбожник, как иногда думают, он просто многое, мне кажется, предвидел. У него даже есть работа «Бога сбрасывать со счетов рано».

Структура иконы очень супрематична. Например, «Спас в Силах»: несколько геометрических фигур вписано друг в друга. Наверное, все идет оттуда — генетическая память отбрасывает нас дальше, чем мы думаем.

У меня осознанная отсылка к супрематистам появилась, когда я перестал снимать черно-белые работы и начал работать с цветом. Свои первые цветные фотографии я показывал художникам, с которыми дружил. Они цвет чувствуют по-другому, и их не проведешь, если что-то не совпадает.

— Как вы относитесь к постмодернизму и цитированию в культуре?

— Если человек это делает творчески и красиво, все в порядке. Другое дело, что так получается не всегда. Мне кажется, сейчас эта тенденция уже отошла. Я себя постмодернистом не считаю. Постмодернизм включает в себя игру, стеб, иронию, а у меня этого нет. Вот кухонный супрематизм «Синих носов» — это постмодернизм, хоть и довольно злой. Они же просто взяли композицию Малевича № 17, где все летит, и скопировали ее, вырезая кусочки колбасы и сыра.

— Вы говорили о голландцах, и я вспомнила художника Адриана Коорта. Он в XVII веке писал очень минималистичные работы: фрукты по сезону на одной и той же каменной столешнице. Одна из ваших фотографий из серии «Ракушки» мне напомнила его натюрморт. Эта ссылка намеренная или нет?

— Ссылка подсознательная, хотя Коорта я хорошо знаю. Все художники стоят на плечах друг у друга. Все уже придумано, мы не изобретем велосипед. Радикальная новизна фотографии возможна, на мой взгляд, только в микробиологии, когда открывают новые микроорганизмы и снимают их через микроскоп. Или в астрономии. Если экспедиция отправится на Сатурн и в ней будет фотограф, он снимет такие пейзажи, которых не было никогда. Вот это будет новизна.

Адриан Коорт. Пять раковин на каменной столешнице. 1696© Louvre Museum

Но у меня на той фотографии с ракушкой немного другая точка — точка сверху. Это прерогатива XX века — так называемая птичья перспектива. Кроме того, ракушка попадает в цвет с доской. Это уже не барочный натюрморт.

Я очень уважаю, конечно, голландский натюрморт. Я им переболел: в 90-е у меня был постмодернистский этап, когда я делал псевдоголландские натюрморты, но как-то их обыгрывал. Скажем, подписывал на фруктах номера. Голландский натюрморт, переходящий в разряд типологии. В этом отношении аналогии уместны.

Коорт очень фотографичен. Его можно приводить в пример, когда говоришь о натюрморте. И я это, кстати говоря, делаю: я преподаю и занимаю должность завкафедрой факультета фотоискусства в ИГУМО.

— Можно ли научить арт-фотографии?

— Нельзя научить человека быть художником. Мы можем научить ремеслу. Показать, как делается фотография, как люди работают над проектом, выбирают тему, какие требования сегодня есть на рынке искусства. Но все равно в большей степени результат учебы зависит от студента. Прежде всего, у него должны быть амбиции. Если амбиций нет, все бесполезно. Человек должен хотеть чего-то добиться. И нужен талант. С этим тоже не у всех хорошо. Но не все обязаны быть арт-фотографами. Даже если студенты ими не станут, мы пытаемся просто им привить хороший вкус.

Радикальная новизна фотографии возможна, на мой взгляд, только в микробиологии, когда открывают новые микроорганизмы и снимают их через микроскоп.

— Вы работаете с предметами быта, которые есть в каждой московской квартире, даже бедной. В чем цель?

— Мне просто хотелось методом фотографии рассказать о времени и о себе. В какой-то степени это каталогизация нашей жизни. Ведь через предметы мы понимаем, как люди живут, чем они пользуются, какие у них интересы. В каком-то смысле я занимаюсь архивированием для истории. Я не пытаюсь быть археологом из будущего, который открывает для себя пласты истории. Но если будущее состоится, почему бы и нет? Это реальные вещи из реального времени — из XXI века.

Меня интересуют предмет и его место в нашей жизни. Поэтому я обращаю внимание на простые вещи, которые обладают при этом большим значением. Например, таблетки. Это ведь тоже признак времени. Сегодня человек старше 45 ежедневно выпивает таблеточку-другую. А на Западе это распространено еще больше. Таблетки — это практически второй хлеб. Обращая на них внимание, я пытаюсь говорить об этом. С одной стороны, это формальный прием, который зародился в недрах русского искусства. А с другой стороны, речь идет обо всем известных предметах. Американцы, скажем, прекрасно меня понимают, хотя живут на другом конце земного шара. И китайцы тоже. Таблетки одинаковые у всех, как, кстати, и книги.

— Ваши работы вызывают даже не ностальгию, но тоску эмигранта. Довольно болезненный укол: с одной стороны, это целиком твое, а с другой, есть намек на уродство повседневной жизни.

— Потому что я пытаюсь профанное преобразить в сакральное. Из пенопластовой подложки сделать монумент, к примеру. Или снять салфетку с каплей крови и создать рассказ, который каждый зритель сможет интерпретировать по-своему. Хотя предметы эти примитивные и где-то даже отвратительные.

Но все-таки совсем уж «трэшевых» вещей я избегаю. Наподобие «Моей кровати» Трейси Эмин, где разбросаны презервативы, тампоны… Я не хочу себя насиловать из конъюнктурных соображений. Хотя, может, мне и следовало бы снять что-нибудь «желтое». Это вряд ли поднимет продажи, но может поднять цитируемость. Скандальность обычно используют, чтобы повысить собственные популярность и значимость. Другой вопрос, насколько эта значимость на самом деле убедительна.

— Освобождение живописи от ее функциональной роли, когда портреты писали, поскольку нельзя было иным способом запечатлеть человека, произошло с развитием фотографии. Именно это, кажется, сделало возможным импрессионизм, экспрессионизм. Может ли что-то, в свою очередь, освободить фотографию?

— Некоторые фотографы пытаются это делать, но пока неубедительно. Например, снимают так нерезко, что возникают пятна. В такой абстрактной композиции не остается фотографии. Фотография — это субъективный слепок с объективной реальности. Поэтому, я боюсь, полного освобождения не произойдет.

Но оно и не нужно: в этом заключается ее сила. В конце XIX века было такое направление — пикториализм, которое пыталось изгнать из фотографии фотографичность. Особенно в этом преуспели французы, а именно — Робер Демаши. Он беспощадно убирал все детали, красил кисточкой позитив, и работы превращались в фотогравюры. Однако сейчас понятно, что пикториализм был детской болезнью. Фотографы тогда не могли говорить на собственном языке, он был еще не развит. Сформировался он уже позднее, в 20-е, когда появилось «новое видение» и изобрели Leica.

Robert Demachy, Toucques Valley, 1906

Фотографический экспрессионизм если и появится, то за счет новых технологий. Сейчас в нашей сфере уклон идет в компьютерную графику. От фотографичности снова хотят избавиться, но другим способом: снимки настолько меняются в Photoshop, что превращаются в продукт симбиоза графики и съемки. Это тоже освобождение, только в другой форме. Может быть, фотография переродится как раз за счет digital arts. Но тогда она уже будет называться по-другому.

Мнение художника может не совпадать с мнением редакции.

ПОДПИСЫВАЙТЕСЬ НА КАНАЛ COLTA.RU В ЯНДЕКС.ДЗЕН, ЧТОБЫ НИЧЕГО НЕ ПРОПУСТИТЬ

Понравился материал? Помоги сайту!

Подписывайтесь на наши обновления

Еженедельная рассылка COLTA.RU о самом интересном за 7 дней

Лента наших текущих обновлений в Яндекс.Дзен

RSS-поток новостей COLTA.RU

Пикториализм | фотография | Britannica

Pictorialism , подход к фотографии, который подчеркивает красоту предмета, тональности и композиции, а не документирования реальности.

Пикториалистическая перспектива зародилась в конце 1860-х годов и господствовала в течение первого десятилетия 20-го века. Он подходил к камере как к инструменту, который, как кисть и зубило, можно было использовать для художественного выступления. Таким образом, фотографии могут иметь эстетическую ценность и быть связаны с миром художественного выражения.

Подробнее по этой теме

история фотографии: пикториализм и связанное кольцо

Идеи Ньютона, Рейландера, Робинсона и Эмерсона — хотя и казались разными — преследовали одну и ту же цель: добиться признания в фотографии …

Само название произошло от мысли Генри Пича Робинсона, британского автора книги «Живописный эффект в фотографии » (1869).Стремясь отделить фотографию как искусство от научных целей, для которых она применялась, Робинсон предложил соответствующий предмет и композиционные приемы, включая объединение частей разных фотографий в «составное» изображение. В 1880-х годах британский фотограф Питер Генри Эмерсон также искал способы продвинуть личное самовыражение в изображениях, сделанных камерой. Критикуя составные фотографии, Эмерсон и его последователи смотрели на модели, предоставленные такими художниками, как Дж.М.В.Тёрнер, художники барбизонской школы и художники-импрессионисты пытались воссоздать атмосферные эффекты в природе посредством внимания к фокусу и тональности.

Книга Эмерсона « Натуралистическая фотография » (1889 г.) имела огромное влияние в последние годы XIX века. Американские и европейские фотографы, которые следовали его принципам, организовывали ассоциации и устраивали выставки, чтобы показать, что среда способна создавать произведения великой красоты и выразительности.До 1900 года «Связанное кольцо» в Великобритании, Парижский фотоклуб, «Клиблатт» в Германии и Австрии, а на рубеже веков — Фото-сецессион в США — все это продвигало фотографию как изобразительное искусство. С этой целью некоторые фотографы попустительствовали ручной работе с негативом и использовали специальные методы печати, используя, среди прочего, бихромат камеди и бромомасло камеди. В дополнение к этим процедурам, которые гарантировали, что каждый отпечаток будет отличаться от других на том же негативе, фотографы-пикториалисты также одобрили включение монограмм и представление работ в со вкусом оформленных рамах и циновках.Фредерик Х. Эванс, Роберт Демахи и Генрих Кюн были среди известных европейцев, участвовавших в движении.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Пикториалистами в Соединенных Штатах были Элвин Лэнгдон Коберн, Ф. Холланд Дэй, Гертруда Кезебир, Эдвард Стейхен, Альфред Штиглиц и Кларенс Х. Уайт. В поздних работах Штиглица, Пола Стрэнда и Эдварда Уэстона американский пикториализм стал менее связан с атмосферными эффектами и красивыми предметами, но в течение нескольких лет после Первой мировой войны старые идеалы живописной красоты сохранялись группой под названием Фотографы-живописцы Америки.К концу 1920-х годов, когда эстетика модернизма утвердилась, термин пикториализм стал обозначать утомленную условность.

Обзор движения пикториализма | TheArtStory

Краткое изложение пикториализма

Пикториалисты взяли технологию фотографии и заново изобрели ее как форму искусства, поместив красоту, тональность и композицию выше, создав точную визуальную запись. Своими творениями движение стремилось поднять фотографию до уровня живописи и добиться признания ее таковой галереями и другими художественными учреждениями.Фотография была изобретена в конце 1830-х годов и первоначально считалась способом создания чисто научных и репрезентативных изображений. Ситуация начала меняться с 1850-х годов, когда такие сторонники, как английский художник Уильям Джон Ньютон, предположили, что фотография также может быть художественной.

Хотя его можно проследить до этих ранних идей, пикториалистское движение было наиболее активным в период с 1885 по 1915 год, а в период своего расцвета оно имело международный охват с центрами в Англии, Франции и США.Сторонники использовали ряд техник темной комнаты для создания изображений, которые позволяли им выражать свои творческие способности, рассказывая истории, воспроизводя мифологические или библейские сцены и создавая сказочные пейзажи. Прямого определения того, что такое фотография пикториалистов, не существует, но обычно под этим понимается изображение, которым каким-либо образом манипулировали для усиления его художественного воздействия. Общие темы в стиле — это использование мягкого фокуса, цветовой тонировки и видимых манипуляций, таких как составные изображения или добавление мазков кисти.

Ключевые идеи и достижения

Пикториализм был тесно связан с преобладающими художественными движениями, поскольку фотографы черпали вдохновение в популярном искусстве, перенимая его стили и идеи, чтобы продемонстрировать равенство между ним и фотографией. Особенно влиятельными движениями были тонализм, импрессионизм и, в некоторых случаях, викторианская жанровая живопись.
Пикториалисты были первыми, кто представил аргументы в пользу того, чтобы фотография была классифицирована как искусство, и тем самым инициировали дискуссию о художественной ценности фотографии, а также дискуссию о социальной роли манипуляций с фотографиями.Оба эти вопроса все еще обсуждаются сегодня, и в последние десятилетия они стали еще более актуальными благодаря все более широкому использованию Photoshop в рекламе и в социальных сетях.
Это движение привело к большим инновациям в области фотографии, и ряд фотографов, связанных с ним, ответили за разработку новых методов для развития своего художественного видения. Это заложило основу для последующих достижений в цветной фотографии и других технических процессах.

Обзор пикториализма

Ранние фотографы, такие как Джулия Маргарет Камерон, Дэвид Октавиус Хилл и Роберт Адамсон, оказали большое влияние на развитие пикториализма.Хилл, который был успешным художником романтических пейзажей, работал с Адамсоном, фотографом и печатником, между 1843 и 1847 годами, чтобы сделать более 1500 портретов людей в Ньюхейвене, небольшой британской рыбацкой деревушке. Некоторые критики того времени сравнивали портреты с портретами Рембрандта. Позднее Альфред Штиглиц назвал Хилла «отцом пикториальной фотографии» и представил его и Адамсона фотографии в своих публикациях и в Маленьких галереях фото-сецессиона в 1906 году.

Как пикториализм сформировал фотографию и фотографов?

Тревожный вопрос о легитимности фотографии как жанра изобразительного искусства задается снова и снова на протяжении последних 200 лет.Действительно ли фотография заслуживает того, чтобы ее считали столь же ценным, как и живопись? Многие критики современного искусства до сих пор расходятся во мнениях, когда дело доходит до этого спорного вопроса, впервые поставленного в начале 19 века живописцами. Пикториализм как направление в искусстве был наиболее сильным с 1885 по 1915 год. ^[1], но он оставался незначительно активным даже в 1940-х годах из-за своей манящей природы, которая оставалась популярной среди фотографов 20-го века. Хотя нет точного определения пикториализма, его лучше всего описать как фотографический подход , сфокусированный на красоте объекта и совершенстве композиции, а не на документации мира как такового. Имея это в виду, неудивительно, что фотохудожники первыми серьезно задумались о художественной ценности фотографии. Они приложили все усилия, чтобы привнести некое потустороннее чувство в ранее не романтическую и строго объективную среду фотографии.

Слева: Элис Ботон — Рассвет, 1909/ Справа: Эдвард Штайхен — Флэтайрон-билдинг, 1904 — через wikimedia.org

Краткая история пикториализма

Пикториализм получил свое название от Генри Пич Робинсон, британского автора книги « Живописный эффект в фотографии » (1869), которая оставалась одним из самых влиятельных произведений 19-го века по фототехнике и эстетике.Основная цель Робинсона состояла в отделении фотографии как вида искусства от фотографии, используемой для различных научных и документальных целей . ^[2] Другой британский фотограф той же эпохи по имени Питер Генри Эмерсон также искал способы подчеркнуть личное выражение в фотографии, а не просто объективность. Его работы были посвящены в основном съемке пейзажей и воссозданию атмосферных эффектов в природе. Однако только в начале 1900-х годов изобразительное искусство начало распространяться и набирать популярность.Это произошло благодаря доступности ранних фотоаппаратов Kodak , а также усилиям Альфреда Штиглица , известного американского художника, который собрал группу коллег-художников. Группа создала собственное фотографическое движение под названием photo-secession , и его основной целью было продвижение фотографии как средства, столь же выразительного и значимого, как живопись. Подход Стиглица к фотоизображению был первым в своем роде, поскольку он уделял много внимания композиции , цвету и тональности , всегда пытаясь запечатлеть что-то за пределами обычной реальности и ближе к царству сказочного.Вместе с другими живописцами, такими как Эдвард Штайхен и Кларенс Уайт, Штиглиц внес свой вклад в радикальное изменение восприятия фотографии, а также подготовил почву для огромных продаж этих потусторонних произведений искусства, которые имели место более века спустя. Собственно, один из важнейших моментов в истории пикториализма случился в 1910 году, когда галерея Олбрайт в Буффало купила у Штиглица 15 фотографий. Это был первый раз, когда галерея признала ценность фотографии , и такой подход инициировал мощные изменения, которые затронули многих коллекционеров произведений искусства и учреждения.

Анри Пич Робинсон — Угасание, 1858 — изображение с wikimedia.org

Альтернативные процессы печати в пикториалистической фотографии

Пикториалисты, в отличие от большинства так называемых натуралистов, были известны тщательными экспериментами с самыми разнообразными печатными процессами . Раньше они начинали свою обширную обработку с обычной стеклянной пластины или негатива, но, следовательно, они оставались сосредоточенными на выборе фотобумаги и химических процедур, способных усилить или уменьшить определенные эффекты.По той же причине некоторые фотохудожники использовали специальные линзы для получения более мягких изображений , но сглаживание фокуса во время постобработки, безусловно, было наиболее распространенной практикой. Известно, что многие из этих революционных художников использовали альтернативные методы печати, которые обычные фотографы считали слишком сложными или просто ненадежными. Например, фотохудожники очень любили использовать бихромат камеди — это была необычная стратегия, которая включала несколько слоев химикатов и приводила к живописному изображению, напоминающему акварельные картины.Еще одна излюбленная процедура художников-фотохудожников — масляный отпечаток , который был весьма полезен, поскольку позволял фотографам быть избирательными и манипулировать более светлыми областями печати, сохраняя при этом более темные части нетронутыми. Помимо этих маргинальных подходов, фотохудожники использовали более общие, но достаточно артистичные методы, такие как цианотипия или платиновый принт.

Элиас Гольденски — Портрет трех женщин, 1915 — изображение с georgetowner.com

Фотографы — известные фотографы

Хотя первые пионеры, такие как Уильям Генри Фокс Талбот, делали «художественные» снимки сеновалов, например, которые, возможно, могли бы считаться пикториалистическими из-за их особой эстетики, их, тем не менее, провозгласили «документальными» — потому что фотография использовалась только для это просто увековечить то, что нас окружает, и не более того.Поэтому, когда пикториализм как движение провозгласил своей целью подражать искусству , это было очень ироничное заявление. Художники уже считали фотографический носитель заклятым врагом, потому что он отнял у них популярность во второй половине XIX века, а теперь пытается «украсть» художественное чутье и у их работ. Но фотография просто пыталась доказать, что, несмотря на то, что камера оказывала большую техническую помощь при съемке изображений, все это все еще требовало человеческого вмешательства, чтобы выйти на новый уровень.Работы фотографов-фотохудожников намеренно выглядели как картины и рисунки углем, потому что они отчаянно хотели, чтобы их признали чем-то большим, чем просто щелчок затвора — и в конечном итоге так и произошло благодаря своим новаторским создателям.

Видео — разница между фотохудожниками и фотографами-реалистами

Джулия Маргарет Кэмерон

Впервые представленная фотоаппарату в возрасте 48 лет, Джулия Маргарет Кэмерон занималась фотографией одиннадцать лет своей жизни в середине XIX века, но ее прекрасные работы были обнаружены только через восемьдесят лет после нее. смерть.Возможно, она была одним из первых практиков фотохудожников, вдохновленных работами известных художников на создание некоммерческого портретного искусства. Фотографии Джулии Маргарет Кэмерон — это визуальная поэзия, рассказывающая о женственности в викторианскую эпоху, и многие из ее фотографий были «инсценированы», как в съемках фильма, либо в качестве книжных иллюстраций, либо для чистого личного удовольствия. Они источают невинность, молодость, дух, благодаря которому она стала одним из самых важных участников раннего пикториализма и одним из самых важных художников в Британии того времени.

Слева: Джулия Маргарет Кэмерон — Ангел Рождества, 1872/ Справа: Джулия Маргарет Кэмерон — Кончина Артура, 1875

Роберт Демаки

На первый взгляд композиции Robert Demachy очень похожи на рисунки углем, но на самом деле это фотографии, которые подверглись интенсивным манипуляциям для создания такого визуального впечатления. Выдающийся живописец начала 20 века, французский художник был также директором Парижского фотоклуба, французского параллельного американского фото-сецессиона, а также Венского Клееблатта и Британского братства Связанного кольца.Его картины не могли быть дальше от моментальных снимков, поскольку они были созданы с использованием возрожденных нестандартных фотографических процессов, таких как бихромат камеди, который позволяет художникам раскрашивать и наносить мазки на изображение. Роберт Демаши также много писал о фототехнике и эстетике, в том числе шесть книг и более тысячи статей.

Слева: Роберт Демаши — Борьба, 1904/ Справа: Роберт Демаши — Nu drapé voile bleu, деталь, приблизительно 1907-15 гг.

Альфред Штиглиц

Он был фотографом, торговцем произведениями искусства, издателем и писателем. Альфред Штиглиц , несомненно, самая важная фигура в фотографии на рубеже веков. Благодаря его усилиям фотография была поднята до статуса искусства, как благодаря его фотографиям, созданным с точки зрения опытного художника, так и его роли владельца журнала Camera Work и известной 291 Gallery в Нью-Йорке. , который с большим энтузиазмом продвигал фотоотделение. Альфред Штиглиц твердо поддерживал мастерство и, вместо того, чтобы сосредоточиться только на создании своих платиновых отпечатков определенным образом, ему удалось получить потрясающие визуальные эффекты, включив в свои композиции такие элементы, как дождь, снег и пар, чтобы создать тот настоящий живописный образ, который оказал большое влияние на мир искусства в целом.

Альфред Штиглиц — Ночные размышления, 1897

Эдвард Штайхен

Фотограф и художник, Эдвард Штайхен был близким сотрудником Альфреда Штиглица и влиятельным современным художником. Он также практиковал и продвигал фотосъемку и прославился серией портретов таких знаменитостей, как JP Morgan в 1903 году. Один из его самых известных отпечатков — 1904 The Pond — Moonlight , особенно из-за имитации цветового эффекта, вызванного позднее нанесение на поверхность светочувствительных десен.Хотя Эдвард Стейхен переключился на реалистическую фотографию после Великой войны и даже стал самым высокооплачиваемым коммерческим фотохудожником в мире, его живописные образы остаются очень влиятельными. Отчасти он был вдохновлен картинами Уистлера « Ноктюрн », например, а также японскими гравюрами укиё-э. Он также был директором Департамента фотографии Нью-Йоркского музея современного искусства.

Эдвард Стайхен — Пруд, лунный свет, 1904

Кларенс Х. Уайт

Еще одним художником, делающим заметки у известных художников, был Кларенс Х.Белый , педагог и один из ведущих художников-живописцев. Он был создателем элегантных, идиллических и интимных этюдов друзей и семьи, используя естественный свет для пробуждения сентиментальности в духе модерна и японского искусства. Он также был одним из основателей Photo-Secession, а в 1914 году он также основал Школу фотографии Кларенса Х. Уайта ^[3], первое учебное заведение в Америке, где преподают чудеса медиума как формы искусства. Пока он не умер от сердечного приступа во время преподавания, он продолжал продвигать художественную фотографию через уроки, выставки и ассоциации с художественными руководителями.Его тонкие световые эффекты и нежный сюжет стали олицетворением подхода пикториализма и помогли определить большую часть современной фотографии.

Слева: Кларенс Х. Уайт — Утро — Ванная, 1908/ Справа: Кларенс Х. Уайт — Утро, 1905 г.

Ф. Холланд День

В то время как другие пионеры живописи в основном фотографировали пейзажи, F. Holland Day сосредоточился на портретной живописи и автопортрете, а не только на каком-либо виде. Фактически, его можно было считать отцом концептуального искусства в фотографии, поскольку его работы — и его жизнь — были довольно противоречивыми.Его объектами часто были обнаженные молодые люди в разных условиях и позах, и когда он не фотографировал других, он фотографировал себя, как никто иной, как Иисус Христос. Ф. Холланд Дэй сделал целых 250 негативов, показывающих сцены из жизни Спасителя, от Благовещения до Воскресения, за что он себя голодал, отпустил бороду и даже привез из Сирии ткань и крест. Согласно The Met Museum ^[4], он использовал фотографию для священных предметов как вопрос художественной свободы.

Слева: День Фреда Холланда — Семь слов, 1898/ Справа: День Фреда Холланда — Молодежь, сидящая на камне (Никола Джанкола), 1907 год

Адольф де Мейер

Сесил Битон назвал «Дебюсси фотографии» , Адольф де Мейер был наиболее известен как первый официальный модный фотограф американского журнала Vogue, для которого он работал с 1913 по 1921 год. Потрясающе освещенные работы были созданы, чтобы лучше дополнять его знаменитые модели, среди которых были такие знаменитости, как Энн Пеннингтон, Ирен Кастл, Мэрилин Миллер, Луиза Казати и сама королева Мэри.Таинственный и экстравагантный, Адольф де Мейер создавал образы, которые в некоторых случаях очень напоминали портретные картины старых мастеров, задавая стандарты элегантности и класса в модной фотографии, которые все еще будут иметь значение гораздо позже, даже несмотря на то, что его пикториалистические тенденции, по иронии судьбы, устарели. к 1930-м годам.

Барон Адольф де Мейер — Неопубликованное исследование моды для Vogue, 1919 год

Гертруда Кезебир

Хотя формально она изучала рисунок и живопись, Гертруда Кезебир была одержима фотографией, что в конечном итоге привело ее к тому, что она стала одной из первых признанных и признанных женщин-фотографов-искусствоведов в истории.Она прекрасно осознавала этот факт, поскольку поощряла других женщин воспринимать эту технику как нормальную карьеру в то время, когда женщины еще даже не имели права голоса. За свою долгую и продуктивную жизнь она создала множество запоминающихся образов материнства с изображением ее семьи и друзей, а также ярких портретов коренных американцев. Гертруда Кезебир была хорошо известна в кругу художников-пикториалистов, ее работы выставлялись на крупных выставках и даже продавались за 100 долларов — рекорд, который не был побит в течение следующих пятидесяти лет.

Слева: Гертруда Кезебир — жена американского коня, Дакота Сиу, около 1900/ Справа: Гертруда Кезебир — Мисс N (Портрет Эвелин Несбит), 1903 год

Генрих Кюн

Генрих Кюн был описан The New York Times как «один из великих помешанных на контроле медиума» , в основном из-за рутины, которую он выполнял, фотографируя свою семью. ^[5] Он делал наброски места, выбирал одежду и позы и ждал подходящего освещения вместе со своими моделями.Возможно, именно из-за такой самоотдачи он также считается одним из самых важных художников-пикториалистов, известных своими работами, которые своей мягкой фокусировкой и тональностью очень напоминают картины импрессионистов. Генрих Кюн также был изобретателем нескольких техник печати, таких как Gummigravüre, в котором сочетаются фотогравюра и бихромат камеди, Leimdruck, в котором используется клей животного происхождения, и Syngraphie, который состоит из двух негативов разной чувствительности, обеспечивающих более широкий тональный спектр.

Слева: Генрих Куэн — Мэри Уорнер и Эдельтруда на краю холма, ок. 1910/ Справа: Генрих Куэн — Эдельтруде и Лотте, 1912-13 гг.

Элвин Лэнгдон Коберн

И последнее, но не менее важное: у нас есть великолепный Alvin Langdon Coburn , первооткрыватель многих вещей в фотографии, как в среде, так и в технике. ^[6] Любопытный экспериментатор, он был опытным фотографом к восьми годам, и его более поздний стиль находился под влиянием рисунков тушью японского мастера Сесшу.После своих первых открытий в области беспредметной фотографии он начал создавать вортографы, как он их называл, ассоциируя их с группой английских вортицистов. Фактически, Элвин Лэнгдон Кобурн был первым, кто предоставил изображения, которые были полностью абстрактными, и даже после небольшого перерыва в работе камеры между серединой 1920-х и 1950-ми годами он продолжал делать загадочно неоднозначные фотографии. Он также является автором культовых портретов Генри Джеймса и Огюста Родена 1906 года.

Слева: Элвин Лэнгдон Коберн — Осьминог, Мэдисон-Сквер-Парк, 1909/ Справа: Элвин Лэнгдон Коберн — Вортограф, 1917 год

Длительное влияние пикториализма

В конце 1920-х годов модернизм стал преобладающим , и привлекательность пикториализма постепенно устарела, хотя никогда полностью не угасала. Фактически, за последние 100 лет фотография претерпела значительные изменения в способах ее создания и восприятия.Благодаря всем доступным технологическим достижениям фотография стала наиболее распространенной художественной средой, и все ее подкатегории претерпели определенное возрождение или переопределение. Как и в начале 19-го века, мы должны снова задать аналогичные вопросы, на этот раз относящиеся к значению художественной достоверности в массовом производстве . В настоящее время у нас есть множество цифровых художников, имитирующих работы художников-пикториалистов с помощью сюрреалистических портретов и пейзажей, но какова реальная ценность таких работ, несмотря на их растущую популярность?

Хэл Мори — Центральный вокзал, 1930

Нео-пикториализм

Несмотря на то, что есть современные фотографы, которые попадают в недавно созданную категорию неопикториализма , акцент в их работе делается просто на эстетике, без какого-либо участия в художественной деятельности, которая имела решающее значение для первоначального движения фото-сецессиона. .Однако, благодаря более традиционным или, возможно, более ностальгическим художникам из числа неопикториалистов, в 60-е и 70-е годы наблюдался рост числа альтернативных процессов на . Например, Адольф Фассбендер, фотограф 20-го века из Германии, представленный престижной галереей Говарда Гринберга в Нью-Йорке, продолжал делать живописные фотографии старой школы даже в конце 1960-х годов. Фассбендер просто считал, что изобразительность должна длиться вечно, потому что она основана на универсальной красоте . Нет решения в попытках искоренить пикториализм, так как тогда нужно было бы разрушить идеализм, сантименты и все чувства искусства и красоты. , — заявил немецкий художник.

Адольф Фассбендер — Вперед, 1937 — изображение с flickr.com

Тонкость против манипуляции

Возрождение пикториализма в 1960-е гг. Продолжилось применением техники шелкографии для фотографий и, наконец, привело к появлению цифровых изображений, типичных для 21-го века. Сильное наследие пикториализма все еще можно увидеть во многих сферах фотографии в наши дни — например, поэтические композиции, которые когда-то были зарезервированы для пикториализма, можно найти в документальных работах основных фотографов, таких как Стив МакКарри, или даже в высоком разрешении. конец моды портретной живописи.Хотя это правда, что цифровые манипуляции заменили некоторые методы, использовавшиеся еще в начале 20-го века, и большинство современных фотографов не разбираются в тонкостях традиционных фотографических процессов, человеческое желание воспевать все формы красоты через идеально составленные сказочные фото еще осталось. Возможно, Штиглиц, отец пикториализма, объяснил это лучше всего, когда сказал, что в фотографии есть реальность настолько тонкая, что она становится более реальной, чем реальность.

Автор Жаклин Клайд и Энджи Кордик .

Совет редакции: TruthBeauty: Живопись и фотография как искусство, 1845-1945 гг.

TruthBeauty содержит 121 потрясающую работу известных художников, включая Джулию Маргарет Кэмерон, Элвина Лэнгдона Кобурна, Роберта Демахи, Питера Генри Эмерсона, Гертруду Кезебир, Генриха Кюна и Альфреда Штиглица. В совокупности собранные работы прослеживают эволюцию пикториализма на протяжении трех десятилетий, в течение которых он преобладал.Это единственное собрание фотографий художников-пикториалистов художников из Северной Америки, Великобритании, континентальной Европы, Японии и Австралии в одном издании. Научные очерки и подборка исторических текстов художников-пикторалистов завершают этот богатый обзор первого поистине международного художественного движения.

Артикул:

Аноним, Пикториализм , Британика
Аноним, Пикториализм и фото-сецессион , Фотогравюра
Хостетлер Л.(2004), Международный пикториализм , Метрополитен-музей
Фултон М., Пикториализм в модернизм: Школа фотографии Кларенса Х. Уайта , Rizzoli International Publications, 1996
Розенберг К., Один из первых приверженцев фотографии встречает большие шишки , The New York Times
Анкеле Д., Анкеле Д., Элвин Лэнгдон Коберн — Пикториалистическая фотография — Пикториализм, Анкеле Паблишинг, ООО, 2011

Представленные изображения в слайдере: Элвин Лэнгдон Коберн — Бруклинский мост, 1911 год; Питер Генри Эмерсон — Жизнь и пейзаж на Норфолкских ручьях, 1885-86; Роберт Демаши — Скорость, 1904; Гертруда Кезебир — Амос Два Быка, Дакота Сиу, ок.1900; Эдвард Штайхен — Бальзак, Силуэт, 4 утра, 1908. Все используется только в иллюстративных целях.

Коллекция Альфреда Штиглица | Пикториализм

Международное движение, известное как пикториализм, представляло как эстетику фотографии, так и набор принципов о роли фотографии как искусства. Пикториалисты считали, что фотографию следует понимать как средство личного самовыражения наравне с другими видами изобразительного искусства. Отвечая и на новых фотоаппаратов Kodak, и на шаблонных коммерческих фотографов, пикториалисты с гордостью называли себя настоящими любителями — тех, кто занимался фотографией из любви к искусству.

Пикториализм возник в конце девятнадцатого века и процветал в течение нескольких десятилетий после этого. Вдохновленные теориями таких художников, как Генри Пич Робинсон (который выступал за композиционные методы, согласованные с академической живописью) и Питер Генри Эмерсон (который продвигал натуралистическую фотографию с областями рассеянного фокуса), пикториалисты также обращались к ранним фотографам Джулии Маргарет Кэмерон и Дэвиду. Октавий Хилл как пробные камни.

Для дальнейшего признания фотографии как искусства, пикториалисты воспользовались живописными качествами медиума.Они часто предпочитали романтические или идеализированные образы документации современной жизни, приветствуя художественную композицию и мягкий фокус. Они трудились в темной комнате над созданием уникальных произведений искусства, используя трудоемкие процессы, такие как печать бихроматом камеди и фотопечать, которые показывали руку художника. Они очень заботились о том, как будут представлены их работы, размещая свои фотографии на слоях тонированной бумаги и давая советы по их обрамлению и вывешиванию на выставках.

Движение включало слабосвязанные операторские клубы и общества в Европе, США и Австралии.Такие организации, как Братство Связанного Кольца в Англии (основано в 1892 г.) и Фото-Сецессион Альфреда Штиглица в Нью-Йорке (образовано в 1902 г.) организовывали международные салоны и выставки, публиковали портфолио и журналы и разработали влиятельный эстетический дискурс о фотографии. Это движение пошло на убыль на заре Первой мировой войны — Связанное кольцо распалось в 1910 году, и Штиглиц, тяготевший к прямой фотографии, опубликовал последний выпуск своего журнала Camera Work в 1917 году, хотя более мелкие общества поддерживали идеи пикториализма в течение 1930-х годов. .

Художники по направлению: Пикториализм

Художественное движение

Пикториализм — это название международного стиля и эстетического движения, которое доминировало в фотографии в конце 19 — начале 20 веков.Стандартного определения этого термина нет, но в целом он относится к стилю, в котором фотограф каким-то образом манипулирует тем, что в противном случае было бы простой фотографией, как средством «создания» изображения, а не просто его записи. Как правило, графическая фотография, кажется, не имеет резкого фокуса (у некоторых больше, чем у других), печатается одним или несколькими цветами, отличными от черно-белого (от теплого коричневого до темно-синего), и может иметь видимые мазки кисти или другие цвета. манипуляции с поверхностью.Для художника фотография, такая как картина, рисунок или гравюра, была способом проецирования эмоционального замысла в царство воображения зрителя.

Пикториализм как движение процветал примерно с 1885 по 1915 год, хотя некоторые все еще продвигали его вплоть до 1940-х годов. Это началось в ответ на заявления о том, что фотография — не более чем простая запись реальности, и превратилось в международное движение, направленное на повышение статуса фотографии как истинного вида искусства.На протяжении более трех десятилетий художники, фотографы и искусствоведы обсуждали противоположные художественные философии, что в конечном итоге привело к приобретению фотографий несколькими крупными художественными музеями.

Популярность пикториализма постепенно снижалась после 1920 года, хотя она не теряла своей популярности до конца Второй мировой войны. В этот период вошел в моду новый стиль фотографического модернизма, и интерес публики сместился к более резким изображениям. Несколько важных фотографов 20-го века начали свою карьеру в стиле пикториализма, но к 1930-м годам перешли в сфокусированную фотографию.

Фотография как технический процесс, включающий проявление пленки и отпечатков в фотолаборатории, возникла в начале 19 века, когда предшественники традиционных фотопринтов стали известны примерно в 1838–1840 годах. Вскоре после того, как была создана новая среда, фотографы, художники и другие люди начали спорить о взаимосвязи между научными и художественными аспектами среды. Еще в 1853 году английский художник Уильям Джон Ньютон предположил, что камера может давать художественные результаты, если фотограф будет держать изображение немного не в фокусе.Другие были убеждены, что фотография эквивалентна визуальной записи химического эксперимента. Историк фотографии Наоми Розенблюм отмечает, что «двойственный характер материала — его способность создавать и искусство, и документ — [был] продемонстрирован вскоре после его открытия … Тем не менее, значительная часть девятнадцатого века была потрачена на споры о том, какой из них направления были истинной функцией медиума «.

Эти дебаты достигли пика в конце девятнадцатого и начале двадцатого веков, завершившись созданием движения, которое обычно характеризуется как особый стиль фотографии: пикториализм.Этот стиль определяется прежде всего отчетливо личным выражением лица, которое подчеркивает способность фотографии создавать визуальную красоту, а не просто фиксировать факты. Однако недавно историки признали, что пикториализм — это больше, чем просто визуальный стиль. Он развивался в прямом контексте с изменяющимися социальными и культурными установками того времени, и, как таковой, его не следует характеризовать просто как визуальную тенденцию. Один писатель отметил, что пикториализм был «одновременно движением, философией, эстетикой и стилем».»

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Pictorialism

Определение пикториализма Merriam-Webster

pic · to · ri · al · ism | \ pik-ˈtȯr-ē-ə-ˌli-zəm \ 1 : использование или создание картинок или визуальных образов 2 : движение или техника в фотографии, подчеркивающая искусственные, часто романтизированные живописные качества.

Что такое пикториализм в фотографии?

Рука человека, 1902 год, Альфред Штиглиц

Спустя десятилетия после своего изобретения в 1830 году фотография использовалась в основном для создания научных и репрезентативных изображений и была прерогативой богатой элиты.Пикториализм был движением, которое процветало между 1885 и 1915 годами и возникло в ответ на заявления о том, что фотография — не что иное, как простая запись реальности. Он превратился в международное движение выставочных обществ фотографии, чтобы продвинуть статус фотографии как истинного вида искусства и иметь такой же статус, как картины и скульптура.

Железнодорожный двор, зима 1903 года Альфреда Штиглица

Фотографы-пикториалисты рассматривали камеру как инструмент, который, как кисть или зубило, можно использовать для создания художественного образа.Они стремились сделать фотографию средством массовой информации и добиться признания ее в художественных музеях и галереях. Прежде всего, их фотографии ставили красоту предмета, тональности и композиции выше, создавая точную визуальную запись.

Роден Ле Пензер 1902 Эдвард Стейхен

Пикториализм имел свои корни в Англии до 1890 года, когда его центр переместился в Нью-Йорк, где он сосредоточился вокруг Альфреда Штиглица (1864-1946), самого влиятельного фотографа-любителя своей эпохи и жизненно важной силы в развитии современного искусства в Америке.К 1900 году пикториализм распространился по всем странам мира, где группы фотографов основали свои собственные выставочные общества. Двумя наиболее активными обществами были «Братство связанных колец » (основанное в 1892 г.) в Англии и «Фото-сецессион » (основанное в 1902 г.) в США.

Каковы характеристики пикториалистических фотографий?

Фотографы-пикториалисты были в ужасе от растущего использования фотографии в науке и промышленности, а также от массовых снимков по выходным, появившихся после появления фотоаппарата Kodak в 1888 году, который продавался под лозунгом «Знание фотографии не требуется; вы нажимаете кнопку, остальное делаем мы.«Они хотели, чтобы фотография была изобразительным искусством, а не коммерческой деятельностью, которой мог бы заниматься каждый. С этой целью они намеренно использовали сложные и длительные процессы печати, такие как фотогравюра, с использованием таких веществ, как углерод, камедь, платина и бромойль, для обогащения своих отпечатков и тонирования для добавления цвета — большинство из которых приводило к отпечаткам, которые выглядели привлекательно размазанными и бархатистыми, например рисунки углем или литографии. Они сделали изготовление фотопечати вручную намного ближе к созданию картины.

Утро 1908 года Кларенс Уайт

Как правило, графическая фотография имела мягкий фокус, была напечатана одним или несколькими цветами, отличными от чисто черного и белого (от теплого коричневого до темно-синего), и могла иметь видимые мазки кисти или другие манипуляции с поверхностью. Для живописца фотография, так же как картина, рисунок или гравюра, была способом проецирования эмоционального намерения в царство воображения зрителя.Художники стремились привнести в фотографию импрессионистические качества живописи 19 ^— веков, делая акцент на атмосферных элементах картины, используя расплывчатые формы, мягкие края и приглушенные тона. Художники часто работали ночью, в тумане или в снежную погоду, используя мягкофокусные линзы с марлей или холстом (ткань с открытым переплетением), чтобы размыть изображения. Пикториалистические гравюры были темнее, чем мы привыкли видеть сегодня, и отличались приглушенными бликами.

Кто были самыми выдающимися фотографами-пикториалистами?

Англия имела самые давние традиции живописной фотографии и до 1890 года была основной страной, где она практиковалась.В мае 1892 года Генри Пич Робинсон (1830–1901), Джордж Дэвисон (1854–1930) и Генри Ван Дер Вейде (1838–1924) учредили группу фотохудожников в выставочном обществе, ранее известном как Братство связанных колец .

В 1902 году Альфред Штиглиц сформировал из американских фотографов-пикториалистов группу под названием « Photo Secession ». Основную группу составили Альфред Штиглиц (1864-1946), Элвин Лэнгдон Коберн (1882-1966), Фредерик Холланд Дэй (1864-1933), Фрэнк Юджин (1865-1936), Гертруда Кезебир (1852-1934), Эдвард Стейхен (1879). -1973) и Кларенс Уайт (1871-1925).

Связанное кольцо было одной из череды подобных групп в Париже, Берлине, Брюсселе и Гамбурге. Верный своим масонским корням, членство было только по приглашению, «тем, кто заинтересован в развитии высшей формы искусства, на которое способна фотография». Все члены были мужчинами, пока в 1900 году не была приглашена Гертруда Кезебир. Проводя ежегодную выставку с 1893 года и публикуя журнал с 1896 по 1909 год, Связанное кольцо оказало долгосрочное влияние на фотографию.

Старый порядок и новый, 1885 год Питер Генри Эмерсон

Питер Генри Эмерсон (1856-1936) был сторонником избирательной фокусировки, при которой глубина резкости ограничивалась основным объектом. Он считал, что большая глубина резкости, в которой все четко прописано, приводит к пространственно мрачным результатам.

Деревня под Саут-Даунс, 1901 год Джордж Дэвисон

Джордж Дэвисон (1854-1930) пошел дальше в Village Under The South Downs, 1901 , когда ничто не находится в четком фокусе в этом романтическом и импрессионистическом видении сельской Англии, а размытое качество усиливается за счет печати на грубой текстурированной бумаге.

Весенние дожди, 1900 год Альфреда Штиглица

Альфред Штиглиц (1864-1946) исследовал ночные улицы Нью-Йорка, часто фотографируя во влажных туманных условиях, например, в «Весенних ливнях », 1900 г. . Композиция этого изображения показывает влияние японского искусства, которое тогда было очень популярно, и напечатано на толстом полупрозрачном японском пергаменте.

Какие фотографии были самыми важными?

Альфред Штиглиц, Элвин Лэнгдон Коберн и Эдвард Стейхен были одними из самых активных фотографов эпохи пикториализма.Штиглиц был движущей силой, и его значимость заключается в его работе как арт-дилера, организатора выставок, галериста, издателя и писателя. Кульминационный момент для фотографии наступил в 1910 году, когда галерея Олбрайт в Буффало, штат Нью-Йорк, приобрела 15 фотографий из галереи 291 Штиглица. Впервые фотография была официально признана видом искусства, достойным музейной коллекции, и это означало определенный сдвиг в мышлении многих людей.

Отражения, Нью-Йорк 1898, Альфред Штиглиц

Стиглиц использовал природные элементы, такие как дождь, чтобы объединить свои композиции.В этом исследовании свет, отражающийся от мокрого тротуара, создает мерцающий фон для силуэтов деревьев. Его заявленная цель заключалась в том, чтобы создать видение Нью-Йорка, которое было бы таким же красивым для своих граждан, как Париж для парижан.

Когда был период пикториализма в фотографии?

Пикториализм был одним из самых интересных периодов в истории фотографии и явился кульминацией споров, которые бушевали во второй половине 19 века о том, можно ли ценить фотографии как искусство — точно так же как живопись, так и скульптура.Различия между прямыми и обработанными фотографиями обсуждались почти с религиозным рвением — казалось, что на карту поставлено будущее самой фотографии. Реальные или ненастоящие, живописные или ненастоящие, искусство или просто наука — такие темы вызвали жаркие споры.

Движение достигло своего расцвета между 1880 и 1915 годами, когда по всему миру были созданы выставочные общества и фотогалереи, кульминацией которых стало приобретение фотографий несколькими крупными художественными музеями, что стало знаковым моментом для СМИ.

Но Первая мировая война изменила все, и популярность живописи после 1920 года постепенно уменьшалась. По мере того как суровые реалии войны затрагивали людей во всем мире, вкус публики к искусству прошлого начал меняться. Развитые страны все больше сосредотачивались на промышленности и росте, и искусство отражало это изменение, показывая резкие изображения новых зданий, самолетов и промышленных ландшафтов. В этот период вошел в моду новый стиль модернизма, и интерес публики сместился к более резким изображениям.

The Steerage, 1907 год Альфреда Штиглица

Ближе к концу своей жизни Штиглиц писал: «Если бы все мои фотографии были потеряны, а меня запомнили только за The Steerage 1907, , я был бы доволен». Отправленный в путешествие по Европе в 1907 году на SS Kaiser Wilhelm II, одном из самых роскошных лайнеров того времени, Штиглиц и его семья путешествовали первым классом. Штиглиц рассказал, что, исследуя корабль, он видел, как люди из класса штурмана наслаждаются свежим воздухом.Он поспешил обратно в свою каюту, зарядил камеру единственным неэкспонированным стеклянным негативом, который у него был, вернулся к месту и сделал снимок.

The Steerage, 1907 год был поворотным моментом в размышлениях Штиглица о среде фотографии. Вместо того, чтобы стремиться воссоздать идеалы изобразительного искусства прошлого, он переключился на модернистские ценности, с нетерпением ожидая эпохи машин, строительства и науки (которые наступят в конце Первой мировой войны). Визуальный контраст между верхней и нижней палубами, запечатленный модернистской структурой пешеходных дорожек и дымохода, буквально разделяет социальные классы.Фотография как своего времени, так и далеко впереди, предвосхищая пространственно артикулированные документальные фотографии Анри Картье-Брессона (1908–2004) и Себастьяна Сальгадо (1944 г. р.).

Это интересно? Пожалуйста, оставьте свои комментарии ниже…

Логин:
Пароль: