Нажмите "Enter" для пропуска содержимого

Психологический портрет в живописи: Пример психологического портрета Ильи Репина Третьяков П. М.

Содержание

Особенности передачи образа в портретной живописи

Портрет – сложнейший жанр в искусстве живописи. Портрет отображает историческое время, какие были люди, во что одевались, какими обладали характерами, к какому относились сословию.

Психологический портрет еще более сложен в исполнении. Для учащихся средней и старшей школы общего и дополнительного образования важно обрести навыки грамотного и правильного изображения портрета человека. Учащемуся школы нужно не просто передать анатомическое, внешнее сходство с натурой, но и эмоциональное состояние человека. Психология изображенного человека должна быть понятна любому зрителю и оставлять след в его памяти. Для достижения главной цели школьнику следует придерживаться нескольких правил, играющих важную роль при написании психологического портрета.

Чтобы написать портрет нужно знать анатомию строения черепа, пропорциональные черты лица, а так же соотношение частного к целому. Кроме того учащиеся должны обладать знаниями мышц лица и определять индивидуальность каждого человека. Основной целью преследуемой художником, рисующим портрет — это сходство с натурой. Простого копирования не достаточно, чтобы передать индивидуальное и даже психологическое сходство.

Мы можем привести массу примеров портретистов, где выразительность образа проявляется за счет знаний анатомии человека. Но этих знаний ученикам недостаточно для передачи психологического портрета. Задача преподавателя перед началом занятия по теме портрет провести вступительную беседу по анатомическому строению головы человека: о ее костном и мышечном строении. Педагог должен показать таблицы, учебные пособия по пластической анатомии и ответить на возникающие у школьников вопросы, а так же выполнить мелом на доске графическое изображение тех или иных мимических мышц лица, показывающих мимикой психологическое состояние человека.

Затем преподаватель должен рассказать об этапах работы над портретом человека.

Первостепенно ученику следует определиться с композицией картины. Сделав множество поисков, выбрать наиболее удачное расположение человека. На этом этапе определяется композиция изображения и его формат:

  1. Вертикальный;
  2. Горизонтальный.

Существует несколько вариантов размещения человека на картине:

  1. В полный рост;
  2. Поколенный;
  3. Поясной;
  4. Погрудный;
  5. Голова.

Ракурс и точка зрения помогает при передаче статуса личности.

В передаче характерных качеств важно уметь анализировать, выделяя главное в общей массе. Для передачи схожести с натурой нужно задумываться об индивидуальных чертах еще при эскизных поисках, которые делают учащиеся на начальном этапе работы.

Определив композицию, отмечается положение головы. Следует обратить внимание на то, что голова должна быть пропорциональна телу человека. Для дальнейшего рисования портрета необходимо построение головы, как объемной «коробки», отсекая все лишнее. Преподаватель должен объяснить учащимся, что голова человека может быть повернута 3 способами:

1)           Фас

2)           Профиль

3)           ¾

От роста человека зависит величина его головы. Размер головы взрослого варьируется между 7,5-8 от всего роста человека. Так же необходимо учитывать и расовые, половые, возрастные различия.

Помимо соблюдения пропорций и анатомии тела человека, учащимся необходимо напоминать о правильности пропорций лицевой части. Лицевую часть зрительно можно разделить на 4 части:

  1. От макушки до начала роста волосяного покрова
  2. От начала роста волосяного покрова — до линии переносицы
  3. От линии переносицы — до края крыла носа
  4. От края крыла носа до края подбородка.

На уроке преподавателю необходимо заострить внимание учеников на несколько постулатов пропорций лица: расстояние между глазами, равно длине глаза; расстояние между ушами, равно расстоянию от брови до нижнего края подбородка; длинна ротовой щели равна расстоянию от линии смыкания губ до края подбородка.

Пропорции и мышечное строение человеческой головы преподаватель может не только объяснять теоритически, словестно, но и показывать наглядный материал, а так же практически —  помогать строить элементы составляющие конструкцию черепа и мышц мимики.

Мышцы отвечают за передачу эмоций на лице, поэтому являются главными в передаче психологии человека. Они в свою очередь делятся на две группы: жевательные мышцы и мимические мышцы. Мимические мышцы так же делятся на несколько групп, каждая из которых отвечает за свои функции. Это очень значимый постулат в ведении портрета, поэтому преподавателю необходимо подробно и четко рассказать учащимся про все группы мышц.

В группу мышц мозгового черепа включены надчерепная и височно-теменная мышцы. Надчерепная в свою очередь делиться на лобное и затылочное брюшко, которое оттягивает кожу головы назад, а лобное поднимает вверх брови, образуя при этом горизонтальные складки на лбу. Височно-теменная мышца отвечает за движение ушей.  Поднятие бровей характеризуется в психологии как удивление либо страх. Но одна приподнятая бровь, скажет нам о возмущении или вопросительном выражении лица.

В группу мышц верхней части лица входят мышца гордецов, оттягивающая кожу на переносице и мышца, сморщивающая бровь. Сокращаясь эти мышцы сводят брови, образуя поперечные складки на переносице выражают негодование на лице. Круговая мышца глаза участвует во множестве мимических процессах, отвечая за поднятие кверху щеки при смехе; сокращаясь слабо прищуривает веки, что  характерно для смеха, так и для сомнения; при более сильном сокращении закрывает глаз полностью. Круговая мышца участвует в поступлении слез из слезных канальцев при сильной радости либо грусти, боли.

Мышцы средней области головы так же образуют свою многочисленную группу. Мышца поднимающая крыло носа, разделена на 2 пучка, поперечный, сокращаясь сжимает кожу носа образуя складки на боковой части носа, как при злости или недовольстве. Выражать эти эмоции помогает крыльный пучок, поднимая и расширяя ноздри.

За улыбку отвечает группа мимических мышц средней области головы. Скуловая мышца, собачья мышца и мышца поднимающая угол рта тянет угол рта назад и кверху, растягивая губы. Мышца поднимающая верхнюю губу, так же поднимает вверх угол рта и расширяет ноздри. Щечная мышца прижимает щеки к зубам и сокращается при выражении гнева или смущения.

Нижняя область головы включает в себя круговую мышцу рта, сокращение которой сопровождается закрытию ротового отверстия и выдвиганием губ вперед, не только участвуя в речи, но и выражая обиду. Негодование и тоска расслабляет кожу щек,  сокращает мышцу отпускающую угол рта книзу. Движение и деформация нижней губы происходит за счет подбородочной и опускающей нижнюю губу мышц. Мышца смеха растягивает рот, тем самым образовывая ямочки на щеках.

Мышечные сокращения на лице сочетаясь вместе образуют одно гармоничное выражение. Выражение лица выдает истинный эмоциональный заряд изображаемого человека. Для правильной передачи эмоций важно знать анатомическое строение лица. Поэтому нужно уметь сочетать академизм анатомии и мимолетную динамику эмоций.

Эмоциональная окраска мимики определяется сочетанием сокращающихся мимических мышц, а степень выраженности того или иного мима устанавливается напряжением этих мышц. Для анализа выражения лица важно знать также положение глаз, направление взгляда, что зависит от сокраще­ния мышц глазного яблока.

Уяснив знания о костно-мышечном строении головы человека, учащиеся должны отойти от частного построения и обратиться к обобщению и композиционному равновесию портрета.

Ракурс и поза натуры раскрывает замысел художника. Поза главным образом подчинена закону статики и динамики в композиции. Острые углы, резкие движения экспрессивно характеризуют натуру. Округлые, плавные линии, статичность позы, напротив, лишает ее яркой эмоциональной экспрессии.

«Язык» тела говорит многое о человеке. Осанка, движение конечностей, плеч несут эмоциональный заряд. Скованность, скрещенные руки говорят нам и замкнутости.

Распахнутые руки, расправленные плечи являются символом уверенности и открытости. Непринужденность позы является неотъемлемой частью психологического портрета. Одежды не должна сковывать, а наоборот помогать раскрытию образа. Учащиеся должны хорошо усвоить, что комфорт располагает к естественности.

 

Педагог должен правильно установить освещение натуры. Разные условия освещения, по-разному влияют на настроение портрета. Мощность, величина, удаленность источника света образуют различные световые эффекты.

 Лампы накаливания, солнечный свет, падающий фронтально, либо диагонально окрашивают натуру в теплый цвет, задавая при этом позитивный настрой. Лампы естественного освещения, соответственно напротив, придают «холода» картине.

Использование светового контраста в картине, дает смысловой контраст, то есть такой вид освещения задаст резкость характеру натуры к таким видам освещения можно отнести: резко-боковое и контровое освещение.

Расположив источник света снизу или сверху натуры, получим искажение лица, вплоть до неузнаваемости. Такое освещение придает отрицательный характер и страх, могут оттолкнуть зрителя.

Эффект виньетки, сгущение теней от центра к краям картины, используется для усиления драматичности атмосферы.

Освещение постановки содействуют с колоритом. Колорит в искусстве живописи это система цветов, тонов содействующих между собой и составляя единое целое передающая красочное разнообразие реальности. Колорит — один из компонентов передачи эмоционального образа.

 Характер колорита напрямую зависит от замысла ученика, который может передаваться двумя путями: передачей реального цвета или посредствам цветов — символов.

Цвет может нести в себе определенную символику. Такие цвета как правило открытые, без сложных замесов, используются автором ассоциативно. Реальные цветовые сочетания должны гармонично и грамотно влиять друг на друга. Перед учащимся стоит сложная задача заключающаяся в достоверной передаче колорита портрета и композиции в целом.

Учащиеся, уяснив теоритические знания по анатомическому строению головы человека, применяют их на практике, приобретая умения и навыки грамотного выполнения такого сложного задания, как портрет человека. У них повышается графический и живописный уровень, необходимый для дальнейшей учебной и творческой деятельности. Появляется заинтересованность к творческой деятельности и участию в выставках различного уровня.

Портрет в живописи. Виды портрета человека

1. Портрет в живописи. Виды портрета человека.

2. Портрет- изображение или описание какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной

действительности .
Портрет – это один из главных жанров живописи,
скульптуры, графики, его смысл именно в том,
чтобы воспроизвести индивидуальные качества
конкретного человека.
Название этого жанра происходит от
старофранцузского выражения, означающего
«воспроизводить что-либо черта в черту».

3. акварельный

карандашный
акварельный
ГРАВИРОВАННЫЙ
ПОРТРЕТ
СКУЛЬПТУРНЫЙ
ЖИВОПИСНЫЙ
(МАСЛО, ТЕМПЕРА, ГУАШЬ)
РЕЛЬЕФНЫЙ
(на медалях и монетах)
Карандашный портрет
Живописный портрет
(масло)
Акварельный
портрет
Гравюра
Рельеф
Скульптурный портрет

5. ВИДЫ ПОРТРЕТА:

Камерный;
Психологический;
Социальный;
Парадный;
Индивидуальный, двойной,
групповой.
Автопортрет

6. Камерный портрет — портрет использующий поясное, погрудное или поплечное изображение. Фигура в камерном портрете обычно даётся

Камерный портрет портрет использующий поясное,
погрудное или поплечное изображение.
Фигура в камерном портрете обычно
даётся на нейтральном фоне.

7. Психологический портрет  призван показать глубину внутреннего мира и переживаний человека, отразить полноту его личности,

Психологический портрет
призван показать глубину внутреннего мира и
переживаний человека, отразить полноту его
личности, запечатлеть в мгновении бесконечное
движение человеческих чувств и действий.

8. Социальный портрет позволяет осмыслить содержание профессиональной деятельности, проведение свободного времени, дать оценку

личности человека, исходя из
характеристики среды, в которой он проживает.

9. Парадный портрет — портрет, показывающий человека в полный рост, на коне, стоящим или сидящим. Обычно в парадном портрете

Парадный портрет портрет, показывающий человека в полный
рост, на коне, стоящим или сидящим.
Обычно в парадном портрете фигура дается
на архитектурном или пейзажном фоне.

10. Индивидуальный, двойной, групповой.

11. Автопортрет — графическое, живописное или скульптурное изображение художника, выполненное им самим с помощью зеркала или

Автопортрет графическое, живописное или скульптурное
изображение художника, выполненное им
самим с помощью зеркала или системы
зеркал.

12. По формату портреты различают:

головные (оплечные)
погрудные
поясные
по бедра
поколенные
во весь рост
Головной портрет
Поясной портрет
Портрет во весь рост
Портрет по бедра
Погрудный портрет

14. По повороту головы портреты бывают:

в анфас (фр. en face, «с лица»)
в четверть поворота направо
или налево
вполоборота
в три четверти
в профиль

15. Задание:

Ваша задача — создать живописный портрет.
Это может быть автопортрет или портрет
кого-либо из близких тебе людей.
Подумай, какие цветовые сочетания лучше
выразят характер и состояние души.

Канадские ученые выяснили, почему картины Рембрандта так ценятся в мировом искусстве

При разглядывании портретов Рембрандта глаза человека перемещаются не так быстро от одной точки картины к другой, как при разглядывании фотографий. Как утверждают канадские ученые, именно поэтому картины Рембрандта так ценятся в мировом искусстве.

Крупнейший представитель эпохи барокко голландской живописец Рембрандт Харменс ван Рейн считается величайшим мастером передачи игры света и тени и мастером психологического портрета. Умерший в нищете художник, в последние годы жизни часто писавший портреты бедняков, простых людей, спустя столетия после смерти считается одним из величайших мастеров изобразительного искусства, а его картины поистине бесценны.

Объяснить феномен портретов Рембрандта с научной точки зрения постарались канадские ученые из Университета Британской Колумбии. В их статье, опубликованной в журнале Leonardo, посвященном наукам и искусствам, который выпускает Массачусетский технологический институт, утверждается, что Рембрандт является первым в мире художником, который применил специальную технику написания портрета.

В результате у зрителя создается особое, как пишут ученые, «спокойное» ощущение от картины.

Причем непроизвольно все ценители искусства смотрят в первую очередь на конкретные области портрета.

К таким выводам исследователь Стив Дипаола и его коллеги пришли по итогам достаточно интересного эксперимента.

close

100%

close

100%

Они отобрали четыре портрета Рембрандта, после чего подобрали четырех внешне похожих на героев этих картин людей и сфотографировали их в такой же одежде, позе и при таком же освещении, как у Рембрандта. После этого фотографии были подвергнуты компьютерной обработке с целью стилизовать их под картины Рембрандта, учитывая его палитру красок, толщину кистей и т. п. факторы. Еще одной процедурой стала проверка и последние исправления фотографии «под оригинал» с использованием четырех областей: вокруг каждого глаза и с каждой стороны относительно подбородка, там, где нижняя часть лица пересекается с одеждой и задним фоном. Собственно в этом заключалась подготовка к эксперименту. Сам же он заключался в том, что ряду людей были показаны оригинальные портреты Рембрандта и стилизованные под них фотографии на разных стадиях описанной выше обработки.

Специальная система следила за движениями глаз участников эксперимента и фиксировала, сколько времени и какую часть портрета они разглядывают.

Оказалось, что при разглядывании портретов Рембрандта глаза человека перемещаются не так быстро от одной точки картины к другой, как при разглядывании фотографии, пусть и стилизованной под голландского художника. В среднем для получения впечатления от фотографии испытуемым требовалось 16 фиксаций, а для изучения портрета Рембрандта — 14.

Именно поэтому ученые назвали ощущение от портретов Рембрандта «спокойным».

«При просмотре портретов, подобных рембрандтовским, зрители в первую очередь обращают внимание на глаза и рассматривают их в течение долгого времени, спокойными движениями перемещая свой взгляд вокруг этой области, — говорит ведущий автор работы Стив Дипаола. — Еще один эффект, который создает нарративное (повествовательное) ощущение от картины, — это переход от резких краев к размытым.

С помощью этих методов Рембрандт, спустя сотни лет после смерти, исполняет роль «экскурсовода», так как он «направляет» взгляд зрителя и этим создает уникальный рассказ.

Делал ли он так потому, что специально фиксировал движения собственных глаз, или же догадался интуитивно, Рембрандт продемонстрировал понимание принципов работы человеческого глаза, которые позднее были точно доказаны».

Портрет в живописи: виды и история жанра

В первую очередь необходимо определиться, чем же является портретный жанр в живописи. Портрет — это форма изображения человека, где основной фокус держится на его лице, а также передает его психологическое состояние, социальный статус и принадлежность к определенной исторической эпохе. В зависимости от предназначения портрета и способа его исполнения, выделяют следующие его виды:

  • парадный;
  • камерный;
  • костюмированный;
  • коллективный;
  • миниатюрный;
  • исторический;
  • портрет-прогулка;
  • семейный;
  • религиозный;
  • автопортрет.

Иногда выделяют еще женский, мужской и детский виды портретов, как отдельную разновидность жанра.

Также, портреты делятся в зависимости от того, какую часть тела человека они охватывают. В связи с этим выделяют портрет:

  • по грудь;
  • по пояс;
  • по бедра;
  • по колени;
  • в полный рост.

Ну и конечно же, портреты различаются в зависимости от стиля выполнения картины и материала, который используется для его создания.

История портрета

На данный момент, древнейшим рисунком человеческого лица является изображение, найденное в пещере Вильонер, Франция. Предположительный возраст данного портрета составляет 27 000 лет. Однако, местом зарождения портретного жанра считается не Франция, а древние средиземноморские цивилизации, к которым относятся Египет, Греция, Рим и Византия.

Считается, что первые портреты появились именно здесь, поскольку искусство тестно переплеталось с погребальными обрядами того времени. Однако, портретный жанр больше был востребован в скульптуре нежели в живописи, о чем говорят многочисленные бюсты и фрески с изображением знатных и влиятельных людей минувших эпох.

Во времена средневековья портрет как жанр утратил актуальность и носил исключительно религиозный характер. Помимо изображений на иконах, художники рисовали портреты преимущественно знатных людей, правителей и донаторов, которые делали пожертвования для церковной казны.

Когда на смену пришла эпоха Возрождения, портрет стал существенно преображаться. На это повлияло несколько ключевых факторов:

  1. Ослабление влияния религии.
  2. Возникновение новых техник в живописи.
  3. Смена портретов в профиль на фас или три четверти.

Более того, именно в эту эпоху начали возникать разнообразные формы портрета. К примеру, особой популярностью пользовался именно портрет по грудь. Они начали делиться и по характеру: парадные и интимные. Также, стали появляться супружеские и групповые портреты. Однако, им был присущ определенный недостаток: фон и герой картины казались не связанными между собой, что создавало ощущение искусственности и, порой, несоответствия реалиям.

В ХVIII-XIX столетиях все чаще на портретах появляются не знатные персоны и их семьи, а простые люди в повседневном окружении. Данный жанр становиться одним из самых ярких способов выразить политические и социальные взгляды, а также, передать настроение и дух эпохи. Реализм вытесняет нарочитую наигранность и идеализацию персонажей, а импрессионизм делает акцент на внутренних переживаниях в моменте, а не на общей социальной значимости героя.

В ХХ веке развитие технологий, появление фото и видео оказывает существенное влияние на портретный жанр, превращая его в неактуальный анахронизм. Ведь появились другие способы отображения реальности. Но жанр не пропал, он нашел воплощение в новых стилистических направлениях, задачей которых стало уже не столько отображение реальности, сколько передача психологического портрета личности. Одни из самых выдающихся портретов ХХ века принадлежат таким художникам как Амедео Модильяни (портрет Лунии Чековской), Густав Климт (Адель Блох-Бауэр), Пабло Пикассо (портрет Поля в костюме Арлекина), Сальвадор Дали (Галарина).

Место портрета в современности

Если бы портрет, как жанр живописи, лишь предшествовал фотографии и выполнял её функцию до появления технологий, то в ХХ веке он должен был исчезнуть, чего не произошло. Выходит, предназначение портрета в современном мире шире, нежели фотографии. Данный жанр позволяет наиболее ярко выразить свою точку зрения с помощью живописи и передать определенную смысловую динамику, чего довольно сложно достичь прибегая к иным жанрам.

В современном мире даже ребенок может сделать портретную фотографию, нажав единственную кнопку на смартфоне. Однако портрет не теряет актуальности, ведь позволяет запечатлеть определенный момент в жизни человека или группы людей. Также, особое значение появляется у портретов обобщенных образов, которые характеризуют влияние социально-культурных и политических явлений на общество. К наиболее известным портретистам наших дней относятся Стив Хенкс, Стивен Райт, Элизабет Пейтон и Фан Лидзун.

В онлайн галерее картин маслом Struchaieva Art вы можете найти картины в портретном жанре в сериях Жизнь и Женская Сила. В этих работах автор отражает мужскую мудрость и женскую внутреннюю силу в различных социокультурных ситуациях. Также, каждая из картин доступна для печати на холсте или фото бумаге в необходимом размере.

Менеджер галереи ответит на все интересующие вас вопросы и поможет сделать правильный выбор.

«Портрет в живописи. Виды портретов человека»

Просмотр содержимого документа
«»Портрет в живописи. Виды портретов человека»»

Портрет в живописи. Виды портрета человека.

Портрет — изображение или описание какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности . Портрет – это один из главных жанров живописи, скульптуры, графики, его смысл именно в том, чтобы воспроизвести индивидуальные качества конкретного человека.

Название этого жанра происходит от старофранцузского выражения, означающего «воспроизводить что-либо черта в черту».

карандашный

акварельный

ГРАВИРОВАННЫЙ

ПОРТРЕТ

СКУЛЬПТУРНЫЙ

ЖИВОПИСНЫЙ

( МАСЛО, ТЕМПЕРА, ГУАШЬ)

РЕЛЬЕФНЫЙ

(на медалях и монетах)

Акварельный

портрет

Карандашный портрет

Гравюра

Живописный портрет

(масло)

Скульптурный портрет

Рельеф

ВИДЫ ПОРТРЕТА :

  • Камерный; Психологический; Социальный; Парадный; Индивидуальный, двойной, групповой. Автопортрет
  • Камерный;
  • Психологический;
  • Социальный;
  • Парадный;
  • Индивидуальный, двойной, групповой.
  • Автопортрет

Камерный портрет  — портрет использующий поясное, погрудное или поплечное изображение. Фигура в камерном портрете обычно делается на нейтральном фоне.

Психологический портрет   призван показать глубину внутреннего мира и переживаний человека, отразить полноту его личности, запечатлеть в мгновении бесконечное движение человеческих чувств и действий.

Социальный портрет позволяет осмыслить содержание профессиональной деятельности, проведение свободного времени, дать оценку личности человека, исходя из характеристики среды, в которой он проживает.

Парадный портрет  — портрет, показывающий человека в полный рост, на коне, стоящим или сидящим. Обычно в парадном портрете фигура дается на архитектурном или пейзажном фоне.

Индивидуальный, двойной, групповой.

Автопортрет  — графическое, живописное или скульптурное изображение художника, выполненное им самим с помощью зеркала или системы зеркал.

По формату портреты различают:

  • головные
  • погрудные
  • поясные
  • по бедра
  • поколенные
  • во весь рост

Головной портрет

Поясной портрет

Портрет по бедра

Погрудный портрет

Портрет во весь рост

По повороту головы портреты бывают:

  • в анфас (фр. en face, «с лица»)в
  • четверть поворота направо

или налево

  • вполоборота
  • в три четверти
  • в профиль

Задание:

Создать живописный портрет. Это может быть автопортрет или портрет кого-либо из близких тебе людей.

Психологические особенности личности художника-портретиста и художника, пишущего натюрморт



Согласно общим положениям овладения профессиональной деятельностью, основная роль в этом процессе отводится механизму психологической регуляции, так как степень его развития обеспечивает комплексное функционирование всех сфер личности (интеллектуальной, эмоциональной, волевой, мотивационно-деятельностной) [2, с. 3].

В психологической науке, проблема психологической регуляции деятельности недостаточно освещена (О. А. Конопкин, В. А. Зобков, А. К. Оскицкий и др.) практически отсутствуют работы, раскрывающие роль целостного личностного механизма регуляции деятельности художников.

Другой круг вопросов, связанных с проблемой личности и деятельности художника. Касается личностных характеристик, участвующих в регуляции деятельности и присущих художникам разной художественной направленности, в частности портретистам и художникам пишущих натюрморт [2, с. 5]. Вероятно художественная направленность обусловлена особенностями мотивации, самооценки, системы, черт, качеств, характеризующих интеллектуальную, коммуникативную, эмоционально-волевую сферы личности художника, позволяющие ему активно и гибко реализовывать свои способности в соответствии с требованиями деятельности и объективным условиям.

С. Л. Рубинштейн, подчеркивая необходимость изучить деятельность человека в ее психологическом составе, изучать психологические функции процессы, в тоже время, предостерегал от сведения деятельности только к изучению процессов, деятельность в психологическом плане не исчерпывается ими, она должна изучать в связи с личностными свойствами, так как в ней выявляется конкретное отношение человека к действительности. В этом отношении выявляются реальные свойства личности [7, с. 257].

Объект исследования личность и деятельность художников-портретистов и художников, пишущих натюрморт.

Предмет исследованияпсихологические особенности художников-портретистов и художников, пишущих натюрморт, в процессе создания целостной картины.

Целью исследования изучить личностные особенности художников-портретистов и художников, пишущих натюрморт.

Теоретическую основу исследования составили работы, Г. В. Беда, В. В. Визер, В. А. Зобкова, В. С. Кузина, А. Н. Леонтьева, Д. Г. Левицкого, Н. Я. Маслова, А. И. Ростовцева, А. М. Игнатьева А. П. Радищева, П. П. Ревякина, И. Е. Репина, А. П. Сапожникова и других.

В исследовании использовались следующие методы: анализ теоретических источников, тестовые методы, методы математической статистики.

Для исследования использовалась следующие методики:

  1. Методика многофакторного исследования личности Кэттелла

Текст опросника (форма 13PF).

  1. Опросник Х. Шмишека
  2. Личностный опросник А. Т. Джерлсайд
  3. Методика Дембо-Рубинштейн.

В исследовании приняли участие студенты ВлГУ института искусств и художественного образования кафедры изобразительного искусства и дизайна. Всего составило 30 испытуемых, 15 художников портретистов и 15 художников пишущих натюрморт.

Выбор студентов третьего курса определяется тем, что в связи с выбором бедующий дипломной работы они выбирают направление в той или иной тематике выпускной квалификационной работы. Студенты третьего курса, занимающие портретом в живописи, и студенты пишущие натюрморт, отличаются по личностным характеристикам друг от друга. У тех и у других возникают небольшие проблемы касающиеся того или иного направления, так как к третьему курсу сформировывается направленность в направлении искусства. Сложность портрета и натюрморта в живописи является постановка, как натуры, так и натюрморта. Как правило, портрет сложнее написать художнику, так как сам художник вживается в роль натуры, что и составляет сложность для художника.

Что касается живописи — это одно целое направление в искусстве, но разные тематики, например портретная живопись, натюрморт, натюрморт с портретом, пленэр, и многое другое. Нами выбрано направление портретная живопись и живопись натюрморта.

Как правило, портрет сложнее написать художнику-студенту. Нужно вжиться в роль натуры, понять её характер, темперамент, настроение, что и составляет сложность для художника — студента, и для профессионального художника. [1, с. 112]

Обратимся к работам такого художника как Илья Ефимович Репин. Он пишет работы: «Бурлаков», «Крестный ход в Курской губернии», «Не ждали», «Портрет Гоголя», «Автопортрет», «Блондинка» — любая из его больших работ — изобразительный роман, продуманный и согласованный во взаимодействии всех деталей. Репин не иллюстрирует сюжет, а психологически обосновывает, выстраивает его смысловую композицию.

Сочиненные им композиции обладают убедительностью реальной жизни. Репин с увлечением описывает неповторимость внешнего облика каждого человека. Он не задается обычно целью дать всесторонний психологический анализ его внутреннего мира, нюансы душевных порывов. Внутренняя жизнь, несомненно, сказывается в яркости и сочности внешнего своеобразия героя, который выступает чаще всего как определенный социальный и психологический тип. [6, с. 40.]

Натюрморт в живописи. Особенность этого направления состоит в композиции и тематике. Художник Виллем Клас Хеда писал натюрморты: «Ванитас», «Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой», «Сирень», Тематика натюрмортов обширна, например цветочные натюрморты, изображение завтраков, сервированных столов, учёных натюрмортов, на которых изображались книги и другие предметы человеческой деятельности. Сложность в том, как составить композицию того или иного натюрморта, передача светотени, задача не простая. В картинах художника Хеда заметно, виртуозное мастерство в передаче обычных, повседневных предметов быта. Он так изображает их, что очевидно, сам любуется ими, создаётся ощущения осязаемости каждого из предметов, такие непростые задачи стоят перед студентами. [6, с. 21.]

Опираясь на авторов Зобкова В.А и Прониной Е.В «Творчество. Отношение. Деятельность» в разделе «Содержательные характеристики морально-нравственных объективно-психологических проявлений творческого отношения человека к деятельности», отметим что, аккуратность, дисциплинированность, трудолюбие, организованность ответственность и результативность одни из первых в учебной деятельности студента.

Аккуратность –в предметную область наблюдения за проявлениями аккуратности могут входить: организация порядка на рабочем месте, четко и логично выстроенное оформление результатов работы, умение содержать в порядке рабочие материалы, умение тщательно записывать, оформлять результаты учебной деятельности, адекватное отражение времени и пространства.

Дисциплинированность — объективный морально-нравственный показатель отношения детей и учащийся молодежи к своим учебным обязанностям, включает в себя подчинение личности нормам и правилам, принятым в социальной среде. Предметом наблюдения в данном случае может выступать: отсутствие опоздания на учебные занятия, наличие на занятиях учебных принадлежностей, отсутствие отвлечений в процессе учебных занятий, своевременное выполнение учебных заданий, качественное выполнение учебных операций и действий, тактичность по отношению к учащимся и преподавателям.

Трудолюбие — специфическая нравственная характеристика личности, проявляющаяся в готовности к умственному и физическому труду, в позитивном отношении к учебно-трудовой деятельности, в стремлении добиться оптимальных результатов деятельности. Отметим следующую область наблюдения: правильное выполнение поручений, добросовестность, выполнение учебно-творческих работ не только по указаниям преподавателя, но и по собственной инициативе, умение планировать процесс работы и т. д.

Организованность — нравственный критерий личности, характеризующий психофункциональную готовность к продуктивной учебно-трудовой деятельности, умение подчинить, а также жизнедеятельность определенному плану. В предметную область наблюдения могут входить: планирование учебно-рабочего дня, действие согласно намеченному плану, учет выполненных дел.

Ответственность – нравственный показатель личности, характеризующий сознательное соблюдение моральных принципов и правовых норм в процессе выполнении деятельности. Отметим область наблюдения: обязательное выполнение учебно-трудовых заданий, предоставление выполненного задания единства слова и дела.

Результативность — интегрированный нравственный показатель отношения ребенка, учащегося, студента к выполняемой деятельности. В данном случае предметом наблюдения могут выступать: для студентов — результативность как в целом, так и в отдельных видах учебной деятельности в дисциплине художественно-эстетического цикла, цикла специальных дисциплин, трудового обучения». [2, с. 88]

Выше изложенный текст по разделам отношения человека к деятельности, а в частности студентов института искусств и художественного образования, видим, как важны все разделы для студентов, структурная организация элементов и компонентов психологической регуляции отношения студентов к творческой деятельности может определятся на основании корреляционного и факторного анализа.

Портреты и натюрморты, безусловно, достойны изучения. Они дают яркую характеристику художественного вкуса и представление об основных направлениях живописи. Портреты и натюрморты имеют художественную и историческую ценность и достойны внимательного изучения.

Литература:

  1. Государственный Русский музей. Живопись XVIII- начало XX века. Каталог. — Ленинград: Аврора-Искусство, — 1980. – С. 448–112.
  2. В. А. Зобков, Е. В. Пронина. — Творчество. Отношение. Деятельность. Теоретико-методологические аспекты. Владимир: «Собор», 2008, С. 5–164. Коллективная монография, ISBN 5–94002–789–8. — 2008.
  3. В. А. Зобков — Личность и деятельность в теории отношения В. Н. Мясищева // психологический журнал. – 2013. – т. 34. – № 4. – С. 16–29.
  4. В. А. Зобков, — Генезис отношения человека к жизнедеятельности. – Владимир: Транзит-НКС, 2016. С. 7–97.
  5. Калмыкова В., Тёмкин В. Немецко-австрийская живопись VIII-XIX века. – Белый город, 2014. С. 129.
  6. Меркулова Т. Н. Живописные и миниатюрные портреты XVIII — начала XX века в собрании Государственного Владимиро-Суздальского музея-заповедника. – Владимир: Каталог ГВСМЗ, 2015. С. 40–198.
  7. С. Л. Рубинштейн. Основы общей психологии. — СПб: Издательство «Питер», 2000 — С. 257–712. (Серия «Мастера психологии»). — ISBN 5–314–00016–4

Основные термины (генерируются автоматически): натюрморт, художник, область наблюдения, портрет, портретная живопись, предметная область наблюдения, работа, роль натуры, учебная деятельность, художественная направленность.

Мастер психологического портрета Аркадий Вычугжанин

Работы художника Аркадия Вычугжанина давно стали классикой иркутской живописной школы. Они и по сей день выглядят настолько свежо и актуально, что кажется, будто их написал наш современник, хотя художника давно нет в живых. Убедиться в этом можно на выставке, которая открылась к 90-летию со дня рождения автора в главном здании Иркутского художественного музея им. В.П. Сукачева.

– Аркадий Вычугжанин – мастер самого сложного жанра в изобразительном искусстве – психологического портрета, – отметила директор Иркутского художественного музея Наталья Сысоева. – Он ушел из жизни, когда ему было чуть больше 50 лет. Казалось бы, для мастера это только расцвет, но к данному времени он успел оставить мощнейшее творческое наследие.

На выставке «Аркадий Вычугжанин. Живопись и графика» представлено 160 произведений. 60 работ, среди которых такие знаковые, как автопортрет 1959 года, портрет скульптора Олега Ряшенцева, портрет художника Светланы Гаращук – из фондов музея. Еще 100 произведений предоставили для выставки коллекционеры.

– Аркадий Вычугжанин – один из крупнейших портретистов страны второй половины XX века, – отметила искусствовед художественного музея Тамара Драница. – В начале 1980-х все шумели по поводу появления новой формы портрета, который был назван композиционным. Суть его в том, что внутренний мир человека, его профессия и пристрастия раскрываются благодаря контексту, в который он помещен. Аркадий Вычугжанин был одним из лучших в этом направлении, ведь он старался максимально раскрыть внутренний мир модели. На мой взгляд, одна из наиболее ярких работ своего времени в этом жанре в стране – портрет известного российского скульптора Олега Ряшенцева. Необычна композиция картины – герой изображен спиной к зрителю, он снял очки и, опустив на колени руки, повернул голову в сторону своих работ. И при этом тщательно выписанный фон – мастерская и сами работы скульптура – не затмевают модель.

Интересно, что живописные работы Аркадия Вычугжанина выполнены темперой. Художник писал теми же красками, что и авторы Древней Руси. И это несмотря на сложность техники, ведь нужно тереть краски, готовить основу, грунтовать, делать мазок уверенным и точным, потому что краски сохнут очень быстро, и потом трудно что-либо переделать. Однако мастер освоил эту технику в совершенстве, создавая почти монументальные работы.

– Он был невысокого роста, неброский, очень мягкий, уступчивый, но бесконечно принципиальный, когда дело касалось искусства, – вспоминает искусствовед Татьяна Ларева. – Основы его творчества были заложены еще в Казанском художественном училище.

Хотя в Иркутск уроженец деревни Аверичи Кировской области попал благодаря своему второму учебному заведению. В Харьковском художественном институте он познакомился с будущим народным художником РФ Анатолием Алексеевым, который уговорил его и другого замечательного автора, Глеба Богданова, приехать на Байкал. Здесь молодые люди решились на эксперимент – в Иркутском художественном училище они начали обучать детей по программе вуза. В итоге воспитали целую плеяду замечательных художников. Среди них цвет иркутской живописи: Галина Новикова, Виктор Мироненко, Владимир Кузьмин и другие.

– Я знал Аркадия Вычугжанина как сын, ученик, изучал его творчество как искусствовед, – рассказал его сын Александр Вычугжанин. – Могу сказать, что он сделал необыкновенно много и каждую свою работу писал как последнюю. Он говорил, что в Казанское училище приехал из глухой деревни, и у него не было никаких материалов. Преподаватель выкинул его самодельные кисти, и он уже собрался домой, но на базарной площади возле вокзала увидел, как кто-то продает акварель. Он потратил на нее последние деньги на обратный билет – так им был сделан выбор профессии. Его юность пришлась на один из счастливейших периодов – война закончилась, и казалось, что дальше будет еще больше свободы. Художники тогда приходили в искусство с миссией показать нам, насколько прекрасна жизнь вокруг, ведь часто мы проходим мимо с замыленными глазами, а они своими работами как бы сдирают эту мутную пленку с наших глаз.

Аркадий Вычугжанин действительно умел видеть высокое в обыденном. Неслучайно «Портрет телятницы Нестерчук» его кисти по глубине созданного образа можно назвать крестьянской Мадонной. Не менее пронзительным получился образ чекистки Башариной-Соболевской, которой, для того чтобы смягчить впечатление, он накинул на плечи цветастый платок.

– Работал художник очень долго, это так называемый Серовский метод – напишет, отвернет к стенке, потом снова пишет, в итоге работа над образом могла продолжаться несколько лет, – вспоминает Тамара Драница. – Когда он писал потрет Виталия Рогаля, только на одни руки художника у него ушло четыре месяца. С этой частью тела вообще интересная история – на всех портретах кисти Аркадия Вычугжанина – руки художника. Говорят, точно так же поступал Ван Дейк, везде изображая собственные кисти.

– Аркадий Вычугжанин для меня – пример сильной, интеллигентной и абсолютно свободной личности, художник на все времена, ведь часто бывает, что проходит время, работа автора становится неинтересной, но от этих произведений до сих пор идет мощная творческая энергетика, они абсолютно современны, потому что искренность, глубина и правда актуальны всегда, – считает Тамара Драница.

Выставка будет работать до 15 сентября.

10 полезных советов по созданию психологического портрета

Что такое психологический портрет?

Этот тип портрета — лишь один из многих способов сфотографировать человека в фотографии. Однако не любой портрет можно назвать психологическим.

Что мы намерены выразить этим типом портрета?

Помимо физического изображения, в психологическом портрете мы стараемся отразить характер изображаемого человека.Чтобы запечатлеть спектр своих эмоций за доли секунды или понять их личность в одном изображении.

Корни психологического портрета лежат в пластике и живописи, где, помимо улавливания телесного и физиогномического сходства, художник должен найти верный способ изобразить характер или даже «душу» модели, а также одновременно чтобы отразить что-то о времени и обществе, в котором жил изображаемый человек. Ван Дайк, Рембрандт и Веласкес были мастерами психологического живописного портрета.

Художник: Антон ван Дайк

Фотограф-портретист

Быть фотографом психологического портрета не так просто, как может показаться. Фотограф-портретист должен знать, как расслабить натурщика, чтобы он мог извлечь из него максимум пользы перед камерой. И это настоящий талант фотографа-портретиста, который, помимо знания техники фотографирования и освещения, должен быть еще и хорошим психологом и умелым коммуникатором.

В этой работе фотограф должен, прежде всего, уметь проявить инициативу, точно знать, что он ищет и как это получить.По этой причине существуют специальные методы, которые позволяют нам достичь нашей цели.

Один из лучших способов научиться делать психологические портреты — это узнать, как работали великие мастера этого жанра. Среди приведенных ниже советов — методы портретной съемки, которые использовали Ричард Аведон, Ирвинг Пенн, Роберт Мэпплторп, Сара Мун, Антон Корбайн, Паоло Роверси и другие фотографы. Я попытаюсь кратко изложить, что они искали, и какие инструменты использовали, чтобы найти это.

Подсказки

Зачем и зачем?

  • Прежде чем взять камеру в руки, мы должны задать себе два вопроса и знать, как на них ответить. Почему вы хотите сделать этот снимок и для чего он нужен? Если вы знаете ответ, половина работы уже сделана. Эта причина будет вашей целью.

Ищу сочувствие

  • Основная цель фотографа-психолога-портретиста — найти или даже создать в изображаемом человеке выражение, которое заинтересует вас как фотографа, а затем и зрителя.Недостаточно изобразить только внешнюю красоту человека. Необходимо найти в них что-то такое, что вызовет у зрителя глубокое сочувствие или даже резкое отторжение. Сначала должна быть СВЯЗЬ между фотографом и натурщиком, чтобы была связь между готовым портретом и зрителем.

Фото: Ричард Аведон

Фото: Ричард Аведон

Ключевые эмоции

  • Самое главное — постоянно задавать себе вопрос: что сейчас выражает моя модель? Какие эмоции я улавливаю в своей работе? Если между фотографией и зрителем нет эмоций, связи и сочувствия, фотография не работает.

Фото: Ричард Аведон

Фото: Ричард Аведон

Лицевые элементы

  • На лице модели должны работать все элементы: глаза, губы, брови. Движение губ должно подтверждать то, что выражают глаза. А если глаза закрыты, все внимание сосредоточено на губах, и они должны выразить эмоции.

Фото: Антон Корбейн

Фото: Ирвинг Пенн

Фото: Ричард Аведон

Фото: Ричард Аведон

Фото: Ричард Аведон

Сюрприз

  • Ищите что-то удивительное в лице, в жесте, в позе тела.Как говорит Ричард Аведон в своем документальном фильме «Тьма и свет»: «Я всегда ищу противоречия в лицах людей, которых я изображаю.

Фото: Ирвинг Пенн

Фото: Ирвинг Пенн

Фото: Антон Корбейн

Фото: Ричард Аведон

Фото: Ричард Аведон

Жилая

  • Не заставляйте модель позу, а живите в кадре. Помните, только профессиональные модели умеют позировать естественным образом.Непрофессиональное позирование обычно выглядит немного нелепо. Всегда нужно помнить, что зритель должен чувствовать, что на фотографии что-то происходит, и это отражается в выражении лица и тела изображаемого человека. Только действием можно добиться противодействия.

Фото: Ричард Аведон

Фото: Лилиан Бассман

Фото: Паоло Роверси

Модель работы

  • Быть изображенным — тяжелая работа, и человек перед камерой должен это понимать и сотрудничать.В процессе создания психологического портрета работают и фотограф, и натурщик.

Фото: Ирвинг Пенн

Фото: Ирвинг Пенн

Фото: Ричард Аведон

Механизм

  • Создайте в изображении движение линий и света. Чередуйте свет и тень, чтобы создать ритм света. Эта схема освещения, пришедшая из классической живописи, называется «свет Леонардо». Это означает, что мы помещаем «освещенные части модели на темный неосвещенный фон, а неосвещенную часть модели — на освещенный фон».Его также много использовал Ирвинг Пенн. Это также называется «диагональным светом». Как создается такое освещение? Вы помещаете основной источник света для модели в боковом или полу-боковом положении и помещаете фоновый свет в противоположном направлении, создавая светлый-темный градиент на заднем плане. Таким образом, освещенная часть лица и тела модели находится на темном неосвещенном фоне, а неосвещенная часть модели находится на освещенном фоне.

Фото: Ирвинг Пенн

Фото: Ирвинг Пенн

Фото: Ирвинг Пенн

Принадлежности

  • Знайте, что вы ищете и хотите получить от модели, выделив их фотографическими средствами (положение головы, поза тела, жест, адекватная схема освещения, использование некоторых реквизитов, таких как очки, шляпа, шарф, и т.п.) Если мы посмотрим на портреты Ирвинга Пенна, то он довольно часто использовал различный реквизит и даже старый коврик, который нашел в своей студии. Обычно он использовал серый цвет фона, и во многих случаях он использовал аксессуары черного цвета, чтобы отделить изображаемого человека от фона.

Фото: Ирвинг Пенн

Фото: Ирвинг Пенн

Фото: Ирвинг Пенн

Фото: Роберт Мэпплторп

Фото: Роберт Мэпплторп

Простота

  • Избавьтесь от всего ненужного на картинке.Оставьте только самые важные детали. Во время занятия не думайте о правилах и о том, что уже сделали другие. Ищите то, что для вас важно в портрете, а также в жизни. В конце концов, портрет не только говорит о изображенном человеке, он также раскрывает кое-что от личности фотографа. Как сказал Ричард Аведон: «Мои портреты больше обо мне, чем люди, которых я фотографирую».

Фото: Ричард Аведон

Давай попрактикуемся!

Нравится:

Нравится Загрузка…

Relacionado

Идентичность: психологический портрет | Wall Street International Magazine

Галерея Роберта Коха рада представить «Идентичность: психологический портрет», групповую выставку современных и винтажных фотографий, посвященную «психологическому портрету». В «Идентичности: психологический портрет» представлены работы Делани Аллена, Роджера Баллена, Ральфа Юджина Митъярда, Диты Пепе и Яна Саудека.

В своей серии «Живопись портрета» фотограф из Портленда, штат Орегон, Делани Аллен создает задумчивые, затемненные автопортреты. Аллен раскрывает, скрывая; его образы сообщают врожденные личные видения одиночества, пустоты и смятения. Хотя мы никогда не видим лица художника, нам дается его эмоциональное воплощение; холст, на котором проецируется наш собственный лик, спрятанный у всех на виду.

Последняя работа Роджера Баллена посвящена взаимодействию людей, животных и предметов.Баллен создает зловещие картины, в которых применяются принципы скульптуры, рисунка и живописи, в результате чего получаются театральные фотографии, в которых психологически запоминается окружающая среда, а не человек. Сюжеты Баллена смотрят в камеру или принимают угловатые и неудобные позы на фоне спутанных проводов и стен, украшенных граффити, ставящих под сомнение факты и вымысел.

Ральф Юджин Митъярд (1925–1972) работал вне мейнстрима. Избегая суровой «уличной фотографии» восточного побережья и романтического реализма камеры обзора западного побережья, самые известные изображения Meatyard заполнены куклами и масками; обычно семья, друзья и соседи устраиваются в заброшенных зданиях, на обычных пригородных дворах или в других безобидных, но жутких сценариях.

Автопортрет чешского фотографа Диты Пепе, напоминающий хамелеон, исследует изменение личности по отношению к другим людям и влияет на нашу жизнь. Встраиваясь в жизнь своих подданных, Пепе ловко преодолевает возраст, социальный статус и гендерные роли. В ее работах постмодернизм сочетается с концептуальным искусством и обращается к моде, психологии, поп-культуре и адаптации человека.

Раскрашенные вручную портреты чешского художника Яна Саудека, живописные миры снов и исследования обнаженных фигур принесли ему международную известность благодаря своим поразительно эмоциональным, а иногда и дерзким аллегорическим образам.

Галерея Роберта Коха
49 Geary Street, 5 этаж,
Сан-Франциско (Калифорния) 94108 США
Тел. +1 (415) 4210122
[email protected]
www.kochgallery.com

Часы работы
Вторник — суббота
С 11:00 до 17:30

Искусство и психология каждого портрета | Калеб Хейл

То, почему вам не нравится фотографировать, может быть именно той причиной, по которой вам это нужно.

Сэр Уинстон Леонард Спенсер Черчилль, 1941 год. Предоставлено Национальной портретной галереей. | Фото Юсуфа Карша

Фотограф Юсуф Карш сделал эту фотографию премьер-министра Великобритании Уинстона Черчилля в декабре 1941 года. Ужасы Второй мировой войны поглотили мир. Нападение японцев на Перл-Харбор открыло новый фронт глобального конфликта. Нацистские войска нанесли поражение Франции и пригрозили вскоре прийти в Великобританию. Учитывая обстоятельства, Черчиллю можно простить за то, что он выглядел менее чем бодрым.

За исключением того, что источником стального взгляда Карша, сфотографированного в тот день, была не вездесущая барабанная дробь войны, а более непосредственное нарушение. За несколько мгновений до щелчка затвора камеры Карш подошел к Черчиллю и внезапно сорвал с губ сигару, которую премьер-министр упорно отказывался убирать. Шага, которого Черчилль не ожидал, хмурое выражение на его лице было свежей и искренней реакцией на дерзость действий Карша.

«К тому времени, когда я вернулся к своей камере, он выглядел настолько воинственным, что мог сожрать меня», — позже вспоминал Карш об этом инциденте.

Это был решающий момент, когда портрет стал культовым. Фотография не только изображает Черчилля в его самой лестной форме, но и показывает человека, который с той же непоколебимой решимостью встретит любые невзгоды — от фотографа-выскочки до полного уничтожения в руках вторгшейся армии. Он изображает больше, чем образ Черчилля, он несет в себе присутствие. Если вы каким-то образом ничего не знали об этом легендарном лидере, изображение передает что-то важное о нем, несмотря на отсутствие явных деталей повествования.

В этом искусство портрета, фотография в лучшем виде, когда не просто из кого-то, а о человеке.

Каждый может понять основы портрета. Фактически, портретная съемка стала наиболее демократизированной формой фотографии благодаря ее современной итерации — «селфи». Автопортрет был удовольствием для богатых и влиятельных людей, имевших возможность нанять художника, чтобы он создал свое подобие в кадре. Сегодня, если вы носите смартфон, перед вами уже есть камера, готовая выстрелить в любой момент, и эта сила еще больше усиливается тем, насколько у вас есть свобода управления восприятием зрителя.Ничего в кадре не записывается, пока вы не решите, что момент подходящий.

Хотя эти типы фотографий можно рассматривать как портреты в техническом смысле, они часто не соответствуют истинному потенциалу этого вида искусства. Селфи — это в значительной степени ваше тщеславие, тщательно созданное изображение, которое отражает только то, что вы хотите собрать и спроецировать в мир. Они также побуждаются в основном непосредственностью и из-за этого могут не рассказать историю, которая в конечном итоге имеет отношение к вашему великому повествованию. Это нормально, что вам особенно нравится, как выглядят ваши волосы или одежда, вы приехали на отпуск или только что встретили свою любимую знаменитость — может быть, волнующие моменты, но это второстепенные детали.В конце концов, мы на примерно на больше, чем то, как мы выглядим, где мы были или кого мы знаем. Подумайте о любой хвалебной речи умершим, которую вы когда-либо слышали, и подумайте, насколько мало эти аспекты имеют значение для почитания. Настоящие портреты, как и панегирики, обходят стороной банальное, но не обходятся без боя.

Говорят, что каждый портрет — это битва между тщеславием объекта и коварством фотографа. Для натурщика хороший портрет — это тот, который может убедительно изобразить его или ее таким, каким они хотят, чтобы их видели, когда их образ правдоподобно переносится на фотографию, создавая притворство, которое будет запечатлено и останется неизменным на все времена.Фотограф же ищет истину. Если это можно сделать, доставляя удовольствие объекту — при условии, что ценность фотографии — не более чем товар для такой цели — тем лучше, я полагаю, но для фотографа, который ценит мастерство и результат как искусство, есть что-то в первую очередь отличается от просмотра хорошей фотографии кого-то и просмотра портрета, который несет неоспоримую и честную сущность этого человека. Вы не узнаете этого, пока не увидите, но когда узнаете, то уверены в этом.

Мы слышали истории о первобытных людях, которые когда-то боялись камеры, потому что считали, что она захватывает их души. Может быть, понятно, почему так оно и было. Если вы когда-либо видели себя на фотографии в незащищенный момент, когда вы не ожидали, что кто-то будет смотреть намного меньше записи, ваша первая реакция — дискомфорт. Вы понимаете, что камера физически ничего у вас не украла; тем не менее, это как если бы что-то в вас было вырвано из волокна вашего существа и открыто миру без вашего разрешения.Если весь мир представляет собой сцену, это бессигнальный намек, разоблаченный обман, скрывающийся за магическим трюком вашего собственного образа.

Фотоаппарат в руках другого человека — грозный предвестник одного страха, с которым мы все неизбежно сталкиваемся: неуверенности в себе. Пространство перед объективом вне нашего контроля — место уязвимости даже для тех, кто привык в нем выступать. Каким-то образом перед камерой даже наша лучшая одежда, превосходный макияж, искусно подстриженные волосы, трофеи наших достижений — вещи, которых в любых других обстоятельствах было бы достаточно, чтобы укрепить нашу уверенность в себе, — кажутся анемичными.Наши вопросы перед камерой: что она на самом деле видит? Какие недостатки он показывает? Покажет ли он того, кем я хочу верить? Momentum — друг фасадов, которые мы строим. Всегда в движении, наши недостатки в защите могут быть мимолетными, и поэтому их можно отрицать, если мы достигаем присутствия ума, чтобы их подавить. Однако момент, застывший в кадре, можно долго рассматривать, анализировать с мучительными подробностями и, что еще хуже, сохранить на вечность. Тишина нервирует любого, кто после самоанализа желает только себе и другим двигаться дальше.

Ричард Аведон сфотографировал тогдашнего государственного секретаря Генри Киссинджера в 1976 году в статье, посвященной двухсотлетнему юбилею журнала Rolling Stone . Киссинджер, архитектор войны во Вьетнаме, которая закончилась катастрофой в прошлом году, и лауреат Нобелевской премии мира, которую многие считали не заслуженной, попросил Аведона лишь с одной просьбой: «Будьте добры ко мне».

Генри Альфред Киссинджер | Фото Ричарда Аведона

Позже Аведон сказал, что он намеревался сделать этот портрет, чтобы показать «гнев, некомпетентность, силу, тщеславие, изоляцию.Вместо этого Киссинджер стоит неподвижно и нервно, выглядя как человек, который, возможно, больше не смотрел на себя из страха, что критика и неудачи, которые он, без сомнения, испытывали, были всем, что он видел, глядя на него в ответ. Может быть, видение Аведона все-таки удалось? Даже сильные мира сего могут зачахнуть перед камерой, если будут танцевать с демонами, слишком личными и осуждающими.

Несмотря на все наши попытки подавить их, будь то из приличия или вежливости, человеческий момент в конце концов вырвется из швов нашей наманикюренной брони.Они могут быть спровоцированы внезапным движением или материализоваться посреди затянувшейся неловкой тишины. Они могут быть значительными или незначительными, внушающими благоговение или неловкими, поверхностными или точными. Тем не менее, они, как правило, раскрывают то, что мы пытаемся скрыть, те части нас, которые, по нашему мнению, не были должным образом проверены на предмет максимального общественного признания.

Каждый из нас хранит в воображении образ себя, образ, который мы редко подтверждаем визуально, но, тем не менее, носим с собой на протяжении всей жизни. Может быть, нам это не обязательно удобно, но мы с ним знакомы.Когда кто-то направляет на нас камеру, мы сомневаемся. Механическая линза и линза объектива создадут контрастное изображение, которое мы можем распознать в целом как самих себя, но с дюжиной или около того крошечных нюансов или недостатков, которые мы склонны забывать, позволяя эго взять верх. Камера может мгновенно отменить все притязания идентификатора, поэтому многие из нас ненавидят, когда наши снимки делают другие, и предпочитают просто делать это сами.

Одно из худших заблуждений в популярной фотографии — это то, что единственный достойный объект — это красота.Красота, сама по себе плохо определенная вещь, не является целью. Красота может и будет вытягиваться из чего угодно. Красота переходная, поколенческая, культурная, временная и, прежде всего, субъективная. Если вы отталкиваетесь от собственного портрета, потому что не верите в его красоту, утешитесь представлением о том, что авторитетного суждения о красоте не существует. Искусство портретной живописи — это искусство внутреннего повествования — не момента, не актива, а как бы целостной картины вас.Хороший портрет в каком-то смысле не всегда может вызывать у вас любопытство, но он может служить подтверждением. Ирония заключается в том, что, хотя вы можете не узнать человека, который появляется в кадре, чаще всего это узнают другие люди в вашей жизни, и это должно быть утешением, в конце концов, единственный человек, которого вы обманули, — это вы сами.

Почему художники делают автопортреты (и чему мы учимся у них)

Автопортреты не новость в мире искусства, на самом деле селфи существует благодаря «культуре» автопортрета.В каком-то смысле автопортреты на самом деле являются самой старой версией селфи, но почему художники делают автопортреты? Что на самом деле автопортрет? Чему мы можем научиться у художников?

Автопортрет — это изображение художника, созданное этим художником. Автопортреты истории мысли создавались во всех мыслимых средах — фотографиях, картинах, рисунках, скульптурах и т. Д. Таким образом, в то время как в живописи художник может свободно представлять все, что может вообразить его или ее ум, с фотографией художники должны быть более «реалистичными». ‘.

Как только автопортрет сложнее, чем кажется, мы объясним его глубже. От истории до того, что мы можем узнать от художников о автопортретах, мы затронем лучшие темы в этой области.

В чем разница между портретом и автопортретом?

Портрет

Портретная живопись — очень старый вид искусства, зародившийся в Древнем Египте, где он процветал около 5000 лет назад. В то время, до изобретения фотографии, единственным способом запечатлеть внешность человека была живопись, скульптура или рисунок.Портрет создан для того, чтобы изобразить человека / кого-то, в котором преобладает лицо и его выражение.

Автопортрет

Автопортреты художников — интересная подгруппа портретов. Хотя автопортреты создавались с древнейших времен, только в эпоху Раннего Возрождения (середина 15 века) можно часто идентифицировать художников, изображающих себя либо в качестве главного объекта, либо в качестве важных персонажей в своей работе. Автопортрет — это, по сути, представление художника о самом себе, которое не обязательно должно быть репрезентативным.Художник может свободно рисовать в любом стиле, чтобы передать свои психологические / эмоциональные черты в произведении.

автопортрета Рембрандта особенно известны.

Рембрандт ван Рейн
Автопортрет, 1636. Масло, панель (1606-1669) Музей Нортона Саймона Автор изображения: rocor

В заключение, в то время как портрет относится к любой картине, изображающей человеческую фигуру, автопортрет относится к картине, которая представляет художника, создавшего его, в его собственном «стиле».

3 основных способа отличить автопортрет от портрета

Название Художники часто идентифицируют свои автопортреты как таковые
Действие Автопортрет часто изображает художника за работой в процессе создания собственного изображения
Контекст Сюжет художника может указывать зрителю на личность и характер его или ее представления о себе.

Автопортрет против селфи

Селфи и нарисованные автопортреты имеют много общего. И селфи, и автопортреты — это формы самовоспроизведения с использованием различных технологий. В то время как смартфоны и камеры относятся к разряду технологий, зеркала и живопись — к другим типам. В настоящее время все делают селфи, может быть, мы не думаем об этом, но они представляют наше личное чувство или наше «я» в тот момент.

Так в чем разница?

В то время как автопортреты создаются для того, чтобы их воспринимали как искусство, селфи рождаются из практики фотографии.Опасно читать селфи так же, как искусство, игнорировать контекст их социального взаимодействия и намерения того, кто делает селфи. С современной точки зрения селфи можно рассматривать как эволюцию автопортрета. Поэтому у большинства людей в отрасли нет единого мнения по этому поводу.

Почему художники делают автопортреты?

На протяжении всей истории автопортрет оставался испытанной практикой художников. Исторически сложилось так, что художники использовали автопортреты как своего рода визитную карточку, свидетельствуя об их способности запечатлеть сходство и давая представление о своих способностях.И, да, автопортреты — удобные упражнения, потому что модель всегда доступна и работает бесплатно. Но автопортрет может пробудить и раскрыть гораздо больше, если выйти за рамки простых упражнений.

Практика

Автопортреты помогают художникам практиковаться. Чем больше художник может практиковаться, тем лучше. Человеческая форма — довольно сложный объект для освоения, поэтому чем больше практики, тем лучше.

Удобная модель

Художники обычно рисуют с натуры, то есть используют модели.Наемные модели могут быть дорогими, и эти расходы могут возрасти, поэтому рисовать с натуры, глядя в зеркало, намного дешевле. Кроме того, делать автопортреты действительно удобно — вы всегда можете позировать для себя, когда захотите, а нанимать моделей или попросить кого-то позировать для вас означает, что вам придется составить расписание.

Чтобы исследовать темы и идеи в своих произведениях

Автопортреты также можно использовать для серии исследований различных композиций с глубинным смыслом, таких как исследование себя художника.

Записать себя художника

Автопортреты также можно использовать для записи того, как художник выглядел во время создания портрета.

Требовать свое место в истории искусства

Аделаида Лабиль — Автопортрет Гьяра с двумя учениками, 1785 г. Автор: Родни

Вы, наверное, не знаете, но в эпоху Возрождения быть художником для женщины не было возможным. Эта фраза демонстрирует популярность автопортрета, но в то же время раскрывает внутреннее гендерное неравенство.В то время женщины не могли посещать уроки рисования. Чтобы справиться с этой проблемой, женщина начала практиковать на своих друзьях или даже на себе

Чему мы можем у них научиться?

Как мы уже видели, художники очень давно экспериментировали с живописью. Поэтому забавно видеть, что даже в эпоху смартфонов, когда ежедневно делается более 93 миллионов селфи, автопортреты остаются важной частью творческого процесса многих художников. Почему никогда не выходили из моды, и чему мы можем научиться из этого процесса?

Автопортреты могут мотивировать тестирование и обучение

Так или иначе, автопортрет — это безопасное место для игр и экспериментов с новыми техниками.Когда вы один, у вас есть все время в мире, и вы можете работать без дедлайнов и без осуждения. Ранние наброски и пробные снимки можно делать в частном порядке, позволяя художникам экспериментировать и извлекать уроки из этого процесса.

Автопортрет может раскрыть воображение или дать побег

Художники — ненормальные люди (в хорошем смысле слова), и, очевидно, у них лучшее воображение, чем у любого другого человека, которого вы когда-либо встретите. Некоторым художникам нравится изображать себя в разных стилях, цветовых диапазонах, настроениях, чтобы скрыть «реальность», чтобы расширить свое воображение и творческие способности.

Автопортреты могут способствовать принятию себя

Хорошо известно, что когда некоторые люди слышат свой голос в записи, они чувствуют, что это не их настоящий голос. Это потому, что ваше самоощущение отличается от чувства других по отношению к нам. Хотя изображение себя может напугать, оно также может помочь нам осознать свое воображение и увидеть наши лучшие черты, которые, вероятно, мы никогда раньше не осознавали.

Автопортреты могут напоминать нам о нашем происхождении

Если вы, например, иностранец в другой стране и у вас разные черты лица, то рисование себя снова и снова заставит вас напоминать о своих корнях каждый раз, когда вы рисуете.Таким образом, вы будете больше связаны со своими корнями и даже будете использовать их как силу среди других.

Автопортреты помогают нам общаться с другими людьми

То, как художники изображают себя, может вдохновлять других. Как только художники используют свое воображение и идеи для создания чего-либо, всегда присутствует процесс связи. Таким образом, художники, которые рискуют или как-то более креативны, могут вдохновлять и объединять других.

Заключение

Как люди, мы любим, чтобы их запомнили, иначе автопортреты не были бы обычным явлением со времен Египта.Поэтому даже с развитием человека автопортреты никогда не выходили из моды, а это что-то значит. Как советник по искусству меня всегда восхищало то, как думают художники. У них всегда разные взгляды на мир, иначе они не были бы художниками.

В заключение мы можем узнать, что автопортреты для художников — это гораздо больше, чем автопортреты. Автопортреты подобны семени, которое развивается со временем, в данном случае — навыку. Навык, который может мотивировать, может способствовать повышению самооценки, может напоминать нам о нашем происхождении или даже помогать нам общаться с другими.

Источники:

Художники объясняют, зачем пишут автопортреты

Почему художницы использовали автопортрет, чтобы занять свое место в истории искусства

Универсальные принципы изображения себя через века: от автопортретов эпохи Возрождения до селфи-фотографий

Если вам понравилась эта статья и вы хотите узнать больше, посмотрите нашу предыдущую статью о принтах: https://marianacustodio.com/ever-wonder-why-artists-make-prints-this-is-why/

Психологический автопортрет — Кливленд Стейт Арт

Задачи обучения
Учащиеся смогут использовать методы, изученные в предыдущих заданиях, для завершения психологического автопортрета.Используя средства по своему выбору, учащиеся создадут технически совершенное и концептуально увлекательное произведение искусства.

Материалы
Графит или черно-белый контур (без угля)
Альбом для рисования
Листы белой рисовальной бумаги размером 3,18 на 24 дюйма

Мини-задания
Исследуйте сюрреализм и делайте заметки о нем
Работа в альбоме для рисования

Основное задание
Студенты должны исследовать идеи, лежащие в основе сюрреалистического искусства, включая концепции сновидений, разработанные Фрейдом.Студенты создадут 3 отдельных рисунка, каждый на бумаге размером 18 на 24 дюйма. Каждый из этих рисунков должен быть самостоятельным с точки зрения композиции, однако они также должны иметь возможность объединяться для создания одного большего изображения. Расположение этих 3 листов бумаги зависит от ученика, но типичное горизонтальное или вертикальное расположение было наиболее успешным в прошлом.

Вы можете выбрать любой носитель, который мы использовали в классе до сих пор. Вы можете выбрать обычную белую бумагу или окрасить ее, покрасить или воспользоваться другими многочисленными способами обработки поверхности.

Ваши рисунки должны иллюстрировать вас, используя предметы, чтобы проиллюстрировать части вашей личности, убеждений и т. Д. Объекты должны рассказывать нам что-то о том, кто вы есть. Держитесь подальше от поверхностных интерпретаций. «Я люблю видеоигры» не означает, что вам нужен Xbox в углу. Точно так же относитесь к религиозным убеждениям. У креста есть своя огромная история и контекст. Если для вас важна религия, что делает ее такой важной? Если вы любите читать, что это такое? Это бегство от реальности? Я действительно хочу, чтобы вы подтолкнули себя к выбору объектов.Некоторые из самых красивых образов допускают некоторую двусмысленность. Вы соединяетесь со своим зрителем, позволяя ему увидеть себя в вашей работе.

Объекты должны быть нарисованы с натуры и должны существовать в сеттинге. Нет свободно плавающих «вещей».

Это ваш последний проект. Я ожидаю, что это будет ваша лучшая работа за весь семестр.

Исследования
Сальвадор Дали
Рене Магритт
Ман Рэй
Фрида Кало
Джорджо де Кирико
Марк Шагал
Жоан Миро
Мерет Оппенгейм
Сюрреализм

15 величайших шедевров психологии

Великие произведения искусства находят отклик у нас на протяжении веков, потому что они говорят с нами на глубоком эмоциональном уровне.В своем собственном обучении я находил полезным время от времени вставлять произведение искусства в лекцию, набитую типичными психологическими диаграммами, слайдами данных и описаниями теории. После небольшого объяснения релевантности художественного произведения для данной темы кажется, что студенты могут получить представление о том, чего не могут дать даже лучшие изображения Google или Microsoft.

Считается, что в области истории искусства следует держаться подальше от психологии или психологических интерпретаций.Я считаю, что этот раскол отражает желание сосредоточиться на искусстве, а не на художнике, или, по крайней мере, на факторах, влияющих на жизнь художника. Однако нам не нужно идти по пути анализа психики художника, чтобы получить психологическое понимание его или ее работы. Я рискну предположить, что многие из великих (или даже не великих) произведений искусства, которые больше всего нравятся людям, привлекательны именно потому, что они затрагивают универсальные человеческие темы, такие как любовь, смерть, рождение, счастье, отчаяние, и разнообразие опыта, связанного с измененные состояния сознания или хватка за реальность.

Обобщив несколько величайших фильмов, песен и литературных цитат из психологии, я подумал, что было бы уместно поделиться с вами своими любимыми произведениями искусства. К сожалению, я не могу воспроизводить здесь эти произведения искусства, да и не должен из-за ограничений авторских прав. Однако вместо того, чтобы показывать их вам в блоге, я добавил ссылку на общедоступный веб-сайт и кратко их описал. Я также пытался пробовать несколько областей психологии, а не придерживаться одной темы.Если вы преподаватель психологии, не стесняйтесь заимствовать эти идеи для своих собственных занятий.

Самость (или видение): Рене Магритт (1898-1967), Ложное зеркало, 1928

Это яркое изображение глаза, смотрящего на зрителя, с облаками, проходящими через радужную оболочку глаза. Мы думаем о глазу как о окне в душу или как о способе проникновения в суть чьей-либо личности. Сюрреалистическое изображение облаков вместо радужной оболочки может означать, что мы смотрим изнутри или снаружи смотрим в глаза и разум другого человека.В качестве альтернативы этот образ может стать хорошим нетрадиционным началом лекции по психологии зрения. В любом случае, изображение захватывающее, оно играет на нашем желании понять других, если не самих себя, глядя в глаза.

Психическое заболевание и институционализация: Винсент Ван Гог (1853-1890), Коридор в приюте, 1889

Опыт Ван Гога в последние годы его жизни кажется очевидной связью между психологией и искусством.В качестве изображения темы «безумия» и творчества почти любая из последних картин Ван Гога, казалось бы, подходила бы для этого. Это конкретное изображение, показывающее длинный уходящий коридор, запечатлело одиночество и беспорядок жизни в психиатрической больнице в конце 19, -х годов века.

Теория привязанности: Берта Моризо (1841-1895), Колыбель, 1872 год

Мать, любовно смотрящую на своего ребенка в колыбели, можно было бы рассматривать как немного мягкое излишество, но эта картина (одна из немногих женщин-импрессионистов) фокусирует нас на внимательном лице матери, а не на милом ребенке в кроватке. .Мы видим, как она пристально смотрит на ребенка, возможно, с легкой улыбкой на лице. Теория привязанности в психологии описывает связь ребенка с родителем, но этот образ показывает обратное, а именно связь, которую испытывает и мать.

Мечты: Марк Шагал (1887-1985), Летающий экипаж, 1913 год

Эта причудливая картина человека с лошадью, летящего с земли рядом с домиком (из «штетла» юности Шагала), как и многие его работы, обладает сказочным качеством как в своих воздушных мазках, так и в предмет.Точно так же «Скрипач» Шагала изображает Скрипача на крыше, который стал тем образом, который мы видим в мюзикле (в котором также есть видная последовательность снов). Шагал, помещая на холст образы из его юности, проводит нас через свои ранние воспоминания, которые вполне могли составлять многие из его собственных снов.

Познание: Сальвадор Дали (1904-1989), Постоянство памяти (1931)

Признайся — ты знал, что это приближается. Картина Дали, изображающая пустыню, усеянную плавящимися часами, стала символом не в одном тексте по психологии, я осмелюсь предположить, хрупкость человеческой памяти.Тот факт, что Дали прямо упомянул об этом в названии, показывает, что он хотел, чтобы мы подумали об иронии в том, что наши умы не похожи на машины и с течением времени все больше и больше опускаются.

Эмоции: Эдвард Мунк (1863-1944), Крик, 1895

Возможно, вы тоже предвидели этот выбор. Тем не менее, это нисколько не умаляет того, что образ мужчины, держащего лицо во время крика в агонии, — идеальный образ невроза. Мунк, чья работа предшествовала движению «экспрессионистов», изображает на этой картине эмоцию тоски или тревоги.Как бы психологи ни пытались описать и понять эмоции с помощью теорий и данных, этот кричащий человек фиксирует переживания так, как слова и числа не могут сделать.

Неврология: Микеланджело Буонароти (1475-1564), Сотворение Адама (потолок Сикстинской капеллы), 1508-1512

Хотя эта сцена сотворения Адама с его пальцем, направленным на Бога, обычно интерпретируется в религиозных терминах, по крайней мере для этого психолога я также вижу метафору синапса.Нейроны общаются друг с другом через разрыв; они не зашиты. В этом промежутке многое может пойти не так. Нейромедиатора может быть слишком много или слишком мало. Точно так же с Богом и Адамом, если бы Бог создал буквального клона, то Адам был бы «совершенным». В случае создания и синапса разрыв создает множество интересных возможностей.

Возраст: Рембрандт Ван Рейн (1606-1669) Автопортрет 1629 — Автопортрет 1669

Среди многих мастерских творений Рембрандта есть серия автопортретов, отражающих изменения, произошедшие в его взрослые годы.Противопоставляя начало и конец жизни, эти двое показывают развитие Рембрандта от четкого, уверенного юноши к более размытому и покорному пожилому человеку. Смена мазков кисти от высокодетализированных к более импрессионистическим рассматривается некоторыми психологами как пример «стиля старости», в котором художники старшего возраста больше заинтересованы в изображении чувств и настроения, а не в точном представлении своего предмета.

Восприятие: M.C. Эшер (1898-1972) По восходящей и нисходящей, 1960

Очень популярные невозможные изображения, созданные Эшером, играют на наших процессах восприятия «сверху вниз», в которых мы ожидаем, что трехмерный мир будет выглядеть определенным образом.Однако, начав спускаться по лестнице и балконам, вы понимаете, что теперь ваши ожидания не оправдались. Вводящие в заблуждение подсказки дают представление о факторах, которые обычно помогают вам увидеть глубину, и в процессе становятся забавными сами по себе.

Сенсация: Джорджия О’Кифф (1887-1986) Shell # 1, 1928

На этом изображении раковины улитки, заполняющей холст, О’Кифф фокусирует наше внимание на мельчайших деталях объекта, который на самом деле очень мал.Эта игра в размере сама по себе информативна, но раковина имеет ту же форму, что и улитка, и поэтому это хорошая иллюстрация структуры, которая играет решающую роль в слухе.

Сексуальность: Густав Климт (1862-1918) Поцелуй, 1907-08

Уют этой пары составляет центральное место в этой роскошной картине с ее яркими оттенками золота, которая на самом деле украшена сусальным золотом. Они кажутся эмоционально и физически связанными друг с другом.Заключенные в круг, они представляют собой представление о близости как форме эмоциональной связи. Картина также показывает их физическую близость, хотя эмоциональная связь почти преобладает над физической.

Стресс: Пит Мондриан (1872-1944) Бродвейский буги-вуги, 1942-43 (Примечание: эта ссылка включает аудиообъяснение)

Желтые линии, перемежаемые черными и красными точками, создают впечатление загруженной транспортной сети Нью-Йорка. Картина была вдохновлена ​​джазом (отсюда и «буги-вуги»), но она также показывает давление современной жизни.В отличие от пасторального пейзажа, эта картина не только представляет, но может вызвать у зрителя чувство стресса.

Социальная психология 1 (Убеждение): Энди Уорхол (1930-1987) 100 банок, 1962

Знаковые банки супа Кэмпбелла, показанные на этой картине, очень типичны для движения поп-арта 1960-х годов; Фактически, Уорхол помог изобрести это движение. Этикетка на банке для супа вызывает положительные эмоции, потому что ассоциируется с одной из самых распространенных форм комфортной еды.То, что компания Campbell, несомненно, использует эту ассоциацию, делает ее хорошим примером тактики убеждения в рекламе.

Социальная психология 2 (агрессия): Пабло Пикассо (1881-1973) Герника, 1937

Вы можете прочитать историю, стоящую за этой картиной, по ссылке, которую я предоставил, но основная тема этого абстрактного изображения вооруженного конфликта — это агрессия и групповая психология. Хотя Пикассо написал ее с политической точки зрения, картина вызывает сильные эмоции и заставляет задуматься о том, агрессивны ли мы от природы или сможем ли мы когда-либо преодолеть это сильное побуждение причинить боль другим людям.

Мотивация: Клод Моне (1840-1926) Кувшинки (Агапанта), 1915-1926 гг.

На другом конце спектра кувшинки Моне олицетворяют вечную красоту и спокойствие. Однако какими бы красивыми они ни были, именно усилия, представленные в этой работе, могут дать вдохновение. В более поздние годы у Моне развилась катаракта, которая помешала его способности видеть синий и зеленый. Он перенес успешную операцию по удалению катаракты, и к тому времени, когда он создал эти (и другие) картины с водяными лилиями, его цветовое зрение было восстановлено.Для 80-летнего мужчины, чтобы перенести операцию по удалению катаракты, метод, который повлек бы за собой значительно больший риск и дискомфорт, чем в настоящее время, потребовал бы чрезвычайно высокого уровня мотивации.

Таким образом, эти 15 великих произведений искусства передают разные элементы психологии способами, которые, я надеюсь, вы также находите вызывающими и информативными. Если у вас есть предложения по работам, которые я пропустил или которые следует включить во второй тур, присылайте их или размещайте в моей группе в Facebook.

Следите за мной в Twitter @swhitbo , чтобы получать ежедневные обновления по психологии, здоровью и старению . Не стесняйтесь присоединиться к моей группе в Facebook « Выполнение в любом возрасте », чтобы обсудить сегодняшний блог или задать дополнительные вопросы об этой публикации.

Авторские права Сьюзан Краусс Уитборн, доктор философии 2013

Как видят художники

Можете ли вы набросать пейзаж или даже убедительный фрукт? В противном случае, скорее всего, ваш мозг мешает, — говорит учитель живописи и художник-пейзажист Дэвид Данлоп.

«Люди не видят, как камера», — говорит он. «Мы живем в предвкушении того, что увидим, и упускаем из виду, поэтому так много приглашений на свадьбу отправляются не в ту дату».

На своих занятиях по искусству Данлоп первым делом советует студентам перестать идентифицировать объекты и вместо этого рассматривать сцены как совокупность линий, теней, форм и контуров. Практически мгновенно эскизы учеников становятся более реалистичными и трехмерными.

Художники давно знают, что есть два взгляда на мир, — говорит профессор психологии Университета Осло Стайн Фогт, доктор философии.Не научившись отключать ту часть мозга, которая идентифицирует объекты, люди могут рисовать только значки объектов, а не сами объекты. Например, сталкиваясь со шляпой, большинство людей рисуют архетипический вид шляпы сбоку, а не изгибы, цвета и тени, которые попадают на нашу сетчатку.

Фактически, особый способ зрения художников трансформируется в шаблоны сканирования глаз, которые заметно отличаются от таковых у нехудожников, согласно исследованию Фогта в Perception (Vol.36, № 1). В своем исследовании она попросила девять студентов-психологов и девять студентов-искусствоведов просмотреть серию из 16 изображений, в то время как камера и компьютер отслеживали, куда падают их взгляды. Она обнаружила, что глаза художников имеют тенденцию сканировать всю картину, включая явно пустые пространства океана или неба, в то время как нехудожники сосредотачиваются на объектах, особенно на людях. Нехудожники проводили около 40 процентов времени, глядя на предметы, в то время как художники уделяли им внимание 20 процентов времени.

Это открытие предполагает, что пока нехудожники были заняты превращением изображений в концепции, художники обращали внимание на цвета и контуры, говорит Фогт.

Хотя для того, чтобы научиться видеть мир как художник, требуются годы обучения, обычное нарушение зрения может подорвать некоторых людей, говорит Бевил Конвей, доктор философии, профессор нейробиологии из Уэллсли. В исследовании, опубликованном в журнале New England Journal of Medicine в 2004 году, он и нейробиолог из Гарварда Маргарет Стратфорд Ливингстон, доктор философии, проанализировали 36 автопортретов Рембрандта и обнаружили, что художник изобразил себя косоглазым, с одним глазом, смотрящим прямо. впереди, а другой блуждает наружу.

Это состояние, называемое косоглазием, поражает 10 процентов населения и приводит к стереослепоте — неспособности использовать оба глаза для построения целостного представления о мире. Стереослепляющие люди не могут видеть изображения «волшебного глаза», в которых хаотичный фон превращается в единое трехмерное изображение. У них также ограниченное восприятие глубины, и они должны полагаться на другие подсказки, такие как тени и окклюзия, чтобы ориентироваться в мире.

Стереослепота Рембрандта, по словам Конвея, могла дать ему преимущество в том, что он видел мир как художник.Он говорит, что не случайно учителя рисования часто советуют своим ученикам закрыть один глаз перед тем, как набросать сцену. Он добавляет, что несовершенная оптика глаза, которая формирует слегка размытое изображение любой сцены, также может быть фактором.

«Рембрандт всю жизнь оттачивал способность воспроизводить трехмерные изображения в двухмерном пространстве», — говорит он.

Стереослепота также может дать преимущество менее известным артистам, — говорит Конвей. Еще неопубликованное исследование Конвея и Ливингстона показало, что студенты-художники гораздо чаще страдают нарушением зрения, чем нехудожники.

Станьте первым комментатором

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

2019 © Все права защищены. Интернет-Магазин Санкт-Петербург (СПБ)