Человек на фотографии операторское мастерство фотопортрета: Презентация к уроку ИЗО на тему «Человек на фотографии. Операторское мастерство фотопортрета».

Содержание

Человек на фотографии. Операторское мастерство фотопортрета

Слайды и текст этой онлайн презентации

Слайд 1

Человек на фотографии. Операторское мастерство фотопортрета.
Методическая разработка учителя ИЗО высшей категории МБОУ «Средняя школа № 50» города Ульяновска Жалеевой Е.В.

Слайд 2

Цель:
Фотосъёмка модели с различно поставленным светом и в различных ракурсах; приобретение навыков работы с моделью по выработке у неё естественного состояния во время съёмки.

Слайд 3

Задачи:
Понимать, что образность портрета в фотографии достигается не путем художественного обобщения, а благодаря точности выбора и передаче характера и состояния конкретного человека.

Слайд 4

Личностные результаты
Развитие эстетического сознания через освоение художественного наследия народов России и мира, творческой деятельности эстетического характера; Формирование ответственного отношения к учению, готовности и способности обучающихся к саморазвитию и самообразованию на основе мотивации к обучению и познанию.

Слайд 5

Метапредметные результаты
Умение самостоятельно определять цели своего обучения, ставить и формулировать для себя новые задачи в учёбе и познавательной деятельности, развивать мотивы и интересы своей познавательной деятельности; Умение соотносить свои действия с планируемыми результатами, осуществлять контроль своей деятельности в процессе достижения результата, определять способы действий в рамках предложенных условий и требований, корректировать свои действия в соответствии с изменяющейся ситуацией; Умение оценивать правильность выполнения учебной задачи, собственные возможности ее решения.

Слайд 6

Предметные результаты
Приобретение опыта работы в специфических формах художественной деятельности, в том числе базирующихся на ИКТ (цифровая фотография, видеозапись, компьютерная графика, мультипликация и анимация).

Слайд 7

Анализ фотопейзажей
Просмотр и обсуждение работ. Выбор лучшего снимка. Пояснение к нему: легко ли выбрать точку и угол зрения, в какое время сделан снимок, сколько кадров сделано, кому предназначена фотография.

Слайд 8

Актуализация
Скажите, каких фотографий больше в памяти ваших телефонов. Зачем вы делали эти снимки? Остались ли довольны фотографией те, кого вы снимали? Сейчас, зная некоторые требования к фотографии, вы сможете назвать недостатки?

Слайд 9

Слайд 10

Слайд 11

Портретная фотосъемка: сюжет, идея, настроение
Мы уже не раз обсуждали, что фотография должна нести смысловой или эмоциональный заряд, рассказывать какую-то историю. Портретная съёмка в этом плане не исключение: нам важно не просто передать внешность человека, но и рассказать о нём, его характере. Минимум — показать настроение в конкретный момент времени.

Слайд 12

Какие эмоции вызывает этот снимок? Безусловно позитивные! На это работают яркие цвета (вспоминаем второй урок), мягкий свет с красивыми тенями, а также поза модели — она как будто бежит по тропинке. В итоге образ сложился. Главное не забывать, что фотография — это комплекс, в котором всё взаимосвязано: задний план, цвет, свет, мимика человека, его поза.

Слайд 13

А этот снимок — полная противоположность предыдущему. Зажатая поза модели, напряжённый взгляд в камеру, большое количество тёмных тонов, а также холодный по цвету дым на фоне — всё это создаёт драматичное, депрессивное настроение. С некоторыми составляющими мы уже знакомы, а с остальными будем разбираться на этом уроке.

Слайд 14

Съемка портрета: особенности композиции
В одном из уроков мы обсуждали правило третей и выяснили, что оно в портрете далеко не всегда применяется в жёстком виде, часто от него нужно отступать. Например, считается, что если человек повернулся в какую-то сторону телом, то нужно там оставить больше пространства, чем за спиной — так подчеркнётся динамика разворота.

Слайд 15

Слайд 16

Однако это не единственный подход. Если сделать наоборот, то есть, оставить перед человеком меньше пространства, чем за спиной, то кадр будет смотреться напряжённее, драматичнее. То есть так можно подчеркнуть настроение героя снимка. Вы, наверное, помните про виды планов в фотографии — крупный, средний, общий. В портрете существуют их аналоги.
Фотограф Олег Скворцов, преподаватель fotoshkola.net

Слайд 17

Как снимать людей: оплечный портрет.
В кадр включается только верхняя часть тела, примерно по грудь, допускается кадрирование головы, чтобы разместить глаза на верхней линии третей. Для нейтральной передачи роста человека, то есть такой, при которой он не будет казаться маленьким или высоким, камеру нужно располагать на уровне глаз.
Фото Оксаны Бесента Ризвановой — студента fotoshkola.net

Слайд 18

Как фотографировать людей: поясной портрет.
Называется так, но на самом деле кадрирование проходит по бёдрам. Над головой уже оставляется пространство, чтобы граница не давила на голову. Тут камеру можно располагать на уровне плеч — так рост будет передан без искажений.
Фотограф: Ольга Шустер, студент fotoshkola.net

Слайд 19

Как снять красивый портрет: ростовой портрет.
При увеличении крупности всё больше пространства должно оставаться вокруг человека, чтобы снимок не смотрелся тесно. Ориентир — глаза должны находиться примерно на верхней линии третей, можно немного выше. Камера располагается на уровне груди.
Портретная фотография: Юлия Сафонова, студент fotoshkola.net

Слайд 20

Разделение это условное, вполне могут быть промежуточные крупности. Одна из практических ценностей этого знания — разноплановость съёмки. Если вы делаете серию с одним человеком, то лучше сделать разные по крупности снимки, чтобы максимально полно раскрыть и человека, и условия, в которых он находится. Отдельно хочется дополнить про высоту камеры. То, как описан этот момент выше, не является жёстким алгоритмом. Можно снимать человека и снизу, и сверху. Нужно только понимать, что, например, нижняя точка съёмки поможет передать уверенность, высокомерие. А верхняя точка съёмки сделает образ более мягким, возможно, даже неуверенным. Кроме того, есть достаточно серьёзные ограничения по кадрированию человеческого тела. Например, не стоит резать по суставам — локтям, коленям, так как из-за этого руки смотрятся не очень красиво. Нужно или выше, или ниже. Также редко смотрятся удачно снимки, в которых рамка кадра проходит по шее, лучше включить плечи.

Слайд 21

Автор: Надежда Вышегородцева, студент fotoshkola.net
Портретная фотосъемка: Оксана Бесента Ризванова, студент fotoshkola.net

Слайд 22

Съемка портрета: свет в портрете
Снимать портреты, как и пейзажи, лучше всего с режимным светом — динамический диапазон сцены получается меньше, а из-за низкого расположения солнца проще управлять светотеневым рисунком, поворачивая героя снимка относительно источника света. Нам важно добиться эффекта, когда светотеневой рисунок ложится ровно, не имеет рваных участков, сильно выступающих теней. Заметнее всего это на лице, поэтому на него и стоит ориентироваться. Например, можно повернуть человека так, чтобы лицо было освещено, а тени начинались на скуле. Свет при этом будет падать примерно под углом 45-50 градусов.

Слайд 23

Автор: Оксана Лагузина, студент fotoshkola.net
Даже во время съёмки в режимное время нужно следить за паразитными тенями. Например, если угол падения света выбран неудачно, то может получиться не очень красивая тень от носа, которая сильно заходит на щёку. Чтобы этого избежать, нужно больше повернуть человека на свет.

Слайд 24

Автор: Олег Скворцов, преподаватель fotoshkola.net
Понятно, что 45 градусов не является единственно возможным углом падения света. Можно выбирать любой другой, главное, чтобы при этом светотеневой рисунок ложился ровно и красиво. Половина лица в тени делает портрет более драматичным. При освещении одной скулы важно следить, чтобы она не перебивала внимание с немного затенённого лица.

Слайд 25

При съёмке против солнца тоже нужно следить, чтобы лица не получились слишком тёмными.

Слайд 26

Прямой свет имеет большую выразительность, чем отражённый, так как при съёмке в тени самих теней почти нет.
Автор: Ирина Бафанова, студент fotoshkola.net

Слайд 27

Не забываем и про то, что снимать можно не только на улице, но и в помещении — квартире, кафе, даже подъезде. Если свет из окна, то получается очень красивый светотеневой рисунок. Кроме того, в качестве источника света подойдут лампы, торшеры, свечи. Если обыграть это в сюжете, то снимок получится художественным, несмотря на съёмку в бытовых условиях. Причём работать с этими источниками нужно так же, как и с солнцем — выбирать угол падения, следить за паразитными тенями.
Автор: Вячеслав Каширский, студент fotoshkola.net

Слайд 28

Автор: Ирина Вердье, студент fotoshkola.net

Слайд 29

Кроме того, хочется напомнить, что свет может работать на настроение фотографии. Если хотите, чтобы кадр получился драматичным, то нужны контрастные тени, преобладание тёмных тонов. А для позитивного портрета кроме ярких цветов нужен мягкий свет.
Автор: Оксана Володина, студент fotoshkola.net

Слайд 30

Автор: Татьяна Федорова, студент fotoshkola.net

Слайд 31

Очень здорово смотрится использование теней в композиции. Например, можно найти такое место, где модель будет освещена, а фон будет находиться в тени — этот приём называется световым акцентом. Кроме того, можно использовать линии теней, проекции их на окружение героев или на них самих. Всё это делает ваши фотографии необычными и более привлекательными.
Автор: Евгения Малахова, студент fotoshkola.net

Слайд 32

Автор: Анастасия Власова, студент fotoshkola.net.
Автор: Галина Дробышева, студент fotoshkola.net

Слайд 33

Портретная фотосъемка: позирование
Чаще всего вы, скорее всего, будете снимать неопытных моделей, людей, которые не учились позировать. Это не плохо, просто заставляет немного по-другому подойти к позированию. Оно ведь является одним из важнейших факторов передачи сюжета и настроения на фотографии. К позе человека предъявляется несколько требований: К моменту, когда вы взяли камеру в руки и начали снимать, вы уже понимаете, что хотите снять, что показать зрителю. И поза должна на это работать! Например, герою холодно, он задумчивый или радостный. В обычной жизни в этих случаях люди занимают определённые позы, и стоит использовать именно их — так зритель сможет считать и понять, в каком эмоциональном состоянии находится портретируемый.

Слайд 34

Закрытые позы (например, со скрещёнными руками) хороши для драматичных сюжетов, открытые — для позитивных. Будет неплохо, если вы изучите язык жестов, чтобы самостоятельно закладывать нужный эмоциональный фон, подсказывая ту или иную позу портретируемому.

Слайд 35

Автор: Олег Скворцов, преподаватель fotoshkola.net

Слайд 36

Автор: Татьяна Прохорова, студент fotoshkola.net

Слайд 37

Многие люди не уверены в себе, переживают, что не получаются на фотографиях хорошо. Фотограф в этом случае выступает не только как специалист по съёмке, но и как психолог, который должен подготовить человека, раскрутить. Как это делается: Общайтесь с портретируемым: шутите, говорите на отвлечённые темы, рассказывайте, что хотите сделать — это раскрепощает. Ведите себя уверенно, даже если не знаете, как лучше сделать кадр. Иначе герой подумает, что проблема в нём и закроется психологически. Предложите перед съёмкой покрутиться перед зеркалом, чтобы человек знал удачные свои ракурсы. Если не знаете, какая нужна поза, попросите занять привычную и отталкивайтесь от этого. У каждого человека есть темперамент, определённый характер — используйте это. Если портретируемый в жизни спокойный, неулыбчивый, то не стоит пытаться раскручивать его на безудержное веселье, по крайней мере, сразу. Точно так же с позитивными людьми — сложно будет сделать с ними жёсткий, драматичный снимок.

Слайд 38

Съемка портрета: гармоничность места съёмки и одежды
Какие портреты существуют в фотографии? Как вы думаете одежда и место съемки должны быть гармоничными? Где можно сфотографироваться в сарафане? А где в вечернем платье? А куда лучше поместить молодого человека в кожаной куртке? Как сделать мимишную фотографию ребенка?

Слайд 39

Слайд 40

Слайд 41

Практическая работа
Составьте перечень типичных ошибок. (Работа в группе) Проанализируйте сделанные вами ранее кадры. Сделайте снимки с учетом замечаний. Создайте определенные образы.

Слайд 42

Типичные ошибки в позировании:
Не стоит прятать руки в волосы или за спину — так они кажутся отрезанными. То же самое с карманами: должны быть видны хотя бы большие пальцы. Шея — выразительная часть тела в женском портрете, старайтесь не закрывать её сильно поднятыми плечами. Если герой опирается лицом на руку, то не должны искажаться черты лица. Лучше не улыбаться половиной рта — это смотрится не очень хорошо. Если есть какие-то проблемы с зубами, то можно улыбнуться, не показывая их. При ростовом портрете следите, чтобы ближняя к камере нога не перекрывала дальнюю, а то человек получится одноногим. Бывает, что неопытные модели улыбаются, их тело вроде бы расслабленно, но руки выдают внутреннее напряжение, они сжаты — такие вещи нужно замечать и исправлять. Взгляд в объектив не всегда уместен, пробуйте разные варианты. Только нужно следить, чтобы портретируемый не сильно отворачивал глаза от камеры, а то будут видны только белки.
Этот материал ученики находят самостоятельно

Слайд 43

Домашнее задание:
Создайте 2-3 образа в гармонии с интерьером. Прочитайте статью 137 УК и 151.

Слайд 44

Фотограф и незнакомые люди на улице
Закон не запрещает использовать изображения любых лиц в некоммерческих целях. Но нужно помнить о Конституции РФ и другие нормативные акты, которые предусматривают право каждого гражданина на неприкосновенность частной жизни. Статья 152.1 Гражданского кодекса РФ. Охрана изображения гражданина Обнародование и дальнейшее использование изображения гражданина (в том числе его фотографии, а также видеозаписи или произведения изобразительного искусства, в которых он изображен) допускаются только с согласия этого гражданина. После смерти гражданина его изображение может использоваться только с согласия детей и пережившего супруга, а при их отсутствии — с согласия родителей. Такое согласие не требуется в случаях, когда: 1) использование изображения осуществляется в государственных, общественных или иных публичных интересах; 2) изображение гражданина получено при съёмке, которая проводится в местах, открытых для свободного посещения, или на публичных мероприятиях (собраниях, съездах, конференциях, концертах, представлениях, спортивных соревнованиях и подобных мероприятиях), за исключением случаев, когда такое изображение является основным объектом использования; 3) гражданин позировал за плату.
Этот материал ученики находят самостоятельно

Слайд 45

Статья 137. Уголовного кодекса РФ. Нарушение неприкосновенности частной жизни 1. Незаконное собирание или распространение сведений о частной жизни лица, составляющих его личную или семейную тайну, без его согласия либо распространение этих сведений в публичном выступлении, публично демонстрирующемся произведении или средствах массовой информации, если эти деяния совершены из корыстной или иной личной заинтересованности и причинили вред правам и законным интересам граждан, — наказываются штрафом в размере от двухсот до пятисот минимальных размеров оплаты труда или в размере заработной платы или иного дохода осужденного за период от двух до пяти месяцев, либо обязательными работами на срок от ста двадцати до ста восьмидесяти часов, либо исправительными работами на срок до одного года, либо арестом на срок до четырех месяцев.
Этот материал ученики находят самостоятельно

Слайд 46

Статья 151. Гражданского кодекса РФ. Компенсация морального вреда Если гражданину причинен моральный вред (физические или нравственные страдания) действиями, нарушающими его личные неимущественные права либо посягающими на принадлежащие гражданину другие нематериальные блага, а также в других случаях, предусмотренных законом, суд может возложить на нарушителя обязанность денежной компенсации указанного вреда. При определении размеров компенсации морального вреда суд принимает во внимание степень вины нарушителя и иные заслуживающие внимания обстоятельства. Суд должен также учитывать степень физических и нравственных страданий, связанных с индивидуальными особенностями лица, которому причинен вред. Если вы планируете использовать фотографии с людьми в коммерческих целях, то следует заранее получить его согласие подписать так называемый «модельный релиз».
Этот материал ученики находят самостоятельно

Слайд 47

Источник информации
http://photostocks.info/

Урок ИЗО на тему «Человек на фотографии. Операторское мастерство фотопортрета».

Урок изобразительного искусства в 9 классе

тема: «Человек на фотографии. Операторское мастерство фотопортрета».

Задачи урока:

Закрепить знания детей о жанре, разновидностях портрета.Развивать понимание того, что в портретном изображении должен выражаться характер человека, его внутренний мир.Подвести учащихся к пониманию того, что жанр портрета – это не только передача индивидуально сходства, но и создание духовного сходства образа человека, отражение его мыслей и чувств.Познакомить с жанром фотопортрет, его видами. Сформировать представление о фотокомпозиции, светотени.Познакомить с правилами выполнения постановочного портрета.

Оборудование: фотоаппарат, ИКТ.

Словарная работа: фотопортрет

План урока:

Организационный момент. Рапорт дежурного. (2-3 мин.)Вступление. Чтение и обсуждение притчи. (5-7 мин.)Основная часть. Портрет, его виды. (5-8 мин.)Изучение нового материала. Фотопортрет, его виды. (10 мин.)Практическая часть урока — проверка выполнения домашнего задания – просмотр и обсуждение детских фотографий. (10 мин.)Домашнее задание. (2 мин.)Итог урока. (3 мин.)Выставление оценок за урок в журнал и дневник. (2 мин.)

Ход урока:

Организационный момент. Рапорт дежурного. (2-3 мин.)Вступление. Чтение и обсуждение притчи. (5-7 мин.)Притча о художнике

Жил на свете художник, который имел дар видеть и запечатлевать прекрасное.

Его умение видеть красоту – удивляло людей! Люди, которые жили рядом, смотрели на то же – и не замечали, что это – ПРЕКРАСНО!.. До тех пор они этого не замечали, пока не превращал художник то, что видел и он, и они, – в совершенную картину!

Художник этот был Великим Мастером КРАСОТЫ! Он прикасался взглядом души к тому, что видел, – и изображал прекрасный миг Вечного Бытия на своих полотнах. И тогда – происходило чудо: незаметная прежде КРАСОТА – становилась явной для каждого, кто смотрел на картину художника!

Однажды он взялся за портрет худенькой и неприметной девушки, которую прежде никто не считал красивой. И сама она тоже стеснялась себя и всегда смущённо прятала глаза…

«Столь некрасива, худа… – а ты её рисовать задумал!», – говорили художнику люди.

Но художник никого не слушал и рисовал.

И тонкость, и грация, и нежный овал лица, и глубина чуть – чуть смущённых глаз – вдруг ожили на полотне, прекрасный образ создавая.

И девушка смотрела, чуть дыша: «Не может быть, что это я…

Так хороша картина!»

«Я только зеркало! – с улыбкой художник отвечал, –

Тебе я красоту души твоей всего лишь показал!

Теперь живи, её от мира не тая.

Твоя душа – подобна красоте утренней зари!

И нежностью твоей любви ты всё, что видишь озари!»

И женщину он старую увидел – и её портрет стал он рисовать. И удивлялись люди: что в такой старухе он нашёл?

А художник – он каждую морщинку на руках её – как летопись писал. И были в летописи той слова о жизни долгой и непростой, о доброте, и о любви, о детях, вскормленных душевною заботой, о внуках, мудростью питаемых глубокой… И засияли лучики из глаз – в них свет струился – к тем людям, которые вокруг сейчас, и к тем, что ныне вдалеке, их свет подобен был реке, которая имеет свой исток в сердечной доброте.

И на портрете том – любовь, и мудрость, и покой – вещали людям о жизни доброй, о душе

Большой! И в восхищенье – замирало множество людей перед картиной той! И обнимала их любовь души прекрасной – как нежная вечерняя заря…

Художник так всё то отобразил, что в почтенье перед старой женщиной склонились люди…

— О чём эта притча?

— В чём вы видите разницу между двумя понятиями «КРАСИВЫЙ», «ПРЕКРАСНЫЙ»?

— О каком жанре искусства идёт речь? (портрет)

3.Основная часть. Портрет, его виды. (5-8 мин.)

— Что вы знаете о портрете?

— Если мы обратимся в толковый словарь, то портрет – это изображение или описание какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности, в том числе художественными средствами (живописи, графики, гравюры, скульптуры, фотографии, полиграфии).

— Вы уже знаете, что существует классификация портретов, по стилю изображения и по количеству изображаемых.

По количеству изображаемых:

— одиночный

— парный

— групповой

По стилю изображения:

— автопортрет

— парадный

— исторический

— семейный

— камерный

— костюмированный

— портрет – картина

4.Изучение нового материала. Фотопортрет, его виды. (10 мин.)

— Молодцы! Сейчас мы с вами вспомнили само понятие «портрет», его виды и тем самым подошли к теме нашего урока.

Тема урока звучит как «Человек на фотографии».

— Как вы думаете, что такое фотоизображение? (Это изображение, полученное при фотографировании)

— Что такое фотопортрет? (портрет, сделанный фотографическим способом)

— Каждый фотограф в своей работе придерживается следующих правил:

Определение точки и места съёмки;Постановка света;Выбор эмоционально-психологического состояния;Выбор позы и фона для портретируемогоГоворя условно, фотопортрет является одной из форм изображений человека. Качественно выполненный фотопортрет может передать большое количество информации о фотографируемом объекте — особенности его внешности, переживаемые эмоции, положение в обществе и т.д. Даже самый простой студийный портрет может раскрыть характер и глубину души человека, что особенно отчетливо проявляется в выражении лица и во взгляде.

Не существует строгой классификации для выделения видов фотопортретов. В самом общем смысле все фотопортреты условно разделяют на групповые и индивидуальные. Если не привязываться к какому-либо конкретному основанию, можно обнаружить следующие виды фотопортретов.

Классический фотопортрет. Представляет собой плечевой или поясной портрет с классическими постановками освещения, стандартными позами и положениями рук.Концептуальный фотопортрет. Фотографируемый объект предстает в неком образе, передающем замысел съемки.Имиджевый фотопортрет. Отражает статус, характер деятельности, убеждения человека для передачи их публике. Очень часто востребован у политиков, руководителей, общественных деятелей. Как правило, демонстрирует человека в «лучшем свете».Романтический фотопортрет. Используются соответствующие реквизиты для создания нежного, романтического образа.Корпоративный фотопортрет. Представляет собой съемку сотрудников какой-либо компании, например, для постеров, рекламных буклетов и т.д.»Fashion» фотопортрет. Представление образа в стиле Fashion. Применяется в модельном и шоу-бизнесе для создания портфолио, модных каталогов, журналов и т.д.Репортажный фотопортрет. Используется при создании отчета о каком-то событии, явлении или человеке. Например, свадебная фотосессия — типичный вариант репортажной съемки.Натурный фотопортрет. Фотосъемка производится на природе без использования дополнительных источников света.Жанровый фотопортрет. Фотографирование человека в привычной обстановке или на рабочем месте.Исходя из особенностей композиции и выбора плана съемки, можно условно выделить такие виды фотопортретов, как плечевой, поясной и фотопортрет в полный рост. Каждый их этих видов имеет свои специфические особенности и предъявляет к фотографу соблюдение определенных правил фотографирования.

Плечевой фотопортрет подразумевает съемку с близкого расстояния, когда в кадре оказываются только голова и плечи модели.

Поясной фотопортрет, как видно из названия, предполагает фотографирование объекта по пояс, не захватывая в кадр ноги и стопы модели. Этот вид портрета позволяет экспериментировать с различными позами и ракурсами, что особенно привлекает внимание зрителей.

При создании поясного портрета важная роль отводиться настроению фотографируемого, которое очень четко проявляется в его мимике и позах. Ни в коем случае, не нужно просить своих моделей «расслабиться», гораздо эффективнее предложить переместить вес тела с одной ноги на другую.

Фотопортрет в полный рост гораздо сложнее, по сравнению с поясными и плечевыми портретами.

— А как вы думаете, играет ли роль освещения в качестве результата фотопортрета?

— В своей работе фотограф использует софтбокс – это насадка на источник света, предназначенная для создания мягкого рассеянного освещения без резких бликов. Бестеневой бокс – используется для бестеневой предметной или макросъёмки. А для создания фотопортрета, фотограф использует «Портретную тарелку».

Как вы уже наверно поняли, перечисленные мною приборы фотограф использует в фотостудии. А для съёмок на улице фотограф использует фотоаппараты с улучшенной внешней вспышкой и специальные зеркала.

5.Практическая часть урока — проверка выполнения домашнего задания – просмотр и обсуждение детских фотографий. (10 мин.)

Вам было дано задание, сфотографировать своих друзей. Давайте мы сейчас посмотрим и обсудим ваши фотографии. (просмотр и обсуждение фотографий учащихся)

Домашнее задание. (2 мин.)К следующему уроку вы должны будете сделать фотоподборку школьных мероприятий, в которых вы или ваши друзья принимали участие.Итог урока. (3 мин.)- Сегодня мы с вами совершили путешествие в удивительный мир человеческих образов.

— Вам было интересно?

— Вы согласны, что портрет и фотопортрет можно назвать зеркалом души?

— Совершенно верно. Через портрет или фотопортрет автор передаёт богатый духовный мир человека и ту эпоху, в которой живёт этот человек. На этом наш урок заканчивается.

8.Выставление оценок за урок в журнал и дневник. (2 мин.)

Мне осталось только выставить оценки за урок. Всем большое спасибо.

Учитель: ________ /О.Г. Белова/

Заместитель директора по УР: _____ /Т.Б. Жукова/

Если Вы являетесь автором этой работы и хотите отредактировать, либо удалить ее с сайта — свяжитесь, пожалуйста, с нами.

«Человек на фотографии. Операторское мастерство фотопортрета»

Урок изобразительного искусства в 9 классе

тема: «Человек на фотографии. Операторское мастерство фотопортрета».

Задачи урока:

Закрепить знания детей о жанре, разновидностях портрета.
Развивать понимание того, что в портретном изображении должен выражаться характер человека, его внутренний мир.
Подвести учащихся к пониманию того, что жанр портрета – это не только передача индивидуально сходства, но и создание духовного сходства образа человека, отражение его мыслей и чувств.
Познакомить с жанром фотопортрет, его видами.
Сформировать представление о фотокомпозиции, светотени.
Познакомить с правилами выполнения постановочного портрета.

Оборудование: фотоаппарат, ИКТ.

Словарная работа: фотопортрет

План урока:

Организационный момент. Рапорт дежурного. (2-3 мин.)
Вступление. Чтение и обсуждение притчи. (5-7 мин.)
Основная часть. Портрет, его виды. (5-8 мин.)
Изучение нового материала. Фотопортрет, его виды. (10 мин.)
Практическая часть урока — проверка выполнения домашнего задания – просмотр и обсуждение детских фотографий. (10 мин.)
Домашнее задание. (2 мин.)
Итог урока. (3 мин.)
Выставление оценок за урок в журнал и дневник. (2 мин.)

Ход урока:

Организационный момент. Рапорт дежурного. (2-3 мин.)
Вступление. Чтение и обсуждение притчи. (5-7 мин.)

Притча о художнике

Жил на свете художник, который имел дар видеть и запечатлевать прекрасное.

«Столь некрасива, худа… – а ты её рисовать задумал!», – говорили художнику люди.

Но художник никого не слушал и рисовал.

И девушка смотрела, чуть дыша: «Не может быть, что это я…

Так хороша картина!»

«Я только зеркало! – с улыбкой художник отвечал, –

Тебе я красоту души твоей всего лишь показал!

Теперь живи, её от мира не тая.

Твоя душа – подобна красоте утренней зари!

И нежностью твоей любви ты всё, что видишь озари!»

И женщину он старую увидел – и её портрет стал он рисовать. И удивлялись люди: что в такой старухе он нашёл?

И на портрете том – любовь, и мудрость, и покой – вещали людям о жизни доброй, о душе

Художник так всё то отобразил, что в почтенье перед старой женщиной склонились люди…

— О чём эта притча?

— В чём вы видите разницу между двумя понятиями «КРАСИВЫЙ», «ПРЕКРАСНЫЙ»?

— О каком жанре искусства идёт речь? (портрет)

3. Основная часть. Портрет, его виды. (5-8 мин.)

— Что вы знаете о портрете?

— Вы уже знаете, что существует классификация портретов, по стилю изображения и по количеству изображаемых.

По количеству изображаемых:

— одиночный

— парный

— групповой

По стилю изображения:

— автопортрет

— парадный

— исторический

— семейный

— камерный

— костюмированный

— портрет – картина

4. Изучение нового материала. Фотопортрет, его виды. (10 мин.)

Тема урока звучит как «Человек на фотографии».

— Как вы думаете, что такое фотоизображение? (Это изображение, полученное при фотографировании)

— Что такое фотопортрет? (портрет, сделанный фотографическим способом)

— Каждый фотограф в своей работе придерживается следующих правил:

Определение точки и места съёмки;
Постановка света;
Выбор эмоционально-психологического состояния;
Выбор позы и фона для портретируемого

Говоря условно, фотопортрет является одной из форм изображений человека. Качественно выполненный фотопортрет может передать большое количество информации о фотографируемом объекте — особенности его внешности, переживаемые эмоции, положение в обществе и т.д. Даже самый простой студийный портрет может раскрыть характер и глубину души человека, что особенно отчетливо проявляется в выражении лица и во взгляде.

Классический фотопортрет. Представляет собой плечевой или поясной портрет с классическими постановками освещения, стандартными позами и положениями рук.
Концептуальный фотопортрет. Фотографируемый объект предстает в неком образе, передающем замысел съемки.
Имиджевый фотопортрет. Отражает статус, характер деятельности, убеждения человека для передачи их публике. Очень часто востребован у политиков, руководителей, общественных деятелей. Как правило, демонстрирует человека в «лучшем свете».
Романтический фотопортрет. Используются соответствующие реквизиты для создания нежного, романтического образа.
Корпоративный фотопортрет. Представляет собой съемку сотрудников какой-либо компании, например, для постеров, рекламных буклетов и т.д.
«Fashion» фотопортрет. Представление образа в стиле Fashion. Применяется в модельном и шоу-бизнесе для создания портфолио, модных каталогов, журналов и т.д.
Репортажный фотопортрет. Используется при создании отчета о каком-то событии, явлении или человеке. Например, свадебная фотосессия — типичный вариант репортажной съемки.
Натурный фотопортрет. Фотосъемка производится на природе без использования дополнительных источников света.
Жанровый фотопортрет. Фотографирование человека в привычной обстановке или на рабочем месте.

Исходя из особенностей композиции и выбора плана съемки, можно условно выделить такие виды фотопортретов, как плечевой, поясной и фотопортрет в полный рост. Каждый их этих видов имеет свои специфические особенности и предъявляет к фотографу соблюдение определенных правил фотографирования.

Плечевой фотопортрет подразумевает съемку с близкого расстояния, когда в кадре оказываются только голова и плечи модели.

Поясной фотопортрет, как видно из названия, предполагает фотографирование объекта по пояс, не захватывая в кадр ноги и стопы модели. Этот вид портрета позволяет экспериментировать с различными позами и ракурсами, что особенно привлекает внимание зрителей.

Фотопортрет в полный рост гораздо сложнее, по сравнению с поясными и плечевыми портретами.

— А как вы думаете, играет ли роль освещения в качестве результата фотопортрета?

5. Практическая часть урока — проверка выполнения домашнего задания – просмотр и обсуждение детских фотографий. (10 мин.)

Домашнее задание. (2 мин.)

К следующему уроку вы должны будете сделать фотоподборку школьных мероприятий, в которых вы или ваши друзья принимали участие.

Итог урока. (3 мин.)

— Сегодня мы с вами совершили путешествие в удивительный мир человеческих образов.

— Вам было интересно?

— Вы согласны, что портрет и фотопортрет можно назвать зеркалом души?

8. Выставление оценок за урок в журнал и дневник. (2 мин.)

Мне осталось только выставить оценки за урок. Всем большое спасибо.

Учитель: ________ /О.Г. Белова/

Заместитель директора по УР: _____ /Т.Б. Жукова/

Работа с информацией. (Учебник с.85-89) (10 мин) — Студопедия.Нет

Изобразительное искусство. 8 класс.

Программа Б.М. Неменского

Урок 12

Тема: «Человек на фотографии. Операторское мастерство фотопортрета»

Цель: изучить искусство фотопортрета.

Задачи урока:

1. Закрепить знания детей о жанре, разновидностях портрета.

2. Развивать понимание того, что в портретном изображении должен выражаться характер человека, его внутренний мир.

3. Подвести учащихся к пониманию того, что жанр портрета – это не только передача индивидуально сходства, но и создание духовного сходства образа человека, отражение его мыслей и чувств.

4. Познакомить с жанром фотопортрет, его видами.

5. Сформировать представление о фотокомпозиции, светотени.

6. Познакомить с правилами выполнения постановочного и репортажного портрета.

Оборудование: фотоаппарат, ИКТ.

Личностные результаты

· Развитие эстетического сознания через освоение художественного наследия народов России и мира, творческой деятельности эстетического характера;

· Формирование ответственного отношения к учению, готовности и способности обучающихся к саморазвитию и самообразованию на основе мотивации к обучению и познанию.

Метапредметные результаты

· Умение самостоятельно определять цели своего обучения, ставить и формулировать для себя новые задачи в учёбе и познавательной деятельности, развивать мотивы и интересы своей познавательной деятельности;

· Умение соотносить свои действия с планируемыми результатами, осуществлять контроль своей деятельности в процессе достижения результата, определять способы действий в рамках предложенных условий и требований, корректировать свои действия в соответствии с изменяющейся ситуацией;

· Умение оценивать правильность выполнения учебной задачи, собственные возможности ее решения.

Предметные результаты

· Приобретение опыта работы в специфических формах художественной деятельности, в том числе базирующихся на ИКТ (цифровая фотография, видеозапись, компьютерная графика, мультипликация и анимация).

Ход урока

Мотивационный этап. Чтение и обсуждение притчи. (3 мин.)

Притча о художнике.

Жил на свете художник, который имел дар видеть и запечатлевать прекрасное.

«Столь некрасива, худа… – а ты её рисовать задумал!», – говорили художнику люди.

Но художник никого не слушал и рисовал.

И девушка смотрела, чуть дыша: «Не может быть, что это я…

Так хороша картина!»

«Я только зеркало! – с улыбкой художник отвечал, –

Тебе я красоту души твоей всего лишь показал!

Теперь живи, её от мира не тая.

Твоя душа – подобна красоте утренней зари!

И нежностью твоей любви ты всё, что видишь озари!»

И женщину он старую увидел – и её портрет стал он рисовать. И удивлялись люди: что в такой старухе он нашёл?

И на портрете том – любовь, и мудрость, и покой – вещали людям о жизни доброй, о душе

Художник так всё то отобразил, что в почтенье перед старой женщиной склонились люди…

— О чём эта притча?

— В чём вы видите разницу между двумя понятиями «КРАСИВЫЙ», «ПРЕКРАСНЫЙ»?

— О каком жанре искусства идёт речь? (портрет)

Проблемный этап. (5 мин)

— В чем разница портрета и фотопортрета?

Портрет (от франц. portrait, от portraire – изображать) — изображение человека либо группы людей, существующих или существовавших реально.

В основе жанра портрета лежит увековечивание облика конкретного человека. Портрет – один из самых распространенных жанров изобразительного искусства.

Фотопортрет — портрет, сделанный фотографическим способом.

— Каждый фотограф в своей работе придерживается следующих правил:

· Определение точки и места съёмки;

· Постановка света;

· Выбор эмоционально-психологического состояния;

· Выбор позы и фона для портретируемого

· Скажите, каких фотографий больше в памяти ваших телефонов.

· Зачем вы делали эти снимки?

· Остались ли довольны фотографией те, кого вы снимали?

· Сейчас, зная некоторые требования к фотографии, вы сможете назвать недостатки?

· Имеем ли мы право использовать чужие фотографии без разрешения? Почему? (напомнить о ст. 137 УК РФ «Нарушение неприкосновенности частной жизни».

Работа с информацией. (Учебник с.85-89) (10 мин)

— Рассмотрим фотопортреты, размещенные на страницах вашего учебника (с.85).

— Чем схожи и чем отличаются фотографии? все ли они являются фотопортретами?

— В фотографии, как в живописи и в рисунке, пожалуй, самое интересное, хотя и самое сложное,- изображение человека, его портрет. Правда, снимки, царящие на многих дисплеях мобильников и мониторов, трудно назвать портретами. Дурашливые позы и выражения лиц, баловство и кривлянье перед аппаратом, когда ставятся рожки над головой приятеля или корчатся физиономии, одна другой глупее… Согласитесь, вряд ли это ваши истинные портреты, и не по ним же потом судить, какими вы были в юности. (ответы детей)

— Что же тогда может считаться фотопортретом? Фотоснимки для паспорта или удостоверения, где с трудом узнаешь себя из-за какой-то закаменелой напряженности и пустоты взгляда? Или портрет — это когда мы, прихорошившись, встаем перед камерой в красивые, заранее подготовленные позы с заготовленной для этого случая улыбкой и взором, думая: «Ах-ах, как я хороша!» Конечно, это наш портрет. Но какие мы на нем — какие есть или какими хотим казаться? (ответы детей)

— Чем интересен человек? Своей неповторимостью и индивидуальностью. В этом смысле не бывает некрасивых и неинтересных людей. Задача фотографа — запечатлеть индивидуальность человека, выхватив из потока стремительно меняющихся реакций и выражений его лица самое характерное мгновение, раскрывающее его суть, когда человек наиболее равен самому себе. (рассуждения детей)

— (ст. 86) Различие изобразительного языка фотографии и живописи наиболее явственно проступает в портрете. Больше, чем в пейзаже, а тем более натюрморте, в фотопортрете видна его абсолютная привязанность к конкретному персонажу, тогда как на картине он всегда плод образной трактовки и воображения художника. Фотография по своей эстетической природе документальна. Она отражает только то, что расположено перед камерой. Фотоизображение — конкретно и само по себе не в силах быть образным обобщением, символом или метафорой. Однако мастерство оператора может добавить к документальности снимка его художественное видение и превратить фотографию из бесстрастного фиксатора в произведение искусства, сделать ее художественной.

— Используя особенности каждого из искусств, и художник и оператор могут создать различные, но одинаково значимые для нас портреты людей своего времени. Не имеет значения, запечатлен на них актер в специально созданном интерьере или неизвестная нам девушка на фоне старого дерева. Эти фотопортреты, как и фотографии в модных журналах, называются постановочными, потому что они сделаны с людей, знающих, что их снимают.

— Рассмотрим фотопортреты на странице 87 учебника. (анализируют дети)

— В постановочном портрете оператор сравним с художником. По его воле выбирается поза и костюм модели, определяется антураж и фон. Но важнейшим творческим средством в создании фотопортрета является свет.

— В практике фотографии постановочный и репортажный портреты занимают равное место. Но теоретически, исходя из документальной природы фотографии, некоторые предпочтения отдаются репортажному портрету. В любом типе фотопортрета важна передача главного и характерного в облике человека. Репортажная съемка отличается тем, что оператор ищет для этого момент, не подготавливая к нему человека. Съемка в движении, в непосредственной реакции требует постоянной нацеленности на объект, мгновенного выбора места, момента и точки съемки. Если в постановочном портрете оператор руководит и подготавливает действия модели, то в репортаже натура ведет следующего за ней оператора. Только так можно можно увидеть человека во всем многообразии и неподдельности его жизни.

— Репортажный портрет — портрет без прикрас.

— Фотоаппарат возвращает нам возможность быть портретистами и запечатлевать людей такими, как мы их видим.

— Ценность снимка зависит не от цены аппарата, а от точного выбора натуры и умения ее грамотно снять.

Аналитический этап. (22 мин)

— Сравните живописный и фотографический портреты и определите в чем общее и различное в способе и возможностях изображения человека художником и фотографом, как при помощи каких художественных средств они могут проявить свою фантазию? (ответы детей)

— Где больше художественного обобщения и фантазии — в изображенном на фотоснимке или картине и почему?

— Какие выразительные средства есть у оператора?

— В чем различие и общность репортажного и постановочного фотопортретов?

Задание:

Проектно — съемочный практикум «От забавы к фототворчеству»

— Ребята, мы должны выполнить съемку постановочного портрета и репортажного, в рамках нашего практикума, в котором следует проявить стремление к передаче характера и состояния модели. Используйте для этого все приобретенные навыки и знания операторской грамоты. В съемке постановочного портрета проявите внимание к освещению и фону.

— Сделайте репортажный портрет в ситуации, когда раскрывается человеческая суть персонажа в живой связи со средой (серия из 3-5 снимков).

— Сделайте вариативную обработку одного и того же снимка и в цвете и в черно — белой гамме с целью достижения наибольшей художественной и психологической выразительности портрета.

— Предлагаю вам поделиться на 2 группы, т.к. у нас имеется 2 фотоаппарата (можно работать и с телефонами). Первая группа делает снимки постановочных портретов, вторая — репортажных. Каждый участник в группе попробует себя в роли фотооператора, работая с моделью из своей же группы В работе над постановочным и репортажным портретом можно выполнить как индивидуальные фотопортреты, та и групповые, все будет зависеть от вашей задумки. Затем сбрасываете свои фотографии на компьютер и обрабатывает их, стремясь выполнить поставленные задачи.

Рефлексия. (5 мин)

— Полученные работы сбрасываем на компьютер учителя, воспроизводим на доску, смотрим слайд — шоу постановочных, затем репортажных снимков, комментируем свои работы.

умение видеть и выбирать Грамота фотографирования и операторского мастерства презентация

1 слайд

Хороший фотопортрет, сделанный фотохудожником, позволяет зрителю увидеть в чертах конкретной личности образ-тип, персонифицирующий собой людей определенной социальной категории. Такой фотопортрет показывает типическое через индивидуальное, раскрывает за внешним внутреннее.

2 слайд

3 слайд

Профильный фотопортрет — несколько обособленный вид изображения. Возможности характеристики внешности в нем ограничены. Фотопортрет в профиль более оправдывает себя, если череп не деформирован, а черты лица крупные и пропорционально сложены. Но и при гармонии всех частей головы очень важно сохранить их тональное согласование, так как темная масса волос обычно резко контрастирует со светлым лицом. В начальный период развития фотографии была распространена еще другая разновидность профильного фотопортрета — силуэт. Черный плоскостный контур профиля головы или фигуры создается источником света, скрытым позади затененного объекта.

4 слайд

В индивидуальных фотопортретах учитывается поворот головы и положение туловища. Портретируемый может находиться фронтально к аппарату (анфас), или на три четверти к нему (труакар), или боком (в профиль).

5 слайд

На изобразительное качество фотопортрета влияют не только приемы съемки, но и последующая обработка позитива. О стилевых признаках фотопортрета судят по его оптическому рисунку, световому балансу, крупности плана и т. д. Линейная и воздушная перспектива, передающая глубину пространства, в фотопортрете не играет такой доминирующей роли, как, скажем, в пейзаже. Зато существенное значение имеет тональное распределение светотеней на объемной форме головы и рук.

6 слайд

В практике фотографирования утвердилась также классификация, исходящая из приемов получения фотопортрета. Различают фотопортреты: репортажный, исключающий инсценировку, и поставленный (то есть режиссерски подготовленный). Всякий иной вид фотопортрета обусловлен самим объектом. Скажем, детский портрет. Дети — самые беспокойные натурщики. Их активное противодействие какой-либо нарочитости обязывает прибегать к моментальной и по возможности незаметной съемке.

7 слайд

Художественные фотопортреты, подобно живописным, разделяются на индивидуальные и групповые. Далее, в свою очередь на головные, погрудные (или бюстовые), поясные, поколенные, фигурные (в рост). Фотопортреты получили теперь самое разнообразное назначение. Они не только самостоятельное произведение искусства, но и объективный научный документ, анатомический атлас, информационная иллюстрация, книжная обложка, плакат и т. д.

8 слайд

Композитор И. Фотоискусство Стравинский». 1958. США. Georges Dambier (b.1925)

9 слайд

10 слайд

11 слайд

Уинстон Черчилль в возрасте 7 лет. Фотопортрет, 1881 год. Ирландскому фотографу удалось ухватить в лице и позе ребёнка все те черты превосходства, которые будут отличать Черчилля в его взрослую карьеру. М. В. Альперт. «Комбат».

12 слайд

13 слайд

Отдельное место занимает так называемый «официальный» фотопортрет. Вольное истолкование образа здесь совершенно исключено. Съемки, обычно осуществляемые на месте пребывания официального лица (на съезде, приемах, встречах), поручаются, как правило, наиболее квалифицированным профессионалам.

14 слайд

В рубрику групповых фотопортретов входят также снимки различных делегаций, сотрудников учреждений, выпускников учебных заведений и тому подобные. Авторы такого рода снимков зачастую вынуждены ограничиваться лишь чистой документацией. Фото Н.Н. Сажина, Муром. Групповой портрет семьи Зощенко. Учебная команда 162 пехотного запасного полка. 1917г. (ГАПО. Ф. р-1693, оп. 1, д. 84.)

15 слайд

16 слайд

Жанровые сюжеты имеют в своей основе какую-либо жизненную ситуацию. Таким фотопортретам присуща событийность, динамичность. Действующие лица изображаются в их взаимоотношениях друг с другом — в столкновении или общности интересов и чувств. Жанровый снимок нередко обращается в групповой фотопортрет, если автор сумел раскрыть индивидуальный характер каждого персонажа. Групповой фотопортрет очень труден для съемки. Только умелое техническое исполнение позволяет показать в нем типические черты человеческого характера.

17 слайд

К числу сюжетных фотопортретов следует отнести также снимки, показывающие человека непосредственно у рабочего места в трудовой обстановке. Особенность производства, профессиональные атрибуты — вся атмосфера действия служит добавочной характеристикой образа

18 слайд

Только с переходом на проекционное печатание (увеличение) открылась возможность получать фотопортреты любого размера. Огромные фотоплакаты и панно ныне не редкость. Прогресс фототехники расширил сферу применения фотопортретов. Изменились и сами методы съемки. Появление малоформатной камеры, высокочувствительной эмульсии, светосильных объективов значительно развило фоторепортаж. Без репортажной съемки не может быть и живых жанровых сюжетов. Оперативная документация подлинных фактов и явлений дает правдивую картину человеческих отношений, убедительно отражая красоту и величие образа нашего современника. Фото Джулии Камерон Фото Эдварда Кертиса

19 слайд

Технология фотографических процессов неизменно сказывалась на эволюции форм фотопортрета. Снимок, получаемый с негатива контактной печатью, долгое время оставался в пределах формата пластинки. Отсюда распространение фотопортретов — «визиток» (размером с визитную карточку) и так называемых «кабинетных» фотопортретов. Ограниченный размер отпечатков породил взгляд на фотографию как на искусство малых форм. МАРИЯ (Mary) (1867–1953), королева Англии, супруга английского короля

20 слайд

Фотографии доступен и жанр сатирического фотопортрета. Одно время в этой области успешно работал известный фотохудожник Г. Петрусов, проявивший тонкое чувство юмора и техническое мастерство. Фотопортреты подобного жанра получают прибегая к растягиванию мокрого позитива, к изгибанию бумаги при печатании, наложению негативов и другим приемам. Лондонский фотограф Виджи даже сконструировал специальный объектив, дающий шаржированное изображение лица. Разумеется, фотокарикатуры не имеют ничего общего с обычными карикатурами, но они показывают, какими разнообразными приемами располагает современный фотограф при создании фотопортрета.

21 слайд

Своеобразным видом фотопортрета является также автопортрет. Автопортрет можно использовать и в сложной по форме композиции, как это попытался сделать Л. Лазарев, соединивший собственное изображение с профилем другого человека. Автопортрет с бабушкой 1959 г.

Возьмите человека (за руку) и посадите его на стул посреди комнаты. Наведите на него камеру так, чтобы человек был в кадре весь, с ног до головы, и внимательно посмотрите: что, кроме человека и стены позади него, находится в кадре? — Сделайте такой кадр длиной секунд в десять. Пусть человек сидит на стуле и недоумевает: — А чего говорить-то? Зачем все это? Дай я хоть причешусь, что ли? — Ни в коем случае! — отвечаете вы. — Посиди, пожалуйста, неподвижно, пока я тут… Оставьте камеру на штативе и «вычистите фон». Сделайте так, чтобы в кадре остался только человек на фоне стены, с небольшим куском пола под ногами. Запишите секунд десять такой картинки. — Ну и долго мне еще так сидеть? — уже возмущается ваш подопечный. Извинитесь и отпустите его, а сами просмотрите, что у вас получилось. — В первом кадре «реквизит» — мебель или ее фрагменты, бытовые предметы, окружающие вашего героя, безусловно обозначают место действия («жилая комната») и как бы создают для него естественную «среду обитания». Во втором кадре человек, насильственно лишенный такого антуража, сидит в кадре, «как голый». Однако просмотрите эти два кадра еще раз и внимательно вслушайтесь в слова, которые говорит ваш герой. Не правда ли, в «пустом» кадре, на фоне гладкой стены его слова как бы более осмысленны, его речь «звучит» более явственно? — Ведь в этом кадре уже ничто не мешает вам, зрителю, сосредоточиться именно на нем, герое, и на том, что он говорит. В первом же кадре, «с мебелью», ваш герой «тонет» в окружающих его вещах, то есть, говоря точнее, по смыслу кадра, эти вещи неправильно взаимодействуют с вашим героем, они в кадре не нужны, потому что они не являются даже второстепенными героями кадра. Теперь, если у вашего подопечного еще осталась капля терпения, дайте ему в руки лист бумаги и усадите его в прежней позе в «пустой кадр». Запишите еще секунд двадцать. — Ну, а с этой бумагой что делать? — спрашивает он и вертит листок в руках. Если вы впоследствии покажете этот кадр любому постороннему человеку, он «расшифрует» его следующим образом: «Человек получил письмо или написал стихи, но стесняется прочитать и довольно естественно притворяется, что на листе ничего не написано». — Вот так «работает» настоящий реквизит, один-единственный элемент реквизита, не появившийся в кадре случайно, а введенный в него нарочно!

КомпозицияОбъект съемки — это «главный герой» кадра, он должен
привлечь внимание зрителя в первую очередь. Как этого
добиться? — Прежде всего зритель должен иметь
возможность как следует его разглядеть, поэтому объект
обязательно должен быть в фокусе и хорошо освещен.
А что делать, если объектов в кадре не один, а несколько? —
Определите для себя, на каком из них ваш взгляд
остановился в первую очередь, именно этот объект и нужно
снимать в качестве «главного героя».

Композиция

Если сместить вазу от центра
кадра, то при рассматривании
такого кадра взгляд зрителя все
равно вернется к центру, но уже с
вопросом: «Может быть,
посередине стола (в центре кадра)
лежит что-то такое, чего я не
заметил?»

Композиция

Какой из кадров вы считаете более удачным?

Пятна

Проведите опыт: отключив «AUTOFOCUS»,
нарочно сделайте картинку не в фокусе, так, чтобы
все изображение превратилось в цветные пятна
разной величины (если видоискатель в вашей
камере цветной). Какое из пятен привлечет ваше
внимание в первую очередь?

Пятна

Если бы изображение было в фокусе, вы бы все равно
обратили внимание на объекты (церковь, автомобиль)
именно в такой последовательности: сначала самый
крупный, а затем ваше внимание мгновенно
переключится на движущийся, красный.
Это свойство зрительного восприятия досталось нам от
далеких предков, когда обратить внимание на крупный
или, тем более, движущийся объект, иногда значило
«быть или не быть».
Вывод: внимание ваших будущих зрителей будут
привлекать в первую очередь крупные, движущиеся,
ярко скрашенные, ярко освещенные объекты.

Обратите внимание: степень зрительного внимания к

цвету объекта точно соответствует нашему восприятию
цветов уличного светофора — прежде всего красный
(агрессия, опасность), затем желтый (нейтральное
внимание) и, наконец, зеленый (все в порядке), так как
зеленый ассоциируется у человека с естественными
цветами (трава, листва деревьев), а красный —
напротив, с тревожным, опасным (пламя, кровь).

Глубина композиции

Представте картинку: «Скромные полевые цветы
росли на обочине проселочной дороги, которая,
сделав поворот, скрывалась в перелеске, а потом
появлялась снова и тянулась до самого горизонта».

Эта неуклюжая импровизация описывает распределение

зрительного внимания к объектам в зависимости от их
удаленности от наблюдателя (камеры):
сначала цветочки (первый план глубины),
затем — обочина дороги (второй план),
поворот дороги (третий),
далее — перелесок (четвертый) и, наконец,
та часть дороги, что «тянется до самого горизонта» (пятый).
Соответственно этой зависимости вам и придется
компоновать кадры при съемке:
самый главный объект — ближе всего к камере,
второстепенные — подальше,
а остальные, малозначительные будут играть роль фона на
дальних планах.

Бывает так, что именно дальний план, то есть фон, играет в кадре

главную роль. Если переместить крупный предмет подальше от
центра кадра и, может быть, чуть-чуть убрать с него резкость.
Такая композиция стопроцентно заставит зрителя воспринимать
содержание кадра в последовательности:
закат — блик — бокал, а не наоборот.
Общее правило: Чем сложнее композиция кадра, тем
большее время нужно человеку для его полноценного
восприятия.

Какие кадры смотрятся более выгодно?

Наиболее удачны те кадры те, в которых глубина кадра «подчеркнута», как бы
осязаема, то есть передний план связан с задним. Например: гоночная машина
стремительно приближается к финишу трассы или мальчик целится из духового
ружья в консервную банку, надетую на колышек изгороди — очевидно, что такие
кадры очень невыгодно «смотрятся», если их снимать сбоку, «в профиль».
Если же вы расположитесь на обочине гоночной трассы или рядом с консервной
банкой, кадр получится весьма эффектный.
Если же вы встанете так, чтобы дом был виден «с угла», в кадре он приобретет
объемность, и вы заполните пространство между ближним планом (ближний к вам
угол дома) и дальним (крыльцо). С точки зрения геометрии взаимное расположение
объектов ближнего и дальнего планов подчиняется закону линейной перспективы.
Поэтому всякий раз, снимая кадр с объектами, по-разному удаленными от камеры,
мысленно накладывайте на картинку линии перспективы, лучиками расходящиеся из
центра перспективы. Правда, я посоветовал бы еще раз поменять точку съемки и
встать так, чтобы ближе было крыльцо, а угол дома дальше.
«Нет плана — ищи ракурс!»
Если вы поставите камеру на землю, приподнимите
объектив, чтобы не ложиться рядом с камерой, а просто
нагнуться, и загляните в видоискатель: и машина, и
башня удивительным образом «впишутся» в кадр, и это
будет кадр, снятый «с нижнего ракурса».
«характер» картинки при этом ракурсе изменился: как внушительно выглядит
ваш автомобиль! А вот несколько уменьшить значительность объекта,
«унизить» его, можно, сделав кадр «с верхнего ракурса», когда камера в
прямом смысле слова «смотрит свысока».
Крупность планов
Дальний план или «ДЛН»,
Это когда человек виден целиком, как пишут в киносценариях — это крошечная
человеческая фигурка на необъятной пустынной равнине (обычно этот план так
и используется).
Крупность планов
Общий план или «ОБЩ»
Общий план или «ОБЩ» — Объект «с головы до пят. Фигура человека
полностью.
Воздух. Определить, сколько его нужно, довольно сложно, потому что это зависит от
фона, на котором находится Объект: чем интереснее, чем значительней фон, тем
больше «воздуха» можно оставить. Однако можно дать примерную величину этого
параметра в зависимости от крупности плана: «ОБЩ» — «воздух» равен высоте
«голова + шея Объекта»
Крупность планов
Средний план. Обозначается СРД-2
Их два: «по бедра» и «по пояс». План «по бедра» или «голливудский»:
нижний край кадра находится на уровне самой широкой части бедер.
«воздух» равен высоте: от верхней границы
головы до подбородка на «голливудском» («по
бедра»)
Крупность планов
Средний план. Обозначается СРД-1
«Поясной план», где нижний край кадра проходит на высоте брючного
ремня, — стандарт для съемки или по грудь.
«воздух» равен высоте: от бровей до подбородка
Крупность планов
Крупный план или «КРП»
Обратите внимание: на плане глаза всегда должны находиться «на линии
горизонта». Исключение составляют кадры, снятые с верхнего или нижнего
ракурса.
«КРП» — «воздух» равен высоте от линии бровей до
верхней границы головы Объекта; «КРП» (только лицо)
— «воздуха» совсем чуть-чуть.
Крупность планов
Деталь.
Одна из отличных возможностей акцентировать внимание зрителя
на «мелкое» действие Объекта или на его внутреннее,
«психологическое» состояние.
«ДЕТАЛЬ» — никакого «воздуха» нет. Если у вас в кадре несколько объектов,
«воздух» выбирается по наиболее крупному из них. Но не только сверху — и
слева, и справа от Объекта в кадре тоже остается свободное пространство, тоже
своего рода «воздух».
Человек в кадре Домашняя работа
Снять общий план
Средний план
Поколенный план
Крупный план
Деталь
Снять человека в кадре
Восьмерку
Урок 3. Грамота фотокомпозиции и съемки. Основа операторского фотомастерства: умение видеть и выбирать.
Методическая разработка учителя ИЗО высшей категории МБОУ «Средняя школа № 50» г. Ульяновска
Жалеевой Е.В.

Цель:
Освоение элементарных азов съёмочного процесса: изучение фото- и видеокамеры, выбор режима съёмки.

Задачи:
Знать специфику фотоизображения и технологию процессов его получения.
Познакомиться с основными правилами фотокомпозиции и съемки.

Личностные результаты
Развитие эстетического сознания через освоение художественного наследия народов России и мира, творческой деятельности эстетического характера;
Формирование ответственного отношения к учению, готовности и способности обучающихся к саморазвитию и самообразованию на основе мотивации к обучению и познанию;

Метапредметные результаты
Умение самостоятельно определять цели своего обучения, ставить и формулировать для себя новые задачи в учёбе и познавательной деятельности, развивать мотивы и интересы своей познавательной деятельности;
Умение соотносить свои действия с планируемыми результатами, осуществлять контроль своей деятельности в процессе достижения результата, определять способы действий в рамках предложенных условий и требований, корректировать свои действия в соответствии с изменяющейся ситуацией;
Умение оценивать правильность выполнения учебной задачи, собственные возможности ее решения.

Предметные результаты
Приобретение опыта работы в специфических формах художественной деятельности, в том числе базирующихся на ИКТ (цифровая фотография, видеозапись, компьютерная графика, мультипликация и анимация).

Проверка домашнего задания
Фоторассказ о себе.
Кому адресован?
Донесен ли смысл?
Какой группе людей он интересен?

Актуализация:
К какому виду искусства относится фотография?
Чем близки эти виды изобразительного искусства?
Можно ли всех фотографов назвать художниками?
Какие жанры есть в изобразительном искусстве?
Есть ли эти жанры в фотографии?

Композиция в живописи
Что такое композиция?
Композиция в живописи — это такое расположение элементов изображения на картинной плоскости, которое позволяет с наибольшей полнотой и силой выразить замысел. В любой картине художник стремится построить композицию, показав объект в наиболее выразительной форме. Все лишнее отбрасывается, оставляется только то, что необходимо, второстепенное подчиняется главному. Действуют все элементы композиционного построения, самые разнообразные изобразительные средства. Все влияет на силу эмоционального воздействия картины. Размер картины зависит от ее содержания.
Удачная композиция получается в том случае, когда у зрителя не возникает желания раздвинуть или уменьшить края холста, изменить его масштабность.

Композиция – что общего?
Как вы думаете, есть ли сходство в композиционном решении для картины и фотографии?

Повторение: формат и размер холста
Круглый формат холста придает картине спокойную завершенность.
Овальный портрет хорошо сочетается с округлостью лица и придает изображаемому человеку мягкость и женственность.

Вытянутый вверх прямоугольный формат повышает монументальное впечатление от изображения.
Чрезмерно вытянутый по горизонтали прямоугольный холст сковывает и принижает изображаемый объект.

Точка зрения в композиции
Где предметы натюрморта скомпонованы удачнее

Точка и угол зрения
Какой пейзаж выглядит предпочтительнее на картинках

Композиционный центр
В картине все должно быть подчинено выражению основной мысли, идеи. Цельность композиции зависит от подчиненности второстепенного главному, увязки всего изображения в единый организм произведения. Каждая деталь должна что-то добавлять для развития замысла. Второстепенное, малозначительное в композиции не должно бросаться в глаза, должен быть выделен основной объект.

Равновесие
На каком рисунке
На каком рисунке достигнуто равновесие?

Контраст
В картине Сурикова «Меншиков в Березове»
композиционный контраст составляют огромная фигура Меншикова
и низкий потолок избы,
благодаря чему создается впечатление,
что неукротимой фигуре Меншикова в этой комнате тесно,
как в клетке. В картине контрастируют между собой и одежды
сестер: расшитая золотом шубка Александры и черное одеяние
Марии дают почувствовать различие их характеров.

Ритм в композиции
В живописи ритм проявляется в повторении отдельных элементов изображения:
в чередовании масштабных соотношений,
в расположении световых и цветовых пятен,
в динамике жестов, движений и т. д.
Ритмичные построения осуществляются как на самой плоскости картины, так и в расположении объектов в пространстве. Ритм всегда связан с содержанием картины и подчинен выражению идеи. Ритм помогает зрителю акцентировать внимание на важных моментах и настраивает его на определенный лад, усиливает выразительность изображения.

Роль цвета в композиции
Восприятие цвета неразрывно связано с восприятием объекта изображения.
Как гармония звуков в поэзии неотделима от смысла и содержания, так и эстетическое воздействие красок, их гармония и красота неотрывны от изображаемых вещей и их свойств.
Колорит в живописи — это результат познания художником в действительности цветового богатства природы.

Новый материал
Предлагаю ученикам найти в интернете 10 правил композиции в кадре и выписать их рядом с
требованиями к композиции в изобразительном искусстве.
Затем обобщаем информацию.

Требования к композиции в живописи и в фотографии
формат и размер;
точка и угол зрения;
композиционный центр;
золотое сечение;
равновесие;
контраст;
ритм:
цвет.
к онтраст ;
р азмещение ;
р авновесие ;
з олотое сечение ;
д иагонали ;
ф ормат ;
т очка съемки ;
н аправление ;
ц ветовое пятно ;
д вижение в кадре .

1. Контраст . В кадре должен быть контраст:
Более светлый предмет снимают на тёмном фоне, а тёмный на светлом.
Не фотографировать людей на жёлтом или коричневом фоне, цвет фото будет неестественным. Не снимайте людей на пёстром фоне, такой фон отвлекает внимание зрителя от модели.

2. Размещение . Важные элементы сюжета не должны быть хаотично размещены. Лучше, чтобы они образовывали простые геометрические фигуры .

3. Равновесие . Объекты, расположенные в разных частях кадра, должны соответствовать друг другу по объему, размеру и тону.

Было известно ещё в древнем Египте, его свойства изучали Евклид и Леонардо да Винчи. Самое простое описание золотого сечения: лучшая точка для расположения объекта съемки — примерно 1/3 от горизонтальной или вертикальной границы кадра. Расположение важных объектов в этих зрительных точках выглядит естественно и притягивает внимание зрителя.

5. Диагонали . Один из самых эффективных композиционных приемов — это диагональная композиция. Суть её очень проста: основные объекты кадра мы располагаем по диагонали кадра. Например, от верхнего левого угла кадра к правому нижнему.
Этот приём хорош тем, что такая композиция непрерывно ведет взгляд зрителя через всю фотографию.

6. Формат .
Если в кадре преобладают вертикальные объекты — снимайте вертикальные кадры.
Если фотографируете пейзаж — снимайте горизонтальные кадры.

7. Точка съемки . Выбор точки съемки прямым образом влияет на эмоциональное восприятие снимка.

8. Направление . Наш мозг привык читать слева направо, так же мы оцениваем и снимок. Поэтому смысловой центр лучше располагать в правой части кадра. Таким образом взгляд и объект съёмки как бы движутся навстречу друг другу. Всегда учитывайте этот момент.

9. Цветовое пятно . Если в одной части кадра присутствует пятно цвета, то в другой должно быть что-то, что привлечет внимание зрителя. Это может быть другим цветовым пятном или, например, действием в кадре.

10. Движение в кадре . Снимая движущийся объект (автомобиль, велосипедиста), всегда оставляйте свободное пространство впереди объекта. Проще говоря, располагайте объект так, как будто он только «вошёл» в кадр, а не «выходит» из него.

Советы опытного фотографа
Запомним несколько простых правил:
Для портрета лучшая точка на уровне глаз.
Для портрета в полный рост — на уровне пояса.
Старайтесь располагать кадр так, чтобы линия горизонта не разделяла фотографию пополам. Иначе зрителю будет сложно сфокусировать внимание на объектах в кадре.
Держите камеру на уровне объекта съемки, иначе вы рискуете получить искажённые пропорции. Объект, снятый сверху, кажется меньше, чем есть на самом деле. Так, снимая человека с верхней точки, на фотографии вы получите человека маленького роста. Фотографируя детей или животных, опуститесь до уровня их глаз.

Рефлексия
Вывод: требования к композиции в изобразительном искусстве и фотографии одинаковы, что еще раз доказывает: фотография – вид изобразительного искусства. Отличие в том, что в живописи используют краски, в фотографии — светопись

Практическая работа
Скомпонуйте из школьных предметов натюрморт.
Сделайте фотографию.
Объясните выбор формата, точку и угол зрения, цветовое решение.
Кому адресован снимок?
Будут ли его рассматривать и как долго?

Домашнее задание
Сделайте фотографии домашних животных, учитывая советы опытного фотографа.

Источник информации
https://fototips.ru/category/praktika/
Предварительный просмотр:
https://accounts.google.com

Подписи к слайдам:
Предварительный просмотр:
Чтобы пользоваться предварительным просмотром презентаций создайте себе аккаунт (учетную запись) Google и войдите в него: https://accounts.google.com

Подписи к слайдам:
Термин «фотография» происходит от греческих слов фото – свет и графо – пишу. Таким образом, фотография в переводе на русский язык дословно означает светопись. В современном широком смысле фотография – это регистрация изображения на специальном материале (бумаге, пленке, пластинке). История фотографии
Х век Самую первую камеру-обскуру создал арабский физик и математик Альхазен
1769 год Камера – обскура: светонепроницаемый ящик с зеркалом.
1727 год Иоганн Шульц внедрил в процесс фотографирования соли серебра, реагирующие на свет.
1826 год Жозеф Нисефор Ньепс Первый в мире гелиографический снимок Ньепса, сделанный с натуры в 1826 году. Вид из окна его мастерской.
1835 год Уильям Генри Фокс Тальбот изобрел способ получения негативного фотографического изображения
1839 год Россия Юлий Федорович Фрицше Фотограммы листьев растений, выполненные по способу Тальбота.
Предварительный просмотр:
Чтобы пользоваться предварительным просмотром презентаций создайте себе аккаунт (учетную запись) Google и войдите в него: https://accounts.google.com

Подписи к слайдам:
История фотографии
Фотогра́фия (фр. photographie от др.-греч. φως / φωτος — свет и γρ αφω — пишу; светопись — техника рисования светом) — получение и сохранение статичного изображения на светочувствительном материале (фотоплёнке или фотографической матрице) при помощи фотокамеры.
В более широком смысле, фотография — это искусство получения фотоснимков, где основной творческий процесс заключается в поиске и выборе композиции, освещения и момента (или моментов) фотоснимка. Такой выбор определяется умением и навыком фотографа, а также его личными предпочтениями и вкусом, что характерно для любого вида искусства.
Изображения с помощью отражённого от предметов видимого света получали ещё в глубокой древности и использовали для живописных и технических работ. Метод, названный позже ортоскопической фотографией, не требует серьёзных оптических приспособлений. В те времена использовались лишь малые отверстия и, иногда, щели. Проектировались изображения на противоположные от этих отверстий поверхности.
Далее метод был усовершенствован с помощью оптических приборов, помещаемых на место отверстия. Это послужило основой для создания камеры, ограничивающей получаемое изображение от засветки не несущим изображение светом. Камера была названа обскурой, изображение проецировалось на её заднюю матовую стенку и перерисовывалось по контуру художником. После изобретения методов химической фиксации изображения, камера-обскура стала конструктивным прообразом фотографического аппарата. Название «фотография» было выбрано как наиболее благозвучное из нескольких вариантов во Французской академии в 1839 году.
Предварительный просмотр:
Чтобы пользоваться предварительным просмотром презентаций создайте себе аккаунт (учетную запись) Google и войдите в него: https://accounts.google.com

Подписи к слайдам:
История фотографии (продолжение)
Поэтому первой в истории фотографией считается снимок «вид из окна», полученный Ньепсом в 1826 году с помощью камеры-обскуры на оловянной пластинке, покрытой тонким слоем асфальта. Экспозиция длилась восемь часов при ярком солнечном свете. Достоинством метода Ньепса было то, что изображение получалось рельефным (после протравливания асфальта), и его легко можно было размножить в любом числе экземпляров.
В 1839 году француз Луи́-Жак Манде́ Даге́р (Jacques Daguerre) опубликовал способ получения изображения на медной пластине, покрытой серебром. После тридцатиминутного экспонирования Дагер перенёс пластину в тёмную комнату и какое-то время держал её над парами нагретой ртути. В качестве закрепителя изображения Дагер использовал поваренную соль. Снимок получился довольно высокого качества — хорошо проработанные детали как в света́х, так и в тенях, однако, копирование снимка было невозможно. Свой способ получения фотографического изображения Дагер назвал дагеротипия. Оригинальная камера Дагера, сделанная Альфонсом Жиру, ее размеры — 12х14,5х20 дюймов. Надпись на бирке «Аппарат не имеет гарантии, если на нем нет подписи г-на Дагера и печати г-на Жиру.
Практически в то же самое время англичанин Уильям Генри Фокс Тальбот изобрёл способ получения негативного фотографического изображения, который назвал калотипией. В качестве носителя изображения Тальбот использовал бумагу, пропитанную хлористым серебром. Эта технология соединяла в себе высокое качество и возможность копирования снимков (позитивы печатались на аналогичной бумаге).
Набор фотографа, весивший от 70 до 120 фунтов, необходимый для мокроколлодионной фотографии.
Камера для визитных карточек, запатентованная Адольфом- Эженом Диздери в 1854 году. Делались восемь экспозиций на пластине размером 6,5 на 8,5 дюймов. Отпечаток затем разрезался и наклеивался на карточки размером визитной карточки — 4 на 2,5 дюймов.
Лошадь в движении. 1878 год. Фотографии с мокрых пластин. Первые успешные фотографии движущейся лошади по дорожке Пало Алто, Сан-Франциско, 19 июня 1878 года. Экспозиция каждого негатива составляла меньше 1/2000 секунды. Использовались 12 камер подобных камере снизу.
Истмэн в 1888 году разработал превосходную для того времени любительскую камеру и породил слово, которое с тех пор стало синонимом слова «камера» — «кодак». Камера «Кодак» была небольшим ящиком (отсюда и название «детективная камера»), немногим более 6 дюймов в длину, 3,5 дюйма в ширину и менее 4 дюймов в высоту. С ней мог работать каждый, кто, как было написано в инструкции, способен: 1. Направить камеру. 2. Нажать на кнопку. 3. Повернуть ключ. 4. Дернуть шнур.
Цветная фотография появилась в середине XIX века. Первый устойчивый цветной фотоснимок был сделан в 1861 году Джеймсом Максвеллом по методу трехцветной фотографии (метод цветоделения). Для получения цветного снимка по этому использовались три фотокамеры с установленными на них цветными светофильтрами (красным, зелёным и синим). Получившиеся снимки позволяли воссоздать при проекции (а позднее, и в печати) цветное изображение.
13 декабря 1902 года Прокудин-Горский впервые объявил о создании цветных диапозитивов по методу трёхцветной фотографии
Стено́п (от фр. Sténopé) — фотографический аппарат без объектива, роль которого выполняет малое отверстие. Стеноп используется для получения ландшафтных снимков с мягким изображением, чем- то похожим на изображение во время сна.

Главная — Школа №619
Добро пожаловать
Школа 619 — ты перекресток надежд, место, где встречаются настоящее, прошлое, будущее.
Школа 619 – ты привычно держишь руку на пульсе времени, смотришь вперед.
Школа 619 — вот уже 20 лет ты учишь и учишься, экспериментируешь и ошибаешься, потому что ты — одна из первых в стране, пошла по пути развития инновационного образовательного поведения.
Сегодня Школа №619 Калининского района Санкт-Петербурга – лидер образования, интерактивная площадка, куда съезжаются для обмена опытом взрослые и дети из разных регионов России и других стран. Одно из самых ценных и значимых событий недавнего времени — заключение договора о сотрудничестве с ереванской школой №8 им. А. С Пушкина, с которого началась теплая и крепкая дружба двух школ. Для нас это страничка новой истории.
Один из слоганов школы, родившийся 20 лет назад – «Дети и взрослые, объединяйтесь!» — сегодня стал общим направлением движения: дети и взрослые вместе обсуждают вопросы совершенствования системы образования, вместе совершают научные открытия, вместе творят и выходят на сцену, – вместе идут к общему успеху!
В области образования грядут глобальные изменения. Ученые утверждают: чтобы добиться реального успеха, нужно развивать в себе те способности, которые недоступны искусственному интеллекту, — креативность, воображение, инициативу, лидерские качества.
Школа № 619 делает ставку на развитие личности ребенка и его лидерских качеств. Здесь ребенок с первых дней ученичества пробует свои силы в разных видах творческой, научной, спортивной и общественной деятельности. В школе создано пространство, в котором ученику предоставлены все возможности для раскрытия своей индивидуальности.
Собственная научно-практическая конференция «Многогранная Россия» и STA-лаборатория, проект «Абитуриент», лидерское движение, Малые Олимпийские игры, студии танца и вокала, легоконструирование и робототехника, детский театр, студия КВН и школьное ТВ, многообразие спортивных секций и собственный литературно-художественный журнал, обучение с оздоровлением, поддержка одаренных учащихся, творческие выезды во время каникул – вот он, настоящий праздник интеллекта, творчества, здоровья, воображения.
Школа 619 – ты как оркестр, где каждый музыкант, инструмент ведет свою партию, а в целом – рождается искусство. Ведь только тогда, когда школа поднимается от ремесла до искусства, она способна дать достойное образование и воспитание.
Film 101: Кто оператор-постановщик и оператор-постановщик — это то же самое, что и оператор? — 2021
Думай как профессионал
Джеймс учит, как создавать персонажей, писать диалоги и заставлять читателей перелистывать страницы.
View Class
Мартин Скорсезе и Фредди Фрэнсис
Сотрудничество Мартина Скорсезе с кинематографистом Фредди Фрэнсисом над фильмом Cape Fear (1991) оказало большое влияние на режиссера. У Фрэнсиса был набор из пяти анаморфных линз, которые он использовал в таких фильмах, как Невинные (1961).В этом фильме актриса Дебора Керр ходит по залам викторианского особняка в темной одежде, но все в широком кадре четко сфокусировано. Мартин спросил Фредди Фрэнсиса, как ему удалось добиться этого эффекта, и тот ответил, что снимал его при f / 11 (наименьшая диафрагма в камере), что требовало большого количества света. Только когда они вместе работали над фильмом Cape Fear , Мартин полностью осознал причину, по которой так много света залило декорации старых фильмов, снятых в Голливуде.
Фредди Фрэнсис также показал Мартину, что небольшие изменения в кадрировании могут иметь большое значение. В эпизоде Cape Fear есть кадр, на котором Ник Нолти смотрит через окно на Джессику Лэнг, которую терроризирует Роберт Де Ниро. Мартин и Фредди Фрэнсис сфотографировали два глаза Нолти, но Мартин остался недоволен. Режиссер решил показать только один глаз, что полностью изменило кадр, в результате получилось потустороннее, загадочное изображение. Узнайте больше здесь.
Спайк Ли и Эрнест Дикерсон
Философия Спайка о пленке как движении имеет смысл, учитывая, что некоторые приемы камеры, которые он использовал и оператор Эрнест Дикерсон, стали визитной карточкой.Когда Спайк стрелял в Малькольма Икса, вдова убитого лидера рассказала, что ее муж подозревал, что во время выступления в бальном зале Одюбона на его жизнь будет совершено покушение. Чтобы передать эмоции, которые Малкольм мог испытать в тот момент, Дикерсон предложил снимок с двойной тележки, в котором Дензел сидит на тележке и его тянут, создавая иллюзию того, что Малькольм глубоко задумался, движется в пространстве и времени как мир … и, возможно, его смертность — проходит мимо него. Подобные рискованные приемы придают режиссеру стиль и отличия.Узнайте больше здесь.
Мира Наир и Деклан Куинн
Когда Мира находит великого кинематографиста, она стремится остаться с ними. Она работала с операционным директором Декланом Куинном над шестью различными проектами, включая Monsoon Wedding . Кинематографисты тесно сотрудничают в создании фильмов Миры, рано присоединились к команде и помогают формировать и развивать ее видение. Они должны обладать осознанием, утешением и даже любовью к другим мирам и относиться к своему обрамлению этих миров со священностью и поэзией.
Деклан Куинн снял весь фильм « Monsoon Wedding » с помощью ручной камеры, и действие было заблокировано, так как актеры знали, что камера может приземлиться на них в любой момент. Деклан и Мира сошлись во мнении, что для этого фильма «наладонник» не означал бы зазубрины или головокружения. Скорее, стиль был бы плавным, и камера исследовала бы связи между персонажами почти так, как если бы она была наблюдателем за действием. Например, во время сцены, когда вся семья позирует для группового фото, камера подсознательно связывает двух персонажей вместе.Риа, которую ничего не подозревающий свадебный фотограф попросил сесть у ног ее обидчика, смотрит на дядю, который должен был ее защищать. Выражение боли на лице Рии и движение ее глаз к дяде выдают мощный подтекст, который не был ни написан, ни озвучен ни одним персонажем. И все же аудитория замечает эту динамику,
, благодаря тонким движениям камеры. Узнайте больше здесь.
Кинематография: от кадра к фильму — Фотографии и интервью с Рышардом Ленчевски
Примечание: это интервью было первоначально опубликовано LensCulture в 2014 году, и вдохновение, выраженное в разговоре, не подвластно времени.
Польский кинематографист Рышард Ленчевский давно и успешная карьера в кино: за четыре десятилетия он снял почти 100 фильмов в 32 странах мира. Он был номинирован и завоевал награды не только в Польша, но также в Соединенном Королевстве и Соединенных Штатах.
Но прежде чем он начал работать в кино, Ленчевский хотел быть фотограф. Выучив основы фотолаборатории во время работы в типографии. дом, он начал снимать самостоятельно.Вскоре он стал выигрывать местную фотографию. соревнования и мечтает о карьере в этой сфере. Но в коммунистической Польше в то время карьера фотографа была невозможна — не было журналов, рекламы, моды. Он определил, что лучший способ получить за фотоаппаратом и снимать образы должен был стать кинематографистом.
Ленчевский никогда не отказывался от своих корней. Он продолжает фотографировать по сей день и чувствует, что фотоснимки являются неотъемлемой частью его упражняться.Приведенные выше кадры были взяты как подготовительные наброски для его последнего, отмеченная наградами работа над фильмом Ида. Александр Стрекер из LensCulture обратился к Lenczewski по телефону, чтобы узнать больше о его визуальном подходе.

LC: Вы описываете, как фотографируете для вас как «зарисовка» — способ помочь вам подготовить кинематографические кадры. Это стандартная практика среди кинематографистов? Как до сих пор фотография стала такой важной частью вашего профессионального метода?
РЛ: Во время одного из моих первых фильмов в качестве оператора я работал с непростым режиссером.У нас были проблемы с общением, особенно по поводу того, как должен выглядеть фильм. Я знал, что он был очень точен, и нам не хватало слов. Итак, я откопал свою старую камеру, Praktica, и начал исследовать места самостоятельно. Как только я показал ему отпечатки, нам стало проще и проще общаться. В конце концов, кадры стали для нас раскадровкой и задали тон всему фильму.
Фотосъемка не только дает мне возможность общаться с режиссерами в простой визуальной манере, но и дает мне большую независимость.Фильмы — это очень совместный проект, но когда я ищу места, я могу идти сам и делать фотографии, когда мне заблагорассудится.
LC: У Иды очень отличный визуальный стиль. Во-первых, он был черно-белым. Как было принято это решение?

Учитывая, что действие фильма происходит в 60-е годы, в то время, когда все в Польше казалось черно-белым, было естественно, что внешний вид фильма соответствовал эпохе. Перед началом съемок у меня была возможность неоднократно разговаривать с режиссером Павлом Павликовским.Посмотрев вместе старые фильмы из разных стран, мы начали формировать видение того, как будет сниматься Ida .
Конечно, ничего не прояснилось, пока я не начал снимать фотографии. Раньше мы ехали по сельской местности, и я сказал: «Стой, стой, вот и все!» Я вышел из машины и сфотографировал панораму. Это стало первым впечатлением от фильма и задало тон нашему восприятию фильма. По мере того, как я фотографировал больше, я обнаружил одиночество, грусть, ностальгию — другими словами, я нашел эстетику и чувство всего фильма.
В итоге я сделал около 3000 фотографий. Это стало основой для раскадровки фильма, для разделения сцен. В каждом фильме сценарий играет большую роль в определении темпа и структуры фильма. В этом случае фотографии были не менее важны, чем строительные блоки.
На самом деле, когда мы выиграли «Золотую лягушку» [ главный приз ] на Международном кинофестивале искусства кинематографии, занявший второе место пожаловался, что это было несправедливо: мы не снимали фильм, у нас был только сделал еще фотографии.
LC: Действительно, ваша кинематография кажется такой фотографической — повлияли ли на вас какие-либо фотографы?

Большая часть кинематографии связана с освещением, поэтому, конечно же, я ищу вдохновения в фотографии! В 1970-х, когда я учился в киношколе, был французский фотограф с польскими корнями по имени Жанлу Сьефф. Многие из его фотографий были сняты на улице в пасмурные дни. Он также предпочитал позднюю осень и раннюю весну, когда деревья были почти полностью бесплодны.Когда он стрелял внутрь, он использовал только один источник света. Его работа стала нашим источником вдохновения для освещения Ida .
Ирвинг Пенн всегда оказывал большое влияние. Некоторые визуальные впечатления от его фотографий остались со мной по сей день: форма, изгиб, темные символы впереди со светлыми фоны. Я всегда имею в виду такие образы, когда работаю над освещением; Я всегда очень хорошо осознаю связь в свете между главным героем и фоном.
Наконец, Картье-Брессон — мой хозяин.Он умел ловить обычные моменты, находя в них что-то метафизическое. В моем доме есть темная комната. В темной комнате висит плакат с изображением парня, перепрыгивающего через кусок дерева. У меня был этот плакат много лет — мне пришлось купить его в Бельгии и привезти обратно в Польшу в коммунистическую эпоху.
LC: Как вы относитесь к пленке и цифровым технологиям как в кино, так и в фотографии?

Я снимаю на небольшую цифровую камеру Rx-100.Мне нужна моя камера, чтобы ее было легко взять с собой в дорогу. Что касается съемок, думаю, я закончил с кинопленкой лет десять назад. Например, с Ida у нас изначально была идея снимать цифровым способом, а затем переносить на пленку. Когда я посмотрел на цифровой отпечаток, он выглядел идеально — не было смысла передавать. И учитывая согласованность цифровой проекции по сравнению с и согласованностью пленочных проекторов, это действительно кажется легкой задачей.
Больше всего меня беспокоит цифровой композитинг.В этом случае вы действительно начинаете удалять актеров из реального мира. Я надеюсь, что цифровой композитинг можно будет использовать осторожно и осторожно. Но, в конце концов, ничего страшного — кисти у нас новые, но мы все еще художники.
—Рышард Ленчевски, интервью с Александром Стрекером

Примечание редактора: просмотрите трейлер фильма, а затем посмотрите фильм. Красиво, трогательно, очень рекомендуется.

Кинематография — движущиеся картинки
Фотография — это искусство закрепления изображения в прочной форме с помощью химического или цифрового процесса.Это требует детальных научных знаний о том, как свет отражается от живой окружающей среды и как этот свет реагирует на различные светочувствительные среды. Это также требует тонкого понимания цветовой температуры и взаимодействия света и тени. И чуткость художника к композиции, расположению объектов и настройке в кадре камеры для достижения баланса и визуального интереса. Не говоря уже о глубоком техническом понимании необходимого оборудования, камер, форматов, объективов и их особенностей.И это помогает, если вы знаете, как рассказать историю одним изображением, застывшим во времени. В конце концов, картинка стоит тысячи слов.
Теперь делайте это как минимум 24 раза в секунду. Это кинотеатр тография .
Захват движущегося изображения. Для многих киноманов и даже просто случайных зрителей это то, для чего мы являемся. Но я ждал пять глав, чтобы обсудить это, потому что важно понимать, что кинематография — хотя она часто может быть самой популярной — это только одна часть того, как работает кино.Без сложной мизансцены и повествования, которому нужно следовать, это просто набор бессмысленных образов. Не говоря уже о важности редактирования, звука и производительности. Сложите все это вместе, и кинематограф станет якорем для гораздо более масштабного кинематографического опыта.
За все это отвечает оператор , иногда известный как оператор-постановщик (DP) . Их работа состоит в том, чтобы воплотить видение режиссера в удобные кадры, используя все перечисленные выше фотографические навыки, и только после принятия ряда важных решений, которые мы рассмотрим ниже.Это одна из самых технических профессий в кино, требующая столько же науки, сколько и искусства:

И точно так же, как художник-постановщик наблюдает за целой командой мастеров, помогающих полностью реализовать мизансцену, оператор также полагается на большую команду, известную как отдел камеры . В отдел камеры входит оператор , оператор , человек, который непосредственно управляет камерой. Знаю, похоже, таким и должен быть оператор.И это часто бывает. Но в больших постановках, где у вас есть несколько камер или очень сложные кадры, оператор может находиться только в одном месте одновременно. Также есть 1-я камера-помощник (1st AC) , которая отвечает за компоненты камеры, замену объективов и, что наиболее важно, поддерживает фокусировку камеры. Хотя эту последнюю работу иногда поручают другому преданному члену команды, съемнику фокуса . Затем у вас есть 2-я камера-помощник (2-й AC) , которая помогает 1-му AC и часто управляет slate или clapper (подробнее об этом позже).
Относительно новым членом отдела фотоаппаратов стал специалист по цифровой визуализации (DIT) . С развитием цифровой кинематографии, вместо специального лица, ответственного за загрузку пленки в камеру (известного как загрузчик пленки , так творчески подходя к названиям), теперь у нас есть человек, несущий единоличную ответственность за организацию цифровых файлов, выходящих из камеры. камера. И это может включать контроль качества и цветокоррекцию во время съемки.
Помимо специального отдела камеры, оператор также курирует отдел освещения , а также отдел рукоятки , также известный как рукоятка и электрическая .Отдел освещения отвечает за все источники света, необходимые для съемки сцены. Как должно быть очевидно, для освещения требуется электричество. А электричество может быть опасным. Особенно, когда у вас есть 100 человек экипажа, которые бегают вокруг, пытаясь выстрелить до обеда. Итак, начальник отдела освещения — квалифицированный электрик, известный как gaffer . У гафера также есть первый помощник, которого называют лучшим мальчиком . (Я знаю, не очень нейтрально в гендерном отношении. Если «лучший мальчик» — женщина, их можно назвать лучшим малышом , что еще хуже.) А потом целая бригада из электриков , которые несут ответственность за установку света там, где им велит сторож. Захваты предназначены для перемещения всего остального, а не свет. Это включает в себя осветительные стойки, флаги, отбойники, даже краны, тележки и саму камеру. Начальник отдела рукоятки key grip , и одна из их самых важных задач — безопасность на съемочной площадке. С таким количеством буквально движущихся частей очень легко кого-то поранить.
Это множество людей, за которыми нужно следить для одного оператора, но, к счастью, существует жестко контролируемая иерархия, и все они знают свое дело. Простая команда оператора: «Отключите эти 10 тысяч, мы идем на широкую ногу» — может показаться тарабарщиной, но каждый на съемочной площадке точно знает, что делать. На самом деле, есть целый словарный запас, связанный с кинематографом, который используют съемочные группы, чтобы съемки продолжались быстро и эффективно. От ящиков для яблок до дверей сараев с до C-стенды , жаргон может стать совершенно странным.Прищепки — это не прищепки, это C-47 (и да, на съемочной площадке они используют много прищепок), а завтрак — это не утренний прием пищи, это первый прием пищи на съемочной площадке, который может быть в 6 часов утра. часы в вечернее время. И если кто-то находится в ванной, это 10-100 (или 10-200 , в зависимости от обстоятельств), но это определенно , а не «в банке» , а это то, что вы сказать, когда сцена закончена.
Но помимо эзотерического жаргона на съемочной площадке, есть несколько ключевых терминов, которые каждый должен знать.Первый — это снимок , самый основной строительный блок кинематографии. Как упоминалось во второй главе, кадр — это один непрерывный снимок диапазона действия кинокамерой. Готовый фильм состоит из серии этих кадров разной длины, которые в конечном итоге рассказывают историю. Но во время производства каждый кадр может потребоваться повторить несколько (или десятки, или даже сотни) раз, пока все не поймут, что нужно. Каждый раз, когда они повторяют выстрел, это называется дубль .И как только режиссер и оператор почувствуют, что у них есть лучшая версия этого кадра, пора переместить камеру и все, что с ней связано, на новый кадр, иногда просто под другим углом той же сцены. Это называется набором . Новые настройки требуют, чтобы каждый член команды начал действовать, переставляя камеру, свет, декорации и т. Д. Это может занять время. Много времени. И это одна из причин, по которой помощники директора, отвечающие за планирование, сколько времени это займет, думают о графике с точки зрения количества настроек, которые команда может выполнять каждый день.
Очевидно, что съемочная площадка — сложное место, требующее сложной хореографии десятков, если не сотен сотрудников, занятых визуализацией движущегося изображения. Но есть много решений, которые оператор должен принять еще до того, как приедет на съемочную площадку. Эти решения — пленочные или цифровые, черно-белые или цветные, освещение, линзы, кадрирование и движение — все принимаются в сотрудничестве с режиссером и служат повествованию и общей мизансцене. Некоторые из них невероятно технические, некоторые — чисто эстетические, но каждый из них влияет на то, как мы задействуем кинематографический опыт.
Одно из первых решений, которое должен принять кинематографист, — это то, какой носитель он намеревается использовать для записи изображений, физическую пленку или цифровой датчик. Хотя это сугубо техническое решение, это также важный эстетический выбор, который повлияет на общий вид окончательного изображения. Существуют не только различия во внешнем виде пленки и цифровой записи в целом, но также есть тонкие различия в различных запасах пленки и производителях, а также в различных типах цифровых датчиков, которые поставляются с разными системами камер.Давайте рассмотрим каждую по очереди.
Старомодные добрые кинопленки существуют с незапамятных времен, хотя с тех пор он немного изменился. Вначале полоски светочувствительного материала были сделаны из нитрата, легковоспламеняющегося материала, который был не так хорош, когда он проходил через проектор мимо горячей лампы. Это одна из причин, по которой многие ранние фильмы потеряны для истории. Они просто слишком легко сгорели. Сегодня пленка изготавливается из более прочного пластика.И на этом пластике желатиновое покрытие, содержащее тысячи микроскопических зерен светочувствительных кристаллов, называемых галогенидом серебра . Когда свет попадает на эти кристаллы, они темнеют, в зависимости от количества света. (А если это цветная пленка, там будет три отдельных слоя этих кристаллов: синий, красный и зеленый.) Химическая ванна усиливает эту реакцию на свет, создавая негативное изображение, которое затем можно проецировать.
После того, как кинематографист перейдет на этот аналог, химический процесс, ему еще предстоит принять множество решений.Во-первых, они должны выбрать пленку толщиной , то есть размер запаса пленки. Толщина пленки определяется путем измерения от угла к углу отдельных кадров, которые будут подвергаться воздействию света. Стандартная толщина пленки в кино сегодня составляет 35 мм, но размеры варьируются от 8 мм до 70 мм. И каждый размер будет иметь разный вид с более или менее детализированным изображением после увеличения. Они также должны решить, насколько чувствительна пленка к свету. Высокочувствительная или «быстрая» пленка, то есть пленка, которая быстро реагирует на относительно низкие уровни света, содержит относительно крупные кристаллы галогенида серебра (большая площадь поверхности для поглощения света).Преимущество заключается в возможности снимать ночью или в других условиях низкой освещенности. Недостатком является потеря разрешения или детализации изображения, из-за увеличения кристаллов. или гран . Менее чувствительная или «более медленная» пленка дает более четкое изображение (из-за более мелких кристаллов), но требует больше света.
Необходимо принять множество других решений, которые могут повлиять на окончательное изображение — производитель, черно-белое или цветное, процесс проявления — но использование физического носителя пленки позволяет визуализировать изображение, которое, по утверждению многих кинематографистов, выглядит более органично. разницу можно скорее почувствовать, чем увидеть.И за это приходится платить. Кинопленка должна закупаться на ногах, поэтому создатели фильма должны тщательно планировать каждый кадр, чтобы не тратить материал впустую. (Конечно, многие кинематографисты видят в этом « хорошо», «»). Не говоря уже о том, что на самом деле не знаете, что у вас есть, пока не проявите пленку после дня съемки. Или тот факт, что вам нужно собрать окончательную пленку, на самом деле разрезав и склеив физические полосы пленки. Или тот факт, что даже если вы решите снимать на аналоговую кинопленку, большая часть вашей аудитории все равно будет смотреть оцифрованную версию в мультиплексе или на своем телевизоре, ноутбуке или смартфоне.
По этим и многим другим причинам старые добрые пленки несколько вышли из моды в пользу гибкости цифровой кинематографии . Цифровая кинематография во всех отношениях идентична аналоговой кинематографии — такое же базовое оборудование, та же потребность в управлении экспозицией, формировании света, компоновке изображения и т. Д. — с одним важным отличием: свет, проходящий через объектив, попадает на цифровой датчик изображения, а не на него. полоска полиэтиленовой пленки. Этот датчик использует программное обеспечение для анализа и преобразования света, отражающегося от его поверхности, в серию неподвижных изображений (как на пленке), которые записываются во флэш-память или внешний жесткий диск.
Преимущества должны быть очевидны. Прежде всего, практически нет ограничений на объем записи, тем более что хранение цифровых данных становится все дешевле и дешевле. А поскольку датчик управляется программным обеспечением, вы можете регулировать такие параметры, как светочувствительность, одним нажатием кнопки, вместо того, чтобы менять запас пленки.
Но предстоит еще много решений. Так же, как существуют различные толщины пленки, цифровые датчики бывают всех форм и размеров, и каждый производитель камеры создает свои собственные тонкие вариации.И хотя большинство из нас, вероятно, никогда не заметят разницы, кинематографисты очень разборчивы в том, как датчик Canon передает цвет иначе, чем датчик Sony, или красный датчик от датчика Arri.
И еще есть проблема разрешения. Стандарт «высокой четкости» — это изображение размером 1920 на 1080 пикселей, также известное как 1080p («p» означает прогрессивную развертку, поскольку изображение отображается построчно сверху вниз). Пиксели — это наименьшая видимая единица, позволяющая экрану воспроизводить изображение.Считайте их аналогами крошечных кристаллов галогенида серебра в пленке. 1920 на 1080 пикселей — это много деталей, но большая часть цифрового кино сегодня записывается с гораздо более высоким разрешением, по крайней мере, 4096 пикселей на 2160 пикселей, или 4K . И даже это стало обычным и несколько устаревшим. На самом деле, у вас, вероятно, прямо сейчас в кармане есть камера 4K. Это в твоем телефоне. По мере совершенствования технологии мы увидим, что форматы 6K, 8K и 10K станут стандартными. Вся эта информация, упакованная в каждое изображение, отображает невероятное количество деталей (а также занимает много места для хранения).Подробности большинство из нас, откровенно говоря, не сможет увидеть невооруженным глазом.
Но разрешение — не единственный фактор, влияющий на четкость изображения. Кинематографисты также могут управлять частотой кадров для визуализации сверхчетких изображений. На протяжении десятилетий стандартная частота кадров в кино составляла 24 кадра в секунду. Это создает знакомый кинематографический «вид» готового фильма отчасти из-за размытия движения , тонкого размытия, которое возникает между неподвижными изображениями, проходящими со скоростью 24 кадра в секунду.Но пленка, снятая и проецируемая со скоростью 48, 96 или даже 120 кадров в секунду, дает сверхчеткое изображение почти без размытия движения, поскольку наш мозг обрабатывает гораздо больше деталей между каждым отдельным кадром. Честно говоря, это возможно с аналоговой пленкой, но нецелесообразно снимать такой объем пленки с такой высокой скоростью. Цифровая кинематография дает режиссерам, таким как Энг Ли ( Билли Линн, длинная прогулка в перерыве, (2016), Близнецы, (2019)) и Джеймс Кэмерон (серия Avatar ), свободу экспериментировать с более высокой частотой кадров в сочетании с более высоким разрешением. сенсоры для создания изображений, которых мы никогда раньше не видели.
Еще одно решение, которое кинематографисты должны принять на ранней стадии процесса, в сотрудничестве с режиссером, — это записывать изображение в черно-белом или цветном режиме. Многим из вас это может показаться скорее вопросом истории. Старые фильмы черно-белые, современные — цветные. Если технология позволила создать цветную кинематографию, зачем кому-то оглядываться назад? Но есть ряд причин, по которым кинематографист может выбрать для черно-белой пленки, а не цветной, даже сегодня.Они могут захотеть вспомнить определенный период или подражать некоторым из этих «старых» фильмов. Или, если предмет относительно мрачный, они могут захотеть добавить тематический элемент, буквально сливающий цвет с изображения. Или они могут захотеть воспользоваться повышенной реальностью и резким контрастом, которые обеспечивает черно-белая кинематография. Или, может быть, они хотят выдвинуть спектакли на передний план. Один из величайших режиссеров в истории кино Орсон Уэллс однажды сказал, что черное и белое — друг актера, потому что каждое выступление лучше, если не отвлекаться от цвета.
Но я понял. Сейчас не 1920 год. Вы не едете ни копейки и не слушаете музыку на восковых цилиндрах. Зачем вам смотреть фильм в черно-белом цвете?
Может быть, это вас убедит:

Какой бы ни была причина, кинематографисты должны принимать во внимание несколько вещей, когда они выбирают между черным, белым и цветным. Во-первых, если они снимают на пленку черно-белое изображение, им обычно приходится использовать пленку, предназначенную для черно-белых изображений.Можно напечатать черно-белый цвет с цветного негатива, но он не будет воспроизводить свет и тени так же, как специальная пленка. И, конечно же, если они снимают в цвете, разные запасы пленки от разных производителей будут передавать цвета по-разному в зависимости от желаемого эффекта. Если они используют цифровую технологию и хотят, чтобы конечный продукт был черно-белым, цвет обычно удаляется после съемок на этапе постпродакшна. Но им все равно нужно сбалансировать освещение и экспозицию, чтобы изображение выглядело без цвета.В любом случае важно отметить, что черно-белый кинематограф требует в процессе съемки не меньше внимания к деталям, чем цвет.
Будь то пленочная или цифровая, черно-белая или цветная съемка, один из самых мощных инструментов, с которыми приходится работать кинематографисту, — это сам свет. Без света нет изображения и не может быть кино. Но просто иметь достаточно света для экспонирования изображения недостаточно. Великий кинематографист — черт возьми, даже наполовину приличный — знает, что их работа — преобразовать этот свет в нечто уникальное кинематографическое.Для этого они должны иметь глубокое понимание основных свойств света. Четыре свойства, а именно: Source , Quality , Direction и Color .
Источник относится как к источнику, так и к интенсивности света. По происхождению существует два основных различия: натуральное и искусственное. Естественный свет относится к свету от солнца или луны (на самом деле это просто солнце, отражающееся от луны, но вы это знали), а искусственный свет относится к свету, генерируемому с помощью любого количества различных технологий, светодиодов, ламп накаливания, флуоресцентный и др.Каждый источник будет иметь свои особые характеристики, по-своему экспонируя снимок. Искусственный свет дает кинематографисту невероятную свободу манипулировать светом и формировать его. Сцены, снятые в помещении на звуковой сцене, могут выглядеть как дневные экстерьеры при достаточном искусственном освещении. А сцены, снятые на улице ночью, также можно дополнить искусственным освещением, заменяющим лунный свет. Но естественным светом также можно управлять и формировать его с помощью фильтров, флажков (большие черные тканевые квадраты, которые используются для защиты от прямого солнечного света) и рассеивателей.
Каждая новая сцена потребует от кинематографиста рассмотрения своего источника света и того, как он хочет его формировать. И большая часть этого расчета — интенсивность . Насколько яркий источник и как это повлияет на экспозицию? Мы обсудим глубину резкости позже, но то, с каким количеством света приходится работать кинематографисту, влияет на то, сколько (или насколько мало) кадра может быть в фокусе и насколько сбалансированной будет их экспозиция в конечном изображении. Иногда кинематографист может обойтись простым использованием доступного источника света , то есть света от уже существующих в определенном месте светильников (также называемых практическими источниками ).Но чаще они хотят более точно контролировать интенсивность, поэтому они используют специальные источники света для освещения сцены за пределами кадра изображения. Лампы и потолочные светильники, которые вы можете увидеть в фильмах или сериалах, на самом деле являются скорее реквизитом, чем настоящими источниками освещения. Они указывают зрителю, откуда исходит свет в данном кадре — то, что кинематографисты называют , мотивируя источником и направлением света — но они редко добавляют что-либо к экспозиции сцены.
Посмотрите этот короткий клип:

Объект в сцене освещен несколькими яркими искусственными источниками света рядом с камерой. Настольная лампа на заднем плане нужна только для того, чтобы «мотивировать» свет, который освещает сторону лица объекта съемки. Но на самом деле это всего лишь психологический трюк. Если вы действительно думаете об этом, тусклая лампа позади и справа от объекта съемки вообще не должна освещать его лицо, но наш мозг говорит нам: «Конечно, это имеет смысл.«Это потому, что действительно хочет, чтобы поверил, мы не хотим думать о группе людей, стоящих вокруг ярких огней, пока камера все это записывает. Мы хотим, чтобы нас обманули, и оператор это знает.
Второе свойство световых кинематографистов — это качество. Это не означает «хорошо» или «плохо», это больше о том, как свет «ощущается» в кадре. Проще всего думать о качестве с точки зрения жесткого или мягкого освещения.Жесткое освещение интенсивное и сфокусированное, создавая резкие драматические тени. Мягкое освещение более рассеянное и равномерное, наполняя пространство плавными постепенными переходами от светлого к темному. На самом деле разница заключается не столько в освещении объекта, сколько в тенях, отбрасываемых объектом. Четко ли определены тени с резким краем? У тебя жесткое освещение. Тени нечеткие, менее четко очерченные или вообще отсутствуют? У вас мягкое освещение. Кинематографисты могут контролировать качество света, регулируя размер источника света и его расстояние от объекта.Как правило, чем меньше источник света и чем ближе к объекту, тем ярче свет:

Третье важное свойство света — направление. Откуда в сцене исходит свет? Не источник, то, что делает светом, а в каком направлении , он исходит? Слева, справа, снизу, вверху? Каждое решение повлияет на внешний вид сцены, а практичные источники света в дизайне декораций могут помочь мотивировать направление освещения. Единственная потолочная лампа в комнате для допросов будет стимулировать жесткий свет сверху.Большие окна могут способствовать проникновению мягкого рассеянного света из одной стороны комнаты.
Кинематографисты
планируют настройку освещения для любой конкретной сцены, тщательно продумывая, в каком направлении исходит свет, начиная с основного источника освещения, ключевого источника света . Ключевой свет — обычно самый яркий свет на съемочной площадке, используемый для правильной экспозиции основного объекта. Но только один яркий свет будет ощущаться как прожектор, создавая нежелательные тени. Таким образом, они используют заполняющий свет , обычно менее интенсивный и немного более мягкий, чем основной свет, чтобы заполнить эти тени.Но эти два источника света, сияющие перед объектом, могут сделать сцену немного двумерной. Чтобы придать изображению некоторую глубину, они используют задний свет , обычно жесткий свет, который падает на затылок объекта (также называемый светом для волос ), чтобы создать некоторое разделение между объектом и фоном. Яркость каждого из этих источников света относительно друг друга известна как коэффициент освещенности и может регулироваться для получения различных эффектов.Эта установка освещения известна как трехточечное освещение , и это самая основная отправная точка для освещения сцены:

Конечно, трехточечное освещение — это всего лишь отправная точка. Действительно сложные схемы освещения потребуют гораздо большего количества слоев в настройке. Но даже в этом случае кинематографисты будут говорить со своими работниками, электриками и гриппами о ключевых, заполняющих и задних огнях.
Четвертое свойство света, которое должен понимать каждый кинематографист, — это цвет.И нет, я не имею в виду красные, синие и зеленые лампочки. Я имею в виду тонкий цветовой оттенок, который испускают разные источники света, который в конечном итоге повлияет на экспонируемое изображение. Например, в обычной домашней лампе накаливания для получения света используется вольфрамовая нить. Этот свет обычно имеет теплое оранжевое свечение. Но люминесцентная лампа в потолочном светильнике излучает более холодный синий свет. Фактически, мы придумали способ измерить эти различия, используя концепцию цветовой температуры .Цветовая температура измеряется в градусах Кельвина. Чем ниже градус Кельвина, тем теплее или «краснее» свет. Чем выше градус Кельвина, тем холоднее, «синее» свет. Оранжевое свечение вольфрамовой лампы составляет около 3200 Кельвинов. Дневной свет составляет около 5600 Кельвинов.
Я знаю, это может немного запутать. Ознакомьтесь с этим кратким обзором науки о цветовой температуре и о том, как мы используем ее в кино:

Как уже должно быть ясно, цветовая температура имеет большое значение, когда оператор хочет создать определенное настроение.Например, романтическая сцена в ресторане при свечах должна иметь теплый оранжевый свет. К счастью, для достижения такого эффекта не нужно полагаться на тысячу свечей. Большинство современных светодиодных ламп можно регулировать в зависимости от цветовой температуры. Все, что вам нужно сделать, это набрать 2000K на ключ, заливку и заднюю подсветку, и вы получите эквивалент теплого свечения свечи без опасности возгорания.
Источник, качество, направление и цвет — четыре важнейших свойства световых кинематографистов, которые необходимо освоить для создания великого кино.И как только мы поймем эти же свойства, мы сможем начать понимать, как кинематографисты комбинируют их для достижения эффективного освещения style в любой конкретной сцене, фильме или сериале. Например, уменьшая или удаляя ключевой свет и больше полагаясь на непрямые, относительно жесткие заполняющие и задние источники света, вы создаете глубокие тени и высокий контраст в сцене. Как упоминалось в третьей главе, этот стиль освещения известен как сдержанное освещение (из-за отсутствия доминирующего ключевого света, а не потому, что он непринужденный), который используется для вызова таинственности и даже ужаса.
Посмотрите этот короткий видеоэссе об одном из величайших ныне живущих кинематографистов Роджере Дикинсе и о том, как он подходит к стилю освещения в своей работе:

Еще один мощный инструмент, с которым приходится работать кинематографисту, — это, конечно же, камера. И есть много того, как работает этот конкретный аппарат, и нюансы между различными форматами и производителями. Но я хочу сосредоточиться на одном компоненте, который является взаимозаменяемым и допускает бесконечное разнообразие: объектив .Независимо от того, какую камеру выберет кинематографист, именно объектив определяет четкость, кадрирование, глубину резкости и экспозицию изображения. Просто поменяв объектив, совсем не перемещая камеру, вы можете радикально изменить вид снимка.
Принцип работы объектива камеры довольно прост. Кусок изогнутого стекла (или несколько частей в зависимости от объектива), удерживаемый на передней части камеры, фокусирует свет через регулируемую диафрагму (причудливое слово для обозначения «дыра») на светочувствительный материал (пленка или цифровой датчик).Диафрагма контролирует количество света, попадающего в камеру, а стеклянные «элементы» контролируют резкость изображения, приближаясь или удаляясь крошечными шагами от диафрагмы. Общее расстояние между датчиком и точкой, в которой свет проходит через эти стеклянные элементы, называется фокусным расстоянием и измеряется в миллиметрах. Так, в объективе 50 мм расстояние между датчиком камеры и точкой, где свет проходит через стекло объектива, составляет 50 миллиметров.
Фокусное расстояние определяет как угол обзора , так и увеличение изображения. Чем короче фокусное расстояние, тем шире угол обзора и меньше увеличение. Чем больше фокусное расстояние, тем уже угол обзора и больше увеличение. Любой объектив меньше 35 мм обычно считается «широкоугольным объективом» из-за его относительно короткого фокусного расстояния. Любой объектив более 70 мм считается «телеобъективом», потому что он значительно увеличивает изображение.
Объективы
можно разделить на два основных типа в зависимости от того, как они относятся к фокусному расстоянию: zoom и prime . Зум-объективы позволяют регулировать фокусное расстояние, сдвигая стеклянные элементы ближе к датчику или дальше от него, что значительно увеличивает изображение или расширяет угол обзора, не меняя сам объектив. Объективы с постоянным фокусным расстоянием имеют фиксированное фокусное расстояние. Вы получаете то, что видите. Теперь я знаю, о чем вы думаете. Почему бы просто не поставить туда зум-объектив и выбрать собственное фокусное расстояние? Но на самом деле кинематографисты почти всегда пользуются при съемках постоянными объективами.Во-первых, зум-объективы, как правило, имеют гораздо больше стеклянных элементов, чем простых, и это может повлиять на качество изображения. Но что еще более важно, постоянные линзы заставляют оператора более осознанно и целенаправленно подходить к углу обзора и увеличению конкретного кадра.
Еще не запутались? Может это поможет:

Все еще не уверены? Вот объяснение всего за 23 секунды:

Угол обзора и увеличение важны с точки зрения того, что видно в кадре, но не менее важно то, что кажется резким.Линзы также позволяют кинематографистам контролировать глубину изображения, либо выделяя объект как единственный элемент, который мы четко видим в конкретном кадре, либо позволяя нам видеть все на заднем и переднем планах одинаково. Это называется глубиной резкости , диапазоном расстояний перед камерой, на котором объекты находятся в резком фокусе.
Взгляните на это изображение:
Обратите внимание, как фигура человека, закуривающего сигарету, изолирована от фона, фокусируя наше внимание на искре от зажигалки.Это пример узкой глубины резкости . Диапазон расстояний перед камерой, на котором объекты находятся в фокусе, относительно невелик, что создает меньшую глубину изображения.
Теперь посмотрите это изображение:
Обратите внимание, что все кажется одинаково сфокусированным, что позволяет нам выделить все детали декораций. Это пример широкой глубины резкости или глубокого фокуса .
Но поскольку кинематограф — это всего лишь движущихся изображений , это не обязательно бинарный выбор.Кинематографист может изменить глубину резкости в кадре, чтобы переключить наше внимание с одного объекта на другой. Это называется фокусировкой стойки или фокусом вытягивания :

Теперь, когда вы знаете, что это такое, вы всегда будете видеть это в фильмах и на телевидении. Фактически, обычно на съемочной площадке находится один человек, единственная задача которого — управлять этими изменениями глубины резкости в кадре. Их называют, что вполне уместно, съемником фокусировки .
Композиция , расположение людей, предметов и обстановки в кадре изображения, уже несколько раз упоминалась в предыдущих главах. Это потому, что то, как кинематографист создает изображение, как он разрабатывает для каждого кадра, является одним из самых важных элементов в кинематографическом повествовании. То, как эти люди, объекты и обстановка расположены на границе изображения, может привести к равновесию или дисбалансу, раскрыть или скрыть информацию, указать силу или слабость, и все это без слов диалога, редактирования или даже персонажа на экране.
Но прежде чем кинематографист сможет начать думать о том, как правильно скомпоновать кадр, ему нужно принять еще одно решение: форму кадра. Хорошо, каждый кадр (на данный момент) — это какая-то вариация прямоугольника. Но пропорции этого прямоугольника будут определять, как в нем расположены люди, предметы и обстановка. Это известно как соотношение сторон , ширина кадра относительно его высоты. Текущий стандарт для движущихся изображений — 16: 9 или 1,78: 1, прямоугольник, который почти вдвое шире, чем его высота.Но на заре кинематографа стандарт был намного ближе к квадрату, 4: 3, который иногда называли соотношением академии . А иногда кинематографисты выбирают гораздо более широкий кадр, до 2,35: 1. Такое соотношение сторон особенно нравится Квентину Тарантино. Независимо от того, какое соотношение сторон выберет режиссер, это повлияет на выбор, который он сделает в отношении композиции. Посмотрите это быстрое сравнение:
После того, как режиссер выбрал соотношение сторон, самая основная отправная точка для композиции, которую мы все интуитивно понимаем на собственном опыте съемки фотографий с помощью наших телефонов, — это баланс.Хорошо сбалансированные изображения используют пространство в кадре, чтобы равномерно распределить визуальный интерес, создавая пропорциональную приятную композицию. (Если это не то, что вы собираетесь делать, но мы до этого доберемся). Одним из способов достижения этого баланса является правило третей . Идея состоит в том, чтобы разделить кадр на трети по горизонтали и вертикали и выровнять области, представляющие визуальный интерес, на пересечении этих точек. Вот пример:
Расположение актеров на пересечении линий сетки делает композицию хорошо сбалансированной и пропорциональной.У него есть дополнительное преимущество, так как он помогает рассказывать историю, где два персонажа делят экран на равных.
А теперь взгляните на другой снимок из того же фильма:
В этой композиции объекты по-прежнему равномерно распределены в кадре, но относительная разница в размерах между персонажами указывает на неравную динамику мощности. Опять же, помогая рассказать историю.
Правило третей касается баланса и пропорций в композиции, чтобы придать изображению ощущение симметрии.Некоторые режиссеры доводят понятие симметрии композиции до крайности. Посмотрите этот суперкарт очевидной одержимости Уэса Андерсона симметрией в его фильмах:

Это последовательное использование сбалансированной композиции — один из элементов, который делает фильм Уэса Андерсона фильмом Уэса Андерсона. Этот узор в его обрамлении — часть его фирменной мизансцены.
Но так же, как и трехточечное освещение, правило третей на самом деле является лишь отправной точкой для понимания того, как композицию можно использовать для рассказа кинематографической истории.Создание кадра на самом деле направлено на то, чтобы направить наше внимание, показать нам, куда смотреть в кадре или сцене, и, в конечном итоге, как воспринимать это как . Есть много способов сделать это.
Посмотрите, как Николас Виндинг Рефн использует другой способ разделения кадра, квадрантный подход, чтобы направить наше внимание на данный снимок или последовательность:

Или как японский режиссер Акира Куросава комбинирует кадрирование и движение, чтобы постоянно пересматривать отношения и мотивации с помощью простой геометрии:

Иногда режиссер направляет наше внимание, помещая объект в другой кадр композиции.Посмотрите, как Вонг Кар-Вай использует эту технику в потрясающем романе « В настроении для любви» (2000):

Все эти примеры демонстрируют, как кинематографисты используют кадрирование, чтобы направить наше внимание и помочь рассказать историю. И, как обсуждалось во второй главе, эти методы способствуют нашему общему кинематографическому языку как кинематографистов и зрителей. Некоторые из наиболее очевидных способов, которыми кинематографисты используют кадрирование как форму общения, — это использование образов, которые мы уже интуитивно понимаем из своей повседневной жизни.Возьмем, к примеру, очевидную близость объекта к камере. Как обсуждалось во второй главе, крупным планом создает ощущение близости с объектом, точно так же, как это было бы в реальной жизни, если бы мы стояли в нескольких дюймах от другого человека (надеюсь, с их разрешения, потому что в противном случае это просто жутко) . Если объект появляется далеко, как в крайнем длинном снимке , это передает ощущение разобщенности или эмоционального расстояния от объекта.Фактически, у режиссеров и кинематографистов есть удобное обозначение того, насколько близко или далеко должен находиться объект, код, указывающий, где разместить камеру (или какое фокусное расстояние использовать). Достаточно очевидны крупный план и очень длинный план. Но есть также крайний крупный план , средний крупный план , средний план , средний длинный , длинный и т. Д. Каждый термин означает что-то особенное с точки зрения композиции. Например, средний план, как правило, будет составлять персонажа с колен.Средний план будет от пояса вверх. Наличие определенного срока для конкретной композиции экономит время (и деньги) на съемочной площадке во время производства.
Другой способ, которым кинематографисты могут общаться посредством композиции, используя образы, которые мы уже интуитивно понимаем, — это регулировка угла обзора. Если оператор кадрирует кадр ниже линии глаз персонажа — так что мы буквально смотрим на него, — этот персонаж будет чувствовать себя доминирующим и могущественным. Скомпонуйте объект в профиль, и персонаж станет более загадочным, и нам захочется узнать о нем больше.
Режиссер также может «нарушить» правила баланса и пропорции для достижения желаемого эффекта. Например, если оператор намеренно создает асимметричное, несбалансированное изображение, это также заставит зрителя почувствовать себя неловко и потерять равновесие. Или они могут скомпоновать изображение так, чтобы главный объект был изолирован и мал по сравнению с остальной частью кадра, создавая так называемое негативное пространство . Это может помочь передать изолированность или бессилие персонажа в сцене.
Хотите еще примеры? Посмотрите этот видеоэссе о том, как кинематографисты используют композицию, чтобы рассказать кинематографическую историю:

Большая часть приведенного выше обсуждения композиции справедливо как для статической фотографии и живописи, так и для кинематографии.Но что делает кинематограф особенным, это, конечно, движение , как с точки зрения того, как движутся объекты в кадре (также известное как , блокирующее ), так и с точки зрения того, как сам кадр перемещается по сцене. И хотя блокировка актеров в сцене важна, я хочу сосредоточиться на том, как кинематографист может перемещать камеру в одном кадре, чтобы переформатировать изображение и потенциально изменить смысл сцены.
Камера может перемещаться по-разному. Давайте рассмотрим некоторые из самых простых, начиная с противней и противней .Наклон — это просто перемещение камеры вверх или вниз от фиксированной точки, обычно со штатива. Панорама — это просто вращение камеры из стороны в сторону, также от фиксированной точки. Вот пример сковороды:
Эффект такой же, как если бы вы просто повернули голову слева направо, глядя прямо перед собой. Но, перемещая кадр, оператор может радикально переориентировать нашу точку зрения, одновременно создавая ощущение предвкушения того, что будет показано.
Но если вы хотите, чтобы камера действительно перемещалась в пространстве, а не просто двигалась слева направо или вверх и вниз, есть несколько вариантов.Вы можете просто поднять его и переместить. Это называется, что вполне уместно, ручной снимок . Но если вы хотите, чтобы это движение было более тонким или, по крайней мере, более плавным, вам понадобится более точный контроль над движением камеры. Один из способов добиться этого — поставить его на колеса. Иногда эти колеса застревают на гусенице, на которую рукоятки легли для определенного выстрела, а иногда это просто хорошо смазанные колеса, которые будут двигаться туда, куда их толкает рукоятка. В любом случае, это называется выстрел на тележке .Куколки бывают самых разных вкусов. Вы можете тележек в или тележек из , то есть двигаться к неподвижному объекту или от него. Вот пример выдвинутой тележки в сочетании с наклоном:
вы можете настроить отслеживающий снимок , который отслеживает вместе с движущимся объектом (и может быть, а может и не быть на реальных дорожках). Вот простой снимок двух детей на велосипедах:
В этом случае камера была установлена на задней части фургона, отслеживая перед объектами, ведя их вперед.Также обратите внимание на то, как ближе к концу кадра камера слегка смещается, чтобы перефразировать изображение только на девушке, указывая на небольшое смещение акцента в истории.
Вы также можете поставить камеру на кран, чтобы добиться действительно резкого изменения точки обзора, как этот снимок крана из High Noon (1952, Фред Зиннеман, реж.):

Обратите внимание, насколько эффективно этот сдвиг в перспективе заставляет персонажа казаться изолированным, маленьким и бессильным, даже не зная контекста или остальной части истории (это потрясающий фильм, и вы должны пойти посмотреть его прямо сейчас).
Если вам нужна свобода физического переноски камеры по сцене, но при этом требуется плавное движение тележки, вы можете использовать специальную оснастку под названием steadicam . Steadicam — это на самом деле торговая марка стабилизатора камеры, которая стала в некоторой степени общим термином (например, Kleenex или Xerox… кто-нибудь еще говорит Xerox?). Камера прикреплена к оператору с помощью системы противовесов, подвесов и гироскопов (такое ощущение, что я придумываю эти слова, но это не так):
Стедикам и оператор.
Результат — невероятно плавное движение независимо от местности.
Вот один из самых известных кадров в истории кино из фильма Мартина Скорсезе Goodfellas (1990):

Попробуйте проследить за этими двумя актерами через все это с камерой на колесах!
Сковороды, наклоны, тележки, краны и стедикамы, независимо от того, как режиссер перемещает камеру, один вопрос, на который они всегда должны сначала ответить: зачем вообще перемещать камеру? То есть движение мотивировано ? В случае со стедикамом Скорсезе, снятого выше, мы идем вслед за главными героями в ночной клуб.Достаточно мотивации, чтобы двигаться вместе с ними. Или этот кран, снятый из High Noon , движение раскрывает что-то важное в персонаже. И снова солидная мотивация. Но что происходит, когда движение камеры мотивировано и ? Если камера двигается просто потому, что режиссер считает, что она «круто смотрится»? (Я смотрю на тебя, Майкл Бэй). Чаще всего немотивированное движение камеры, не отвечающее сюжету, напоминает зрителю, что он смотрит фильм. Движение становится видимым вместо невидимым , и обычно это последнее, чего хочет кинорежиссер.Все это должно быть невидимым, помнишь?
Но иногда режиссер намеренно перемещает камеру без явной мотивации для достижения определенного эффекта. Например, отслеживающий снимок может перемещаться по сцене с движущимися объектами или без них. Поскольку нет причины для перемещения камеры, движение может казаться немотивированным и, следовательно, более заметным для зрителя. Так зачем это делать? Вот подробное описание того, насколько эффективным может быть выстрел с боковым отслеживанием:

Возможно, лучшим примером действительно эффективного, но совершенно немотивированного движения камеры является одно из фирменных движений кинорежиссера Спайка Ли: Долли Спайка Ли.По крайней мере, один раз в каждом фильме Спайк Ли будет помещать одного или нескольких персонажей на ту же тележку, что и камера, и перемещать их и по сцене. Это дезориентирует и немного странно, но создает захватывающий образ, который может вовлечь зрителя в психологию персонажа:

Хорошо спланированное и продуманное движение камеры, обычно мотивированное, может не только помочь рассказать историю, но и радикально изменить наше отношение к ней. Это не всегда должно быть кричащим.Это могло быть просто неуловимым сдвигом в перспективе. Небольшая кастрюля или минутное нажатие на тележку. Но он может все изменить:

Последнее, что я хотел бы сказать в отношении кинематографии, — это то, как действительно великие кинематографисты могут объединить все из вышеперечисленного в один непрерывный бравурный снимок, который позволяет продвигать историю вперед без единого редактирования. Не поймите меня неправильно, редактирование важно, и мы перейдем к этому позже. Но иногда режиссер находит способ продвинуться по сцене, ставя актеров и съемочную группу таким образом, чтобы история разворачивалась в одном длинном непрерывном кадре.И это может быть захватывающе.
На самом деле, приведенный выше снимок из Goodfellas является довольно хорошим примером. Обратите внимание на то, как Скорсезе перемещает камеру через несколько различных настроек, не отвлекаясь от кадра. Но самый известный длинный дубль — это, вероятно, первый кадр Орсона Уэллса из Touch of Evil (1958). Серьезно, посмотрите:

Представьте себе планирование, необходимое для постановки этой последовательности. Все должно было работать как часы (каламбур).И все же в плане кинематографического повествования ничего не было принесено в жертву. Уэллс может снимать и приближать крупные планы, средние и длинные планы, снимки с мостового крана и плавные снимки с отслеживанием, направляя наше внимание, раскрывая информацию и создавая напряжение. И все без единого разреза.
А теперь посмотрите, как такие режиссеры, как Сэм Мендес, до сих пор имитируют этот знаковый снимок в таких фильмах, как Spectre (2015):

Иногда эти длинные кадры гораздо менее заметны.Посмотрите, как такой режиссер, как Стивен Спилберг, не обязательно известный своими бравурными движениями камеры, все еще находит способы использовать случайные длинные кадры для передачи истории:

Авторство видео и изображений:
Взгляд режиссера: Рэйчел Моррисон — DP — лучшая работа на съемочной площадке, мы все знаем об этом по ARRIChannel. Стандартная лицензия YouTube.
Значит, вы не хотите смотреть черно-белый фильм? Киношколы RocketJump.Стандартная лицензия YouTube.
Мотивированное практическое освещение от Амина Суведи. Стандартная лицензия YouTube.
«Освещение 101: качество света» от киношколы RocketJump. Стандартная лицензия YouTube.
Киношкола Frameforest: 3-точечное освещение от Frameforest. Стандартная лицензия YouTube.
История и наука о цветовой температуре, автор фильма IQ. Стандартная лицензия YouTube.
Роджер Дикинс: Создание красивых изображений Джеймса Хейса. Стандартная лицензия YouTube.
Кинематографист рассказывает о 3 различных объективах от Vanity Fair. Стандартная лицензия YouTube.
Понимание фокусного расстояния от Canon New Zealand. Стандартная лицензия YouTube.
Искусство фокусировки от Фандора. Стандартная лицензия YouTube.
Уэс Андерсон // Центр когонады. Стандартная лицензия Vimeo.
Drive (2011) — Система квадрантов в каждом кадре картины. Стандартная лицензия YouTube.
Плохой сон (1960) — Геометрия сцены.пользователя Every Frame a Painting. Стандартная лицензия YouTube.
В настроении для любви: кадры в кадрах, автор Nerdwriter1. Стандартная лицензия YouTube.
Композиция в повествовании | CRISWELL | Кинокартография Крисвелла. Стандартная лицензия YouTube.
Ровно в полдень, выстрел в журавля, автор C.P. Присядь. Стандартная лицензия YouTube.
Стедикам и оператор перед толпой. Изображение в общественном достоянии.
Goodfellas — Steadicam Shot by 805Bruin. Стандартная лицензия YouTube.
Дети волка (2012) — Боковое отслеживание каждого кадра картины.Стандартная лицензия YouTube.
Спайк Ли — Снимок куклы Ричарда Круза. Стандартная лицензия YouTube.
5 ярких моментов движения камеры от CineFix. Стандартная лицензия YouTube.
Touch of Evil (1958) — вступительная часть (оригинал Уэллса) от Fix Me A Scene. Стандартная лицензия YouTube.
Spectre — Начальный снимок для отслеживания в 1080p, сделанный Movie Maker. Стандартная лицензия YouTube.
Онер Спилберга в каждом кадре картины. Стандартная лицензия YouTube.
Чем отличается использование терминов «оператор» и «оператор-постановщик»?
Когда я только начинал сниматься в кино, я всегда слышал, как главу отдела камеры называют либо «DoP» (произносится как ди-о-горошек), либо «DP» (произносится как «ди-горошек»). сокращенно от директора фотографии. По мере того, как я встречался с другими режиссерами, я узнал, что одну и ту же роль часто называют кинематографистом (произносится… ну, как написано).
Сегодня я подумал, что взгляну на эти две должности и попытаюсь понять, где каждая из них используется.
Кто такой оператор / оператор?
В большинстве реальных ситуаций эти две должности взаимозаменяемы. Проще говоря, этот человек отвечает за создание визуального стиля или «внешнего вида» фильма. Они подчиняются непосредственно директору, и им отвечает большое количество людей. Они управляют отделом камеры, а также управляют штурманом (который руководит отделом освещения) и захватами (которые отвечают за перемещение камеры на тележках, подъемных кранах, буровых установках, упорах и т. Д.).
Хотя их работа может быть наиболее очевидной во время съемок, на самом деле она начинается на этапе подготовки к съемкам, когда они будут работать с режиссером над планированием внешнего вида, наймом своей команды и принятием решений о том, какое оборудование использовать. А после окончания съемок они часто включаются в оценку (процесс пост-продакшн, который изменяет внешний вид и цвет финального фильма).
Итак, вы можете спросить, а почему оба термина? Историческая причина заключается в том, что многие национальные киноиндустрии развивались независимо друг от друга, и поэтому для одинаковых ролей были разработаны разные термины.Современная причина заключается в том, что некоторые люди, выполняющие эту работу, хотят, чтобы их считали операторами, в то время как другие предпочитают, чтобы их называли режиссерами-постановщиками. Это то, что я изучаю сегодня. В основном это вопрос моды и условностей, что делает его интересным для измерения, поскольку мы можем видеть, как меняются состояния в разных частях отрасли.
Я использовал свой набор данных из 200 самых прибыльных фильмов в США за каждый год за последние два десятилетия (то есть 4000 фильмов, выпущенных в период с 1997 по 2016 год) и посмотрел на кредиты, данные кинематографисту / DoP.За этот период 1092 разных человека получили кинематографические оценки фильмов из моего набора данных.
Какой термин используется более широко?
Если коротко, то чаще всего используется оператор-постановщик. 58,4% фильмов, выпущенных за последние два десятилетия, используют этот термин, по сравнению с 40,8% фильмов, выбирающих кинематографистов. 0,8% использовали другие термины, в том числе «снял» (Город грехов), «оператор освещения» (широко закрытые глаза), «режиссер кинематографии» (Тис Маар Хан) и «сфотографировал» (Враг).
Кажется, что мода на один термин над другим носит цикличный характер: в конце 1990-х, а затем в начале 2010-х, оператор обгоняет фотографа. Когда мы смотрим на жанр фильмов, используя каждый термин, кажется, что фильмы, которые полагаются на большие дорогие визуальные эффекты (например, фантастические, приключенческие и научно-фантастические фильмы), с гораздо большей вероятностью будут отдавать предпочтение «постановщику фотографии», в то время как меньшие, более Жанры, представляющие интерес для людей (например, мелодрамы, драмы и музыкальные фильмы), чаще выбирают «кинематографист».На приведенной выше диаграмме вы можете заметить, что анимация — это жанр с наибольшим процентом «других» терминов. Это потому, что традиционная роль оператора в анимационных фильмах более разнообразна. Процесс создания визуального образа игрового фильма значительно отличается от процесса создания 2D-анимационного фильма, нарисованного вручную, который опять же отличается от 3D-производства, созданного на компьютере. Фактически, только в 52% анимационных фильмов в моем наборе данных даже упоминается оператор любого типа.
Часто повторяемая фраза о различии между двумя ролями заключается в том, что это связано с национальностью экипажей.Я посмотрел на страны происхождения фильмов, и, как показано ниже, Великобритания, кажется, является местом, где чаще всего используется оператор-постановщик. Следует отметить, что это исследование относится только к 200 самым кассовым фильмам США, и поэтому, если мы хотим провести тщательное исследование того, как меняются термины между странами, нам нужно изучить все фильмы, снятые в каждой стране, а не только те, которые хорошо зарекомендовали себя в американских кинотеатрах.
Примечание. Для удобства чтения в остальной части статьи я буду использовать фразу «оператор» для обозначения людей, которым приписывают как кинематографистов, так и постановщиков.
Сколько кинематографистов снимают несколько фильмов?
Несколько недель назад я посмотрел на самых успешных членов съемочной группы самых кассовых фильмов, включая кинематографистов. Роджер Дикинс занял первое место с 29 кредитами в кино как оператор за два десятилетия исследования, за ним следуют Дин Семлер (26 фильмов в исследовании), Роберт Элсвит (26), Эндрю Данн (26), Оливер Вуд (24) и Дон Берджесс ( 24). Но насколько типичны эти плодовитые кинематографисты?
Только 1,3% кинематографистов в моем исследовании были упомянуты: в среднем один фильм в год (т.е. не менее двадцати кредитов за двадцатилетний период). Менее одного из пяти кинематографистов сняли более пяти фильмов за эти два десятилетия.
Хорошо ли кинематографисты взаимодействуют с другими кинематографистами?
Ранее я показал, что из всех главных творческих ролей в фильме роль оператора с наименьшей вероятностью может быть разделена между двумя или более людьми — даже меньше, чем роль режиссера.
Только 2% фильмов в моем наборе данных имели двух операторов (например, болливудский фильм Ra.В одном, в котором упоминаются как оператор-постановщик, так и режиссер-постановщик), и только 12 фильмов (что составляет 0,3% от всего набора данных) указано три или более. Так что же это за редкие фильмы, в которых перечислены несколько кинематографистов? В основном анимационные (например, «Цыпленок», где работают два режиссера и три оператора по свету) и фильмы-портфолио (например, «Париж», «Жить тайм» и «Кино 43», у которых 17 и 9 соответственно).
Это мужской мир
Сегодняшняя статья посвящена различным терминам, используемым для описания работы, но невозможно охватить кинематографию и игнорировать гендерное неравенство.Из всех главных творческих ролей у кинематографистов есть вторая худшая женская репрезентация, только лучше, чем у композиторов. Это было обычным делом, пока существовала роль. Только в 1980 году первая женщина была принята в Американское общество кинематографистов (Брианн Мерфи), а первая женщина, номинированная на «Оскар» за лучшую операторскую работу, сделала это в этом году! Рэйчел Моррисон получила свою номинацию за работу в Mudbound. За двадцать лет только 45 из 1091 человека, которого я изучал, были женщинами — это всего 4%.
Примечания
Данные для сегодняшнего исследования взяты из IMDb, Wikipedia и The Numbers. Я использовал кассовые сборы в США в качестве критерия, потому что данные более надежны (и полны), чем данные о мировых кассовых сборах. Я сосредоточился на 200 самых кассовых фильмах, а не на всех снятых или всех выпущенных фильмах, чтобы иметь возможность сравнивать подобное с подобным.
Я использовал биографические данные, чтобы определить пол кинематографистов, и только один человек из 1092 ускользнул от меня.Повторюсь, я просто смотрел фильмы. Это означает, что оператор может сделать очень плодотворную карьеру на телевидении, в музыкальных клипах, рекламе и т. Д., Но при этом не занять слишком высокое место в сегодняшних чартах.
Эпилог
Цель сегодняшнего исследования не в том, чтобы решить, какой термин правильный, а в том, чтобы просто наблюдать за тем, что происходило в последние десятилетия.
Изучая эту статью, я обратился к нескольким кинематографистам в надежде найти общий консенсус в отношении использования этих терминов.После всех разговоров я пришел к выводу, что общеотраслевого соглашения нет. Я уверен, что у многих возникнут мысли о споре между двумя названиями, поэтому я приветствую их в комментариях ниже.
Оператор-постановщик и оператор: в чем разница?
Я киноман; один из тех людей, которые часто просиживают финальные титры. Таким образом, я наткнулся на то, что нашел (и я уверен, что другие тоже) довольно любопытным.В некоторых фильмах я бы увидел заслугу оператора, а в других фильмах — оператора фотографии.
Даже как человек, проработавший в мире видеопроизводства на протяжении десятилетий, это заставило меня задуматься: в чем разница?
Когда я начал изучать эту кроличью нору, я понял, что есть еще два названия, которые часто добавляют в смесь: видеооператор и оператор.
Естественно, все эти, казалось бы, похожие названия могут сбивать с толку, особенно когда вы пытаетесь соответствующим образом составить бюджет для маркетингового или корпоративного видео.Тем, кто не занимается производством видео, может показаться, что для одной и той же работы есть четыре названия. И они будут наполовину правы.
Здесь, в VMG Studios, у нас есть собственный директор по фотографии, и при необходимости мы будем привлекать операторов-фрилансеров к крупным съемкам.
Все еще не уверены? Давайте разберем каждую роль для большей ясности.
Что такое видеооператор?

Видеооператор часто состоит из одного мужчины или одной женщины, что означает, что они работают индивидуально.Они в основном используются для освещения таких событий, как свадьбы, интервью, конференции или новости. Вообще говоря, они больше известны тем, что «снимают» кадры, чем создают изображения.

Означает ли это, что видеооператоры менее квалифицированы, чем кинематографисты? Не обязательно. Есть много видеооператоров, которые являются талантливыми режиссерами.

Во многом все сводится к тому, где происходит съемка и сколько людей работает на съемочной площадке.

Если съемка ведется в помещении, где главным событием не является видеосъемка (т.е., событие — первичное, съемка — вторичное), которые подпадают под видеосъемку. Если съемка проводится в студии или в месте, где съемки — единственное, что происходит, это, скорее всего, больше относится к кинематографии.

Кто такой оператор?
Оператор камеры такой, как следует из названия: этот человек управляет камерой, но не несет ответственности за творческий выбор, такой как освещение и кадрирование.Их работа состоит в том, чтобы запечатлеть изображение, запрошенное режиссером, оператором или оператором фотографии (DP), и удерживать его в фокусе.
Для прямого эфира, скажем, спортивного, они могут проявить небольшую инициативу в том, как стрелять, но для сценария повествования они не могут позволить себе вольности. Здесь в игру вступает оператор или оператор.
Оператор vs. оператор-постановщик (DP): в чем разница?
По словам директора по фотографии VMG Studios Хантера Боэна, между ними нет большой разницы.«В сообществе есть некоторые семантические различия, — говорит Боэн, — но часто все сводится к тому, какое название вам больше нравится».
Во-первых, давайте определим эти роли. Чем занимаются кинематографисты и режиссеры? Вы быстро увидите, как они стоят отдельно от видеооператоров и операторов.
Кинематографист или DP покрывает множество обязанностей и персонала. Помимо режиссера, они — лучшие на съемочной площадке. «Они отвечают за множество различных отделов», — говорит Боен.
«Они должны возглавить команду. Отдел камеры, рукоятка и электричество — все им под силу ». Эти члены бригады несут ответственность за реализацию визуальных образов, которые оператор или оператор-постановщик пытается запечатлеть.
Еще одно различие между видеооператорами и кинематографистами / операторами — это контроль.
Для прямой трансляции без сценария, которая является прерогативой видеооператоров, невозможно полностью контролировать то, что происходит перед камерой.Они просто фиксируют происходящее.
Кинематографисты и операторы
больше работают в мире повествовательного рассказа, который включает в себя различные виды маркетинговых видеороликов, например, поясняющее видео или видео о продукте. Эти типы видео требуют большего планирования и подготовки. Процесс намного более изысканный. Все спланировано, спроектировано и раскадровано, и оператор или оператор-постановщик вносят большой вклад в эти вещи на этапе подготовки к производству.
Во время фактического производства, когда он находится на съемочной площадке, оператор или оператор-постановщик несут полную или частичную ответственность за следующее:
• Блокировка: работая с режиссером, они решают, как снимать конкретную сцену.Если используются актеры, где их отметки?
• Обрамление: композиция кадра.
• Освещение: визуальный тон. Что они хотят, чтобы зритель увидел и почувствовал через настроение освещения.
• Объективы и фильтры: будут ли они использовать зум-объектив или фиксатор? Они снимают крупным планом или широко? Сцена темная и угрюмая или яркая и веселая? Для разных типов съемки нужны разные объективы и фильтры.
• Движение камеры: как камера будет следить за действием на съемочной площадке.
Прочтите: Разбивка и определение ролей для видеопроизводства
Понимание отношений между оператором / постановщиком фотографии и режиссером
Подобно тому, как захваты и маляры осуществляют видение оператора или DP, оператор или оператор DP использует перечисленные выше элементы для реализации видения режиссера. Это глаза директора.
Эти отношения, вероятно, являются наиболее важным сотрудничеством в производстве видео или фильмов.
Хороший пример такой синергии — между кинематографистом Роджером Дикинсом и братьями Коэн («Нет страны для стариков», «Фарго, о брат, где ты?», «Большой Лебовски»). В течение многих лет в кинематографическом сообществе братьев считали талантливыми, но причудливыми. В своем ремесле они еще не достигли той точки, чтобы к ним относились всерьез. Все изменилось, когда они начали работать вместе с Роджером Дикинсом.
Цитата из журнала Indiewire: «При Дикинсе выбор объективов братьев стал более строгим, а их язык обострился, поскольку вскоре они смогли предложить тот же многоуровневый подход к визуальному повествованию, который всегда присутствовал в их сценариях.”
Дикинс смог придать фильмам братьев Коэн их собственный внешний вид. И это то, что может предложить хороший оператор или оператор.
Вот отрывок из фильма «Брат, где ты». Обратите внимание на то, как использование Дикинсом кадрирования и движения камеры действительно улучшает впечатления от просмотра.

Настройки личного титула
Некоторые люди, стоящие за камерой, предпочитают называться кинематографистами, другие — операторами фотографии.Кажется, это просто дело вкуса.
Сценарист, продюсер и консультант по сторителлингу Стивен Фоллс попытался выяснить, правда ли это. Он посмотрел на 200 самых кассовых фильмов США в период с 1997 по 2016 год и посмотрел титры. Он обнаружил, что 58,4% этих фильмов имели DP, в то время как 40,8% указывали на оператора.
Эти цифры менялись за эти 20 лет. В 1998 году предпочтение было отдано кинематографисту. DP стал немного более популярным до 2007 года, когда подавляющим выбором был DP.Затем, в 2014 году, звание оператора стало значительно популярнее.
Выбор также во многом зависел от того, какой это был фильм, жанр. У большего количества мюзиклов были кинематографисты, в то время как у большего количества приключенческих и фэнтезийных фильмов были DP. Выбор также кажется делом культуры. В Мексике подавляющее большинство кинематографистов, а в Великобритании предпочитают работать с DP.
По сути, все это сводится к тому, что роза под любым другим названием остается розой.
Работа с директором Фотография / Оператор
В то время как титулы Оператор-постановщик и оператор могут быть взаимозаменяемыми, существует более четкое различие между этой должностью и видеооператорами и операторами.
DP и кинематографисты часто контролируют то, что происходит перед камерой, например освещение и кадрирование, чтобы запечатлеть желаемую эстетику, поскольку это работает в тандеме с повествованием.Они работают в тесном сотрудничестве с режиссером, имеют некоторый творческий контроль и контролируют остальную часть операторского отдела.
Видеооператоры и операторы, тем временем, часто не могут контролировать то, что происходит перед камерой. Обычно это происходит из-за того, что они освещают прямые трансляции, такие как свадьбы, или потому, что они просто снимают камеру и следуют указаниям оператора-постановщика / оператора и режиссера.
Тем не менее, эти должности необходимы для сбора творческого контента, передачи важных сообщений и создания конечного продукта, которым вы хотите поделиться.
Если вам нужно маркетинговое или корпоративное видео, будь то сценарий, тематическое исследование или поясняющее видео, VMG Studios может вам помочь. От идеи до разработки и развертывания — у нас есть команда и все необходимое, чтобы рассказать вашу историю. У нас даже есть собственный оператор-постановщик.
Хотите узнать больше? Щелкните изображение ниже, чтобы загрузить электронную книгу «Руководство для начинающих по производству видео»

Полное руководство по тому, как стать DP
Это руководство для кинематографистов научит вас всем основам кинематографии, одновременно соединив вас с множеством других замечательных ресурсов для более глубокого освещения.
Кинематография — это всеобъемлющая отрасль кинопроизводства. Это может быть невероятно сложным и запутанным для новичков, поэтому мы создали это руководство, чтобы помочь вам разобраться во всех вещах, связанных со съемкой фильма.
Кинематография определяется как искусство или наука киносъемки . Это производное от греческого слова kinema, , означающего движение . Как и язык, cinematography нужно хорошо выучить, прежде чем вы сможете по-настоящему общаться.
Великий оператор-постановщик определит свет и пространство для создания идеального изображения. Это включает не только все, что движется на экране, но и движения камеры, которые используются для общения с аудиторией.
Оператор-постановщик

Изображение: Оператор-постановщик Эммануэль Любецки с сайта tasofcinema.com
Оператор , также известный как DoP или DP , является главным оператором.Они несут ответственность за то, чтобы вместе с режиссером фильма воплотить историю в жизнь. Они занимают место среди самых влиятельных творческих личностей на съемочной площадке . Если директор был президентом, DP — вице-президент. Многие из величайших мировых кинологов входят в Американское общество кинематографистов (ASC).
Фотографический директор управляет несколькими производственными отделами . В первую очередь, это начальник съемочной группы . Съемочная группа состоит из нескольких сотрудников, каждый из которых отвечает за настройку и использование самой камеры.ДП также отвечает за управление сцеплением и электричество. Эти отделы, также называемые G&E, несут ответственность за обеспечение необходимой мощности, освещения и вспомогательного оборудования для камеры.

Изображение: Gravity — оператор-постановщик Эммануэль Любецки через Эвана Ричардса
В отличие от других творческих позиций на съемочной площадке , вы можете разбить все, что делает DP . Вы можете не знать, почему режиссер принял определенные решения, но, изучая фильм и исследуя каждый кадр, вы можете разбить работу DP.Вы не только видите фактическое движение камеры и блокировку персонажей на съемочной площадке, вы также можете разбить тип используемого освещения и его размещение. Вы можете очень точно предположить, какой тип линз использовался, а также опорное приспособление, такое как Steadicam или тележка.
Есть множество великих кинематографистов, которым нужно учиться. Один из моих любимых ресурсов — указатель кинематографистов Эвана Ричардса. Изучение фильма требует, чтобы вы остановили фильм и посмотрели его. Ричардс нашел время, чтобы сделать невероятные кадры от одних из самых талантливых кинематографистов.Затем он собирает полные описания некоторых из лучших когда-либо снятых фильмов. Я не могу достаточно рекомендовать этот сайт.
Есть также ресурсы от самих кинематографистов, таких как Роджер Дикинс, у которого есть форум по кинопроизводству на своем сайте, и Шейн Херлбат, который создал подробные учебные пособия в своем Внутреннем кругу.
Директор отдела фоторесурсов:
Камеры и объективы

Изображение через ARRI
Фотограф отвечает за выбор камеры, используемой во время производства .Имейте в виду, что ваш выбор камеры затем повлияет на все остальные решения камеры — пленочную или цифровую, типы объективов, настройки камеры и доступное вспомогательное оборудование.
Доступно так много вариантов камеры, что легко потеряться. Выбор камеры для каждого производства ограничен бюджетом. Даже если у вас большой бюджет, это не значит, что самая дорогая камера — лучший вариант. Вам придется учесть в бюджете множество других статей. Вам понадобится пленка или карты памяти? Сколько линз вам понадобится? Многие даже согласны с тем, что трата денег на объективы, а не на фотоаппараты, пригодится вам в долгосрочной перспективе.Я склонен согласиться.
При выборе камеры можно руководствоваться техническими возможностями, а не только техническими характеристиками . Рассказывание историй должно быть решающим фактором. Взгляните на Марсианин, — фильм с бюджетом более 100 миллионов долларов, в котором часто использовались GoPros — камеры, которые стоят около 500 долларов. Камеры GoPro были выбраны не из-за их возможностей, а потому, что они идеально подходят для истории .
Если вы хотите, чтобы конкретная сцена казалась больше, чем жизнь, то снова , вам нужно будет выбрать правильную камеру .В фильме « Темный рыцарь » режиссер Кристофер Нолан и оператор-постановщик Уолли Пфистер решили снимать многие основные боевые сцены на IMAX. Опять же, это было в первую очередь решение повествования, но с технической стороны это позволило им захватить гораздо больший кадр.

Изображение: Кристофер Нолан и камера IMAX через Collider
Фильм против Digital
Выбрать фотоаппарат — непростая задача. Есть множество вариантов. Будете ли вы снимать в цифровом формате или на пленку ? В то время как пленочные фотоаппараты были доминирующим выбором фотоаппаратов на протяжении десятилетий, технические достижения сенсоров цифровых фотоаппаратов просто поразительны.Среднестатистическая аудитория никогда не сможет определить, снят ли фильм на пленке или в цифровом формате. ARRI, компания, стоящая за почти каждым последним фильмом, номинированным на лучший фильм, производит пленочные и цифровые камеры.
Это больше о фактуре, которая подпитывает рассказ. Для каждого отдельного проекта или сцены я пытаюсь найти, какой цвет, какая текстура, что подойдет. И определенно на это влияет формат, который вы снимаете. У цифровых технологий есть определенный взгляд на это. Скажем так, чище. У него нет движения зернистости пленки.В нем нет того ощущения, которое дает фильм. И есть кое-что, что могут делать цифровые фотоаппараты — например, с помощью затвора. На пленочную камеру нельзя снимать с затвором шире 180 градусов. Итак, я использовал это на Волк с Уолл-стрит для определенных сцен. Я использовал затвор почти на 360 градусов, чтобы продуть изображения. Мне оба нравятся. Мне нравится глубина пленки. Мне нравится зернистость пленки. Это то, к чему я действительно тяготею, но я также ценю преимущества цифровых технологий для определенных вещей.- Оператор Родриго Прието на IndieWire
Многие кинематографисты часто вовлечены в дебаты о кино и цифровых технологиях, но, как мы уже упоминали ранее, повествование является ключевым . Есть много кинематографистов, которые будут использовать несколько типов камер для съемок. Вам просто нужно обратить внимание на правильные факторы. Одним из важнейших факторов будет кодек , используемый с цифровыми камерами . Формат файла будет определять степень вашего контроля над изменением и оценкой отснятого материала при постобработке.
Кроме того, если вы снимаете в цифровом формате, убедитесь, что у вас есть назначенный специалист по цифровой обработке изображений или DIT. Как и загрузчик пленки, DIT управляет отснятым материалом, уже записанным . В отличие от загрузчика фильмов, DIT также отвечает за резервное копирование контента, распространение отснятого материала среди редакторов и создание ежедневных газет.
Настройки камеры

Изображение предоставлено Blackmagic Design
Есть несколько настроек камеры, которые оператор должен учесть перед съемкой.Знайте динамический диапазон камеры , то есть способность одновременно захватывать свет и темноту. Камеры, используемые для массового кинопроизводства, имеют не менее 12 ступеней динамического диапазона . Также обратите внимание на частоту кадров , с которой вы будете снимать.
Частота кадров — это частота, с которой фильм записывается и отображается . Измеряется в кадрах в секунду. Промышленный стандарт — 24 кадра в секунду , или 24 кадра в секунду. Это означает, что 24 отдельных изображения составляют одну секунду фильма.Этот термин пришел из кинопроизводства, но также используется в цифровых камерах. Если говорить еще более технически, частота кадров более конкретна, когда фильм подготовлен для телевизионного вещания .
В Северной и Южной Америке и некоторых частях Азии стандарт NTSC . Комитет Национальной системы телевидения снизил скорость фильмов на , чтобы добиться лучшего стандарта вещания. Чтобы определить скорость NTSC, вы умножите FPS на 1000, а затем разделите на 1001. Если фильм был снят с частотой 24 FPS, фактическая скорость трансляции будет 23.976 FPS в странах NTSC. Для фильмов, снятых с частотой 30 кадров в секунду, стандарт NTSC становится 29,970 кадров в секунду .
В большинстве стран Европы и Африки стандарт PAL . Линия с чередованием фаз была введена в ответ на NTSC, потому что стандарты NTSC плохо транслировали во многих странах с экстремальной местностью или погодой. Разрешение PAL на 20% выше, чем у NTSC, а частота кадров в секунду фактически увеличена. Фильм с частотой 24 кадра в секунду будет увеличен до 25 кадров в секунду.
Последний параметр, который мы кратко рассмотрим, — это ISO для Международной организации по стандартизации. Регулировка ISO изменяет чувствительность сенсора камеры к свету . Изначально ISO был указан на складе пленки, так как были изготовлены разные типы пленки. При переходе к цифровому формату ISO теперь является настройкой камеры, используемой для изменения количества света, улавливаемого датчиком. Чем ниже значение ISO, тем лучше будет изображение. , так как более высокий уровень ISO приведет к появлению шума и зернистости.
Линзы
Объективы камеры используются вместе с корпусом камеры для захвата света, по сути создавая изображение. Объективы с постоянным фокусным расстоянием — наиболее часто используемые в кинопроизводстве. Объективы Prime имеют фиксированное фокусное расстояние, в отличие от объективов с переменным фокусным расстоянием .
Фокусное расстояние — это расстояние между объективом и датчиком камеры . Часто его измеряют в миллиметрах. Объективы с постоянным фокусным расстоянием будут указывать одно фокусное расстояние, потому что они имеют фиксированное расстояние.Наиболее распространенные объективы с фиксированным фокусным расстоянием, используемые на съемочной площадке: 21 мм, для сверхшироких снимков, от 28 мм до 30 мм, для широких снимков, 50 мм для стандартных и средних снимков и 85 мм от до 105 мм для портретных снимков. .
Для зум-объективов
будет указано как самое низкое, так и самое высокое фокусное расстояние. Масштабирование позволяет захватить практически любое промежуточное фокусное расстояние, но это не значит, что вы получите лучшее изображение. Объектив с постоянным фокусным расстоянием 50 мм почти всегда дает лучшее изображение, чем объектив с переменным фокусным расстоянием , установленный на 50 мм.
Второе число, которое вы увидите на объективе, — это диафрагма. Диафрагма позволяет узнать, сколько света линза пропускает на датчик. Меньшая диафрагма дает больше света, чем большая диафрагма.
Наконец, вам нужно отметить тип крепления , которое использует объектив. Почти каждый производитель использует собственное крепление объектива, но оно может быть взаимозаменяемым с усилителем скорости или адаптером. Крепление Canon EF-mount — одно из самых универсальных и используемых креплений на независимом производстве.В крупных студийных постановках вы часто встретите байонет PL от ARRI. Есть много других маунтов, но эти двое будут встречаться чаще всего.
Ресурсы для камеры и объектива:
Движение камеры

Изображение: оператор и изобретатель Steadicam Гаррет Браун через Tested
После окончательной настройки камеры и выбора объектива самое время приступить к планированию снимка. Взглянув на раскадровку фильма, кинематографист получит хорошее представление о том, что видит режиссер.Одним из многих преимуществ раскадровки является просмотр перечисленных движений камеры и заметок режиссера.
Раскадровка часто позволяет оператору и съемочной группе узнать, когда им нужно увеличить масштаб или проследить за персонажем. Зная, что требует сцена, они могут выбрать правильное вспомогательное оборудование, необходимое для выполнения движения камеры . Основным элементом механизма является штатив. Если предполагается, что камера заблокирована в — что означает отсутствие движения — или просто панорамирование, наклон или масштабирование, штатив станет золотым стандартом оборудования , которое вам нужно.
Штативы
действительно отлично подходят для панорамирования, наклона или масштабирования. Для панорамирования или панорамы просто поверните штатив (и камеру) влево или вправо. Чтобы добиться наклона , переместите головку штатива вверх или вниз. Для зума , вы фактически заблокируете штатив на месте, а затем воспользуетесь объективом камеры для увеличения или уменьшения . Если вы используете объектив с постоянным фокусным расстоянием, то штатив необходимо установить на тележку , чтобы двигаться внутрь или выдвигать. Это уже не зум, а тележка зум .

Изображение: оператор Alamo на тележке с камерой через Википедию
Тележка обычно представляет собой плоскую платформу с колесами, которая перемещается по рельсам. Затем оператор камеры едет на тележке, чтобы запечатлеть плавное движение, что часто используется для съемки трековых снимков. Тележка не всегда должна быть дорогой тележкой на рельсах. На самом деле, многие творческие кинематографисты создают свои собственные, используя доступные инструменты.
Термин , обозначающий тележку, означает движение прямо к объекту или от него.В отличие от масштабирования фокусное расстояние объектива не меняется. Сама камера движется внутрь или наружу. Если двигаться рядом с объектом слева направо, правильный термин — грузовик . Не следует путать с панорамированием. Панорама смотрит влево или вправо из фиксированного положения. Грузовик физически перемещает камеру влево или вправо .
Когда были созданы первые автомобили, студийная индустрия Голливуда была одной из первых, кто принял эту технологию. Ранняя тележка была предшественницей автомобиля с камерой.Теперь в этих машинах есть футуристические краны и роботизированные манипуляторы, которые кинематографисты используют для съемки высокоскоростных движений.

Изображение: Оператор Роберт Ричардсон на подъемном кране через EOSHD
Говоря о подъемных кранах, подъемный кран — это еще один главный компонент тележек. Камера размещается на кране или стреле для кадрирования персонажей сверху и / или издалека. Есть и сотни разных типов кранов. Некоторые из них оснащены платформами, на которых оператор может управлять камерой, в то время как другие имеют цифровое управление.Краны часто используются для движений пьедестала , когда камера движется вертикально вверх или вниз. Сейчас на самостоятельных производствах кранов часто заменяют дронами .
Наконец, нельзя не упомянуть ручные стабилизаторы . С момента появления первых стедикамов в 1970-х годах существует совершенно новая отрасль. Первый Steadicam представлял собой стабилизатор, прикрепленный к подпружиненной руке, прикрепленной к нагрудной пластине оператора. Утяжеленный стабилизатор помогал сохранять равновесие, а пружинный рычаг поглощал удары и движения. Steadicam произвел революцию в киноиндустрии , потому что он позволил кинематографистам следить за объектами и снимать кадры, как никогда раньше.
Steadicam полностью изменил трекинг . Отслеживание — это движение, которое постоянно следует за действием с одного и того же расстояния. Раньше отслеживание ограничивалось следами тележки. С помощью Steadicam оператор камеры может следить за персонажем где угодно. Одним из самых ранних и самых известных применений этого нового типа следящего выстрела был культовый подъем по лестнице в Rocky .

За последние несколько лет в стабилизаторах произошла технологическая революция. Теперь, с современными подвесами , операторы могут работать с меньшей и легкой нагрузкой. Это также привело к резкому падению цен, что позволило кинематографистам любого уровня владеть портативным стабилизатором.
Ресурсы движения камеры:
Обрамление

Изображение: оператор Роберт Ричардсон создает кадры с помощью Variety
Создание кадра — визитная карточка кинематографиста.Типичное представление зрителя о кинематографе — это то, как выглядит фильм. Они не принимают во внимание выбор камеры, объективов и освещения. Они рассматривают кинематограф как просто кадрирование, но в их защиту — кадрирование является основным фактором в общем виде фильма .
Обрамление может быть одной из самых обсуждаемых тем на этом сайте. Мы не только вкратце рассмотрели стандартные кадры, которые использует оператор, но и вернулись к тому, чтобы максимально подробно изучить каждый кадр.
Экстремально широкий снимок

Изображение: Inglourious Basterds Extreme Широкоугольный снимок, сделанный The Weinstein Company и Universal Pictures
Чрезвычайно широкий план демонстрирует окружение персонажа. Он выделяется масштабом, расстоянием и местоположением . Его часто снимают с большого расстояния. Этот снимок также часто используется как и установочный снимок . Обычно это пейзажи или массивные экстерьеры зданий.
Широкий снимок

Изображение: Hugo Wide Shot через Paramount Pictures
Общий план изображает персонажа с головы до ног. Его также называют длинным или полным планом. Эти кадры используются, чтобы показать аудитории контекст и пространство сцены с указанием масштаба, расстояния и местоположения.
Взгляните еще раз на Extreme Wide Shot и Wide Shot , разбив работу ведущего кинематографиста Роберта Ричардсона.
Средний дальний выстрел

Изображение: Skyfall, средний план, снимок через Sony Pictures
Средне-длинный снимок кадрирует объект от колен до , и часто акцент делается на месте, а не на персонаже. Кадр также называется кадром на три четверти … очевидно, он кадрирует три четверти персонажа. Кадр средней дальности часто используется в качестве установочного кадра, поскольку он показывает персонажа по отношению к его окружению.
Средний выстрел

Изображение: Нет страны для стариков, средний снимок через Miramax
Средний план представляет персонажа по пояс. Его следует рассматривать как личный снимок, поскольку он создает персонажа таким образом, чтобы создается впечатление, что аудитория ведет с ним разговор. Вот почему средний план часто используется в интервью. Это интересный угол, к которому все привыкли.
Средний снимок крупным планом

Изображение: средний крупный план Большого Лебовски с помощью фильмов с рабочим названием
Средний план крупным планом изображает персонажа от середины груди и выше.Его иногда называют выстрелом по голове и плечам. Акцент делается на мимике персонажей, но язык их тела должен дополнять общую композицию.
Взгляните глубже на Medium Shot, Medium Long Shot, и Medium Close-Up , разбив работу ведущего кинематографиста Роджера Дикинса.
Снимок крупным планом

Изображение: Хорошее, Плохое и Уродливое Крупный план через United Artists
Снимок крупным планом четко кадрирует персонажа или объект.Как правило, крупные планы используются для изображения эмоций персонажа, при этом только обрамляя его лицо. Их также можно использовать для демонстрации очень специфического действия.
Экстремальный крупный план

Изображение: Хорошее, Плохое и Уродливое Экстремальный крупный план через United Artists
Крайний крупный план — это вид настолько тесный, что зрители могут видеть только некоторые черты персонажа или объекта. Весь экран заполнен одной-единственной деталью, например глазами или ртом персонажа.
Познакомьтесь с фотографиями Close-Up Shot и Extreme Close-Up Shot , изучив работы Серджио Леоне.
Эти кадры являются строительными блоками каждого фильма. Кинематографист может использовать эти кадры, регулируя угол наклона камеры. Создайте искаженное или неестественное ощущение с помощью голландского ракурса. Улучшите ситуацию или персонажа с помощью снимка с низкого ракурса. На этих стандартных кадрах построено так много дополнительных приемов кинематографии.
Ресурсы по обрамлению:
Освещение
Освещение оказывает непосредственное влияние на общий вид фильма, поэтому отдел освещения подчиняется оператору . Вот краткое изложение основ декорационного освещения.
Свет измеряется в Кельвинах (К). — температура по абсолютной шкале. Чем ниже значение K, тем более красным будет . Самый низкий показатель Кельвина — для света свечи, который находится в диапазоне от 1000 до 1900 К.
Повышение по шкале Кельвина приведет к желтому, белому и синему свету. Лампы накаливания и галогенные лампы встречаются в диапазоне 2500–3000 К. Дневной свет составляет около 5600 К. Чистое голубое небо можно увидеть на 10 000К.
Типы огней

Изображение: Настройка освещения через центральную службу бронирования
Существует много типов источников света, но для кинопленки вы должны быть знакомы с лампами накаливания, человеко-машинного интерфейса, флуоресцентными лампами и светодиодами.Также не забывайте о солнце.
Tungsten Лампы дают оранжевый оттенок около 3200 К. Лампы требуют большой мощности и сильно нагреваются, но их можно регулировать. Их обычно используют для освещения интерьеров. Добавьте синий гель к лампам накаливания, чтобы создать дневной свет.
Гидравлические иодидные фонари со средней дугой (HMI) являются наиболее распространенным источником света, используемым на съемочной площадке. Лампы HMI в четыре раза мощнее традиционных ламп накаливания. Они могут быть опасными, поэтому настоятельно рекомендуется иметь под рукой профессионального светотехника .Лампы HMI излучают ультрафиолетовый свет синего оттенка.
Флуоресцентные лампы когда-то были известны мерцанием и своим уродливым оранжево-зеленым оттенком. Теперь люминесцентные лампы не мерцают и предлагают несколько цветовых температур. Очень мягкий свет более эффективен, чем лампа накаливания, и может иметь внешний вид, похожий на лампы HMI.
Светоизлучающие диоды (LED) очень распространены в небольших наборах. Белые Светодиодные лампы наиболее популярны, но на самом деле светодиоды производятся в количестве штук каждого цвета .Диоды предназначены для обеспечения направленного света, но их общая мощность ограничена.
Трехточечный светильник

Изображение: трехточечная диаграмма освещения через Skillman Video Group
Трехточечное освещение — это стандартная система освещения для видеопроизводства. Название указывает на то, что вы будете использовать три источника света. Обратите внимание, что я сказал три источника, а не три источника света. Вы можете использовать солнце, если хотите, но трехточечное освещение в основном используется в помещении.
Первичный источник света называется ключевым светом . Этот свет падает прямо на персонажа или объект спереди справа или спереди слева. Этот свет должен создать общий вид и ощущение кадра. Второй источник света — это заполняющий свет , который заполняет в персонажа или объекта более мягким светом. Если основной свет используется спереди справа, то заполняющий свет будет использоваться спереди слева. Заполняющий свет всегда должен располагаться на противоположной стороне от основного источника света.Наконец, есть подсветка . Как следует из названия, этот свет используется в задней части объекта. Этот свет используется для отделения объекта от фона. Он должен создавать ободок света вокруг объекта, поэтому его также называют обводным светом.
Имейте в виду, что трехточечное освещение — это только начало. Как кинематографисту вам, , придется нарушить некоторые правила, чтобы добиться наилучшего общего вида . Это включает выключение света или добавление дополнительных устройств.Вы также можете переместить источник света и использовать яркое или сдержанное освещение. Вы также можете использовать фонарик или фонарик, чтобы получить этот популярный блик.
Ресурсы освещения:
Начало работы в качестве оператора
Теперь, когда у вас есть вся эта информация, пора начинать съемку. Серьезно . Единственный способ стать кинематографистом — снимать работу, какой бы она ни была. В этом интервью для DP / 30 оскароносный кинематографист Уолли Пфистер рассказывает о некоторых из своих ранних работ, которые он снимал для MTV и небольших фильмов ужасов.

Я также настоятельно рекомендую посмотреть это видео от Закуто и Кесслера, где легендарные кинематографисты делятся своими мыслями и вдохновением. Он попадает в самую точку всего, что может испытать кинематографист.

Примечание авторов: я надеюсь, что вы найдете это руководство полезным на вашем пути в качестве кинематографиста. Если вы чувствуете, что этих ресурсов все еще недостаточно, обязательно сообщите нам об этом в комментариях ниже. Мы будем рады и дальше писать статьи о cinematography , чтобы помочь вам узнать все, что вам нужно.
6. Что такое кинематография? — Изучение строительства и производства фильмов
Dictionary.com определяет кинематографию как «искусство или технику киносъемки». Поскольку мы относимся к технической сфере, мы не хотим использовать простую формулу.
Режиссер, будучи главным творцом фильма, отвечает за кинематографию, а оператор-постановщик или кинематографист отвечает за съемочную группу, светотехнику и электрические бригады.
Wikibooks в своем «Руководстве по созданию фильмов» определяет фотографа (DP) как «ответственного за фактическое изображение проекта фильма. Они направляют бригады камеры / захвата / освещения относительно того, как должны быть размещены источники света, как должна быть экспонирована камера, и в основном все, что связано с изображением на пленке. Также они подберут запас пленки и ее обработку. Много раз DP также будет присутствовать во время синхронизации цветов. DP очень тесно сотрудничает с режиссером, чтобы реализовать его видение того, как фильм должен выглядеть.”
Самый быстрый способ просмотреть различные снимки с камеры и то, как они используются, — это посмотреть следующее видео на YouTube.
Урок кинематографии первый: углы Натан Греб

Словарь
Чрезвычайно широкоугольный план: показывает широкий обзор вокруг персонажа и информирует аудиторию о том, что происходит. Его часто используют в качестве вступительного кадра к новой сцене.
Широкий план: Показывает персонажа с головы до пят.
Среднеширокий план: Показывает персонажа, обычно обрезанного ниже колен, но достаточно широкого, чтобы показать обстановку вокруг него или нее, и при этом быть достаточно близко, чтобы показать выражение его или ее лица.
Средний снимок: показывает верхнюю часть тела, руки и голову.
Крупный план: видны лицо и плечи, и это очень хорошо показывает выражение лица персонажа.
Очень крупный план: видна только часть лица персонажа. Он заполняет деталями весь кадр.
Углы:
Высокий угол: камера, расположенная выше уровня глаз, смотрит вниз. Этот кадр часто используется для того, чтобы персонаж выглядел маленьким, слабым, молодым или растерянным.
Средний угол: наиболее часто используется.
Низкий угол: используется, чтобы персонаж казался больше, сильнее, пугающе или благороднее.
Через плечо: крупный план персонажа, изображенного через плечо другого персонажа.
Два кадра: в кадре показаны оба персонажа.Камера движется.
Панорама: камера вращается из стороны в сторону, оставаясь в том же месте. Просто выполняется со штативом.
Наклон: камера перемещается для наведения вверх или вниз без изменения местоположения. Также делается со штативом.
Zoom: Обычно масштабирование — это перемещение объектива без перемещения камеры. Я бы не рекомендовал использовать эту функцию с камерой DSLR просто потому, что она вызывает изрядную дрожь в вашем видео и уводит аудиторию со сцены.Однако всегда есть исключения: если желаемый эффект требует увеличения, используйте масштабирование. Если у вас фиксированный / фиксированный объектив, вы можете использовать ноги для увеличения.
Dolly: Камера перемещается из стороны в сторону. Это движение можно использовать, чтобы раскрыть что-то в сцене.
Чрезвычайно широкий план, как указано ниже, используется в начале сцены, когда режиссер хочет определить, где происходит сцена. Установочный снимок — это фотография места, которое знакомо зрителю, поэтому зритель сразу же распознает обстановку сцены.
Общий план или дальний план используется, когда снимается группа людей, например, в боевой сцене.
Средний или средний план снимает человека по пояс. При съемке разговора часто используются средние кадры. Когда режиссер хочет, чтобы оба человека, участвующие в разговоре, были замечены одновременно, используется два кадра. Если в разговоре участвуют три человека, режиссер может использовать технику из трех выстрелов. Когда режиссер хочет, чтобы в кадре был только один человек, может быть показан говорящий, а затем, когда этот человек перестает говорить, реакция другого человека может отображаться в отдельном кадре.
Снимок крупным планом используется в эмоциональной сцене. Этот кадр используется для очень драматических сцен, где режиссер хочет, чтобы зрители испытывали эмоции по отношению к персонажу в конкретной сцене.
Двух- и трехкадровая пленка используется, когда два или три человека снимаются в одном кадре. Режиссер может захотеть использовать этот тип кадра, когда он хочет, чтобы зритель одновременно наблюдал за говорящим человеком и за реакцией слушающего человека или людей.
Снимок через плечо и снимок с точки зрения используются, когда режиссер хочет дать аудитории субъективную точку зрения или заставить аудиторию почувствовать себя частью действия.
Снимок через плечо делается через плечо одного из персонажей, так что зритель видит плечо, одну сторону лица и шею одного человека, когда этот человек разговаривает с другим человеком. Зритель действительно видит то, на что смотрит первый персонаж. Другими словами, это ставит зрителя на место одного из персонажей, так что зритель может видеть реакцию другого персонажа.
Снимок с точки зрения дает зрителю точное представление о том, что персонаж видит без плеча и боковой стороны головы в кадре. Этот снимок больше похож на вид от первого лица, где зритель видит именно то, что видит персонаж.
Обсуждаются предыдущие снимки камеры и положения камеры, чтобы обеспечить визуальную грамотность между зрителем, и изображение, которое было создано и интерпретировано режиссером и съемочной группой по мере развития сюжета, развития и изменения образа персонажей.
Освещение
Lighting помогает создать фон для визуальной грамотности, которую создают режиссер и съемочная группа. Освещение выполнено в трех точках.
Первый момент — это ключевое освещение, обеспечивающее существенное освещение объекта, человека или области, которые вы хотите осветить при съемке.
Второй момент — заполняющее освещение. Если есть только небольшое заполняющее освещение, тогда будет много теней, и это придаст мрачный и загадочный вид.Больше света заполняет темные области изображения.
Последний пункт — заднее освещение, придающее объекту или человеку трехмерный вид.
Этот дизайн любезно предоставлен в теме «Трехточечное освещение» из Википедии.
Схема ниже включает четвертую точку освещения, то есть фоновое освещение. Это используется, если есть объект с определенным фоном, который необходимо осветить по особой причине.
Сдержанный свет и бесполезный свет оставляет тени.Это тип настроения, который подходит для криминальных фильмов, фильмов ужасов или фильмов-нуар. Чем выше тональность и заполняющая подсветка; тем ярче и счастливее настроение фильма или сцены. Для комедий и мюзиклов уместно много ключевого и заполняющего освещения.
Через три-четыре минуты фильма, Объезд , есть хороший пример яркого ключевого света, который становится темнее с тенями, а затем ключевой свет снова становится ярче по мере того, как фильм переходит к ретроспективному кадру.
В этой сцене из фильма «Первая страница» ключевой свет и заполняющий свет находятся высоко в этом кадре с Адольфом Менжу и Пэтом О’Брайеном, что часто бывает в комедиях.
Мы отойдем от кинематографии и перейдем к монтажу, чтобы собрать кадры наилучшим образом. Это два процесса, которые отличают фильм от других постановок, таких как живые театральные представления.
Дальнейший просмотр
По завершении этой главы список фильмов, которые можно посмотреть, которые являются прекрасными примерами кинематографии:
Седьмая заря , 1964, режиссер Льюис Гилберт, в главных ролях Уильям Холден, Сюзанна Йорк и Капуцин.Этот фильм — прекрасный образец декорационного кинематографа Дальнего Востока.
Китайский квартал , 1974, режиссер Роман Полански, в главных ролях Джек Николсон, Фэй Данауэй и Джон Хьюстон. Этот фильм — отличный пример светотени нео-нуара.
Дни небес , 1978, режиссер Терренс Малик, в главных ролях Ричард Гир, Брук Адамс и Сэм Шепард. Этот фильм — отличный пример кинематографии, создающей атмосферу рубежа веков.
Бегущий по лезвию , 1982, режиссер Ридли Скотт, в главных ролях Харрисон Форд, Рутгер Хауэр и Шон Янг. Этот фильм — отличный пример демонстрации футуристических страхов.
Выживший , 2015, режиссер Алехандро Г. Иньярриту, в главных ролях Леонардо Ди Каприо, Том Харди и Уилл Поултер. Этот фильм — отличный образец реализма в боевике.
Назначение
Джек переезжает в гостевой дом Бетти и Алека.Бетти наняла Джека, частного сыщика, для наблюдения за Алеком.
Джеку скучно, и он пару раз хочет уйти, но появляется Бетти и останавливает его, потому что ситуация вокруг дома ухудшается. Бетти заявляет, что многие мужчины, которых она никогда не видела, приходили в дом, чтобы увидеть Алека. Джек заявляет: «Какое это имеет значение?» Алек идет навестить Джека и заявляет, что все не так, как кажется, и что Джек не должен верить Бетти. Алек заявляет, что из-за этого принял меры предосторожности.
Однажды ночью Алек просит родственников приехать на вечеринку. Все напиваются и начинают бегать по двору, целуя первого человека, независимо от пола. В какой-то момент Алек с Бетти, а Алек начинает грубить с Бетти. Джек не может видеть, что происходит и что говорится, поэтому он начинает приближаться. Внезапно Алек оборачивается с удивленным выражением лица и с пистолетом в руке. Джек стреляет в него, а Алек все еще выглядит озадаченным из-за пистолета в руке.Родственники, в том числе Бетти, истерически бегают, пока Джек вызывает полицию. Приезжает полиция и обнаруживает, что Алек мертв. Они отвозят Джека в штаб, чтобы узнать, что произошло.
Какой тип кинематографических снимков лучше всего передает вышеуказанные сцены?
.
No related posts.

Логин:
Пароль: